Historia de La Fotografia Un Recorrido P

Historia de la Fotografía Yessica Espinosa
HISTORIA DE LA FOTOGRAFÍA: un recorrido por

los principales referentes fotográficos y su influencia
posterior
Yessica Espinosa
Resumen:
Nuestra imagen de ver el mundo es sinceramente fotográfica. Nos encontramos en la

época de la imagen y en plena ebullición de la era digital. A lo largo de las siguientes
páginas, vamos a ver cronológicamente qué ha sucedido desde el siglo XIX hasta la
actualidad. La importancia de la fotografía: tanto por ser un documento social
imprescindible como por su importancia comunicativa de conocimientos, sentimientos,
sensibilidades,… para la sociedad a lo largo de las centurias.
Palabras clave:
Historia de la Fotografía, Historia, Imagen, evolución fotográfica.
Abstract:
Our image of seeing the world is sincerely photographic. We are in the epoch of the image
and in the heat of the digital era. Throughout the following pages, we will see
chronologically what has happened from the nineteenth century to the present day. The
importance of photography: both for being an indispensable social document and for its
communicative importance of knowledge, feelings, sensibilities,... for society throughout
the centuries.
Keywords:
History of Photography, History, Image, photographic evolution.
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ÍNDICE
I. Introducción
II. Origen de la Fotografía. Breve introducción técnica.
III. Pioneros. Expansión y profesionalización de la disciplina.
IV. Los Géneros fotográficos.
V. Arte y Fotografía.
VI. Las vanguardias y el periodo de entreguerras.
VII. De la postguerra a los años sesenta del siglo XX.
VIII. La fotografía durante las décadas de los setenta y ochenta.
IX. Fotografía y Nuevas Tecnologías.
X. La interdisciplinaridad del lenguaje fotográfico.
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T1. Introducción. La Fotografía: comunicación y fenómeno

social.
Comenzaré haciendo referencia al libro de Ivins, Imagen impresa y conocimiento.
Análisis de la imagen prefotográfica, un libro de la segunda mitad del s. XX, en un
momento en que la fotografía ya ha alcanzado su importancia. Ivins, conservador de la
sección de grabados de un museo en NYC. Nos habla de imagen, conocimiento y poder,
para nosotros muy útil pues porque en el arte contemporáneo la fotografía tiene algo que
la hace especial o diferente a otro tipo de imágenes que también producimos. Lo que tiene
la fotografía es que es muy fácil de hacer, muy rápida, y en cierto modo confiamos en
que es una verdadera huella de la realidad pero hablaremos de ello. En cierto modo, la
repetición de una imagen, su multiplicidad, es un aspecto que hace que la historia de la
fotografía sea la pieza clave de esta cultura de la imagen que hablábamos antes. Como
ahora es muy fácil hacer fotografías y reproducirlas, pero ello es así ahora en la
actualidad; pero cuando hablemos de la historia de la fotografía, la gente no veía
fotografías reproducidas, copias, que durante mucho tiempo ha sido difícil y caro. Sin
embargo, en el s. XIX, a pesar de su dificultad y su carestía ya la sociedad consumía
muchas imágenes y ya podíamos decir que era una cultura visual, una cultura donde la
percepción visual era básica, lo que pasa es que las imágenes que se veían eran grabados
xilográficos en periódicos y revistas ilustradas del XIX. El siglo XIX es el gran siglo de
la prensa ilustrada (para unos pocos se da a fines del s. XVIII, pero para los más en el
siglo XIX). Ante la necesidad de conocer con imágenes, la prensa se sirvió del grabado
xilográfico que en el siglo XIX se utilizó para hacer grandes imágenes en revistas
ilustradas puesto que eran baratos y permitían tiradas múltiples. Había periódicos en el s.
XIX con grabados xilográficos que tiraban cientos de grabados en ejemplares.
Generalmente no eran diarios, los que llevaban grabados eran semanarios (la revista
blanco y negro).
El postulado de Ivins es la siguiente:
“En el curso de aquellas discusiones me di cuenta de que los países más atrasados
del mundo son y han sido aquellos que no han aprendido a aprovechar plenamente
las posibilidades de la manifestación y comunicación gráficas, y que muchas ideas
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y capacidades más características de nuestra civilización occidental han estado

íntimamente relacionadas con nuestra capacidad para repetir exactamente esas
manifestaciones y comunicaciones gráficas”.
Ivins, como norteamericano, cree que como ingeniero cree que es capaz de realizar una
locomotora y que otros ingenieros serán capaces de realizar lo mismo en sus respectivos
lugares. Esto que dice Ivins nos valdría para la ingeniería, la ciencia, la medicina, etc.
para Ivins es más importante que una civilización sepa hacer imágenes y reproducirlas e
incluso la imprenta. Como en el mundo antiguo los griegos tenían esclavos, y que el
mundo griego clásico está muy lejos, él presta mucho más atención a la imagen y a su
reproducción que a la propia filosofía abstracta. Pero hay un cierto cambio en la
ilustración, pues la Enciclopedia francesa intenta coger el saber humano en tomos y que
cualquier ser humano tenga acceso al conocimiento. La enciclopedia se caracterizaba por
tener grabados, todavía aguafuertes que costaba mucho su realización por lo que todavía
era un tipo muy restrictivo. Lo que hemos tenido en la edad contemporánea una manera
más rápida y mejor de realizar imágenes y reproducirlas.
Antes de la fotografía, en el Renacimiento y en el siglo XVIII por ejemplo, muchos

artistas lo reproducen a su manera y lo adaptan a las características que tiene el grabado,
pero esto permite adaptarse a la mano del dibujante. No tenían fotografía, pero tenían
visiones axonometrías.
La portada del libro de Ivins tiene cuatro interpretaciones de un detalle del Laoconte.
Lessing fundó la h del arte con un libro titulado Laoconte. Pero decir que Lessing jamás
vio esta escultura, sirviéndose para su portada de grabados.
Precisar. No cabe duda que entre saber dibujar y el conocimiento científico (de los griegos
y romanos) sin imágenes. Así cuando había un buen naturalista como Plinio u otro sabio
de la época, siempre tenían esta limitación de que no iban acompañados sus textos por
imagen visual.
Francisco Hernández recuperó los escritos de Plinio el Viejo e hizo una edición a fines
del s. XVI. En esa época veremos que las ilustraciones que aparecen en ese libro nos
resultan insuficientes.
El conocimiento y reproducción visual es muy interesante para el progreso de la

civilización. La misma ilustración para cualquier animal de un pico, alas y dos patas. En
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el siglo XVI casi se ve como algo complementario. Pero a fines del XVIII, un grabado de
este mismo animal (un cuervo) tiene puntos en común con el anterior, pero lo que ocurre
que en esta última versión cada pájaro tenía su punto diferenciador.
Los griegos, por ejemplo, eran gentes con un gran esfuerzo en la sistematización.
Asumiendo esa tesis de Ivins vamos a encuadrar la fotografía en nuestra cultura de

enriquecer nuestro conocimiento con cultura visual. Esa ansia de conocer a través de
imágenes aparece antes de la invención de la fotografía. La voluntad de que no dependa
de la mano humana la captura y reproducción de una imagen, es algo en lo que se estaba
soñando desde hace décadas. Lo que ocurre es que la imagen fotográfica tiene
características diferentes a las del grabado que hemos visto para reproducir… lo que tiene
la imagen fotográfica es que es una Imagen Indicial (esto es, como huella: algo que se
crea como reflejo o huella de una realidad existente). En el caso de la fotografía son
imágenes que nos llevan al siguiente punto: constituyen un reflejo de la realidad (son
imágenes que consideramos reales en el sentido de que son la huella de una realidad). El
siguiente aspecto tiene que ver, más que con las imágenes, con la condición humana, y
nuestros conocimientos tienen más que ver con nuestra memoria tanto a nivel personal
y familiar pero también a nivel del tiempo.
Algunas de las primeras fotografías que se hicieron por

los descubridores de la misma. Niépce acaba de ver que
puede hacer fotografías, sigue experimentando y lo que hace
es fotografiar unas hojas y unas flores –para que sea algo
más real y en ese sentido más científico. Capacidad de
reproducción.
1.2. LA REPRODUCCIÓN Y DIFUSIÓN.
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• La intencionalidad de aplicar la fotografía a la reproducción de imágenes en

los pioneros.
• Niépce, Copia del grabado del cardenal d’Ambroise (s. XVII) por Heliografía
en 1816.
Ya reconociendo la importancia de la fotografía en nuestra cultura y civilización, su

carácter de reproducción.
Antes de que existiera la fotografía podíamos tener la capacidad de conocimiento de obras

a través de grabados. Uno de los primeros usos que se dio a la capacidad de poder capturar
una imagen es de uno de los pioneros llamado NIÉPCE en
1816. Niépce, Copia del grabado del cardenal
d’Ambroise (s. XVII) por Heliografía en 1816. Una

década antes de que Daguerre presente su daguerrotipo en
sociedad. Niépce consiguió manejar sustancias
fotosensibles (sustancias que en contacto con la luz
oscurecían) de tal forma a modo de una fotocopia.
Mientras Niépce hacia estas pruebas (en el T2 haremos un desarrollo más ordenado), en
Inglaterra hay otro inventor que está haciendo prácticamente lo mismo: Talbot, quien
hizo un libro de fotografías titulado El lápiz de la naturaleza (The Pencil of Nature, 1844-
46) –una colección de fotografías que él mismo había tomado– con a veces temas tan
anecdóticos como simplemente una escoba apoyada en una puerta. Lo interesante de esta
obra, más que las fotografías, es por la idea de que a Talbot se le ocurre –con esas
imágenes– hacer un libro. Algo nada
novedoso para nosotros, pero este fue el
primer libro de fotografías. Esto nos
demuestra como a comienzos del invento
[de la fotografía], la publicación en forma
de libro impreso se consideraba como uno
de los objetivos o metas de la fotografía.
Lo que ocurre es que no se sabe hacer esto
mismo de una manera rápida y barata. En este primer
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libro Talbot cuando hacia una fotografía tenía que hacer la copia en papel de esa foto y
esa copia es la que iba al libro y la pegaba en esa página, así que para hacer cincuenta
libros por ej., tenía que hacer cincuenta copias.
Talbot patentó en 1952 un sistema de fotograbado. Perfeccionó el sistema e

ideó un sistema de fotograbado que llamó Grabado Fotoglífico (las placas se cubren con
gelatina con bicromato de potasio (insoluble tras la exposición)).
Pero en definitiva, tanto Niépce como Talbot, que son en Francia e Inglaterra los pioneros
en el descubrimiento, lo que están haciendo con las imágenes que capturan es el poder
reproducirlas.
La edición de libros con fotografías cambió la manera de ver el mundo. En el s. XIX,

revolución de los transportes, vamos a empezar a tener los primeros libros fotográficos,
caros pero obras que van a recopilar y difundir la imagen fotográfica. Siglo XIX, coincide
con el desarrollo de la egiptología (fotografías directas).
• El Album photographique de l’Artiste et l’Amateur (1851-53)

• Con vista y arte de Europa y Asia, 36 calotipos positivados por Louis-Désiré
Blanquart-Evrard (1802-1872), que fundó en Lille la Imprimerie Photographique
(1850). Obras de diversos fotógrafos.
Sin embargo, aunque estos ejemplos de algún libro de fotografía, las ediciones son
muy cortas y tremendamente caras. El sistema barato para difundir una imagen era el
grabado xilográfico. De la foto realizada en Roma, alguien realizaba una plancha en
madera para reproducirla en grabado xilográfico. ¿Qué nos creemos más, una fotografía
o un grabado? Así, en el s. XIX ponían bajo la imagen, Imagen extraída de un grabado o
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de una fotografía. Illustrated London News. Informaban acerca de la realidad. En

España: Ilustración Española y Americana, la más importante. En el siglo XIX estas
revistas eran de enormes dimensiones y a veces tenían grabados a pág. entera,
información gráfica que tenía una gran difusión. No todo el mundo sabía leer pero todo
el mundo podía ver una imagen.
Los sistemas para reproducir una imagen se convirtieron en el principal campo de

actuación de muchos inventores. En el grabado xilográfico en revistas teníamos un
grabado en relieve –esto se puede utilizar junto a la tipografía (letras de imprenta para
componer textos, también en relieve) con esto se puede obtener a la vez texto e imagen.
Pero ese grabado, aunque se pusiese abajo realizado a partir de una fotografía no era
realmente una fotografía. En el siglo XIX es muy inusual encontrarnos algún libro con
xilografías. En general se subdividen en tres categorías los sistemas:
- Unos en relieve. Dejan sobresaliendo la parte a entintar (el positivo)

- En huecos donde prácticamente la imagen cubre una superficie y, como el
calcográfico, necesitan cierta impresión para darnos la imagen final.
- Otros, que funcionan por otro procedimiento, que se denominan planos.
Procedimientos en relieve:
• Heligrabado (1853), Niépce de Saint-Victor.

• Helioplastia (1855), L. Alphonse Poitevin.
• Fotograbado sobre cinc (1876), Charles Gillot.
• Las tramas: Georg Meisenbach (1841-1922), introductor de la trama en
fotomecánica en 1882. Permite relieve y combinar con textos.
Procedimientos en hueco.
• El negativo se transfiere a una plancha cubierta de resina (como el agua tinta)

mediante un tisú al carbón. El invento, de 1878, se debe a K. Klic, que vendió su
patente a la compañía Rembrandt.
Procedimientos en plano:
• Fotolitografía (1855), L. Alphonse Poitevin: sustancias no solubles tras la

exposición y que aceptaban en las zonas no expuestas tintas de imprenta.
• Offset, principios siglo XX, Rubel.
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Estos sistemas tardaron mucho en ser rentables. En las revistas que publicaban imágenes,
aunque ya se habían inventado estos sistemas, se seguían utilizando el grabado
xilográfico. Aunque ocasionalmente estas revistas publicaron por estas fotografías que el
resultado no es muy nítido y suponía un coste económico enorme (era algo excepcional).
Los procedimientos en hueco se suceden de forma paralela en la segunda mitad del XIX.
Hubo un tipo de publicaciones que sí era frecuente, eran las publicaciones artísticas. Por
último, los procedimientos en plano emplean un sistema parecido al de la litografía.
En conclusión, ver como hay un grupo de inventores a partir de la mitad del XIX –cuando
ya estaba inventada la fotografía– solapándose distintos procedimientos de
abaratamiento y ninguno de ellos llegó a consolidarse. Solamente observamos su triunfo
ya a fines del s. XIX. Ese va a ser en historia del periodismo el inicio del final de las
llamadas ilustraciones, sustituidas por revistas más pequeñas llenas de fotografías (que
son más cercanas a lo que son nuestras revistas actuales).
Todos estos complejos procedimientos nos son ajenos porque ya no manejamos este
material y no tenemos que recurrir a la producción fotomecánica.
Impresión digital y difusión en Internet. La culminación.
- Cámara digital.
- El ordenador personal: impresora, scanner y modem.
- Telefonía móvil con cámara.
Transmitir una imagen que antes era costosísimo, hoy en día en la actualidad sale gratis.
Hoy en día todos nosotros tenemos acceso a miles de fotografías. Es el punto y final de
un largo recorrido desde el primer invento de la fotografía.
La repercusión que tiene en que podamos coger la realidad y difundirla. Muy interesante
como documento social. Un conocimiento del mundo de una manera diferente a la que
nos mostraban históricamente los grandes artistas del pasado. Esto mismo nos lleva a los
siguientes puntos con finalidad de propaganda, publicidad, política, así como la
publicidad, la fama… etc. En definitiva, qué impacto ha tenido en nuestra sociedad el
disponer de imágenes fotográficas a nuestro alcance.
12/02/14.
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1.3. Documento social.
Como esta capacidad de coger la realidad y difundirla ha influido en nuestra forma de ver
el mundo y en cierto modo, como la fotografía se ha convertido en documento social.
Fotografía, ilustración de muchas cosas (como documento social en guerras de la
historia). El fotoperiodista. Influencia en la opinión pública. Muy distinto que te lo
cuenten a verlo recogido en imágenes fotográficas. En este sentido, para cualquier
acontecimiento histórico este tipo de imágenes es tremendamente potente, pero ¿desde
cuándo? Pues esto ocurre ya en el s. XIX, las grandes matanzas y, sobre todo, el cambio
en la opinión pública que puede tener una imagen se sabe desde primer momento y la
ocurrencia de llevar una cámara al campo de batalla surge también tempranamente. Un
inglés llamado ROGER FENTON está considerado como el primer fotorreportero de
guerra. Estudio arte, pintaba… pero en el año 1855 en la Guerra de Crimea, guerra que
pasó a ser la primera gran guerra fotografiada.
Esa imagen que tenemos del fotoperiodista en primera línea de batalla cogiendo
instantáneas. Pero en el XIX estaba condicionada por todo el mecanismo de preparar las
planchas –que eran de cristal – que muchas se rompían, otras muchas por el calor, y,
aparte la cámara era también un armatoste pesado y, todavía en 1855 la fotografía no era
todavía instantánea (se denomina Tiempo de Exposición, el rato que tenemos que tener
el orificio por donde entra la luz en la cámara algún minuto) de tal forma que esto de
capturar el instante técnicamente era imposible. Las fotografías de este primer
fotoperiodista nos resultan a día de hoy muy estáticas. Aparte de esta complejidad técnica
proporcionada por los materiales de la época, Fenton fue allí pagado por la Corona
Británica y sobre todo por un medio de comunicación afín y patente de esta guerra que
era Ilustrator London… pero con una condición: prohibido de sacar a relucir aspectos de
muertos, y también porque se consideraba que esas fotos crudas de los combates,
muertos,… causarían un gran impacto en las familias de esos soldados creando así un
clima antibélico. Fenton hace fotos casi siempre, no de los combates y del frente, sino de
los campamentos donde están los británicos.
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La artillería, la tropa entre combate y combate.
También muchas de las fotos son retratos de los oficiales. Tenían el interés de mostrar a
los héroes, combatientes, protagonistas. Pero algo todavía muy alejado de lo que nos
esperaríamos de los reportajes de guerra. Los retratos de Fenton, hieratismo, rigidez,
estatismo.
Pero Fenton fue uno de los pioneros también en ver la utilidad que tenía la fotografía para
el arte. Uno delos primeros en fotografiar sistemáticamente museo británico etc.
Algunas fotografías de Fenton estaban duplicadas para poder ver la fotografía en 3D.
Pero muchas de estas fotos se vendían en las revistas ilustradas. Al principio reproducir
fotos era muy caro, la mayor parte de las imágenes en el XIX, aunque ya existía la
fotografía era pasarlo a grabado. Ilustrated London News. La portada del semanario
Harpers, una de las más importantes de EEUU, nos trae en portada al general Grant. La
fotografía era llevada con gran fidelidad a las portadas de estas revistas ilustradas con
grabados. Interpretado en la época como una copia fiel de lo fotográfico, como algo
verdadero, fiel, como resultado de una traducción a otro sistema que permite reproducir
fotografías en formas más baratas.
En historia del arte es muy frecuente que nos centremos en Europa, sin embargo una de
las características de la foto desde su presentación en sociedad va a tener un tremendo
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desarrollo especialmente en EEUU –que se va convirtiendo en el gran protagonista

político, económico y cultural. La guerra de Secesión en la década delos 60 y que está
muy ligada también al desarrollo del ferrocarril, la revolución de los transportes y que
permite grandes desplazamientos para llevar estos equipos.
La Guerra de Secesión (1861-1865) muertos, ferrocarril y el Oeste.
- Mathew Brady (1823-1896). Daguerrotipo, guerra.
- Alexander Gardner (1821-1882) Colodión, guerra, Lincoln. Photographic Sketch of

the War
-Timothy O’Sullivan (1843-1882). Colodión, guerra, expedición a las Rocosas del

geólogo King (1867.70), Colorado, Arizona.
- Edward S. Curtis (1868-1954), Bromuro, los indios (con el apoyo del presidente
Flanklin D. Roosevelt y J.P. Morgan). En 20 volúmenes The North American Indians
(1907-1930)
Lo que hacen los fotógrafos norteamericanos con sus equipos en la guerra de Secesión es
algo parecido a lo que, una década antes, Fenton pudo hacer en Crimea. De hecho algunas
fotos son muy parecidas. Este tipo de imágenes las encontramos en los fotógrafos que
ven la necesidad de fotografiar este gran acontecimiento.
Foto de Gardner, algo que no

tiene Fenton: muertos. Gardner
no está subvencionado ni
censurado. Trabaja por libre y va
a vender luego ese material
fotográfico a quien se lo compre.
Así se atreve a hacer fotografías
de los combates con muertos en
primer plano. Algo no inusual,
pues en pintura del Romanticismo
vemos esto. Pero es muy distinto que te lo pinten a que lo veas. Lo fotográfico no se puede
idealizar mucho, pues muestra lo más cruel de la realidad de la guerra.
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En definitiva temas que interesan a la opinión pública y no son las típicas fotos
que hacen los fotógrafos profesionales de las ciudades. La mayoría de los fotógrafos
hacían fotos de retratos. La máquina fotográfica permitía salir a la calle y “contar” lo que
pasaba.
O’Sullivan, hace un tanto lo mismo. También muy importante porque fotografía los
grandes paisajes norteamericanos. EEUU, uno delos primeros países en inventarse los
parques naturales. Nos interesa esa relación con el viaje y con sacar la cámara del estudio.
Cañón de Chelley, Nuevo México, copia a la albúmina, 1873.
Justo con el invento de la foto se está creando EEUU y desde la costa atlántica hasta la
del pacifico se está poblando y se toma contacto con los nativos americanos. Todas las
imágenes que tenemos de cómo son los indios las tenemos de las películas de Hollywood.
Curtis, fotógrafo del XIX, especializado en documentar las culturas de los indios y
prácticamente es la principal fuente visual que tenemos sobre los indios americanos. La
biblioteca del congreso delos EEUU conserva el ingente archivo de miles de negativos
de Curtis. Resultó una gran simpatía y los fotografía no como un peligro o como salvajes,
sino más bien tratando siempre mostrarnos aparte de captar la personalidad de algunos
jefes, presta una gran atención a los tocados, adornos de plumas, forma de montar
caballos, etc.
Vroman, es otro de estos fotógrafos.

Nos muestran cómo era en realidad todo este gran nº de etnias que poblaban América
antes de la conquista de los americanos.
Ahora bien, aparte de las guerras se consideran como algo excepcional o ajeno a nosotros,
hay un aspecto que hace que la fotografía sea un documento social excepcional y es que
también sirvió no para mostrar lo que era “extraño”, la fotografía se empleó para contar
la verdad de cómo era nuestra sociedad, para denunciar las grandes injusticias. Un uso de
la fotografía que todavía existe hoy. Esta fotografía social también tiene su origen en el
s. XIX –más bien a finales de siglo –. Curiosamente ese EEUU donde la prensa tiene un
gran desarrollo, donde nos vamos a encontrar fotógrafos con ciencia social, gente que
saca su cámara a denunciar esas denuncias sociales para que los demás lo vean: una es
publicándolas en periódicos, en prensa, pero hay mucho material de esta época que no
salió en la prensa.
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El primero de ellos en esta línea a conocer es un norteamericano de origen danés llamado

JACOBS AUGUST RIIS (1849-1914) que se dedicaba a lo que hoy denominaríamos
labores sociales en NYC y en la última década del s. XIX hizo importantes trabajos
recogidos sobre todo en dos títulos: How the Other Half Lives (1890) y Children of the
poors (1892). Como la mayoría de la prensa no tiene la técnica de producir imágenes
fotográficas tuvo poca repercusión en diarios aunque sí se reproducían en algunos diarios
dibujos de esas fotografías. Riis visitaba los mundos de la noche y las primeras casas
donde vivían los pobres, así fue uno de los primeros en utilizar el flash, mostrando esa
otra cara de la moneda de la que no se solía hablar y de la que no se tenía mucha
conciencia. En su época no fue muy famoso pero después de la IIWW se recuperó su gran
trabajo. Sus fotos son de barrios pobres, de gente peligrosa,… fotografías que no
fotografiaba (valga redundancia) nadie más que él. [Película: Scorsese, Gánster de NYC].
Hay un fotograma de la peli que se reconstruye este callejón. Además de estas calles
peligrosas, entraba con la cámara donde nadie más quería entrar –las clases más
empobrecidas de las clases de NYC, fotografía mendigos (se acerca a la pobreza). Con
fotos no de reclamo turístico pero que sirve para tomar conciencia de que hay gente
viviendo así y si uno no lleva la cámara y lo muestra la pobreza sigue allí sin conocerse
fuera de allí. Riis es el pionero en esto. Pero la mayoría de los fotógrafos del XIX están
disfrazando a los hijos de los ricos y haciendo algo así como alegorías.
LEWIS WICKES HINE (1874-1940), también volcado a temas sociales. Su fondo

fotográfico está considerado uno delos más importantes de los EEUU. También en la
biblioteca del congreso de los EEUU. Sobre todo su repercusión en los propios
congresistas de los EEUU. Su trabajo de fotografías sirvió para convencer a dirigentes
políticos, como leyes que prohibiesen la explotación infantil. Esto que se prohíba trabajar
a cierta edad, no surge de la nada, se hizo un poco tras caérseles la cara de vergüenza a
dirigentes al ver estos reportajes. Dentro de esta labor tiene trabajos, que destacan en dos
temas: 1. El de la inmigración. Tema constante pero EEUU recordar que se forma así: por
la presencia masiva de inmigrantes. Pero Hine se especializó en fotografiar los que
llegaban en concreto a Ellis Island. Sus trabajos hacen una radiografía de cómo son estos
norteamericanos que llegan al país con lo puesto y con un origen épico. Por un lado
fotografías de los numerosos controles de inmigración, interesante ver como visten con
el traje típico de su región pero además los equipajes y gestos. En ocasiones el fotógrafo
tiene la capacidad de transformar esa realidad, y en otras la capacidad de cómo se pone
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estratégicamente, el encuadre,… pero no solo como viste al personaje, en esta fotografía

ha colocado los elementos fotográficos de tal manera que dan mensaje y argumento a la
foto sin más.
Una de sus fotografías más famosas: el retrato de una joven mujer judía, y
simplemente esta mirada perdida, un poco sin saber muy bien que va a pasar dentro de un
rato, hablaba muy bien de la intensidad emocional que tenía el desembarco y la llegada a
esa especie de tierra prometida.
Por supuesto que en la isla de Ellis se registraba todo esto, pero todo esto es la
crónica viva de como se hizo EEUU.
Además y también otra de las preocupaciones de Hine fue el mundo de la infancia,

las condiciones de los niños pero no solo la pobreza sino las cuestiones del trabajo infantil
prohibido ya bien entrado el s. XX. Estas fotografías de principios del XX. Las cámaras
fotográficas ya son de maleta. Los negativos ya son más manejables y estables.
Fotografías que retratan a muchos niños vagabundos. (En la foto del XIX de vez en
cuando encontramos también niños pobres, estaba moda de entre los ricos hacer fotos de
niños ricos vestidos con harapos y fotografiarlos como niños pobres). Las fotos son
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mucho más ásperas porque denuncian una grave denuncia. Un tipo de trabajo que hacían
era el de vendedor de periódicos, ver como de nuevo lo podría haber retratado solo pero
la foto gana mucho si vemos el contraste entre la mujer elegantemente vestida y el niño
pobre, pero centrado en lo infantil. Otro trabajo también donde es habitual es el de
limpiabotas. Pero no todos los trabajos eran así de cómodos y en una zona sin peligros.
Se había producido la revolución industrial y era falta la mano, la industria textil. A un
niño se le paga mucho menos que a un adulto, así los grandes dueños de estas empresas
contratan a niños para trabajos que no se necesitaba grandes fuerzas. El fotógrafo, no un
pintor, nos muestra esta inmensidad frente a esta niña sola que controla estos mecanismos
de telares. Otra imagen: las grandes máquinas que controlan niños que necesitan subirse
para controlar esas máquinas, de nuevo vemos esa grandeza frente a la infancia débil y
desprotegida. Había numerosos tullidos en la población infantil trabajadora. Así vemos la
foto de este pobre muchacho que ha perdido el brazo. Es distinto un texto denunciador a
una fotografía denunciadora.
Una de sus mejores fotografías: los niños eran contratados en las minas. La
utilización del flash en este caso le permite hacer una foto en este lugar oscuro donde todo
es negro en las ropas y allí destacan como puntos blancos los rostros de los niños
Hine supo adaptar el lenguaje fotográfico al mensaje que quería trasladar a la

sociedad (denunciar sus visiones). Sabía muy bien cómo poner el dedo en la llaga y hacer
consciente en los EEUU de estas denuncias.
El seguir utilizando la foto para esto o la tv sigue siendo uno de los usos que le
damos a la cámara. En la mina, en las industrias, en los campos y en concreto en las
plantaciones de tabaco que también era habitual aquí el trabajo infantil. Una foto de una
niña que trabaja recogiendo patatas siendo la cesta más grande que ella. Otra foto: un niño
de unos cuatro años que está recogiendo algodón con un saco que pesa más que él. Hine
no se tenía que inventar la realidad, eso sí utilizaba el lenguaje fotográfico de la manera
más potente para mostrarnos su mensaje. Estos dos autores, Riis y Hine, son los grandes
pioneros en denuncia social de la fotografía. Pioneros que tenemos que colocar en un
momento donde todavía era difícil en reproducir en periódicos sus fotografías. La historia
del s. XX consiste en un ágil desarrollo de la introducción de fotografías en periódicos y
en revistas. Creciendo exponencialmente así como también crecen exponencialmente las
máquinas que se harán cada vez más pequeñas, instantáneas y manejables. En el s. XIX
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había de alguna manera que interrumpir para hacer la foto. En el tema del periodismo
cambió el aspecto de las fotos era una realidad mucho más fresca.
Los años 20 en Alemania.
Esa manera de que el mundo no se pare mientras hago la foto hace su desarrollo
ya entrado el siglo XX. ERICH SALOMON Y FELIX H. MAN, dos reporteros en
Alemania que comenzaron a experimentar con estas máquinas e hicieron reportajes
denominados candid camera mucho más espontaneas, de gente sin posar, que hoy
estamos acostumbrados pero en su momento daban un aspecto de realidad mucho mayor.
Curiosamente a ambos les tocó la Alemania nazi, Salomón murió en campo judío, Man
pudo exiliar a EEUU. Normalmente reúnen fotos de reuniones de fiestas. Esta foto de
prensa de Salomon, nos muestran unos personajes sorprendidos y capta el momento en
que señalan y dicen mira que ha venido Salomon a hacernos la foto…
En 1938, un reportaje sobre Mussolini donde nos lo muestra trabajando en su

despacho. Son fotografías que, sabe que le están haciendo la foto pero no está
estrictamente posando.
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Münchner Illustrierter Presse, 1 de marzo de 1931
En la década de los años 40 y 50 donde ya todos los periódicos publican

fotografías, es más, ahora el periódico que tenga las mejores fotos será mejor. Arthur H.
Fellig pero conocido como Weegee, trabaja como freelance –hace las fotos y aquel que
le paga más, allí que lo publica. Weegee en realidad lo que quiere es conseguir imágenes
llamativas para vender periódicos y va a hacer todo lo que imaginéis para obtener las
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mejores fotos y vender periódicos. En realidad lo que vende está relacionado con el
sensacionalismo. Cualquier tema, cualquier escandalo si despierta el interés se lleva al
periódico. Además Weegee ha influido mucho en el cine negro. También tiene película:
El ojo público, su biografía pues el ojo de Weegee era el ojo que luego todo el mundo iba
a ver. Todo para conseguir la mejor foto. La foto que todos los periódicos quieren.
Fotografías de Weegee:
1. Fotografía los edificios justo en el momento de los bomberos, jugando con las luces y el
contraste de las luces.
2. Es amigo de los policías, convive con ellos, va a los calabozos fotografía todo lo que se
consideran los bajos fondos detenidos llevados en furgón policial son tomados. Él sobre todo
quiere mostrar lo que pasa y retocándolo para que la foto gane más. Él dice que mejor una
mala fotografía pero mostrar lo que ha pasado y que la gente entienda lo que ha ocurrido.
3. Una foto de un accidente de tráfico.
4. Aparte de esta conducta quizá reprochable, Weegee era un gran maestro, utilizaba esa
atmosfera de la noche y con un flash muy potente que permitía el momento oportuno. Para
Weegee una foto es la que se vende.
5. Este mundo un tanto escandaloso.

6. En el año 43, en un bar se hace una fiesta. Un enano
7. Una foto de sociedad. Dos altas damas de la rica burguesía a una organización teatral.
Interesante ver la cara de satisfacción en contraste con Weegee. Acentuar siempre el contenido
de estas fotografías. Estas fotografías se hacen para que se conozcan. El que la foto sea una
copia de la realidad –aunque se puede manipular – pero el hecho de que el espectador lo
considere como algo real, sea lo más potente para convencer a alguien.
8. Ver como en el s. XX las grandes fotos han sido siempre las reproducidas. Revistas como life.
Propaganda y fama.
9. Fotografía de Cartiere.
17/02/2014.
Aunque está bien que tengamos en cuenta que los fotógrafos quieren ganar dinero, pero
hay revistas y revistas. El mundo ante de la tv tuvo grandes revistas especializadas. Para
cerrar este tema, es necesario resaltar LA REVISTA LIFE (1936-72) que prácticamente
se convirtió en una de las revistas fotográficas más importantes. Surge de un nuevo
modelo de prensa basada más en la imagen que en el texto. Dicha revista fue fundada por
Henry L. Luce en Nueva York el 23 de noviembre de 1936 siguiendo el estilo y formato
19
de las publicaciones europeas de los años veinte y en especial de la francesa Vu

(19281936), fundada en 1928 por Lucien Vogel. Con Life se creó un nuevo estilo de
periodismo, basado enteramente en el reportaje fotográfico. Contrató a los fotógrafos
europeos perseguidos por los nazis: Alfred Eisenstaedt. Colaboraron los grandes del
reportaje gráfico: Eugène Smith, Robert Capa, Dorothea Lange, Bourke-White, Duncan,
Lisette Model, etc. Hasta su desaparición, el 28 de diciembre de 1972, fue la revista por
excelencia y sus portadas muy codiciadas por los profesionales. La portada del primer
número fue ilustrada con una vista de Fort Peck Dam (Montana) firmada por
BourkeWhite. Su contenido era general, destinado a la familia, con una tirada inicial de
446.000 ejemplares que un año después superó el millón y en 1972 alcanzó los ocho
millones. La fotografía era responsabilidad del director del departamento y uno de los
más carismáticos fue Wilson Hicks (1937-1950).
En Europa había muchas más revistas. Esta revista fue también, ver las fechas, un refugio
laboral para otros muchos fotógrafos de Alemania y luego Europa que con el racismo y
luego la IIGM van a tener que exiliarse a los EEUU. En el 72, cuando cierra y se ve que
no tiene negocio con la aparición de la tv, tenía 8 millones pero no de personas sino de
hogares, escuelas,… etc. Así que, lo importante de la revista Life es su calidad.
Este ejemplo de revista de información con calidad en su contenido e imágenes pero

también su enorme repercusión. En este contexto, vamos a ver algunas imágenes de
fotógrafos claves.
1. Una de las fotografías más reproducidas este beso, fotografiado por Alfred
Eisenstaedt (1898-1995) que en el 1945, en una fecha simbólica: volvía de Europa
y qué mejor recibimiento que este, pero lo que nos centramos nosotros es que
gracias a salir en Life y no quedarse en el estudio fotográfico o en un marquito se
convierte en icono del s. XX.
20
2. La portada de la revista Life, en el 36, por Margaret Bourke-White

(19041971) donde vemos una fotografía en blanco y negro que nos muestra esta
monumental arquitectura, es donde está la reserva de oro de los EEUU. entonces
se trataba de mostrar un lugar gracias a este reportaje va a permitir mucha gente
conocer detalles de este lugar.
3. La fotografía ayudó también a presentarnos a las grandes figuras, muchas veces

artistas del cine como Greta Garbo, pero también con una iconografía que se va a
convertir casi en imagen de referencia para estos famosos.
21
Son portadas de revista. De hecho, el fotógrafo autor de estas fotografías es Henri

HenriCartier-Bresson que las hizo para publicarlas en portada de esta revista Life como
el Nacimiento de la nación de Indonesia, o esta otra: el Pueblo de Rusia (ver como en el
contexto de la Guerra Fría, la imagen que se tenía de lo que pasaba al otro lado del telón
de acero, reportajes como estos permitieron que un fotógrafo-periodista, pero también
mostraba la actitud de las personas, el aspecto de las calles, o también como van vestidas
las rusas, un aspecto muy diferente al aspecto del sueño americano). Para presentar y ver
todo el mundo, pues la gente era consciente de que vivian en el mundo pero desde luego
no podían viajar desde el mundo. El objetivo de la cámara: los ojos de la gente, de la
opinión pública.
Retratos de grandes personajes públicos también en estas portadas (Marilyn, Armstrong,

hasta la luna…).
22
En España también existen revistas de este tipo, pero no con tanta repercusión como Life
que era internacional. Pero nuestro Life durante mucho tiempo fue Blanco y Negro,
revista que salió a la luz en 1891 y que pronto con otras revistas nos mostraban la realidad
con fotografías. La revista Blanco y Negro fue fundada por Torcuato Luca de Tena, marzo
de 1891, llegando a obtener 20.000 ejemplares. Fotoperiodistas: José Campúa
(18701936) y Antonio Cánovas del Castillo “Kaulak” (1874-1933).
Reportajes de la Guerra civil (GC).
Por otra parte también, hay una excelente tradición de foto-reporteros (Agustí
Centelles (1909-1985), ligado a la izquierda republicana; emblema de honestidad e
independencia, reportero de primera línea, introduce la Leica en nuestro país en el
1934. Un republicano que documentó la guerra civil, campos de refugiados, etc., y que
tiene un reporterismo muy ágil, uno de los primeros en utilizar la cámara Leica en
España). El punto medio está cuando un ingeniero alemán inventa una pequeña cámara
compacta. Los carretes eran de 35 mm –que se llama pequeño formato – la cámara Leica
era de pequeño formato que gracias a grandes avances de ingeniería se reduce el tamaño
23
de la cámara y se hace más funcionaria y resistente (de metal, solida), que aprecia un
cambio total en fotoperiodistas y la forma de hacer fotografía.
Una de las fotografías más famosas de Centelles:
Este tipo de fotos nos habla, como sabemos, de la guerra, el enfrentamiento, y al estar en
la esquina, muestra también el enfrentamiento entre un bando y otro.
Pero, la pregunta está sí es real al cien por cien. Hasta qué punto es verídico. Ello también
es debate tiempo después. Pero en definitiva son fotos extraordinarias pero nos muestran
cómo se realizaron los combates de la calle en Barcelona en el ‘36.
Bombardeos en Belchite, 1937. También de Centelles.
24
Aparte de la del fotógrafo ha tenido importancia las agencias (agrupaciones de

profesionales que se dedican a recalar información práctica): Agencia EFE, desde 1939.
Las agencias surgen para salvaguardar la independencia de las fotografías. Imaginar que
el dueño del periódico de Zaragoza es también el dueño de la fábrica que contamina el
río muchos km más allá, y, por tanto, aquellas fotos que muestran la fábrica y la
contaminación en la sociedad que el fotógrafo le pueda vender a la agencia a ésta no le
interesan.
• Associated Press (AP) fundada en EEUU desde 1848

• Agencia Reuters, www.reuters.es
• Agencia EFE, desde 1939 (dependente de la Agencia Europea de Fotografía de
Prensa). Desde 1989 edita Efe/Flash (Un año en la vida de España). Desde 1994
edita Efe/Flash Deportivo. www.efe.es
• Con los fondos de la agencia se publicó Un siglo en la vida de España (2001).
• Alliance-Photo (1934-40 y 1944-46) Con Marie Eisner, Robert Capa, David
Seymour y Henri-Cartier-Bresson.
• MAGNUM (1947) Sede en París, Nueva York y después Londres y Tokio.
Cooperativa, luchando por los derechos de autor, seleccionando las publicaciones,
buscando la independencia. www.magnumphotos.com
25
Para no chocar con los intereses empresariales, en lugar de estar en deuda del periódico,
no se depende de un medio y así se salvaguarda su independencia. Otras: Allianze-Photo,
desde final de la guerra civil hasta la IIGM, Robert Capa, David Seymour y Henri-
CartierBresson, muchos estos tras acabar la guerra, fundan la empresa Magnum (1947)
Sede en París, Nueva York y después Londres y Tokio. Cooperativa, luchando por los
derechos de autor, seleccionando las publicaciones, buscando la independencia.
(magnumphotos.com)
De nuevo, nos encontramos con que el mundo de las exposiciones, e incluso del arte, han
empezado a aceptar en su nómina y salas a gente que en principio no tenían vocación
artística alguna sino para denunciar en periódicos lo que pasaba. Robert Capa fue el
principal fundador de la agencia MAGNUM. Miliciano muerto en la guerra civil (Robert
Capa). Trabajó cubriendo la GC española, para diversas revistas, y luego hizo importantes
reportajes por Asia en la IIGM. El lema de Capa era: “cuanto más cerca, mejor”. Murió
en Indochina pisando una mina. Uno de los fotógrafos que se ha convertido en mito del
que muere mostrando la realidad. También tuvo muchos retratos.
MAGNUM: ROBERT CAPA.

Andrei Friedmann, nacido en Budapest, nacionalizado
estadounidense en 1954, y conocido por Robert Capa desde
1935. Fundador de la agencia Magnum.
Estudia Ciencias Políticas en Berlín y trabaja como
fotorreportero. Con la subida de los nazis marcha a París (1934).
Reportajes sobre la Guerra Civil, publicados en Vu, Life y
otras.
Sobre China y Japón en la Segunda Guerra Mundial.
Guerra de Indochina.
Su hermano Cornell Capa (1918) es importante fotógrafo y fundador del
International Center of Photography en Nueva York (1974).
26
ROBERT CAPA acompañando en las tropas en indochina, en la Guerra Civil, y aquí en

la más famosa de sus fotografías. Robert Fenton no podría hacer esta foto.
Con la cámara Leica de 35 mm esta foto y con esta mentalidad de mejor cuanto más cerca
es posible realizarla. Pero, ¿esto es considerado obra de arte? pues en el s. XX había
distintas líneas de experimentación… en su época las imágenes no estaban haciendo
27
hechas para admirarlas, sino para el periódico y para tener alcance internacional con la
principal funcion: contar la verdad, contar los hechos, informar.
Otra foto de la GC española, un soldado abatido…

Estando aquí, y siendo historia del arte, no podemos dejar pasar de largo a Francisco de
Goya, quien gravó lo que vio (los Desastres de la guerra) y para mostrar la crueldad de
la guerra, con la intención de que
desaparezcan o denunciar la
crueldad de la guerra. Pero Goya
poco se anticipó a la modernidad.
En parte, porque tiene unos
discursos sobre su verdad, que, en
mi opinión, asemeja mucho a estos
planteamientos de estos reporteros
como Capa pues se consideran
en el gremio
de
periodistas. Lo que ocurre que es hemos incorporado hoy a estos foto-periodistas en
nuestras galerías de arte (Pompidou, Caixa fórum de Madrid, etc.). Pero por esta cualidad
28
de la fotografía para pintar cosas copia de la realidad, esto me parece que es mucho más
interesante de que una fotografía se parezca a un cuadro.
Horacio Verbitsky: Periodismo es difundir

aquello que alguien quiere que no se sepa, el resto
es propaganda. Ver y decir el lado malo de cada
cosa, que del lado bueno se encarga la oficina de
prensa, de la neutralidad los suizos, del justo medio
los filósofos y de la justicia los jueces. Y si no se
encargan, ¿qué culpa tienen los periodistas?
También, por la gran fuerza visual de lo fotográfico, se puede emplear la fotografía no de

manera informativa sino con una finalidad propagandística con la intención de lanzar
un mensaje y convencer con este mensaje. Cuando este mensaje tiene una entidad
política lo llamamos propaganda. Eso es tan antiguo como la propia casi fotografía.
Vamos a ver algunos autores que posiblemente nos serían imposible encajar a lo largo
del temario pues muchos de ellos:
- Eugène Appert (1830-1904), un fotógrafo casi sin importancia, pero nos interesa
para mostrar que ya en el s. XIX se manipulaban imágenes en laboratorio con
intención de manipular opinión pública. Manipulación de material fotográfico
en la Comuna de París (1971).
29
El resto, en el periodo de entreguerras, y nos van a mostrar diversas versiones de

dos bandos y la eficaz utilización de las imágenes. Uno por haber hecho en la
comuna de parís un material fotográfico matanzas de jóvenes por las calles con
mucho impacto su difusión. Como la foto es la huella de la realidad, como es
una fotografía nos lo creemos pero los jarabes que están aquí expuestos no están
de una sola toma. Igual que en el s. XXI tenemos el Photoshop, en el s. XIX no se
olvidaban de poner un pie utilizaban diversos negativos para componer la foto
final. Algo que prácticamente se hace desde el primer momento en que se inventa
la fotografía. Se tiene en cuenta qué es de una toma y la toma final. Lo que es
nuevo es inventar, manipular y que ello tenga repercusión en la opinión pública.
Ello hace el gran momento de la utilización fotográfica para los discursos
políticos.
- Raoul Hausmann (1886-1971), fotógrafo austriaco. Pintura, escultura, poesía,

tipografía, fotografía. Revista expresionista Der Sturm (1911). Fundador del
grupo dadaísta de Berlín y la revista Dada (1919). En los años 20 y 30 realiza
fotomontajes con carga ideológica antinazi.
Estuvo vinculado al expresionismo y al dadaísmo, se dedicó a realizar en
el periodo de entreguerras fotomontajes con una fuerte carga ideológica y uno de
sus retratos más conocidos es esta: un retrato de un intelectual ruso llamado Tatlin
en casa, 1920. Como sabemos, los dadaístas y surrealistas jugaban con combinar
imágenes de forma absurda, casual,… y, siguiendo esta línea, Hausmann lo que
pretendía era mostrarnos con esta fotografía la gran maquinaria de este intelectual.
30
Raoul Hausmann:
“Un día, hojeando casualmente un
periódico norteamericano, me llamó la
atención el rostro de un desconocido, y por
algún motivo hice una asociación
automática entre él y el soviético Tatlin, el
creador del arte de la máquina. Pero preferí
retratar a un hombre que en su cabeza sólo
tuviera máquinas, cilindros de
automóviles, frenos y volantes... Este
hombre también debería pensar en
términos de grandes máquinas. Busqué
entre mis fotos, encontré una popa de barco
con una enorme hélice y la puse contra el
fondo del cuadro.
¿Acaso este hombre no querría viajar? Allí está el mapa de Pomerania, en la pared
izquierda.
Tatlin no era un hombre rico, así que recorté de un periódico francés la imagen de un
hombre de cejas preocupadas, caminando y poniendo sus bolsillos al revés. ¿Cómo podría
pagar sus impuestos?
Bien. Pero ahora necesitaba ahora algo en el lado derecho. Dibujé un maniquí de sastre
en el cuadro. Todavía no era bastante. Recorté de un Tratado de Anatomía los órganos
internos de un cuerpo humano y los coloqué en el torso del maniquí. Y al pie, un extintor
de incendios. Miré una vez más. No, ya no había nada que cambiar. Estaba bien; ¡estaba
hecho!”
- Su continuador, John Heartfield (1891-1968), alemán. Cambia su nombre
Helmut como protesta por el nacionalismo en la Primera Guerra Mundial.
Fundador de Dadá (1919) en Berlín. Fotomontajes contra el arte burgués y el
poder nazi. Huye de Alemania a Inglaterra y regresa a la República Democrática
Alemana en 1956.
También del grupo dadaísta, tiene obras de estas características, de hacer
recortes, juntas imágenes fotográficas con otras que no lo son, y huye del nacismo
y elabora en Inglaterra imágenes con fotomontajes de denuncia del régimen nazi.
Imágenes con mucha repercusión porque son publicadas en revistas. Ello en
imagen todavía da más contundencia a la denuncia.
31
- Por otro lado, también Alemania, los nazis y el propio Hitler era consciente de la
importancia de la propaganda y los medios de comunicación (desfiles, sensación
de orden…) con todo pensado. En lo fotográfico uno de los más interesantes fue
Heinrich Hoffmann (1885-1957), Retratista alemán, propietario del estudio
donde trabajaba Eva Braun. Hoffmann fue asesor de imagen del Führer (su
implicación en la guerra. Fotografías de propaganda de Hitler: el mismo,
escenografías, etc.). Condenado en Núremberg como criminal de guerra. Su obra:
Yo fui amigo de Hitler (1955).
Hoffmann, 1927.
Hoffmann, 1938.
- Había también una brillante mujer en ese gabinete fotográfico de la Alemania

nazi, fue Leni Riefensthal (1902-2003) con una biografía muy interesante:
bailarina, actriz, pero también hizo cine y mucha fotografía. Sus obras más
32
conocidas: El triunfo de la Voluntad y La olimpiada, todo ello ideológicamente,

los ideólogos nazis era uno de los puntos fuertes de la Alemania nazi, avanzando
mucho en temas de manipulación de masas, etc. Su biografía no se queda
únicamente anclada al nazismo. Son fotografías donde nos muestran a las atletas
alemanas de lo olímpico pero es lo olímpico exaltado, parece algo así como una
diosa, esta forma tan espectacular con contrapicados,…
Leni Riefensthal: Olimpia, 1938.
- El retratista oficial que crea la estética fotográfica del franquismo, fue un fotógrafo
aragonés Jalón Ángel (1898-1976).
Ángel García de Jalón fundó su establecimiento fotográfico en 1929. Importante
retratista de la sociedad aragonesa. Francisco Franco lo conoció en su estancia
como director de la Academia General Militar. Tras la insurrección, le encargó
retratos oficiales. El general Millán Asatray también fue retratado. De forma que
es el autor de muchos retratos, autor de la estética fotográfica oficialista de
posguerra.
19/02/2014
33
Cuando en una fotografía, el carácter fundamental más que informar es la propaganda ya

la fotografía tiene un uso más específico. La repercusión y uso social ha condicionado.
Nos comunicamos con imágenes, una característica del mundo contemporáneo que lo
diferencia de épocas anteriores, es este uso de las imágenes. Ahora bien, no es exclusivo
del mundo contemporáneo: pues las portadas románicas tienen esta finalidad; pero lo
nuevo en época contemporánea con la multiplicación de la imagen, la imagen va a donde
hay mucha gente.
Además de reproducirse, la fotografía tiene otra característica que no tiene una pintura,
es que la fotografía tiene ese carácter indicial, la fotografía como huella de la realidad
sin la intervención del artista, la cámara fotográfica capta ese instante. Ello hace que la
imagen fotográfica sea una tarea de informar y crear modelos reconocibles.
Recordar a Appert y sus fotomontajes comuna de París.
A veces, importante el pie de foto en la imagen fotográfica. Ese uso de manipular el título
de la imagen ha existido sin necesidad de fotomontajes.
Fotomontajes con la finalidad de artes de vanguardias. Haussmann, uno de los primeros

en recortar imágenes. El gran maestro del fotomontaje político fue Heartfield de origen
alemán, que durante el ascenso del nacismo, realizaba ilustraciones, muchas veces como
portadas, donde a través de imágenes fotográficas las manipulaba creando un efecto de
lucha y enfrentamiento directo. Por otro lado, y también en Alemania, recordar como
también desde el nacismo hubo otra menos vanguardista: Hoffmann, pero sobre todo las
grandes escenografías de discursos, desfiles,… labor que ya estudiamos Leni Riefensthal.
En España. Un retratista llamado Jalón Ángel, el fotógrafo de la sociedad burguesa

zaragozana, por la circunstancia de Franco en la Academia Gral. Militar, hizo que se
convirtiese en uno de los fotógrafos del régimen.
Frente a esto, el personaje español más importante en cuanto a la relación de

fotomontajefotografía-propaganda es: Joseph Renau. Un hombre culto con una gran
formación y admirador de lo que hacían los dadaístas alemanes como Heartfield.
34
- Josep Renau (1907-1982). Influido por los dadaístas

como Heartfield. Fotomontaje y escritos teóricos.
Ocupó importantes cargos culturales en la España
republicana. Tras la guerra se exilia en Francia y en
México. Luego en 1958 a la RDA y en 1976 regresa
a España. Su obra más conocida es la serie American
Way of Life. Con el estallido de la guerra civil y también después durante su exilio
en Francia y EEUU va a tener una larga producción siempre afín a la ideología de
izquierdas, afín al partido comunista, de hecho antes de regresar a España estuvo
viviendo al otro lado del telón de acero haciendo reportajes como el
americanismo. Es un personaje que retrata los grandes conflictos del s. XX:
precisamente esta American Way of Life es su serie más reconocida
mundialmente.
Muchas veces utiliza la

propia maquinaria de
Hollywood. Este tipo de
películas le sirven como
material para
readaptarlos a su crítica
y por ej. Situar y
desenmascarar esta
imagen tan edulcorada
de Hollywood para
mostrar el verdadero aspecto de estas guerras de los americanos en el mundo. Su intención
es obtener imágenes tremendamente potentes.
35
De nuevo, los iconos top,

los iconos que definen la
cultura estadounidense.
Símbolos de poder,
CocaCola, derechos
humanos pero bombas
atómicas, la pena de
muerte otra crítica
siempre presente.
Otro cartel contra la pena de muerte.
36
Otra imagen de la realidad de Hollywood. Así, lo que pretende

desde esa ideología comunista rascar debajo de la superficie
que recrea Hollywood para mostrar la verdadera realidad.
Recreación en imágenes de las consecuencias de La bomba atómica.
Utilización del propio beicon para formar la bandera de los Estados Unidos.
37
Tuvo sus continuadores.
Ante la pregunta hace unos días si Robert Capa hacia todo esto para destinarlo a una
galería de arte. La respuesta es definitivamente no. Y tampoco Renau. Esto es más para
difundirlo en la prensa. Con el paso del tiempo y de los años ha acabado en una galería
de arte sí, pero no era su intención en origen.
El presidente de los EEUU pero detrás la amenaza, armamento. Estamos en plena guerra
fría. Están en guerras encubiertas. En un momento realmente de guerra. Carga ideológica.
38
1.5. Fotografía: publicidad y fama.

Otros fines: para la sociedad de mercado, para vender, etc.
No hay mucha diferencia entre que la imagen se mueva con los anuncios de tv que en
prensa. Hasta la década de los 70 casi nadie veía mucha tv, luego más tv, y seguramente
dentro de unas décadas se vea más en internet. Heartfield utilizaba casi los tópicos
norteamericanos para criticarlos, Marlboro hacia lo mismo pero con otros fines: para
vender. Resulta interesante recordar que el hombre de Marlboro acabó con cáncer de
pulmón y criticando a la industria.
Por otra parte, dentro de las corrientes de arte moderno hace tiempo que los artistas juegan
a incorporar elementos publicitarios dentro de sus obras. Warhol y sus famosas sopas
Campbell. Esto nos vincula también al tema del arte pop y la mezcla que existe en la
actualidad de arte, publicidad, etc.
En la actualidad, la publicidad es un sector económico muy importante. En el s. XIX

como era muy caro reproducir fotografías, nadie se anunciaba con fotografías. A medida
que avanza el s. XX y empiezan a aparecer las revistas ilustradas con fotografías empiezan
a aparecer los primeros anuncios fotográficos. Aun así las marcas de perfumes solían
contratar a algunos ilustradores para que realicen dibujos para sus portadas. Las
fotografías que aparecían en estos anuncios eran hechas por fotógrafos que también se
dedicaban a otros géneros. Lo que ocurre que la fotografía en estos momentos todavía era
una disciplina muy poco institucionalizada pero sobretodo en la segunda mitad del s. XX
va a tener un gran desarrollo sobre todo por las agencias de publicidad. Surge la necesidad
de expertos en difundir la imagen en los medios de comunicación, pero la agencia de
publicidad se especializa en ser intermediario entre estos. Es entonces cuando también se
especializa mucho el mundo de la publicidad. Hay personas especializadas en estudios y
también la especialización en fotografía publicitaria. De tal forma que existen numerosos
fotógrafos que se dedican a esto. No obstante también es frecuente encontrar fotógrafos
con un amplio de actividad muy amplio que también son contratados para hacer
publicidad.
Con Warhol, este tema de las imágenes que anuncian cosas y las imágenes que hacen
los artistas en el s. XX han tenido esta repercusión. “el cuerpo en venta, relación entre
arte y publicidad”.
39
Ya vimos la importancia que tenía la revista Life –noticias serias – pero el mercado del s.
XX era muy amplio tanto para contar noticias como para hablar de moda, de personajes
famosos, etc. sin duda la revista más importante es Vogue, el primer nº tiene más de cien
años. Pero al principio tenía muchas más ilustraciones que fotografías pero a medida que
aparece la fotografía y el color. Y Harper’s Bazaar (1897-c.1970, años 90) para la moda
de los años 20, art deco.
Uno de los primeros fotógrafos muy buenos que se dedicó a fotografiar portadas para este
tipo de revistas donde no importa tanto lo que está pasando en el mundo es un ruso
exiliado llamado ALEXEY BRODOVITCH (1898-1971), ruso exiliado en 1920 en
París. El padre de este tipo de portadas de revistas de glamour. Estuvo en parís luego
emigró a los EEUU. Durante mucho tiempo fue el director de arte de Harper’s Bazaar
casi 25 años todo el estilismo, la composición, las ilustraciones, las fotografías de esa
revista las supervisada él. Era un hombre pragmático, muy elegante, con honda de las
vanguardias: conocía Dada, el constructivismo, la Bauhaus,… vio que todo esto daba aire
de modernidad a las imágenes y diferenciarlas del resto. Él desde su revista gente que se
dedicaba muchas veces al fotoperiodismo pero que hizo un paréntesis para participar en
estas revistas que pagaban bien. Maestro de Richard Avedon e Irving Penn, algunos
de ellos importantes retratistas y fotógrafos que no pueden faltar nunca en ninguna
antología de los grandes fotógrafos.
BARÓN ADOLF DE MEYER (1868-1946). También estuvo trabajando en Vogue

(1914-1922) y en Harper’s Bazaar (1922-1934). Era un fotógrafo pictorialista. Los
pictorialistas son los fotógrafos que quieren dar a sus fotografías apariencia de cuadros.
40
Tipo de fotógrafos que aplicaban distintos tipos de filtros.
SIR CECIL BEATON (1904-1980). En Vogue (1925-50); Hollywood años 30; Interés
por el teatro, vestuario y ballet .Fotógrafo Casa Real inglesa (Isabel II) Sir en 1972. Se
especializó en fotografiar a las grandes estrellas de Hollywood y pertenecía a esa alta
sociedad.
PHILIPPE HALSMAN (1906-1979), Letonia, Estados Unidos. Fotógrafo de famosos

en Life tras la II Guerra Mundial. En Life, aunque no se dedicaban a la moda solo, también
hacían reportajes sobre el mundo del arte, la cultura, la moda… Philippe Halsman fue en
ya en la segunda mitad del s. XX casi el fotógrafo de
todos los famosos.
Fotografía de Halsman sobre un reportaje sobre S.

Dalí. En el fondo, Dalí es una figura clave por haberse
dado cuenta en el s. XX, el primero en convertirse él en
su propia obra de arte y de presentarse al público en sus
propios medios de comunicación y que siempre cuando
abría una revista o un periódico quería ver cuantas págs.,
le dedicaban. Esta intuición de mayor importancia de la
fama que otra cosa es Dalí.
41
Con la lupa aumentándole el ojo pues el ojo tiene gran

importancia en el surrealismo.
Su bigote convertido en su logotipo

identificador.
Llevando a la fotografía en una imagen que el mismo

Dalí había pintado.
42
Siempre, lo que hace Halsman es siempre buscar los mejores efectos, recrear las imágenes
que le pueden parecer más interesantes. Einstein, Marilyn Monroe. Esta portada de Life
pero en una vertiente de noticias del famoseo
Otro de los retratistas clásicos que trabajaban en los medios y también es autor de otros
retratos famosos. La portada de Life con Churchill es un retrato suyo. YOUSUF KARSH
(1908), armenio-canadiense. Retrato de Churchill para Life en 1941.
Parece que hacer un retrato es tarea fácil. Karsh pedía a la persona que también salieran
sus manos, que pueden ser muy expresivas. Buscando buena iluminación, buscando que
el fondo no estorbe en la figura humana…
Izquierda: Humphrey Bogart.
Derecha: Jean Cocteau.
Siguiendo en orden cronológico, ARNOLD NEWMAN (1918), Life, Time, Harper’s

Bazaar. Capta el mundo del retratado de famosos. Trabaja en la segunda mitad del XX
para estos diferentes medios. Si se coloca el fondo neutro para un retrato el fondo no
distrae. A Picasso lo retrata pero él lo retrata como vive a su manera, se ve su estudio,
como va almacenando sus trabajos, en qué está pintando. Otro retrato: un retrato de
Woody Allen en faceta intelectual elaborando sus guiones…
43
IRVING PENN (1917). Hizo entre otras cosas, fotografía de moda. En este caso resulta
que el vestido que hay que mostrar es en blanco y negro con rombos y lo que hace es
buscar una composición que resalte esto. Además con la foto en blanco y negro acentúa
mucho más el dicromismo del vestido. Aunque la fotografía es la huella de la realidad es
reconstruida. Ese tipo de posiciones de revista son para esto.
El joven RICHARD AVEDON (1923) también trabajó en Harper’s Bazaar y en Vogue.

Lo traslada a la calle.
44
Con los personajes actuales el abanico es mucho más

amplio. Quizá ANNIE LEIBOVITZ
(1949) recientemente muchos
reconocimientos, también galardonada con
el premio Príncipe de
Asturias. Fotografías de John
Lennon con Yoko Ono antes de que asesinaran a
Lennon.
De una calidad enorme. Hace falta tener cierta confianza

para hacer imágenes como estas y también cierta
originalidad. Ha creado escuela ampliando muchísimo la
manera de presentar.
En los años 90, HERB RITTS. Esta estética tan depurada en blanco y negro centrándose
en la belleza de las top model es también un estilo tremendamente imitado de este
fotógrafo muy buen retratista también. Pero, ¿fotografías famosos o son famosos
45
porque los fotografías? Gracias a estas fotos han llegado a ser famosos porque los han
fotografiado. Madonna. Los actores, actrices, cantantes, viven de esto. Y dos retratos
donde el fotógrafo se centra en la mueca, sin tratar de mejorarlo mostrando casi, de nuevo,
su estado físico que siempre contrasta con su inteligencia.
De las fotografías llaman la atención aquellos que rompen géneros. Más cerca de
denuncias sociales.
 Esto fue una campaña que fue muy criticada. Una

campaña para Benetton por Oliviero Toscani.
Pero también se puso a incluir en sus anuncios los retratos de la gente de color condenada
en los EEUU. Así comenzó una campaña contra la pena de muerte, racismo, etc. en sus
anuncios publicitarios.
Para tener esta visión preliminar a modo de introducción, vamos a cerrar el T1 con un
subtema sobre quién es el fotógrafo.
1.6. ¿quién es el fotógrafo?
La figura del fotógrafo.
- Inventor
- Retratista
- Artista
- Fotoperiodista
- Publicidad
- Aficionado (Sociedades Fotográficas) - Consumidor digital.
Cuando se inventa la fotografía solamente hacia fotos el inventor. Y éste no se dedicaba

profesionalmente a la fotografía, estaba tratando de profesionalizar este avance y tratando
ver como comercializarlo. Necesitaba saber todo sobre lo que estaba construyendo y saber
elaborar que cada vez fueran más estables, sensibles a la luz… Muchos de los pioneros
46
de la fotografía eran profesores de química o de farmacia porque la fotografía en sus

orígenes básicamente se concentró en la manera de conseguir que una sustancia
reaccionara ante la luz. A los pocos años ya se dice como había que hacer para realizar
fotografías. Eran equipos primero, muy costosos. De manera que se convirtió en una
afición de la alta sociedad. En los inicios de la fotografía solamente los que son ricos
saben hacer fotos. Hay muchos fotógrafos, seguramente los que tienen más tiempo y
formación y preparación, que tienen la fotografía como una actividad del ocio privado.
Pero en seguida se ve la posibilidad de hacer negocio y de hacerte profesional fotógrafo.
El que quiere vender fotos busca aquellas que se van a vender: retratos. La primera
profesionalización surge en el ámbito de los retratistas. La burguesía europea tenía la
costumbre de retratarse. Cuando llega la fotografía y se ve que el retrato que se consigue
puede ser parecido a un daguerrotipo. Los retratistas lo que hacen es colocarse en los
grandes bulevares de las ciudades y a un módico precio ofrecer retratos. Existe también
el fotógrafo artista, pero es minoritario y desde luego no se puede decir que sea
profesional ni que gane mucho dinero. En el s. XIX nadie pensaba que una fotografía era
una obra de arte (es más, eran minoría los que luchaban por ello), las academias de bellas
artes tenían un gran recelo contra este invento. Se pensaba que la fotografía cogía la
realidad cruda pero que la funcion del arte era hacer un ejercicio de idealización. Así los
artistas prácticamente no utilizaban como medio de expresión la fotografía, se apoyaban
en ellas pero el producto final nunca era una fotografía; y los artistas que querían que la
fotografía se elevara a la categoría de arte, no les quedó más remedio que tratar de imitar
en los temas a eso que se denomina pictorialismo. Retratistas comerciales y en general
que hacen fotografías en cadena. Al final le hemos restado tanto al retrato que tenemos
otros recursos desde el fotomatón hasta la webcam, prescindimos ya de la labor del
retratista. Por supuesto, un profesional que surge específico es el fotoperiodista. El
fotoperiodismo en el s. XIX tenía esa complicación técnica (Fenton) y ya en las primeras
décadas del XX como especialidad propia. También saldrá un tipo de fotógrafo
especializado en imágenes publicitarias. Ya en el siglo XIX observamos que la afición
por hacer fotografías cada vez era más popular y los fotógrafos aficionados para compartir
experiencias y conseguir materiales más baratos se agruparon en sociedades fotografías
(desde la última mitad del siglo XIX hasta la actualidad con la Real sociedad fotográfica).
Ahora la palabra aficionado tiene carácter peyorativo, pero estos aficionados hicieron
poderosos avances pues eran los únicos que podían hacer con la cámara lo que quisieran.
47
Los que tenían que llegar a fin de mes o hacer dinero no se salían de lo que la gente quería:
retratos. Además estas sociedades ayudaron a que se popularizase la cámara.
Consumidor digital. En el siglo XX ya a comienzos del XX Kodak lanza un tipo de

cámara donde la publicidad dice “usted apriete el botón que nosotros hacemos todo lo
demás”. Lo siguiente, lo digital lo único que ha hecho es que sea mucho más fácil y más
barato.
T2. ORIGEN DE LA FOTOGRAFÍA. BREVE INTRODUCCIÓN

TÉCNICA.
24.02.14
¿Qué es una fotografía? En una definición muy básica para entender varias cuestiones.
El tema 2 está dedicado a los avances técnicos, pero para nosotros en cierto modo, los
condicionantes técnicos siempre han influido en la forma de hacer las imágenes.
Un vocabulario muy básico (profundidad de campo, foco,… etc.)
2.1. Definición de fotografía. Una fotografía en diccionarios nos refieren con la luz y
grafía. Así, una fotografía es el arte de fijar y reproducir por medio de reacciones químicas
– veremos que, con la fotografía digital debemos cambiar esto – en superficies
convenientemente preparadas las imágenes obtenidas en la cámara oscura.
En cierto modo, su descubrimiento es la confluencia de dos tecnologías: una óptica y otra

química. Es en el s XIX, como sabemos, cuando aparece la fotografía. Anteriormente
mucha gente lo había intentado. Pero el siglo XIX entre otras muchas cosas es el siglo de
la ciencia. Por otro lado, lo que es la cámara oscura es algo muy sencillo y que se conocía
desde la antigüedad.
Cualquier caja oscura que tenga un agujero captura una imagen. No es necesario más. En
el siglo XIX la cámara era lo mismo. El verdadero avance en el XIX es la captación
fotoquímica que va a permitir que esa imagen de la cámara oscura no desaparezca, se
quede ahí.
48
En definitiva es una definición bastante incompleta porque es posible hacer fotos sin
cámara. Donde haya más luz y donde haya menos luz se oscurecerá.
El desarrollo de lo digital nos enseña ya que no necesitamos química y que tenemos ya

una tecnología gracias a sensores lumínicos electrónicos lo que antes era la película.
2.2. Antecedentes o precedentes de la imagen fotográfica.
No es casual la invención de la fotografía. En fotografía había una legión de intelectuales

que desde la ilustración tienen muy claro que el avanzar en reproducir imágenes supondrá
un avance social. Y de hecho, antes de la fotografía hay un montón de inventos para tratar
de facilitar al artista la captura de la realidad de una forma lo más fiel posible.
Antecedentes.
Curiosamente hay precedentes literarios donde antes de inventarse, la imaginación lleva

a algunos escritores a pensar a cosas parecidas a la fotografía. Pero el verdadero
precedente es la cámara oscura junto a otros elementos –hoy en desuso – como el
fisionotrazo o la cámara lúcida que son artilugios auxiliares de los pintores igual que lo
era la misma cámara oscura. En todos estos inventos era necesario la habilidad de la mano
del artista para la imagen final. Esto acabará con los descubrimientos en el ámbito de la
química en torno al trabajo con sales de plata (la plata es uno de los muchos materiales
que hay sensibles a la luz). Los primeros inventos están en utilizar pequeños trozos de
sales de plata y aprovechar que oscurecen con la luz para componer algunas imágenes.
Entre los precedentes literarios, hay algunas novelas que parecen anticiparlo: El espejo
de Matsuyama.
Pero aquí lo vamos a orientar sobre todo a la historia del arte en el sentido de que antes
que hubiese fotografías. Si repasamos algunos grabados, documentos, testamentos de
artistas, podemos ver como desde el RN con frecuencia encontramos diversos recursos
como máquinas para dibujar, para sacar los puntos de fuga,…
David Hockney grabó para la BBC el uso de la cámara oscura publicó un libro “El
conocimiento secreto” para mostrar el extendido uso que entre los autores había sobre
todo de la cámara oscura.
El conocimiento secreto. LA CÁMARA OSCURA
49
Para abundar en la teoría fotográfica, hay un libro que postula cómo podría haberse
utilizado la cámara oscura por los pintores del siglo XV hasta nuestros días. En
aquellos tiempos lejanos, los estudios de los pintores disfrutaban de presupuestos y
medios que podrían compararse con los que ahora tienen los grandes estudios de
Hollywood.
El dispositivo en cuestión se llama "Camera obscura" (del latín "habitación oscura"). Es

literalmente un cuarto oscuro o una caja con un agujero pequeño en una pared, en el que
se encajaba una lente positiva simple. En la habitación, una imagen invertida fuera del
agujero aparecería en la pared opuesta, y podía corregirse y dirigirse con ayuda de
espejos. Este dispositivo se podría haber utilizado para las primeras proyecciones de cine
en vivo de la historia, pero también como ayuda para el dibujo de los pintores (el artista
podría repasar el contorno de la imagen en una tela o papel colgado en la pared).
50
La invención de la cámara oscura se le atribuye a un matemático islámico, astrónomo y

físico llamado Ibn al-Haitham, más conocido como Alhazen, en el siglo XI en Egipto. Sin
embargo, el principio de la cámara oscura era conocido probablemente por los pensadores
desde Aristóteles (300 D.C.).
La Cámara oscura fue estudiada extensamente por los científicos antiguos: Roger Bacon,
Leonardo da Vinci, Johannes Kepler, y Athanasius Kircher escribieron sobre este
dispositivo óptico.
51
Esta (curiosamente controvertida) teoría la investiga David Hockney en su libro “El

conocimiento secreto” y trata de demostrar con todo tipo de pruebas que hacia el 1430
los pintores flamencos empiezan a utilizar la óptica y el principio de la cámara oscura
para calcar los perfiles y contornos claves de sus cuadros y después continuar pintando
de forma ortodoxa (globoculizada según término del autor).
El cuadro de la izquierda
es de Masolino da
Panicale, de 1425. El de
la derecha de Robert
Campin, de 1430. Sólo
hay 5 años de diferencia.
El avance
es significativo.
¿Solamente debido a la
maestría de Campin?
Este descubrimiento, aunque se mantiene en secreto por los propios artistas (hoy le
llamaríamos propiedad industrial, know-how o ventaja competitiva), acaba en manos de
la escuela italiana unos 50 años después y para principios del siglo XVI es de uso común
entre los artistas y artesanos occidentales. La tecnología permite dar un salto en la
veracidad de las pinturas de muchos de los grandes maestros de la pintura occidental.
Empiezan a aparecer cuadros que son casi como fotografías.
52
En el cuadro de Holbein de los embajadores hay una anamorfosis de un cráneo (resuelto

a la derecha con Photoshop) que necesitaba de medios ópticos para conseguir una exacta
y científica deformación...
David Hockney (Bradford, Reino Unido, 1937) es uno de los pintores británicos más
importantes de la segunda mitad del siglo XX. A pesar de sus declaraciones en sentido
contrario, se le considera generalmente un artista pop, por la extrema legibilidad de sus
cuadros en los que se plasma con aparente ingenuidad el mundo cotidiano.
Hockney vive en Los Ángeles desde el año 1963 y ha sido profesor en las universidades
de Iowa y California. Además de ser un pintor prolífico, es un dibujante
extraordinariamente dotado. Inquieto, original, hizo famosas sus investigaciones
fotográficas de finales de los setenta, en que utilizaba imágenes captadas con cámara
polaroid para crear escenas combinando diferentes puntos de vista.
53
Mother, de David Hockney
Creo que es importante conocer al autor para valorar el contenido del libro. Este, en
esencia, plantea una tesis ciertamente revolucionaria, pues adelanta en varios siglos las
fechas aceptadas para la utilización de instrumentos ópticos en la ejecución de cuadros.
Hasta el momento, la opinión de los expertos era que sólo a partir del siglo XVII y en
casos muy concretos -solía citarse a Vermeer o Canaletto- se había empleado la cámara
oscura. La tesis de David Hockney es que desde comienzos del siglo XV muchos
artistas occidentales utilizaron la óptica -espejos y lentes, o una combinación de
ambos- para crear proyecciones vivas que sirvieran de punto de partida a sus
creaciones.
Concretamente, entre los años 1420 y 1430, en algún lugar del norte de Europa, se empezó
a desarrollar su técnica, permaneciendo como un conocimiento más o menos secreto hasta
que se filtró en algunos talleres italianos. El resto sería ya una historia conocida.
54
Y este es precisamente uno de los mayores logros de este libro: no solo mira al pasado,
también mira al futuro. Hoy no hace falta pintar la realidad de forma fotográfica como en
el siglo XV, pero tampoco nos podemos fiar de las imágenes fotográficas o de video,
como consecuencia de la manipulación por ordenador. Lo que vemos fotografiado o
filmado no es el reflejo cierto de algo que tuvo lugar de forma real como ocurría en el
siglo XX.
Hoy el artista vuelve a meter la mano en la imagen producida por medios tecnológicos,
un poco al estilo de lo que sucedió en el siglo XV con los pintores que usaban la cámara
oscura. Hoy los manipuladores informáticos de la imagen digital vuelven a estar en un
punto parecido al de los pintores flamencos de principios del siglo XV.
Funcionamiento de la Cámara oscura. En una habitación con una pequeña caja, hay un
principio óptico, la luz que refleja un cuerpo, al entrar en una cámara oscura por un
pequeño agujero nos presenta en la primera superficie que encuentra esa misma imagen
invertida. Esto se conoce desde hace mucho, leyendo algunas fuentes clásicas están
hablando de esto mismo.
Aristóteles describe una cámara oscura…. Y sobre todo a partir del s. XVI es capaz de
encontrar. Cuando conocemos también lo que tenían en su estudio todos pintores tenían
un montón de lentes, y espejos para utilizarlos en la construcción de imágenes.
Podría servir por ejemplo para observar eclipses y de hecho, en algunas descripciones
vamos a encontrar esta finalidad astronómica.
Si el agujero es demasiado grande, no es nítida la imagen. Así un agujero más pequeño

evita esa confusión. De ahí que algunos trataran de corregir y mejorar ese agujero con
alguna lente. Con la lente se puede modificar la dirección de esos ángulos y volver a
concentrarla.
Esto fundamentalmente se utilizaba para lo mismo que se utilizará luego la fotografía:

capturar imágenes realistas. En esta imagen del s. XVIII tenemos lo mismo: un
receptáculo vacío con un agujero y tenemos lo mismo. En cámara oscura y hacemos un
55
calco el que tenga estudios de bellas artes y/o talento para el dibujo será notable la
diferencia de alguien que no tenga esa capacidad.
Un modelo donde, a partir de una tela negra, el dibujante se mete dentro de esta caja.
Otro modelo más sencillo, de las mismas características que tendrán las cajas de fotos.
Este procedimiento se utilizaba como fenómeno de feria también. Otras imágenes del s
XIX de gentes disfrutando del espectáculo de la cámara oscura. No era un secreto una vez
inventada la fotografía.
Vamos a volver al estudio de “el conocimiento secreto” de David Hockney.
Un retrato de un pintor junto con sus pinceles, algunas alegorías,.. Vemos que ya en el
siglo XVIII tiene una cámara oscura, en sus manos unos pinceles y una paleta…
En el Matrimonio Arnolfini, Van Eyck no tenía cámara fotografía, sí instrumental

óptico (espejos, lentes,…) en opinión de David Hockney, este cuadro no se podía haber
realizado sin utilizar la cámara oscura. Lo mismo que Vermeer y otros grandes artistas.
Como con la BBC hizo un extraordinario documental. Se va al RN el momento de
capacidad de individualizar un rostro. En pintura realista al óleo es donde más tiene lugar
los elementos ópticos del norte de Europa. Tanto los pintores como los fabricantes de
lentes tenían el mismo gremio (san Lucas, el patrón de ambos) y este hecho hacia que
hicieran obras conjuntas. Ha transcendido tampoco en la historia por el hermetismo al que
estaba sometida la cámara oscura en estos momentos. En pintura un cambio muy grande
56
en cuanto al realismo del siglo XV en adelante. David va realizando ese desarrollo como
diferentes artistas ya habían utilizado la cámara oscura.
Antes de la invención de la fotografía durante siglos se utilizaba la cámara oscura,

compleja y había de ser un muy buen dibujante.
En el siglo XVIII se pusieron de moda los retratos en silueta (no hacía falta la
cámara oscura), denominación que viene de su impulsor: un francés Siluette.
Divertimento de los salones del s. XVIII. En este grabado nos vuelve a decir lo mismo.
El concepto de esta idea de que la luz dibuje, utilizar la luz pero siempre hace falta el
elemento humano también aquí para esto.
Hockney sostiene que el salto cualitativo hacia el realismo que se consumó en el

Renacimiento no se debe a la aparición de artistas con capacidades foto-realistas en el
mismo momento histórico, sino que se apoyaron de medios ópticos. Los pintores
compartían lugar con los gremios de los ópticos, por lo que no es de extrañar que los
avances de la óptica se aplicaran a la pintura. La cámara oscura está aceptada como medio
auxiliar, Canaletto la utilizaba para sus famosas pinturas. Pero hay un misterioso silencio
respecto al uso de medios auxiliares para "calcar" la realidad.
57
Curiosamente con la finalidad de retrato en el siglo XVIII en la idea de la

ilustración (clave para el desarrollo de la ciencia y la imagen, desarrolla el sistema
fisionotrazo para tratar de ayudar al retratista a fijarse. Este apenas tuvo desarrollo.
Existía la posibilidad de proyectar una imagen. Esto de la linterna mágica (el

antecedente del cine) es otro de los inventos que necesitamos conocer pero que en
definitiva para nuestro invento de la cámara fotográfica solo tiene cierta dificultad de que
lleva un desarrollo de lentes ópticas.
La última de estas pequeñas muestras para ver que a fines del XVIII y principios
del XIX había muchos utensilios con esta idea de ayudar al dibujante, este es un sistema
llamado cámara lúcida, que en realidad es un aparato que consta de varias lentes, es
difícil de manejar pero lo que el dibujante era capaz de hacer con la cámara lúcida era ver
al mismo tiempo lo que quería pintar y el papel. En definitiva era necesario ser muy buen
dibujante aunque con un efecto óptico fusionabas el papel que tenías delante. Los efectos
de esta cámara lucida dependen en realidad del talento artístico pero era uno de los
muchos inventos en que tratar de que el dibujante sea neutral.
58
Esto en definitiva nos muestra que, hasta el momento, la gente quería hacer
imágenes de la realidad cuando deja de ser la clave la mano humana. Este es el momento
donde esa imagen que tenemos, en lugar de ser dibujada, se queda ahí automáticamente.
Para ello fueron necesarios procedimientos fotoquímicos. En el siglo XVIII un alemán
descubre el ennegrecimiento del nitrato de plata. El nitrato de plata con el que él trabajaba
para otras cuestiones, vio que se le volvió negro cuando estaba expuesto a la luz, es una
sustancia lo suficientemente potente para ser sensible a la luz. Hubo un momento en que
no se sabía estabilizar la imagen. En definitiva esas imágenes de materias sensibles si son
tratadas por hiposulfito o hipo quedaban fijas, dejaban de tener las propiedades de
sensibilidad a la luz. Esto, el poder fijar sustancias sensibles a la luz, se producen en el
año 1819 –ya a punto de inventar la fotografía. No era tanto congelar un instante porque
esas sustancias sensibles a la luz eran sensibles durante tiempo pero hasta esa sustancia
hipo no era posible fijarla. Esto de juntar todo esto no se le ocurrió a una sola persona de
repente; sino que, en diversos lugares hubo gentes que perfeccionó diversos sistemas.
Veremos cómo en Francia y en Inglaterra se producen dos procedimientos paralelos de
Fotografía.
26.02.14
Descubrimiento y avances técnicos.

El descubrimiento de la fotografía. 1839. No está muy claro quién consigue hacer la
primera fotografía: hay a principios del XIX de gente que consigue obtener una imagen.
Por otro lado, aparte de científicos que trabajan con materias químicas, hay empresarios
dedicados al mundo de la reproducción de imágenes, de la decoración, etc., que también
están investigando aunque todavía no tenemos constancia física. Algunos testimonios son
anteriores a un importante descubrimiento técnico, HERSCHEL, en 1819, descubre que
es soluble el cloruro de plata con una sustancia llamada hiposulfito, ello permite fijar
una imagen fotográfica, lo que va a suponer un gran avance en el cual los protagonistas
son muy variados, hubo muy diversos intentos por utilizar esas imágenes en las que la
propia luz la propia realidad captaba. Entre ellos, uno de los pioneros más interesantes,
justo entre finales del siglo XVIII y principios del XIX, en torno a 1800, un británico
llamado THOMAS WEDWOOD (1771-1805) realiza sus primeros tanteos o intentos en
este ámbito, se dedicaba al negocio de las vajillas, productos de mesa y adornar productos
mecánicos, pero el poder hacerlo con un proceso fotográfico fue de él, no solo el poder
59
capturar un dibujo sino el reproducirlo es una idea o una necesidad que existía en Europa
en esa época. Allí también otros nombres más importantes, que sí tenemos pruebas y
testimonios de que sus inventos triunfaron e incluso se conservan ya sus primeras
fotografías:
- En la vertiente francesa del invento tenemos a Joseph-Nicéphore NIÉPCE

(1765-1833) es un autor que sí que podemos considerar como el padre de la
fotografía. Se dedicaba o le interesaba mucho la litografía. Por ello, él intenta que
en lugar que el artista sea el que haga el dibujo, sobre las piedras se puedan utilizar
sustancias fotosensibles y en ese sentido va a probar primero con piedras y
diversos materiales hasta conseguir las primeras fotografías de la historia que se
llamaron heliografías en principio. Durante algún tiempo, Niépce estuvo en la
sombra (muere en el año 1833). Es en los últimos años de su vida cuando vio que,
para que su invento funcionara, hacía falta invertir en más investigación para
que las imágenes fueran de mayor calidad y el proceso más sencillo. Así se puso
en contacto con un hombre de negocios: Daguerre, quien presenta un proceso
más sofisticado: el daguerrotipo, presentado seis años después de la muerte de
Niépce, en 1839, año oficial en que se presenta en sociedad la fotografía y el año
en que se comienza el negocio de las cámaras fotográficas.
- En Inglaterra, en fechas paralelas, otro inventor llamado William Henry Fox
TALBOT (1800-1877) va a descubrir otras formas de hacer fotografías de
manera diferente. Aproximadamente en torno a 1835, Talbot ya hacía talbotipos
o calotipos.
- Otros autores que contribuyeron a la invención e incluso fuera de Inglaterra y
Francia, encontramos gente que asegura haberse anticipado a estos nombres pero
sin embargo no tenemos evidencias de que así fuera.
Niépce y la heliografía.
60
Niepce.com  completa página web,

casa de Niépce. Biografía y un
completo relato de los diversos que le
llevaron a la invención de la
fotografía.
Las primeras fotografías de Niépce las llamaremos heliografías: Nombre que

Nicéphore Niépce dio a su procedimiento, documentado desde 1815.
Helios: sol, luz. En realidad es un

sinónimo de fotografía.
Graphein: dibujar.
Tenía mucha correspondencia y a través de sus cartas vamos descubriendo también
sus inventos. Al principio lo intentó con placas de piedra y otras piedras, pero el resultado
final cuando consigue algo es cuando empieza a utilizar cobre –mismos materiales que
se empleaban en los talleres de grabado. También muchos científicos se habían dado
cuenta que la plata era sensible a la luz pero también hacer una placa de plata era un
proceso muy caro.
Lo primero que hizo con éxito Niépce fue coger la plata de cobre y cubrirla de betún
de Judea disuelta en aceite de lavanda, con esto la plata resultaba tener cualidades
sensibles. Horas a la luz para que esa imagen quedase “capturada” en esa placa
fotosensible. Luego, esto había que revelarlo con aceite de lavanda y petróleo. El resultado
de la imagen obtenida apenas era perceptible, por lo que había que intensificar el contraste
de la luz y también debemos tener en cuenta que estas primeras heliografías con este
procedimiento un poco tosco que resultaba que estas imágenes resultantes no eran muy
nítidas, nos proporcionaba era una imagen única y positiva (muchas veces estos pioneros
cuando están tratando de capturar imágenes con la luz, se dan cuenta que lo que tenía que
ser oscuro es claro y lo que es claro es oscuro. En un principio eran piezas únicas. Muchos
procedimientos que te daban una imagen invertida eran desechados por muchos. Cuando
por fin consiguen la imagen única y positiva es cuando siguen desarrollando este sistema.
61
Otra similitud con el mundo del grabado, además de la plancha de metal, era que
las primeras heliografías se hicieron sin cámara, lo que hacía Niépce era, sobre la
sustancia sensible, poner algo encima donde le daba la luz se oscurecía pero según como
se mirara se obtenía un efecto positivo. Pero era directamente
poner dibujos encima y obtener una copia de ese dibujo pero no
hecha por un calco sino dibujada directamente por la luz.
Una heliografía, 1826: Copia del grabado del cardenal d’
Ambrosie (1650). Niépce cogió un grabado de mitad del s.
XVII y lo dejó encima de la placa lo dejó un tiempo a la luz,
retiró y lo dejó a la luz y el resultado era este. Un sistema para
reproducir que sobre todo aplica a esto: a objetos planos.
Pero también muy pronto lo emplea para obtener imágenes obtenidas con una
cámara oscura. De forma que, una famosa fotografía llamada Vista desde una ventana
en Le Gras, fechada hacia
1827 es considerada
la heliografía más
antigua conservada y se
conserva en un centro de
investigación de Humanidades
en EEUU en la Uni de Texas.
No es que Niépce viajase a
EEUU, es que a lo largo
62
del s. xx muchos
investigadores en fotografía han sido norteamericanos.
Cuando Niépce utiliza la cámara oscura, es un cajón de madera, con un mecanismo

–diafragma- para abrir o cerrar el orificio por donde entra la luz. Cuando Niépce utiliza
esto, estas fotografías reciben el nombre de puntos de vista –una heliografía tomada
por cámara oscura. Estos puntos de vista no eran unas imágenes muy nítidas y esto era
la foto final.
En mayor tamaño vamos a ver en 1826, Niépce en su casa puso su cámara oscura
en la ventana y durante más de 10 h estuvo haciéndose la foto. Aparte de la falta de
liquidez, por el largo tiempo de exposición, también la foto resulta muy compleja. Forma
parte de la corrección de un alemán, uno de los primeros historiadores de la fotografía,
hizo colección de fotografía antigua y finalmente la legó a la uni de Texas. Esta es foto
de examen por este hecho histórico más que por su calidad. En realidad, a Niépce le salió
invertida de arriba-abajo.
Aunque Niépce se asocia con Daguerre, Niépce de repente va a desaparecer de la

historia de la fotografía; Daguerre sigue perfeccionando e investigando además de ser un
gran talento comercial consiguiendo imágenes muy nítidas y lo presentó en sociedad en
1839. En este anuncio del s. XIX de daguerrotipos, sale el sol con una paleta de pintor y
un pincel retratando al mundo.
En realidad, en principio era
que el sol
dibujaba
(heliografía) fotografías, se
presentaba ya como la
sustitución del pintor a la hora
de hacer imágenes. En realidad
la caricatura o el dibujo tiene
una pequeña contradicción:
precisamente que el sol tenga
su paleta de colores en mano va a ser en todo el s. XIX el
gran defecto de lo fotográfico, en la época la ausencia de color en todos estos
procedimientos fotográficos van a tener una característica peyorativa.
63
Louis DAGUERRE (1787-1851). Más joven que Niépce. Muy bien

relacionado en el mundo de la burguesía de París, y esta imagen del propio
Daguerre es un daguerrotipo. Había firmado una sociedad con Niépce por
10 años. Ya muerto Niépce, Daguerre sigue desarrollando el invento y en
el año 37 ya tiene daguerrotipos de una notable calidad y planifica bien su
presentación que fue uno de los mayores acontecimientos de la época. Lo
hizo presentando el invento en la Academia de las Ciencias de Francia en
el 19 de agosto de 1839, y Daguerre además de, en lugar de patentarlo va
a llegar a un acuerdo con el gobierno francés y va a presentar su invento
como un gran avance. Se plantea como una gran revolución y un gran avance. En unos
meses ya el daguerrotipo recorre el mundo. Daguerre plantea también el daguerrotipo
como un negocio: presenta el procedimiento, pero él fabrica cámaras y sobre todo publica
los manuales, que son libros de gran tamaño, donde explican el procedimiento con
aspectos mecánicos, técnicos, ópticos,… Daguerre en sí no es uno de los grandes
fotógrafos, más bien sus fotografías son exhibiciones o muestras que presentan al público,
pero él se dedicó más bien al negocio y a recoger reconocimientos. Allí, en la academia
de Francia Daguerre no dijo nada de Niépce, digamos que se atribuyó todo el crédito. El
hecho de que hoy hablemos de Niépce es por su hijo quien va a dedicarse siempre a
publicar un libro nombrando los avances de su padre… etc.
El daguerrotipo utilizaba una tecnología parecida pero cambiaba: seguía utilizando

como soporte placas de cobre, pero hay no está el cambio; el cambio está en los diversos
materiales técnicos que se utilizaban: la placa de cobre tenía una fina capa de plata en una
de las caras –en la que se iba a exponer a la luz – para que sea sensible a la luz se le
añaden vapores de yodo y luego ya con eso se iba a la cámara oscura y se exponía. Una
vez que se tenía hecha la exposición (el tiempo en que la placa está siendo afectada por
la luz) pero hacia falta de nuevo fijarla. Se revelaba con vapores de mercurio, con ello la
imagen que estaba como latente en esa fina capa de plata empezaba a tomar forma.
Procedimiento toxico. Una vez revelado, esa placa de metal- con hiposulfito de sosa
(descubierto por Herschel en torno al año ’28).
<Imagen de un daguerrotipo hecho por Daguerre> se ven muy bien los detalles de
lo artístico.
64
Daguerre, Naturaleza muerta, 1837.
Daguerre, Vista del Boulevard du Temple, París, 1838.
Muchas de las fotos de Daguerre son como los puntos de vista que hacia Niépce.
Esta fotografía está hecha un año antes de presentar el daguerrotipo en sociedad, y nos
muestra un bulevar de parís –grandes avenidas, calles,… Ver como la distancia, en una
década, de Niépce a Daguerre, es muy alta, ahora no hacen falta horas sino ya minutos.
(Antonio Ansón: “el limpiabotas de Daguerre”). Solo los que se encontraban quietos en
esta foto como el limpiabotas, sí aparecen en la foto; el resto en movimiento no. Para un
65
daguerrotipo hay que estar todos quietos. Fundamentalmente ello es por el tiempo de
exposición y luminosidad.
Un gran negocio que Daguerre más que vendiendo sus fotos se le ocurrió vender su
material. Al principio van a ser los aficionados a la química los que se entretengan a esta
técnica. Utilizar el daguerrotipo era farragoso. Daguerre se le ocurre ir mejorando el
agujero de la caja con lentes (avances en óptica) capaces de recoger más luz y reducir el
tiempo de exposición. Sobre todo en Centroeuropa se van a especializar.
Otros ejemplos de daguerrotipos. Los dos retratos, los dos nos muestran imágenes
de personas de gran nitidez. El marco. Todos los daguerrotipos se presentaban con este
marco. Que puede ser por tradición de manejo de imagen, pero también había una razón
para presentar estas obras así: ver que son piezas de cobre, la idea de poner marco era una
idea de protección (un marco junto a un cristal) para almacenarlo y exhibirlo.
Aún más interesante que Daguerre, William Henry Fox TALBOT (1800-1877) – un
hombre tremendamente inquieto, inventor también de varios sistemas hasta que consigue
uno que funciona. Es más joven que Niépce y Daguerre. Sus investigaciones las tenemos
que considerar como independientes. La principal clave del proceso de Talbot en
Inglaterra va a ser que en lugar de metal de cobre, él empieza a experimentar con un
material todavía menos ajeno que es papel al que le pone una fina capa de nitrato
de plata –que hacía un siglo se sabía que era fotosensible– y también con ácido gálico.
Este papel con esta preparación era de nuevo expuesto a la luz. Después, cuando
TALBOT sacaba esta imagen expuesta unos minutos a la luz, apenas se veía nada. La
imagen estaba pero latente. Era necesario llevar ese papel al laboratorio y volverle a poner
nitrato de plata y ácido gálico, ello revelaba la imagen, y luego como también hacia
Daguerre con ese hiposulfito (descubierto por Herschel, 1828) se revelaba, dejaba el papel
de ser sensible a la luz y la foto no se oscurecía. Esa imagen conseguida por Talbot era
una imagen negativa. Lo blanco le salía en negro y lo negro blanco. Pero como trabajaba
con papel, vio que le permitía hacer copias: en lugar de ponerlo en la cámara, lo que hacía
era poner la primera foto que había tomado y la ponía encima, y la dejaba a la luz
(contacto: ennegrecimiento directo). La única desventaja es que, aunque puedes hacer
copias, tanto la imagen primera como las copias no resultaban tan buenas en nitidez como
sí resultaba el daguerrotipo.
66
Talbot utilizó esto con fines artísticos, de naturaleza,… etc. por otra parte, sí que es
cierto que Talbot era un hombre culto que sabía literatura, arte, etc. y en lugar de llamar
a su invento TALBOTIPO/CALOTIPO el nombre que Talbot puso era Talbotipo (Talo:
del griego belleza). –la imagen que toma de un tronco de árbol que le sale en negativo
pero no la desecha.
Niépce ponía grabados y los reproducía. Talbot pone hojas de árboles y los
reproduce etc. intenta reproducir fielmente todo.
Estamos ya en plena revolución industrial, ve que reproducir patrones de tejidos,

etc. puede resultar interesante.
Pero cuando esto se hacía con una cámara oscura, las imágenes no son muy buenas,
el papel es un poco poroso. Diferencias entre el bodegón que hace Talbot y el que hace
Daguerre. En el de Talbot no hay mucho contraste.
Talbot, tabla comparativa de las características de uno y otro. Es interesante

también por ser de los primeros en hacer un libro de fotografías. Esta foto titulada La
puerta abierta 1843 copia en papel salado de negativo de calotipo es simplemente un
ejercicio de bodegón para mostrarnos los diferentes elementos. Esta fotografía fue
publicada en un libro
titulado The pencil of
nature, 1844-46.
Los primeros libros
fotográficos parten de esto.
En cuanto se inventa la
fotografía, esta idea de que la
imagen se pueda reproducir
es algo que pasa en las
primeras décadas en que esto
está en marcha.
Talbot y Daguerre los principales creadores. Otros reclamaron el invento para sí

pero ninguno les hizo caso.
67
3.03.14.
Recordatorio:
The pencil of nature de 1844-46 nos muestra el propósito de la fotografía fue doble
cuando se inventaba: se tenía en mente por un lado la capacidad de reproducción de
imágenes (recordar a Nièpce) y por otro lado, ver como lo titula el lápiz de la naturaleza
(era la propia naturaleza la que “se dibujaba”).
En Talbot, inventor de este sistema del calotipo, teníamos imágenes negativas pero que
luego era posible utilizar para hacer imágenes en positivo por contacto –esto nos lleva a:
la posibilidad de hacer otras muchas copias. Los primeros libros de fotografía “pegaban”
por así decirlo “auténticas fotos”. Luego veremos que se perfeccionarán otros soportes y
será posible hacer ampliaciones; pero de momento no con Talbot.
TABLA COMPARATIVA.
El daguerrotipo lo inventa y lo pone en marcha es Daguerre y lo va a hacer en Francia.

En 1839 cuando Daguerre presentó en la Academia de las Ciencias su invento, un invento
que acabaría en beneficio de la humanidad.
Talbot inventa otro sistema que a veces se llama Talbotipo –en honor a su nombre – pero
él utiliza la palabra Calotipo. Talbot, inglés, sí patentó su sistema y quiso cobrar por él.
Su labor en las patentes fue muy complicada: lleno de juicios y reconocimientos.
68
Sin embargo, Daguerre, apoyado por el Estado, tuvo una gran expansión por todo el
mundo. La mayoría de la gente de la época prefería hacer daguerrotipos. Si vemos como
son los calotipos y los daguerrotipos, nuestro concepto actual de fotografía, en realidad,
se parece más a Talbot, pero en los orígenes de la fotografía, el daguerrotipo tuvo una
mayor expansión en nº de usuarios y también en la geografía antigua (EEUU, América,
Japón, China,… en breve tiempo). Sobre todo tuvo [el daguerrotipo] un gran desarrollo
en los Estados Unidos de América.
Ventajas: Aunque en los procedimientos técnicos la base es muy sencilla (utilizar la

cámara oscura, pero introducir dentro un sistema químico…). Pero la diferencia es
notable: Con el daguerrotipo los materiales que se utilizaban eran tremendamente
costosos (placa de cobre, material muy caro en la época, pesado y poco manejable
además). El otro, era mucho más barato, pudo haber tenido una mayor expansión
comercial, sobre todo porque permitía hacer copias en papel fotográfico. Esto último no
era posible con el daguerrotipo puesto que era una copia única. Resulta que esa plancha
de cobre de la cámara de Daguerre no podías hacer ninguna copia en papel ni tampoco en
cobre. Pero, a cambio, la imagen final del daguerrotipo, esa imagen única, era de una
calidad extraordinaria (hasta hace poco tiempo el daguerrotipo ganaba a las cámaras
actuales en aumento, en cuanto a calidad) y eran únicas, así que es lógico que se
empleasen para pequeños retratos. El de Talbot, con materiales más baratos y permitía
hacer copias, no era tan nítido.
Al final la historia de la fotografía ha reconocido la autoría de la invención de Daguerre

y Talbot por otro.
69
Bayard: Autorretrato como hombre ahorcado, 1840. Anticipó a Daguerre y a Talbot.

En realidad no solamente Daguerre y Talbot estaban haciendo copias. Bayard fue el
pionero de insistir en la injusticia que se estaba produciendo en h de la foto. El proceso:
papel y sales de amoniaco, nitrato de plata y yoduro de potasio, esto permitía una hora y
Fijado con bromuro potásico. Interesante ver como a la par de Daguerre y Talbot también
está Bayard, y éste no es el único: un brasileño, Hércules Florence, quien cuando le
pone invento a su sistema, utiliza la palabra “Fotografía” y utilizó este sistema
básicamente para reproducir documentos. De todas formas esta palabra de Fotografía la
empleará después otro inventor: Herschel. José Ramos Zapetti también dice que inventó
la fotografía antes de los anteriormente citados. El que existan estos nombres nos dice
que había mucha gente trabajando en estas ideas.
T3 (UNIDO CON TEMA 2). SIGLO XIX. Pioneros, Expansión
70
Avances en el siglo XIX.
Todo el s. XIX e incluso también todo el s. XX es una mejora en estos sistemas

que empiezan a comercializarse. El principal problema que tenía tanto el calotipo como
el daguerrotipo es que eran muy complicados en hacer porque la película requería
conocimientos químicos y que había que hacerlos con un determinado medio y muy
deprisa, además era muy costosa y tenía dos problemas:
1. La rapidez de la película, su sensibilidad, la capacidad de una materia para

reaccionar a la luz (la sensibilidad se contaba por horas y minutos,
posteriormente ese tiempo va a quedar reducido a la fotografía instantánea.
Hasta entonces las fotografías no eran instantáneas).
2. El siguiente problema fue la propia calidad de la imagen: ganar nitidez y

la limitación del color (ven que la cámara dibuja muy bien pero no sabe
pintar).
Ya a mitad del s. XIX (prácticamente después de una década de presentación de

estos inventos) se habían hecho mejoras: Abel Niépce de Saint-Victor (1805-1870),
familiar de Joseph Nicéphore Niépce, y estos inventos en torno a la mitad del XIX van a
ser muy importantes en el desarrollo de la fotografía. Nièpce de SantVictor es el inventor
de la “albúmina”  la clara de huevo, porque a mitad del XIX había millones de gallinas
para la industria fotográfica porque este Niépce de SantVictor vio si se aplicaba sobre el
papel o sobre el cristal, también además clara de huevo, el resultado era de una imagen
de mucha mayor calidad. Resulta que esa fina capa de clara de huevo hace que el papel o
cualquier superficie recoja mejor las sales de plata (hace una película como más uniforme
y fina) y como consecuencia de que sea más fina y más uniforme las imágenes son más
nítidas. Además esto daba a la imagen final cierto tono anaranjado o sepia. Esto se
empleaba básicamente para mejorar las copias en papel. La mayoría de los fotógrafos
hacían sus fotografías sobre placas de cristal (material que rápido sustituyó al cobre, a
pesar de los problemas de conservación) y por contacto las copias se hacían en papel pero
en papel con este tratamiento de la albúmina. También como nuestros álbumes, la
albumina pronto llevó a esos tamaños estándar. En definitiva, mejoras en la calidad de las
copias fotográficas. A partir de la última década del s. XIX empieza a estar en desuso.
Cuando la gente tenía una copia casi siempre la tenía sobre un papel albuminado y lo
habitual es que las hojas las recopilaran en libros que ahora llamamos álbumes.
71
Unos años después, del ’47, otro francés, Gustave Le Gray (1820-1882), utiliza otro
sistema: el papel encerado graso. En este caso, no era para mejorar las copias sino para
utilizarlo como negativo. Consistía en coger un papel y darle más solidez y una superficie
más lisa y más apta para la emulsión fotográfica mediante cera virgen que hacia una
pequeña partícula sobre el papel. Este pequeño cambio de soporte permitía ahorrar
materiales más pesados de cobre o el cristal que se rompía mucho y la película sensible
empezó a ser siempre de papel encerado. Era muy barato, tenía mucho éxito, los
procedimientos eran los mismos. Además no era muy necesario preparar toda la parte
química justo antes de hacer la foto, si ponías las sales de plata te aguantaba mucho tiempo
y podías tener las películas ya preparadas, de todas formas el hacer las películas así te
llevaba media hora. No instantánea, pero un gran avance con capacidad de revelarlo
tiempo después. Una ventaja un poco más hacia nuestra concepción de fotografía.
Frederick Scott Archer (1813-1857) es significativo pues nos va a llevar a la fotografía

instantánea nos lo proporciona. Archer es el inventor de un sistema que emplea el
colodión húmedo –el colodión era una sustancia explosiva que se empleaba como la
pólvora. Investigando por distintas sustancias y reducir el tiempo de exposición, éste
hacia lo siguiente: preparaba las placas con colodión (nitrocelulosa) mezclada con alcohol
y ello era cubierta con yoduro de plata (la parte que actúa para sensibilizar, lo otro lo
intensifica). Por ello se llama colodión húmedo, hacía falta que todas estas partículas
químicas estuviesen todavía húmedas, se ganaba velocidad (más que el daguerrotipo) se
podían hacer fotografías en buenas condiciones en menos de un segundo. La mayor parte
del mundo por este sistema se pudo fotografiar. Fenton, a mitad del XIX, hacia fotos con
este colodión húmedo.
A mitad del XIX te tienes que imaginar a un fotógrafo con su cámara pero también con
su laboratorio final.
72
Una fotografía, de Gustav

Le Gray, “La gran ola”,
1857. Vemos una
aplicación de este colodión
húmedo, antes de esto no
era capaz nadie de realizar
una foto del mar. Aquí se
utiliza este nuevo avance
para presentarnos esta
imagen que antes no podían
hacer hecho. En el XIX era
muy habitual hacer
composiciones y en la final ofrecernos varias partes de otras imágenes. En esta foto,
vemos el cielo de una foto y el mar de otra foto en otro momento del día. Los fotógrafos
pensaban como los anteriores creativos de las imágenes (los pintores) y éstos cogen
muchas veces la composición de una obra pictórica o gráfica y de otras. Gracias al
colodión húmedo en la segunda mitad del XIX es capaz de hacer imágenes instantáneas,
antes no.
El colodión húmedo, unos años después se mejoró. El colodión húmedo era del ’50 y ya
cinco años después empieza a haber pequeñas mejoras y pasamos a lo que se llama
colodión seco, propuesto por Jean Marie Taupenot en 1855 y utilizado hasta 1880
consistía en recubrir la placa al colodión con albúmina, que permitía su conservación y
uso en seco. Es el mismo principio pero que gracias a cubrir esa placa de colodión con
albumina se vio que entonces la placa se podía preparar con antelación, era muy estable
73
y no precisaba de laboratorio (podías prepararte las placas en laboratorio, llevártelas y

luego revelarlas). Con la albumina ya no era tan rápida, pero si no tenías el laboratorio
podías emplear esto. Además en días de luz este colodión seco te ofrecía la calidad
suficiente, y por ello funcionó durante décadas. En el XIX muchos científicos eran muy
aficionados a la fotografía. Todos estos inventos han mejorado en la segunda mitad de
siglo tanto en películas, placas como en las copias. Problema: la emulsión era mucho
menos sensible.
En EEUU, imaginar como un país de aventureros que avanza hacia el oeste, tuvo un gran
desarrollo el daguerrotipo. Muchos retratistas iban de ciudad en ciudad (fotógrafo, al
principio en Europa, profesión ambulante) vieron que el daguerrotipo era muy costoso,
así como que las placas de cristal casi siempre se rompían puesto que viajaban a caballo,
en diligencia. Allí surgió el ferrotipo: combinaba el daguerrotipo pero sobre un soporte
de hojalata con las ventajas que daba en rapidez el colodión húmedo. El ambrotipo
(1854) de J.A. Cutting y el ferrotipo son dos variantes del daguerrotipo más baratas con
proyección en EEUU. Sistemas basados en el colodión húmedo que competían
comercialmente con el Daguerrotipo, fundamentalmente en Estados Unidos.
*el principal problema del daguerrotipo: imaginar el ala de una mariposa, frágil, el
daguerrotipo era así, daba una imagen muy buena pero muy frágil por ello siempre iba
dentro de un marco con un cristal.
Competidores baratos del daguerrotipo, basados en el

colodión, Ambrotipo.
74
Competidores baratos del daguerrotipo, basados en el

colodión, Ferrotipo.
Fotografía técnica. Etapa final. El llamado gelatinobromuro o plata seca. El

procedimiento que a fines del XIX se va a imponer como el más práctico. Su inventor
Richard Leach Maddox (1816-1902), quien hacia 1871 patenta un procedimiento muy
rápido y muy cómodo de realizar. El sistema que patentó Maddox tuvo una gran
aceptación y comenzó a industrializarse para obtener placas desde 1880. Más cerca de
nuestra actual fotografía. Ahora se va a industrializar. Las ventajas eran sobre todo la
sensibilidad –ahora sí que las fotografías son de décimas de segundo, autentica fotografía
instantánea, con un sistema que permitía hacerlas y revelarlas tiempo después. Utilizaba
como soporte placas de cristal y utilizaban una gelatina –bromuro de carnio y nitrato
de plata– y, de esta combinación salían cristales de bromuro de plata suspendidos en la
gelatina. Multiplica su inmediatez y sea mucho más estable el material. Este sistema lo
importante es esa gelatina y el bromuro, al poco tiempo en menos de una década
cambiaron el soporte por uno mejor: el celuloide (celulosa nítrica y alcanfor) vinculado
con los orígenes del cine. El problema del celuloide es que es explosivo y por eso fueron
sustituidas también por otra variante ya del XX que es el acetato. Prácticamente desde
fines del XIX hasta que llega el digital toda la fotografía va a emplear este soporte. Pronto
se convertirá en un formato estándar el carrete pequeño de 35 mm. Otro formato que se
denomina medio son 6x6 mm. En la actualidad marca la calidad los pixeles, antes era el
tamaño de las fotografías. Todos estos formatos en un primer momento no estaban
reglamentados. Ahora que las películas se industrializan, el primer congreso en 1889 para
75
poner un estándar (compatibilización), allí tenemos Kodak es casi el pionero y Georges

Hirsman, fundador y presidente de Kodak.
Kodak empezó a fabricar películas en 1879. Pronto además inventarán el carrete. Gracias
al negocio para ampliar su público, empresas como Kodak van a facilitar al usuario la
práctica fotográfica.
La industrialización: la Kodak de George Eastman (extendor de gelatino bromuro 1879,

cámaras 1888, carrete de película de celuloide, 1889). En Europa: la Lumière en Francia
y Agfa, en Alemania.
Avances. Otros caminos de la fotografía antigua.
Ver la fotografía en copias de papel. Pero en el s. XIX la gran parte de las fotografías se
veían en 3Dimensiones y eran muy usuales (la mayoría de la gente veía las imágenes de
cómo era el mundo en imágenes de tres dimensiones): Fotografía Estereoscópica. Un
visor de fotografías de tres dimensiones, un mueble que no faltaba en los salones de la
alta burguesía, y había empresas que tenían distintas visiones de vistas estereoscópicas
que podías comprar. Con dos agujeros, tomando dos imágenes de lo que tenemos en
frente, con un ligera separación de grados la misma que tienen nuestros ojos. Se ven dos
imágenes pero si utilizamos un visor con dos imágenes. Muchas de las fotografías del
XIX están hechas con líneas de fuga, muy marcadas hechas para ser consumidas en este
efecto de tres dimensiones. Se comercializaron también vistas estereoscópicas de bolsillo.
10.03.14
El cine en 3D. Comienzos de los ’80. Un sistema que parece novedad del s. XX, pero era
un sistema habitual de consumir imágenes en 3D en el siglo XIX. Es cierto que antes no
se aplicaba al cine, solo la fotografía. Lo cierto es que las 3Dimensiones dejaron de estar
de moda a partir del periodo de entreguerras. De tal forma que cuando se presentó el cine
en 3D casi nadie se acordaba de que las imágenes fotográficas ya se veían en 3
dimensiones.
Un periodo un poco tedioso pero ya lleva a la realización de fotografías instantáneas.

Imágenes mejores, más fáciles de hacer y más accesibles al público. En esto último, en
realidad no se sabía muy bien qué tipo de fotografías iba a querer la gente. Lo bueno de
76
la fotografía era que la mano del dibujante dejaba de ser necesaria, la máquina ya lo hacía
por sí misma. Pero la que se obtenía era plana, se intentó hacer en 3D. Era en blanco y
negro, así que se intentó hacer en color pero esto tardó mucho tiempo. La falta de color
se suplió al principio con la mano del dibujante en las copias con albumina.
Tres dimensiones: Estereoscopia.
Las vistas estereoscópicas fueron la solución para ofrecer la tercera dimensión a la

fotografía. Esa manera de hacer imágenes en 3Dimensiones necesitaba una cámara
especial, una cámara estereoscópica tiene la diferencia que la cámara era como dos
cámaras juntas y tenían dos agujeros por lo que entraba la luz para conseguir dos imágenes
distintas porque esta tecnología funciona con el principio de que nosotros tenemos una
visión binocular, y también nuestros ojos presentan una pequeña separación. La cámara
estereoscópica más o menos tenía los agujeros a la altura de donde estarían nuestros ojos.
Esto existe y se conocía desde hace tiempo, en el año ‘32, mucho antes de que se
presentase el daguerrotipo en sociedad (año ’39).
77
Ya una vez inventada la fotografía, una década después de haberse inventado el

daguerrotipo a David BREWSTER en el año 1849 se le ocurre crear imágenes binoculares
con una cámara que fabrica él. Esta primera cámara con dos objetivos fue luego
perfeccionada por otros fabricantes y la gente utilizaba este tipo de cámaras y también
había empresas que contrataban a muchos fotógrafos para tener un amplio repertorio de
fotografías estereoscópicas que se fabricaban. En el siglo XIX no había postales, el
fenómeno de las postales es algo que comienza a partir de 1890. En el siglo XIX se
compraban vistas estereoscópicas, la compañía más importante de este negocio era la
Landon.
• La visión binocular (los ojos están separados unas 6,5 cm.). CHARLES
WHEASTONE inventó un aparato para ver dos láminas acordes con esa leve
diferencia de ángulo en 1832.
• 1849, DAVID BREWSTER crea la cámara estereoscópica con objetivo doble,
para crear la fotografía estereoscópica.
• En 1860 O.W. Holmes diseña uno más cómodo. Su uso se prolonga desde la
mitad del XIX hasta la Primera Guerra Mundial.
• La principal casa, London Stereoscopic Company fundada en 1854 vendió en
1862 más de un millón de vistas.
Cámara estereoscópica.
78
Fotografía estereoscópica.
Visor estereoscópico.
Vistas estereoscópicas. Todas se caracterizan por tener la imagen repetida,.

Muchas tarjetas estereoscópicas llevan las dos fotografías pegadas a un cartón y en el
cartón suele aparecer el nombre de la compañía, el lugar, rara vez la fecha. Se fotografía
todo: los grandes eventos, muchas vistas de ciudades y/o paisajes,… etc. hace falta el
visor para tener la sensación de 3D.
Otros caminos de la fotografía antigua.

Tres dimensiones: Anagrifos. La estereoscópica no fue el único sistema para ver
imágenes en 3Dimensiones. El anagrifo, un invento a fines del XIX de un tal LOUIS
DUCOS DU HAURON, utilizaba dos imágenes binoculares pero cada una de ellas iba
79
en un color complementario, rojo y verde, cuando veías luego la imagen con unas gafas
con un cristal rojo y otro verde acentuaba esas tres dimensiones.
Junto con la vista estereoscópica y el anáglifo, es curioso presentar también otro tipo
de tecnología para percibir esto de las 3dimensiones. La posibilidad de un escáner en 3D
que permita no escanear algo plano sino escanear cualquier tipo de objeto que ahora es
algo costoso y casi experimental, tiene sus precedentes: hubo gente que trató de hacer
foto-esculturas, fotografiar un objeto casi por todos sus lados y crear una imagen en tres
dimensiones con esa apariencia. Resultado, como digo, muy costoso y en muchas
ocasiones no muy acertado pero eso estaba en el ambiente. Estas prácticas ya se hacían
a mitad del s. XIX.
• 1891 anaglifo (anaplyphe) de Louis Ducos du

Hauron (1891). Consiste en dos imágenes montadas
a una distancia correspondiente con la visión
binocular, cada una en un color complementario
(rojo y verde). El relieve se consigue al mirar con
gafas especiales, de un color cada cristal.
Tres dimensiones: Proceso del anagrifo.
Tres dimensiones
• La foto-escultura 1860 de FRANÇOIS WILLÉME (1830-1905) 24 tomas del

modelo y con un pantógrafo se modelaba el retrato.
• Casi cien años después con tecnología basada en el rayo láser se empezaron
a utilizar hologramas. El holograma: DENNIS GABOR, desde 1948.
Primeros logros en 1962 utilizando el rayo láser. Complejo técnicamente: se basa
en la interferencia de dos emisiones de luz, una del generador de luz y otra
del objeto. El holograma ya en su época fue altamente novedoso, y algunos
artistas como Salvador Dalí ya se interesan por este tipo de imágenes
tremendamente sorprendentes.
• En lo digital: el escáner en tres dimensiones. Lector y software.
80
Fotografía en movimiento: Cronofotografía.

Otro aspecto junto al color, al 3D, era el movimiento. No que la fotografía salga
movida (ese fue un problema de exposición: hacía falta una exposición muy larga porque
las sustancias químicas que teníamos para hacer digamos la película, necesitaban de
mucho tiempo a la luz). Cuando se llega al colodión, el tiempo de exposición son
milésimas de segundo –y así llegamos a la fotografía instantánea–, lo que tiene como
consecuencia que por primera vez, por así decirlo, podemos parar el mundo para mirarlo.
Esto de poder descomponer la realidad en fragmentos cambió nuestro concepto

del mundo respecto a su dinámica o movimiento. Pronto se emplea la fotografía para
estudiar el movimiento del hombre desde el punto de vista anatómico y se debe a
OLIVER WENDELL HOLMES en el año 1863, las primeras investigaciones de
sicomotricidad con fines técnicos).
Pero el gran fotógrafo va a ser un norteamericano llamado EADWEARD

MUYBRIDGE (n.1830-f.1904) quien sus principales aportaciones las va hacer en los
años ’60, en sus inicios fotografió los parques norteamericanos, hizo expediciones a
Alaska, pero ya a partir de la década de los años 1970 empieza a mirar los movimientos
81
de animales –en especial del caballo–, y en concreto en 1973, empieza sus primeros
trabajos del movimiento del caballo. Los grandes pintores, Velázquez, Rembrandt,…
no habían podido pintar al caballo tal como en la realidad al galope, en su movimiento
real. Inventó un sistema muy ingenioso en su trabajo del movimiento del caballo (cuando
el caballo corre, y cuando tiene las cuatro patas en el aire, las recoge bajo su vientre). No
solo hizo caballos sino que también otras muchas más investigaciones y otra de las más
interesantes fue llevar la fotografía en movimiento al mundo humano y mostrar
también como se movía un hombre al subir las escaleras, al lanzar un objeto, al saltar, etc.
Ese trabajo lo realizó para la universidad de Pennsylvania para la década siguiente
(h. 1885) y sus trabajos los reunió en un libro titulado “Animal locomotion”, 1887.
La finalidad es fundamentalmente científica (la precisión de las medidas…) y lo que se
persigue es utilizar la fotografía para el avance de la ciencia, para conocer mejor. Él lo
hacía mediante una galería con una batería de cámaras fotográficas. Este sistema
garantiza una precisión perfecta del estudio de movimiento –del caballo en este caso –
que se quiere obtener. Para el mundo del arte la verdad es que nuestro caballo al galope
así siempre nos va a parecer más épico.
Un pintor norteamericano Eakins, después de conocer los estudios de Muybridge, pintó

cuadros como este “Una mañana de mayo en el parque”, aquí el interés de esta pintura es
que el pintor se esforzó en no presentar las patas de los caballos en una composición
simplemente artísticamente elegante sino que se esforzó en apuntar los movimientos
delos caballos de Muybridge y los reproduce aquí. Recordar que la pintura de
impresionistas en adelante y sobre todo estos estaban obsesionados por representar la
realidad tal como la veía el ojo.
Además de estudios anatómicos.
• Primeras instantáneas y las investigaciones del doctor Oliver Wendell Holmes

para el movimiento humano, 1863.
• 1877, estudios del movimiento de Edweard Muybridge (1930-1904). Valle de
Yosemite, expedición a Alaska en 1867; Caballos en 1873 (newhall 119); 1877
batería de cámaras. El zootropo. El zoogiroscopio 1880: nace el cine. Con el pintor
Thomas Eakins) sigue sus investigaciones en la Universidad de Pennsylvania de
atletas en acción 1884-1885, con placa seca. Animal locomotion (1887):
diccionario visual de las formas en movimiento.
82
Fotografía en movimiento: Edweard Muybridge.
Thomas Eakins, A may Morning in the Park, 1879.
Desde 1877, estudios del movimiento de Edweard Muybridge (1930-1904).
83
Cronofotografía.
• 1882, cronofotografías de Étienne-Jules Marey (1830-1904). Exposiciones

sobre una misma placa. Utilizaba desde 1890 la película de celulosa. Sus trabajos
están muy cerca de los inicios del cine.
Para el estudio del movimiento, Marey.

Diferencia entre esta foto y el galope del
caballo de Muybridge. No es que haya
hecho una foto con una cámara aquí y otra
foto en los distintos movimientos, ha
utilizado la misma cámara disparando
varias veces. Sobreexposición: hacer más
de un disparo en la misma placa o película.
El cine en realidad no funciona por estos sistemas, son imágenes únicas que pasan muy
deprisa delante de nuestros ojos y resulta que nuestros ojos solamente ven un determinado
nº de imágenes por segundo y esa sensación de engaño en nuestro ojo de la sucesión de
una imagen continua. Pero es una repercusión del cine pero no tiene el mismo principio.
2.5. Cámaras fotográficas.

Para ver como desde los pioneros a nuestros días se ha producido una gran
simplificación de los procedimientos fotográficos y también desde el punto de vista
sociológico se ha extendido al máximo el nº de imágenes fotográficas. En tiempos de
Niépce hacia fotos solo éste y quizás alguno otro, después del daguerrotipo unos miles,…
etc., etc.,
84
Nuestro ojo resulta que también

es una pequeña cámara. La cámara fue
incorporando una serie de mecanismos
que se han mantenido
hasta la actualidad. Aunque
las que utilizamos hoy son en su
mayoría digitales, se basan en los
mismos principios: en una cámara
oscura y un agujero.
Básicamente los principales elementos
los tenemos aquí, por un lado la óptica
(qué es la óptica) con lente se puede
mejorar la imagen, por otro lado hay
un mecanismo ya mecánico que se
llama diafragma (un mecanismo para
controlar el diámetro del agujero de la cámara, un diafragma abierto nos permite ampliar
el agujero de la cámara,…). El obturador es otro mecanismo de la cámara, mecánico, que
es como una pantalla o cortina que cierra la entrada de la luz (cuando disparamos estamos
en realidad quitando el obturador).
85
Las primeras cámaras oscuras que utilizaban los dibujantes estaban hechas de madera, se
incorporaron los primeros materiales fotográficos (las primeras cámaras fotográficas eran
igual que las que utilizaban los dibujantes) e incluso iguales en tamaños.
*una réplica de la cámara que utilizaba Talbot. También de madera, muy sencilla, y con
un objetivo que es simplemente una lente de cristal que optimiza la recepción de la
imagen.
Estas cámaras son un poco artesanales como esta Cámara fotográfica de Nièpce c. 1816.
Esta es el daguerrotipo que comercializó Daguerre. Daguerre fabricó un modelo estándar

que vendía con las instrucciones de su procedimiento. Tiene también una lente y con el
86
tape por así entenderlo de una mirilla –una forma de controlar cuanto tiempo entra la luz
para afectar a la placa sensibilizada.
 Cámara comercializada por Daguerre, c. 1840.
Cámara Voigtänder. En el centro de Europa, en Alemania, en Austria, había un gran

desarrollo en la talla de cristales y en instrumentos ópticos y
muchos inventores centroeuropeos trabajaron en colocar
lentes a este invento de Daguerre. Ver como desde mediados
del s. XIX se empiezan a preocupar por la óptica. Esto es
simplemente para uso comercial… se especializó en hacer
retratos. Lo que hizo era una cámara con varios objetivos en
varias poses estándar del s. XIX, y simplemente al hacer esas
fotografías con una sola película luego al revelarla permitía tener en una sola copia toda
esta secuencia. No es más que un avance en la forma que luego podía comercializar esas
imágenes. Abarataba cuatro veces por así decirlo el proceso comercial.
Cámara de cuatro tomas de Disderi.
La industrialización de la fotografía tras el gelatinobromuro supuso avances en los

obturadores (1/5000 de segundo): Las cámaras se hacen más pequeñas y no
necesitan trípode. Durante tiempo no había fabricantes especializados en cámaras
87
fotográficas. El descubrimiento del gelatinobromuro de Maddox, permite hacer

fotografías con muy poco tiempo de exposición de tal forma que es necesario desarrollar
este mecanismo de los obturadores. Antes, pro el tiempo de exposición, la cámara la
tenías que llevar con trípode para que no se moviese, se quita la tapa, se cuentan los
minutos y se vuelve a tapar la cámara. Pero ello no era posible en movimiento. Este
mecanismo se empieza a poner en marcha y también la cámara ya no se tiene que estar
quieta, las cámaras se hacen tambien más pequeñas y compactas.
El fundador de Kodak, George Eastman (1854-193
Finales del XIX y principios del XX. Principios de siglo: Cámara réflex con lente
única: Un espejo de 45º dentro de la cámara que al abrir el obturador se coloca
vertical: en EE.UU la Graflex y en Inglaterra
la Soho Reflex. Curiosamente el hecho de que las
hagamos con el móvil y que en las pantallas
podamos ver lo que estamos fotografiando. Pero
en esta época se decía fotografías de ombligo” sin
visor. Eastman creó la primera cámara kodak con
estas características pero no se diferencia casi
nada de la primera cámara de Niépce por
ejemplo. Lo que sí ha cambiado es que ahora esta
cámara se fabrica a miles. Kodak se va a
especializar en fabricar las películas. De hecho,
empezó a fabricar solo en veinte películas, y en el
año 1888 lanzan la primera cámara kodak. G. Eastman,
norteamericano, está en el momento en hacer el negocio de su vida y lo hizo. Vendía la
cámara con película para 100 tomas o vistas. Eran fotografías circulares de poco más de
6cm. Tenían una lente, el diafragma era fijo, y tenía un sistema de obturador ya en desuso
con cilindro. Más que este tipo de características, que saliesen bien. La novedad de
Eastman fue ver que la fotografía la podía hacer cualquiera, eslogan: “usted apriete el
botón, nosotros hacemos el resto”. Vendía por 25 dólares la cámara y ya incluía allí el
88
revelado de la película. Una de las más populares cámaras kodak fue un modelo llamado.
En la hirsmanHouse.org.
 Un anuncio de la cámara, ya a principios del XX y se vende mucho más barata (a un

dólar). El que aparezca la mujer en la publicidad es un estudio de mercado. Integración
de la cámara a la vida familiar.
Tras la cámara kodak sencilla, hubo muchos fabricantes dedicados a hacer cámaras con
mejores prestaciones: mejor obturador, mejor diafragma, que eran los que empleaban ya
no tanto el aficionado en casa sino sobre todo fotógrafos profesionales dedicados a la
prensa, a los reportajes,… etc. Esta permite un visor y más o menos aunque la llevas a la
altura del ombligo, te asomas y ves más o menos lo que estás proyectando.
Una cámara llamada Leica. Su inventor fue un ingeniero llamado Oskar Barnack
(18791936) que en el año 1824
crea su primera cámara
de pequeño formato para
película de 35 mm con las
películas que se
inventaban ya en el s. XX, los
carretes. Con una lente de 50
mm, y con una apertura muy
versátil
(3,5mm) luego la mejoró ya la
convirtió con cuerpo de acero muy resistente. La cámara Leica ya se parece mucho más
a las cámaras que tenemos actuales. El que sea tan manejable y que el cuerpo sea de acero
nos trae a la mente a Fenton o a Capra. Todos los grandes reporteros de guerra cambiaron
aquellas por estas que eran resistentes y más manejables. Todavía Leica sigue vendiendo
cámaras fotográficas.
89
HASSELBALD, tecnología nórdica. Se diferencia de la anterior, no solo por su tamaño

sin o tambien por un sistema que durante mucho tiempo era una nota de calidad en las
cámaras fotográficas: el sistema réflex, permite mediante un visor ver exactamente lo
mismo que vas a fotografiar. Era muy útil para tener el
absoluto control de lo que fotografiabas.
Nikon, japonesa. Cámara réflex compacta.
Canon, otro fabricante.
Materiales más baratos. Pronto el plástico sustituirá al acero como soporte y pronto
también los mecanismos electrónicos, sobre todo a partir de los años 80 van a
incorporarse a la fotografía.
Cámaras desechables antes de la llegada del digital. Konika.
EL FLASH
• Mezcla de carbón, sulfuro y clorato de potásico (1847) que se encendía al tiempo

de impresionar la placa.
• 1859, Magnesio.
• Desde 1925 se experimenta con bombillas y magnesio.
• 1939, Flash electrónico sincronizado con el obturador.
• Utilización de varios flashes para componer la iluminación.
• Comercialización de flash incorporado: 1964, con la cámara Votrona de la firma
Voigtländer.
90
Ahora bien, el flash ya se conocía en el s. XIX lo que pasa es que era muy engorroso de
manejar. Se utilizaba magnesio sobre todo. Desde el año ‘39 ya existían estos mecanismos
de sincronización del flash con el disparo. Consecuencias, primero el aspecto de la
cámara; Weegee, empleó magníficamente el flash como vimos.
Las películas y del resto de mecanismos que componen la cámara.
12.03.14
Los mecanismos que se inventaron para:
- Controlar qué tamaño queremos para el agujero por donde entra la luz en nuestra
cámara oscura, y en realidad había muchos sistemas y uno de ellos era el
obturador que es el mecanismo para controlar el tiempo de exposición. El
obturador es cualquier mecanismo que nos permite la entrada de luz y la no
entrada de esta. En el momento en que está abierto entra la luz y se hace la foto.
Varios sistemas: el más utilizado es el de cortinilla. En una cámara uno de los
controles que tenemos es cuánto tiempo tenemos el obturador en marcha.
Normalmente se hacen fraccionando un segundo en 125 partes.
Esto importa según qué foto queramos hacer.
91
Congelar este
movimiento producido en décimas de segundo, tan rápido que el ojo humano no
lo ve si no es en fotografía con un obturador muy rápido, como lo vemos en esta
imagen, sólo se consigue con un obturador que nos abra la luz en décimas de
segundo. Sin obturador esta fotografía no se podría haber hecho.
De nuevo, en esta fotografía, vemos que se ha empleado

un obturador rapidísimo.
92
Contrariamente a las dos imágenes anteriores

esta se consigue poniendo un obturador
abierto mucho tiempo. Tiempo de
exposición muy grande.
Obturador de manera
intermitente y abierto poco
rato. Sobreexposición
utilizando el obturador de
forma rápida.
El concepto de PROFUNDIDAD DE CAMPO.
El control del diámetro de la cámara oscura nos va a dar este aspecto llamado profundidad
de campo.
93
La profundidad de campo es el espacio que enfoca la cámara.
Este concepto está directamente relacionado con la apertura del diafragma.
Existen muchos tipos de formas de hacer más grande o más pequeño el agujero de la
cámara. El de más éxito es el diafragma iris.
La apertura del diafragma se hace también con una numeración muy especial. Si el
obturador va por la fracción de segundo que dividimos, el nº para controlar el diafragma
se expresa por una f, una barra, y después un número. Después de la f fracción si es un nº
bajo (de 1 a 3) se supone que es un diafragma abierto. Si el nº expresado es de 16 en
adelante, lo que estamos haciendo es cerrar cada vez más el diafragma.
Diafragma muy abierto (f/1 - f/1,4 - f/2 - f/2,8 ): poca profundidad de campo.
Diafragma muy cerrado (f/16 - f/22 - f/32) : mucha profundidad de campo.
Generalmente las cámaras fotográficas calculan qué película tienes y cuanto hace falta
abrir el agujero para hacer la foto sin que se mueva. Función automática. Calcula cuanta
luz hay, etc. Dos maneras de hacer la fotografía.
f/16 un agujero muy cerrado, mucha profundidad de campo. Y cuando está muy abierto
f/2.0, el fondo de detrás se vuelve borroso, perdemos profundidad de campo.
Una fotografía de Ángel Adams, un diafragma muy cerrado.
94
Cartier-Bresson, en esta foto que se quiere centrar en el retrato de este escritor
Pérdida de profundidad de campo. Esta es una imagen

de un diafragma abierto.
Fotografía de Ramon Masat. Diafragma abierto.
95
Aunque borroso e indefinido todos sabemos que son las

tres gracias. Para destacar la apariencia de los personajes
que se han sentado a ver esta obra.
Con esto, obturador y diafragma ya conocemos los

mecanismos básicos de las cámaras fotográficas. Las
cámaras digitales que tenemos ahora imitan lo mismo.
Por funcionalidad y también por tradición. La fotografía
digital, que ahora ha sustituido a las fotografías. Lo que
no ha cambiado es la parte óptica de los objetivos. Las
cámaras para mejorar la imagen que entra por el agujero
utilizan lentes y según qué tipo de lente utilices puedes
conseguir un tipo de imagen u otra. Las cámaras han empleado esto, es lo que se denomina
fotografía estenopeica que significa que en la cámara no tienes lente alguna.
Un tipo de lente que al final hemos considerado estándar y normal es el llamado de 50 o

55 mm. Cuando las cámaras solamente tienen un objetivo como esta, suele ser de 50 mm.
Se llama objetivo angular aquellos que te permiten una visión mucho ms abierta y
panorámica. Imita más o menos lo que ve nuestro ojo pero cuando giramos la cabeza para
ver todo el horizonte o algo más panorámico. Sin embargo, también existen objetivos que
en lugar de ampliar una imagen, más exagerado angular sería el ojo de pez. El contrario
sería el tele o tele objetivo que es una lente que concentra la imagen (por encima de 55
mm). Y esto es permitido por la popularidad de un tipo de lente llamada zoom que
combina el angular y el teleobjetivo (28-125mm). Hay también una relación entre el tipo
de objetivo que utilizas y la luz que entra. Aunque el tamaño del agujero permite controlar
esto, cuando a un agujero le pones una lente angular, entra mucha más luz; cuando lo
pones en tele objetivo y te centras en algo más concreto aparece borroso puesto que en
ese caso tal vez se necesitaría más luz.
Objetivo angular.
96
Tele objetivo.
Obturador muy deprisa. Así hace falta mucha luz y

seguramente una película de sensibilidad especial
capaz de capturar imágenes lo más rápido posible.
Esta es una fotografía hecha con una caja sin

más y con un agujero. Esto que hablamos
para fotografía se ve igual para cine.
Kodak, Leica, Nikon, Canon,… hay marcas estadounidenses, europeas y Japón se ha

convertido en un país que durante mucho tiempo ha dominado el mercado.
97
2.6. La fotografía en color.

De todos los avances, como sabemos, el color fue el más tardío.
Del s. XIX aunque no existía fotografía en color, la gran mayoría de las fotografías
se coloreaban.
En el siglo XIX las imágenes se coloreaban manualmente. Muchos pintores que

hacían retratos antes del auge de la fotografía adaptaron sus pinceles a colorear retratos
fotográficos.
Recordemos que mediante un procedimiento similar se colorearon películas en

blanco y negro según los nuevos gustos comerciales.
Curiosamente esto se sigue haciendo y en muchas tiendas de fotografía se

restauran digitalmente fotografías antiguas y se colorean.
En el siglo XIX nadie se hacia la fotografía en blanco y negro para hacer un retrato
artístico (como sí ocurre en la actualidad). Muchos pintores que se dedicaban a hacer
retratos a la burguesía de París o Londres, muchos se convirtieron en artistas que
coloreaban manualmente las fotografías.
En el siglo XX ya no hace falta la mano del hombre coloreando las fotografías en

blanco y negro. Los métodos son algo complicados de exlicar. Los principales:
En 1869, Síntesis aditiva, Charles Cros y Louis Ducos du Hauron.
1891, Método Interferencial. Gabriel Lippmann.
Y ya con más éxito en el s. XX:
1907, Autochrome, hermanos Lumière.
1935, Síntesis sustractiva, de L. Manes y L. Godowsky. Sistema que básicamente

se ha utilizado en la fotografía química del siglo XX.
Basándose en la descomposición de los principios ópticos del color.
Uno para cada color primario, y luego cuando se hacia la copia se realizaba la
copia de una película, luego de otra y luego de otra. Era un sistema que necesitaba un
visor muy especial para ver esas imágenes con claridad. No hay una gran precisión en los
tonos.
98
• 1869, Síntesis aditiva, Charles Cros y Louis Ducos du Hauron. Empleaba tres
negativos y tres filtros (uno por color primario) y en el positivo se superponían los
tres.
• Se utilizó hasta la comercialización del Autochrome. Necesitaba un aparato
especial para verlo.
Fotografía en color del siglo XIX.
1907, Autochrome, hermanos Lumière, patentado
En 1903. Tuvo un mayor desarrollo comercial. Pero su comercialización se comienza

en el año 1907.
Se basa en principios parecidos en seleccionar unos roles básicos para configurar la

imagen final. Empleaba un filtro especial en forma de retícula (tricromo) o mosaico por
el que la luz se filtraba en tres tonos diferentes antes de llegar a la emulsión.
La complicación estaba en conseguir una película que coja todos los colores y los
represente.
Otros fabricantes, como Agfa o Dufay, emplearon sistemas parecidos hasta la invención
de la síntesis sustractiva.
Los colores que da parecen un poco apagados. Su uso fue minoritario. Los fotógrafos
profesionales casi no los utilizaban.
En realidad la fotografía en color empezó a utilizarse y fabricarse con éxito comercial ya

a fines de los años 30 y sobre todo ya en la segunda mitad del siglo XX. En este caso era
un proceso también de síntesis en el cual había una película, un carrete, que tenía sobre
la misma superficie –sobre el acetato – una emulsión, una sustancia química fotosensible,
99
que era alterada por la luz azul, superpuesta otra capa y otra sustancia fotosensible que
cogía la luz amarilla, y sobreexpuesta otra más que permitía capturar luz roja. Algo
parecido a lo que se había empleado anteriormente. Esa comodidad aparte de una mejor
precisión, que es la que va a permitir que el público comience a realizar fotografía en
color.
1935, Síntesis sustractiva, de L. Manes y L. Godowsky.
Consiste en la superposición de tres emulsiones en
La película (una para luz azul, amarilla y roja).
Kodacolor (1935) y Agfacolor (1936) se comienzan a fabricar prácticamente en cuanto

se inventa.
Sucesivas mejoras del sistema:
Ektacrhome, Kodachrome, cibachrome. Cambios en la composicion química de estas

emulsiones.
En resumen, la popularización de la fotografía en color se produce prácticamente un siglo

después de la invención de la fotografía. Que sea tan tardío no es por una falta de interés
del público sino en la gran dificultad técnica que hubo en conseguir un procedimiento
químico adecuado.
Joel Meyeriwitz
100
• Complejidad técnica en la preparación de materiales y en el laboratorio de

revelado.
• Su empleo no se generaliza hasta la segunda mitad del XX.
• Utilización masiva en aficionados, prensa y publicidad. Utilizado sobre todo por
la sociedad de masas, por el público pero también por la prensa y publicidad.
• Convivencia de los dos sistemas hasta nuestros días. Incluso el paso al digital no
ha hecho que desaparezca nuestra foto en blanco y negro.
¿Color o blanco y negro?
Es increíble el predominio del blanco y negro en lo que llamamos fotografía y fotografía

artística. También es cierto que nos vamos a centrar en fotógrafos del XIX y primera
mitad del XX.
Eliot Porter (1901-1990), un maestro de la fotografía en color, dice:
“Nunca pude convencer a los fotógrafos tradicionalistas (Ansel

Adams, Minor White, Brett Weston…) de que el color es
realmente un medio válido para expresar las ideas de la fotografía.
Siempre han tenido una actitud muy negativa sobre la fotografía
en color”.
Había muchos que les costaba adaptarse,
Rafael Navarro, fotógrafo zaragozano especializado en desnudos en blanco y negro pero

hasta hace unos años se le ocurrió exponer fotografías de paisajes y en color.
Un fotógrafo en color perdía cierto dominio de la imagen final. El fotógrafo en blanco y

negro en el laboratorio calibraba la escala de grises, el contraste… si hacían las fotos en
color casi dependían de la maquina en el resultado final. De todas formas, también ha
habido fantásticos fotógrafos que han trabajado el color.
101
“Creo que la fotografía en color es enteramente diferente al

blanco y negro. En el blanco y negro se ven las formas mucho
más que el color.”
Incluso los propios fotógrafos diferencian que son dos cosas diferentes. Que el blanco y
negro no es una carencia de color sino un lenguaje diferente al que se puede conseguir
con el color.
Un debate parecido con la irrupción de la tecnología digital.
Ni en blanco y negro ni en digital o en color hay que ver rupturas.
Esta fotografía en blanco y negro sin duda no le daría interés artístico.
Es casi el color de las hojas el tema de la fotografía.

102
Joel Meyeriwitz (1938- ) “El color nos da calor, vida y densidad, ¿Es gris la piel de una
persona?”.
2.7. La fotografía en la era digital.
• La era digital.
• Cómo funciona una cámara digital.
• Almacenamiento de la información.
• Programas de tratamiento de imágenes: Photoshop.
• Aplicaciones y características de la fotografía digital.
• El futuro de la fotografía.
Con la cámara de fotos teníamos la cámara oscura, y una cámara digital la tiene también.
Pero con lo digital lo que cambiamos es una película química sensible a la luz. Es la
película lo que cambiamos. Con una cámara digital no nos hace falta la película porque
acoplamos un aparato electrónico sensible a la luz (CDD, Charge Coupled Device) y que
es capaz de captar señales luminosas y transformarlas en eléctricas.
En función de la luz que reciba este sensor, transmite una determinada señal
El sensor CCD no transmite luz, sino señales eléctricas Según
la luz recibida: a través de Puntos de Fósforo.
103
Un esquema parecido a la fotografía

química. Donde no llega la luz no hay intensidad eléctrica.
El color.
Ya hemos visto como fue complejo en la fotografía química, pero resulta que a estos
sensores se les puede poner un filtro. Así, nos da la sensación de cuanta luz entra.
La información capturada por estos sensores y filtros son recogidas en una unidad
conocida que son los pixeles. Una imagen final nos la da la suma de toda esta información
recogida en los sensores y contada en el nº de pixeles. Cuando vemos estas unidades es
porque tiene pocos pixeles y, por lo tanto, hacemos una imagen construida a partir de
poca información. Durante tiempo el gran problema de la fotografía digital era calidad de
los sensores.
En definitiva la imagen final en color es una suma en color que se llama luminóforo, que
en color nos da información del rojo, verde y azul. Es llevar al terreno digital los
conocimientos de descomposición del color que en realidad se empleaban desde que se
inventó la química. En el ordenador tenemos el sistema RGB (red, Green and blue) de
tomar la información de conseguir los pixeles.
Capturar las imágenes así es una forma nueva de almacenar, tratar y difundir la fotografía.
104
Los formatos de compresión y otra manera de optimizar de manera matemáticamente.

Ésta última quizá menos precisa. La imagen JPG no será igual que la de un formato sin
comprimir. Son sistemas de compresión muy buenos y muy manejables. Esa forma de
comprimir la información y de ser manejables es una de las grandes ventajas de lo digital,
que permite gestionar la información de una forma muy muy eficaz.
Estamos hablando de información. Ahora una foto es fundamentalmente información.
¿Final de la fotografía química? No se ve así, ahora profesionales la recuperan. Pero sin

duda, la prueba de que ha muerto la fotografía química se mantuvo que había muerto
durante mucho tiempo aquellos países en los que la tecnología digital todavía no se había
implantado. Pero hoy kodak ya no se dedica como hizo George Eastman a fabricar
películas y cámaras de fotografía química. En su uso ha muerto. Pero ello no quiere decir
que hoy no se siga haciendo.
La relación entre el arte y la fotografía. Explicar diversos fotógrafos y tendencias. Que es

una buena fotografía en determinada época (cosas bien diferentes por la tecnología y los
usos…).
17.03.14
Repaso del tema anterior:
Posibles preguntas de examen: “¿qué es un daguerrotipo?”: fue el primer procedimiento

fotográfico anunciado y difundido oficialmente en el año 1839. Fue desarrollado y
perfeccionado por Louis Daguerre, a partir de las experiencias previas inéditas de Niépce
(antes de 1826), y dado a conocer en París, en la Academia de Ciencias de Francia.
“¿qué es un Calotipo?”: es un método fotográfico creado por el científico inglés William
Fox Talbot y basado en un papel sensibilizado con nitrato de plata y ácido gálico que, tras
ser expuesto a la luz, era posteriormente revelado con ambas sustancias químicas y fijado
con hiposulfito sódico.1 Este procedimiento es el primero que genera una imagen en
negativo que podía ser posteriormente positivada tantas veces como se deseara, a
diferencia del daguerrotipo, que era un positivo directo único. Además, era mucho más
económico por usar como soporte el papel en lugar del metal. De este modo introduce dos
características muy importantes para el posterior desarrollo de la fotografía: la imagen
múltiple, y su costo muy económico.
105
T4. GÉNEROS FOTOGRÁFICOS.

Objetivos: aproximarnos a los géneros fotográficos. Algunos de los grandes fotógrafos
que destacan en cada uno de estos géneros, y algunas de las fotografías importantes, obra
de estos fotógrafos.
1. Conocer las características de los principales géneros fotográficos.

2. Estudiar la evolución histórica de los géneros.
3. Estudiar las aportaciones de los fotógrafos más destacados de cada género en su
contexto artístico.
4. Adquirir un amplio repertorio visual de la Historia de la Fotografía.
Los principales géneros en Fotografía
• ¿Qué géneros hay en Fotografía?

• ¿Por qué analizar los géneros?
• ¿Qué límites tienen los géneros?
Un género es una agrupación temática realmente. De lo que nos habla de género es del
tema, también el planteamiento, la finalidad de las fotografías. En fotografía tenemos
otros géneros, que, más próximos a los argumentos, se parecen más que a nuestra pintura.
Los cuadros por género: historia, paisajes, mitológicos, costumbrista,… En fotografía es
más amplio, pero si repasamos la historia fotográfica más o menos estos géneros
pictóricos los vemos en las fotografías de la historia. Relación pintura-fotografía. En
cierto modo muchos fotógrafos han hecho escenas muy parecidas o semejantes a las que
han hecho los pintores con sus pinceles.
Enfocar bajo unas características fotografías muy distintas. En historia del arte muy
interesante como hacían los egipcios, los griegos, los romanos, sus retratos por ejemplo.
Esa visión muy panorámica nos va a permitir como a lo largo de la historia del retrato ha
ido cambiando. Ventaja de analizar los géneros. También porque algunos trabajan sobre
un género pero también otros artistas que están buscando los límites entre un género y
otro.
Por otra parte, también una aportación de la fotografía es su gran valor

documental. Como anunciamos en el primer tema, la fotografía por ser huella de la
106
realidad tendemos a aportarle verdad, de realidad, convirtiéndose ésta –la fotografía – en

un valor muy importante.
Esquema:
1. El documental. Por ser quizá lo más diferente a la pintura –a diferencia de los

cuatro siguientes.
2. El Retrato
3. Desnudo
4. Paisaje
5. Naturaleza muerta.
El documental. (Relacionar con el T1 y con el gran poder que tenían las

imágenes).
Lewis Wickes HINE (1874-1940), que a comienzos del s. XX fotografió en la isla

de Elis.
Las fotografías tan impactantes de los niños con la cara blanca que denunciaba el
uso en minas de mano de obra infantil. Emigración, explotación infantil.
Son fotografías sin duda de un gran valor estético e incluso

en ocasiones estas fotografías se ponen de lámina para adornar
una gran pared. Vemos fotografías de un gran contrapicado, la
propia estructura sirve para encuadrar una imagen. Con toda la
ciudad al fondo. Pero él no hizo esta fotografía con esa finalidad
de buscar un efecto estético. La finalidad de este fotógrafo
norteamericano era la de luchar contra las injusticias y malas
condiciones laborales, llamar la atención a la autoridad pública.
Más un carácter documental de cómo se construían los rascacielos a comienzos de siglo.
En vida en general nadie pensaba que HYNE era un gran fotógrafo. Se le apreciaba
por las obras que hacía de campaña, pero no salía en ningún libro de fotografía como
fotógrafo, no hizo en vida ninguna exposición, la apreciación de la fotografía documental
como una pieza clave de la h de la fotografía se va a producir ya tras la IIGM cuando
empieza a escribirse la Historia de la fotografía. Mucha gente que decidió utilizar la
107
fotografía para denunciar o informar, ha acabado en las mismas paredes que los artistas
paradoja.
108
109
de
Edward S. Curtis (1868-1954).
Un gran valor documental también las fotografías de los indios de Curtis. Tanto
HYNE como CURTIS son dos pioneros del documental cuyos trabajos son hoy valorados
y se conservan en la biblioteca del congreso de los EEUU como una parte de los fondos
más importantes de esta institución. Curtis era consciente que el nacimiento de los EEUU
había supuesto la aniquilación de los indios, y dedicó prácticamente su vida en
documentar este testimonio visual de estas tribus que estaban despareciendo.
4.1. Documental.
Una revista más tarde, una Publicación del National Geographic: recoger
documentales, y de naturaleza. Vol. 142, nº2, agosto 1972. En el año ’72 publican un
reportaje que en realidad era un fraude, tiempo después se comprobó que los que salían
aquí habían dejado sus camisetas y pantalones en la aldea, habían entrado un rato en la
selva y habían posado para esto. Esto nos muestra como no hay que creerse todo lo que
se ve, pero esto era posible que nos lo creyésemos casi automáticamente y esto de que
una foto no miente casi es algo que tenemos que desaprender. Cuando hablemos los
artistas que trabajan en la actualidad como las de JOAN FONTCUBERTA, fotografías
que son falsos documentales para jugar precisamente con esos códigos que tiene el
documental, el libro El beso de judas, para señalar lo traidora que es precisamente la
fotografía, es uno de sus mejores libros para señalar esto.
110
4.1 Documental Farm Security Administration

La Farm Security Administration (1935-1943) organizada durante el New Deal de
F.D. Roosevelt patrocinada por el subsecretario de Agricultura R.G. Tugwell y dirigida
por el sociólogo Roy Stryker.
Documentación de las condiciones de vida del sudoeste de EE.UU en el sector agrario.
Conservada en la Library of Congress de Washington y el la New York Public Library:
180.000 negativos, 1.500 diapositivas color, 100.000 positivos comentados.
Los fotógrafos que participaron fueron:
Walker Evans, Dorothea Lange, J. Collier, J. Delano, R. Lee, Mydans, Parks
Rothstein, Shahn, Vachon y Wolcott.
Walker Evans (1903-1975).
Trabajó pata la Farm Scurity Administration entre 1935 y 1937. En su trabajo se

refleja la miseria y las duras condiciones de vidas de las familias campesinas americanas.
Su estilo sencillo y directo (influido por Paul Strand), con buena puntería y olfato para
seleccionar temas y con una gran capacidad para el encuadre. También trabajó sobre
temas urbanos y las transformaciones de las grandes ciudades.
Los más destacados y un amplio grupo de fotógrafos que trabajaron para un

proyecto del gobierno norteamericano en concreto la Far security administration, un
organización del Estado para velar por las condiciones de las granjas y granjeros tras la
gran crisis económica de los EEUU del crack del 29. El presidente Roosevelt lanza
grandes programas de recuperación del país y al secretario de agricultura y a un sociólogo
111
(Striker) le encomienda un estudio para saber cuál es la condición del campo en los
EEUU. Este trabajo es muy completo, tiene estadísticas, muchos estudios, cifras de
bancos, la quiebra de muchas familias; pero se vio la necesidad de documentar también
fotográficamente ese estudio. Este trabajo para documentar con rigor un hecho o
acontecimiento histórico nos confirma la importancia que da en los años 30 que tiene la
fotografía. Este grupo de fotógrafos van a suroeste de los EEUU y recogen un gran arsenal
de fotografías (se conservan ciento ocho mil).
Características.
Evans está considerado uno de los mejores fotógrafos de los EEUU. Desde que sale
este proyecto, año ’35, está dos años trabajando retratando la miseria en la que vivían los
granjeros norteamericanos y en general también las duras condiciones de vida del campo.
Su estilo, que va a ser muy influyente, era aparentemente muy sencillo y directo sin buscar
artificios, la gente no está posando ni dramatizando buscando el folletín sino más bien
casi parecen fotografías muy espontaneas tomadas como casi nadie estuviese allí.
Evans, ya conocía fotografías de trabajos como Paul Strand representante de la

llamada fotografía directa. Fotografía con características propias independientes de la
pintura que son las que hay que desarrollar. De la fotografía directa de Paul, saca esa
tendencia por la sencillez y por no utilizar artificios teatrales.
También Evans hace las fotografías con los pies en el terreno y por lo tanto
entendiendo también donde están los temas de mayor interés. Sabe elegir muy bien los
temas para que tengan significación. Hicieron miles
de fotos, pero hay algunas que sirven para entender
estas cuestiones.
Otras cuestiones su gran capacidad para el

encuadre (el atender y concentrar la mirada donde
está lo interesante). Además del trabajo en las
granjas veremos fotografías suyas en las ciudades
norteamericanas. El gran cambio de modernidad
que tienen las ciudades es otra de las novedades que
tiene Evans. *nos muestra la cabaña de un granjero,
que dentro de su gran sencillez o austeridad, tiene
112
mucha dignidad (el orden, la limpieza,…) da la sensación de una persona o familia

ordenada que trata tener lo mejor posible dentro de sus posibilidades, y por la asimetría
de las puertas de los tablones vemos que es muy modesta. Esta capacidad de evocar y
de informar tan directa, y de manera fotográfica es ejemplar. Esto pintado al óleo no
tendría gracia alguna, fotográficamente sí pero desde el vínculo de fotografía documental.
*Otra fotografía. Toda la arquitectura es de

madera y en algunos rincones se ven los pequeños
lujos que simplemente son trabajos de carpintería
un poco más elaborados. Lo que hacen los
fotógrafos puros que no quieren imitar la pintura
es recurrir a aspectos como la propia luz, el
contraste, cosas que tiene la cámara pero que no
necesariamente tiene que tener la pintura.
*Otra, nos muestra un interior. Llama la

atención es que, de nuevo, estamos ante un
ambiente bastante pobre, de modestia. Pero la
cama está hecha, limpia, mantiene un modo de
vida. Y que no falta el rifle –la propia historia de
los EEUU ha llevado a esto. Tanto es así y tanto ha llegado a esto que, encima de la cama
no hay ningún otro elemento decorativo.
*También, Evans, es un extraordinario retratista.

Ella es como la casa, sin ningún lujo. Tal vez esta sea su
mejor blusa, y vaya peinada. Presenta esa pobreza, pero
personas enteras, no fracasadas en la vida, pero ahora ven
que seguramente van a tener que dejar el campo y tener
que ir a los grandes suburbios de las grandes ciudades a
buscarse un sustento.
113
*Pero los retratos colectivos de los hombres, como este, vemos las modestas casas
donde viven, pero luego en ellos es interesante como visten: de nuevo también algunos
arreglados con lo mejor que tienen pero no todos. De nuevo, no son hombres que pidan
limosna ni nada, son bastante orgullosos, son gente que solo están pidiendo un poco de
justicia en el banco para poder mantener sus tierras.
Por un lado estas imágenes nos muestran la manera de Evans de documentar

*Una foto, de las c iudades. Dentro
también de la peculiaridad de la
arquitectura, es muy interesante el mundo
de la publicidad que da un contraste y un
pulso a los gustos del momento
formidables. Vemos dos caras de la
Norteamérica de los años treinta.
*Una fotografía que se centra en un

garaje con el coche en primer término y
una serie de neumáticos. La tipografía
marca también un valor documental. Son
los detalles pequeños los que te registran
más las características de una época.
114
*La arquitectura de una ciudad. Mirad las letras con

neón “espaguettis”, y el tratamiento de la gente de la
ciudad, un recurso para aislarnos a una persona respecto
a los demás (en este caso, un rostro de una joven). Aquí
tenemos, en un solo disparo, las consecuencias de esos
reportajes que habíamos visto. Allí en los barrios vemos
como la gente tiene su propia vida y los que llegan de
fuera allí se las apañen, seguramente esta mujer esté
buscando clientes para llevar adelante. Esto puede
aparecer desapercibido a cualquier fotógrafo, pero está
tan bien hecha, hace que te concentres tanto en ella y eso es por saber encuadrar en la foto
aquí el centro de la atención.
*anuncios publicitarios de la ciudad, algunos fragmentos ya erosionados por el

viento, por la lluvia,…
De esta aunada de fotógrafos fue también otra extraordinaria mujer. DOROTHEA

LANGE1 (1895-1965). La cual estaba casada con un economista llamado Taylor y
publicaron un análisis sobre la situación económica de los EEUU durante los años 30
sobre la experiencia americana y el éxodo americano. En referencia a ese éxodo rural, en
América hubo también un éxodo del campo a las ciudades. Las tierras pasaron a ser el
territorio de las grandes compañías dedicadas a la agricultura. Grandes consecuencias
económicas y demográficas. Su carrera como fotógrafo fue muy amplia, tuvo cierto
1
su trabajo en la Farm Security Administration en sus primeros años se publicó en American Experience y
An American Exodus 1939 (con textos de su marido el economista Paul Taylor).
Después trabajó en Life. En su fotografía hay una fuerte carga de lucha por el feminismo y contra las
injusticias sociales.
Durante la Segunda Guerra Mundial hizo reportajes sobre las condiciones de los campos de
concentración de los nisei japoneses.
115
El Museo Georges Pompidou le dedicó una retrospectiva en 1980 y el MoMa de nueva York en 1986.
compromiso y una mirada hacia la mujer y posiblemente es algo también que podemos
ver en varias de sus fotografías. Otro trabajo interesante: el de las condiciones de
norteamericanos de origen japonés. En la IIGM los americanos metieron a
norteamericanos en campos de concentración por seguridad que a pesar de haber nacido
en EEUU tenían ancestros japoneses. Ya en el año ochenta, nos presenta a esta mujer
fotógrafo en el Pompidou y en el MoMA. También esto nos habla de que, aunque estas
fotografías fueron creadas para el secretario de agricultura, con el tiempo ya han pasado
a ser consideradas obras de arte porque se considera que ya el artista en los discursos del
arte de las últimas décadas se valora más al artista con capacidad de mejorar el mundo en
el que vive. De aquí que los fotógrafos documentalistas hayan entrado por la puerta
grande en los grandes museos de arte.
La foto más famosa de Dorothea es la madre jornalera,

fotografía tomada en el año 1936 (California). El tratamiento
es parecido al de Evans, pero nos llama la atención que no mira
a la cámara, ver las ropas que llevan, están limpias pero muy
gastadas o roídas, y esta pose con la mano da una sensación de
que está preocupada de que está pensando en el futuro de cómo
mejorar. Esto le sirvió al gobierno de Roosevelt para intentar
negociar y mejorar las condiciones de vida de estos blancos
hijos o nietos de los pioneros colonos de EEUU.
*otra imagen, quizá de nuevo los rostros anónimos y

alguien de frente le sirve para poner rostro a la pobreza
*otra imagen. Sin la

cabeza, no es un caso particular,
podría ser cualquiera. Ropa sin
ningún botón. El palo de la
herramienta de madera y
gastado. 1936, año cuando se va a empezar a industrializar
con tractores y maquinaria.
*otra foto, de una mujer de nuevo también pobre delante tal vez sobre sus tierras.
116
Esbelta, frágil, preocupada.
*también nos muestra a estos orgullosos hombres que van a luchar por sus tierras
hasta el último momento. Nos muestra a dos de estos granjeros conversando
distendidamente. No está posando pero al
fotografiarnos así de nuevo vemos dentro
de la pobreza y desgaste lo limpia que
está la ropa que llevan y la gran dignidad
que tienen sobre sí mismos. Estos dos
norteamericanos son en mi opinión del
nacimiento del documental del s. XX. Y
que gracias a los trabajos que publicaban
revistas como LIFE y la aparición de
agencias como la MAGNUM, este
género que hemos visto hasta ahora
centrado en los Estado unidos de
América, una
característica de este género es que aborda tanto lo local como
lo universal. En esta visión universal vamos a destacar a esta
agencia mítica llamada Magnum (Robert Capa, el miliciano
muerto; Smith, una fotografía suya en Mina mata; Roger en
Sudán fotografiando África), agencia que sigue funcionando
hasta la actualidad ha sido un poco a lo máximo que puede
aspirar un fotógrafo documental.
117
• Magnumphotos.com
• “España oculta” libro de Cristina García Rodero.
Fotografía “El tour de Francia”, 1934.
Importancia de elegir bien el tema y el encuadre. Esta imagen nos muestra a los
ciclistas sin que los veamos, como van vestido, qué tipo de público hay, como están en
primer término los niños,… porque lo importante del tour de Francia en realidad es que
hay muchísima gente que ve esta carrera y este tipo de información que hasta la madre
118
con el niño,… esa espontaneidad es muy característica de estos fotógrafos. Esta fotografía
pintada al óleo no tendría tanta importancia como en fotografía. Esta imagen es
puramente fotográfica, el documental s un género que nos diferencia muy bien del resto
de la historia de la fotográfica que va a ser puramente pictórica.
The Family of Man (1955) organizada por Edward

Steinert en 1955 en el MoMA, 503 fotos de 273
fotógrafos de 68 países; visitando 69 países: “Todo
maravilloso”. Castillo de Clervaux, en Luxemburgo. 3 millones
de ejemplares.
Por ultimo esta exposición tiene una gran importancia histórica, se llama the family
man, la familia del hombre, y la organizó el MoMA, un museo que ha dirigido el arte
contemporáneo del mundo y por primera vez dedicó a la fotografía una gran exposición
con un planteamiento. De su catálogo se vendieron más
de tres millones de ejemplares. Así fue un poco
recopilación de los mejores fotógrafos: Steiner y
seleccionó a fotógrafos de todo el mundo (68). En cierto
modo fue la primera gran expo de fotografía. La idea de
este proyecto hoy nos resulta quizá un poco edulcorado
pero estamos en el año ’55 (ya hace 10 años que se ha
acabado la GM, Naciones Unidas está intentando
administrar el orden mundial durante la guerra fría, pero
existe cierta sensación de optimismo y paz) se trata de
reunir imágenes de cómo viven las gentes de este momento, mostrar que hay más cosas
que nos unen que las que nos separan. El título The family man, lo que pretende es
documentar la situación del mundo por medios fotográficos. En todo el mundo hacen
fotos con la intención de mostrar que los valores más importantes del ser humano, y estos
son compartidos por todo el planeta. No olvidar la fecha, pero sobre todo el lugar: el
MoMA para entender que en la segunda mitad del siglo XX se empieza a tener
conciencia de que la fotografía documental es uno de los principales temas del arte
contemporáneo. Es interesante comprobar como la historia del arte y de la fotografía han
quitado a muchas de estas imágenes su finalidad inicial y las ha convertido en grandes
119
iconos de nuestro tiempo. ¿Son las fotografías documentales obras de arte? en nuestra
asignatura sí.
19.03.14
Sin duda los fotógrafos de Magnum pueden ser considerados, sin duda, iconos de la
fotografía documental. Nuestro primer fotógrafo de Magnum es ROBERT CAPA
(1913-1954: sus fechas de nacimiento y muerte nos dicen que foto-reportero puede ser
una profesión peligrosa) y fue fiel a su lema de Cuanto más cerca mejor. Quizá sus
reportajes más conocidos para nosotros sean los que hizo en algunas
revistas norteamericanas sobre la GC española, para revistas como
Life; en la IIGM hizo varios viajes por Asia y la guerra de indochina
cuando muere.
*un retrato del mismo Capa que murió con nacionalidad

norteamericana pero nació en Budapest (su nombre era el de Andrei
Friedmanny) con la agitación de Europa Central fue viajando por
París y luego por el resto del mundo.
Fue nacionalizado estadounidense en 1954, y conocido por

Robert Capa desde 1935. Fundador de la agencia Magnum.
Estudia Ciencias Políticas en Berlín y trabaja como
fotoreportero. Con la subuda de los nazis marcha a París
(1934).
Reportajes sobre la Guerra Civil, publicados en Vu,

Life y otras. Sobre China y Japón en la Segunda Guerra Mundial. Guerra de Indochina.
Su hermano Cornell Capa (1918) es importante fotógrafo y fundador del

International Center of Photography en Nueva York (1974).
120
Robert Capa falleció al pisar una mina

siguiendo al ejército. Este sentimiento que hay
que estar al filo de la noticia, el mejor sitio,
cerca, va a ser también una consigna de muchos
foto-reporteros.
Recordar sus fotos en la Guerra Civil

y sobre todo la más mítica de reporteros de
guerra. Ya lo situábamos en la órbita del pintor
Francisco de Goya en el sentido de que consideramos, del artista moderno, cierto
compromiso con la sociedad y su tiempo. Otra característica del documental clásico delos
años 40s, 50s, 60s. y que va a ser un marcado compromiso. Los fotógrafos son conscientes
del poder que tienen sus imágenes. *fotografías de algunos milicianos, los niños de la
guerra, las víctimas, el exilio forzoso de la guerra y la separación de las familias,… en
estos temas, el fotógrafo toma partido. *Fotos ya de la IIGM.
121
La mayoría de todos los fotógrafos guerra (por no decir todos) son pacifistas, anti
militaristas, intentando parar guerras, no les gusta la guerra, son muy peculiares, este
contraste de que aquí hace nada ha habido una explosión es muy recurrente. De nuevo
esto no sería posible al óleo.
*Un fotógrafo quizá muy especializado en lo bélico.
*pero ver el tono de otros reportajes tras la IIGM, los fotógrafos de MAGNUM
se dedican a hacer reportajes fotográficos,
fotografías acompañadas de breves textos, quizá una de las
más interesantes es El
Japón de
Postguerra. Japón pasaba de ser el
terrible enemigo del pacifico a tras
las bombas de Hiroshima y
Nagasaki a un Japón ya pacifico
que resurgía de sus cenizas: *la imagen
del niño en una estación da la sensación del comienzo de una
nueva etapa. *otra foto de las calles de Japón, los niños, los
trajes, los kimonos, cierto exotismo de la otra cultura pero vista con tono
positivo.
122
Para Robert Capa una nueva fotografía *El miliciano, estar en el momento
oportuno y en el lugar preciso.
Para Evans una buena fotografía no era cuando un granjero recibía una carta en la
que perdía sus tierras y con un rifle se quitaba la vida, son dos caminos de la misma época
pero dos formas de documentar bien diferentes.
123
Los de la agencia MAGNUM buscaban conseguir esa fotografía que ningún otro
fotógrafo más podía conseguir. Conseguir imágenes en exclusiva. Viajan a donde no viaja
nadie, se acercan donde no se acerca nadie.
Más fotografías de Robert Capa:
124
125
Otro miembro de la agencia Magnum fue GEORGE RODGER (1908-1995)

también fotógrafo en la IIGM. Los orígenes de Roger con la
fotografía fueron sencillos: fue autodidacta y de joven se embarcó
en la marina, consiguió un trabajo para la BBC, allí tras diversos
encargos a publicar para LIFE en el desarrollo de la Segunda
Guerra Mundial en África. Después de la guerra también estuvo
fotografiando algunas importantes etnias o tribus de las colonias
en África. Junto con Capa, fue uno de los fundadores de Magnum.
*Reportaje sobre los Nuba y los Masai en la actual Sudán. Estas
fotos donde los luchadores se enfrentan
uno a uno con el cuerpo lleno de cenizas
blancas es quizá el trabajo más
conocido.
*su foto más famosa: el

vencedor del combate llevado a
hombros por el que había sido
derrotado. En general las fotos sobre África tenían siempre un tono etnográfico, pero aquí
cambia el tono documental. Composiciones infrecuentes en las visiones generales sobre
África.
126
Otro miembro de Magnum, de nacionalidad suiza, WERNER BISCHOF

(19161954), que muere también en el año 54, y fue también
fotógrafo aventurero con el famoso lema de: “mejor cuanto más
cerca”, murió en un accidente en los Andes.
Desde los años 40 se dedica al fotoperiodismo, con

fotografías de la devastación de la Segunda Guerra Mundial en
Europa.
Asia y América fueron sus lugares favoritos para hacer reportajes. Funda
Magnum, desde 1949 trabaja en Magnum, con reportajes sobre la India, Corea, Indochina
e Iberoamérica. Empieza a hacer reportajes de nuevo de Japón (los jardines de los templos
budistas en Kioto), la pobreza de la india, los indígenas de Perú (en los Andes) –quizá
esta última su más conocida. En la línea de lo que veíamos ayer de The family man. Y
127
quizá los detalles de tipos y costumbres dan cierto carácter costumbrista, pero no está
hecho en un estudio del fotógrafo sino que muestra las difíciles condiciones de vida en
las que vive crea un fuerte contraste.
David Seymour CHIM1. 1911-1956, es decir, falleció a los 45 años, y es que,

esto de ir al filo de la noticia jugándose la vida muchos murieron en acto de servicio. Este
murió en el Canal de Suez. Estuvo en Colonia, París, amigo de Capa, y murió en EEUU.
Es también autor de algunas de las imágenes más difundidas de la GC española. *Mitin
en Extremadura, 1936. Pobres, seguramente en un mitin republicano, esta fotografía fue
publicada tres años después como “Ataque aéreo en Barcelona”, preocupación del ataque
aéreo en Barcelona.
1
David Szymin, Nacido en Polonia, marcha a París en 1932, donde conoce a Robert Capa. Fotografió la
Guerra Civil española para Life. En 1939 emigra a EE.UU. Y cambia su apellido.
Fundador de Magnum.
Muere en Suez cubriendo el conflicto por el control del Canal.
128
Mitin en Extremadura, 1936 y Ataque aéreo en Barcelona, 1938.
Precisamente una de las quejas de los fotógrafos era el uso que se le daba a sus
trabajos. De hecho, tras la IIGM crearon esa agencia, teniendo control sobre los textos.
CHIM también fue amigo de Picasso, al igual que Robert Capa.
129
Fotografió la guerra, estuvo por Italia. *Las ruinas, los efectos de las bombas y
esos niños que les ha tocado la guerra.
*El estado de las ciudades después de los bombardeos.
HENRI CARTIER-BRESSON.
Nacido en Francia en 1918, con formación artística y una amplia carrera como
fotógrafo en muy variados géneros. Como reportero, destaca su trabajo sobre la liberación
de París. Trabajó en Magnum de 1947 a 1966 en la India, China, Pakistan, URSS, etc. Ha
publicado sus trabajos en las más prestigiosas revistas, como Vu, Life o Paris-Match. Es
el máximo representante de la fotografía del instante decisivo, L’instant décisif (momento
oportuno disparando).
Material fotográfico de Cartier-Bresson:
130
*Los niños durante la Segunda Guerra Mundial. Coge el fragmento de la pared

desquebrajada por
los bombardeos, la
cual le sirve para
encuadrar a diversos niños
que, por la
introducción de
las muletas, nos
muestra el aspecto de
desolación.
Fenton no hacia estas fotos,
por un lado porque su equipo fotográfico no se lo
permitía mucho, pero por otro lado tampoco le dejaban hacer fotos impopulares de la
opinión pública. Estos fotógrafos están trabajando para cambiar la opinión pública a fin
de cuentas. Esto de que cada fotografía contenga mucha información desde parámetros
fotográficos, esto es después de la IIGM *Ahora los que antes eran prisioneros han
hecho cautivos a sus guardias,
aquí vemos como están haciendo
un juicio a una de las carceleras
del campo de prisioneros. Caras
de resentimientos, e incluso
de revanchismo que va a
haber ahora que ha cambiado la
situación. En
Magnum, Bresson trabaja haciendo reportajes sobre la India, Rusia,… una de
ellas la hizo para Life en la Unión Soviética. Como se vivía al otro lado del telón de
acero, ver como es ese temible enemigo durante la guerra fría. Tiene fotos
extraordinarias.
131
Quizá una de las mejores fotografías de

CartierBresson es esta: por un lado, nos muestra una
escena muy sencilla, un padre paseando con su hijo. The
family man. Lo interesante de esta foto es el encuadre:
como nos lo coloca junto a esta gran figura oficial (Lenin,
el Estado en definitiva, está muy por encima del
individuo). Ya era difícil mostrar gráficamente como el
Estado lo controla todo, está por encima de todo y lo
vigila todo, y esta capacidad de hacerlo es lo que define
sin duda a un gran fotógrafo como Bresson.
El último de los fotógrafos de Magnum que vamos a tratar es Eugene SMITH

(1918-1978) (en la IIGM cayó gravemente herido… Nos encontramos con el perfil
generacionalmente que los de Magnum. Él es norteamericano en la América rural,
agraria, y de un poco de forma autodidacta y luego estudios universitarios completa su
formación, luego viaja a NYC, contacta con muchos fotógrafos, y allí publica reportajes
como
Spanish Village…. (1951), otros trabajos especialmente destacar el último que hizo en
Japón en Minamata.
Pero antes de ver sus fotografías, destaquemos una frase del propio Smith: “El
fotoperiodista no puede tener más que un enfoque personal: le es imposible ser totalmente
objetivo. Honesto, sí.; objetivo, no.” Esta visión personal de valorar el trabajo fotográfico
en teoría se nos aleja un poco de lo que esperaríamos de un fotoperiodista de, yo voy y
cuento la verdad. Todo va a depender de la posición de cada fotoperiodista. Siendo
consciente de esto era también el lema de Smith. También el de Mejor cuanto más cerca.
Este u otros fotógrafos no están allí porque el jefe les haya dicho que vayan, ellos tienen
también un interés personal en los temas que eligen. Esto le llevo muchas críticas.
Terror y horror, con imágenes de una gran plasticidad, colaborador con tensiones
de Life, entre 1946-55. En esta revista publicó cincuenta reportajes, entre los que
destacan:
132
- Spanish Village (9 de abril de 1951) la España franquista de posguerra en

Deleitosa (Extremadura).
- Desde 1955 trabaja en Magnum.
- 10.000 Negativos sobre la ciudad de Pittsburgh.
- Minamata (1971-72) sobre la contaminación pesquera japonesa.
Spanish Village en 1951. Qué pasaba en España en 1951. Tras la salida de la GC

española en el 39, estamos en los duros años de la postguerra y en una dictadura. España
por estos años era una especie de anomalía después del panorama de la IIGM. España
estaba fuera, (ref: película Bienvenido Mr Marschal). El plan Marschal eran los
programas de ayuda norteamericanos a Europa. Los protagonistas de la película un
pequeño pueblo agrícola. Esa España de pandereta pero que nos muestran también esa
realidad social es lo que nos muestra este reportaje de cómo se vive en este país que es
España con una dictadura y con unas situaciones de vida alejadas de cualquier
comparación europea. Sobre una aldea extremeña. Ve claramente lo que ha pasado en la
Postguerra y como vive la gente del pueblo y hace el reportaje para mostrar esa realidad
a los norteamericanos y que éstos no planes de ayuda al régimen de Franco. Este
planteamiento hizo que muchos fotógrafos lo colocasen en una lista cercana a comunistas.
Y, como dejaron en la España de Franco que viniese un fotógrafo de norteamericano.
Cuando estuvo en París pidió un permiso. Pero solo tenía permiso para fotografiar, no
para anotar. Documentalista toda esa labor de conocimiento de su historia es previa o
paralela al reportaje fotográfico (las fotos no son simplemente un disparo de la cámara).
*Reportajes de la armada norteamericana del pacifico.
*el mejor cuanto más cerca: está al lado de uno que acaban de abatir….
133
*fotografiando de cuando lanzan una granada.
*Retorno al paraíso. La hizo después de recuperarse de sus heridas en la guerra y

cuando por fin consigue andar fotografía a sus dos hijos que se dirigen al jardín.
Fotografía elegida como cierre de la exposición del MoMA de The family man.
134
Después empieza a trabajar en estos reportajes, Un pueblo español, la población

era Deleitosa, agrícola, de unos 30mil habitantes, allí toma datos de las condiciones de
vida, de los salarios, de las condiciones de vida, con datos como estos: solamente una de
cada diez personas sabía leer y escribir lo suficiente para poner su nombre, se recibían 20
periódicos, casi ninguna casa tenia luz ni agua corriente, y si te ponías enfermo tenías que
ir primero a Trujillo y luego a la capital y en taxi que te costaba la cuarta parte de tu
salario anual. Nos presenta a diversos estratos del pueblo. *Fotografía el velatorio de uno
de los ancianos de la
guerra, ha muerto de
gangrena y después de
tres meses de agonía,
y aquí a su mujer, su
hija, y otros
familiares. Para un
público de Life el luto
era bastante primitivo.
*También
describe a la guardia
civil, como son sus
cuarteles y cuáles son
sus procedimientos.
Describe que durante
la guerra, a
tradicional, una radiografía de la
España del momento. *El gran peso
de la igle sia católica. Don José, el
cura, fotografiado no delante de su
iglesia, sino en una de las calles del
pueblo. Ver esta imagen de sotana,
tricornio y campesinos pobres se
fotografió para poner el dedo en la
comunistas los
sacaron del pueblo, les amputaron los
135
brazos,….. Salía acentuada también la acción

de la guerra civil en este reportaje. En
contraposición a eso, una atención a la mujer, a
los niños,…
*Y aquí está hilando lino,… procedimiento tan

extraño que no sabe describir. Tan cerca de las
Hilanderas de Velázquez, muestra algo muy
llaga, ser testimonio social. En seguida se quejó la gente.

Frente a las herramientas del americano del norte de la misma época, *diferencia con lo
que soñaba el campesino y agricultor español.
136
*También interesante ver el peso del catolicismo en

la vida cotidiana: desde el nacimiento hasta la muerte.
Detalla casi con mucha precisión por ejemplo cuánto cuesta
un entierro de primera, de segunda o de tercera. Todo ese
tipo de actos daba una imagen rara, exótica, atrasada de
nuestro país frente al norteamericano. Lo que más le
llamaba la atención al norteamericano es que las calles
estaban llenas de excrementos tanto de animales como de
humanos. Fuerte resistencia a vacunarse de los españoles
incluso.
*también dedica una serie a la escuela. Smith dice que Franco no invierte en
educación, que los medios de las escuelas son inexistentes que al régimen franquista le
interesa que esta gente sea inculta. Fotografía, un tipo de denuncia social sin duda.
*Solamente hay una fuente en el pueblo que abastece a la población. Aquí vemos
a las mujeres con el cometido.
137
*Smith se cuela en el Ayto., y está el alcalde y el secretario. El secretario le dijo que no

soy el secretario sino el secretario en funciones, y resulta que era el primo del alcalde y por tanto
puesto a dedo.
*Vendiendo tomates –artículos de lujo – el mismo Smith dice que siguió durante
tiempo a la vendedora de tomates y no vendió ninguno.
*Una niña comiéndose el mendrugo de pan.
138
*El capítulo dedicado a los hermanos pequeños. Aquí vemos al niño descalzo en
una calle cualquiera sin asfaltar y está recogiendo las boñigas de las caballerías para
utilizarlo de abonos para los campos. Un reportaje muy bien orientado.
*De nuevo, descalzos, desnudos,… la infancia española vigilada por la Guardia

civil.
*escenas como esta que parecen como sacadas de un mundo pobre. Una foto
magnifica del peso que tiene la tradición y la religión. Una foto de una niña de siete años
que va a hacer la 1ª Comunión, con tela de lana blanca que la madre le ha confeccionado.
Ver el gran contraste de la hermana que va a hacer la primera comunión y la hermana
pequeña que va desnuda,…
139
*una foto de una niña con treinta kg de pan que va a llevar a cocer.
Alguien puede opinar que el reportaje no es neutral. Pero Smith considera que el
fotógrafo se debe posicionar, apuntar hacia una actitud. Smith no siente ninguna simpatía
por falangistas ni por el régimen de Franco. El interés estratégico de España va a hacer
que pronto EEUU y España refuercen relaciones diplomáticas y EEUU durante la Guerra
fría va a considerar al régimen de Franco como un aliado. *Foto de un vendedor de
cuadros religiosos en un entorno pobre. Ejemplifica muy bien como los falangistas, la
iglesia, la guardia civil son el triángulo que dominan a toda la sociedad española.
140
Smith además hizo muchos otros reportajes sobre temas que le interesaban:
métodos rurales. Otro reportaje que hizo fue sobre la comadrona, se fue al sur de EEUU
y eligió a una enfermera que trabajaba como comadrona que asistía a mucha gente y
también formando a jóvenes. Estamos en una región deprimida, con viviendas de madera
y con pocos recursos, fuera también de ese EEUU del sueño americano o de Hollywood.
Aquí nos muestra como era el hospital o la sala en la que pasa consulta. Es casi una
vocación y con muy pocos medios organiza una consulta que tiene un gran beneficio
social. Aquí vemos a la comadrona dando unas clases. Otra donde está asistiendo a un
parto. La primera vez en los EEUU en que una persona negra era protagonista en positivo
en un reportaje en una época donde todavía había diferencias en otros ámbitos. Siguiendo
esto del peligro y el irte donde está el enemigo y fotografiar en la primera línea de frente.
De nuevo, estas fotos no son neutrales u honestas como dice él mismo.
141
En los años 1971-72, en Minamata. Quizá el desastre nuclear. EEUU igual que apoyó a
Europa tras la IIGM también apoyó a los japoneses en lo que se llama el milagro japonés. Entre
los años 50-60 se produce el milagro japonés: una creciente industrialización del país.
Curiosamente Japón es uno de los países pioneros en legislación medioambiental, y esto no fue
por inspiración legislativa sino a hechos consumados. La industrialización produjo tantos
desastres que el gobierno se vio obligado a establecer medidas legislativas. Uno de los
acontecimientos que forzó este interés por el medio ambiente y de concienciar a la gente de los
efectos nocivos fue Minamata y la llamada enfermedad de Minamata por los efectos de la
contaminación de Mercurio. Durante años una fábrica estuvo vertiendo en Minamata, en un
pueblo costero, vertidos tóxicos con gran capacidad de mercurio y otros metales pesados esto pasó
a los peces y esto pronto afectó por su ingesta graves enfermedades degenerativas en esa
generación de japoneses y de sus hijos. Minamata fue donde Smith fue a hacer el reportaje pero
en otras localidades surgió algo de esto. Smith muestra también fotos de la fábrica para llevarlo
luego a juicio. Hubo muchas protestas y manifestaciones en contra la empresa *padres que
llevaban los retratos de los familiares que habían muerto por esta terrible enfermedad.
Seguramente la compañía intentaría frenar estos reportajes y manifestaciones, de hecho, dieron
una brutal paliza al propio Smith. Vemos fotografías como la profundidad de campo y diafragma
muy bien utilizados aquí*nos muestran estos efectos de desenfoque del fondo la brutalidad del
primer término que llegan muy bien al cliente. Allí entra en contacto con la familia de t, como era
el día a día de estas familias, esta línea con parálisis (la de la
mano anterior) es sacada por su madre y la lleva a que le dé un
poco el aire. Allí hace su obra maestra: sin haberlo planificado
mucho, un día haciendo el seguimiento, la madre sube al cuarto
de baño a bañar a la niña, le pide permiso para fotografiar y
hace varias fotos. Nos muestra el amor de la madre que mira a
su niña con deformidad, este que hace ver sin duda las graves
consecuencias y vidas rotas que ha producido Minamata.
31.03.14.
Seguimos con los principales géneros fotográficos:
También hay un género muy importante que es el relativo al documental en el cual

estamos haciendo una larga trayectoria con especial hincapié en la agencia Magnum.
142
MARC RIBOUD (1923)
Nacido en Francia. Autodidacta, trabaja en MAGNUM de 1952 a 1979. Reportero

de guerra y conflictos políticos. Una gran parte de sus reportajes se centran en China.
Tiene reportajes muy variados, trabajó para

Magnum también después de la 2ª GM con reportajes
de todo tipo, quizá los más reconocidos sean los
dedicados a China, a algunas guerras,… pero tiene una
obra muy variada. Una foto muy famosa suya sea esta
que es muy artística, se trata de un pintor en la Torre
Eiffel (El pintor de la Torre Eiffel, 1953) pero este
encuadre y composición nos habla de este carácter de
estar en el momento oportuno que es la forma que
tienen de entender la fotografía parte de estos
documentalistas dedicados a la documentación.
*Una calle de Pekín, en 1885. Tiene más importancia el encuadre. Este peculiar
sistema de ventanas sirve para descomponer y simplemente la composición del conjunto
ofrece información.
Calle de Pekín, 1965.
*Manifestaciones pacifistas. Fotografías que también han dado la vuelta al mundo

y se han convertido ya tan famosas. Pentágono, 1967.
143
Más recientemente un fotógrafo que ha hecho muchos reportajes sobre Irlanda del norte,
y los enfrentamientos cristianos protestantes. JOSEP KOUDELKA (1938)
*Una fotografía de un
funeral.
144
Otra fotografía que muestra la

inquietud de cruzar la calle.
*los últimos grandes reportajes
de KOUDELKA sobre la
guerra de
Yugoslavia.
Y, finalmente terminamos como

SEBASTIÃO SALGADO (1944)
que quizá en la actualidad sea el
artista de Magnum más exitoso. Tiene fotografías de todo tipo, quizá las más famosas
fueran las realizadas en Brasil. La fotografía es impresionante por las cuestiones o incluso
los conflictos entre los guardas de la mina. En la actualidad se está celebrando en Caixa
fórum en Madrid la exposición de Génesis con gran éxito donde este fotógrafo se sale de
una zona concreta. Ya recorrido distintos lugares del planeta con una visión ecologista,
respecto a las minorías sociales… A veces se le ha echado en cara a este fotógrafo el
hecho de que presente estos trabajos en galerías muy grandes y en libros muy ricos y
caros, pero frente a esa paradoja.
145
146
Magnumphotos.org
147
En el caso español hay también magníficos representantes de fotografía documental.

RAMÓN MASATS (1931), un autor de esta misma generación. El enfoque del instante
decisivo. Lo interesante de esta fotografía es el trasfondo social y cultural que se respira:
ya simplemente el hecho de un seminario con todos estos jóvenes con la sotana hasta el
tobillo ilustra muy bien el protagonismo del catolicismo en el nacional socialismo. *otra
fotografía de este mismo, vemos a estos pastores de castilla y león tapados con mantas,
son fotógrafos que cuidan muy bien la composición y los detalles.
En la actualidad la fotógrafo español quizá sea CRISTINA GARCÍA RODERO (1949)

quien desde hace unos años también forma parte de la exclusiva agencia MAGNUM que
tanto hemos hablado. Tiene un gran reconocimiento y ha hecho sobre todo dos trabajos
extraordinarios:
- España oculta (1989)
- con una segunda parte “España, tradiciones y ritos” (1992).

- También más recientemente ha hecho reportajes internacionales y en especial
son interesantes sus trabajos sobre Rituales en Haití entre otros.
148
En estas fechas, en torno al año 1992, que es cuando se celebran en España los
juegos olímpicos, hay una exposición, en cierto modo una modernización de España,
donde Cristina pone en objetivo en aquellos aspectos que describen también una España
eterna pero una España como atrasada, supersticiosa, atada a la religión, que quizá
aquí se muestra más para mostrar el arraigo que tienen las creencias que tienen los
españoles. *Una fotografía que muestra a una anciana que
se está confesando, nos muestra mediante la arquitectura
pero también mediante la
posición de párroco el
gran poder de la iglesia en
la sociedad española. sin
duda la composición casi,
en esta línea que separa al
confesor de la anciana
nos muestra quien vive
mejor, quien tiene más
poder, quien tiene una posición más comida en
la
sociedad, en un mismo instante, mostrando mucha
información en el vestuario, en la posición del cuerpo. *muchas veces va en romerías, en
fiestas populares y allí es donde hace muchos de sus reportajes. Nos muestra de nuevo la
tradición española y ese arraigo de lo religioso en España.
*Procesión, niños,… mostrando también la anécdota.
149
Este libro presentaba fotográficamente a extranjeros pedacitos de España que no

se veían habitualmente. *Otra fotografía que se trata de un funeral, están enterrando el
cuerpo de un niño pero
han hecho un descanso
ya que en los pueblos se
reúnen los familiares,
pero el hecho de que se
apile en estas latas de
Pepsi cola crea
un contraste entre
las nuevas bebidas
que se beben y la
tradición arraigada muy fuerte. También ha fotografiado *otros lugares más urbanos, las
salas de fiestas, este mundo también de su cultura donde se muestra lo más de nuevo
popular con este contraste nos muestra una radiografía de la sociedad más popular del
momento.
150
Frente a esta radiografía de la España de los ochenta

y noventa. Tenemos también lugares remotos como
Haití, fotografiando rituales extraños muy plásticos
donde el barro, las máscaras con cuernos, los
tambores,… nos lleva también a un mundo extraño
y misterioso. Fueron exhibidos en la Lonja hace
tres o cuatro años.
4.2. El retrato.
El retrato ha sido una de las manifestaciones de más éxito y más arraigo. Al
principio la fotografía era algo raro y se utilizaba como sustituto del retrato pintado. Pero
había un problema que era el tipo de exposición.
El retrato fue el principal negocio de la fotografía profesional. El proceso de hacer

retratos se industrializó para satisfacer la gran demanda de la burguesía por fotografiarse.
Un francés llamado DISDÉRI (André Adolphe Eugène Disdéri (1819-1889)) ha

pasado a la historia de la
fotografía no tanto por su
talento y originalidad por
hacer fotos sino casi por
hacer configurado el
estándar de retrato
fotográfico prácticamente
hasta nuestros días ya que
es el editor de la carta de
visita (1854) que consiste
en fotografiarse en un
151
estudio pero en varias poses. Varias poses que suelen estar también configuradas por la
pintura y también –y esto ya es puramente fotográfico – por el atrezo que los fotógrafos
tienen en los estudios (elementos que han pervivido desde la invención de la fotografía
mantener fijo al modelo). Prácticamente todos los retratos de cartas de visita son
iguales, aburridos, acartonados. Y es que un estudio fotográfico a mitad del s.
XIX era un
establecimiento situado en alguno de los principales bulevares de parís o cualquier otra
capital europea y donde todo el establecimiento funcionaba como una cadena de montaje.
Las cartas de visita apenas tienen carácter artístico, tienen más carácter convencional e
ideológico. Pero nosotros valoramos en un retrato la capacidad de los artistas de captar la
personalidad de la persona a la que estas fotografiando. En realidad el trabajo que hace
un buen fotógrafo de retratos, el fotógrafo trabaja muchos días antes y depende mucho la
relación del fotógrafo con el modelo.
NADAR (1820-1910) (Gaspard-Félix Tournachon), trabajó en la segunda mitad

del XIX y es famoso en h del arte por su relación con impresionistas. Fue sobre todo un
espléndido retratista y uno de sus mejores retratos fotográficos es este que hace a su mujer.
No es un retrato que la idealice sino más bien nos trata de mostrar el pelo canoso, en un
día cualquiera y aprovechando cualidades
puramente fotográficas como el detalle de la ropa
y un fuerte contraste del blanco y negro con esta
iluminación lateral. De nuevo la mirada que
consigue… Así que por lo general en el s. XIX los
retratos solían ser bastante convencionales y
únicamente unos pocos como Nadar llegaban a un
buen retrato.
La mayoría de los retratos fotográficos

trataban de parecerse a un cuadro o pintura. Nadar
buscaba otras cualidades. Otro retrato de él, de
Viollet-le-Duc,
152
Contemporáneo a Nadar era Étienne CARJAT (1828-1906) también considerado

uno de los fotógrafos más personales. Una de sus fotografías más conocidas: la del poeta
Baudelaire.
Tras estos precedentes, una relación de importantes fotógrafos que han destacado por su
habilidad para el retrato. Aunque al principio el retrato es hacer el retrato de la cara y el
cuerpo de alguien, puede cambiar a lo largo de la historia. Internacionales y españoles.
Se ha elegido este repertorio por ser grandes maestros de la historia de la fotografía y muy
distintos entre sí.
August SANDER (1876-1964), alemán, publicó: El rostro de nuestro tiempo

(1929) una colección de retratos pero su planteamiento es fotografiar no a la gente famosa
sino a la sociedad de su época. Esta forma de fotografiar luego ha tenido muchos
imitadores, pero el pionero fue este Sander.
153
*Una fotografía de una mujer de la alta sociedad por los detalles. Toda esa
información nos trasmite por imagen como vivía esta mujer burguesa a fines del siglo
*Una fotografía de una familia que podemos ver que vive en el campo, con moral
estricta y con religiosidad. Es muy difícil captar en una sola imagen toda la mentalidad.
154
*un obrero, trabaja en una fábrica de ladrillos, vemos su atuendo de trabajo, su

fisionomía que se complementa con sus útiles de trabajo.
*una señora mayor, viuda, con libro en mano.
155
*otra mujer de la misma época. Ver como los alegres años veinte se notan en el
pelo a lo garçon, en este tipo de vestido sin corsé, elige a sus parejas, y lleva una vida
divertida.
*los mendigos en un suburbio
*Una pareja de policías en la calle de guardia.

156
*el cocinero,
157
*en esta otra fotografía, también de August Sander, podemos ver a otra rama
profesional de la sociedad: el notario que, además de vestir bien, lleva un paraguas por si
llueve (previsión) que resulta un tanto amenazante (lo lleva a modo de fusil).
*dos deportistas de boxeo.
Establece así un gran abanico de personas, de retratos de gentes tratando de hacer

una abanico de la gente de su época lo más amplio posible.
158
*campesinos; *la sirviente doméstica, la empleada de hogar que aparece aquí co su

uniforme de trabajo una bandeja para servir el té.
GISÈLE FREUND (1908-2000), una importante teórica de la fotografía y una mujer que
se ganó de pronto un gran prestigio entre sus
compañeros. Pasamos y a la fotografía de gente
famosa. Generalmente la fotografía de retrato se
manifiesta para mostrarnos a gente singular y muy
famosa.
*Un retrato de Walter

Benjamin, un pensador
que escribió de la
fotografía y en general la
importancia que tenían
los medios de masas en la sociedad de masas. Esta posición
introspectiva dirigiéndose la mano a la cabeza, se consigue
por la estrecha relación también que ella establece con la
gente la que fotografía.
*La fotografía que le hizo a Diego Rivera, el gran pintor, muralista, mexicano,
también el compañero de la excepcional Frida Kahlo, lo vemos con su instrumento como
159
pintor y su gran corpulencia, rostro de semblante serio para su arte comprometido. *Frida
Kahlo, tremendamente popular por sus autorretratos.
IRVING PENN (1917-2009), va a ser un creador formado en las grandes revistas de

moda y ello le va a obligar a ser especialmente brillante en efectos novedosos para el
espectador. Este mundo de revistas de moda que te obligan a ser novedoso, lleva a la
fotografía de retrato lo que ha aprendido de la
moda utilizando por ej., en este caso este
sombrero para enmarcar el rostro o como le
concede el centro de la foto a esta blusa y es
precisamente la iluminación rasante la que nos
permite ver todos los detalles de esta decoración
de la blusa misma. De esta manera novedosa de
componer todo era tan convencional que esto era
muy novedoso, en su momento todos estos
fotógrafos fueron muy novedosos. Luego, cuando fotografían utilizan siempre todo tipo
de detalles para llamar la atención.
160
*Esta fotografía que le hace a Picasso quizá sea una de sus fotos más famosas.
Muchas veces fondos neutros y contrasta mucho con el blanco y negro. Lo que hace Irving
es siempre construir las fotografías: en general hay dos formas de trabajar, construir las
fotografías casi está prohibido entre fotoperiodistas o foto-reporteros.
Pero los que quieren hacer la foto simplemente en ese sentido Penn fue uno de
los primeros de utilizar el estudio desnudo donde coloca unos fondos neutros muy
amplios e incluso para retratos colectivos e incluso dejando ver y mostrar los artificios
que hacen para conseguir esa composición. Esta es la manera de ver cómo hacer algo más
novedoso de Penn por su experiencia en el mundo de la moda. No hay mucha diferencia
entre el retrato de mujer con blusa y del retrato de Picasso con sombrero.
En esta fotografía pone al escritor norteamericano Truman Capote donde en la

película Sangre fría era un personaje muy tímido, retrotraído,… pero, ¿cómo exponer
eso pero fotográficamente? Pues lo muestra de una
manera opresiva y encima de la silla con esta pose
tan informal, potencia con la
escenografía las características del personaje. Y
normalmente
deja ver como
ha hecho esto,
el dispositivo
que ha montado
para el retrato.
**hizo también
161
reportajes, se lleva a la gente a su estudio y pone un fondo neutro bajo el título Los mundos
en un pequeño cuarto, Worlds in a Small Room (1974) y los fotografía en su estudio
como si de modelos se tratara.
*Fotografías de Nueva Guinea, cuenta la

leyenda que en una disputa tribal a una tribu se les
ocurrió ponerse barro en la cara y decir que eran los
espíritus y como si fuesen bailarines o modelos
como se tienen que poner, el fotógrafo es como un
director de orquesta, se ocupa de la puesta en
escena.
También en el mundo de la moda se formó RICHARD AVEDON (1923-2004),

quien es un fotógrafo extraordinario, uno de los más importantes del siglo XX,
norteamericano, destaca por retratos hechos en estudio que tienen como tema
fundamentalmente el pueblo norteamericano en trabajos como In the American West
(1985) donde no fotografía a los indios sino a los granjeros que viven en el medio rural,
en el medio oeste, un tema que ya habíamos estudiado en el Far Society Administration,
pero aquí se fija individualmente. Libros: “Portraits” (1976) y “Nothing personal”
(1964), retratos muy directos sin favorecer al retratado. Es también un fotógrafo de una
162
extraordinaria técnica tanto al hacer la foto como al trabajar con los negativos de tal
manera que el contraste (B/N) siempre son de una calidad extraordinaria.
*Una foto de Richard Avedon de joven, con esa formación va a afrontar esa faceta
también tan personal, muy original y creativa.
En realidad sabía sintonizar muy bien que esas imágenes agradables que quiere
ver el lector de una revista de moda. Fotografías que para el lector le resulte muy
llamativo, como vemos en esta fotografía suya de una modelo entre elefantes.
163
Ha fotografiado a gente muy famosa, gentes del mundo del espectáculo. Fondos
neutros.
Pero quizá la fotografía más llamativa es, en una etapa más personal, se va a
dedicar a hacer con cámaras de gran formato retratos generalmente de medio
cuerpo tremendamente objetivos:
*Richard Avedon con su mujer y uno de sus libros de retratos.
164
*Un retrato de gente no famosa y de la calle, y trata de

ponernos en este caso para darnos cierta información
sociológica pero sobre todo psicológica. Lo que tienen los
retratos de Avedon es la psicología. La psico de sus
personajes. Avedon cuando se dedica a hacer este tipo de
retratos no busca la buena estética.
*La fotografía de un apicultor que es albino, quizá sea una

de sus más valoradas fotografías, con piel muy blanca ante un
fondo muy blanco y se le ocurre soltar a las abejas con las que
trabaja para que se le posen sobre su cuerpo y la mancha que le
dejan en la piel.
*Otra: una foto de un indio, ya actualizado, que vive en

la calle, de nuevo utiliza el fondo completamente blanco
165
contrastando con la camisa que lleva además, lo que trata es de captar el instante. Este
hecho de ver medio cuerpo hace que lo cataloguemos como retrato ante que otra
fotografía. *otra: la descentra un poco lo que le da inquietud a la fotografía, retrata además
un estado anímico realmente y no idealiza mucho pues aquí este top no le favorece
realmente (si él hubiese querido presentar una imagen más agradable hubiese querido
presentarla de otra manera,…). *otra foto junto a la del
apicultor muy famosa, una mujer con un peto vaquero, no es
urbana, y en ese perdido pueblo del oeste americano agrícola,
la foto deja entrever que no le espera un buen porvenir o sí,
quien sabe… En cualquier caso muestra también en la mirada
quizá cierta juventud pero como en la fotografía del apicultor
nos transmite sensaciones.
*Otra foto: simplemente la

inclinación de la cabeza, el pelo
despeinado, todo inclina que este
desorden visual que vemos se traslada a la mente del
personaje. Está más en un mundo marginal que detrás de la caja de
banco.
*Otra en la misma línea que la anterior, donde nos lo coloca de perfil destacando
sin ninguna duda esa línea tan inquietante que le hace.
166
*Otra, una nieta con su abuela, de nuevo el medio

rural, de nuevo una fotografía que es capaz de trasladar una
historia. Todas son tremendamente complejas de explicar
pero visualmente casi ves la historia de todas ellas. Todo esto
lo consigue por el retrato.
2.04.14.
También estamos viendo además de fotógrafos, características del género. Hay retratos
que se diferencian mucho de la foto que tenemos en el pasaporte y nos muestra la distinta
intencionalidad de los fotógrafos a la hora de plantar su cámara.
Pero la que todavía se aleja más del retrato convencional es Diane

Arbus. En el caso de DIANE ARBUS (1923-1971), que tuvo una
vida un poco como atormentada, triste, opresiva, (vivió 48 años),
pasó a la historia de la fotografía por prestar atención al sufrimiento
de la gente pero ya en Avedon vimos la presencia de algunos tipos
sociales personas muy peculiares (el apicultor) que el azar genético ha querido dotarles
este rasgo albino y hacerlos diferentes. Y básicamente el sufrimiento que provoca estar
en el mundo ser uno mismo y ser uno mismo quizá también vamos a ver en los retratos
de Arbus. Casi es un género de fotos de niños, peor cuando pensamos en fotos de niños
pensamos en fotos alegres (jugando, etc) pero en esta foto lo vemos llorando.
167
Más que niños lo vemos en gente muy diversa: *La foto de un joven que sufre una
enfermedad de crecimiento, una especie de
gigantismo, sus padres no son especialmente
altos como vemos, en comparación con el hijo
que tiene varias dificultades físicas dentro de
esta casa pequeña no por él sino en las
complicaciones que tiene este hombre en su día
a día: la movilidad, se apoya en un bastón, el
mundo no está hecho para él por esta
diferencia. Aquí el problema es que este
simplemente se tiene que sentar en muebles que no están pensados para él, y ver
como la composición de la cámara hace tal encuadre que nos muestra el
techo. *Otra fotografía de Arbus, en una residencia de ancianos celebran la fiesta como
si fuesen escolares y nombran a este señor y a esta señora los reyes de la fiesta, les
coronan, les hacen un regalo, etc., Arbus utiliza el retrato para mostrarnos gente
descontenta. Lo impuesto, lo no decidido. Recoge distintos grupos de edad y género, y
también los temas de la enfermedad. En este sentido los enfermos mentales que es un
tema, que ya desde pintura del romanticismo tienen cierto protagonismo, es otro centro
donde también trabaja. *Son como los otros en el sentido en que uno prefiere estar en
los límites de la normalidad. Pero Arbus sí que siente una cierta compasión y por así
decirlo ella también se siente fuera del círculo de la normalidad. *Un retrato de una
pareja de jóvenes casi niños, también muy contundente.
168
*una foto de tres mellizas, visten igual, los rostros y el que haya poco espacio
intensifican también esta idea de formar un pack indivisible, que poco tiene que ver con
la felicidad.
*Arbus no suele fotografiar en estudios, eso sí cuidando mucho los fondos. En

esta fotografía de dos gemelas es una excepción como vemos, eligiendo un fondo
totalmente neutro. Algo hay en la pose rígida de las niñas que da cierta inquietud e
inseguridad.
*Junto con la anterior esta es una de sus más

celebres o repetidas, recordar que en los EEUU en
los años sesenta cuando trabaja está pasando la
Guerra de Vietnam por ejemplo y hay frecuentes
manifestaciones, este es un voluntario del partido
conservador y en la chapa pone Dios bendice a
América, lleva la bandera y el sombrero
seguramente de propaganda visual y lo fotografía
en la calle seguramente en un momento de
manifestación. Viéndolo ¿produce empatía? Da la sensación de que sus argumentos
pueden ser de corto alcance. (La reacción que causa en el espectador la fotografía).
169
Cuando Diane Arbus realiza sus fotografías para captar la reacción que producen
sus personajes: Es de nuevo lo humano el material con el que trabaja Arbus. *en época
de la guerra, un niño jugando donde
quizá lo que parece inquietante de
la foto no está jugando con otros
niños, está en un parque público
pero está él solo y en este clima de
ponernos al personaje así sitúa de
nuevo en este contexto histórico
esta mirada de personajes
que bordean levemente
esa normalidad. Las fotos de
Arbus tienen esa
peculiaridad de fijarse en este
matiz.
ROBERT MAPPELTHORPE (1946-1989). En sus 43 años de vida, ha pasado a ser

considerado uno de los fotógrafos norteamericanos más importantes, murió de sida, era
gay, formaba parte de grupos contra populares, y debemos imaginarnos todo el entorno
underground de NYC pasando por su objetivo. Sus fotos, no obstante, son de un
tremendo clasicismo. Las compone casi como si se
trataran de esculturas clásicas (preocupación
del encuadre, iluminación, composición).
Además vamos a ver mucha gente famosa de la cultura
fotografiada por él. En este sentido esta es *Grace Jones,
bailarina, actriz, cantante, y un personaje de gran
ambigüedad visual
(masculinofemenino, juegos de
rol) muy presente también.
*Una fotografía a Isabella
170
Rossellini, y en cierto modo estas fotografías tienen esa tradición de los retratos de moda
de las revistas de Irving Penn pero él lo interpreta llevando a su terreno conjugándolo
muchas veces con el desnudo (este es un desnudo o un retrato, pero se centra en el retrato),
le preocupa la belleza obviamente, pero con la luz nos pretende reflejar las cualidades
táctiles del cuerpo que se acentúan con la iluminación. *Casi la fotografía típica es suya,
muchos famosos, actores, cantantes.
*Patty Smith, con quien tiene una relación más constante y digamos que sus retratos
tienen un tono más íntimo. Es un autor muy interesado en el desnudo, y ello es muy
frecuente. Los géneros son bastante elásticos. Y *también señalar característica de
algunos fotógrafos, igual que en pintura es característico
encontrar autorretratos, hay también muchos fotógrafos
que se ponen al otro lado de la cámara y este es un
fotógrafo que especialmente destaca por sus autorretratos
en infinidad de poses. *en este un poco clásico, vestido
de etiqueta, rostro
clásico, pero la mayoría
de los autorretratos que
plantea tienen un carácter más
aversivo y provocador en este* se maquilla, se quita la
ropa y aparece con rasgos femeninos en el sentido en que
maquilla los ojos, pinta los labios… jugando a saltar de
un género a otro
(autorretrato-desnudo) y su discurso o forma que tiene de
presentarse a la sociedad. *Muchas veces practicaba fiestas
que eran puras orgías y se fotografía en esta forma tan
provocadora con ese látigo… etc., y este trabajo es el que ha
añadido el ingrediente de polémica a sus exposiciones. Sus
171
fotografías han estado censuradas en salas de exposiciones de España recientemente sin

ir más lejos.
Como fruto de esa marginalidad hay también una serie de
fotografías interesantes *Como sabemos la enfermedad de sida fue la causa de muerte de
muchísimos artistas y de actores de cine y en el mundo de la cultura sin duda fue toda una
desgracia. Él fue diagnosticado de sida en los últimos años. Era una enfermedad
estigmatizada, es decir, era tener el dedo señalando, se asociaba a drogadictos,
homosexuales, al mundo marginal, de ahí que estos autorretratos tengan una gran fuerza.
Aquí ya sabe que va a morir y se autorretrata más introspectivo. Él utiliza la fotografía y
el autorretrato diciendo lo que él piensa, lo utiliza como tema de su trabajo artístico.
Para el caso español también tenemos magníficos fotógrafos que se han dedicado al arte
del retrato. Sin ir más lejos, ya vimos a CRISTINA GARCÍA RODERO en esa serie
documental de la España oculta. Cuando la princesa Letizia cumplió cuarenta años, la
familia real contrató a Cristina García Rodero que había obtenido el premio internacional
de fotografía para hacer un retrato a Letizia y su familia, como lavado de imagen. Nuestra
cultura es visual, funciona por imágenes. Una imagen positiva se consigue
fotográficamente. Las fotos son extraordinarias, todo está bien elegido…
En España ha trabajado mucho un fotógrafo llamado HUMBERTO RIVAS, cuya

mayor especialidad es el retrato. Retratos muy duros, una iluminación muy cuidada,
centrándose en el rostro la mayor atención buscando un fondo negro o neutro.
172
Pero nos vamos a centrar en un fotógrafo nativo ALBERTO GARCÍA-ALIX (1956),

bastante importante en España con muchas exposiciones pero sobre todo para la gran
público ha pasado por ser el fotógrafo más destacado de la
movida madrileña. García Alix le gusta lo que podríamos
considerar “cultura underground”. *un autorretrato suyo. Es
quizá una de las actividades más interesantes de este
fotógrafo. Todos que hemos visto hasta ahora han sido
retratos en blanco y negro. *el brazo de una mujer tatuado
del hombro a la muñeca. Un retrato bastante peculiar en el
sentido de que esperamos que el rostro salga, pero si algún
rasgo excepcional en otra parte del cuerpo lo identifica más
como persona. En este caso al estar tatuado identifica a esta persona. *Fotografía a
Almodóvar, a las actrices, cantantes, etc., Alaska con
traje de espectáculo buscando
composiciones llamativas. *El compañero
en las
actuaciones
musicales
de
pedro
Almodóvar, una fotografía con intención
provocadora, movimientos contraculturales, de la
movida madrileña. Hoy en el siglo XXI se interpreta
como un movimiento moderno heterogéneo, con
cierta espontaneidad. Sin embargo este ambiente tan underground, amateur, libre, es
173
serio, este fotógrafo acaba su trabajo siendo sin duda tremendamente interesante tanto por
su vertiente cultural del ambiente como de sus propios trabajos que ha hecho más
personales. En ocasiones también con cierta dosis de erotismo mostrando el sexo como
una parte de sus vertientes que vemos. Con fondo neutro tan duro, que utilizaba Avedon
ya el oeste americano, y sobre todo la abertura de las mallas hace el centro de atención.
Una fotografía provocativa, no censurada. *Y la parafernalia de las practicas látigos o
mascaras están presentes también en muchas de sus fotografías. Son retratos y hasta
subraya el oficio, este otro también es un retrato anqué no se le vea la cara. *moteros,
Harley Davidson. * un retrato familiar de una mujer tendiendo en la mano a su niño y un
perro, retrato con el título de “Tres damas”. *Este que se parece a un retrato que se acabó
utilizando como fotografía publicitaria, compone el desnudo de la mujer con este galgo
pero sobre todo construir la fotografía en torno a este envoltorio tan decimonónico, tan
palaciego,.
Retrato o desnudo, atención en el rostro o no nos lleva a un género o a otro.
El género de desnudo. Como en el retrato vuelve a tener a las personas como el principal
objetivo. Desde que se inventa la cámara fotográfica y uno hace un retrato a la gente ya
se le estaba ocurriendo hacer desnudos pero con finalidad pornográfica. Todo ese material
en realidad se comercializaba de forma clandestina o privada y pronto surgió el tema de
la moralidad o inmoralidad de realizar este tipo de fotografías. Un fotógrafo del XIX
Mullin fue llevado a juicio por la obscenidad de sus daguerrotipos. Fotografía a muchas
174
modelos desnudas con poses diferentes realizadas con la intención de estimular

sexualmente al espectador. Por aquella época mucha gente veía en los museos desnudos
pero la fotografía llevaba demasiada realidad y ese realismo perjudicaba el tema, ya que
los pintores edulcoraban el tema. Cuando abordemos el tema de la relación del arte y la
fotografía hablaremos del pictorialismo y como hubo fotógrafos en el s. XIX.
Los desnudos del XIX son interesantes para ver la relación con la practica pictórica y
como van cambiando los gustos en la repr del cuerpo, las poses, etc. *Esta es una
fotografía que se ha hecho imitando la posición de desnudos en pintura (odaliscas). *lo
mismo ocurre con esta, un tanto anecdótica fotografiada por un francés llamado Durieu.
Todos los pintores eran clientes e este tipo de fotografías. *Aquí vemos, todos los
elementos de un retrato de cartas de visita pero esta mujer nos recuerda a una de las tres
gracias, la colocación del espejo tiene aquí la finalidad de mostrar pictorialismo de la
fotografía. En los desnudos se posa y la posición de posar es culturalmente construida, es
decir, solamente en nuestra tradición clásica con esos modelos artísticos, con el desarrollo
del contrapposto, etc. *Esta otra directamente son Las tres gracias. *Cierto orientalismo.
Parecen como hechas en serie. Y también como hacían los pintores llevándolas con
justificaciones, *aquí una imagen de la antigüedad, clasicismo, temas bíblicos, etc.,
reciente, temas en cierto modo marginales pero con exposiciones y algunas publicaciones
también de éxito editorial: la editorial taschen, y siguiendo en esta línea se han llevado
también a exposiciones y libros colecciones antiguas pornográficas (son materiales muy
raros que circulaban muy clandestinamente).
*Desnudo?, Esto que es simplemente una boca es un imagen bastante erótica quizá y de
nuevo donde están los límites del desnudo, pero este tratamiento casi escultórico nos
permite incluso incluir este fragmento como un desnudo.
*Una fotografía japonesa del s. XIX. Forma parte de una colección como de desnudos.
Formaría parte de ese exotismo que tienen los orientalismos, lo mismo uqe las odaliscas.
Pero esta fotografía es interesante: resulta que los japoneses no tienen en su arte desnudo
tienen importantes estampas eróticas (ahora en el museo británico, la mejor exposición)
pero las hacen con kimono. Estas fotografías están hechas para ser comercializadas y
difundidas por Europa.
*Una foto erótica o etnológica y documental?, con esto decir que los géneros son bastante
elásticos.
175
Algunos delos grandes maestros de la fotografía de desnudos, pero antes de empezar un

personaje que destacó en este género en EEUU a finales del s. XIX y principios del XX
y que se llama Bellocq, vivía en un burdel del oeste americano y fotografía a las
prostitutas que trabajan en ese salón como uno más del grupo o la familia en sus ratos de
descanso o de ocio y muchas se prestan a posar para él en esos desnudos que luego vende.
Hace fotografías, cuando hay confianza, de un marcado tono erótico. Quizá por su
espontaneidad, ha sido considerado como un pionero.
Fotógrafos que se van a seguir de eso y van a considerar el propio cuerpo como un paisaje
y dar a sus fotografías.
7.04.14.
Prácticamente desde la propia invención de la fotografía se realizan desnudos.
Labor anatómico-científico. Una de las finalidades del descubrimiento de la

fotografía en la academia de las ciencias era un avance en todo y el propio movimiento
fue más tarde uno de los temas interesantes de la fotografía.
Para fotógrafos que quieren continuar con la labor artística. Muchos de los
géneros fotográficos que vamos a ver, casi salvo el documental, no nace con la fotografía.
Función erótica y comercial principalmente surge también con la fotografía.
Estos temas nos sirven para concretar, pero luego la práctica artística de los
fotógrafos han sido tremendamente variada. Y una dificultad han sido los límites pues en
nuestra sociedad donde generalmente vamos con el torso vestido, el desnudo de los
pechos por ejemplo, tienen una carga erótica que quizá en otros lugares que no está
concebido así no se consideraría desnudo erótico aunque el fotógrafo sea europeo, en esos
casos se nos muestra como cualidad etnográfica y científica.
Se desliga muchas veces algunos desnudos del mundo del sexo. Fotografías de
Bellocq, algunos estudios que se corresponden, todos estos retratos por estar alejados de
las fotos estándar que se comercializaban han sido previstas de muchas practicas del s.
XX. Pero en general la mayoría del desnudo del s. XIX era muy pictorialista (imitaba
muy fielmente a los cánones de la pintura) pero pronto la fotografía va a exigir un lenguaje
propio y va a tener en el cuerpo femenino su principal objeto de atención. *Un desnudo
de los años veinte, y su autor el fotógrafo centro europeo, y la coloca a la modelo de una
176
manera inusual en pintura, es un fondo con finalidad artística, no es el lugar típico de

fondo del estudio del fotógrafo, su intención es crear una imagen novedosa y su tema es
la luz y la forma. Esto y en la época en los años veinte era una forma de hacer fotografía
tremendamente novedosa. *Otra fotografía donde de nuevo es la plasticidad del cuerpo
*O esta otra fotografía con una iluminación que proyecta la sombra del propio cuerpo y
nos acentúa también las escaleras, preocupación anatómica pero no en el sentido
anatómico-científico sino más bien artístico fotográfico. Aquí se rehúye de la clasicidad,
estamos ya en una época donde los movimientos de vanguardia e incluso el cine con el
expresionismo y esas iluminaciones dramáticas influye mucho en los artistas –léase
fotógrafos – novedosos. Aun así no son frecuentes estas fotografías *Resulta bastante
moderno. Es un lenguaje bastante potente y digamos que perenne, se formó una manera
de hacer fotografía que continúa hoy. Esta es una fotografía que sobre todo se fija en la
forma. De nuevo es la geometría, el juego de luces, los volúmenes, casi como el trabajo
de un escultor. Está muy cerca de la abstracción, pero al tener tan presente el cuerpo
domina todas las fotografías. *Realmente interesante buscando esa composición abstracta
a diferencia del cuerpo humano.
También hubo un gran interés por el cuerpo pero presentado de una forma
diferente por otro importante fotógrafo que se llama André…. También centro europeo,
hizo fotografía documental, etc. pero estuvo ligado también con los movimientos
surrealistas. Y el surrealismo es de todos los movimientos de vanguardia quizá el que más
impacto tiene en la fotografía. “Distorsiones” (comienzos de los años 1930): desnudos
perfectamente distorsionados, este efecto ópticamente era muy sencillo hacer con lentes
y espejos. En una serie para reinterpretar el cuerpo femenino. En principio parecería
pensar que la fotografía es más amiga del realismo que del surrealismo. El realista
pretende decir la verdad tal como es, sin embargo con la fotografía se hicieron también
muchos montajes (fotografiar espíritus, fantasmas…) y los surrealistas también pensaron
que lo que la fotografía captaba era realidad pensaron capturar lo que está más allá de
nuestra realidad (el mundo de los sueños, lo onírico, lo fantástico) así los surrealistas
trataron muchas veces la fotografía para intentar mostrarnos ese mundo extraño a la
realidad. *Esta especie de cuerpos bellos pero monstruosos a la vez se obtienen por esta
manera lúdica tan interesante a la vez. *No emplea esto de los espejos para hacer
imágenes cómicas, sino que busca una plasticidad igual que veíamos anteriormente:
acentuar las formas pero también sobre todo en el caso de los surrealistas crear imágenes
177
inquietantes, sorprendentes. Los dos que hemos visto son artistas influidos por las
vanguardias: arte a contracorriente, propuestas nuevas, imágenes originales, sus
fotografías circulaban entre el mundo de los surrealistas y de artistas y gente interesada
en el arte.
HELMUT NEWTON. Es el inspirador de ese tipo de desnudos que vamos a

encontrar en los talleres mecánicos. Fotógrafo de este erotismo construido muy
sofisticado y lo interesante es que este discurso ha sido muy minoritario pro su presencia
en el mundo de las revistas… Newton ha sido el maestro de la fotografía erótica del s.
XX. Un poco, la estética elegante del playboy va por ahí. Aunque es un hombre
tremendamente inteligente, lo debemos ligar también con esa fotografía comercial de
desnudos. Hombre tachado de machista, de tratar a la mujer como un objeto… *retratado
con uno de sus modelos. Lo que vamos a ver es la construcción de un tipo determinado
de mujer como tipo erótico. También ha sido considerado retratista y es muy frecuente
encontrar retratos de Newton de actrices famosas. **Dalí. *retrato del propio Newton.
*Paloma Picasso, en este retrato rozamos ya el desnudo porque descuelga uno de los
tirantes de este vestido negro y coloca este vaso de cristal que sugerentemente se
interpone en lo que el espectador quiere ver, insinuante. **aquí todo se utiliza para
reforzar la carga erótica del desnudo. *Ha expuesto en los lugares más importantes, el
libro publicado por taschen. Destacando la monumentalidad de las mujeres que fotografía
Newton. *Zapatos de tacón, lencería, maquillaje… Cierto fetichismo en el zapato y otros
elementos los utiliza. **Entonces, todos estos ingredientes los mezcla generalmente en
blanco y negro, y en lugares de hoteles de lujo… relacionado con ese erotismo muy
sofisticado. Y la elección de todas sus mujeres son mujeres muy bellas pero con un cuerpo
escultural con pechos y caderas acentuados pero también una mujer algo atlética capaz
de someterse a todas las posiciones acrobáticas que Newton le pide. **La portada para su
obra antológica, ver como no le hace falta ningún adorno ni nada. –diferenciar esto de
una diosa griega: sabe que se la está fotografiando, muestra su seguridad, va desnuda por
completo salvo unos tacones. *Otra fotografía: de nuevo las palmeras el lujo el boulevar
y el que haya gente acentúa también. *por parís, desnuda pero con el abrigo de piel *o
con este traje de látex rojo. *mujer desnuda posando como un maniquí junto con un
maniquí, quizá nos sirve para subrayar como en Newton la mujer se convierte en un
atractivo objeto. *Campañas de moda jugando a lo erotismo de Newton. *coloca a esta
178
mujer escultural también con un corsé en el mundo de la construcción fuera de sitio

también por contraste dando carga erótica a esto. Las mujeres son esculturales pero la
iluminación que hace está todo pensado para destacar la musculatura y la anatomía
perfecta.
Newton desde el punto de vista fotográfico es bastante bueno, de sus imitadores

quizá fueron muy poco originales sin más.
Los siguientes ya no son creadores de esta imagen de la mujer como objeto y son
fotógrafos que en las últimas décadas del s. XX han vuelto a esa fotografía experimental
de los años veinte, digamos que sin tanta carga erótica y potenciando por su forma de
gran belleza… el caso del japonés Eiko HOSOE (1933) donde sus fotográficas a veces
también tienen cierta carga de erotismo. Estas imágenes son mucho más llamativas,
creativas.
**el cuerpo masculino con el cuerpo femenino fundidos en un abrazo, pero son
como fragmentos donde la carga erótica pueda estar latente pero no se exhibe
directamente.
179
*otra, un abrazo de un hombre y una mujer desnudos, al recortar tanto, este

encuadre refuerza mucho más las líneas. Es uno delos
autores que más influye en el fotógrafo aragonés más
importante el cual se dedica al tema del desnudo y ha
declarado muchas veces su admiración por este fotógrafo.
Ese tipo de composición casi un poco abstracta va a estar
muy presente en el juego. *en este caso coloca diversos
personajes donde también el cromatismo de la piel, las
curvas, contienen ese cromatismo y esas curvas pero le
interesa al fotógrafo el juego de luces y sombras. Esta forma
de trabajar que puede recordar un poco también al montaje,
180
un erotismo tan sutil pero trabajado, Robert Mappelthorpe lo nombramos por sus
autorretratos muchas veces cuando no se fotografía a sí mismo hace fotografías como
esta*, la muestra de ese trabajo tan del universo de Robert Mappelthorpe también
orientado a esto. Cuando coge modelos, en este caso no mujeres monumentales como
veíamos en Newton, sino generalmente hombres y los coloca con una iluminación muy
cuidada de fondos neutros destacando la belleza anatómica en posiciones del cuerpo muy
inusuales. (Como veíamos en el fotógrafo japonés). *tres cuartas partes vacías, pero esta
forma de tratar de tender en la piel el tema fotográfico nos hace que lo tratemos como
desnudo. *ilumina favoreciendo que veamos el cuerpo casi inanimado casi sin expresión
casi como si fuese una escultura. Lo más parecido a desnudos de Robert Mappelthorpe
son las esculturas en mármol del arte griego, busca
ofrecernos una visión táctil de la piel. *otro de sus
modelos, *a los que
generalmente hace posar
así. Con Robert
Mappelthorpe ocurre como con
Newton que las
fotografías eróticas que hemos visto han sido tan
repetidas que ya no nos sorprenden nada. Digamos que el
inspirador es Robert Mappelthorpe y de todas las
fotografías como esta en que no muestra todo el cuadro
sino que encuadra, y
estamos en los años
setenta ochenta.
Tratamiento de sus
modelos como si
fuesen esculturas
(suavidad del mármol
en esculturas es lo que
Robert Mappelthorpe persigue en sus
fotografías). *del crucifijo le interesa también
como el escultor se ha preocupado
por
181
mostrarnos lo mismo: la anatomía, y no es lo mismo la iluminación pues con la

iluminación destacas.
*En esta otra fotografía de Robert Mappelthorpe cabe preguntarnos: ¿Dónde está
aquí el clasicismo? En la elección del cuerpo masculino, en la colocación en una
hornacina (renacentistas) y el contrapposto e incluso el brazo levantado. Todo esto no se
puede explicar sin explicar el interés de Robert Mappelthorpe por el arte clásico.
Por último el fotógrafo aragonés más importante RAFAEL NAVARRO (1940)–

tiene el premio Aragón Goya, o ha tenido su exposición en la Lonja de Zaragoza, y
actualmente una exposición en La Aljafería “'La presencia de la ausencia” (Del 3 de Abril
al 8 de Junio de 2014). Rafael tiene su obra en los principales museos del mundo, tiene
también numerosas publicaciones y es sin duda uno de los fotógrafos españoles más
182
reconocidos internacionalmente sobre todo gracias a sus desnudos. Es una persona muy
participativa en la vida cultural (inauguraciones de exposiciones, presentaciones de
libros…). Algunas de sus fotografías: *Suele hacer siempre blanco y negro, las cuales
presenta siempre en grandes formatos. En ese tamaño se luce su nueva técnica en todos
los aspectos. Destacar la composición y la gran capacidad de elegir formas femeninas por
su valor plástico.
*Un pie, resulta muy interesante, le interesa

la sinuosidad de la planta del pie, encuentra la
belleza en los pequeños detalles del cuerpo
femenino.
*Esta mano también nos vuelve a acentuar

la curva, e
incluso se
puede
percibir la
cualidad
táctil de la piel. *en esta
otra foto nos encuadra
entre telas los genitales de una mujer y de nuevo el interés está
en las cualidades plásticas** Cualquier parte del cuerpo es tema para él. *el atractivo de
las costillas, un tema inusual en fotografía, el fotógrafo visualmente nos invita a
contemplar el ritmo de las costillas en encuadre.
*cualidades formales, y simplemente ha hecho
doblar una rodilla a la modelo. *otra parte
del cuerpo muy
reconocible. *varias
modelos, mostrando
la parte de atrás de
la rodilla. *la mujer
en un paisaje. Con Rafael Navarro completamos la
visión elegante del cuerpo femenino.
183
Rafael Navarro, la
parte de atrás de las rodillas de varias modelos.
ARAKI NOBUYOSHI (1940). Uno de los fotógrafos japoneses más importantes

buscando claramente lo obsceno.
184
El último, no es muy importante y no se tiene muchas simpatías por él, pero en los
últimos años algo muy mediático: SPENCER TUNNICK (NYC, 1967) hace desnudos
masivos y en público. Empezó haciéndolo colocando a personas normales en la calle sin
más pretensiones. Y luego pasó a hacer obras más ambiciosas también en la calle
poniéndose de acuerdo y poner a
gentes de la calle desnudas como
modelos. *La foto que hizo en
Barcelona.
4.4 EL PAISAJE.
Género que también viene de la pintura. El s. XIX que viene paralelamente a la

fotografía es el siglo que más va a ir de la mano del arte. El retrato lo tenemos más
cercano, pero paisajes no tanto. *Uno de los paisajes que hace a mitad del siglo XIX, nos
muestra el mar pero es un paisaje bastante moderno en el sentido del reflejo de la luz, las
nubes y sobre todo el problema de la fotografía de la ausencia de color. Nadie quería
fotografías de paisajes en la época, otro tema será las vistas de ciudades, y luego a finales
de siglo XIX aparecerá la postal.
Aun así este tipo de fotógrafo postalero tiene cierto interés en el consumo de
imágenes, en los lugares famosos,… como en el retrato o el desnudo hay casos muy
aislados que hicieron ya en el siglo XIX muy cercano a él. Un norteamericano llamado
Hopkins, EEUU es el primer país en legislar parques naturales y estos lugares de una
belleza sin igual protegidos fueron los bosques,… y esos paisajes espectaculares que
anticipan lo que luego serán las postales nos muestran algunos paisajes que luego serán
realmente preciosos. Sobre todo son fotos en los que debemos tener en cuenta las
dificultades técnicas que ocasionaban (cajas con el equipo, cajas para revelar, la cámara
es grande y aparatosa).
185
Otro americano que también viaja es JACKSON. El desarrollo del ferrocarril en

los EEUU ayudó mucho. El cañón del colorado, un geiser, y los indios.
Volviendo al tema del XIX se popularizó también el formato de vistas

estereoscópicas. Paisajes en tres dimensiones buscándose vistas impresionantes.
La falta de color, el B y N es la principal diferencia de los paisajistas de pincel de

los impresionistas y los grandes paisajistas fotográficos. Esta imagen ya la vimos con el
concepto de profundidad de campo y cuando el diafragma lo cerrábamos mucho y
teníamos perfectamente enfocado nuestro campo de visión. Creo que los paisajes más
interesantes en fotografía son aquellos que nos aportan las posibilidades del nuevo
lenguaje fotográfico que no necesitan color para apreciar los detalles
ANSEL ADAMS (20 de febrero de 1902 -

22 de abril de 1984) fotógrafo estadounidense,
nacido en San Francisco, desarrollador del sistema
de zonas.
Espero ansioso nuevos procesos y

nuevos desarrollos. Creo que la imagen
electrónica será el próximo gran
avance. Estos sistemas tendrán
características estructurales
ineludibles, y tanto los artistas como los
técnicos deberán hacer un renovado esfuerzo para comprenderlos y
controlarlos. --- Ansel Adams.
186
Burning Oil Sludge North of Denver, Colorado
En general, en fotografía el paisaje ha sido considerado un poco un género menor.

4.5. NATURALEZA MUERTA/BODEGONES. Un bodegón. Los pintores hacían un
bodegón para mostrar su habilidad de pintar varias superficies. Este tipo de ver cómo se
puede conseguir el aspecto de algo. Talbot, Daguerre, Barón Meyer… son fotografías
tremendamente anodinas que casi tienen ese sentido de ver a ver si funciona el invento.
También por influencia de la pintura, igual que con el retrato, hubo fotógrafos que
187
siguieron bodegones, frutas, en fotografía para intentar obtener al final un efecto artístico
como de carboncillo.
Barón Meyer (1868-1946), obra de 1908.
Edward Weston (1886-1958), un inodoro y un pimiento.
Emmanuel Sougez (1889-1972).
188
Joseph Sudek (1896-1976)
Por el contrario, en la misma generación de Adams, paisajes de gran nitidez, hubo

también fotógrafos que se quisieron apartar de lo que hacían los pintores totalmente y
buscaron objetos y temas completamente nuevos de forma diferente. *Un inodoro. No un
tema pictórico pero sí fotográfico porque le permite obtener muy bien las cualidades y
las formas. Para… un pimiento es un pimiento, nada de alegorías ni cosas simbólicas.
189
En España SOUGUEZ es un fotógrafo especializado en este tipo de fotografías.

Cuando llegan las vanguardias se juega con nuevas composiciones de luces y sombras.
IRVING PENN cuando tiene que hacer una fotografía comercial la sabe hacer
cuida la composición y sabe destacar el color. Partiendo de esto, fotografía también lo
que encontraba en las papeleras.
190
ROBERT MAPPELTHORPE (1946-1989). Fotografía flores pero ni para hacer

bodegones ni nada, sino con la vinculación que tiene la flor con el sexo. Nos remite
automáticamente a la sexualidad femenina. Y estas calas también fotografían los pétalos
con el mismo interés que fotografiaba la curva de un brazo, etc., es el mismo discurso.
191
Bibliografía recomendada:
• CASTELLANOS, P.: Diccionario histórico de la fotografía. Istmo. Madrid, 1999.

• FREUN, G.: La fotografía como documento social. Gustavo Gili. Barcelona,
1993.
• GIMÉNEZ NAVARRO, C. et al.: Identidades, Universidad de Zaragoza,
Zaragoza, 2005.
• HILL, P., COOPER, T.: Diálogo con la fotografía. Gustavo Gili. Barcelona, 2001.
• IVINS Jr., W.M.: Imagen impresa y conocimiento. Análisis de la imagen
prefotográfica, Gustavo Gili, Barcelona.
• KRAUSS, R.: Lo fotográfico. Por una teoría de los desplazamientos. Gustavo
Gili. Barcelona, 2002.
• LÓPEZ MONDÉJAR, P.: 150 años de fotografía en España. Lunwerg. Barcelona,
1999.
• NEWHALL, B.: Historia de la fotografía. Gustavo Gili. Barcelona, 2001.
• SÁNCHEZ VIGIL, J.M.: El universo de la fotografía. Prensa, edición,
documentación. Espasa. Madrid, 1999.
• SCHARF, A.: Arte y fotografía. Alianza Forma. Madrid, 2001.
• SONTANG, Susan: Sobre la fotografía. Edhasa. Barcelona, 1996.
• SOUGEZ, M.L.: Historia de la Fotografía. Cuadernos Arte Cátedra, Madrid,
1996.
• SOUGEZ, M.L.: Albert-Louis Deschamps. Fotógrafo en la Guerra Civil
Española. Junta de Castilla y León. Salamanca, 2003.
• VV. AA.: Fotografía futurista 1911-1939. Museo de Bellas Artes de Bilbao.
Bilbao, 1985.
• VV. AA.: Huellas de Luz. El arte y los experimentos de William Henry Fox
Talbot. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, 2001.
192

Historia de La Fotografia Un Recorrido P

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Historia de la Fotografía Yessica Espinosa

HISTORIA DE LA FOTOGRAFÍA: un recorrido por

Nuestra imagen de ver el mundo es sinceramente fotográfica. Nos encontramos en la

Historia de la Fotografía, Historia, Imagen, evolución fotográfica.

History of Photography, History, Image, photographic evolution.

T1. Introducción. La Fotografía: comunicación y fenómeno

El postulado de Ivins es la siguiente:

y capacidades más características de nuestra civilización occidental han estado

Antes de la fotografía, en el Renacimiento y en el siglo XVIII por ejemplo, muchos

El conocimiento y reproducción visual es muy interesante para el progreso de la

Asumiendo esa tesis de Ivins vamos a encuadrar la fotografía en nuestra cultura de

Algunas de las primeras fotografías que se hicieron por

1.2. LA REPRODUCCIÓN Y DIFUSIÓN.

• La intencionalidad de aplicar la fotografía a la reproducción de imágenes en

Ya reconociendo la importancia de la fotografía en nuestra cultura y civilización, su

Antes de que existiera la fotografía podíamos tener la capacidad de conocimiento de obras

d’Ambroise (s. XVII) por Heliografía en 1816. Una

Talbot patentó en 1952 un sistema de fotograbado. Perfeccionó el sistema e

La edición de libros con fotografías cambió la manera de ver el mundo. En el s. XIX,

• El Album photographique de l’Artiste et l’Amateur (1851-53)

de una fotografía. Illustrated London News. Informaban acerca de la realidad. En

Los sistemas para reproducir una imagen se convirtieron en el principal campo de

- Unos en relieve. Dejan sobresaliendo la parte a entintar (el positivo)

• Heligrabado (1853), Niépce de Saint-Victor.

• El negativo se transfiere a una plancha cubierta de resina (como el agua tinta)

• Fotolitografía (1855), L. Alphonse Poitevin: sustancias no solubles tras la

Impresión digital y difusión en Internet. La culminación.

1.3. Documento social.

La artillería, la tropa entre combate y combate.

desarrollo especialmente en EEUU –que se va convirtiendo en el gran protagonista

La Guerra de Secesión (1861-1865) muertos, ferrocarril y el Oeste.

- Mathew Brady (1823-1896). Daguerrotipo, guerra.

- Alexander Gardner (1821-1882) Colodión, guerra, Lincoln. Photographic Sketch of

-Timothy O’Sullivan (1843-1882). Colodión, guerra, expedición a las Rocosas del

Foto de Gardner, algo que no

Vroman, es otro de estos fotógrafos.

El primero de ellos en esta línea a conocer es un norteamericano de origen danés llamado

LEWIS WICKES HINE (1874-1940), también volcado a temas sociales. Su fondo

estratégicamente, el encuadre,… pero no solo como viste al personaje, en esta fotografía

Además y también otra de las preocupaciones de Hine fue el mundo de la infancia,

Hine supo adaptar el lenguaje fotográfico al mensaje que quería trasladar a la

Los años 20 en Alemania.

En 1938, un reportaje sobre Mussolini donde nos lo muestra trabajando en su

Münchner Illustrierter Presse, 1 de marzo de 1931

En la década de los años 40 y 50 donde ya todos los periódicos publican

5. Este mundo un tanto escandaloso.

de las publicaciones europeas de los años veinte y en especial de la francesa Vu

Este ejemplo de revista de información con calidad en su contenido e imágenes pero

2. La portada de la revista Life, en el 36, por Margaret Bourke-White

3. La fotografía ayudó también a presentarnos a las grandes figuras, muchas veces

Son portadas de revista. De hecho, el fotógrafo autor de estas fotografías es Henri

Retratos de grandes personajes públicos también en estas portadas (Marilyn, Armstrong,

Reportajes de la Guerra civil (GC).

Una de las fotografías más famosas de Centelles:

Bombardeos en Belchite, 1937. También de Centelles.

Aparte de la del fotógrafo ha tenido importancia las agencias (agrupaciones de

• Associated Press (AP) fundada en EEUU desde 1848

MAGNUM: ROBERT CAPA.

ROBERT CAPA acompañando en las tropas en indochina, en la Guerra Civil, y aquí en

Otra foto de la GC española, un soldado abatido…

Horacio Verbitsky: Periodismo es difundir

También, por la gran fuerza visual de lo fotográfico, se puede emplear la fotografía no de

El resto, en el periodo de entreguerras, y nos van a mostrar diversas versiones de