TAREA 2

HISTORIA DE LA
ARQUITECTURA II
ARQ. TAVARONE

Sophya Gutierrez
No Cuenta 2018130226
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29/Septiembre/2020
 INDICE

ARQUITECTURA DE HIERRO................................P AG 2

VANGUARDIAS ARTÍSTICAS DE FINALES DEL SIGLO

XIX Y PRINCIPIOS DEL SIGLO XX.........................Pag 9

VANGUARDIAS
ARQUITECTONICAS............................................P AG 13

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 ARQUITECTURA DE HIERRO

HISTORIA

CONCEPTOS Y CRITERIOS

El Silgo XVIII es un siglo de eclecticismo, debido a los movimientos artísticos y

nuevas corrientes que convergen en los materiales usados para las
construcciones debido a la revolución industrial, lo que permiten que la
arquitectura de las exposiciones universales, como en Londres o Paris, puedan
desarrollarse. Estas eran tendencias de exposiciones del primer centenario,
tipologías de fábricas, exposiciones de primer centenario, fabricas y depósitos,
galerías, comercios, ferrocarriles y terminales, así como el uso e puentes
hechos de materiales mas resistentes.

Las nuevas administraciones industriales de los rascacielos comenzaban a

construirse de hierro y luego el uso de acero dentro de las ciudades pioneras
con esta técnica. Chicago luego de un incendio, se reconstruyo a base de
hierro en edificios de altas alturas, cosa que fue posible por el invento del
elevador por “Otis”, que patenta la manera de crear montacargas y elevadores,
con esto se podrían crear edificaciones como rascacielos, circulaciones
verticales en los edificios que se conocen. Se dio también las exportaciones
agropecuarias, justamente en la industria textil, la cual se dio paso en la
revolución industrial a finales del siglo XVIII. La exportación de lana era
importante en los mercados norteamericanos, especialmente en Boston, el cual
comenzaba con servicios de exportadores británicos y norteamericanos.

BANCO DE BOSTON
Es una estructura de hierro que es revestida
de la arquitectura española, pero esta fue
nuevamente reconstruida aplicando los
nuevos valores de la revolución industrial con
uso de hierro. La estructura como
revestimiento corresponde a la época
neocolonial, que después se crea una nueva
tipología de la revolución industrial

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Las grandes construcciones de rascacielos en Nueva York
y Chicago eran estructuras de hierro, luego en acero, pero
revestidas por el eco del romanticismo europeo. Los
primeros rascacielos eran Neogóticos, como La tienda
Word, como primer rascacielos en Nueva York, como
edificio más alto del mundo. Varios rascacielos tenían
influencias del neogótico o neo románico.

Con la llegada de Bauhaus a los estados unidos, aparecen

los prismas puros de vidrio, hasta la segunda mitad del
siglo XX. Esto crea un desarrollo de la arquitectura
industrial. También surgió la aparición del hormigo
armado, sustituyendo el acero y vidrieras.

MATERIALES QUE SURGIERON EN LA ARQUITECTURA DE

HIERRO
Surge a finales del siglo XVIII, conceptualizado como un estilo electricista para
los moviente artísticos, nacidos en Inglaterra en
relación con los procesos de industrialización,
creando nuevas formas de construcción
empleando técnicas y materiales que generaran
nuevas soluciones a las grandes construcciones
que se creaban. Esto surge en base de las
corrientes anteriores que convergen en nuevas
debido a estos materiales que se presenta,
creando arquitectura de exposición e
industrialización. El material más usado era el hierro con distintos usos:

 Hierro colado, de gran consistencia, transformado en altas

temperaturas que podía adoptar cualquier forma cuando fuera puesto en
moldes. Este podía moldearse en moldes y crear soportes para
arquitectura fabril, como pilares, pero este podría aguantar grandes
temperaturas, o mantenerse construcciones por más tiempo en caso de
incendios o desastres naturales.
 Hierro forjado, duro y elástico, de manera definitiva, lo que se expone al
fuego con fragua y maleándolo después con un martillo en un yunque.

Este material se convierte en un material frecuente dentro de la arquitectura de

hierro, incluso, es un material que se utiliza en el resto del siglo después de
este. Sus usos fueron variados, ya que es un material flexible de alta
resistencia, el cual se puede transportar en moldes o piezas prefabricadas para
ensamblarse en otros lugares sin necesidad de hacer todo en un solo lugar, así

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como rápido y eficiente, lo cual era necesario considerando la nueva sociedad
basada en una rápida industrialización.

El vidrio también fue un material muy utilizado durante la arquitectura de hierro.

Se usaban mas que todo para la fabricación de ventanales o formas de
artesanía. Esto permitió la creación de un vidrio mas delgado y flexible, con
mayor duración. Con estas nuevas calidades, se crearon nuevos armazones
para techos y paredes, creando nuevos espacios interiores con aspecto ligero y
abierto, parecido a la arquitectura gótica.

El Acero y el hormigón también fueron auges dentro de las construcciones, se

convirtieron en materiales fundamentales para la estructura de la nueva
arquitectura del siglo XX, ya que estos eran moldeables y resistentes. Con
estos nuevos materiales se crearon nuevas oportunidades de técnicas de
construcción, que permitían levantar edificios de grandes proporciones a un
precio razonable, sin necesidad de usar materiales poco duraderos. Los
edificios creados con estos materiales como puentes, ferrocarriles, eran
necesarios para satisfacer la demanda urbana y el aumento de la población.

La arquitectura inglesa fue la primera en exponer construcciones dentro del

siglo XVIII, creando arquitectura civil,
especialmente en la construcción de puentes. El
hierro y acero permitían hacer estructuras mas
resistentes sin necesidad de soportes o
columnas a cada 2 metros, por lo que esto
influencio a crear arcos, unir desniveles, así
como cortar distancias de una manera más
estética y funcional. Esta nueva especialización
se fue formando en escuelas de Bellas Artes o
academias de arquitectura, con el fin de
empezar a generar empleos de estos nuevos
materiales y técnicas sin que estos estuvieran forzados a lo estético. Los
arquitectos fueron reacios en emplear los nuevos materiales, creando nuevos
estilos artísticos y técnicos.

Gran parte de estos arquitectos recreaban nuevos estilos de arte a partir de

estilos pasados empleando los nuevos materiales a modo de decoración
interior, otros ingenieros, explotaban la nueva revolución industrial, crenado no
figuras estéticas, si no funcionales, lo que permitía una nueva necesidad para
la industria, crear máquinas para la elaboración de una sociedad avanzada.

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OBRAS SIGNIFICATIVAS

PUENTE IRON BRIDGE

En el siglo XVIII, dentro de la
Revolución Industrial, en Coverdale,
dentro de las localidades de mayor
crecimiento industrial de la región,
separadas por el rio, tiende que
generar la creación de un puente
ferry como medio de transporte de
un lado a otro. Dichos
inconvenientes eran relacionados
principalmente al comercio entre las
localidades luego que se deriva por el inicio de crear un nuevo sistema de
comunicación entre 1773. Su construcción fue aprobada en 1777, diseñado por
el Arquitecto Preacher, asignado por el maestro herrero y Ryan Derbi Tercero,
por parte de las empresas locales.

Se estimo el uso de 300 toneladas de hierro usadas en todo el proceso de

construcción, además que se hizo una aclaración importante, si la obra
requería de mayor mantenimiento, se tendrían que cubrir todos los gastos
necesarios, lo que sucedió y genero un endeudamiento del herrero Derby, poco
después del inicio de la construcción del puente por lo cual no se obtuvo
resultados de el proyecto toralmente forjado en hierro con un tablero y uso de
arcos en el rio, aunque estos soportes fueron reforzados de mampostería entre
los estribos dispuestos debajo del rio con madera, que duro 19 años hasta la
instalación del arco de hierro reforzado que se a perdurado hasta 1926, donde
se evaluó la posibilidad de demoler el puente debido a la inestabilidad, en 1950
debido a su inestabilidad, fue declarado como monumento histórico. Se
colocaron reparaciones en los cimientos, colocándose barcos de hormigón
armados debajo del rio de 1990 a 2000, lo que fue renovado colocando placas
de hierro y acero para su resistencia.

CRISTAL PALACE
Construido por Joseph Paxton,
ilustrador y paisajista inglés. El edificio
es destinado a albergar la celebración
de la conquista de la industria moderna

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y poseer gran transparencia y amplitud. Originalmente se encontraba en Hyde
Park, pero en 1854 fue trasladada a una zona del sur de Londres conocida
como Upper Norwood, donde permaneció hasta su destrucción por un incendio
en 1936.

Su pabellón de 600 metros de largo y 120 metros de ancho, con altura de 34

metros. El edifico tiene una superficie enorme separado de la cubierta del vidrio
y hierro. Este edificio se aplica la tecnología de estos materiales
estandarizados, con estructuras de pieles de vidrio, dando respuesta a un
nuevo programa nuevo como el pabellón de exposición y relación interiores,
naciendo como un nuevo diseño.

Muestra el esplendor del nievo progreso industrial que inventa nuevas técnicas
para proyectar la novedad del empleo de elemento sobre fabricados,
segmentos metálicos y vidrios producidas en serie para ser ensamblados con
mayor facilidad.

TORRE EIFFEL

La Torre Eiffel es una estructura realizada con hierro pudelado (hierro forjado),
cuyo diseño es obra de Maurice Koechlin y Émile Nouguier, realizado por el
ingeniero Gustave Eiffel. En un principio recibió malas críticas de algunos
artistas, ya que la concebían como un gasto innecesario de materiales, cosa
que podría dejar endeudada a Paris.  No obstante, tuvo un éxito popular
inmediato, gracias a que se incluyó en la Exposición Universal de París. Esta
exposición se celebró en 1889 y tenía como fin celebrar el centenario de la
Toma de la Bastilla, símbolo del inicio de la Revolución francesa. 

Con la expansión del turismo en la década de los sesenta, la Torre Eiffel

comenzó a cobrar aún más importancia internacional, convirtiéndose así en un
importante monumento y símbolo principal de Francia y su capital París.

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Su base es de 125 metros cuadrados, compuesto de varios niveles. El primer
nivel fue preparado para soportar a 3000 personas, consta de una galería
circular que permite una vista 360° de la capital, además de contener
restaurantes, observadores y reliquias relacionadas al valor del monumento. Y
el tercer nivel, con capacidad de 400 personas.

GALERÍA DE LAS MAQUINAS

La Galería de las Máquinas fue realizada por el arquitecto Ferdinand Dutert y el

ingeniero Víctor Contamin Contaba con una nave central cubierta mediante
arcos tri-articulados de hierro de 110,60metros de luz medidos a ejes de rótulas
de arranques. Constituyó, en su época, el edificio de mayor luz del mundo y
uno de los hitos del desarrollo de la tecnología de las estructuras metálicas. En
el interior de la Galería de las Máquinas se instaló una especie de plataforma
similar a un puente-grúa, que servía para trasladar a los espectadores a lo
largo de la inmensa sala. Por última vez la industria producía algo de aquella
sensación de maravilla, que había acompañado el momento de su nacimiento.
El progreso entre la Exposición de 1878 y la Exposición de 1889 fue tan
enorme, que los visitantes llegaban a sentirse sobrecogidos por la atrevida
construcción de la Galería de las Máquinas y de la Torre Eiffel. Estos edificios
alcanzaron en algunos aspectos un nivel que no ha sido superado
posteriormente.

EXPOSICIONES UNIVERSALES DEL INDUSTRIALISMO

CORTE EGIPTO
Esta exposición engloba el simbolismo e inicia la mirada del ser humano hacia
el progreso y a la modernidad que se demostró en su tiempo sobre la
supremacía de Inglaterra como el país más avanzado industrialmente. Se
comienza a ver la diferencia de producciones artesanales, dentro de la
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imaginación del publico inglés, como ver la diferencia entre un estilo emergente
como grupo de primer mundo. Su diseño proporciono a los espacios interiores
una nueva revolución en el arte de la construcción planteado en gran escala de
los materiales que la industria ponía, implementando el acero y ladrillo.

PARIS 1889

La revolución comercial en Europa, la acumulación primitiva de capital género

en Paris la aparición de avances tecnológicos, como maquinaria de vapor y
avances de urbanización. La cisa importante de esta revolución fue la aparición
de maquinarias, telares mecánicos, así como las maquinas de hilar que
revolucionaron el siglo XVIII, las técnicas de producción industrial. A partir de
ahí ocurre el auge de la industria fabril, o los nuevos modos de transporte,
como aviones ligeros capaces de funcionar con maquinaria ligera.

EXPOSICIÓN MUNDIAL COLOMBIANA

Es una muestra universal que tuvo lugar en

Chicago, en Estados Unidos, por la
celebración de la llegada de Cristóbal
Colon al Nuevo mundo. Esta exposición fue
diseñada por John WellBorn Root. Fue
diseñada por Bellas Artes y los principios
de la arquitectura neoclásica francesa,
simetría y equilibrio eran usados. La
iluminación de las calles era iluminada por
la noche por pabellones de países de todo
el mundo, con música y particularidades de
reconstrucciones de distintos auges.

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 VANGUARDIAS ARTÍSTICAS DE FINALES DEL SIGLO
XIX Y PRINCIPIOS DEL SIGLO XX

IMPRESIONISMO
Movimiento pictórico en Francia en el siglo 19. En grandes rasgos, plasma a luz
y el instante, sin importar demasiado la identidad de aquello que la proyectaba.
Las cosas no se definen, sino que se pinta la impresión visual de estas cosas, y
eso implica que las partes inconexas dan lugar a un todo unitario. Este
movimiento se caracteriza por el uso de colores puros sin mezclar, el hecho
de no ocultar la pincelada, y por supuesto darle protagonismo ante todo a la luz
y el color.

REALISMO
El realismo es la corriente artística y literaria que surge en Francia a mediados
del siglo XIX. El termino se adoptó para referirse a un movimiento artístico
basado en la representación fidedigna de la realidad y de la vida cotidiana.
Realismo también es la predisposición a exponer las cosas sin idealizarlas.

PINTURA REALISTA

Surge como reacción a la pintura romántica.

En un contexto de industrialización, el
artista toma conciencia de las
consecuencias de la misma y asume y
denuncia los problemas sociales derivados
a través de sus obras. El arte es un “medio”
para denunciar la realidad.

EXPRESIONISMO
El Expresionismo es una corriente artística que busca la expresión de los
sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la

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realidad objetiva. Revela el lado pesimista de la vida generado por las
circunstancias históricas del momento. La cara oculta de la modernización, la
alineación, el aislamiento, la masificación, se hizo patente en las grandes
ciudades y los artistas, creyeron que debían captar los sentimientos más
íntimos del ser humano. La angustia existencial es el principal motor de su
estética.

La arquitectura expresionista es un
movimiento arquitectónico en Europa
durante las primeras décadas del siglo
XX en paralelo con las artes visuales y
escénicas expresionistas que se
desarrollaron y dominaron
especialmente en Alemania. Esta
corriente se exhibe en algunos de las
cualidades del movimiento regional,
tales como la distorsión, fragmentación
o la comunicación de emociones
violentas o sobrecargadas.

Este fue característico por su influencia

individualista en sentidos que evito el dogma estético, pero se desarrollan
algunos criterios con variedad y diferenciación se pueden encontrar muchos
puntos recurrentes en las obras de la arquitectura expresionista, lo que son
evidentes en cierto grado

El estilo se caracterizó por una temprana adopción modernista de materiales

novedosos, innovación formal y una concentración muy inusual, a veces
inspirada en formas biomorficas naturales, a veces por las nuevas posibilidades
técnicas ofrecidas por la producción en masa de ladrillo, acero y especialmente
vidrio. Muchos arquitectos expresionistas lucharon en la Primera Guerra
Mundial y sus experiencias, combinadas con la agitación política y la agitación
social que siguió a la revolución alemana de 1919, dieron como resultado una
visión utópica y una agenda socialista romántica.

DADAÍSMO
El dadaísmo es un movimiento artístico y literario de vanguardia que tuvo lugar
en la primera mitad del siglo XX.  Animados por sus valores antibelicistas que
fueron generadas por la Primer Guerra Mundial, y su profundo sentido crítico
social, un grupo de artistas y escritores fundó un movimiento literario y artístico
que expresaba su desacuerdo y decepción frente a la incapacidad demostrada
por los discursos oficiales como la ciencia-tecnología, la religión, la filosofía y

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las ciencias sociales para evitar la destrucción de Europa. A este movimiento le
pusieron el nombre de “dada” o “dadaísmo”.

El dadaísmo o arte dada no definió un estilo unificado, ya que se basaba,

precisamente, en la crítica al sentido tradicional del arte, de la escuela o del
estilo. Aun así, se unía en torno a un conjunto de principios compartidos que le
dieron un tono característico, tanto en lo literario como en lo plástico.

SURREALISMO
El surrealismo emerge en París en 1924. Se
esparce por Europa a pocos años de concluida la
Primera Guerra Mundial hasta la llegada de la II
guerra Mundial. Por ende, la influencia de este
movimiento ha llegado hasta nuestros días. El
Surrealismo pretendía superar esta limitación del
inconsciente, permitiendo que el subconsciente se
expresase a través del arte. La idea de
automatismo atrajo a un grupo de artistas, quienes
buscaron desprenderse del racionalismo para
alcanzar una completa libertad creativa en su
trabajo

FAUVISMO
El fauvismo fue un movimiento pictórico francés de escasa duración. Se
desarrolló entre 1904-1908 aproximadamente. El movimiento se fraguó en
torno a Henri Matisse y sus integrantes fueron
André Derain, Maurice de Vlaminick, Henri
Manguin, Albert Marquet, Jean Puy y Emile
Otón Friesz.

El Fauvismo no fue un movimiento

conscientemente definido, careció de un
manifiesto. Fue un mosaico de aportaciones
en el que cada pintor acometía sus obras
como una experiencia personal cargada de
espontaneidad y de frescura. Les unió la
actitud violenta con la que se enfrentaron a
los convencionalismos de la época
rechazando las reglas y los métodos racionales establecidos. Reaccionan
contra el Impresionismo y contra la importancia que éstos habían dado a la luz

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a costa de la pérdida del color. Los fauvistas creían que a través de los colores
podían expresar sentimientos y este pensamiento condicionó su forma de
pintar. No buscan la representación naturalista, sino realzar el valor del color en
sí mismo. Por ello, rechazaron la paleta de tonos naturalistas empleada por los
impresionistas a favor de los colores violentos para crear un mayor énfasis
expresivo.

CUBISMO
El cubismo fue el primer movimiento artístico de vanguardia del siglo XX. Nació
en el año 1907 y finalizó en 1914 de la mano de los pintores Pablo Picasso y
Georges Braque. Su impacto fue tal que se le considera precursor de la
abstracción y de la subjetividad artística en su
sentido contemporáneo. El cubismo representa
la realidad mediante el empleo dominante de
elementos geométricos, resultados del análisis y
la síntesis. Los objetos no se representan como
“son” o como se "ven", sino como han sido
concebidos por la mente, que los deconstruye
en sus formas geométricas esenciales,
orientando la atención al lenguaje plástico, la
observación y el análisis. De esta manera, se
desprende del concepto de seguir el estilo
natural, como imitación, lo que lo convierte en un a vanguardia propia. Se
distancia de la percepción o de la vista o emoción en los efectos de
construcción plástica por vía analítica.

Dentro de la Arquitectura, se buscaban los diseños cubistas a jugar con la

geometría y explorar las posibilidades del espacio en su tridimensionalidad.
Ante la existencia de la materia (monolítica, la sustancia pasiva, muertos), el
espíritu del artista se centra en invertir esta sustancia muerta, da nueva forma a
la misma (la creación de una forma espiritual), e incluso desea destruirlo.

Las formas cubistas fueron también el resultado de la reflexión especulativa

sobre el efecto óptico de los juegos de luz y sombra en las fachadas; el
concepto de frontalidad de Janák: fachada debe hacer frente a varios puntos de
vista frontal y lateral al mismo tiempo.

ABSTRACCIONISMO
Es un movimiento resultante del impresionismo. Es una corriente
artística donde la forma y el color tienen un papel muy importante, expresando

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una sensación de libertad en el arte y su creación en sí mismo. Dentro del arte
abstracto, es posible destacar el Expresionismo Abstracto, un movimiento de
pintura que se originó en la década de 1940 en los Estados Unidos. Entre sus
características principales, se destaca su preferencia por el petróleo y por los
formatos grandes.

BAUHAUS
Es la escuela de artesanía, diseño y arquitectura en Alemania. Su ideología era
científica, aplicando el cubismo, pretendía quitar la diferencia social, como
muestra de rebeliones, así como los movimientos artísticos.

El objetivo de la escuela, encabezado por Gropius, era reformar la enseñanza

de las artes para lograr una transformación de la sociedad burguesa. Su
contenido crítico y compromiso de izquierda causarían su cierre en 1933.

Su teoría de la forma dice que le producto

debe de ser hecho para y por la media por
medio del objeto, de forma democrática se
escogían trabajos hechos por alumnos y
maestros para resaltar aquellas obras que
pudieran ser vendidas. Se buscaba que los
objetos fueran sub histórico y social. Los
profesores y estudiantes de la Bauhaus
defendían un estilo sencillo y sin
ornamentaciones, en el que la estética era
menos importante que la función del objeto
o edificio a diseñar.

El arquitecto estadounidense Louis Sullivan fue uno de los primeros en utilizar

la famosa expresión 'la forma sigue a la función'. Esta sencilla frase se convirtió
en una de las ideas fundamentales de la Bauhaus. Significa que, en el diseño,
una forma siempre se debe emplear para su función en lugar de por su
atractivo estético. La utilidad tiene que ir primero y se evita una ornamentación
excesiva.

VANGUARDIAS ARQUITECTÓNICAS

FUTURISMO

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El futurismo es la tendencia dentro de la arquitectura que pretende el uso de
nuevos materiales, elementos tecnológicos y estética no ligada a otros
conceptos. Se plantea crear edificios originales y
vanguardistas relacionados con la necesidad de
la sociedad. Esta tiene origen en el siglo XX, con
el futurismo italiano. Las vanguardias artísticas o
Vanguardias formales, fueron una serie de
movimientos artísticos y de diseño, que
transportan conceptos del surrealismo, dadaísmo
entre otros, con tendencias academicistas y
clasistas del siglo XIX.

La arquitectura futurista es una forma de

arquitectura de principios del siglo XX nacida en
Italia, caracterizada por un fuerte cromatismo, largas líneas dinámicas, que
sugieren velocidad, movimiento, urgencia y lirismo: fue una parte del Futurismo.
El futurismo exigía la constitución de un nuevo concepto artístico fundamentado
en la velocidad principal como característica que se considera con la vida
modera a un mundo moderno, a través de los valores de hierro y cristal, da a
conocerse como un movimiento artístico en el siglo 20.

La arquitectura futurista nace al salir de lo tradicional, expresada bajo líneas,

este oblicua de estas elipses no que tengan movimiento. El futurismo exige un
nuevo concepto de movimiento y percepción.

El futurismo italiano fue tendencia en la innovación, surgiendo en la primera

década del siglo XX, es rechazada por el mundo clásico, revindicado por la
modernidad, el nuevo mundo de industria.

Esto fue un movimiento artístico fundado por el poeta Filippo Tommaso

Marinetti, que produjo su primer manifiesto, el Manifiesto del futurismo en 1909.
La publicación de este manifiesto supone la inauguración del movimiento
futurista y sentaría precedente para otras vanguardias, como el Manifiesto
surrealista.

En el manifiesto a la arquitectura futurista de Antonio Sant´Elia, el autor

propone acabar con la arquitectura que existía hasta el momento. Critica a la
arquitectura clásica, que define como pesada y llena de ornamentos, y defiende
una arquitectura nueva, ligera y dinámica, que se adapte a nuestro tiempo. Su
idea es que la historia del arte debe de cambiar constantemente, pero los
factores del pensamiento científico, como nuevos materiales, estudios de
resistencia hormigón etc, como avances de las construcciones que deben de
romper a la arquitectura de materiales pesados y sustituirlos a una arquitectura
adaptada para el hombre.

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 SUPREMATISMO

EL SUPREMATISMO Y CONSTRUCTIVISMO
Son movimientos que surgen en Rusia en 1915, tras un traumatismo arranque
del país, con conflictos como el fracaso de la guerra contra Japón el líder
autocrático con los conflictos internos, los cuales fueron los primeros problemas
que tuvo el país tras la muerte de altar, se instaura el comunismo de Lenin.

También ocurrió un enfrentamiento contra el arte occidental, influenciados por

las guerras. Esto reflejo la ruptura del arte tradicional crenado nuevos
movimientos artísticos rusos, el suprematismo y constructivo. El nacimiento de
estos movimientos surge de la idea de crear una obra de arte centrada en las
propiedades físicas, en lugar de imitar la vida real. El propósito es examinar el
color y el tono del peso en textura y pintura, así como la sensación de
movimiento del espacio y equilibrio y su composición, donde la obra no tiene
que mostrar un significado más allá del arte no objeto.

Con esto se crea una confrontación con los artistas que embellecían al publico
a artistas de apreciación distinta al arte, convirtiéndose en artistas en un
chaman y el arte en juego psicológico, en relación del suprematismo, que
buscaba el contento del arte destacada para mejorar al mundo

Las nuevas ideas revolucionarias de la vanguardia rusa alcanzaron el mayor

momento creativo y popular durante esta época, marcando el nacimiento del
país con una ideología propia reflejada en las artes a raíz del nuevo estado que
patrocinaba el nuevo realismo socialista. Este movimiento artístico acontece
parlamenta al constructivismo, ambas vanguardias tuvieron como motivo
central un arte abstracto geométrico. En el suprematismo, se plantea la idea de
Kasimir Malevich, quien propina al arte no figurativo y compuesto por formas
geométricas y colores puros otorgando así una representación del universo en
formas de objetos mas leves. En 1912, Maiakovski escribe el manifestó
referente al nuevo etilo donde se define el arte no depende de la imitación de la
realidad, si no en el fin de ser contenido en forma y color, los cuales se
convierten en protagonistas desde las obras en su influencia el cubismo y el
futurismo.

Estos nuevos aspectos rechazaban lo convencional y se exponían a la

geometría pura en lugar de abstracta. El suprematismo fue fundamental en la
supresión de todo aquello que era expresivo referente del arte abstracto.

KASIMIR S MALEVICH

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Fue un pintor ruso de origen polaco, creador del
suprematismo, uno de los movimientos de la
vanguardia rusa del siglo XX. Estudio en la
escuela de agricultura de Parjemovka. Kasimir
Malevich busco la simplicidad y la abstracción
como máxima expresión del arte. “Arte por arte”.
Expulso toda realidad visible, y baso su obra
exclusivamente en la fuerza del color y la
geometría. Inicialmente es influenciado por el
naturalismo y el impresionismo, con su primera
exposición en Moscú en 1907.

En 1908, recibe la influencia del fauvismo y el

expresionismo, así como la influencia del cubismo y futurismo en sus obras.
Finalmente creo su estilo propio, el suprematismo, reduciendo los elementos
pictóricos al mínimo. Durante la Revolución Rusa en 1917, fue nombrado como
jefe del departamento de Arte y supervisor de colecciones. Sus obras de
supremacistas se caracterizaban por la combinación de elementos geométricos
y la reducción al mínimo extremo del objeto

En 1915 es el año de nacimiento del Suprematismo, en un texto escrito por

Malevich para presentar su propio trabajo en otras exposiciones. Con el
suprematismo, Malévich reduce los elementos pictóricos al mínimo extremo (el
plano puro, el cuadrado, el círculo y la cruz) y desarrolla un nuevo lenguaje
plástico que podría expresar un sistema completo de construcción del
mundo (Malévich).

CONSTRUCTIVISMO RUSO
El constructivismo fue un movimiento artístico y arquitectónico que surgió a
consecuencia del futurismo y el cubismo, este movimiento tiene tres enfoques

 Constructivismo Ruso
 Constructivismo Holandés
 Centro Europeo

El constructivismo ruso es un movimiento artístico que triunfó en la Rusia de los

años 20 del pasado siglo. La pintura, el diseño gráfico, la fotografía o el cine
nos muestran su influencia, pero fue en la arquitectura donde encontró su
aplicación más concreta y más revolucionaria.

El movimiento surge del rechazo de los excesos decorativos y ornamentales

que consideraba propios del arte burgués. Frente al neoclasicismo y el Art
Nouveau imperantes en el resto de Europa ellos van a crear un arte basado en

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la simplicidad, las líneas puras y las formas geométricas, inspiradas por el
cubismo y el futurismo.

El constructivismo ruso exigía un análisis técnico cuidadoso de los materiales

modernos. Esta investigación debía finalmente producir ideas útiles para la
producción en masa, al servicio de los fines de una sociedad comunista. Sin
embargo, el movimiento fracasó al tratar de hacer la transición del estudio del
artista a la fábrica. Algunos continuaron insistiendo en el valor del trabajo
analítico abstracto y el valor del arte en sí. Varios de estos artistas tuvieron un
gran impacto en la difusión del constructivismo en toda Europa.

AQUITECTURA
Uno de los propósitos de la arquitectura constructivista era inculcar la
vanguardia en la vida cotidiana. El constructivismo ruso buscaba construir los
espacios en los que se podría lograr la nueva utopía socialista. De esta
manera, estos extremos demostraban las tensiones entre el individualismo y el
utilitarismo en el constructivismo. Por un lado, se promovía una mayor igualdad
de la sociedad y, por el otro, ofrecieron algunos proyectos grandiosos e incluso
temerarios

El constructivismo ruso característicamente tenía paletas de colores mínimos.

En general, solo utilizaban el rojo y negro, y a veces amarillo. Eran comunes
los elementos diagonales con tipo e imágenes circulares y en ángulo. Así, el
resultado era extremadamente dramático, con imágenes en capas combinadas
con tipografía potente. Este arte ha sido descrito como emocionante,
estremecedor e incluso impactante. Este movimiento significó un cambio
dramático de movimientos y filosofías de arte más convencionales.

MANIFIESTO REALISTA
Es un texto clave del constructivismo escrito por Naum Gabo. Este expone sus
teorías de la expresión artística en forma de cinco principios fundaméntales de
su práctica constructiva. El Manifiesto se centró principalmente en divorciar el
arte de convenciones tales como el uso de líneas, color, volumen y masa.

Hay que sacar al Arte del callejón sin salida en que se halla desde hace veinte
años.

El humano no debe de basarse por movimientos inclinados en la nueva

civilización, movimientos de las masas populares hacia posesión de riquezas
naturales, movimiento que abraza el pueblo en unión, guerra y revolución

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Los intentos realizados por cubistas y futuristas para tomar una imagen
figurativa del fango del pasado solo han producido más desencantos. En la
técnica representativa por encallar en el análisis, el revuelto mundo de los
cubistas, despedazado por anarquías, no puede satisfacer a quienes han
realizado una revolución y constituyen a formar otra nuevamente.

Ningún movimiento artístico podrá afirmar la acción de una nueva cultura en

desarrollo hasta que los mismos fundamentos del Arte estén construidos sobre
las verdaderas leyes de la vida, hasta que todos los artistas digan con
nosotros: Todo es ficción, solo la vida y sus leyes son auténticas, y en la vida
solo lo que es activo es maravilloso y capaz, fuerte y justo, porque la vida no
conoce belleza en cuanto medida estética. La más grande belleza es una
existencia efectiva.

AUTORES Y OBRAS EN CONSTRUCTIVISMO

Joaquín Torres Garcia. Obra Constructivo

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Vadim Meler y el Constructivismo teatral

Oskar Schlemmer

NEOPLASTICISMO
O constructivismo holandés, llamado de Stijl. Es un nuevo enfoque de las artes
plásticas basados en la relación universal. No existe la profundidad, no existe
ningún tipo de referencia figurativa, no existe ni
siquiera una simbología. El neoplasticismo es arte
puro: línea y color, unidas en un mismo espacio.
Uniendo cubismo y teosofía, reivindicó un proceso de
abstracción progresiva donde las formas se irían
reduciendo a líneas rectas horizontales y verticales, y
los colores a los tres primarios, el blanco y el negro.

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Mondrian buscó que su concepción fuese universal. Esta corriente también
está considerada dentro del arte abstracto, pues ofrece una concepción mucho
más analítica de las obras y trata de no imitar elementos de la vida real, sino
representar las formas y colores de la realidad.

No existe la profundidad, no existe ningún tipo de referencia figurativa, no

existe ni siquiera una simbología. El neoplasticismo es arte puro en línea y
color, unidas en un mismo espacio.

PIET MONDRAIN
Fue un artista holandés que creó su obra en torno a la revista De Stijl, principal
órgano de difusión neoplasticista. Para tipos como Mondrian, el arte debía ser
representado a través de líneas rectas y colores
puros. Cada uno tiene su opinión.
En caso de Mondrian, esto se debía a que lo rectilíneo y
lo cromáticamente puro era un símbolo de la expresión
del orden cósmico.
Esto está vinculado a las teorías teosóficas que estaban
de moda en la Europa de la belle epoque y que a la
larga no es más que un intento de abstracción diferente
al de Kandinsky.

Sostenía que el arte no debía implicarse en la

reproducción de imágenes de objetos reales, sino
expresar únicamente lo absoluto y universal que se
oculta tras la realidad, reduciendo toda representación a formas planas y
colores primarios. Tal es su determinación en eliminar toda forma superflua de
la pintura que sus obras sólo se compondrán de líneas y ángulos rectos. Este
uso del color plano, primario y sin texturas.

THEO VAN DOESBURG

Theo van Doesburg, cuyo nombre de nacimiento era Emil Marie Küpper, fue
una de las figuras fundamentales en el desarrollo del
neoplasticismo holandés tanto en pintura como en
arquitectura. Theo Van Doesburg llevó a cabo
proyectos de decoración de interiores, generalmente en
colaboración con otros artistas, en los que las
continuidades o rupturas cromáticas articulan los
espacios y los dinamizan integrando una unidad color-
arquitectura visualmente indisociable.

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Van Doesburg y Mondrian proponen la fusión ideal de forma y función,
dirigiendo su atención no sólo a los medios de comunicación artísticos tales
como la pintura y escultura, sino también a prácticamente todas las otras
formas de arte, incluyendo el diseño industrial, tipografía, incluso literatura y
música.

CASA SCHRODER
La casa fue diseñada por Gerrit Rietveld para la señora Truus Schröder en
1924, quien le encarga proyectar y construir una casa en las afueras de
Utrecht. La Casa Rietveld-Schröder fue el
primer manifiesto arquitectónico del grupo
De Stijl, universalmente reconocida como
una de las primeras construcciones
realmente modernistas en el mundo. La
Sra. Schröder vivió en ella hasta su
muerte en 1985. Posteriormente fue
restaurada por Bertus Mulder y
reconvertida en museo.

El concepto se trata de una casa entre

medianeras que se integra al contexto a
través del árbol del patio de la planta baja, las transparencias y los espacios
fragmentados. El aspecto más notable de la casa Rietveld-Schröder es la
independencia visual de sus partes, conseguida por la separación física de los
planos, el uso de los planos libres y la modulación de los planos horizontales y
verticales y la utilización del color, que acentúa y determina la identidad de
cada parte. A ello se han de añadir las soluciones interiores, con espacios
libres que pueden modificarse por medio de paneles movibles, y el mobiliario,
perfectamente integrado, tratado como un elemento arquitectónico más.
Rietveld intentó conseguir la continuidad espacial en su arquitectura
permitiendo que los espacios se comunicasen entre sí y con el espacio infinito
que rodea al edificio.

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