Libro: Bases del DG: Enfoque y lenguaje Granados Castro Sara

Autor: Gavin Ambrose Lectura # 9 3320 en horario de 3309

Editorial: Parramon 13 de septiembre de 2013
País y Año: España 2011
Biblioteca: ENAP

El diseño gráfico es una disciplina que cuenta con muchas herramientas. Para lograr un resultado funcional yo
procuro utilizar todos los elementos que tengo para tener bases sólidas y justificadas de lo que estoy
presentando. Los elementos indispensables en los que siempre me enfoco al realizar un trabajo son las figuras
retóricas, las técnicas visuales, la psicología del color, el carácter de la tipografía, el equilibrio, el formato y el
público, ya que todos estos elementos me ayudan a conseguir un mensaje lo más depurado y conciso que mis
conocimientos y habilidades me permiten. El objetivo de leer este libro sobre las bases del diseño gráfico es
que yo pudiera remontar y retomar algunos aspectos de los cuales ya tenía conocimiento y ampliarlos, abrir
más la perspectiva sobre los temas que se tratan y comparar los procesos y los trabajos que muestra el texto
para poder formular los míos propios. Como punto principal al elegir este libro es que yo pudiera encontrar en él
más herramientas para crear, desarrollar, analizar y proponer ideas para responder a una necesidad de diseño,
un brief y de manera más actual para poder desarrollar el proyecto actual de la materia de diseño, pues este
requiere de conocimientos acerca de semiótica, ilustración, vocabulario, materiales, producción editorial e
impresión entre otros aspectos por supuesto. Para poder llegar a un resultado primero se tiene que conocer
para quién y qué es lo que se va a trabajar. Todo el proceso dependerá del tipo de proyecto se esté planeando.
Una vez que se conoce la necesidad del cliente o el brief. Todos los diseñadores con más experiencia y
también en varios libros me han recomendado hacer una búsqueda profunda sobre el tema, es por eso que el
diseño es multidisciplinario, porque al elaborar cualquier producto se necesita tener conocimiento de este, por lo
tanto cuando hago una búsqueda de investigación sobre el tema es seguro que tendré más ideas para proponer
que las que tendría si sólo conociera de manera general o tuviera una idea vaga de lo que tengo que
comunicar. Esta investigación no solo consta de buscar información escrita sobre el tema del que trata el
proyecto, sino también de información visual que me documente y me ayude a tener ideas de cómo es que
debo manejar la solución y cuál es la manera más adecuada para llegar a un mensaje final. Como
comunicadora visual y diseñadora además como persona, soy un ser visual, logro entender de una manera más
concisa cuando lo hago a través de la observación, por lo que estar documentada con el contexto de lo que voy
a elaborar siempre me va a resultar muy útil cuando tenga
que bocetar y comenzar a proponer, al llegar a ese
momento puedo tomar de manera auxiliar o enfocarme en
algún estilo ya conocido de maquetación y de proposición
de la composición, por ejemplo puedo seguir un estilo
como el de la Bauhaus, el cual se enfocaba en la
funcionalidad y en la forma, o puedo tomar otras corriente
como el expresionismo, el dadaísmo, el constructivismo, el
modernismo etcétera, todo dependerá de cuál de estas
corrientes se adapte y sea más funcional con lo que estoy
por producir. Sin embargo al documentarme no sólo tomo
en cuenta el tema a comunicar y una corriente del diseño,
también el arte o una situación pueden ser influencia para
que desarrolle mi trabajo. La construcción de un proyecto,
cualquiera que este sea será más impactante y tendrá más
riqueza si se tienen más elementos de donde escoger. Eso
es más evidente en cuestiones como la tipografía, si yo
conozco veinte tipografías está bien, podré elegir de entre
estas cuál es la que más se ajusta, sin embargo si puedo
elegir entre cien que conozco entonces tendré más
posibilidades de explorar cual es la mejor solución.
El diseño gráfico a través de todas estas herramientas y elementos me ha permitido comunicar todo tipo de
actitudes y actividades sociales, no obstante a pesar de tener ese “poder” para comunicar de la manera que yo
elija me siento en la necesidad de adoptar una posición crítica sobre lo que voy a producir o sobre lo que ya
realicé, ya que las habilidades que estoy desarrollando y cuyo fin serán los de persuadir, educar e informar
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principalmente no están destinadas a perjudicar al público al que los dirijo, por el contrario, siempre busco que
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el mensaje que voy a comunicar sea benéfico para ellos, ya que moralmente tengo la responsabilidad social de
actuar para ellos, por lo que puedo elegir el realizar un proyecto o no, guiándome en este principio. El adoptar
esta posición crítica en mi trabajo me permite evaluarme a mí misma, ya que puedo determinar cómo podría
haber hecho más funcional el mensaje o qué elementos podrían haber sido más impactantes para lograr una
respuesta más adecuada del espectador, y por otro lado este actuar crítico me permite adoptar una posición
firme en mis principios cuando me enfrento al mundo comercial y a el entorno social que está influenciado
totalmente por todos los tipos de comunicación que los rodea el cual no pueden evitar.
Al tener un proyecto agradable sobre el cual trabajar hay una parte muy importante en el diseño que es el
desarrollo de ideas. Hay muchísimos métodos para elaborar una idea, es elemental que para poder validar una
propuesta se tenga un contexto sólido y un entorno de aplicación. Los métodos y las investigaciones como ya
he mencionado ayudan a determinar el enfoque más adecuado para un problema de diseño. Recabar
información como pensamientos, hipótesis, opiniones son parte de la lluvia de ideas inicial para cuando se
comienza un proyecto. En esta lluvia de ideas no se debe descartar nada, ninguna idea es mala, ya que alguna
de estas puede prosperar y convertirse en una posible respuesta al problema de comunicación. Posteriormente
se van depurando una por una las ideas para quedarse sólo con lo que pueden ser los objetos principales sobre
los cuales se va a trabajar. En este paso es importante bocetar todas las combinaciones posibles, siempre y
cuando tenga una idea previa en mente, si no la tengo es posible que tenga bloqueos creativos por no
prepararme antes de llegar al papel. Los bocetos sólo son posibles de lograr de una sola intención solamente si
se tiene un concepto fijo, de otra manera van a ser vagos y no tendrán definición alguna sobre la cual trabajar.
Muchas de las ideas que se produzcan pueden estar completas o incompletas, por incompletas no me refiero a
conceptualmente, si no que siguiendo las leyes de la Gestalt pueden estar relativamente incompletas. Las leyes
de la Gestalt siguen configuraciones o patrones organizados de tal manera que el todo es más que la suma de
sus partes, de tal forma que la mente perciba todo a partir de
elementos incompletos, las leyes de la Gestalt se han
sistematizado a través de grupos específicos a través de los
cuales el todo y las partes interactúan con nosotras de
maneras distintas, una de las más importantes en la práctica
del diseño es la Ley de cierre en la cual nuestra mente
añade los elementos faltantes para completar una figura.
Existe una tendencia innata a concluir las formas y los
objetos que no percibimos completos. Nuestra mente cierra
un círculo, un triángulo, o cualquier objeto si este no está
completo. Otras de las leyes que aplico mucho cuando
quiero lograr un buen equilibro en la composición es la Ley
de proximidad porque siguiendo los parámetros de esta ley
los elementos tienen a agruparse con los que se encuentran
a menor distancia. Influyen también la semejanza de la
forma, el tamaño, el color y otros aspectos visuales de los
elementos. La ley de simplicidad trabaja junto con la técnica
visual del mismo nombre ya que cuando se produce una
figura y se percibe la percibimos de la manera más simple
posible. Existe también la Ley de similitud en la cual como
observadores tendemos a percibir agrupados los objetos iguales y una de las más impactantes cuando se
produce cualquier tipo de mensaje u obra de arte: La ley de Figura y fondo en la que cualquier campo
perceptual puede dividirse en figura contra un fondo. La figura se distingue del fondo por características como:
tamaño, forma, color, posición, etc. Existen también dentro de la Gestalt ciertos principios que permiten
transformar el espacio y las formas, los principios más comunes y más fáciles de reconocer y de aplicar son
estos: Principio de Enmascaramiento: Una buena forma resiste a las perturbaciones a las que está sometida.
Principio de Memoria: Las formas son tanto mejor percibidas cuanto mayor sea el número de veces
presentadas Principio de Jerarquización: Los elementos más destacables serán los de mayor impacto y los
menos destacables serán de menor impacto.
La mezcla de las leyes y los principios de la Gestalt permiten que el juego y la interacción de los elementos sea
más armónica y que la mente del espectador se sienta motivada a participar del mensaje que se está
comunicando, de manera ventajosa el aplicar estos principios o estas leyes permiten ayudar a que la
percepción de las imágenes sea más directa y clara en un diseño ya que el mensaje es más conciso sin perder
su variedad y su equilibrio. Estos dos aspectos son muy importantes ya que cuando comienzo a proponer
procuro buscar que ambos se vean en la composición, es difícil conseguir que un mensaje sea activo y
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equilibrado al mismo tiempo, se tienen que buscar muchas alternativas para poder comunicar mejor, buscar
cómo es que las formas van mejor en qué caso y en cuál otro es más conveniente usar otra forma. La Gestalt
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en este caso es otra herramienta más con la que me puedo auxiliar y de la cual puedo sacar más opciones para
proponer. Los espectadores son participantes directos de este tipo de diseños, por lo cual éste tipo de
producciones tienen mucho éxito cuando son exhibidos al mundo, muchos de ellos, los más exitosos, incluso
trascienden a los archivos históricos de la historia del diseño Este tipo de lenguaje que incita a cambiar las
formas a rellenarlas y a completarlas no es sencillo de lograr especialmente en los casos de figura fondo,
porque tienes que analizar la forma y la contraforma de tal manera que ambas se unan y de un resultado
exitoso, tampoco son sencillas las otras leyes y principios, pero creo que es evidente que cuando se logra un
resultado que logra que la Gestalt participe siempre va a arrojar resultados interesantes.
Aplicar leyes de la Gestalt, figuras retóricas y técnicas visuales es muy útil, porque me han ayudado a dar
equilibro y unidad a mis proyectos, cuando he trabajado sin ningún plan aparente el resultado suele ser
bastante confuso porque no hay ninguna idea terminada, si no que están dispersas, no hay similitud ni
continuación, en algunas ocasiones sí ha resultado pero no es un método confiable a seguir, por lo que es
importante tener definido con lo que se va a trabajar desde el estilo hasta los materiales. De esta manera, yo
puedo saber que es mejor para avanzar y cómo puedo lograr una buena configuración del mensaje. Los
materiales en este caso definen y sirven de apoyo para reafirmar el concepto que los bocetos ya han
establecido previamente, la manera en que empleo cada material tiene un fin, la técnica que utilizo debe de
definir siempre que es lo que quiero reafirmar del concepto, si quiero que este sea muy fuerte o muy suave
visualmente, si necesito que sea directo o que se pueda explorar en este, cada material tiene su propia
connotación y el empleo de este está determinado por mí así que está en mí determinar cuál es la mejor
manera de resolver el problema del diseño en su manera técnica. Existen muchos materiales, en el área de arte
de las grandes papelerías encontramos pasillos y pasillos de materiales de todo tipo y de diferentes calidades,
con muchos colores y acabados, y cualquier diseñador puede hacer uso de los que mejor le parezca para
proceder con su trabajo. Cuando tengo la oportunidad me agrada mucho utilizar grafito por el acabado
texturizado que este le da a los trabajos, también otro de mis materiales preferidos es la tinta por la libertad con
el manejo y la monocromía en los trazos. A pesar de que en el texto mencionan muchas técnicas yo menciono
en este ensayo las técnicas con las que he tenido la oportunidad de trabajar y expreso el resultado y las
dificultades que tiene cada una de ellas Acuarela : La técnica de la acuarela de gran luminosidad, es habitual el
no emplear el blanco, siendo la dilución del color en agua y el fondo del papel blanco, lo que proporciona esa
claridad. Es por ello que entraña ciertas dificultades el
uso de la acuarela, ya que no se puede enmendar ni
raspar. Témperas.- Es una técnica muy cubriente por no
estar los pigmentos en suspensión, formando una capa
opaca de pigmento y aglutinante. Es un buen material por
su fácil limpieza y poder de cubrición de los colores.
Lápices de colores: Los lápices con colores diversos, se
utilizan para dar color o bien para colorear dibujos
realizados con diversas técnicas. Vienen en diferentes
presentaciones para su venta, por lo regular son de 6,12,
24, 36 ó 48 colores distintos. Existen lápices de colores
de distintas marcas y calidades. La característica que
distingue a los lápices de colores profesionales de los
escolares, es que los profesionales son más grasos,
pudiendo así dar más graduación en el tono con ellos.
Pastel: Es una técnica de gran luminosidad por llevar en
su composición muy poco aglutinante. Se utilizan
pigmentos en forma de barras con las que se pinta
directamente. Es una técnica muy bella, pero de difícil
conservación además de difícil manejo con los detalles.
Técnica mixta es cuando se utilizan diversas técnicas como ceras y témperas, collage, acrílicos, o la
incorporación de materiales que den cuerpo a la pintura, como los pigmentos u óxidos, cuarzos, cretas, papel
triturado. Acrílicos: Son un material de muy fácil uso y buen acabado, es difícil hacer gradaciones pero es
sencillo cubrir áreas muy grandes así como áreas pequeñas, tiene una característica cubriente por lo cual se
puede trabajar una y otra vez sobre ella. Está elaborada con materiales sintéticos.
Con respecto al significado emocional que tienen los materiales se hacen evidentes cuando un espectador le
atribuya al resultado final del diseño, su tema y contenidos expresados una sensación para si mismo. Por su
parte, la obra, estructurada como expresión a partir de ciertos principios que ordenan sus signos en tiempo y
espacio (forma), evidencia el toque personal del artista (técnica) que le dan un distintivo particular. Utilizamos
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aquí el término técnica no sólo para referirnos a la maestría en el manejo de los materiales, sino a la integración
de forma y sustancia en una creación original. La sustancia es el tema que el diseñador trata de comunicar; el
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concepto elaborado o el mensaje, los aspectos de la vida, o sociales que desea subrayar o expresar, las
emociones, sentimientos, estados de ánimo o ideas que quisiera comunicar con el público. La forma se utiliza
para proyectar o transmitir estos sentimientos o ideas. Sólo mediante una forma determinada se podrá
proyectar la sustancia. La forma constituye el producto tangible del diseñador. La forma incluye determinadas
reglas, fórmulas, pautas, convenciones o esquemas, cualquiera que sea el término que seleccionemos, la
historia ha demostrado muchas veces que las convenciones de una forma cambian y que las reglas o principios
no deben limitar un diseño ya que aunque el diseño está regido por elementos que deben ser constantes, el
mismo siempre está recreándose e incluyendo nuevos contenidos. La técnica es el tercer elemento, que
consiste en ajustar o combinar la sustancia y la forma. Constituye el método personal del diseñador para lograr
su fin e implica la selección y el arreglo de sus materiales para conseguir un efecto determinado. La técnica es
además el elemento que distingue los resultados del trabajo de un diseñador de otro; a menudo se le llama su
estilo o cualidad personal, porque se trata, en esencia, del auto proyección de cada diseñador, este estilo o
cualidad personal se distingue más claramente entre los diseñadores que se dedican a la ilustración, sus
proyectos dejan ver el tipo de técnica que ellos desarrollan y las variaciones con la técnica que ellos proponen.
El propósito final de toda comunicación visual en el diseño es transmitir las ideas, el concepto y el mensaje que
presenta una necesidad, y generalmente cuando se quiere lograr transmitir estos mensajes se busca producir
un placer estético por parte del espectador y ayudarlo a comprender lo que el mensaje busca. Es muy
importante que exista armonía, que sea posible encontrar una relación coherente entre las formas, figuras y
colores, la composición deber ser una relación integrada y equilibrada entre las partes y un conjunto de formas
que integren la representación del mensaje, para lograr unidad en la variedad y variedad en la unidad. Así
mismo hay que encontrar el ritmo, que sea visible la sucesión de los elementos compositivos de una manera
ordenada. Los elementos de una composición se deben separar para poder apreciarse, los elementos estéticos,
temáticos y plásticos son los que dan riqueza y variedad a los trabajos. El aspecto estético de una composición
es la sensibilidad que generan las representaciones en el espectador y se relacionan con las categorías
estéticas: la belleza y la fealdad; lo trágico y lo cómico; lo sublime (o lo grandioso) y lo trivial; y, lo típico y lo
nuevo. Los elementos Temáticos. Se refieren al significado establecido de las formas y figuras que se
representan, es decir, la asociación más común que manifiesta el espectador con lo representado en la obra.
Los aspectos artísticos o plásticos se refieren a las
semejanzas o diferencias en los estilos y tendencias del
lenguaje del diseño que se estén presentando en el proyecto,
esto es, si es modernista o cubista, impresionista o
minimalista, etcétera. Para diferenciar los cambios que se van
dando en el lenguaje del diseño es necesario el análisis a
partir de especialidades bien definidas como ejemplo de estas
especialidades se encuentran la fotografía en la que hay que
apreciar elementos como el encuadre, el centro de atención, la
iluminación, el punto de vista, la profundidad, la forma, la
textura, el color, el ritmo, la dirección y la composición. En la
especialidad editorial Los elementos plásticos para valorar en
son: el punto, la línea, el plano, el espacio, el color y la
composición principalmente. A través de leer este texto
reafirmé que hay ciertos elementos que hacen del diseño una
disciplina que sigue una continuidad, que a pesar de tener
distintas especialidades todas pueden ser evaluadas con
signos elementos constantes como el punto, la línea, el plano,
el volumen, el color, las formas, las figuras, la totalidad o
composición, el ritmo, la simetría, la proporción, la oposición y
la dirección, lo cual hace que una obra de fotografía pueda unirse a un proyecto editorial y que por lo tanto las
orientaciones del diseño estén relacionadas siempre. Los elementos plásticos están siempre disponibles para
todos los diseñadores, las figuras retóricas, las leyes y principios de Gestalt, las técnicas visuales, las técnicas
de representación son todos recursos que puedo utilizar a mi conveniencia para lograr que el mensaje que voy
a transmitir sea lo suficientemente impactante y que tenga el poder de persuasión para que convenza al
espectador de informarse con lo que remite la imagen. Si esa imagen vale la pena, entonces el receptor, no
solo habrá recibido el mensaje si no que habrá interactuado con todo un proceso creativo previo.

Empresa que solicita: Animala.

Tipo de contrato: Indeterminado. Horario Laboral: 9:00- 18:00
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Ubicación Distrito Federal, Benito Juárez.

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La empresa ofrece descanso sábado y domingo. Sueldo: $7000