Música clásica contemporánea

La música clásica contemporánea es la que se ha creado a partir de la

retirada del modernismo musical a mediados de los años setenta, Historia de la música
aunque en ocasiones se suele incluir de forma más amplia a todas las
formas de la música postonal luego de la muerte de Anton Webern y Música en la Historia antigua
del término de la segunda Guerra Mundial (1939-1945). Es materia de (hace 50 000 años-500 d. C.)
un arduo debate si el término se debería aplicar a música de cualquier
estilo, o si se le aplica exclusivamente a los compositores de música de Música en la Prehistoria
vanguardia. Música en la Antigüedad

Música antigua
(500-1600)
Índice
Música de la Edad Media
Movimientos en la música contemporánea Música del Renacimiento
Movimiento moderno
Período de la práctica común
Posmodernismo (1600-1910)
Poliestilismo
Conceptualismo Música del Barroco
Posminimalismo Música del Clasicismo
Música electrónica Música del Romanticismo
Música del impresionismo
Neorromanticismo
Espectralismo Período moderno y contemporáneo
Neotonalismo (1910-presente)

Nueva simplicidad
Música modernista
Libre improvisación Jazz
Nueva Complejidad Música popular
Arte sonoro Música contemporánea
Festivales
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Enlaces externos Historia de la música

Véase también: Portal:Música

Movimientos en la música contemporánea

Movimiento moderno

Muchas de las figuras claves del movimiento moderno aún existen o han fallecido recientemente, como Elliott
Carter y Lukas Foss, y en la actualidad existe un núcleo de compositores, intérpretes y aficionados
extremadamente activos que continúan llevando las ideas y formas del modernismo. Si bien grandes escuelas
de composición moderna, como la del serialismo, no son ya el centro de la discusión teórica, el período
contemporáneo está iniciando el proceso de ordenación del conjunto de elementos del modernismo en busca
de obras suficientemente valiosas para ser incluidas en los repertorios.
El modernismo también se encuentra en la superficie o en obras de un gran número de compositores, ya que la
atonalidad ha perdido mucha de su habilidad para aterrorizar a los auditorios, y puesto que hasta la música de
películas utiliza secciones de música claramente enraizadas en el lenguaje de la música modernista. La lista de
compositores modernistas activos incluye a Luis de Pablo, Wolfgang Rihm, Harrison Birtwistle, Alexander
Goehr, Magnus Lindberg, Gunther Schuller o Kaija Saariaho, Leo Brouwer, Germán Barahona entre otros.

Posmodernismo

El posmodernismo es una influencia fuerte en la música contemporánea. Un crítico señaló que una manera
fácil de encontrar es buscar la palabra «nuevo» o los prefijos neo- o pos- en el nombre de algún movimiento.
Sin embargo, en una era de los medios, de las presentaciones sistemáticas, y las relaciones de poder siguen
siendo la realidad dominante para la mayoría de las personas nacidas en las principales naciones
industrializadas, el posmodernismo parece mantenerse como el modo más común de la expresión artística.

Poliestilismo

Poliestilismo (también llamado "eclecticismo") es el uso de múltiples

estilos o técnicas musicales, y es considerado una característica
posmoderna que comienza a finales del siglo XX y se acentúa en el
siglo XXI. Es importante distinguir entre la actitud ecléctica, que es la
de quien recolecta material de diferentes fuentes de modo pasivo y la
actitud poliestilista, que es la de quien fusiona las fuentes de modo
coherente, deliberado y propio. El compositor poliestilista no emplea
necesariamente su canon de estilo y técnica en un solo trabajo sino
que en el conjunto su obra se advierte diferentes "estilos". Esta
corriente, pese a haber sido anticipada en una temprana tendencia que
unificaba elementos de música popular o de flamenco o jazz en
trabajos clásicos, se desarrolla realmente desde finales del siglo XX, y
mientras más y más estilos entran en juego en el nuevo siglo, el
movimiento se hace cada vez más importante y diverso. Los
compositores poliestilistas han usualmente comenzado su carrera en
una corriente para moverse a otra a la vez que guardando elementos
importantes de la anterior.
John Zorn (1953-), músico
Compositores poliestilísticos son, por ejemplo, Mauricio sotelo, Lera
estadounidense de origen judío,
Auerbach, Luciano Berio, William Bolcom, Roberto Carnevale, Sofia
poliestilista y ecléctico que ha
Gubaidulina, Hans Werner Henze, Raúl Ferrero, George Rochberg,
trabajado en diversos estilos dentro
Arturo Rodas, Magaly Ruiz, Frederic Rzewski, Alfred Schnittke,
y fuera de la música artística.
Valentín Silvestrov, Frank Zappa, John Zorn Satuyé y Miguel Oblitas
Bustamante.

Conceptualismo

Cuando Marcel Duchamp colocó un urinario en un museo de arte, produjo el golpe más visible del arte
conceptual. Una obra conceptual es un acto cuya importancia musical se obtiene del marco más que del
contenido de la obra. La música conceptual encontró a su mejor representante en John Cage. Un ejemplo es la
obra 4’ 33” (John Cage, 1952) que consiste sólo en silencios.La presentó el famoso pianista David Tudor, que
se sentó al piano sin tocar realmente en ningún momento durante los 4 minutos y 33 segundos. Otra obra
importante de este estilo es 56 Blows (de Alvin Singleton), una obra que tiene la particularidad de haber sido
mencionada en un debate en el Senado de Estados Unidos.
Posminimalismo

La generación minimalista todavía cumple un papel importante en la nueva composición. Philip Glass ha
continuado expandiendo su ciclo sinfónico, mientras que On the Transmigration of Souls, de John Adams
(una obra coral en conmemoración de las víctimas de los atentados del 11 de septiembre de 2001) ganó un
Premio Pulitzer. Steve Reich ha explorado la ópera electrónica y Terry Riley ha continuado activo escribiendo
música instrumental. Pero más allá de mismos minimalistas, los tropos de la armonía triádica no funcional son
ahora un lugar común, incluso en compositores no reconocidos como minimalistas propiamente dichos.

Muchos compositores están expandiendo los recursos de la música minimalista al incluir ritmos e instrumentos
propios del rock y la música étnica (world music), serialismo, y muchas otras técnicas.

Kyle Gann considera los Time Curve Preludes de William Duckworth como la primera pieza
«posminimalista», y considera a John Adams como un compositor «posminimalista» y no minimalista. Gann
define el «posminimalismo» como la búsqueda de una mayor complejidad armónica y rítmica por
compositores tales como Mikel Rouse y Glenn Branca. El posminimalismo es también un movimiento artístico
en pintura y escultura que empezó a finales de los años sesenta.

Música electrónica

Surgida en los años cincuenta, con el uso de las grabaciones como objeto sonoro en términos de Pierre
Schaeffer o con el uso de osciladores electrónicos a la manera de Stockhausen. No confundir con la "música
pop electrónica" (de los años ochenta, posterior al rock, de guitarras eléctricas, etc.), ni con la creada por un
ordenador o secuenciador al necesitarse una velocidad y exactitud imposible para un intérprete humano). La
electrónica es ahora parte de la corriente principal de creación musical. La interpretación de obras ahora a
menudo utiliza sintetizadores midi para acompañar o reemplazar algunos músicos o instrumentos. Los
procesos de loopeo, toma de muestras (sámpling) y el empleo (rara vez) de baterías electrónicas también está
incluido. Sin embargo, la antigua idea de la música electrónica —como una búsqueda de sonido puro y una
interacción con el equipo en sí— continúa encontrando un lugar en la composición, desde piezas
comercialmente exitosas hasta obras dirigidas a oyentes selectos.

Neorromanticismo

El resurgimiento del vocabulario de la nueva tonalidad que floreció en los primeros años del siglo XX
continúa en el período contemporáneo, aunque no se le considera chocante o controvertido como tal.
Compositores que trabajan en la vena neorromántica son, por ejemplo, George Rochberg y David Del Tredici.
En la parte final del siglo XX y comienzos del XXI, encontramos un nuevo resurgimiento del
neorromanticismo en Europa.

Espectralismo

La música espectral, en un sentido restrictivo, se basa principalmente en el descubrimiento de la naturaleza del

timbre musical y en la descomposición espectral del sonido musical, en el origen de la percepción del timbre.
El espectralismo se originó en Francia en los años setenta alrededor de un grupo de compositores agrupados en
torno al Ensemble l'Itinéraire (Gérard Grisey, Tristan Murail, Hughes Dufourt y Michael Levinas). En
Alemania tuvo repercusión y se formó un grupo de investigación liderado por los compositores Johannes
Fritsch, Mesias Maiguashca, Peter Eötvös, Claude Vivier, y Clarence Barlow. En Rumania existió un
movimiento importante de esta tendencia liderado por Ştefan Niculescu, Horatiu Radulescu, y Iancu
Dumitrescu.
Actualmente compositores como Julian Anderson, Ana-Maria Avram, Joshua Fineberg, Jonathan Harvey,
Fabien Lévy, Magnus Lindberg, y Kaija Saariaho permanecen desarrollando ideas espectrales. El compositor
de jazz Steve Lehman ha introducido técnicas espectrales en el campo de la música improvisada. El
movimiento se ha ido ensanchando e influye en las más importantes tendencias contemporáneas de
composición y en muchos de los compositores más jóvenes: Philippe Hurel, Philippe Leroux, Marc-André
Dalbavie, Jean-Luc Hervé, Fabien Lévy o Thierry Blondeau, en Francia; Kaija Saariaho o Magnus Lindberg
en Finlandia; George Benjamin o Julian Anderson en el Reino Unido: Marco Stroppa en Italia; y Joshua
Fineberg, en EE. UU., por citar algunos.

Neotonalismo

El neotonalismo surge en la segunda mitad del siglo XX como reacción ante el atonalismo. Dentro de este
género se engloban compositores que utilizan de nuevo la tonalidad después de que ésta fuese marginada en
gran medida por las corrientes del género atonal contemporáneo. El neotonalismo es un movimiento muy
amplio que unifica y mezcla estilos muy diferentes, entre los cuales se pueden citar como subgéneros de éste,
el eclecticismo (o poliestilismo) y el neorromanticismo citados más arriba. Un mismo compositor neotonal
puede contar dentro de su producción musical con obras neorrománticas, electrónicas o eclécticas. En este
género también se emplean técnicas modernas como la electroacústica y aparecen influencias ajenas a la
música clásica tradicional como pueden serlo el jazz, la música de cine, étnica, e incluso el propio atonalismo
del siglo XX, confiriendo no sólo una gran riqueza a este tipo de composición sino una libertad de expresión
que quedó truncada con la imposición de lo puramente atonal en la segunda mitad del siglo. Existen muchos
compositores, quienes habiendo iniciado sus composiciones en el ámbito atonal, han regresado a esta forma,
incluyendo elementos tradicionales que son de una mayor aceptación por el público. Baste como ejemplos de
compositores actuales neotonales los citados más arriba: John Corigliano, John Rutter, Arvo Pärt, Henryk
Górecki y Astor Piazzolla. Y los españoles Pedro Iturralde, Juan J. Colomer y Román Alís.

Nueva simplicidad

La Nueva Simplicidad fue una tendencia estilística surgida entre algunos

de los componentes de la generación más joven de compositores
alemanes de comienzos de los años ochenta, y que supuso una reacción
no solamente contra la vanguardia musical europea de los años cincuenta
y sesenta, sino también contra la más amplia tendencia hacia la
objetividad de comienzos de siglo. Este movimiento tuvo más
representación fuera de Alemania y especialmente en las Américas con
compositores como Astor Piazzolla, Carlos Guastavino, Miguel del
Águila (http://www.migueldelaguila.com/) y Agustín Barrios,

En general, estos compositores propugnaron una inmediatez entre el

impulso creativo y su resultado musical (en contraste con la elaborada
planificación precompositiva característica del vanguardismo), con la
intención de crear una comunicación más fácil con las audiencias. En
Arvo Pärt (1935) compositor
algunos casos, ello significó una vuelta al lenguaje tonal del siglo XIX estonio, una de las principales
así como a las formas musicales (sinfonía, sonata) y a las combinaciones figuras de la nueva simplicidad,
instrumentales (cuarteto de cuerda, trío con piano) tradicionales, que como también del
habían sido evitadas en su mayor parte por la vanguardia. Para otros posminimalismo.
compositores, significó trabajar con texturas más simples o el empleo de
armonías triádicas en contextos no tonales. De entre los compositores
identificados de una forma más cercana con este movimiento, solamente Wolfgang Rihm ha conseguido una
reputación significativa fuera de Alemania.
Otros autores, de mayor edad y/o de otras nacionalidades, como Hans Abrahamsen, Alfred Janson, Aaron
Kernis, Wilhelm Killmayer, Ladislav Kupkovic, György Kurtág, Roland Moser, Arvo Pärt, Alfred Schnittke,
Kurt Schwertsik y Howard Skempton han sido relacionados ocasionalmente con los “nuevos simplicistas”. Al
menos dos autores han asegurar que uno de los compositores vanguardistas contra el que se había rebelado
más ostensiblemente la Nueva Simplicidad, Karlheinz Stockhausen, se habría anticipado a sus posiciones con
la simplificación radical de su estilo que se produjo entre 1966 y 1974.

Libre improvisación

La improvisación libre es música improvisada sin reglas previas establecidas, secuencias de acordes o melodías
previamente acordadas. A veces los músicos realizan un esfuerzo activo para evitar referenciar a géneros
musicales reconocibles. El término es en alguna forma paradójico en tanto puede ser considerado como una
técnica (empleada por cualquier músico que quiere olvidarse de géneros rígidos y formas) y como género
reconocible en sí mismo. La improvisación libre, como estilo de música, se desarrolló en Europa y EE. UU. en
la mitad y fines de los años sesenta en respuesta o inspirado por el movimiento del free jazz así como por la
música clásica contemporánea. Entre los artistas más reconocidos dentro de este estilo están los saxofonistas
Evan Parker y Peter Brötzmann, el guitarrista Derek Bailey, y el grupo improvisacional británico AMM.

Nueva Complejidad

La Nueva Complejidad es una corriente dentro del escenario contemporáneo surgida en los años ochenta en el
Reino Unido que puede definir lo "complejo" como; "de múltiples capas de interacción de los procesos
evolutivos que ocurren simultáneamente en todas las dimensiones del material musical". Es muy abstracta,
disonante y atonal, caracterizada por el uso de técnicas que llevan hasta el límite las posibilidades de la
escritura musical. Esto incluye el uso de técnicas extendidas, texturas complejas e inestables, microtonalidad,
contorno melódico altamente discontinuo y complejos ritmos de capas, cambios bruscos en la textura, y así
sucesivamente. También se caracteriza, a diferencia de la música de los serialistas inmediatamente posteriores a
la Segunda Guerra Mundial, por la dependencia frecuente de sus compositores en concepciones poéticas, muy
a menudo implicados en los títulos de las obras individuales y en los ciclos de trabajo de cada compositor.

Entre los compositores más importantes se encuentran Brian Ferneyhough, Michael Finnissy, Chris Dench,
James Dillon, Roger Redgate y Richard Barrett.

Arte sonoro

Arte sonoro comprende un diverso grupo de prácticas artísticas que tienen como principal objetivo diferentes
nociones del sonido, la escucha y la audición. Existen normalmente diferentes relaciones entre los ámbitos
visual y auditivo del arte así como de la percepción por los artistas del sonido.

Como muchos géneros del arte contemporáneo, el arte sonoro es interdisciplinario por naturaleza, tomando
formas híbridas. El arte sonoro se ocupa frecuentemente de aspectos como la acústica, la psicoacústica, la
electrónica, el noise, los medios de audio y la tecnología (tanto analógica como digital), el sonido encontrado o
ambiente, la exploración del cuerpo humano, la escultura, la película o el vídeo y un abanico de temas
creciente.

Desde el punto de vista de la tradición occidental, los primeros ejemplos de este arte incluyen a Luigi Russolo
y su Intonarumori, y los experimentos que a continuación realizaron los dadaistas, surrealistas y situacionistas.
Dada la diversidad del arte sonoro, existe a menudo un debate sobre si el arte sonoro cae dentro y/o fuera tanto
del arte visual como de la música experimental. El arte sonoro también está relacionado con el arte conceptual,
el minimalismo, el spoken word, la poesía avant garde y el teatro experimental.
Festivales
Existen numerosos festivales dedicados a la música contemporánea, entre ellos el Donaueschingen Festival of
Contemporary Music, el Huddersfield Contemporary Music Festival, el Ciclo de Música Contemporánea de
Málaga (España). En Chile se realizan el Festival de Música Contemporánea de la Universidad Católica, el
Festival de Música Contemporánea de la Universidad de Chile y el Festival Musicahora de La Serena
anualmente. Asimismo en Perú, se realiza desde el año 2000[cita requerida] el Festival Internacional de Música
Contemporánea de Lima. En Caracas (Venezuela) desde el año 1992[cita requerida] se realiza de manera
ininterrumpida el Festival Atempo, que reúne a compositores e intérpretes contemporáneos de distintas
latitudes del mundo.

Enlaces externos
Latinoamérica-Música.net (http://www.latinoamerica-musica.net/)
BabelScores.com (http://www.babelscores.com/) (Difundiendo y Distribuyendo la Música
Contemporánea).
CNDM.mcu.es (http://www.cndm.mcu.es/) (Centro Nacional de Difusión Musical, de España).
Portal de música contemporánea en Francia (http://www.musiquecontemporaine.fr/)
¿Música contemporánea? Reflexiones (https://web.archive.org/web/20110503075417/http://w
ww.jugarconfuego.es/circulos.html)
temp’óra (http://www.tempora-site.org/) Red internacional consagrada a la promoción de la
música contemporánea en el mundo. Data bases con más de 10 000 enlaces.
Música y complejidad (https://univ-lille3.academia.edu/SandrineBaranski)

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