HAL FOSTER: Hal Foster (art critic) Harold Foss "Hal" Foster, (13, 08, 1955, Seattle, Washington),
es un crítico de arte e
historiador norteamericano. La crítica de Foster se enfoca en el papel de vanguardia en el postmodernismo.
FOSTER, HAL, “El maestro constructor” y “Arquitectura e imperio”, en Diseño y delito y otras diatribas.
(PARA TODOS – SEMINARIO 4 – TP1) Exponer una reflexión acerca de la nueva centralidad de la arquitectura en el
discurso cultural contemporáneo.
“DISEÑO Y DELITO. Y OTRAS DIATRIBAS”
ARQUITECTURA Y DISEÑO
El maestro constructor
Frank Gehry es no solo nuestro maestro arquitecto sino también nuestro maestro artista. El Guggenheim se ha
convertido en una marca propia, que vende a empresas y gobiernos, condiciones que favorecen al arquitecto capaz de
proyectar un edificio que también circulara como un logotipo por los medios de comunicación.
Nacido en Toronto en 1929, en 1947 se trasladó a Los Ángeles. Influido por R Neutra, fue convirtiendo un lenguaje
moderno en una especie de versión funky del estilo vernáculo en LA, sobre todo en la arquitectura doméstica. Su primer
trabajo destacado fue su casa en Santa Mónica, un bungalow en un terreno en ángulo, una casa simple distorsionada en
formas y superficies, espacios y vistas sorprendentes.
Durante un tiempo Gehry concibió un “regionalismo crítico” semejante al de Frampton, aunque usaba materiales nuevos,
rechazaba la pureza de la arquitectura moderna. Esta lengua vernácula de LA necesitaba el contraste de un Estilo
Internacional; Gehry llego a un sutil compromiso con el orden posmoderno: desde sus primeros trabajos grunge hay una
evolución a través del elíptico estilo pop hasta su opulenta “estética gestual” de la actualidad. De mediados a finales de
los 80 Gehry va y vuelve entre una inventiva material-formal y una obviedad imagístico-pop, acudiendo a menudo al
collage de formas e imágenes.
Entran en juego la diferencia entre un repensamiento material de la forma y el espacio, que puede o no ser escultórico, y
un empleo simbólico de una imagen preexistente o de un objeto de consumo. La primera opción puede poner en
contacto el diseño elitista con la cultura común, la segunda tiende a congraciar la arquitectura, sobre el modelo del
anuncio. Juega con estos estilos en referencia a “Learning from Las Vegas”, principal manifiesto de la arquitectura
moderna (de R Venturi, Scott-Brown y Ozenour). Allí se distingue un nuevo tipo moderno de diseño, donde el espacio, la
estructura y el programa están subsumidos en una forma simbólica global –el pato-, donde el espacio y la estructura
están directamente al servicio del programa y el ornamento se aplica independientemente de ellos –el tinglado
decorado-.
Su arquitectura no es en realidad “escultórica”. Sus interiores son difíciles de descifrar desde sus exteriores, y viceversa.
Gehry combino el pato formal y el tinglado decorado en su enorme Escultura de Pez diseñada para la Villa Olimpica de
Barcelona en 1992, su primer empleo de una tecnología que ha guiado su practica desde entonces: diseño y fabricación
asistidos por ordenador. Un enrejado suspendido sobre nervaduras arqueadas, el Pez es a partes iguales capsula y
cobertizo, todo él es estructura y a la vez superficie. CATIA (el CAD que usan para estos diseños, primero usado para
aviones y barcos) permite la fácil modelación de superficies y soportes no repetitivos, de diferentes paneles exteriores y
armaduras interiores. Estos efectos son evidentes en el Guggenheim de Bilbao (1991-97), considerado como la obra
maestra de su estilo “escultórico”.
Carl André, escultor minimalista que ha influido a Gehry, distingue 3 fases del arte (refiriéndose a la Estatua de la
Libertad): hubo una época en la que lo que interesaba era el revestimiento de bronce de la estatua, luego una en que los
artistas se preocupaban por la estructura interior, ahora lo que interesa es la isla donde se halla. Se trata de una
transición en la escultura moderna: del modelo académico de la figura humana sostenida por una armadura oculta, a la
exhibición de la estructura interior del objeto, y al interés contemporáneo por un lugar dado.
Con el presunto final de la era industrial, la arquitectura moderna fue declarada pasada de moda. La búsqueda de la
arquitectura de la era cibernética está en marcha, irónicamente esto llego a Gehry a la escultura académica como
modelo. La desconexión entre piel y estructura representada por este modelo académico es sumamente radical en el
Proyecto Experimentar la Música. Si Bilbao aludía a una nave hecha pedazos, aquí se alude a una guitarra golpeada;
ninguna de las dos imágenes funciona, porque para leerlas uno tiene que elevarse muy encima de ambas. La
desconexión entre piel y estructura de Gehry puede tener dos efectos problemáticos: puede llevar a espacios que son
tanto sorprendentes como mistificadores, y esta desconexión puede favorecer una ulterior desconexión entre el edificio y
el sitio.
Freud sostenía que el artista era la única figura social a ala que se permite ser libremente expresiva en primer lugar.
Esta visión de la expresión y la libertad es opresiva porque de hecho Gehry si diseña partiendo de la lógica cultura del
capitalismo avanzado, en términos de su lenguaje de asunción de riesgos ye efectos espectaculares.
ARQUITECTURA E IMPERIO
En Delirious New York (Delirante NY, 1978), su manifiesto retrospectivo para Manhattan, Koolhaas publico una vieja
tarjeta postal del horizonte de la ciudad de principios de los 30, donde se ve el Empire State, el Chrysler y otros edificios
emblemáticos de la ciudad junto a una sorpresa futurista: un dirigible a punto de atracar en la aguja del Empire. En DNY,
Koolhaas celebra a Manhattan por su “cultura dela congestión”. El rascacielos es el eje en torno al cual gira esta cultura,
y el lo ve como un acoplamiento de dos formas emblemáticas: la aguja y el globo. La aguja en el rascacielos es lo que
demanda atención y el globo promete receptividad, y la historia del manhattanismo es una dialéctica entre estas dos
formas. Después del 11 de septiembre al rascacielos se lo asocia a nuevos temores como objetivo del terrorismo.
Koolhaas es el arquitecto-polemista mas dotado desde Le Corbusier. Nacido en Holanda en 1944, trabajo primero como
periodista y guinista en Amsterdam; en 1975 fundo con tres socios su Oficina para la Arquitectura Metropolitana (OMA),
que en 1978 traslado a Roterdam.
Si la esencia del manhattanismo era “vivir dentro de la fantasía” entonces la OMA sería una “máquina de fabricar
fantasías” y sus primeras propuestas fueron narraciones surrealistas más que programas prácticos. Koolhaas nunca ha
eliminado de sus diseños esta dimensión de lo onírico y lo extravagante.
En 1807 el trazado de la retícula de NY, fue según K “el acto más valiente de predicción en la civilización occidental”.
Este doble cisma entre retícula regular y los rascacielos irregulares, entre fachada única y las múltiples plantas es
fundamental para el manhattanismo, pues la disociación de exteriores e interiores no solo resuelve para siempre el
conflicto entre forma y función, sino que crea una ciudad donde monolitos permanentes celebran la inestabilidad
metropolitana.
En DNY, K reivindico otra clase de primitivismo americano como prototipo de una modernidad renovada: los arquitectos
pragmáticos del Manhattan de los rascacielos (Hood y Harrison, diseñadores del Centro Rockefeller). En aquella época
la modernidad europea a la Corb y Gropius no estaba bien vista por su aspecto utópico.
Para K, 1989 fue su annus terribilis, su primera dosis de grandeza. Realizo el proyecto para la terminal marítima en
Zeebrugge, Bélgica (esfera atravesada por un cono), la Muy Grande Biblioteca de Paris (bloque luminoso donde los
espacios se modulan según las necesidades) y el Centro para la Tecnología de Arte y los Medios de Comunicación de
Karlsruhe. La OMA se llevó el premio mayor, el plano maestro de “Euralille” (1990-94), un nuevo centro para la Nueva
Europa en Lille. La OMA previo una estación para trenes de alta velocidad, dos centros comerciales y un parque urbano.
Mientras la OMA se entregaba a la práctica, K desarrollo su teoría de la Grandeza, dominio teórico en el fin de siglo. “Es
un paisaje de desorden, descomposición, disociación, la atracción de la Grandeza es su potencial para reconstruir el
Todo, resucitar lo Real, reinventar lo colectivo, reivindicar la máxima posibilidad.” K elevo la Grandeza a “la única
arquitectura que puede sobrevivir, incluso explotar, la situación ahora global de tabula rassa.” En esta época un cambio
en el contexto provoco un cambio en el pensamiento: a fines de los 80, K habla menos de congestión y más de vacíos,
de nada.
En 1995 K comenzó a impartir clases en la Escuela de Diseño de Harvard, donde inicio el “Proyecto sobre la Ciudad”;
cada proyecto culminaba en otro megalibro lleno de imágenes, estadísticas, y textos: “Harvard Design School Guide to
Shopping” (Guía para comprar de la Escuela de Diseño de Harvard). Shopping es especialmente bueno en relación con
la progresiva conversión en centros comerciales de espacio suburbano y urbano durante la posguerra. Los inventos
clave aquí son el aire acondicionado y la escalera mecánica. Un nexo anterior entre el ascensor y el automóvil promovió
las oficinas y las tiendas en los edificios del centro de las ciudades y la dispersión de las casas y escuelas en las
periferias. El nexo entre escalera mecánica y aire acondicionado ayudo a llenar los suburbios de comercios, y a hacer de
estos semiautónomos.
Manhattan es emblemática de un mundo-objeto de arquitecturas monumentales nacidas de una economía fordista
relativamente fija (grandes puentes, fábricas y almacenes, rascacielos). A medida que la economía se vuelve más
posfordista, el capital fluye cada vez mas rápidamente en busca de un trabajo más barato. Esta situación aparece muy
patenten en el delta del rio de la Perla no es agradable. Muchas estructuras se remodelan continuamente y algunas se
derriban casi antes de erigirse. En tal fluidez, la conjunción baudeleriana de lo eterno y lo efímero deja de aplicarse.
