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El Nacionalismo Musical PDF
El Nacionalismo Musical PDF
- EL NACIONALISMO MUSICAL
A lo largo del siglo XIX, Europa vivió un agitado periodo nacionalista en el que muchos pueblos defendieron
el derecho a su autonomía, amparándose en la lengua o en razones de tipo histórico. Este movimiento
político nacionalista se hizo patente con la independencia de Grecia y Bélgica y las unificaciones de Alemania
e Italia.
Este fenómeno tuvo repercusión también en el campo de la música, donde se desencadenó un movimiento
que volvió su mirada hacia la tradición y buscó
materiales musicales en el folclore de cada
territorio. El Nacionalismo tuvo importancia en
países que habían estado sometidos a gustos
musicales extranjeros, como Rusia, Bohemia, los
Países Escandinavos, Hungría o España entre
otros. Los compositores de estas naciones
reivindican la música popular de sus patrias y
sienten el afán de enseñarla al mundo como algo
propio.
• Interés por el folclore y las tradiciones de cada país, lo que conduce a la recopilación, estudio y
clasificación de canciones populares. Nace así la etnomusicología.
• Aparición de estilos nuevos al añadir al lenguaje musical romántico elementos melódicos, rítmicos y
estructurales propios de las tradiciones locales. Con frecuencia se introducen melodías folclóricas en
las composiciones.
El nacionalismo musical sirve de puente entre el siglo XIX y el XX, ya que en muchos países se prolonga
conviviendo con otros movimientos musicales contemporáneos.
EL NACIONALISMO RUSO
El movimiento nacionalista más poderoso tuvo lugar en Rusia, el iniciador del mismo fue Mijail Glinka,
conocido como "el padre de la música rusa", que destaca sobre todo por su ópera "Una vida por el zar". Más
tarde surgió un grupo de compositores conocido como "El grupo de los cinco", que seguirán la tradición
iniciada por Glinka. Estos músicos fueron:
• M. Balakirev
• Borodin
• Cui
• M. Mussorgsky
• N. Rimsky-Korsakov.
Aunque no fueron músicos profesionales, su música es de una alta calidad. En ella evocan la historia rusa y
los giros peculiares de la música autóctona;
emplean temas tradicionales como fuente de
inspiración y otros recursos de su folclore
(ritmos, antiguas escalas, instrumentos, y
otros).
EL NACIONALISMO ESCANDINAVO
Destacan sobretodo dos autores nacionalistas: Edvard Grieg y Jan Sibelius.
EL NACIONALISMO BOHEMIO
A finales del siglo XIX, Bohemia (en la actualidad, República Checa) conoció un periodo de gran riqueza
musical. Esta región había sido absorbida por el
imperio austrohúngaro y dominada por la cultura
alemana; sin embargo, hacia mediados del siglo XIX
se creará la "Escuela de música checa", que acogerá
la idea del nacionalismo musical de manera activa.
EL NACIONALISMO ESPAÑOL
El nacionalismo en España es un movimiento tardío. Aunque la zarzuela
de mediados de siglo supone una primera conciencia nacional como
respuesta a la influencia de la ópera italiana, no será hasta casi
comienzos del siglo XX cuando surja una verdadera corriente
nacionalista. El promotor y padre del nacionalismo musical español fue el
catalán Felipe Pedrell, que recogió gran cantidad de material tradicional
y folclórico utilizando tan sólo un lápiz y un papel pautado.
OTROS NACIONALISMOS
Además de los países ya mencionados, el nacionalismo
se extenderá por toda Europa y atravesará el Atlántico
hasta llegar al nuevo continente. Así, dentro del
nacionalismo aparece con personalidad propia la figura
del norteamericano George Gershwin, quien basa su
música en la explotación del jazz. Crea una ópera
titulada "Porgy and Bess", inspirada rítmica y
melódicamente en la música de jazz. Otras obras
importantes de este autor son "Rapsody in blue" y "Un americano en París".
ISAAC ALBÉNIZ
(1860-1909) España
Talentoso pianista y compositor, niño prodigio con una vida llena de aventuras. En sus primeros años
escribe piezas de salón, pero también varias obras para piano y orquesta, en las que se traslucen las
sombras de Chopin y de Liszt. Dirigió zarzuelas en España y realizó estudios posteriores en Bruselas y París.
También escribió algunas óperas de escaso éxito.
Tiene numerosas piezas para piano, muchas de ellas inspiradas en el paisaje y ambiente español. Es uno
de los primeros compositores españoles en utilizar ritmos y melodías folclóricas de su país. En muchos
países, su música se asocia inmediatamente a la música española, llena de reminiscencias andaluzas, color y
un tono pintoresco y descriptivo. Aunque compuso esencialmente para piano, su obra siempre hace
referencias a la guitarra, instrumento para el cual se han escrito numerosas versiones de su obra.
PRINCIPALES OBRAS:
BELA BARTÓK
(1881-1945) Hungría
PRINCIPALES OBRAS:
ALEXANDER BORODIN
1833-1887 Rusia
Uno de los compositores del grupo de los cinco junto con Balakirev, Mussorgski, Rimski-Korsakov y Cui. Rea
hijo ilegítimo del príncipe de la realeza caucasiana Lucas Ghedeanishvili y de una mujer de clase media
casada con un médico. Recibió su apellido de uno de los siervos del príncipe.
Se consideraba a sí mismo como un simple aficionado a la música con cierto talento. Sin embargo
cosechó éxitos como compositor y como científico (era doctor y profesor de química). Su formación musical
era casi autodidacta. Cuando entra en contacto con Balakirev y algunos de sus alumnos forma "El grupo de
los cinco", cuyo objetivo era crear un arte musical nacional. Del éxito de su primera sinfonía pasó al fracaso
de la segunda una década más tarde. Su ópera más importante, titulada "El Príncipe Igor", se estrenó a
título póstumo, mientras que otra de sus óperas fue
censurada por las autoridades soviéticas por su mofa de las
costumbres populares rusas y no se repuso hasta 1936.
PRINCIPALES OBRAS:
ANTONIN DVORÁK
1841-1904 Bohemia
En Zlonice estudia los rudimentos de la música y luego acude a perfeccionarse a Praga, donde trabajará
durante once años en la Orquesta de la Ópera Nacional, conociendo entonces al también bohemio Smetana,
que influirá en su estilo. En sus primeras obras se nota también la huella de Wagner, pero pronto elaboraría
un estilo personal. También conoció a Brahms, quien reconoció los méritos del joven artista. Alcanzó el éxito
y fue invitado a dirigir obras y enseñar música en distintos países de Europa y EE.UU., donde compuso
alguna de sus obras más famosas.
Su música se caracteriza por la emotividad directa y espontánea, con un dominio excepcional del lenguaje
sinfónico. En el panorama de la historia de la música, Dvorák se sitúa junto con Smetana, en el origen de la
fama internacional de la música checa.
PRINCIPALES OBRAS:
• Serenata para cuerda Op. 22 - 1875
• Concierto para piano y orquesta - 1876
• Danzas eslavas Op. 46 a 72 - 1878-1886
• Concierto para violín y orquesta - 1879
• Canciones Gitanas Op. 55 - 1880
• Dimitri (ópera) - 1882
• El jacobino (ópera) - 1888
• Sinfonía nº 8 - 1889
• Sinfonía nº 9 "Del Nuevo Mundo" - 1893
• Humoresque nº 7 Op. 101 - 1894
• Concierto para violonchelo – 1895
MANUEL DE FALLA
1876-1946 España
Compositor y pianista español que influyó en las siguientes generaciones de creadores españoles e
internacionales. Su estilo evolucionó desde el nacionalismo inicial y tendencias populares, como la zarzuela,
hacia el Impresionismo.
Más tarde su obra se vuelve netamente de tintes andalucistas, para volcarse en los últimos años en una
composición pura, libre de ataduras locales. Sus primeros conocimientos musicales los adquiere de su
madre, que era pianista; luego estudia con Eloísa Galluzo, Alejandro Odero y Enrique Broca. En Madrid cursa
los siete años de carrera de piano en sólo dos y obtiene un primer premio. Su carrera como compositor se ve
reforzada con el premio de un concurso de la Academia de Bellas Artes por su ópera "La vida breve".
Después visitará París y Londres, entre otras capitales europeas. La Guerra Civil lo sume en un encierro
del que sólo saldrá para exiliarse en Argentina, donde continúa trabajando en el oratorio Atlántida.
PRINCIPALES OBRAS:
GEORGE GERSHWIN
1898-1937 EE.UU.
Aunque sus trabajos serios no son perfectos, este detalle resulta insignificante en comparación con su
inventiva melódica, su sentido del ritmo, y un talento extraordinario para fabricar melodías que se siguen
tarareando después de decenas de años. Un compositor del pueblo y para el pueblo, que creó un sonido
particular para la música de su país.
PRINCIPALES OBRAS:
MIJAIL GLINKA
1804-1857 Rusia
Compositor fundador de la primera escuela nacionalista rusa. Sus melodías siempre son frescas, como si
brotaran de un verdadero impulso lírico, mientras que su paleta orquestal tiene el efectismo de Berlioz.
Comenzó componiendo canciones, pero pronto se dedicaría a la creación musical profesionalmente.
Su vida estuvo marcada por la enfermedad y los viajes en busca de salud, en los que encontró además
inspiración para descubrir la música propia de su país. A parte de residir varios años en Italia, pasó una
larga temporada en España, donde se preocupó de recuperar una música
española libre de influencias italianizantes, con una pureza hasta entonces
no alcanzada por los compositores españoles.
PRINCIPALES OBRAS:
ENRIQUE GRANADOS
1867-1916 España
Compositor español nacido en Cataluña, con una notable sensibilidad por la música española, lo que no le
hizo insensible a otras influencias. Fue alumno primero de José Junceda en Lérida y de Jurnet en Barcelona.
Al mismo tiempo, tomaba clases particulares con Pedrell y más tarde con Wilfrid Bériot en París. Contó con el
apoyo de mecenas como el doctor Andreu.
La mayor parte de su producción es pianística, aunque también hizo incursiones en la ópera y compuso
canciones. Se le considera uno de los impulsores del Nacionalismo musical español, junto con Pedrell,
Albéniz y, posteriormente, Falla. El influjo de la música de salón de la época persiste en toda su obra,
creando una especie de folclore urbano en el que lo popular tiene menos cabida que en el lenguaje de otros
contemporáneos suyos. De ahí también se desprende una particular relación del compositor con la música
del siglo XVIII, con sus tonadillas escénicas y su ambiente goyesco.
PRINCIPALES OBRAS:
EDWARD GRIEG
1843-1907 Noruega
Compositor noruego, considerado la figura más importante del Romanticismo escandinavo, al que el crítico
Hans Von Bulow consideraría "el Chopin del Norte". En su obra encontramos elementos del folclore noruego,
como las sagas, y una cierta inspiración en el paisaje de los solitarios fiordos.
En su catálogo figuran danzas rústicas y canciones campesinas, músicas de carnaval y de bodas. Su madre
era pianista y fue ella quien le enseñó los primeros rudimentos musicales. El compositor Ole Bull, al escuchar
su primera composición, recomendó que se le enviase al conservatorio de Leipzig, donde estudiaría con
Moscheles y crecería su afición por Chopin. A través de su amistad con Rikard Nordkraak conoce el folclore
noruego, decidiendo abandonar el estilo romántico
germanizante por un estilo nacionalista, fundando una
sociedad musical, Euterpe, para difundir estas ideas.
PRINCIPALES OBRAS:
ZOLTÁN KODÁLY
1882-1967 Hungría
Compositor y pedagogo húngaro, autor de una importante labor de recopilación del folclore de su nación
junto a Béla Bartók y de enseñanza de la música. Su padre, jefe de estación del tren y músico aficionado, le
enseñó los rudimentos del violín, entrando luego a formar parte del coro de la catedral de Nagyszombat.
En Budapest estudia con Koessler y es compañero de Bartók también en la Universidad, donde obtiene el
título de compositor, de profesor de austrohúngaro y el doctorado de filosofía, con una tesis final sobre la
estructura de las canciones folclóricas húngaras, fruto de las excursiones de recopilación que emprendió por
su país y por otros vecinos: Rumanía, Chequia, Eslovaquia y
Bulgaria.
PRINCIPALES OBRAS:
MODEST P. MUSSORGSKY
1839-1881 Rusia
Compositor ruso, hijo de un acomodado terrateniente. Aprendió los rudimentos del piano con su madre y
luego con Herke en San Petersburgo, aunque nunca tuvo unos estudios ordenados. Fue cadete militar y
luego guardia. En San Petersburgo conocerá a Borodin, Cui, Rimski-Korsakov, Dargominski y Balakirev, con
quien toma algunas lecciones. Justamente la mayoría de los componentes de este grupo (excepto
Dargominski) junto con Mussorgsky fueron conocidos como "El Grupo de los Cinco".
PRINCIPALES OBRAS:
Los cuadros
Los cuadros de Hartmann que conformaban la exposición eran los siguientes:
• Gnomus: un gnomo alargando con pasos torpes sus piernecillas torcidas, con aullidos y
convulsiones.
• El viejo castillo: un castillo de la Edad Media, ante el cual canta un trovador.
• Tullerías: en la alameda de un jardín, algarabía de niños junto a sus juegos.
• Bidlo: una carreta polaca con dos enormes ruedas, enganchada a dos bueyes. (Con un gran
manejo de la dinámica, Mussorgski refleja el acercamiento y alejamiento de la carreta.
• Ballet de polluelos en sus cáscaras: imagen humorística de dos polluelos festivos; este dibujo a
tinta china fue hecho para el decorado del ballet Trilbi.
• Dos judíos polacos: uno rico y arrogante, el otro pobre y plañidero. (Este cuadro refleja el
antisemitismo ruso de la época.)
• El mercado de Limoges: unas mujeres discutiendo animadamente en el mercado.
• Catacumbas: se ve allí a Hartmann y dos sombras, visitando las catacumbas a la luz de una
linterna.
• La cabaña sobre patas de gallina: una cabaña con forma de reloj, donde vive la bruja Baba-
Yaga.
• La Gran Puerta de Kiev: proyecto de construcción arquitectónica, en el estilo ruso antiguo, con
cúpula en forma de casco.
Músorgski realizó un conjunto de piezas brillantemente descriptivas que adquieren unidad con un distinguido
y noble tema llamado Promenade (‘paseo’) el cual se oye desde el inicio y luego a lo largo de la pieza,
mientras el visitante de la exposición va de cuadro en cuadro; aunque él escribió la obra para piano, en
Promenade Ravel hizo que el fagot y el saxofón compartieran una apaciguada y a la vez melancólica tonada
con el acompañamiento de las cuerdas.
La tonada está inspirada en el cuadro de un viejo castillo en ruinas, y la figura de un trovador que escribe
poesía y toca música. Las imágenes musicales de Músorgski transmiten un sentimiento de nostalgia por una
época que desapareció hace mucho tiempo, pero también tiene una salvaje y furiosa pieza llamada Baba
Yaga donde la inspiración le vino de un fantástico diseño para un reloj, y que debe su nombre a la bruja de
una leyenda rusa que vivía en una cabaña en ruinas sostenida por gigantes patas de pollo.
FELIPE PEDRELL
1841-1922 España
PRINCIPALES OBRAS:
NIKOLÁI RIMSKI-KORSAKOV
1844-1908 Rusia
Compositor ruso de tendencia nacionalista, que forma junto a Mussorgski, Cui, Balakirev y Borodin los
llamados Cinco Rusos. Estudió piano con maestro locales y empezó a componer de forma autodidacta hasta
que conoció a Balakirev. A pesar de ello, le proponen y acepta ser profesor de composición e
instrumentación, contando entre sus alumnos a Liadov, Arenski, Glazunov e Ippolitov-Ivanov. También se
dedicó a recopilar canciones populares rusas y a revisar la obra de Glinka, así como a instrumentar
composiciones de colegas.
Su estilo tiene un carácter eminentemente nacional, cercano a la canción popular rusa, plagada de
modismos derivados del canto eclesiástico ortodoxo. Fue un brillante orquestador y pedagogo, autor de
varios tratados de composición e instrumentación. También destacó como autor de ópera de gran colorido
armónico y tímbrico.
PRINCIPALES OBRAS:
JEAN SIBELIUS
1865-1957 Finlandia
Compositor finlandés nacionalista. Aunque vivió hasta 1957, no publicó obras de importancia después de
1929. Compuso siete sinfonías entre 1899, año en el que compone la primera y 1924. Además es autor de
varios poemas sinfónicos de carácter descriptivo del norte de Europa: "Una Saga", "El cisne de Tuonela" y la
famosa "Finlandia" corresponden a la primera época, mientras que son posteriores "La hija Pohjola" y
"Tapiola".
En sus inicios estuvo influido por el estilo nórdico de Tchaikovski, Borodin y, especialmente, Grieg. A su
regreso de Viena investiga las raíces nacionalistas como reacción a las medidas paneslavistas del zar
Alejandro III. Estaba impregnado de la literatura de su país,
lo cual se observa especialmente en la epopeya nacional
"Kalevala". Aunque no fue un renovador de las formas, hizo
un uso original de los acordes tradicionales y de la
orquestación.
PRINCIPALES OBRAS:
BEDRICH SMETANA
1824-1884 Chequia
La inspiración nacionalista le valió para crear varias óperas y poemas sinfónicos. A pesar de la sordera y los
trastornos mentales, compuso en sus últimos años el ciclo de poemas sinfónicos "Mi patria" y otras obras de
importancia.
PRINCIPALES OBRAS:
Compositor músico argentino, quien quizá fue el mayor exponente del nacionalismo romántico argentino.
Su estilo musical fuertemente influenciado por el romanticismo del siglo XIX lo llevó a mantener distancia de
los compositores modernistas argentinos, como por ejemplo
Alberto Ginastera. Dicho aislamiento de los movimientos
modernos y vanguardistas, así como su éxito al crear una
música nacional atractiva empleando un lenguaje romántico, le
convirtieron en un modelo para la generación de autores de
música popular y folclórica argentina de 1960, quienes
aplicaron muchas de las innovaciones de Guastavino en su
propia música.
El estilo de Guastavino reveló una clara afinidad con las ideas de los compositores nacionalistas argentinos
del siglo XIX, sobre todo Alberto Williams y Julián Aguirre. La
afinidad con la manera íntima y delicada de Aguirre es
especialmente evidente. Como Aguirre, el tratamiento de
Guastavino de los "temas folclóricos"" nunca parece forzado,
sino siempre natural. Así, el espíritu popular de las melodías y
ritmos folclóricos originales se mantiene intacto y fresco,
incluso en momentos de elaboración rítmica, armónica y
contrapuntística más complejos.
Las canciones “Se equivocó la paloma” y “La rosa y el sauce” están entre sus composiciones más conocidas.
Varios intérpretes de reputación, tales como Teresa Berganza, Martha Argerich, Gidon Kremer, José
Carreras, Kiri Te Kanawa, Bernarda Fink, Patricia Caicedo,Raúl Giménez, Jorge Chaminé, Agathe Martel,
Karina Gauvin, programan en sus recitales obras de Guastavino.
El Gran Jurado de los premios Konex 2009 eligió como Konex de Honor, destinado a personas de sobre-
saliente relieve fallecidas en la última décad, a a Carlos Guastavino y a Mauricio Kagel.
En un medio de desorientación y rumbos perdidos, de búsquedas desesperadas, entre tanto talento
simulado, entre tanto improvisado innovador, entre tanta pretendida incomprensión, se oye en el ambiente
musical argentino una voz serena e imperturbable y un canto purísimo: es la inspiración de Carlos
Guastavino que permanece fiel a la música en su emotividad y lirismo y que para emocionar no necesita
despliegues espectaculares o deformaciones patológicas sino una simple y clara melodía siempre
inconmovible y presente en el tiempo. Este es el milagro del músico sincero, cuya autenticidad ha hecho que
sus más pequeñas obras tengan futuro.
Hace ya veinticinco años se oyeron por primera vez "Pueblito mi pueblo", "Se equivocó la paloma", La rosa y
el sauce", "Bailecito" y tantas, tantas otras obras más que no pasaron con la moda del momento sino, al
llevar en sí la voz interior de este músico sensible a su medio y capaz de expresarlo, han quedado
permanentes y formarán parte de las buenas cosas que produce el espíritu de nuestro país.
Carlos Vincent (seudónimo de Carlos Guastavino) / Extraído de "La Guía de la Música Argentina" editada por
el Instituto Lucchelli Bonadeo en 1971
Conceptos complementarios
sobre Nacionalismo
Poema sinfónico
Un poema sinfónico es una obra de origen extramusical, de carácter poético literario, cuya finalidad es
mover sentimientos y despertar sensaciones, o describir una escena mediante la música. Generalmente
consta de un único movimiento y está escrito para orquesta, aunque puede ser para piano o para pequeñas
formaciones instrumentales. El poema sinfónico es una guía para el desarrollo de la forma musical como tal
en términos técnicos.
El término fue aplicado por primera vez por Franz Liszt que escribió trece composiciones de este género.
Esta forma es producto directo del Romanticismo ya que se buscaba la asociación entre las distintas artes.
Luego derivó en la música programática en la segunda mitad del siglo XIX.
Un poema sinfónico puede ser una obra en sí misma, o formar parte de un ciclo de poemas sinfónicos a
modo de suite. Un ejemplo de esto es Má vlast (Mi patria) de Bedřich Smetana, formado por seis poemas
sinfónicos.
Lo opuesto a poema sinfónico sería la música absoluta, la cual no se basa en asociaciones sino en la música
misma.
Música absoluta
La música absoluta o música pura son todas aquellas obras musicales instrumentales que no contienen
ningún elemento extra musical, es decir, que no contienen relación con ningún texto. Dentro de la música
absoluta o pura, es aquella música instrumental, desprovista de toda relación con la poesía, una acción
teatral, una idea, una imagen, etc. Una sonata, una sinfonía, un concierto, una fuga, etc., son entonces
teóricamente formas de música pura.
La calidad de la música absoluta vendrá determinada por la calidad de la idea musical y el ingenio a la hora
de desarrollar dicho material temático. En las obras que contienen referencias a elementos extramusicales
predisponen al oyente, mientras que en este caso cada oyente tendrá una percepción distinta (podrá
imaginarse situaciones diferentes) y le dará su propio significado.
Este concepto se opone al de música programática. La cantata, la canción, el lied, la ópera, el oratorio, la
misa, entre otras, son expresiones formales necesariamente determinados por un texto: por tanto generan
significados e ideas fuera del lenguaje musical, toda la música vocal por ende es música programática. De la
misma forma, toda la música para la danza o el teatro — ballet, comedia musical, música para teatro, ópera,
etc. — y toda la música descriptiva — poema sinfónico, entre otras —, están relacionados con la música
programática.
Sin embargo, los límites entre la música pura y la música programática no son fáciles de determinar. Por
ejemplo, Las cuatro estaciones de Vivaldi están constituidas por un ciclo de cuatro concertos, pero no
pueden considerarse como música absoluta, dado que contienen numeroso elementos descriptivos.
Música programática
Música programática o música descriptiva es la música que tiene por objetivo evocar ideas o imágenes
extra-musicales en la mente del oyente, representando musicalmente una escena, imagen o estado de
ánimo. Al contrario, se entiende por música absoluta aquella que se aprecia por ella misma, sin ninguna
referencia particular al mundo exterior a la propia música. El término se aplica exclusivamente en la
tradición de la música clásica europea, particularmente en la música del periodo romántico del Siglo XIX,
durante el cual el concepto va a tomar gran popularidad, llegando a convertirse en una forma musical
autónoma, a pesar de que antes ya habían existido piezas de carácter descriptivo. Habitualmente el término
se reserva a las obras puramente orquestales (piezas sin cantantes ni letra) y por lo tanto no es correcto
utilizarlo para la ópera y los lieder.