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La fabulística de la india.
El Panchatantra es una colección de fábulas en idioma
sánscrito, en prosa y verso, compuesto después
del siglo III a. C. Se atribuye a Vishnú Sharma.
El Panchatantra alcanzó su forma actual entre el 300 y
el 400 d. C. Hacia el 570 fue traducido al persa, por orden del
rey sasánida Anushiraván (Cosroes I, 501-579). Desde el persa
pasó al árabe hacia el 850.
Sklovski es el primero que se preocupa de la estructura y del
verdadero origen de estos textos medievales.
Panchatantra significa 5 libros, son libros sapienciales donde se
encuentra la figura de un rey que no ve preparación en sus hijos
para sustituirlo y llama a un preceptor para que los eduque.
Cada una de los libros desarrolla un tema a través de relatos
donde los personajes suelen ser animales humanizados. Los
temas tratan de la pérdida de los amigos, el modo de ganar
amigos, sobre la guerra y la paz, pérdida de lo que se posee (por
idiotez) y las obras que se hacen sin reflexión.
El Panchatantra lleva verso intercalado y esta forma la utilizan
posteriormente otros autores como Boccaccio, Don Juan Manuel,
etc.
Calila e Dimna: es una colección de cuentos castellanos
de 1251 probablemente mandada traducir por Alfonso X el
Sabio siendo todavía infante. Este libro viene del Pachatantra,
consta de 18 capítulos con una estructura curiosa donde hay
una voz narrativa que cuenta que otro personaje cuenta y así
sucesivamente. Es una sucesión de lo narrativo, como en una
muñeca rusa. Lo primero es una introducción del traductor
donde ya se encuentran algunos relatos. Esta introducción
cuenta la historia de un sabio de la India y de cómo este fue
llamado por un rey que quería conocerlo, el sabio cuenta su
historia intercalada con otras historias y cuando termina
empieza la historia de Calila e Dimna.
El Sendebar, también llamado El libro de los engaños(debido
a su título completo, Libro de los engaños e los asayamientos de
las mujeres), es un libro de cuentos o exempla castellano de
mediados del siglo XIII, que recoge una colección de cuentos
árabes que a su vez proceden de la tradición
cuentística persa o hindú. El Sendebar fue traducido por algunos
amigos de Don Juan Manuel, este libro tiene una construcción
muy interesante, obedece a una arquitectura más cerrada que
el “Calila e Dimna”. Es una colección de cuentos con marco. La
“historia marco” es la historia de un rey que tenía 90 mujeres y
no podía tener hijos, hasta que por fin lo consigue, pero cuando
este nace los horóscopos dicen que este se enfrentará a su
padre, entonces el rey llama a un filosofo para que eduque al
hijo, y una vez educado los astros le dicen que tiene que estar 7
días sin hablar. En esos 7 días una de las amantes del rey se
ofrece para intentar hacer que este hable y trata de
conquistarlo, el hijo no lo permite y ella lo acusa de violación y
en este momento es cuando empieza a complicarse el marco. El
padre lo condena a muerte y el hijo como no puede hablar no se
defiende, a partir de aquí una serie de consejeros empiezan, a
defenderlo unos, y a atacarlo otros, a través de una serie de
cuentos, al séptimo día él se defiende a través de 4 cuentos, el
final es feliz. El marco está siempre presente en esta obra,
podemos hablar de escritura en “rondel” o composición en “arco
lobulado”.
El Conde Lucanor.
El libro de Don Juan Manuel no se publica hasta finales del XIX,
el “Decameron” y los “Cuentos de Canterbury” a mediados del
XIV. Son tres textos con parecida composición.
El Conde Lucanor consta de 51 ejemplos. Un noble hablando con
su consejero. Este libro pretende ser un libro didáctico. La
relación del noble y el consejero es algo que no se ve en muchos
de estos libros, dentro de los mismos cuentos aparece un
príncipe con su consejero, también como en los otros aparecen
versos. Son dos versos que riman entre si y que resumen la
moraleja. En el caso del ejemplo 35 los investigadores hablan de
un origen persa. En este libro se tratan muchos temas (fama,
honra, hacienda, la manera de relacionarse, etc.) siempre con la
función de enseñar pero deleitando. Hay algún cuento donde
dentro del mismo un personaje cuenta un cuento como en “Las
Mil y Una Noches” y en “El Asno de oro” de Apuleyo, la historia
con marco viene de la tradición oriental.
El Asno de oro tiene un protagonista, Lucio, que se transforma
en burro y va de lugar en lugar viviendo y observando historias,
ambientes, etc.
-Tenemos un tipo de estructura que prueba la fuerza de la
cultura oriental sobre la europea.
El Decameron.
Boccaccio tiene una lengua formada, establecida y de gran
cultura. Con el Decameron acabaría la literatura medieval para
empezar con la humanística (renacentista). Son una serie de
cuentos que desde el punto de vista cuantitativo están muy
equilibrados, con un marco donde los personajes cuentan 10
historias cada uno. Boccaccio vivió la peste así que conocía el
marco narrativo en primera persona. En una literatura europea
marcada por el idealismo, Boccaccio intenta ser más realista,
aquí se empieza a ver al ser humano como ser libre y no
dependiente del “sino”. En el libro se construye un mundo lejos
de la muerte de Florencia, o sea, de la peste, y se empieza a
construir el mundo de la vida. Sus personajes están muy
caracterizados. El tema del amor y el culto a la inteligencia son
temas muy importantes.
Pasolini hizo una adaptación de los tres libros (Decameron,
Cuentos de Canterbury y Las mil y una noche) en las dos
primeras aparece en el título “basada en”, en las mil y una
noches no. Las tres películas se llaman trilogía de la vida,
historias con marco con una idea constructiva. La mejor
ilustración de estos tres libros es esta trilogía.
El “Decameron” esta creado con una clara intención lúdica, su
finalidad está liberada del afán moralizador que tenía en su
origen esta modalidad. Se empieza a confeccionar el arte como
entretenimiento, se empieza a crear la idea del arte por el arte.
Para muchos el “Decameron” es, frente a la Divina Comedia la
“comedia humana”. Este tipo de libros están llenos de una gran
pasión narrativa. Por una parte están los asuntos amorosos y por
otra la astucia, etc. También hay mucho erotismo. Se empieza a
hablar de lo “carnavalesco” la presencia del tonto, los cuernos,
etc. En el “Decamerón” encontramos un mundo de muchos
contrastes, lo cómico es muy importante, y junto a este
encontramos también lo trágico. Botticelli se inspira en el
Decameron para varios cuadros muy célebres. La 5ª jornada
trata de amores fatales pero que acaban bien, mientras que en
la 4ª todo esta construido sobre amores infelices. La
caracterización que hace Boccaccio de estos personajes va a
tener después relación no solo con los cuentos que cuenta sino
con las jornadas. El marco es un relato que encuadra otro relato
que nos ofrece una recreación del mundo medieval.
El cine de Pasolini en esta trilogía queda muy alejado de los
cánones de Holywood.
La primera obra de la Trilogía de la vida no tiene ni prólogo ni
marco, empieza con la historia de “Andreuccio”, y una vez que
esta termina aparece un viejo que cuenta la historia del
jardinero y las monjas, al terminar empieza otra historia y así
sucesivamente. La construcción de la película no tiene nada que
ver con la construcción del libro, aunque en la segunda parte
aparece un pintor (Pasolini) que va apareciendo en las distintas
historias y separándolas. La película acaba con un sueño del
pintor. El “Decameron” tiene un prologo donde el autor habla en
primera persona y va dando una serie de razones por las que va
a contar estas historias, después comienza lo que es el marco.
Cuentos de Canterbury.
Es una serie de 23 cuentos inacabada, la mayor parte esta
escrita en versos (decasílabos) pareados compuesta por el
escritor inglés Geoffrey Chaucer. El merito del autor es grande
porque la lengua no esta perfeccionada. En este texto no es un
hecho conflictivo lo que une a los personajes como en el
“Decamerón”, se trata de un relato marco bastante
desarrollado. Los personajes son peregrinos que se dirigen hacia
la tumba de Santo Tomás Becket (Santo Tomás de Canterbury).
Los protagonistas se reúnen en una posada al sur de Londres y
comienzan a contarse historias. Una de las cosas interesantes
que relacionan el marco con los cuentos es la relación entre el
que cuenta el cuento y el propio cuento. Otra de las cosas
interesantes del marco es la representación de las clases
sociales y la caracterización de los personajes que se hace antes
del que el personaje cuente el cuento.
En los Cuentos de Canterbury aparecen una gran variedad de
personajes: Caballero, escudero, arquero, priora, fraile,
marcador, estudiante, jurista, hacendado, médico, viuda,
párroco, carpintero, tapicero, tejedor, mayordomo,
administrador, molinero y un bulero (vendedor de bulas). El
autor tiene una clara voluntad de crear una categoría polifónica,
trata de acercarse a la realidad y a las voces de la gente. El
propio autor aparece en el texto como un narrador más. Esta
proyección del propio autor es interrumpida por el posadero y a
partir de aquí empieza otra historia.
El marco es un marco vivo en el que se discute sobre la
moralidad, la veracidad, la brillantez, etc. De la historia contada.
Este libro es uno de los textos que también aparecen en la
trilogía de Pasolini, el cual se inspiró en la pintura gótica para la
creación del ambiente. En la película también aparece Charlotte
que es una de las obsesiones de Pasolini.
Cuentos de la Alambra.
Lo que se nos cuenta es el viaje de Irving hasta Granada, su
estancia, la gente que conoce y lo que cuentan estos personajes
sobre la Alhambra. Aquí tenemos un marco. Lo que en principio
es una concepción romántica luego se convierte en la realidad
granadina de la época. También es un libro de viajes y
descriptivo. En este aspecto también tenemos “La tía Julia y el
escribidor” de Llosa.
Lo que da unidad a las “Novelas ejemplares” es el prólogo. En el
siglo XX un claro ejemplo de esto son “Los usurpadores” de
Francisco Ayala. El prólogo trata de explicar el sentido de ese
conjunto de cuentos o relatos. Este prólogo de Ayala está
firmado por un amigo de éste, que encubre al propio Ayala.
Cuando este libro se pública en 1949 la prensa cree en la
existencia real del mencionado prologuista. Ayala trata de
establecer una distancia del autor con respecto del protagonista
que de un estatus de ficción al libro. Una de las características
de este volumen es que no se habla directamente de la guerra
civil sino que se distancia de ella. Hay un cuento que trata del
enfrentamiento fraticida entre “Pedro el cruel” y Enrique II. En
este caso tenemos un mismo sentido de los cuentos que es la
usurpación.
Poesía épica.
La Ilíada y la Odisea empiezan “In medias res”. La Ilíada
empieza hablando de la cólera de Aquiles y en ella hay una
constante presencia de los dioses. También encontramos una
“ékfrasis” que es una descripción, pero que con el tiempo se
utiliza para denominar descripciones de obras de arte. Esto lo
vemos perfectamente en la descripción del escudo de Aquiles
(canto XVIII) que es el primer ejemplo de “ékfrasis”.
Manuel Machado en su libro “Apolo: teatro pictórico” elabora
poemas que son fudamentalmente descripciones de cuadros.
También tenemos un libro de Rafael Alberti “De la pintura”en el
que los poemas están inspirados en distintas obras de pintores.
La “Odisea” en parte es una continuación de la “Ilíada”. En este
poema épico encontramos a UIises en una isla del mediterraneo
gobernada por Calipso y cuando el héroe consigue escapar de
esta isla empieza se aventura. La “Odisea” se puede dividir en
dos partes: desde la isla de Calipso hasta Itaca y desde este
punto hasta el final. En la primera parte Ulises se delata cuando
oye el relato de la guerra de Troya y cuenta la historia del
caballo, etc. (Hay un Flash back). En la segunda parte hay una
serie de cantos dedicados a Telémaco y varias muestras de la
pintura clásica e historisista. En el cine tenemos tres películas
sobre Troya: “Troya”, “Elena de Troya” y la dirigida por Wise
“Elena de Troya”. La escena del caballo está más desarrollada
en la “Eneida”.
El tema de Ulises y la Odisea inspira una de las primeras óperas
de la historia.
A finales del siglo XVI y principios del XVII aparece un interés por
recuperar el teatro clásico en el que era muy importante la
música y este modelo es lo que trae el estreno de ciertos
modelos de teatro en este sentido y así es como nace la ópera.
En 1607 se hace la primera ópera conocida. Esta operas reúnen
temas de la época clásica, uno de ellas es “Orfeo” de Monteverdi
representada en el palacio del duque de Papua en 1607. El tema
es mitológico. Este mismo autor tiene otra obra titulada “El
retorno de Ulises a su patria” en la que se cuenta la llegada de
Ulises a Itaca y su encuentro con Penélope. En esta obra hay un
prólogo con los dioses del amor, la fortuna y el tiempo.
Hay una película italiana dedicada a la “Odisea” en la que se
buscan los escenarios que se describen en el poema. Esta
película está protagonizada por Kirk Duglas y dirigida por Mario
Camerini.
El nacimiento de Venus.
-Afrodita: el origen de la vida en el agua.
-El parnasianismo no se deja llevar por las emociones como los
románticos.
-Venus es el producto de la unión de Urano con el mar.
-La “Teogonía” empieza con una invocación a las musas dónde
se cuenta el nacimiento de Venus.
-En los poemas hay un distanciamiento del cristianismo que se
ve como algo represivo frente al mundo clásico.
-Rimbaud: utiliza lo feo como belleza artística.
-En este sentido de “parodia” tenemos también una obra muy
importante “Ubu Rey” de Alfred Jarry que es una parodia del
teatro clásico de Shakespeare. Fue estrenada el 10 de diciembre
de 1896 en el Théâtre de L'Oeuvre, París. A partir de este
estreno, el teatro experimenta cambios definitivos, rompiendo
así con una fuerte tradición al renovar tanto la escritura
dramática como los conceptos de puesta en escena, desde la
iluminación, vestuarios, utilización de máscaras, gestualidad
actoral, etc. Convirtiéndose, Alfred Jarry, con esto, en uno de los
precursores más importantes del surrealismo, del dadaísmo y
del teatro del absurdo. Jarry es apoyado por los grandes poetas
simbolistas sobre todo Yeats que dijo: “Después de nosotros, el
dios salvaje”. Esto se puede enlazar con la Valle-Inclán y “Los
cuernos de don Friolera” que es una parodia del teatro de
Calderón.
Falta el dia 30.
Medea en Camariñas.
http://www.ual.es/revistas/PhilUr/pdf/PhilUr1.2009.Martinez.pdf
Esta obra está hecha por gente de la universidad de Valencia y
es un espectáculo basado en un diálogo continuo de Medea, en
el que se hace hincapié en el rechazo sufrido por ésta como
extranjera. Se le quiere dar un aire contemporáneo al relato. La
propia puesta en escena no exhibe un trágico exagerado sino
que muestra un tono de serenidad y énfasis especial.
Poesía cortesana.
En el ámbito cortesano el gran ejemplo es la cortesía provenzal,
donde se desarrolló el tema del amor cortés. Esta poesía se
realiza a partir de los modelos del feudalismo y el autor se dirige
a la amada como un vasallo que se dirige a la señora.
(En el sureste de Francia se habla un dialecto del latín llamado
Provenza.)
Esta lírica es amorosa y está gobernada por el “fino amor” que
tiene a su vez dos leyes: la cortesía y la mesura. Es un amor
claramente expresado pero no es el amor de la pasión, si el del
deseo. Un amor que se hace desde fuera del matrimonio y
desde una perspectiva de adulterio, por lo tanto se plantea el
poema como una conquista. Esta poesía repite mucho temas,
imágenes, etc. Esta es una de las muestras de la literatura
brillante del siglo XII que tendrá mucha influencia en España
(Cancionero de Baena). También en Italia con el “Dolce stil
Nouvo” y por tanto también con Dante y Petrarca.
El otro tipo de literatura que se hace partiendo de la corte es
una poesía culta alejada de lo popular y de lo escolar. Otro
centro importante en Francia es la “Materia de Bretaña” (rey
Arturo, etc.). Aquí la literatura se rige por los mismos principios.
Tenemos una materia narrativa con una serie de personajes. Hay
unos héroes épicos, aventuras caballerescas que desembocarán
en la novela de caballerías (Amadís de Gaula). También tienen
mucha presencia en los romances españoles (Ciclo de Bretaña).
Esta poesía tiene un público determinado.
Poesía popular.
Es uno poesía anónima, oral, que ha sido recogida en
cancioneros y que el pueblo hace suya, y por tanto su ámbito
son las plazas y las calles de pueblos y ciudades.
Poesía épica popular: los juglares cantan por los pueblos las
gestas de héroes populares representantes de los deseos del
pueblo. Esta poesía épicava naciendo en fragmentos, en ella hay
flujo de la “Materia de Bretaña” y siempre está relacionado con
los acontecimientos legendarios de un pueblo. El “Cantar de los
Nibelungos” en Alemania, en Francia la “Chanson de Roland” y
en España el “Cantar de Mio Cid”. También en Rusia el “Cantar
de las huestes de Igor” todos ellos en el siglo XII. El hecho de
que el “Cantar de los Nibelungos” sea de principios del siglo XIII
nos dice que está relacionado con los cantares españoles y
franceses.
Características fundamentales de estos cantares:
“Cantar de los Nibelungos”.recoge un conjunto de leyendas
épicas que tienen una relación directa con lo divino. En esta
épica la magia está muy presente, es distinta a la épica
cristiana.
En el caso de la épica germana los héroes son sobrehumanos,
despiadados, etc. Estos poemas están poblados de grandes
seres sobrenaturales y legendarios (enanos y gigantes).
Este poema es la historia de una venganza, la de Nibelungo que
es el que vence al final.
“Chanson de Roland”. Trata de hechos históricos. Roland es el
héroe que muere en el paso de los pirineos. Carlomagno cruza
los Pirineos, sobre la retaguardia que dirige Roldán cae el
numerosísimo ejército de Marsilio. A pesar de los consejos del
sabio Oliveros, Roldán, valiente y temerario, no quiere usar su
cuerno (el olifante) para llamar en su auxilio al grueso del
ejército, que ha pasado ya el desfiladero. Roldán, asistido por la
flor de la caballería francesa, pelea con valentía, rechaza dos
oleadas de paganos, pero a un alto precio. Uno a uno van
cayendo los caballeros ante el número incalculable de moros
que les acosan. Roldán se decide, por fin, a tocar el olifante para
avisar a su tío, el Emperador Carlomagno. Lo hace con tal fuerza
que le estallan las sienes. Pero es demasiado tarde, se queda
solo en la pelea y sucumbe, como los demás, frente al enemigo.
Antes de morir desea romper su espada Durandarte para que no
caiga en manos del enemigo, pero la piedra contra la que golpea
su espada se parte por la fuerza del golpe de Roldán. Aquí no
hay elementos mágicos.
Poema de Mio Cid. Hay una mantención de los hechos
históricos, poema dentro del desarrollo de la ficción tiene una
parte de leyenda pero fundamentalmente los personajes son
verificados hitóricamente, por tanto la historia es clave, sobre
todo en la representación de lugares, por tanto hay una
gradación en lo que se refiere al héroe y la historia. Éste es un
héroe cristiano al igual que Roldan, dios está presente en sus
referencias.
todos estos poemas, sobre todo el español y el alemán han
tenido mucha presencia en la cultura en general:
-Wagner (drama musical). “El anillo del Nibelungo” Son cuatro
dramas musicales. “El oro del Rin”, “La valquiria”, “Sigfrido” y
“El ocaso de los dioses”. Wagner hizo música y letra. Los textos
trataban de crean una fusión con la música.
Lo que Wagner llama “drama del futuro” se distingue de la ópera
porque esta es por distintos números que se dan en un
momento determinado y son escenas cerradas dentro de la
historia de manera que pueden ser representadas en cualquier
concierto. En el caso de Wagner, este trata de formar un
continuo musical donde no hay números cerrados, donde se
crea un tipo de música muy pasional. En el texto de Wagner hay
una gran intuición literaria por ejemplo se da mucha importancia
a la “aliteración” dándole una textura literaria muy decidida.
Partiendo del “Cantar de los Nibelungos” y de las leyendas crea
un mundo propio. Wagner es el primero que prohíbe que se
entre y se salga de la representación. Otra cuestión es la
iluminación especial del escenario (Para concentrar en la
atención sobre el).
Otra de sus grandes óperas es “Tristán e Isolda”. Estos
nibelungos tienen mucha presencia en la historia del cine. Lang
tiene una película titulada “Los nibelungos” (1924).
En el caso español la figura del Cid está en la pintura del XIX, en
la escultura, etc. Hay una película titulada “El Cid” que fue
guiada por Menéndez Pidal. Esta película se basa en el cantar y
tiene esa estela de leyenda de la literatura. Esta dirigida por
Anthony Mann.
El Cid. Película.
En el poema hay una gran conteporaniedad. M. Pidal dice que
hay un gran predominio del realismo. En el poema del Cid no
hay ninguna presencia divina, solamente se le aparece un ángel
pero es en sueños.
La película está muy centrada en el poema. El guionista es
Jordan quien fue perseguido por el macartismo. Fue un hombre
con una visión progresista.
La película se concibe como una creación artística paralela al
poema.
M. Pidal trabaja en todos los aspectos escénicos.
Rósza construyó una partitura para la película. Un gran poema
sinfónico inspirado en la música medieval española.
El director fue el célebre Anthony Mann conocido por sus
“western” (horizontes lejanos, etc.) Uno de los aspectos que más
interesan a este director era el paisaje.
La película como el poema se toma ciertas libertades con
respecto a la historia verdadera del Cid. En la película se han
cogido una serie de aspectos fundamentales para crear al
protagonista. También una distinción entre los moros que vienen
de África (Yusuf). El Cid es retratado como un héroe de fronteras
con una serie de elementos que tienen que ver con la épica. Un
Cid comprometido ideológicamente. Esto se ve muy bien en la
primera escena donde el Cid carga con una cruz, además
también se ve como un hombre de paz no cruel en la victoria.
El personaje del Cid aparece en las crónicas árabes de esos
años. En estas crónicas se habla del Cid como adversario pero
también hay algunas alabanzas.
La palabra Cid es derivado del árabe de la palabra cides que
significa señor.
Hay elementos fundamentales como la mala relación con el rey
Alfonso VI. En la película aparece la jura de Santa Gadea.
La parte final de los planos de Valencia es muy interesante.
La traducción del guión al español la hizo Llovet.
La película empieza in media res.
La ofrenda de corpes no sale en esta película.
Se recoge muy bien la enemistad con Ordoñez y el concepto
medieval del honor.
El héroe es absolutamente humano.