Suelen ser figuras recortadas en madera o cartón y que son manipuladas con

desde abajo con una varilla. Sus movimientos pueden ser muy sencillos.
Muchas veces se utilizan para contar cuentos y leyendas directamente a los
niños, como complemento de un contador de cuentos, o, también llamado,
cuentacuentos.

Se puede utilizar solos, es decir sin escenografía, o estar acompañados de su

propio teatrillo.

Si en lugar de una figura plana el mismo

palo o eje central soporta un cuerpo con
volumen, tenemos un marote.

ACTIVIDADES SUGERIDAS

 Realización de uno o varios títeres de varilla planos

creativamente
 Presentación de una obra teatral usando los títeres
previamente realizados

54
 EL TITERE DE VARA O VARILLA
El títere de varilla es un paso intermedio entre la marioneta y el títere de guante.
Tiene brazos articulados, como la marioneta, pero
carece de pies y se manipula desde abajo mediante
la introducción de la mano en su interior como el
guante. La cabeza se coloca sobre un eje central de
madera ajustado a una pieza que conforma los
hombros del muñeco.

El manipulador introduce una mano en el cuerpo del

títere y lo sostiene sujetando el eje en que se fija la
cabeza, la cual tiene libre movimiento. La otra mano
sostiene las dos varillas a la vez.

El origen de los títeres de varilla parece remontarse al siglo XI, con la técnica
del wayang-golek, la forma tradicional nacida en las islas de Java y Balí, en el
archipiélago indonesio. De ahí proviene la denominación de títeres javaneses
que también ostenta. Pese a su antigüedad, no fue hasta principios del siglo XX,
que está técnica comenzó a expandirse por el mundo occidental, gracias a los
experimentos de Richard Tescher en su teatro de Viena.

TITERES DE VARILLA
PLANOS

El títere plano surge con el hombre primitivo.

Cuando este vio su sombra reflejada moverse
en las paredes de las cuevas, nace la
necesidad de hacer figuras y las hizo con la
piel de los animales que cazaba. Eran planas,
hechas de piel de animales. Fue la primera
manifestación de títeres que existió.

El títere plano es quizá el más elemental y el

menos expresivo de todos. Consiste en una pieza plana sostenida por un eje
central. Sus movimientos son hacia arriba, hacia abajo y hacia los lados. Puede
darse vuelta si la figura está impresa por ambas caras de la parte plana. Puede
aumentar su expresividad si se le adicionan una o varias piezas articuladas que
se mueven mediante hilos.

53
En el paraje hoy conocido como Bilbao se encuentran aún estelas de esta cultura
entre las que se encuentra el “Monumento 21”, es una gran roca de 3.87 m de
alto y 2.34 m de ancho fue esculpida en el Clásico Tardío (650 a 950-1000 d.
C.), periodo en el cual se fecha el principal florecimiento de Cotzumalguapa, y
Guía de Contenidos
la mayor parte de las esculturas de esta antigua ciudad.
Expresión Artística
Sobre el títere:
Lo primero que llama la atención de cualquiera, es que lo que vemos en la estela
es una figura muy similar al de un títere de guante, o un marote. No se conoce
ninguna otra representación de este tipo en toda la antigua Mesoamérica. Se
documentan figurillas articuladas de barro encontradas en Kaminal Juyú (Ciudad
de Guatemala) y en otras regiones mesoamericanas (Tlaxcala, México), sin
embargo, ninguno de los investigadores de la cultura Cotzumalguapa plantea
hipótesis en cuanto a la presencia del títere. De hecho, sólo el arqueólogo
Oswaldo Chinchilla lo identifica como tal. En su trabajo sobre el Monumento 21
de Bilbao, lo designa como “marioneta”, pero como él mismo lo relata en una de
sus conferencias, tras encontrarse con Sergio Mercurio (Titiritero de Banfield,
Argentina), corrige marioneta por títere y especula con que pudiera ser uno de
guante. El resto de investigadores lo define simplemente como “muñeco”.

TIPOS DE TECNICAS DE TITERES

Técnica es el conjunto de procedimientos o recursos que se usan en un
arte, en una ciencia o en una actividad determinada, en especial cuando
se adquieren por medio de su práctica y requieren habilidad, en cuanto
a títeres hablamos existen varias técnicas para su creación y
manipulación, entre ellas:

 De varilla


Bocon
Corpóreo
TEATRO
 De guante

En esta unidad nos dedicaremos a Primero Básico

aprender sobre el títere de varilla.

Nombre: ___________________________________________
Establecimiento: _____________________________________
Clave: _____________ Sección: _____________

52
Los títeres fueron usados por la iglesia para hacer representaciones de pasajes
religiosos y leyendas de santos. Posteriormente, esta práctica se popularizó y
empezaron a difundirse cuentos, historias de caballería, las obras podían ser de
carácter cómico o dramático, el público asistente, solía intervenir siempre, por
lo que el titiritero se veía obligado a improvisar y apartarse del guion.

EL TITERE EN AMERICA PRECOLOMBINA

En Mesoamérica, al igual
que en otros lugares del
mundo, los títeres tenían
una finalidad ritual, pues
eran la representación de
las fuerzas sobrenaturales,
atribuyéndoles la categoría
de ídolos o tótems. Bajo
esta idea, muchos brujos
de los pueblos
precolombinos se valían de
muñecos animados (muchas veces de tamaños in imaginados) para extender su
dominio sobre aquellos que —absortos—rendían pleitesía a estos seres que lo
predecían todo. Según el investigador y titiritero Alejandro Jara, las figurillas
articuladas más antiguas del continente (o que al menos se conocen) provienen
de Guatemala y El Salvador y tienen 3 mil años; además de guardar semejanzas
con las egipcias. Sin embargo, la primera vez que apareció escrita la palabra
‘títere’ en castellano fue en 1524, en Historia verdadera de la conquista de la
Nueva España (capítulo CLXXIV), donde el cronista de Indias, Bernal Díaz del
Castillo, narra la expedición que realizó Cortés a Las Higueras (actual Honduras),
dando cuenta de lo siguiente: “y llevó cinco chirimías y sacabuches y dulzainas
y un volteador, y otro que jugaba de manos y hacía títeres”.

El títere en Guatemala:
Se han encontrado vestigios del uso del títere en Santa Lucia Cotzumalguapa
del municipio de Escuintla, situándonos en el contexto histórico sabemos que la
región de Cotzumalguapa fue colonizada por frailes franciscanos durante el Siglo
XVI, pero durante los primeros años de la Colonia sus poblaciones se vieron
disminuidas por diferentes pestes y Santa Lucía Cotzumalguapa fue el único
poblado que sobrevivió. Aunque esta cultura sea una de las grandes
desconocidas, ya desde la primera mitad del siglo XIX llamó la atención por la
gran cantidad de esculturas que dejaron como legado.

51
Los títeres en el antiguo mundo:
PRESENTACIÓN
 Egipto:
Se tiene registros del uso de figuras de madera que se manipulaban con cuerdas,
otras que eran de marfil, inclusive algunos jeroglíficos describen unas “estatuas Es realmente increíble la contribución del arte en el proceso educativo y
de pie” que eran usadas para representar dramas religiosos. formativo de las personas y, por consiguiente en el desarrollo social.

 Grecia: El incremento de la apreciación artística fortalece valores y cualidades

Los textos más antiguos sobre los títeres se atribuyen a Xenofonte. En el relato como la creatividad, la tolerancia, propicia la conciencia del trabajo en
del banquete de Callais, Xenofonte cuenta que entre las diversiones que el equipo, el desarrollo de la imaginación suscita la capacidad de
hotelero había preparado para sus invitados figuraba un titiritero de Siracusa,
abstracción, aumenta nuestra necesidad de estética. El arte tiene el don
Photeinos, quien tenía en Grecia un permiso especial para dar representaciones
públicas en el Teatro de Baco. de acercar personas.
Por otra parte, Aristóteles en uno de sus textos
hace referencia a estos personajes: “El Soberano La participación en montajes escénicos es una puerta al mundo de la
dueño del Universo no tiene necesidad de psicología, es autocrítica.
numerosos ministros, ni de resortes para dirigir
todas las partes de su inmenso imperio. Le basta
un acto de su voluntad: de la misma manera, esos
Cualquier presentación en público fortalece nuestras personalidades,
que manejan los títeres no tienen más que tirar eleva nuestra autoestima, fortalece nuestra templanza y auto dominio. Y
de un hilo, para poner en movimiento la cabeza o esto, solo por mencionar un ejemplo.
la mano de esos pequeños seres, después sus hombros, sus ojos, y algunas
veces todas las partes de su persona, que obedecen pronto con gracia y medida”.
El derrotero a seguir mientras se desarrollaba la recopilación del
contenido de este libro fue sentado por tres ejes principales: La
 Roma: experiencia escénica, la apreciación teatral y la conciencia corporal.
Petronio y Horacio en algunos de sus escritos mencionan a los espectáculos de
títeres que existían en Roma en aquel entonces. Las representaciones de los La estructura de los temas y materias se articuló a raíz de un proceso de
títeres eran representaciones tomadas de la realidad. observación muy tenaz y minuciosa a través de mi desempeño artístico
como músico de concierto, compositor, director teatral y mi más reciente
actividad: la pedagogía escolar.
 India:
Aquí hallamos vestigios de los títeres dentro de la literatura en leyendas y libros Sirva este libro entonces como una ventana, una excusa para que muchos
sagrados. En el Maharabata, encontramos este pasaje: “Cuando el hijo del
puedan acercarse a todo este fascinante mundo del arte y puedan
poderoso Arjun salió al frente de una expedición guerrera, su novia, la princesa
Uttara, le pidió al despedirse que le trajera lindas y transparentes telas de disfrutar de sus beneficios infinitos.
colores para vestir a sus títeres”.

 Europa: El Autor

3
50
 HISTORIA DEL TEATRO DE TITERES
El títere surge con el hombre primitivo, cuando vio su sombra reflejada por las
hogueras que hacía en las paredes de las
cuevas.

Entonces, al moverse, se movían esas

imágenes y ahí fue donde surgió la necesidad
de hacer esas figuras y las hizo con la piel de
los animales que cazaba. Eran planas, hechas
de piel de animales. Fue la primera
manifestación de títeres que existió, se
crearon para el teatro de sombras.

El primer títere fue el plano. El más antiguo

que se conserva es de Oriente, de la India, de
Indonesia, de Birmania. Luego se
expandieron por todos lados. Pasaron a Turquía, África y después surge el títere
corpóreo.

Los primeros elementos para construir títeres fueron la piel y la madera. Más
adelante vinieron las figuras de bulto tallado en madera. Posteriormente,
empezaron a hacerlos con los elementos más modernos: con papel maché y
luego vinieron los plásticos. El material evoluciona de acuerdo a la evolución de
los elementos que se crean.

La figura del títere es anterior al teatro, es contemporáneo de los primeros ritos,

las danzas y los mimados de escenas religiosas o de llamados a las divinidades.
Siempre son personajes que tienen algo que ver con la religión o con la tradición
de los héroes o de los dioses del lugar.

El Ramayana y todas las leyendas y filosofías orientales son los primeros textos
que se conservan. Su origen se remonta a los pueblos antiguos, China, India,
Japón, Egipto, Grecia, Roma.

En la Edad Media lo usa la Iglesia para representar pasajes bíblicos, se hacían

representaciones con títeres de los milagros, los misterios de la virgen y se hací-
an hasta en las mismas iglesias. Pero como el títere puede confundirse o ligarse
con el ídolo, fueron echados de la iglesia y ahí surgió el títere de plaza, el títere
trashumante que es la tradición que siguieron los titiriteros. Después se
populariza y aborda historias de caballeros y relatos cómicos y dramáticos.

49
 ¿QUÉ ES UN TÍTERE?
Títeres o títere, en un sentido amplio, puede referirse a cualquier objeto que
cumpla estos dos requisitos:

Que sea movido con Que su movimiento

un se realice ante y
objetivo dramático para un público. Así
o "en función lo corroboró el
dramática". Es decir, norteamericano Bil A mi padre, mi primer maestro
todo títere debe Baird cuando en
aspirar a convertirse 1965 definió al
en títere como "figura
un personaje dentro inanimada que
de una trama y con cobra vida gracias al
una función esfuerzo humano y
dramática. lo hace ante un
público".

48
Componentes de la subárea:
4. Apreciación: desarrolla en las y los estudiantes su
sensibilidad y habilidad para experimentar emociones estéticas a
partir del contacto con un trabajo artístico; a la vez, promueve el
entendimiento profundo y la aceptación de las similitudes y
diferencias entre culturas, etnias, religiones y tradiciones.

Criterios de evaluación:
Actúa teatralmente de manera organizada

 Transmitiendo ideas, pensamientos, e interrogantes por

medio de códigos ligados a movimiento, la voz,
el ambiente sonoro, el uso de las luces y de la música en el
espacio teatral.
 Participando voluntariamente con disciplina y creatividad
en las fases de preproducción y en los ensayos el público
comprende, acompaña y participa de sus acciones y
emociones.

Aprecia las manifestaciones teatrales y danzarias de su

comunidad y de otras comunidades culturales

 Enriqueciendo sus referencias vivenciales y fortaleciendo su

criterio sobre el comportamiento humano

47
 TABLA DE CONTENIDOS TEATRO

COMPETENCIA: Utiliza con libertad y confianza

su cuerpo al expresarse ante un público sólo o en
grupo.

Contenidos teóricos:
1. El teatro en la antigüedad
2. Teatro en civilizaciones antiguas
2.1 Grecia
2.2 Roma
Investiga, en las 2.3 India
fuentes indicadas,
los elementos
necesarios para la Contenidos prácticos:
producción teatral
3. Áreas del escenario
Identifica las 4. Ejercicios de calentamiento y respiración
distintas artes Conoce su cuerpo
escénicas y como instrumento
expresiones de expresión
culturales de su escénica
comunidad

Identifica en
forma y COMPETENCIA: Utiliza elementos del lenguaje oral y
contenido las corporal en la improvisación de conflictos teatrales del
manifestaciones ámbito personal.
culturales de
su comunidad
Contenidos teóricos:
1. El teatro en la edad media
2. Renacimiento en el teatro
3. William Shakespeare

7
46
Contenidos prácticos:
1. Los 13 signos teatrales
1.1 La palabra
1.2 El tono

2. Ejercicios prácticos
2.1 Ejercicio de calentamiento de abajo hacia arriba
2.2 Ejercicio de respiración

COMPETENCIA: Aplica las bases de la actuación, la

expresión corporal y el manejo de la voz en la creación de
conflictos teatrales.

Contenidos teóricos:
1. La ópera
1.1 las grandes voces de la época

Contenidos prácticos:
1. Los 13 signos teatrales
1.1 La música
1.2 El sonido
2. Ejercicios prácticos:
2.1 Ejercicios de calentamiento El arte de los títeres es el más bello regalo que el hombre ofrendará a sus
manos, que todo lo producen y todo lo crean. - Otto Freitas
2.2 Ejercicio de respiración
2.3

8 45
 COMPETENCIA: Identifica en forma y contenido las
manifestaciones culturales de su comunidad.

Contenidos teóricos:
1. ¿Qué es un títere?
2. Historia del teatro de títeres
3. Los títeres en el antiguo mundo
3.1 Egipto
3.2 Grecia
3.3 Roma
3.4 India
3.5 Europa
4. El títere en América precolombina
4.1 El títere en Guatemala

Contenidos prácticos:
1. Tipos de técnicas de títeres
2. Títere de vara o varilla
3. Títeres de varilla planos

9
ejemplo, un espagueti se asemejaría al lápiz, y debe realizar una mímica
de cómo se imagina el nuevo objeto. El resto del grupo debe adivinar la
mímica.

Ejercicio de respiración:

Por último mantén tus

pulmones vacíos unos instantes
Para comenzar expulsa todo el
hasta que tengas ganas de
aire de tus pulmones.
volver a respirar y comienza de
nuevo el ejercicio.

Comienza a expulsar el aire por

la boca sintiendo como tus
Coloca una mano en tu pecho y clavículas se deshinchan,
otra sobre tu abdomen. seguidamente el tórax y
después tu abdomen, en orden
inverso a cuando inspiras.

Inspira lentamente sintiendo

como se hincha tu abdomen,
luego continúa inspirando un
Mantén el aire durante tres
poco más y siente como la
segundos.
parte alta de tu pecho y
seguidamente tus clavículas se
expanden.

43
barroca, medieval, pop, electrónica, etc., para referirnos a tiempos pasados o al
presente, e incluso a un futuro. Y puede aplicarse a una situación o acción:
remite a fenómenos naturales o procesos sociales. Las funciones prácticas de la
música se convierten en simbólicas. Los géneros musicales como signos
teatrales dan a entender secuencias y conjuntos de acciones y remiten a
situaciones sociales.

EL SONIDO: (auditivo)
No pertenecen ni a la palabra ni a la música; son los ruidos. Hay signos naturales
propios del mismo movimiento de la representación, pero los que interesan a
efectos de lo significativo son los producidos con intencionalidad, pues siendo
ruidos naturales o artificiales en la vida son reproducidos artificialmente para los
fines del espectáculo y forman el sistema de los efectos sonoros.

EJERCICIOS PRACTICOS
Ejercicios de calentamiento:

 Ejercicio del espejo: Se forman parejas y se paran uno frente al otro, uno
de los comienza a hacer movimientos que el otro debe imitar, puede
usarse solo las manos, la cara o el cuerpo entero.

 Ejercicio del objeto: Tomar un objeto cualquiera, por ejemplo, un lápiz,

quien lo tiene debe pensar que otras cosas tienen una forma similar, por
El teatro no puede desaparecer porque es el único arte donde la
humanidad se enfrenta a sí misma. - Arthur Miller

ACTIVIDADES SUGERIDAS

 Realizar una improvisación guiada aplicando los signos

teatrales aprendidos en esta unidad.

42 11
 LOS 13 SIGNOS TEATRALES

LA MUSICA: (auditivo)
Existe la posibilidad de utilizar la música como signo teatral, pues las funciones
prácticas (crear el ambiente, denotar sentimientos colectivos, etc.) están en la
música unidas estrechamente a sus funciones simbólicas. En el concierto, sin
embargo, encontramos solamente las funciones simbólicas: una marcha
fúnebre, por ejemplo, no es lo mismo interpretada en un concierto que en un
Pone en práctica funeral, como no es lo mismo tampoco si se interpreta en una representación
teatral.
su
capacidad orator La música en el teatro nunca se realiza como música absoluta, sino siempre con
ia y su funciones relativas al contexto de los demás signos; adopta funciones simbólicas
limitadas al teatro. En este sentido tiene dos maneras de ser usada:
capacidad
Conoce su histriónica  Música creada por el actor como canto o música instrumental
Incrementa  Música creada por una orquesta, en un foso, o fuera de escena por
cuerpo como medios técnicos.
su
instrumento
apreciación El canto del actor denota en el teatro hablado o dramático, el canto del personaje
de expresión que representa, y en el teatro musical una forma de habla especial del personaje.
teatral En la ópera, por ejemplo, el canto sustituye los modos de expresión
escénica paralingüísticos (gestuales, mímicos, de entonación, etc.) del personaje; ésta es
Utiliza con la principal diferencia entre el teatro dramático y la ópera.
libertad y Los signos musicales del canto crean significados que indican el carácter, el
confianza su estado de ánimo y los sentimientos del personaje, y se interpretan también como
cuerpo al signos de su posición en el espacio y de sus movimientos. La función esencial
expresarse del canto se define como expresión del sentimiento humano. Mientras que en la
ante un ópera el canto pertenece a la definición del género y no es, por tanto, portador
público sólo o de significado, en el teatro dramático se valora como tal, puesto que un
en grupo personaje que cante se interpreta como un estado momentáneo de ánimo, o en
relación a una situación social.

Los signos musicales producidos por una orquesta o por medios técnicos fuera
del escenario tienen distinto significado, relativo en primer lugar al espacio.
Puede remitir a movimientos de objetos y personas, por medio de motivos
dominantes (leit motiv), de onomatopeyas o de otros medios simbólicos.

Pueden caracterizar el lugar: música religiosa, música popular, de diferentes

países, etc. También es capaz la música de interpretar el tiempo: música

12 41
Sin embargo las costumbres fueron cambiando, ya en la segunda mitad del siglo
XVIII el público prefería las cantantes femeninas que a los castratis. Cuando
Velluti actuó en Londres el timbre de su voz les pareció extraño y le sorprendió
tan negativamente que no volvió a pisar un escenario inglés.

Componentes de la subárea:
Tipos de ópera:
Para su desarrollo, la subárea Teatro se organiza en los siguientes
La ópera mantiene su espectacular desarrollo iniciado en el barroco. Sigue siendo componentes: Sensopercepción, Comunicación, Creación,
para la elite. Se hablaba de tres tipos de ópera: Apreciación.

1. Sensopercepción: pretende desarrollar en las y los estudiantes un

mayor conocimiento de sí mismos y de sí mismas, con sus propias
Singspiel u habilidades, una conciencia activa del medio que les rodea, de las
Ópera Seria Ópera Buffa
Ópera alemana condiciones generales en que están inmersas y de la calidad de vida a
su alrededor. Todo ello por medio de la estimulación sensorial desde
sus diversas vías (visual, auditiva, táctil, olfativa, gustativa) y de la
Corresponde a la Era de claro Contenia formas estimulación perceptiva específica y global.
evolución de la contenido de musicales mas
ópera barroca entretenimiento simples

La clemenza de Las bodas de La flauta magica

Titto de Mozart Figaro de Mozart de Mozart Criterios de evaluación:
Desarrolla la consciencia corporal investigando procesos y
posibilidades de su cuerpo ligándolos con procesos emotivos e
imaginativos

 Reconociendo las cualidades terapéuticas del trabajo de la

respiración y transmitiéndolo con quienes comparte el hecho
teatral como parte del campo pre-expresivo.

Emite juicios críticos por medio de la vivencia teatral y las bases

técnicas adquiridas en cada ciclo lectivo

 Provocando el pensamiento crítico, reflexivo, autocrítico y la

consciencia social
 Fortaleciendo la visión antropológica y social del teatro.

40 13
 EL TEATRO EN LA ANTIGÜEDAD En el clasicismo hay un mayor número de óperas bufas, tratadas igual que las
óperas serias, a diferencia de las etapas anteriores en las que las óperas de
Los orígenes del teatro se encuentran en antiguos ritos de origen prehistórico, carácter cómico estaban reservadas para un público menos instruido y vulgar.
donde el ser humano empezó a ser Cimarosa y Mozart compusieron gran número de óperas bufas que están
consciente de la importancia de consideradas como auténticas obras maestras de la ópera. En este sentido
la comunicación para las relaciones aparecieron además versiones nacionales, escritas en la lengua local y con
sociales. Ciertas ceremonias religiosas diálogos en lugar de recitativos, como el Singspiel en Alemania, la zarzuela en
tenían ya desde su origen cierto España y la opéra-comique en Francia.
componente de escenificación teatral,
como los ritos de caza donde el hombre Las grandes voces de la época:
interpretaba a determinados animales
Angelica Catalani: (1780 - 12 de junio de 1849)
para favorecer una buena cacería. Poco a
poco estos ritos empezaron a ser Fue una famosa soprano italiana. Se la considera como la
acompañados de música, danza y primera prima donna de carrera verdaderamente
máscaras que servían para identificar internacional.
determinados roles.
Nació en Sinigaglia el 10 de mayo de 1780 en el seno de una
De igual modo puede considerarse, en familia de comerciantes. Su padre se dedicaba a la venta de
el estudio de los orígenes del teatro, a las piedras preciosas y gracias a la posición económica de éste
antiguas ceremonias religiosas Angelica pudo recibir una buena educación en el convento
celebradas en torno a la agricultura, en de Santa Lucía, en Gubbio, donde su voz fue descubierta.
las que se incluían cantos, danzas y Debutó en 1795 en La Fenice de Venecia con gran éxito y
recitaciones, oraciones elaboradas para tras ello se presentó rápidamente por toda la península.
ser presentadas antes el público.
Sus actuaciones en Roma y Nápoles confirmaron su posición como la
mejor soprano de la época. Su amplitud de registro y la potencia de su voz
hicieron que fuera la protagonista femenina de todas las óperas bufas de
TEATRO EN CIVILIZACIONES ANTIGUAS Mozart.

Grecia Giovanni Battista Velluti: (28 de enero de 1780

- 22 de enero de 1861)
Si existe una figura clave en el nacimiento del teatro
A la edad de ocho años fue castrado por un médico
en Grecia es, sin duda alguna, el dios Dionisos. Los
como tratamiento ante una tos pertinaz con fiebre
griegos celebraban sus fiestas, El Ditirambo, al
alta. Esto hizo que su padre, que inicialmente había
principio y final de cada siega. Un carro recorría las considerado destinarlo a la carrera de las armas,
calles con la estatua de Dionisos mientras alrededor decidiera hacerlo iniciar estudios musicales.
danzaban los trasgos (representantes de los sátiros).
Tal vez la monotonía de las danzas y salmodias llevara Los últimos roles específicamente compuestos para
castrati fueron escritos para él: el Arsace
a los trasgos a introducir nuevos elementos; uno de
de Aureliano in Palmira (1813), de Rossini, y el
ellos se separó del grupo dando nacimiento a la figura del primer actor o Corifeo. Armando de Il crociato in Egitto (1824),
Con la aparición de la estructura Coro-Corifeo encontramos lo fundamental del de Meyerbeer.
teatro; gente que mira y gente que actúa. Se dice que el primero en separarse
Fue el último de los grandes castratis. Comenzó su
fue Tespis, un cuenta cuentos que a finales del siglo VI alcanzo extraordinaria
carrera a finales del siglo XVIII, siglo de oro de la ópera italiana.
celebridad, sin embargo le faltaba algo fundamental para hacer teatro: diálogo.

14 39
 LA ÓPERA
Ópera (del italiano opera, 'obra musical') designa, desde aproximadamente el
año 1617, un género de música teatral en el que una acción escénica se
armoniza, se canta y tiene acompañamiento instrumental. Las representaciones
suelen ofrecerse en teatros de ópera, acompañadas por una orquesta o
una agrupación musical menor. Forma parte de la tradición de la música clásica
europea u occidental.
La palabra «opera» significa 'obra' en italiano (de la voz latina «opus», 'obra' o
'labor') sugiriendo que combina las artes del canto coral y solista, declamación,
actuación y danza en un espectáculo escénico.
Algunos autores señalan como precursores formales de la ópera a la tragedia
griega, a los cantos carnavalescos italianos del siglo XIV (la mascerata italiana)
y a los intermedios del siglo XV (pequeñas piezas musicales que se insertaban
durante las representaciones teatrales).
Hacia mediados del siglo XVIII surge un nuevo estilo en la ópera: el clasicismo.
El clasicismo en la ópera aparece como una evolución del estilo barroco. Todas
las artes, también, sufren la influencia de las nuevas ideas que trae consigo la
Ilustración.
Con la celebración, hacia el siglo V, de las Fiestas
Dionisiacas nacen las representaciones teatrales. Las
Grandes Dionisiacas eran las más importantes porque
toda Grecia iba a Atenas. Duraba varios días y tenía
un concurso entre varios poetas elegidos por los
ciudadanos. Normalmente representaban Tetralogías
(tres tragedias y un drama satírico) pero
posteriormente introdujeron una comedia final. Las
representaciones estaban financiadas por el Corifeo y
se realizaban en el campo, en algo parecido a un
escenario de madera. Los actores utilizaban máscaras
y coturnos (zapatos con plataformas). Una regla fundamental para el público
era asistir de blanco riguroso. Las mujeres rara vez iban, no así los criados,
que si habían terminado sus tareas, podían acompañar a sus amos. Los
principales dramaturgos griegos fueron:
 Esquilo
 Sófocles
 Eurípides
 Aristófanes
 Menandro.

El clasicismo en la ópera tiene como objetivo primordial hacer disfrutar al público

con la música. No tan sólo asombrar como vimos en el barroco. La ópera en
el clasicismo es equilibrada, sugiere orden y unidad.
Roma
El teatro romano recibió la influencia del griego, aunque originalmente derivó de
antiguos espectáculos etruscos, que mezclaban el arte escénico con la música y
Durante la época la danza: tenemos así los ludiones, actores que bailaban al ritmo de las tibiae –
del clasicismo, el una especie de aulos–; más tarde, al añadirse la música vocal, surgieron
público sintió un los histriones –que significa «bailarines» en etrusco–, que mezclaban canto y
creciente interés por la mimo (las saturae, origen de la sátira).
música en general y La característica fundamental de la sociedad romana, (respetar la cultura de los
por la ópera en
pueblos conquistados) les permitió imitar la cultura griega y reformarla. Aunque
particular. Esto hizo
en realidad no destacan por sus avances y reformas si no que son valorados por
que los compositores
conservar textos griegos que, sin ellos, habrían desaparecido.
acercaran las
temáticas de sus obras
a aquellas que tenían El ocio romano se dividía entre ludi circenses (circo) y ludi scaenici (teatro),
más interés para un predominando en este último el mimo, la danza y el canto (pantomima). Como
máximo número de autores destacaron:
personas.
 Plauto
 Terencio

38 15
 Los romanos sientan las bases de la
Comedia del Arte al crear sus farsas,
que son muy cortas y siempre con los Componentes de la subárea:
mismos personajes; el viejo
3. Creación: proporciona conocimientos, procedimientos y
deformado, el glotón, el payaso...
Las representaciones estaban
experiencias básicas para la producción artística per se, la
financiadas por los Patricios y los generación de productos originales propios y, como forma
actores eran esclavos o extranjeros. alternativa, la posibilidad de educarse para el trabajo.
Se representaban en circos y
anfiteatros, no es hasta el 55 Ac que comienzan a construir teatros.

El primer teatro fue el que erigió Pompeyo en Roma en el Campo de Marte, como
ya dijimos en el 55 a.C. que impresionó al pueblo por su imponente despliegue
escénico. Según Cicerón, se representaron comedias y tragedias griegas además
de farsas atelanas. A partir de este momento se multiplicó en Italia y en las
Criterios de evaluación:
provincias la construcción de teatros de piedra. Aprecia las manifestaciones teatrales y danzarias de su
comunidad y de otras comunidades culturales

 Ampliando su capacidad para analizar el comportamiento

Diferencias arquitectónicas entre el teatro griego y romano: humano y las relaciones que se manejan.
 Aumentando notablemente su afición por apreciar las artes
escénicas y comentarlas en grupo.
TEATRO GRIEGO TEATRO ROMANO  Enriqueciendo sus referencias vicenciales y fortaleciendo su
criterio sobre el comportamiento humano.
El KOILON que es el graderío para los
El graderío se llamaba CAVEA y los
espectadores, tenía forma
espectadores se sentaban según su
ultrasemicircular, es decir, poco más de
rango social
un semicírculo
Se accedía a la Cavea por los
Tenía entradas para los actores que se
VOMITORIOS que eran pasillos y
llamaba PARODOS
salidas

La ORCHESTRA era circular y era utilizada

La ORCHESTRA era semicircular
por el coro y danzas rituales

No necesitaban una ladera, se podían

Eran construidas en la ladera de una
construir en terreno llano con una
montaña debido a que los griegos no
estructura abovedada para levantar las
sabían construir estructuras abovedadas
gradas

16 37
 Conoce su
cuerpo como
instrumento
de expresión
Organiza escénica
Incrementa
actividades
su
teatrales en el
apreciación
ámbito India
teatral
escolar Como casi todo en la India, el teatro y las diferentes formas dramáticas tales
como el teatro-danza de sombras y otras, están de un modo u otro
Aplica las bases estrechamente ligadas a las diferentes religiones que allí cohabitan y, dentro de
de la actuación, las mismas, a las múltiples corrientes e interpretaciones que han venido
la expresión
surgiendo a lo largo de su historia.
corporal y el
manejo de la voz Estas consideraciones nos introducen directamente en la teoría de la estética
en la creación hindú, tal y como fue formulada en la abundante literatura sánscrita e hindi
de conflictos sobre poesía y teatro – fundamentalmente durante el imperio Gupta (siglos IV
teatrales
y V) – cuyos máximos exponentes son Bharata y Visvanatha. En estos y otros
tratados se defiende la idea de que la poesía (y en general el resto de las artes)
puede contribuir a la consecución de todos o alguno de los cuatro fines de la vida
que todo hindú debe superar a lo largo de su existencia. Para estos autores, el
elemento esencial de la poesía es lo que denominan rasa o “gusto”, término que
es equivalente a la belleza o a la emoción estética y del que enumeran hasta

36 17
nueve tipos diferentes: el rasa erótico o amoroso, el heroico , el de odio, el
de la furia, el terrible, el patético, el sorprendido, y el rasa de la alegría. Toda
esta teoría nació en relación con la poesía y el teatro, más concretamente
vinculada al teatro clásico de Kalidasa y de otros autores cuyas obras destacan
por el carácter profano de sus argumentos y la sensualidad de su expresión,
influyendo sin embargo también, en mayor o menor medida, en otro tipo de
manifestaciones teatrales de carácter religioso o ritual como, por ejemplo, las
danzas del templo Bharata Natyam o el Kathakali. Tanto en el teatro que
podríamos llamar “de corte”, más próximo al occidental, como en las diferentes
modalidades de danza o de teatro danzado – la emoción estética o rasa no es Un pueblo que no ayuda y no fomenta su teatro, si no está muerto, está
causada directamente en el espectador, o rasika, sino que, es inducida gracias a moribundo.- Federico García Lorca
la acción de varios elementos presentes en el objeto artístico dramático.

ACTIVIDADES SUGERIDAS
 Inicie la realización de una línea de tiempo, tomando en
cuenta que con el estudio de las unidades posteriores se
completara.

LAS AREAS DEL ESCENARIO

El escenario se divide en zonas o partes, tomando como punto de partida la

perspectiva del espectador, la zona más cercana a él es la parte de "abajo", la
zona más lejana es la zona de "arriba" ya que antiguamente los escenarios
tenían una leve inclinación para facilitar la visibilidad del público, a la zona
central se le llama "centro". Usando la misma perspectiva del espectador,
también se divide de izquierda a derecha y de igual forma a la zona central se
le llama "centro", logrando con esto, hacer del escenario una especie de tablero
para el actor. Siendo estas las partes:

Izquierda arriba Centro arriba Derecha arriba

Izquierda abajo Centro abajo Derecha abajo

18
Ejercicio de respiración:
• Tumbados boca arriba, las piernas flexionadas y las plantas de los pies
apoyadas en el suelo, así como la zona lumbar. Colocar una mano en el
abdomen y la otra sobre las costillas flotantes.

• Inspiramos por la nariz, hinchando el abdomen hacia arriba, mientras la

zona lumbar se pega al suelo. Seguimos tomando aire abriendo las
costillas hacia los lados sin hundir el abdomen.

• Hacemos una pausa de dos segundos y espiramos por la boca como si

silbásemos, bajando el abdomen y a continuación las costillas.

• Realizar dos series de diez respiraciones.

EJERCICIOS PRACTICOS

Ejercicio 1

Tumbado boca arriba, con las piernas flexionadas y las plantas de los pies y la
zona lumbar apoyada en el suelo, colocar en el abdomen un libro, una botella de
agua, un objeto cualquiera que no sea molesto y que tenga más o menos un kilo
de peso.

Inspirar por la nariz, hinchando el abdomen hacia arriba, y tras una pausa de
ACTIVIDADES SUGERIDAS dos segundos, espirar por la nariz bajando el abdomen poco a poco.

Realizar tres series de diez respiraciones.

 Realizar una improvisación guiada utilizando los signos teatrales
aprendidos sin olvidar realizar primero ejercicios de
calentamiento y respiración para obtener un mejor resultado.
:

34 19
Ejercicio de respiración
EJERCICIOS PRACTICOS
Ejercicio de calentamiento:
Ciclo de tensión y relajación
Ejercicio de calentamiento de abajo hacia arriba:

Hay que sentarse en una silla

de asiento duro, pero cómoda, con
la espalda recta y la cabeza alineada 1. Empezando por los pies, hacer
con la columna vertebral, piernas en giros con el tobillo. No se levantan 2. Las rodillas: apoyando las
paralelo, sin cruzar y pies apoyados
en el suelo en toda la planta los dedos del suelo. Giros primero manos sobre ellas para darles
hacia un lado y luego hacia el otro. calor y control. Giramos hacia un
Busca el giro completo, lo más lado y hacia el otro, círculos
Recapitulamos: revisamos todas las
partes que hemos tensado y relajado Apretamos los puños lo más fuerte grande y lo más circular que amplios y perfectos.
hasta el momento, tomando que podamos mientras inspiramos. puedas
conciencia de cada una de ellas en Mantenemos el aire unos segundos
relajación, con una respiración y soltamos los puños, relajando las
profunda y tranquila. manos por completo

3. Las caderas: Dobla tus rodillas

Doblamos los brazos para tensar la
Apretamos la parte de atrás de la
parte anterior, mientras inspiramos,
cabeza contra el respaldo de la silla mantenemos la posición y el aire
tan fuerte como podamos, mientras unos segundos y espiramos
inspiramos. Soltamos el aire y volviendo los brazos a su posición
relajamos la nuca. relajada.
ligeramente. Mueve tus caderas a un
4. Los hombros: Realiza círculos también
lado y a otro, adelante y atrás, en
con tus hombros. De nuevo lo más
círculos. Realiza todos estos movimientos
grandes y perfectos posible. Hacia
manteniendo apretados tus abdominales,
delante y hacia atrás.
así calentarás también la parte baja del
tronco y protegerás tu columna.

Extendemos los brazos hacia delante 5. Cuello: Los movimientos relacionados
todo cuando podamos, mientras con el cuello debes realizarlos con
inspiramos, manteniendo la tensión cautela. Gira tu cabeza hacia un lado y
y sintiéndola durante unos luego hacia el otro. Repite unas cuantas
segundos. Soltamos los brazos y
espiramos sintiendo su relajación.
veces. Luego hacia arriba y hacia abajo,
lleva tu oreja hacia el hombro y luego la
otra (sin subir los hombros, claro) y por
último realiza giros muy despacio.
6. Muñecas: Extiende tus brazos al frente
e intenta tocar con el dedo corazón de
ambas manos tu antebrazo. No llegarás,
pero ese es el movimiento inicial. A partir
de ahí vete girando la mano en esa
postura hasta que ya no puedas girar
más, y entoces extiéndela llevándola a la
posición de inicio.

20 33
 EL TONO: (auditivo)

El concepto de tono proviene del latín tonus, que a su vez deriva de un vocablo
griego que significa “tensión”

En teatro la palabra no solo es signo lingüístico. La forma en que se pronuncia

le otorga un valor semiológico. El tono estará dentro de la función expresiva del
lenguaje. La dicción del actor puede hacer que una palabra aparentemente
neutra e indiferente produzca los efectos más variados e inesperados. Por el
acento podemos distinguir el rasgo social y la localidad geográfica de un
personaje: un campesino, aristocrático, provinciano, extranjero, etc.

Tipos de tonos:
 Tono cálido: amabilidad y empatía
Refleja una actitud positiva de disposición a la ayuda.

 Tono tranquilo: pausado, calculado

Refleja una actitud de control de la situación.

 Tono persuasivo: entusiasta y convincente

Refleja una actitud resoluta, de convencimiento propio.

 Tono sugestivo: caracteriza y expone

Refleja una actitud dirigida a la sugerencia, al consejo.

 Tono seguro: directo, serio.

Refleja una actitud de seguridad y seriedad. Se utiliza para demostrar
dominio.

El teatro debe divertir, noblemente, pero nada más que divertir. Pretender
hacer de él una escuela de moral es corromper a la vez la moral y el arte.-
Joseph Joubert

32
 LA PALABRA: (auditivo)
Se trata de las palabras pronunciadas por los actores durante la representación.
Puede darse en tres diferentes planos así: El plano semántico, el plano fonológico
prosódico y el plano sintáctico.

 EL PLANO SEMANTICO: Lo que la palabra quiere decir en sí, sin ser

pronunciada. Lo que significa en su contenido. Su concepto y su definición
Conoce su cuerpo con relación al signo lingüístico será lo que llamamos “significado”.
como
instrumento de  EL PLANO FONOLOGICO PROSODICO: Se refiere a la palabra
expresión pronunciada, a su origen físico. Corresponderá al significante del signo
escénica lingüístico, es decir, al material sonoro. En todo enunciado no solo es
Participación en importante lo que se dice, sino “como se dice”. Las palabras en la obra
procesos teatrales teatral no significan únicamente lo que dice el texto sino lo que se
Incrementa su interpreta de ellas al ser pronunciadas por el actor.
con los que se
apreciación
representan
teatral
eventos de la vida  EL PLANO SINTACTICO: La sintaxis es la parte de la gramática que
cotidiana estudia las reglas que gobiernan la combinatoria de constituyentes
Utiliza sintácticos y la formación de unidades superiores a estos como los
elementos del sintagmas y oraciones gramaticales. La sintaxis, por tanto, estudia las
lenguaje oral y formas en que se combina las palabras. Este plano se refiere entonces al
corporal en la lugar que una palabra ocupa en la frase. De acuerdo con ese lugar, la
improvisación palabra menos o más, según la intención de quien haya escrito el texto.
de conflictos
teatrales del
ámbito
personal

22 31
 LOS 13 SIGNOS TEATRALES
Componentes de la subárea:
Los signos que se emplean en el teatro, pertenecen todos a la categoría de
signos artificiales. Son consecuencias de un proceso voluntario casi siempre 2. Comunicación: tiene como fin proporcionar a las y los estudiantes
creados con meditación. Tiene por objeto comunicar instantáneamente, lo cual las herramientas y técnicas indispensables para expresar ideas,
no es de sorprender, en un arte que no puede existir sin público, emitidos
sentimientos, emociones y actitudes por medio de los diferentes
voluntariamente, con plena conciencia de comunicar, los signos teatrales son
perfectamente funcionales.
lenguajes artísticos (plástico, musical, kinestésico, teatral,
En el teatro distinguimos trece signos, divididos entre cinco grupos, los cuales audiovisual, cultural).
pueden ser auditivos y visuales, así:

Texto Expresión Aspecto del

Criterios de evaluación:
pronunciado corporal actor
Desarrolla la consciencia corporal investigando procesos y
• La palabra • La mimica (visual) • El maquillaje posibilidades de su cuerpo ligándolos con procesos emotivos e
(auditivo) (visual) imaginativos
• El gesto (visual)
• El tono (auditivo) • Movimiento • El peinado  Utilizando los resonadores naturales, bajos, medios y altos de
escenico del (visual) su voz.
actor (visual) • El traje (visual)  Improvisando sin miedo frente a la concurrencia,
organizando debidamente los elementos para improvisar.
 Completando un repertorio de herramientas interpretativas
las cuales liga a su imaginación o memoria colectiva o
Efectos sonoros no imaginario, de lo cual hace materia prima para sus
Aspecto escenico
articulados creaciones.

• El accesorio (visual) • La música (auditivo)

Actúa teatralmente de manera organizada
• El Decorado (visual) • El sonido (auditivo)
• Iluminación (visual)  Participando voluntariamente con disciplina y creatividad en
las fases de preproducción y en los ensayos el público
comprende, acompaña y participa de sus acciones y
emociones
Para un mejor aprendizaje en este libro nos limitaremos a estudiar 4 de los 13
signos que son:

 La palabra
 El tono
 La música
 El Sonido

30 23
 EL TEATRO EN LA EDAD MEDIA
En los comienzos de la Edad Media no existe prácticamente el teatro. Desde
luego, no existe un edificio destinado a esta función; los teatros construidos por
griegos y romanos son restos arqueológicos sepultados bajo tierra y maleza. Los
escenarios para los inicios de los dramas sacros son las iglesias y las catedrales.
Solamente estaba permitido representar el misterio religioso. Con fines
religiosos se utilizaron dramatizaciones de relatos evangélicos y bíblicos en el
marco solemne de las iglesias y con los ropajes eclesiásticos; a estos ropajes se
les van añadiendo elementos identificadores de los personajes que intervenían
en esos relatos: alas, coronas, capas, etc. Los clérigos más jóvenes
interpretaban los papeles femeninos. Las primeras representaciones con algo
más de complejidad fueron los Autos de Navidad, donde había mayor
participación del pueblo. Un ejemplo espléndido conservado de teatro medieval,
hoy designado como Patrimonio de la Humanidad es el “Misterio de Elche”, sobre
la Asunción de la Virgen; aún se
representa tal y como era en su
tiempo.
Durante la Edad Media, las
autoridades eclesiásticas se
sirvieron del teatro para divulgar
entre el pueblo las historias de la
Biblia y los valores del
cristianismo. Los sacerdotes
crearon dramas de tema religioso,
llamados misterios. Las obras se
interpretaban primero en las
iglesias, más adelante también en las plazas de las ciudades o en carretas que
podían trasladarse de una localidad a otra. El teatro medieval, al igual que el
teatro clásico, surgió a partir del culto religioso, pero enfocado hacia el
cristianismo.
principales. Sin embargo, la experiencia debió serle útil.
Como Molière, Brecht o Bulgákov, Shakespeare fue un verdadero hombre de
teatro: lo conocía desde dentro, participaba en los ensayos, presenciaba los
espectáculos y concebía sus personajes pensando en actores concretos.
Shakespeare publicó en vida tan sólo dieciséis de las obras que se le atribuyen;
por ello, algunas de ellas posiblemente se hubieran perdido de no publicarse
(pocos años después de la muerte del poeta) el Folio, volumen recopilatorio que
serviría de base para todas las ediciones posteriores.
OBRAS:
Su obra, en total catorce comedias, diez tragedias y diez dramas históricos, es
un exquisito compendio de los sentimientos, el dolor y las ambiciones del alma
humana. Algunas de ellas son:
 El sueño de una noche de verano (1595-1596)
 El mercader de Venecia (1596-1597)
 Mucho ruido y pocas nueces (también traducida como Mucho ruido
para nada)
 Romeo y Julieta (1595)
 Julio César (1599)
 Hamlet (1601)
 Troilo y Crésida (1602)
 Otelo (1603-1604)

En el siglo XV empezaron a aparecer también obras no religiosas, basadas en

cuentos tradicionales o anécdotas divertidas. Se hicieron populares las obras de
intención moral, que utilizaban la poesía, la música y la comedia para instruir al
pueblo. En esa época se formaron pequeños grupos de artistas profesionales
llamados juglares, que trabajaban en los patios de las posadas y en las ferias y
que combinaban el relato con la poesía lírica, la música y la acrobacia,
procedentes de los personajes cómicos del último teatro romano. En Francia,
el autor más antiguo conocido es Adam de la Halle, que escribe y representa
farsas populares de raíz juglaresca. Junto a estas farsas, encontramos también
las llamadas “moralidades”, de carácter didáctico.

En Inglaterra iban por las cortes, posadas y plazas públicas los llamados “fools”
(locos), bufones juglarescos, y los gremios celebraban a sus patrones con la

24 29
 WILLIAM SHAKESPEARE
(Stratford-upon-Avon Abril de 1564- 3 de mayo de 1616)
Fue un dramaturgo, poeta y actor inglés. Conocido en ocasiones como el Bardo
de Avon (o simplemente el Bardo), Shakespeare es considerado el escritor más
importante en lengua inglesa y uno de los más célebres de la literatura universal.
En la actualidad, el volumen de sus obras completas es tan indispensable como
la Biblia en los anglosajones; Hamlet, Otelo o Macbeth se han convertido en
símbolos, y su autor es un clásico sobre el que corren ríos de tinta. A pesar de
ello, William Shakespeare sigue siendo, como hombre, una incógnita.
Fue el tercero de los ocho hijos de John Shakespeare, un acaudalado
comerciante y político local, y Mary Arden, cuya familia había sufrido
persecuciones religiosas derivadas de su confesión católica, poco o nada se sabe
de la niñez y adolescencia de William Shakespeare. Parece probable que
estudiara en la Grammar School de su localidad natal, si bien se desconoce
cuántos años y en qué circunstancias y en todo caso parece también probable
que abandonara la escuela a temprana edad debido a las dificultades por las que
atravesaba su padre
Aunque es mucho lo que se desconoce sobre la educación de Shakespeare, lo
cierto es que el artista no accedió a una formación universitaria y su amigo Ben
Jonson, que sí la tenía, lamentó en alguna ocasión «su escaso latín y aún menos
griego».
En cierta manera, su no tan escasa
instrucción fue una ventaja, ya que su
cultura no se moldeó sobre el patrón
común de su tiempo.
La andadura de Shakespeare como
dramaturgo empezó tras su traslado a
Londres, donde rápidamente adquirió
fama y popularidad en su trabajo para
la compañía Chaberlain's Men, más
tarde conocida como King's Men,
propietaria de dos teatros, The Globe y
Blackfriars. Sus inicios fueron, sin
embargo, humildes, y según las
fuentes trabajó en los más variados
oficios, si bien parece razonable suponer que estuvo desde el principio
relacionado con el teatro, puesto que antes de consagrarse como autor se le
conocía ya como actor. Shakespeare empezó de actor en la compañía
Chamberlain's Company of Players (Compañía de Actores de lord Chamberlain),
y aunque siguió haciéndolo hasta 1603, nunca llegó a interpretar papeles
28
representación púbica de vidas de santos sobre
tablados provisionales, mientras en las cortes se
representaban las llamadas “masks”, o sea,
mascaradas, acompañadas de música y baile.
También Alemania conoce estos tímidos
comienzos teatrales, con los “meistersingers” o
maestros cantores y la celebración de los
carnavales. En Baviera se conserva una
representación popular de la Pasión, que mezcla
Gómez Manrique
lo religioso con lo profano.
Paulatinamente, el drama sacro empieza a representarse en la calle, en la plaza
pública, incorporando cada vez más elementos profanos. Estos espectáculos
religiosos no eran condenados por la Iglesia ni eran excomulgados sus
participantes. El público estaba formado por gente de todas las clases sociales:
villanos, artesanos y nobles, incluso en ocasiones el mismo rey.
En España, Alfonso X el Sabio, en su obra legislativa de las Siete Partidas,
permite expresamente que los clérigos representen pasajes evangélicos, como
el Nacimiento, la Adoración de los Pastores y de los Reyes, o la Resurrección de
Cristo, pero al mismo tiempo rechaza las representaciones profanas dentro de
la Iglesia. El texto más antiguo conservado es anónimo, el Auto de los Reyes
Magos, del siglo XII, pero el primer autor conocido es Gómez Manrique, con
obras de tema religioso en los que se introducen ya elementos profanos y
populares. En el siglo XV encontramos interesantes representaciones que solían
hacerse en la plaza pública, llamadas “Danzas de la Muerte”, de las cuales
conservamos un texto de este último autor, si bien no completo. Se trataba de
una danza en la que la Muerte personificada invitaba a bailar a individuos de
todas las clases sociales y edades; se establecía un diálogo con la Muerte, en el
que el interpelado se negaba a acompañarla en su baile, pero al final,
inexorablemente, se unía a ella, aumentando en cada diálogo el número de
danzarines. Era un modo de representar lo igualitario de la muerte, en un mundo
de turbulencias sociales y políticas, de grandes desigualdades, y azotado además
por la peste negra y la guerra.
RENACIMIENTO EN EL TEATRO
El Renacimiento recuperó el goce de vivir, al ser humano como centro del interés
cultural, la valoración del amor entre hombres y mujeres, la reivindicación del
cuerpo humano frente al rechazo medieval de la vida y el cuerpo, en beneficio
del alma y de la muerte, que llevaría a las almas al más allá. Estos principios,
25
naturalmente, tienen la máxima
importancia en el desarrollo del teatro,
que es reflejo de la vida y revelación de
la humanidad subyacente en ella.

Como ocurre con otras artes, el teatro Características

renacentista tiene una gran importancia
en Italia, si bien su valor consiste sobre
todo en su aportación a la técnica de Se desarrolla un tipo de
representación y a los aspectos teatro popular, la llamada
espaciales y escenográficos. Commedia dell’ arte que se
Surgió la reglamentación Se buscaba la recuperación
improvisaba sobre un
El teatro se desarrolla en las cortes teatral basada en tres de la realidad, de la vida en
escenario, sin texto previo;
italianas con gran despliegue de medios unidades (acción, espacio y movimiento, de la figura
los actores usaban
visuales y musicales, acompañado de danza y música, con espectaculares tiempo), basándose en humana en el espacio, en
máscaras y vestuario
vestuarios y tramoya. Se solía representar una obra, la mayoría de las veces de la Poética de Aristóteles, las tres dimensiones,
tipificado según el
origen clásico (romana o griega, sobre todo comedia), pero el interés estaba en teoría introducida creando espacios de efectos
personaje interpretado, que
los llamados intermezzi, donde toda imaginación tenía su lugar. Danzas por Lodovico Castelvetro ilusionísticos
era fijo y característico. Se
supuestamente exóticas, moriscas o de la Antigüedad clásica, mundos introducen personajes
fantásticos y mitológicos, eran representadas en estos intermedios, que arquetípicos como Arlequín
terminaron devorando literalmente al drama o parte teatral.

Estos alardes de luces, coreografías, vestuario y escenografía, impidieron el

desarrollo de un teatro autónomo, como el que ya empezaba en Inglaterra y
España, pero por otra parte aportaron innovaciones considerables a la
escenografía y maquinaria teatral. Una de estas innovaciones fue obra de
pintores y arquitectos, con el descubrimiento de la perspectiva y sus principios,
que permitieron la elaboración de decorados que sugerían las tres dimensiones; Como principales dramaturgos destacaron:
con ellos nace la escenografía moderna.
 Niccolò Machiavelli
 Pietro Aretino
 Bartolomé Torres Naharro
 Lope de Rueda
 Fernando de Rojas
 William Shakespeare

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