Minimalismo

«El minimalismo no es la falta de algo, se trata simplemente de la cantidad perfecta

de algo». Nicholas Burroughs.

La música minimalista es una corriente de música contemporánea aparecida

en Estados Unidos en los años 1960 y que representa una parte importante de la
música clásica de dicho país. Se denomina también música repetitiva al designar
un conjunto de obras que utilizan la repetición como técnica de composición. Los
principales compositores de música minimalista son La Monte Young, Terry
Riley, Steve Reich, Philip Glass y John Adams.
El movimiento minimalista, como bien se ha visto, nació en los EEUU, a pesar de
que su creación tiene una parte intrínsecamente europea (surgió, como se ha
explicado, por reacción al serialismo de la escuela alemana de Darmstadt), y al
término se le discute su autoría a un inglés, como es Nyman.

La obra considerada como fundadora del minimalismo fue In C de Terry Riley,

compuesta en 1964.
La música minimalista marca una ruptura con la vanguardia (Serialismo y música
atonal) y una vuelta a la música tonal, y a veces modal. Se caracteriza también por
una cierta austeridad y por una economía de medios. Se utilizan diversas
características de acuerdo a los compositores: el recurso a procesos sistemáticos
de composición, estructuras repetitivas, en tre otros elementos
El minimalismo se basa (su composición) en la repetición del material más básico
de una obra, sea éste rítmico, melódico,... junto a otras características: vuelta a la
tonalidad, simplificación de las formas, empleo privilegiado de los elementos de
percusión, etc.

Más que una vuelta a la tonalidad, la corriente se caracterizaba sobre todo por la
utilización de una pulsación regular y por la repetición de motivos cortos que
evolucionan lentamente. Más allá de un movimiento de reacción al serialismo,
dominante entonces en Europa, la música minimalista muestra la emergencia de
una música americana innovadora, desligada de sus ataduras europeas.
Los compositores minimalistas marcan un retorno hacia una mayor emoción musical
alejándose de una aproximación esencialmente intelectual de la música serial o de
una aproximación conceptual experimental tal como la practica John Cage
El año 1976 marcó la cumbre del movimiento minimalista, con las creaciones
concomitantes como Music for 18 Musicians deReich, la ópera Einstein on the
Beach de Glass, De Staat deLouis Andriessen, Für Alina la pieza fundadora
del estilo tintinnabuli de Arvo Pärt y la Tercera Sinfonía de Henryk Górecki. Todas
estas obras tenían en común, aparte de la fecha de su estreno, el hecho de
representar un cambio en la carrera de sus compositores, bien como resultado de
un trabajo teórico, bien por constituir el comienzo de un nuevo estilo de composición
que traería un soplo de aire fresco al mundo de la música clásica del siglo XX.

Philip Glass
Philip Morris Glass (Baltimore, 31 de enero de 1937) es un compositor
estadounidense de música minimalista.
Philip Glass es nieto de inmigrantes judíos originarios de Lituania. Nació y creció en
Baltimore y de niño estudió flauta en el conservatorio Peabody.

A los 15 años comenzó un curso acelerado en la Universidad de Chicago donde

estudió matemáticas y filosofía. A los 19 años obtuvo su diploma y entró a la Juilliard
School de Nueva York donde tuvo como profesor a Darius Milhaud y empezó a tocar
casi exclusivamente el piano. Dada su insatisfacción, desde 1963 hasta 1965 partió
a estudiar a París, con Nadia Boulanger, en el Conservatorio americano de
Fontainebleau el análisis de composiciones de Johann Sebastian Bach (El clave
bien temperado), Mozart (los conciertos para piano), a Wagner y Beethoven. Glass
descubre asimismo el serialismo de Pierre Boulez, pero afirmó que no le produjo
«ninguna emoción». Este periodo en París le sirvió para descubrir el teatro de Jean-
Louis Barrault en el Odéon así como la Nouvelle Vague francesa.

Su música
Ha compuesto más de 20 óperas, largas y breves; nueve sinfonías; dos conciertos
para piano y conciertos para violín, piano, timpani, saxofón y orquesta; ha puesto
música a un viejo film como La bella y la bestia de Jean Cocteau. Trabaja
habitualmente con el Philip Glass Ensemble. Ha colaborado con Paul Simon, Linda
Ronstadt, Yo-Yo Ma, Doris Lessing y Robert Wilson.
Reconocimiento[editar]
La realización de nuevas óperas así como una dulcificación de su estilo a principios
de los 80, más accesible para el gran público, hizo avanzar la fama de Glass, así
como su relevancia dentro de la cultura musical alternativa. Los primeros escarceos
con músicos pop (como Mike Oldfield en su LP Platinum, donde interpreta una pieza
de Glass) contribuyeron a darle a conocer en círculos más amplios.

Es posible que la fama a nivel mundial y cierto estatus de genio le llegara a través
de la película experimental Koyaanisqatsi, dirigida por Godfrey Reggio (1981-1982)
y producida por Francis Ford Coppola. Algunas piezas que no se usaron en la
película (como Facades) al final aparecieron en el álbum Glassworks (1982, CBS
Records), que llevó la música de Glass a un público más amplio.

La "trilogía de retratos" se terminó con Akhnaten (1982–1983, estrenada en 1984),

una composición vocal y orquestal cantada en acadio, hebreo bíblico y egipcio
antiguo. Además, esta ópera presentaba a un actor recitando antiguos textos
egipciones en el idioma del público. Glass colaboró de nuevo con Robert Wilson en
otra ópera, the CIVIL warS (1983, estrenada en 1984), que también funcionó como
la parte final ("la sección de Roma") de la obra épica de Wilson del mismo nombre,
originalmente planeada para un "festival artístico internacional que acompañaría a
los Juegos Olímpicos en Los Ángeles".1 (Glass también compuso una obra muy
prestigiosa para coro y orquesta para la inauguración de los Juegos, The Olympian:
Lighting of the Torch and Closing ). El estreno de The CIVIL warS en Los Ángeles
nunca tuvo lugar y la ópera al final se estrenó en la Ópera de Roma. La ópera de
Glass y Wilson incluye música puesta a textos latinos del dramaturgo del siglo I,
Séneca y alusiones a música de Giuseppe Verdi y de la Guerra Civil Americana,
presentando a figuras del siglo XIX Giuseppe Garibaldi y Robert E. Lee como
personajes.

A pesar de su fama, su reconocimiento como compositor no es unánime; algunos

melómanos e incluso varios compositores contemporáneos suyos tales como Ned
Rorem o Milton Babbitt, cuestionan su obra por falta de rigurosidad y consideran su
música empalagosa y superficial.

Otras obras vocales de los años ochenta fueron dos conjuntos de canciones, Three
Songs for chorus (1984, sobre poemas de Leonard Cohen, Octavio Paz y Raymond
Levesque), y un ciclo de canciones iniciado por CBS Masterworks Records: Songs
from Liquid Days (1985), con textos de letristas como David Byrne, Paul Simon, en
que el Cuarteto Kronos aparece con un papel destacado (como en Mishima). Glass
también continuó con su serie de óperas con adaptaciones de textos literarios como
The Juniper Tree (una ópera en colaboración con el compositor Robert Moran,
1984), La caída de la casa Usher de Edgar Allan Poe (1987), y también trabajó con
la novelista Doris Lessing en la ópera The Making Of The Representative For Planet
8 (1985–86, e interpretada por la Houston Grand Opera y la Ópera Nacional Inglesa
en 1988).

Durante el resto de los años 80 siguió produciendo música en solitario y con su

grupo pero no escatimó en colaboraciones con otros músicos, tanto pop como
minoritarios o de otras culturas, y en la realización de música de cine. Desde
entonces y hasta la actualidad Glass ha orquestado algunas partes instrumentales
de los discos de David Bowie Low y Heroes (Low Symphony y Heroes Symphony)
así como muchas películas; el biopic dirigido por Errol Morris A Brief History of Time
(basado en el libro divulgativo de física de Stephen Hawking); Mishima, de Paul
Schrader o Kundun, de Martin Scorsese.

Consagración[editar]
A finales de los años ochenta y principios de los noventa, los proyectos de Glass
incluyeron dos encargos de ópera muy prestigiosos, basados en la vida de dos
exploradores, Cristóbal Colón (The Voyage [1990], encargo de la Metropolitan
Opera, con un libreto de David Henry Hwang), y Vasco da Gama (White Raven)
[1991], una colaboración con Robert Wilson y compuesta para la inauguración de la
Expo '98).

Ya en los años 90 Philip Glass adquirió fama universal. Su música durante todo este
periodo se ha alejado cada vez más del minimalismo y de sus planteamientos
personales iniciales para llegar a posturas más comerciales y llenas de clichés
«glasianos», como sus característicos arpegios o transiciones tonales. Ya a inicios
del siglo XXI su música ha continuado siendo motivo de admiración y crítica. Entre
sus principales obras se encuentran su Séptima Sinfonía (Tolteca), inspirada en la
música de los pueblos originarios de México; su Octava Sinfonía, llena de
variaciones melódicas y armónicas; y la ópera sobre la Guerra Civil estadounidense
Appomattox.

Philip Glass, después de algunos tanteos iniciales en su búsqueda estilística a

finales de los años 1960, realizó un gran avance en términos de timbre y de armonía
en la composición Music with Changing Parts marcando el comienzo de sus
composiciones de«minimalismo maduro». Prosiguió esta vía en Music in Twelve
Parts (1974). En 1973 se produjo un giro en su carrera al coincidir con el director de
escena Bob Wilson quien le encargó la composición de la música para la ópera
maratón Einstein on the Beach (1976). Esta obra constituirá el primer elemento de
su famosa trilogía lírica, completada por Satyagraha (1980) y Akhnaten (1984)
donde aparecen progresivamente los motivos temáticos y característicos de las
composiciones de Glass.

Oscar[editar]
Año Categoría Película Resultado

2006 Mejor banda sonora Notes on a Scandal Candidato

2002 Mejor banda sonora Las horas Candidato

1997 Mejor banda sonora Kundun Candidato

Premios BAFTA[editar]
Año Categoría Película Resultado

2006 Mejor música original Notes on a Scandal Candidato

2002 Mejor música original Las horas Ganador

Steve Reich,

Compositor e intérprete estadounidense, uno de los principales representantes del

minimalismo y cuyo verdadero nombre es Stephen Michael Reich. Nació en Nueva
York, estudió en la universidad de Cornell, la Juilliard School y el Mills
College.Varias de sus primeras obras como It's gonna rain (1965) y Come out (1966)
están compuestas para grabación en cinta magnetofónica con pequeños
fragmentos hablados que se repiten, se unen y se entretejen, haciendo del ritmo su
principal característica y desarrollando un contrapunto basado también en valores
rítmicos.

A finales de los sesenta, Reich desarrolló la técnica conocida como 'de fases', en
donde dos o más instrumentos interpretan una frase idéntica pero a velocidades
diferentes. Este procedimiento fue utilizado por Reich en Piano phase (1967) para
dos pianos y especialmente en su obra más destacada de este periodo: Drumming
(1971), composición de 70 minutos en cuatro movimientos para bongos, marimbas
y celesta. En la década de 1970 su estilo fue evolucionando con el uso de frases
rítmicas que se interpretan a una misma velocidad pero en forma de canon, para
formar una textura compleja a partir de un material sencillo. Estos recursos fueron
utilizados por Reich en Music for 18 Musicians (1976), Vermont Counterpoint (1982)
para 11 flautas (10 de ellas pregrabadas en cinta) y en su máximo exponente The
Desert Music (1984) para orquesta y coro.
En el verano de 1970, con la ayuda de una beca del «Institute for International
Education», Reich estudió percusión en el «Institute for African Studies» en la
Universidad deGhana en Accra. Durante cinco semanas, aprendió con el maestro
percusionista Gideon Alerwoyie.

En 1974, Reich comenzó a escribir Music for 18 Musicians (Música para 18

músicos), el número de integrantes de su ensemble, una pieza que acabaría dos
años más tarde. Seguramente es la obra de Reich que más éxito ha tenido y para
muchos, es lo que se llamaría su trabajo seminal. Esta pieza implicó muchas nuevas
ideas, aunque algunas ya fueron escuchadas en piezas anteriores. La obra se
organiza alrededor de un ciclo de once acordes introducidos al principio, seguidos
por un pequeños trozos basados en cada acorde, y por una vuelta final al ciclo
original. Las secciones se nombran conveniente, «Pulses», «Section I-XI», y
nuevamente, «Pulses». Este fue el primer intento de Reich de escribir una obra para
conjuntos mayores, con más ejecutantes, que permitía un mayor alcance de los
efectos psicoacústicos, cosa que fascinó a Reich, que ya anotó por esa época que
le gustaría «explorar esta idea más» («explore this idea further»). Reich comentó
que en los primeros cinco minutos, este trabajo contenía más movimiento armónico
que cualquier otra obra que él hubiera escrito.
A finales de los años 1970, Reich publicó un libro, Writings About Music,
conteniendo ensayos con su filosofía, estética, y proyectos musicales escritos entre
1963 y 1974. Una colección actualizada, Writings On Music (1965-2000), fue
publicada en 2002.

A principios de los años 1990, Reich ya gozaba de una importante reputación

internacional como compositor, lo que le permitió abordar algunos proyectos más
ambiciosos. Fruto de un encargo conjunto de varios festivales de música —
Festivales de Viena, Ámsterdam, París, Berlín, Londres y Nueva York— Reich
abordó en 1990 la composición de su primera ópera, The Cave («La cueva»), una
obra en la que contó con la colaboración de su esposa, la videoartista Beryl Korot,
y que no finalizó hasta 1993. La obra, en tres actos, es descrita como «una pieza
teatral de video de música documental» («documentary music video theater piece»)
y se organiza alrededor de una proyección de video en cinco grandes pantallas, con
un conjunto de percusión, voces y cuerdas tocando en vivo bajo ella.

En el relato bíblico, Abraham compra la cueva de Macphelan a Ephron el hitita, para

enterrar a su esposa Sara. La «Cueva de los Patriarcas», como desde entonces se
conoce, se convirtió en el lugar de reposo final no sólo de Sara, sino también del
propio Abraham y sus descendientes. Para los judíos, la cueva es también un
camino de vuelta al Jardín del Eden y se dice que Adán y Eva están enterrados en
ella. La cueva tiene también una gran significación religiosa para los musulmanes:
si los judíos son descendientes de Abraham y Sara, a través de su hijo Isaac, los
musulmanes remontan su linaje a Abraham —Ibrahim— a través de su hijo Ismael,
nacido de Hagar, sirvienta de Sara. La cueva, situada en la ciudad árabe
de Hebrón (Cisjordania), no es accesible al haberse construida sobre ella. Las
ruinas revelan una larga historia de demandas y conflictos: permanece el muro que
Herodes erigió alrededor de la cueva; se han descubierto ruinas de una iglesia
bizantina; y resta, finalmente, la mezquita construida en el siglo XII. Desde 1967 la
mezquita está bajo jurisdicción musulmana aunque el ejército israelí mantiene su
presencia en el lugar. Aunque las tensiones son muy altas, sigue siendo el único
lugar en la Tierra donde judíos y musulmanes adoran juntos.
En esta obra Reich exploró las diferentes raíces del judaísmo, cristianismo e
islamismo mediante una confrontación con la historia bíblica. La obra narra el relato
bíblico de Abraham y, simultáneamente, en la pantalla van apareciendo las
entrevistas de video de personajes contemporáneos. Las preguntas que se hacen
son solamente cinco —¿quién es, para ti, Abraham? ¿quién es Sara?, ¿quién es
Hagar?, ¿quién es Ismael? y ¿quién es Isaac?—; en el primer acto, se formulan a
personajes israelíes; en el segundo, a palestinos; y, en el tercero, a
estadounidenses. Las preguntas son repetidas musicalmente por el ensemble.
The Cave fue estrenada el 15 de mayo de 1993 en Viena
Ese mismo año 1994, Steve Reich fue elegido miembro de la American Academy of
Arts and Letters (Academia Estadounidense de las Artes y las Letras)

1995, compuso su obra City Life, que incorpora el uso de técnicas de muestreo
(«sampling techniques») en un marco de instrumentación convencional. Es una
música densa hecha con los sonidos cotidianos de la ciudad, trepidantes y
repetitivos como claxons, frenazos, sirenas de coches, alarmas... En el último
movimiento, Reich incluso empleó alguna de las comunicaciones del cuerpo de
bomberos provenientes del día del atentado contra las Torres Gemelas de 1993.
Esta obra tuvo un gran éxito. Ese mismo año 1995 fue elegido también miembro de
la Bavarian Academy of Fine Arts.
Obtuvo un segundo Premio Grammy en 1999, por la obra Music for 18 Musicians

El año 2000 fue un año de de nuevos reconocimientos públicos; ese año le

concedieron el «Schuman Prize» de la Universidad de Columbia, la «Montgomery
Fellowship» del Dartmouth College, el «Regent’s Lectureship» de la Universidad de
California en Berkeley, un doctorado honorífico del California Institute of the Arts y,
además, fue nombrado Compositor del año por el «Musical America Magazin»e.

Steve Reich nació en la ciudad de Nueva York el 3 de octubre de 1936. Cuando

solo tenía un año, sus padres se divorciaron, y Reich pasó su primeros años entre
Nueva York —donde vivía su padre, abogado— y Los Ángeles —el nuevo hogar de
su madre, cantante y letrista. Cuando cumplió cinco años y tenía que empezar la
escuela, el pequeño Steve se quedó con su padre, que fue quien realmente le crio.
A esa edad comenzó a recibir lecciones de piano, de una forma convencional, que
él describirá más adelante como «crecer con los favoritos de la clase media» —la
Quinta de Beethoven, la Inacabada de Schubert, la obertura de Los Maestros
cantores, los espectáculos de Broadway, grabaciones de Caruso, etc.3 — sin haber
escuchado ninguna música escrita ni antes de 1750 ni después de 1900. A los
catorce años, recuerda que tuvo la suerte de que uno de sus amigos le hiciera
escuchar una grabación de La consagración de la primavera de Stravinsky; que
pocos días más tarde oyó el 5º Concierto de Brandenburgo y que adquirió sus
primeros discos de jazz, de Miles Davis, Charlie Parker y Kenny Clark.4

Todo esto le hizo sentir que quería tocar jazz, y puesto que su mejor amigo ya era
mejor pianista que él, decidió hacerse baterísta y comenzó a estudiar percusión con
Roland Kohloff, un músico local que más tarde sería timbalero de la «New York
Philharmonic Orchestra». Reich tocó en varias bandas de jazz durante sus años de
High School (secundaria). Durante este período también amplió sus intereses
musicales, oyendo música del barroco (y anterior), así como música del siglo XX:
Stravinsky, primero, que será una de sus pasiones; luego, Bartok y finalmente
Schoenberg. Ingresó en la Universidad de Cornell y aunque se dedicó
fundamentalmente a la filosofía, graduándose con honores en 1957 (B.A.) con una
tesis sobre Ludwig Wittgenstein —Reich cuarenta años más tarde usará algunos
textos suyos en obras como Proverb (1995) y You Are (Variations) (2004))— siguió
algunos cursos de música con William Austin. Austin era un compositor, pianista y
musicólogo que enseñaba «Historia de la música» de una manera muy particular,
que a Reich le afectará: la primera parte empezaba con el canto gregoriano, llegaba
hasta Johann Sebastian Bach y, entonces, venían... Stravinsky, Duke Ellington,
Charlie Parker, Bartok, etc.; la segunda parte comenzaba con Haydn y llegaba hasta
Wagner. Reich aún recuerda que creía que era muy mayor para ser compositor —
Mozart empezó a los cinco, Bártok a los seis4 —, pero que hablando con Austin, se
convenció de que 16 años era una buena edad para empezar. Su padre no creía
que fuera lo más acertado ya que no tenía estudios preparatorios (no había
estudiado de niño ni composición ni contrapunto) y, también, aunque calladamente,
porque así seguiría los caminos de su madre. Pese a todo, Reich decidió dedicarse
a la música.

El año que siguió a su graduación estudió en privado composición con Hall Overton,
un pianista protegido de Vincent Persichetti y amigo de Thelonious Monk, una
combinación que Reich considerará que fue maravillosa para él. Hall le instó a
mejorar su técnica pianística con el estudio de las piezas del Mikrokosmos, de
Bartok y, tras un año, le aconsejó ingresar en la Juillard School of Music, donde él
era profesor. De 1958 a 1961, trabajó allí con William Bergsma y con Persichetti, a
quien Reich recuerda como un profesor y una persona maravillosa. En esos años
coincidió con Philip Glass en la Juillard, entablando una buena amistad que siempre
ha conservado. Decidió marcharse a la Costa Oeste, a graduarse en el «Mills
College», en Oakland (Bahía de San Francisco, California), para participar del
prestigio que tenían sus profesores visitantes, Darius Milhaud y Luciano Berio. En
esos años, o escribías como John Cage, Karlheinz Stockhausen o Berio o tu música
era irrelevante, recuerda.5

No obstante, más adelante Reich dirá que su tiempo en el Mills fue aburrido y
frustrante, y que solo le fue valioso porque le condujo en la dirección opuesta a la
esperada. Siguió sus estudios allí de 1961 a 1963: de Milhaud, ya envejecido y
enfermo, recuerda que era «un hombre bueno, agradable» («a kind man, a nice
man»), más interesado en sus recuerdos que en el análisis musical, pero que el
semestre que pasó con él su contribución a su formación musical fue «menos que
cero» («less than zero»). En los dos semestres que estuvo con Berio sí lo frecuentó,
aunque no le inspiró mucho como profesor, ya que estaba más interesado en
enseñar sus propias maneras que en favorecer las de sus estudiantes. En sus
primeros intentos compositivos, Reich experimentó con la composición
dodecafónica y con la técnica serial, pero poniendo más énfasis en los aspectos
rítmicos de la serie que en los aspectos melódicos.6 Comentando una pieza para
orquesta de cuerda del Reich estudiante, Berio observó ciertas tendencias tonales
y le recomendó que si quería ser tonal, que escribiese verdadera música tonal. Ese
consejo fue la influencia más valiosa para él, además de que al escuchar los
ejemplos musicales que ponía en clase, decidió que tipo de música no quería
componer: la que quería hacer aún no estaba clara, pero sí la que nunca iba a
escribir.

Mientras asistía al Mills, para pagarse los estudios, Reich dio clases de rock
progresivo en el «San Francisco's Hunter's Point» (un guetto) («enseñándoles su
propia música... una clase muy divertida») y teoría y composición musical en la
escuela de música de Kapp Street en la Mission. Reich se unió a un grupo de
improvisación jazzista, con el violinista —y luego filósofo— George Rey, el chelista
Gwen Watson, el teclista Tom Constanten —que formó Grateful Dead—, y el
saxofonista y compositor Jon Gibson, que será «una influencia muy importante en
mi pensamiento y también un apoyo en mi trabajo».7 El quinteto tocaba una mezcla
inhabitual de jazz y de Stockhausen. Concebido como un grupo de improvisación,
que ilustra la atracción que sentía Reich por el jazz y su deseo de distanciarse de la
composición académica, tras meses de sesiones semanales de improvisación, en
gran parte subjetivas y extemporáneas, Reich se dio cuenta de que estaba en un
callejón sin salida. Procuró remediarlo en noviembre de 1963, escribiendo la pieza
Pitch Charts («Reparto de cartas»), con una notación gráfica derivada de los Tempi
Concertati de Berio, en la que una serie de cajas marcaban en la partitura las notas,
pero no el ritmo o el modo de tocarlas. En su último semestre escribió una pieza
para la «San Francisco Mime Troupe», para voz, clarinete, violín rasgueado y
kazooo, destinada a una producción de Ubu Roi en la que tocó con su ensemble. A
ese concierto asistió Terry Riley, que se marchó a mitad del mismo. Al día siguiente,
Reich fue a preguntarle a su garaje-estudio porqué se había ido y de esa forma se
conocieron. El contacto con ese nuevo mundo artístico le resultó mucho más
estimulante que el mundo serio y académico del Mills. «¡Adiós, Luciano! sí, seré tan
tonal que no podrás soportarlo».,8 recordará en 1992.

En junio de 1963, obtuvo su máster en composición musical (M.A.), con una pieza
en su tesis de jazz dodecafónico, escrita para piano, bajo, tambores, saxo tenor y
trompeta, «una pieza de muy poco nivel que desearía olvidar»9 en la línea de la
entonces de moda «third stream». La pieza fue interpretada por el propio Reich al
piano y los miembros su grupo, John Gibson, Paul Breslin y Gwen Watson.