ELECCION DE LA MUSICA

Seleccionar la música correcta para tu producción. En la publicación anterior se tocó el tema de las
connotaciones que un género musical puede tener y su impacto sobre una campaña temporal.
Hoy podrás conocer, desde un enfoque de producción, las decisiones que puede tomar un cliente
al seleccionar la música para su campaña.

Normalmente cuando se presentan campañas de hardselling no es difícil seleccionar el tema

musical. Únicamente se debe de ubicar bien el producto y el target para poder asociar el mensaje
con la música que lo va a acompañar. Cuando se trata de una campaña creativa, es difícil que
dejen a tu completa elección la música, ya que el copy, la voz y la música tienen que ir muy bien
cohesionados y normalmente de esa selección se encarga el equipo creativo.

Pro: Siempre es buena la apertura de un cliente al escuchar nuevas propuestas ya que tendrás en
cuenta que tiene la confianza en tu profesionalsmo para lograr la selección más adecuada.

Contra: Tal vez a tu cliente no le satisfaga completamente tu propuesta. ¡Seguramente te hará

trabajar dos veces!

Tip: Siempre pide una referencia musical para que de ahí entregues una propuesta que se acerque
a las necesidades de la marca.

Hay veces que los clientes solicitan música “prendida”, “fresca”, “moderna”, “tranquila”, etc., pero
tal vez para ti la música prendida sea el “house” y para el cliente el “dance” y para mí el “pop”.
Algo romántico puede ser “Perfume de Gardenias” o “Paganini”… y así podemos seguir
mencionando un sinfín de temas que cada quién puede escuchar diferente conforme a su
sensibilidad.

Pro: En ese momento conoces cómo tu cliente comunica sus ideas y necesidades. Es buena
oportunidad para reestructurar tu comunicación y entablar una relación profesional más cercana a
través del intercambio de ideas y percepciones.

Contra: Cuando las necesidades de producción del cliente son muy ambiguas, la selección musical
se puede volver una tarea muy complicada y tardada; ¡el reto será doble si trabajas a distancia!

Tip: Muestra tres pistas de stock. Cuando tengas una respuesta positiva, ya sabrás qué camino
tomar.

SIGNOLOGIA DEL VESTUARIO

El vestuario representa un sistema específico de significado, cuyas unidades se forman por el

material, el color y la forma. También tiene funciones prácticas y simbólicas (protección, pudor y
adorno serían las prácticas), pero a efectos teatrales las funciones prácticas no se consideran, pues
al pasar al escenario todo el vestuario se vuelve simbólico.

Las funciones simbólicas del vestuario son las siguientes:

1. Actúa como signo de fenómenos naturales, como la edad y el sexo, pues en la mayoría de
las culturas se diferencia la ropa de hombres y mujeres, de adultos y niños. Estas indumentarias no
responden a diferencias biológicas, sino culturales.
2. Indica nacionalidad o pertenencia a una región determinada.

3. A menudo actúa como signo de pertenencia a un grupo o creencia religiosa (hábitos del
fraile, túnica naranja del monje budista).

4. Distingue clases, castas y estratos sociales.

5. Actúa a veces como signo del estado civil, sobre todo en ciertos contextos culturales:
esclavo/libre, soltera/casada.

6. Diferencia profesiones: uniformes, monos de trabajo, batas, etc.

7. Indica pertenencia a agrupaciones o corrientes sociales, políticas, artísticas, culturales.

8. Indica también diferencias de situación. En nuestra cultura y en la mayoría está tipificado

el vestuario adecuado para fiestas, bailes, entierros, sueño, etc.

9. Define a veces la identidad individual por diferenciación, pues indica el grado de

aceptación de la norma social y sus valores. Puede indicar también situaciones individuales
pasajeras, como el estado de ánimo y las emociones.

Las funciones simbólicas del vestuario teatral han estado condicionadas por la época y por la
función concreta del teatro en cada momento. En la tragedia griega tenía la función de diferenciar
al héroe del resto de los personajes. En el teatro medieval distinguía a los personajes bíblicos de
los personajes comunes (soldados, mercaderes, frailes, etc.). En el teatro burgués del siglo XIX era
prioritaria la función social e histórica del vestuario. En las vanguardias del siglo XX se daba
predominio a la función simbólica general (relaciones entre personajes, con el decorado y con el
ambiente general).

En ciertas formas de teatro el código teatral del vestuario no coincide con la indumentaria social al
uso, como ocurre en la Ópera de Pekín y en muchas formas teatrales asiáticas. Usan un código
teatral disociado que sólo se puede entender en el contexto de la representación misma.

El sistema de signos del vestuario se relaciona con los otros dos sistemas de la apariencia externa
del actor: la máscara y el peinado, pero también con los gestos y movimientos escénicos, pues el
vestuario los puede condicionar, acentuar o limitar; impone mayor o menor amplitud y puede
apoyarlos y potenciarlos por otra parte

CRITICA CONSTRUCTIVA EN EL ARTE

Crítica de arte es el juicio de valor expresado sobre las obras de arte en el ámbito de la estética,
pero también en lo que refiere a su relevancia en un contexto social y político determinados.12 La
crítica de arte es un producto indisociable de la escritura así como de la prensa escrita como
medio de difusión.3

La crítica de arte es un género, entre literario y académico e incluso periodístico, que hace una
valoración estética sobre las obras de arte, artistas o exposiciones, en principio de forma personal
y subjetiva, pero basándose en la Historia del arte y sus múltiples disciplinas (por ejemplo
sociología, antropología, arqueología, historia, etc.), valorando el arte según su contexto o
evolución. Es a la vez valorativa, informativa y comparativa, redactada de forma concisa y amena,
sin pretender ser un estudio académico pero aportando datos empíricos y contrastables.

En 1381 el historiador Filippo Villani fue uno de los que anticipó las primeras biografías ad litteram
en sus libros dedicados a la ciudad de Florencia y sus artistas: la construcción del duomo de
Florencia (catedral de Florencia) dio la ocasión a Antonio Tucci Manetti para exponer la primera
amplia biografía de arte reconocida: la referida a Brunelleschi.

Siempre en Italia aunque ya en el Quattrocento (pleno Renacimiento) surge la historiografía

artística referida a las vidas de los artistas y a sus obras, comprendiendo además juicios de mérito.
Uno de los mayores representantes de esta temprana crítica de arte en tal periodo fue Lorenzo
Ghiberti, quien escribió "I Commentari" (Los comentarios).

Después, ya pasado el Renacimiento, no caben dudas de que las descripciones de Giorgio Vasari
("El Vasari") son en muchos casos genuinas críticas de arte.

La crítica de arte entendida como valorización o evaluación e interpretación de las obras de arte
ha tenido, entonces, un punto de partida en el siglo XV, cuando el boloñés Giovanni Battista
Agucchi publicó una larga descripción de las obras de Annibale Carracci, seguida inmediatamente
luego por Bellori.

En el siglo XVI (en italiano Cinquecento) se difundió en la península itálica la historiografía

interregional, merced a Giovio quien aconsejó a Vasari en un proyecto extraordinario para las
descripciones críticas y la cantidad de los datos recogidos.

Desde el siglo XVII en adelante, gracias a los trabajos de Giovanni Battista Agucchi, la atención de
los críticos se fijó en los estilos de los artistas, en las tentativas de reconducir la imagen artística en
una traducción literaria. En tal siglo XVII la personalidad más eminente fue Giovanni Bellori, quien
basó su modelo de crítica sobre los ideales clásicos, teniendo como referencia los cánones del
clasicismo derivado de la Antigüedad grecorromana.

INTRODUCCION AL CINE

«El cine (abreviatura de cinematógrafo o cinematografía) es la técnica de proyectar fotogramas de

forma rápida y sucesiva para crear la impresión de movimiento, mostrando algún vídeo (o película,
o film, o filme). La palabra cine designa también las salas o teatros en los cuales se proyectan las
películas.Etimológicamente, la palabra cinematografía fue un neologismo creado a finales del siglo
XIX compuesto a partir de dos palabras griegas. Por un lado κινή (kiné), que significa "movimiento"
(ver, entre otras, "cinético", "cinética", "kinesiología", "cineteca"); y por otro de γραφóς (grafós).
Con ello se intentaba definir el concepto de imagen en movimiento».

Sin embargo, para los que nos gusta el cine es algo más. Es el séptimo arte, teniendo en cuenta los
seis artes de la antigüedad (Literatura, Escultura, Pintura, Teatro, Música y Arquitectura), es el que
los reúne todos o, por lo menos, tiene posibilidad de reunirlos todos. Hace tiempo que el cine se
convirtió en un negocio que se mueve, como casi todos, por nombres propios: Tal director, tal
actor... Pero las historias que nos cuenta el cine y la forma de la que nos cuenta esa historia hacen
del cine un arte en muchas ocasiones y en otras simplemente un entretenimiento pasajero.
La historia del cine como invento en sí, comienza el 28 de diciembre de 1895, fecha en la que los
hermanos Lumière proyectaron públicamente la salida de obreros de una fábrica francesa en Lyon,
la demolición de un muro, la llegada de un tren, y un barco saliendo del puerto.

Sin embargo tenemos que esperar unos pocos años para que gente como George Méliès vea el
invento como un medio para contar historias de una forma entonces original y totalmente
revolucionaria. Sus primeras películas, y las primeras de la humanidad, son películas como "Viaje a
la luna", la historia que cuenta esa película es lo que todo el mundo quería ver al hombre llegar
por fin a la luna. En "Viaje a la luna" se usan los primeros efectos especiales aún estando todo
grabado con unos decorados y un guion muy teatrales.

ELEMENTOS ARTISTICO

Los elementos artísticos son el grupo de una obra de arte utilizados usualmente en su enseñanza y
análisis, en combinación con los principios del arte. Serían los componentes o partes básicas para
crear una obra de arte.1

Las listas de los elementos del arte varían, su función de diferentes autores, pero en general
incluyen las siguientes: espacio, color, forma, textura, valor y línea.

Los artistas trabajan con estos elementos básicos para componer una obra de arte, no siendo
necesario que aparezcan todos, aunque han de estar presentes, al menos, dos de ellos.2

El espacio

El espacio es el área proporcionada por un motivo particular. Puede tener dos dimensiones (alto y
ancho) o tres si se agrega la profundidad.

El color

El color es la parte más expresiva de la obra y es visto mediante la luz reflejada en el color; vemos
estos colores gracias a que los objetos los reflejan

La forma

La forma es una zona que define objetos en el espacio. Puede ser geométrica (como cuadrados o
círculos) u orgánica (como formas naturales o libres).

La textura

La textura es la cualidad de una superficie que puede ser vista o sentida. Hay dos tipos de textura:
la óptica (visual) y la textura que se puede tocar (táctil).

El valor

El valor, luminosidad o simplemente luz, describe cual claro es un color. Los artistas utilizan el
valor del color para crear diferentes estados de ánimo.
La línea

La línea es el medio más sencillo de representación. De manera fácil puede definirse como la
marca (con mayor longitud que anchura) que une dos puntos, tomando cualquier forma en el
camino o también el camino identificable creado por un punto que se mueve en el espacio.

La figura

La Figura puede emplearse en múltiples contextos y con significados diferentes. Una figura es,
entre otras cosas, la apariencia o el aspecto externo de un cuerpo u objeto, a través de la cual se
puede distinguir frente a otros. En un sentido similar, se conoce como figura a toda estatua,
escultura u obra de arte que reproduce las formas características de animales u hombres, y al
dibujo que refleja a cuerpos humanos.

ARTE VISUAL CONTEMPORANEO

El arte contemporáneo es el arte de nuestro tiempo, que refleja o guarda relación con la sociedad
actual.12 El arte contemporáneo suele referirse a obras originadas a partir de la mitad del siglo
XX.3 La palabra 'contemporáneo' engloba un conjunto muy heterogéneo de prácticas cuya
contemporaneidad es caduca por definición. Diversos autores han abordado esta problemática,
ahondando a menudo en la diferencia con el Arte moderno y su acotación histórica.456

Museo Guggenheim Bilbao, una institución dedicada a exponer arte contemporáneo y un icono de
la arquitectura actual (Frank Gehry, 1997).

En otras disciplinas, esta adjetivación es singular: literatura moderna y literatura contemporánea

denotan significados diferentes. De manera mucho más clara, el concepto de música moderna
suele reservarse para la música popular moderna (de la industria musical de consumo masivo);
mientras que el de música contemporánea se hace para el de la música académica del siglo XX —
aunque también es común encontrar publicaciones e instituciones que asimilan ambas
denominaciones y que hablan de 'arte moderno y contemporáneo'.7

Además de la práctica artística propiamente dicha, el arte contemporáneo incluye ámbitos tales
como la crítica y teoría del arte, la educación artística con sus instituciones educativas y escuelas
de arte, la curadoría, las publicaciones sobre arte contemporáneo, los medios de difusión y
mediación, el coleccionismo público y privado, las galerías y las ferias que constituyen el mercado
del arte contemporáneo, la industria de producción del arte contemporáneo y los lugares en los
que se exhiben, se conservan y documentan las obras de arte contemporáneo.

El arte contemporáneo es el arte de nuestro tiempo, que refleja o guarda relación con la sociedad
actual.12 El arte contemporáneo suele referirse a obras originadas a partir de la mitad del siglo
XX.3 La palabra 'contemporáneo' engloba un conjunto muy heterogéneo de prácticas cuya
contemporaneidad es caduca por definición. Diversos autores han abordado esta problemática,
ahondando a menudo en la diferencia con el Arte moderno y su acotación histórica.456

En otras disciplinas, esta adjetivación es singular: literatura moderna y literatura contemporánea

denotan significados diferentes.