EL ARTE
A DEL SIGLO
S O XIX

ARQU
UITECT
TURA
 

Introducciión nglaterra
In

Modificó
M dura
ante el siglo
o XVIII su pensamient
p to
Arquitectónicamente
A el siglo
o XIX s
se so
obre el gótico, reorienttando y asuumiendo su us
c
caracterizó por la contradicción, ya que a las de
efectos y obbservando sus aspecto os positivoss,
f
formas clássicas se oponen la lógica de los asando a compartir protagonis
pa smo con el e
n
nuevos matteriales, es decir, nos encontramoos re
esto de los estilos
e “exó
óticos”.
c
con la dialé
éctica formaa frente a función, o lo
q es lo mismo, Arte o Ingeniería
que a. En principioo, las laborres arquite
ectónicas se
s
ce
entraban en n obras que
e podríamos consideraar
Todas
T la
as habilid
dades arrquitectónicco- piintorescas, como El CCastillo dee Grych, de
ingenieriles del siglo XX se gestaron en el C.A.
C Busby (1788-1838 8).
s
siglo XIX, in
nfluyendo allgunas cond
diciones:
Poco a poco o se transforrma en lo que podemo os
• El rom manticismo. El asalto de lo os de
enominar Neogótico, favorecid do por una
nacionalismos r
reaviva c
concepcion es ca
ampaña de e recristianizzación que permite ve er
artísticas nacionalles (mudéjar, gótico o a la arquitecctura gótica a como pa aradigma de
románicco). ed
dificio religio
oso, tal y co
omo lo defin
ne Pugin. La
L
• El colon E arte de las colonia
nialismo. El as Ig
glesia angliccana contro ola totalmen
nte el estilo
o,
será ada aptado por Europa. prroponiendo una im mitación del góticco
• La socciedad ind dustrial. See favorece en medieval,
m y restringien ndo las tipo
ologías y ele
nuevas instalacion nes (estaciiones, nave es us
so de detterminados materiales s, como el e
industriaales, musseos, bib
bliotecas y hiierro.
Exposiciones Unive ersales).
• Los nue evos materriales. El siglo XIX ve erá
nacer un mate erial fuertee para la
construccción como o es el hierro colad do,
consiguiéndose vig gas y ado ornos a ba ajo
precio. Se
S usará ta ambién el vidrio,
v con el
que se cubren grandes
g paaredes, y el
cemento n las obras del siglo XX
o, básico en X.

L Historricismos medievale
Los m es
 
 
E pensamiento ilustra
El ado conceb bía la historria
c
como un proceso globbal y objettivo, mientra
as
q
que el hisstoricismo la entiendde como un u Barry y Pugin. Parla
amento de Londres
p
proceso donde ca
ada perioodo poseee
p
personalida
ad propia. Cada pa aís trata de d Charles
C B
Barry (1812-1852) realiza el e
a
autoafirmars
se a travéss de un passado del qu ue Parlamento
P de Londreresen colab boración coon
s sienten herederos.
se h Augustus
A P
Pugin (1795 5- 1860), de
ejando clarro
quue no es ne ecesario abandona ar
ó el gótico y el románico
El romanticiismo adoptó
E coompletamen nte el classicismo, auunque sí ese
c
como formma de acercarse
a al pasad do, in
nteresante alternarlo
a ccon una ornnamentacióón
r
rompiendo c la tradiición clasicista impuessta
con góótico flam
mígera pro ocedente del góticco
p el Imperrio Napoleó
por ónico. peerpendicula
ar inglés.

221 
 
William Butterfield (1814-1900) realiza la All
Saints Church de Londres, ejemplo de
neogótico victoriano, donde se combina por
primera vez el ladrillo rojo con el negro en
bandas y rombos, con un interior pleno de
decoración policroma.
Francia
Charles Garnier (1825-1898) realiza la Ópera
de París, donde se une el orden gigante
barroco con las líneas sencillas del
renacimiento.

Alemania

En estos momentos se vivía una importante

fiebre nacionalista que tenía sus bases
directamente en la Edad Media y en sus
catedrales, emblemas de la nación alemana.
El objetivo estatal está en la restauración de la
Catedral de Colonia, revisándose
detenidamente la historia del edificio y los
sistemas constructivos, adquiriendo las obras
impulso a partir de 1842.

Francia

La restauración fue la principal labor de los Charles Garnier. Ópera de París

arquitectos, en un intento de proteger los
símbolos nacionales y religiosos, dominando
los valores figurativos sobre los constructivos.
Eugène Viollet-Le-Duc (1814-1879) realizó
una interpretación racionalista de la aportación
medieval. Considera que los edificios deben
restaurarse buscando la restitución integral de
la obra, es decir, su estado original. Entre
1844 y 1879 realiza trabajos en la Catedral de
Notre-Dame y en el recinto amurallado de
Carcasona. Estudió el gótico desde un punto
de vista eminentemente técnico, y piensa que
la aplicación de este sistema a la nueva
arquitectura resolvería la crisis de la época.
Cataluña
El estilo al que se recurre es al
Neorrománico, debido a la importante carga
nacionalista que existía. Destaca la
Universidad literaria de Barcelona, obra de
Elías Rogent (1821-1897).
Paul Abadie (1812-1884) es el creador de la
Iglesia del Sagrado Corazón de París, donde
la carga románico-bizantina es evidente.
Italia
Destaca el Monumento a Víctor Manuel II en
Roma, obra de Giuseppe Sacconi (1854-
1905), de fuerte carga clásica al imitar los
altares helenísticos.
España
El eclecticismo acude a un estilo nacional
como es el mudéjar, manifestándose en la
realización de numerosas plazas de toros,
como la del Puerto de Santa María en Cádiz,
donde destaca el uso del ladrillo y de los
azulejos.

El Eclecticismo arquitectónico

El romanticismo preconizó la vuelta a estilos

arquitectónicos del pasado, y en lugar de
utlizarlos en edificios independientes, los
mezclan en una modalidad ecléctica que
terminó invadiendo toda Europa. Plaza de toros del Puerto de Santa María

222 
 
    El arte del siglo XIX 

La Arquitectura de hierro y cristal

 
 
Primeras experiencias 

La aparición en el siglo XVIII del hierro fundido

o colado fue algo básico en el desarrollo de la
nueva arquitectura, ya que era un material
duro, inflexible y resistente a la compresión.
Poco más tarde, el acero (hierro con algo de
carbono) sustituye al hierro fundido y forjado,
uniéndose resistencia y elasticidad.

Este tipo de obras eran consideradas

ingenieriles, es decir, más cercanas a la
tecnología que al arte, llegándose a pensar
que un excesivo uso del hierro supondría la
desaparición de la práctica artística.
Labrouste. Biblioteca de santa Genoveva
Junto al hierro, el hormigón armado y el cristal
se convierten en los materiales básicos de la
renovación, a lo que hay que añadir nuevas Las Exposiciones Universales
técnicas como el remachado, soldado o
moldeado. Esto va a permitir la prefabricación Estas exposiciones se convirtieron en un
de elementos que, hechos en el taller, se importante lugar de experimentación
montan a pie de obra. tecnológica.

Algunos autores aplicaron solo el hierro, Un interesante punto de partida fue el

debido a que la eficacia que ofrecía en arcos o
estructuras adinteladas era muy superior al de
otras técnicas, usándose en puentes,
viaductos, andenes ferroviarios, invernaderos,
pabellones expositivos o fábricas.
Abraham Darby III (1650-1791) finaliza en
1777 un puente totalmente de hierro fundido
sobre el río Severn (Ironbridge) con una luz
de 30 metros y sostenido por un arco de
medio punto.
Invernadero de Chatsworth, obra de encargo
realizada por Joseph Paxton (1803-1865). Se
trata de un espacio rectangular con cubiertas
abovedadas formando brazos, a partir de un
espacio central más elevado. Basándose en
este invernadero creó para la Exposición
Universal de Londres de 1851 el Palacio de
Cristal, obra de 550 metros de largo en hierro
fundido y forjado, cristal y madera. Estaba
completamente prefabricada, ensamblándose
“in situ”.

Gustavo Eiffel (1832-1923) será también un

importante creador de puentes, desde un
punto de vista tecnológico, como ocurre con el
Viaducto sobre el Garabit, en hierro colado,
con una longitud de 565 metros y una luz de
165.

Interesantes son también los puentes

colgantes, como el que John Roebling
(1806-1869) hace en Brooklyn.

Henri Labrouste (1801-1875), quien se

denominó el “arquitecto del hierro”, realiza las
Biblioteca Nacional y la de Santa Genoveva
en París, usando este material para la Paxton. Palacio de cristal
creación de grandes espacios.

223 
 
El hito más importante se produjo en la
Exposición Universal de París en 1889,
donde se realizaron dos obras de gran
importancia:
• Victor Contamin (1840-1893) y Luis
Dutert (1845-1906) realizan la Galería de
las máquinas, espacio de 420 metros de
largo por 115 de ancho, donde la cubierta
y los pilares forman una sola pieza, de
manera que la armadura se prolonga
hasta el pavimento.
Contamin y Dutert. Galería de las máquinas
Gustavo Eiffel. Torre
• Gustavo Eiffel creará la Torre, una obra
íntegramente prefabricada, que con sus
224 
304 metros de altura indica el camino de
verticalidad que va a seguir la nueva
arquitectura.
Otros edificios donde se plasman claramente
todas estas investigaciones, son los Mercados
y las Estaciones de ferrocarril:
• Victor Baltard (1805-1874) crea el gran
mercado (Le Halles) de París, donde solo
el basamento era de ladrillo, al ser las
columnas de hierro las que soportaban la
armadura de cierre. Mediante claraboyas,
los cristales facilitaban la iluminación y la
ventilación.
• Jacques I. Hittorff (1792-1867) incorpora
todas las investigaciones a la Estación
del Norte de París, a la que dota de una
portada-telón que minimizase el impacto
en el centro de la ciudad.
La Escuela de Chicago
La Escuela de Chicago es el nombre con el
que se conoce al grupo de arquitectos que
trabajaron en la reconstrucción de esta ciudad,
asolada por un incendio en el año 1871. La
mayor parte de las casas que configuraban la
ciudad antigua se realizaron en madera,
siendo el sistema constructivo
extremadamente sencillo, por lo que
cualquiera podía construirse su vivienda en
poco tiempo (eran las conocidas "balloon
frame" o estructuras de madera, término
irónico que aludía a su fragilidad). Sin
embargo, el incendio de 1871 hizo pensar a
los arquitectos en un sistema más seguro que
resistiese los incendios.
Chicago nace en el año 1830, y en poco
tiempo se convirtió en un núcleo de gran
importancia, logrando los 300.000 habitantes
en 1870 y 1.700.000 en 1900, debido a un
desarrollo industrial sin precedentes, a su
condición de nudo ferroviario y a ser un
importante centro de intercambio comercial. El
trazado urbano original era ortogonal, llegando
a medir las calles hasta cuarenta kilómetros, lo
que hacía las comunicaciones muy
incómodas.
Daniel Burnham (1846-1912) y Edward
Bennet (1874-1954) llevaron a cabo el Plan
ordenador de la ciudad de Chicago, basado
en la creación de diagonales sobre la retícula
  El arte de
el siglo XIX 

y un semiccírculo exte erior en fo

orma de víía- re
ecubrimiento o de los elementos constructivo
c os
p
parque. Laa reconstrrucción de e la ciuda ad co ectora contrra el fuego y
on una susttancia prote
p
permitió orrganizarla de una manera
m más la
a introducción de mejo oras en la cimentació ón
lógica, por lo que en el
e lugar más privilegiad
do enn piedra y el ascenso or. Construy yó el prime
er
s dispuso el
se e centro fin
nanciero. eddificio con n esquele eto de hierroh (ho
oy
deesaparecido o), el Ho ome Life Insuranc ce
Building,
B re
ealizado enn 1864. Su u altura erra
nusual (diezz plantas), utiliza el ascensor y
in
tie
ene un armazón
a m
metálico prrotegido de el
fu
uego. El esqqueleto inte
erno de metal soportab ba
ell peso de la
a mamposte ería exteriorr.

B
Burnham y Bennet.
B Plan ordenador de
d la ciudad de
d
Chiicago

La crecien
L nte especculación favoreció
f la
c
construcciónn en altu ura, nacieendo así el
r
rascacielos ó de todas las
s, edificio que necesitó
innovacionees tecnológ gicas. La ausencia de d
t
tradición permitió una graan liberta
ad
c
constructiva
a, llegando a decir Sigfried Gideo on
q
que “por primera vez v en el
e siglo XIX X
d
desaparece e el cisma a entre co onstrucción y
a
arquitectura
a”.

Los retos planteados

L p f
fueron reco
ogidos por un
u
g
grupo de arquitectoss que introodujeron los
s
siguientes e
elementos:

• Emplearron el esq queleto o armazón de d

hierro.
• Desarro ollaron los cimientos
c f
flotantes, co
on
el objetiivo de resoolver los prroblemas qu ue
ocasiona aba la consistencia fangosa del d
suelo dee Chicago.
• Introdujeeron la característic
c ca "ventan na
apaisada de Chicag go".

L iniciad
Los dores

El iniciador de la escue
E ela es Willia
am Le Baroon
J
Jenney (18
832-1907) que preparó desde su s
e
estudio a muchos
m dee los arquiitectos de la
c
conocida c
como seg
gunda gen neración. Su
S Le
L Baron Jen
nney. Home Life Insurance building y
er II (Sears)
Edificio Leite
t
técnica permite eliminar casi porr completo el
m
muro, creanndo entre lo
os pilares ventanales
v d
de
g
gran amp plitud que dan ve entilación e Otro
O de suss edificios es el Priimer Leiterr,
s aportacciones son el
iluminación.. Otras de sus co
onstruido en
e 1879, co on seis alturas y plantta
ba
aja, siendo
o su estrucctura internna de hierrro
225 
 
fundido. Externamente domina una malla
ortogonal, pilastras de ladrillo y amplias
aberturas. El Segundo edificio Leiter
(conocido también como Edificio Sears), fue
realizado en 1889, y es el primero en el que
no existía una sola pared con trabajo activo, y
cuya estructura de hierro permitía la apertura
de ventanales de gran amplitud. Tiene todavía
pilares recubiertos de ladrillo y muros
portantes de contención.
William Holabird (1854-1923) y Martin
Roche (1855-1927), discípulos de Le Baron,
perfeccionaron el sistema de su maestro,
evitando en lo posible los adornos en las
fachadas. Realizan en 1888 el Edificio
Tacoma, con un esqueleto de acero como
único elemento de sostén, donde introducen
las ventanas poligonales. Las paredes se
pueden manejar libremente a la hora de
construir las habitaciones y la fachada carece
de ritmo, creando agrupaciones de dos o tres
plantas.
Daniel Burnham (1846-1912) y John
Wellborn Root (1850-1891) realizan en 1894
el Edificio Reliance, que se caracteriza por
una base de piedra oscura de cinco plantas
que contrasta con la torre de cristal superior
que llega hasta las quince plantas.
Burnham creará en Nueva York en 1902 uno
de los edificios más famosos de la época, el
Flatiron Building (la plancha, por su forma
triangular). Con esta obra convirtió al edificio
en un elemento de propaganda para la
empresa que lo utilizaba.
La segunda generación
Varios autores trataron de dar una visión muy
personal a la arquitectura, por lo que buscaron
salirse de lo corriente.
Henry Hobson Richardson (1838-1886) se
forma en París, de donde le viene su estilo
ecléctico, utilizando revestimientos con
piedras de colores o arcos de medio punto. Su
obra más destacada son los Almacenes
Marshall Field, realizada en 1887 y
actualmente destruida. Asombra en ella la
rotundidad de sus volúmenes y su sobriedad.
Ocupa una manzana, utiliza una estructura
interna de hierro, y su exterior está compuesto
por paredes de piedra bruta almohadillada y
ventanas agrupadas bajo arquerías de medio
punto. Usa sillares sin pulir de granito y
226 
arenisca, lo que le acerca al neorrománico.
Define el tipo clásico de almacén (store), cuya
función será la de exposición y venta.
Henry H. Richardson. Almacenes Marshall Field
Louis Sullivan (1856-1924) será el arquitecto
más destacado de la segunda generación,
estudiando en el Instituto Tecnológico de
Massachusetts, del que marchó para trabajar
en Nueva York, Filadelfia, Chicago (donde
compartió ideas con Le Baron) y París, cuya
arquitectura le decepcionó, no aceptando las
ideas de esta escuela. Será el primer autor
que llegó a expresar de manera teórica la
estética de los rascacielos, a los que llegó a
comparar con una columna antigua:
• El zócalo tendría una función doble, la de
albergar los locales de servicio y la de ser
el punto de conexión entre el edificio y la
ciudad, por medio de una entrada
monumental.
• El cuerpo del edificio (el fuste) contendría
las partes fundamentales, y para acentuar
su verticalidad, agrupaba las ventanas
bajo arquerías o frisos decorativos.
• Los últimos pisos quedaban
enmascarados tras una cornisa muy
desarrollada, algo que recuerda al capitel.
El Auditorio de Chicago toma de Richardson
el gran ventanal vertical, que abarca varios
pisos, así como el aire neorrománico del
exterior. Contrasta la utilización de diferentes
tipos de sillar almohadillado en los pisos
inferiores, con el paramento liso de los
superiores. Internamente introduce una mayor
carga decorativa. Destaca también por su
multifuncionalidad, al albergar, además del
teatro, oficinas comerciales y un hotel.
   
Sullivan y Adler. Auditorio de Chicago
El Edificio Wainwright de San Luis (1891)
retoma la estratificación en altura, concibiendo
la fachada como los elementos de una
columna muy decorativa. En el Guaranty
Building de Buffalo de Nueva York (1894)
trata de demostrar su teoría de que el edificio
debe comportarse como un organismo vivo. El
sótano lo dedica a las calderas; el bajo y
primer piso para vivienda y locales, por lo que
son luminosos y amplios; los pisos altos a
oficinas, siendo todos iguales; y finalmente un
espacioso ático a maquinaria, cables o
depósitos de agua. Desplegará una rica
ornamentación en capas de terracota verde y
roja, uniendo de esta forma la utilidad con la
belleza.
En 1895 se disuelve la lucrativa asociación
que había llevado a cabo con Dankmar Adler
(1844-1900), y que había supuesto la unión
indivisible de arquitecto e ingeniero, algo que
fue muy negativo a la hora de recibir
encargos. De su "solitaria" producción tardía
destaca un edificio de enorme talento, los
Almacenes Carson, Pirie y Scott (1899). Los
espacios interiores eran aprovechables
comercialmente, disponiéndose grandes
escaparates apaisados y departamentos de
227 
El arte del siglo XIX 
ventas en plantas casi continuas. La base del
edificio está revestida por un cubrimiento de
hierro ornamental en el que se dibujan
espirales que adornan los escaparates como
un tapiz. En las plantas superiores los adornos
desaparecen, coronando el edificio con un
tejado que ensombrece la banda de ventanas.
Louis Sullivan. Almacenes Carson
La arquitectura Modernista
La última década del siglo XIX conoció la
eclosión y el desarrollo de una arquitectura
situada entre la tradición historicista y la
renovación moderna. Recibe diferentes
nombres dependiendo del lugar en el que se
desarrolle: Modernismo en España, Art
Nouveau en Europa y Modern Style en los
países anglosajones.
Es un estilo muy cercano a las artes
decorativas, que reacciona ante la “fealdad”
de los productos industriales, aunque usa el
hierro como material esencial para la creación
de sus obras.
Lo más importante es la ornamentación, que
parte de los temas de la propia naturaleza:
• Predominan las líneas curvas y los
arabescos en forma de “golpe de látigo”
 que recuerdan tanto a la caligrafía oriental
como a los tallos de las plantas acuáticas.
• Se imitan flores, animales o elementos
atmosféricos (cisnes, pavos reales o
nubes).
• El cabello de las figuras humanas sirve
para crear composiciones estilizadas y
dinámicas.
• El color es abundante, usándose la
policromía cerámica.
organización interior, al no existir separación
entre las habitaciones. La Casa Solvay
desarrolla admirablemente las curvaturas y en
la Casa del Pueblo crea un Salón de Actos
con vigas curvas que parecían ceder ante el
peso de la techumbre.

Trata de conseguir una fusión entre la vida y el

arte, diseñándose todos los objetos que iban a
ponerse en las casas, desde muebles a
cubiertos o alfombras. Es interesante el
modelado plástico y sinuoso de las superficies
murales y la organización planimétrica,
estando el edificio concebido como un ser
vivo, susceptible de crecimiento y opuesto a la
rigidez abstracta y fría de la arquitectura
clásica. Los interiores están perfectamente
estudiados, dando sensación de integración y Víctor Horta. Casa Tassel
continuidad en los espacios.
Francia
Bélgica
Francia posee una importante influencia de
Es aquí donde se produce el nacimiento del Bélgica, destacando Hector Guimard (1867-
Modernismo más puro. 1942), quien realiza con elementos
prefabricados, entre 1900 y 1905, las
Henry van de Velde (1863-1957) fue un marquesinas de muchas de las Estaciones
artista muy original y verdadero teorizador del del Metro de París.
modernismo. Proyectó su propia Casa en
Uccle, concibiéndola como una obra de arte
total, por lo que diseñó hasta los vestidos de
su mujer y la vajilla.

Guimard. Estación de metro de París

Henry van de Velde. Casa en Uccle
Víctor Horta (1861-1947) asumirá el hierro
como material al servicio de una idea
arquitectónica racional, desarrollando todas
sus posibilidades expresivas. En la Casa
Tassel de Bruselas da absoluta libertad a la
228 
Inglaterra
Destaca Charles R. Mackintosh (1868-1928)
quien anticipa el Movimiento Secesión. Su
obra de volúmenes rotundos contrasta con la
de los “Arts and Crafts” de Morris, algo que se
puede observar en la Escuela de Arte de
Glasgow.
    El arte del siglo XIX 

Viena y el estilo Secesión estructura metálica y las fórmulas

Otto Wagner (1814-1918) concibe sus
edificios desnudos, a base de planos rígidos
revestidos de placados, anunciando la
arquitectura de la Bauhaus (Caja Postal de
Ahorros y la Karlsplatz de Viena).
constructivas tradicionales. Se apoyó
decisivamente en la naturaleza, observando la
disposición de las células orgánicas, las
ramificaciones de los árboles, los huesos y los
tendones animales, lo que dio lugar a una
amalgama arquitectónica muy original.

Joseph M. Olbrich (1867-1908) realiza el

Edificio de la Secesión, obra decorada con
una bóveda metálica y perforada, de
naturaleza botánica que contrasta con lo
macizo de sus volúmenes.

J.M. Olbrich. Edificio Secesión

España

En España, y concretamente en Cataluña, se

produce un renacer cultural y económico,
llamado “Renaixença”. Aunque las grandes
creaciones estuvieron dirigidas a la burguesía
enriquecida y culta, no impidió que llegase a
todas las capas sociales.

La Exposición Universal de Barcelona en 1888

permitió la eclosión de la figura de Lluis
Domenech i Montaner (1850- 1923). Entre
sus obras destaca el Edificio de la Editorial
Montaner i Simón, donde da una absoluta
preponderancia al ladrillo. Para la Exposición
Universal construye el Restaurante, donde la
libertad en el uso de los materiales es
innegable y el gusto decorativo recuerda al
Medievo (es conocido como el Castillo de los
tres dragones). En cuanto al Palau de la
Música Catalana tiene una exuberante Gaudí. Palacio episcopal de Astorga y Colegio de
decoración floral y gran riqueza decorativa. las Teresianas

Pero fue Antonio Gaudí (1852-1926) el gran
creador de la época, escapando su genio a
cualquier delimitación estilística. En su obra
hay mucho de experimentación, unificando
para ello los elementos más evolucionados: la
229 
Su producción se inicia dentro del
historicismo contemporáneo, con raíces
neomudéjares y neogóticas (Palacio
Episcopal de Astorga y el Colegio de las
Teresianas), aunque pronto deriva hacia una
arquitectura
a a dominad da por las forma
as recompuestos en diseños de gran
g riquezza
g
geológicas y orgánicass. ornamental).

Su segund
S da época es mucho más m personal,
a
acusando la influenncia de las forma as
c
curvilíneas del "Art Nouveau" fran nco-belga. Es
E
a
ahora cuando conoce a Eussebio Güe ell,
industrial co
on aficione
es artísticass que fue su
s
g
gran mecennas. Le enncargó doss importante es
t
trabajos:

• La Iglessia de la reecién cread da colonia de

d
Santa Coloma
C de Cervelló, ded la que soolo
realiza la
l cripta y el pórtico. La planta ese
estrellad
da, pero coon las irreguularidades de
d
un orrganismo vivo quue crecie
era
adaptán ndose a un n terreno desigual.
d Las
columna as parecen salida
as de la
naturaleeza, sin refferencia a los órdenes
hasta ah hora usadoss.

Gaudí. Parrque Güell

Para el enssanche de e Barcelonaa crea do os

viviendas doonde la dim
mensión exxpresionista
a,
es
scultórica e incluso irreal, alc
canzan su us
Gaudí. Ig
glesia de San
nta Coloma de
d Cervelló
máximas
m cottas:
• El Parque Güell será un com mpendio de la
imaginación de Gaudí,
G plicada a la
ap • En la Ca asa Batlló, la distribu
ución interio
or
urbaniza
ación. En principio se concib bió se hace más “esponjosa”, al utilizar
u líneaas
como una
u ciudad
d jardín, por lo qu ue sinuosass como límittes de las habitaciones
h s.
proyecta
a las vía as de comunicació
c ón, El tejado está cu ubierto con escama as
respetan dentada de la
ndo la topografía accid verdosass y la fa achada dec corada co on
zona meediante unoos viaductoss construidos elemento os florales d
de intenso cromatismo o.
con m
materiales del lu
ugar. Creea Los balco ones tienenn forma de máscaras,
m lo
recubrim
mientos ce erámicos a base de d que da al a conjunto un aspecto o fantástico
o,
“trencad
dís” (fragmmentos de d azulejos irreal y dee enorme mmovimiento.
230 
 
    El arte del siglo XIX 

Gaudí. La Casa Milá

Durante casi toda su carrera trabajó para una

obra que actualmente sigue en proceso de
construcción, La Sagrada Familia. Planteó un
templo de cinco naves, tres fachadas y
dieciocho torres de intenso contenido
simbólico. Construye la cripta, el ábside, una
de las tres fachadas y parte de sus torres,
concibiéndolo todo como un poema místico
cargado de simbología, realizado con una
gran audacia constructiva.

Gaudí. La Casa Batlló

• La Casa Milá o la Pedrera, ofrece un

sistema constructivo muy renovador donde
confluye una composición dinámica y una
fachada expresionista más que
modernista. Se trata de una
representación simbólica de Montserrat, la Gaudí. La Sagrada Familia
montaña sagrada de Cataluña.
 
 
 
231 
 
 

LA PINTURA ROMÁNTICA
 

El Romanticismo • Resucitan las luces vibrantes gracias al

 
Con la caída de Napoleón y el advenimiento
de la Restauración monárquica, el
romanticismo se convierte en la bandera de
las jóvenes generaciones que intentan
recuperar los principios revolucionarios,
perdidos en ese momento. Ciertos
movimientos de liberación de los pueblos,
como la lucha de los griegos contra el yugo
turco, provocaron el entusiasmo de la masa
popular contra el tirano, haciéndose muy
populares las ideas nacionalistas. Así,
podemos considerar que el romanticismo se
desarrolla de forma paralela a la euforia
neoclasicista, poniendo el sentimiento como
punto de arranque a toda creación artística, y
pregonando un pensamiento filosófico basado
en la supremacía de la sensibilidad sobre el
raciocinio.
La pasión y el pensamiento se expresan con
violencia, llegando el hombre a estar en lucha
consigo mismo. La tensión es tan grande que
el suicidio se convierte en ocasiones en la
única salida, es una auténtica exaltación de lo
pasional (amor, odio o desesperación). Todo
hace que el individuo se retire a su intimidad,
por lo que podemos considerar a los
románticos como seres profundamente
espirituales.
cromatismo.
• Destacan las composiciones dinámicas,
las posiciones convulsas y los gestos
dramáticos.
• El culto al paisaje es también un recurso
que sirve para desplegar colores
luminosos y para encuadrar a los grupos
humanos (los paisajes ingleses de
Constable abren el camino de los pintores
franceses).
• La temática está relacionada con las
revoluciones políticas o los desastres de la
guerra.
Théodore Géricault (1791-1824)
Su vida es el ejemplo más claro del nuevo
estilo, al estar llena de aventuras. Sus inicios
fueron brillantes, alcanzando el primer premio
en el Salón de 1812 con el Oficial de
húsares, obra de gran movimiento y
cromatismo, que resume sus cualidades.

El romanticismo es en definitiva un grito de

libertad, “Libertad en el arte, libertad en la
sociedad; ahí está el doble objetivo”, siendo
los principios de esta nueva tendencia el
individualismo, la conversión de la intimidad
en tema y la exaltación del pueblo.

Francia

A pesar de que la mayor parte de los artistas

se formaron en los talleres neoclásicos de
David, rechazan las convenciones
neoclásicas, saltando sobre ellas para enlazar
con los valores de la pintura barroca. Las
principales características son: Géricault. Oficial de húsares

• Recuperación de la potencia sugestiva del En 1816 se traslada a Roma donde estudió la

color, en detrimento el dibujo neoclásico. pintura de Rafael y Miguel Ángel, algo que le
232 
 
  El arte de
el siglo XIX 

permitió adq
p quirir un prrofundo con
nocimiento de
d ro
ostros de loos enfermos. En la looca retrata a
lo clásico. unna vieja que había maatado a un niño, siendo
la
a serie completa una mmuestra de los mejore es
Pero fue en 1819 cua
P ando alcannzó una gra an re
etratos psico
ológicos de
e la época.
p
popularidad d, al presen ntar en el Salón Oficcial
L
La Balsa de la Medusa, M obra dond de
a
abandona la calma clá ásica y se entrega a la
r
rabiosa acctualidad de un suceso s qu
ue
c
conmocionó ó a la opinión pública a. En julio de
d
1
1816 la fragata "Medu usa" naufraagó cerca de
d
las costas africanas,
a a
abandonand do el capitá
án
(
(hombre quue debía su u puesto a la influenccia
d gobierno
del o de la Restauración Borbónica)) a
u
una tripulacción de 15 50 persona as. La frágil
b
barca estu
uvo largo tiempo a la derivva,
p
produciéndo ose num
merosas mutilacione
es,
e
episodios d canibalissmo y varia
de as rebelionees,
s
sucesos que se conoccieron por la a crónica qu
ue ult. Loca
Géricau
p
publicaron dos de loss quince su uperviviente
es.
A
Antes de iniiciar el cuad ult observó el
dro, Géricau En Londress descubre e la pintuura inglessa
m
movimiento de las ollas y los depósitos
d d
de coontemporánnea y las carreras de
d caballoss,
c
cadáveres, mandando o que le construyera an re
ealizando El
E derby dee Epsom, que
q anticip
pa
u balsa parecida
una p a la
a del suceso
o. la
as obras de Degas.

Gérricault. La ba
alsa de la Me
edusa
G
Géricault. Derrby de Epsom
m
La obra muestra
L m las influencias de Migu uel
Á
Ángel y Ca aravaggio, expresando
e o a través de
d Eugène Dela
acroix (179
98-1863)
u
una compo osición trian
ngular, la lucha por la
v
vida y la essperanza que
q nace de e ese horro
or, Será el prrincipal arrtista del movimientto
c
cuando los supervivie entes consiguen divissar ro
omántico frrancés, deefendiendo durante su s
u barco en
un e el horizo onte. El dramatismo se s vida una teoría
t artíística libre
e frente al
a
o
observa en la base del cuadro, op poniéndoseea clasicismo y academicissmo de Ingrres.
la esperanzza, que se representa a en la parrte
s
superior. E autor prretende co
El on todo essto Téécnicamentte su paleta evoluciona
e
expresar la
as diferenccias de priivilegio enttre co
ontinuamen nte, siendo el color un na forma de
c
clases y la desigualda ad social en
n general. Se
S ellocuencia, una manera de subrayar lo os
t
trata, por taanto, de un cuadro-m manifiesto del
d ge
estos y lass composicciones más s dinámicass.
m
movimiento romántico que no fu ue entendid
do Ama
A el colorr puro, preffiriendo las tonalidadees
p el gran público.
por p uertes, anticcipándose a los impre
fu esionistas al
a
da
ar prioridad d a los colores comp plementarioss.
Regresa a París en 1821, frecuentand
R do Sus influenciias están mmuy cercana as al colorido
h
hospitales y manicommios donde
e plasma la
as de
e Rubens y los ven necianos, aunque
a serrá
p
pasiones d
dominantes
s del hommbre en los Goya
G el artissta que máss le caló.
233 
 
En 1822 el Salón oficial acepta La barca de
Dante, obra que provocó fuertes
controversias, siendo defendida por escritores
y periodistas. El lienzo muestra como Virgilio,
Dante y otros personajes se estremecen ante
los horrores del Infierno. Asombra el
predominio de las manchas de color sobre el
dibujo, creando un ambiente sensual y
envolvente, donde es patente la influencia de
Géricault.
Delacroix. La barca de Dante y La matanza de
Quíos
En el Salón de 1824 presenta La Matanza de
Quíos, obra que analizaba un tema tan actual
como la guerra de independencia griega ante
los turcos, quienes habían enviado a la isla de
Quíos un potente ejército que aniquiló a
numerosos griegos. Solo podemos apreciar
dolor, muerte y angustia, dominando en el
234 
centro el inquietante vacío que compone el
paisaje de la batalla.
Conforme avanza su producción su obra
empieza a estar dominada por el compromiso
social y político:
• La Muerte de Sardanápalo narra la
leyenda de un rey asirio que prefirió su
muerte y la de los suyos antes que la
rendición. La gama cromática parece
explotar, sobre todo el rojo, que genera
una turbación emocional.
Delacroix. La muerte de Sardanápalo
• La Libertad guiando al pueblo está
basada en las luchas revolucionarias
callejeras de 1830, siendo el personaje
principal la mujer que las lideró. La
escena tiene una composición triangular,
exaltado simbolismo y mezclas de la
realidad histórica y la alegoría.
Delacroix. La libertad guiando al pueblo
  El arte de
el siglo XIX 

A partir de 1832, y tra

as un viaje a Marrueco
os es
spacios noo naturales, paisajes interiores o
s decide por la temática oriental, exotism
se mo mentales,
m s
siendo n alegato contra el
un e
m del gussto románticco.
muy materialismo
m nalismo, deffendiendo la
o y el racion
im
maginación por encima ón. Captó la
a de la razó
C
Camille Co
orot (1796-1
1875) ab
bstracción y el simbo olismo a pesar
p de su
s
en
ntorno r
realista, como ocurre
o e
en
Fue un artissta independiente, que
F e actualmen nte Nabucodon
N osor o El aanciano de los días.
e conside
es erado un pintor rom mántico. SinS
e
embargo, s producción va a estar má
su ás
c
centrada enn el paisaje
e, al ser muy estrechas
las relacionnes que mantuvo
m conn la escue ela
r
realista de Barbizón. SuS pincel ese de colores
s
suaves, íntiimo y sin estridencias
e s, su estud dio
d la luz es consta
de ante y su u renovació ón
c
contante. C
Con gradacciones de luz da a los
c
colores una mayor o menor profundida ad,
llegando a decir “el color es un encan nto
s
suplementa ario, que debe usarse u co
on
d
discreción”. Por su coonquista deel aire influyyó
n
notablemen nte en loss impresio onistas. Sus
c
característiccas se pueeden observvar en obra as
c
como La Ca atedral de Chartres, La danza de d Willliam Blake. N
Nabucodono
osor
l ninfas o El puente
las e de Narni.

ohn Consta
Jo able (1776--1837)

Se trata de uno de lo os primeros s paisajista

as
modernos,
m p
pintando al a
aire libre y huyendo deel
ta
aller, por lo
o que se le e puede co onsiderar un
prreimpresionnista. Defieende que la fuentte
es
sencial de e un artissta es la naturaleza a,
ellaborando sus boce etos al aire libre y
co
omponiendo o más tardee sobre ellos el cuadro.

Camillle Corot. La danza de lass ninfas

Inglaterra

Sus principa
S ales caracte erísticas so
on la cercan
nía
a empirism
al mo y una grran sensibilidad. No les
a
atraen los temas
t polítticos, ya qu
ue el sistem
ma
p
parlamentarrio inglés lle
evó al país a un perioddo
d clara tra
de anquilidad, por lo qiue e se centra
an
m en la naturaleza.
más
Constable.
C La
a catedral de
e Salisbury viista desde lo
os
praddos
W
William Bla
ake (1757-1827)
Se preocupa a por el tratamiento dee la luz, po
or
Fue el prin
F ncipal repre
esentante de
d la pintu ura su
us reflejos y sus m movimientoss, buscando
v
visionaria, s
siendo conssiderado el precursor del
d re
epresentarla
a en lo graande y en lo pequeño o.
S
Surrealismo o. Sus obrras hacen referencia a Comentó
C quee la viveza de sus verd
des se debíía
235 
 
a que cada pincelada era la superposición de Alemania
una serie de tonos verdosos diferentes
(pintura espesa y grasienta), no mezclando los
colores. Embellecía la naturaleza al considerar Caspar David Friedrich (1774-1840)
que no había nada feo, favoreciendo sus
obras “abocetadas” la subjetividad de esta
Representa la versión más idealizada del
idea. Destacan La Catedral de Salisbury
romanticismo, dominando el paisaje fantástico.
vista desde los prados y El Carro de Heno,
Considera que un pintor debe pintar no solo lo
obra expuesta en el Salón de París de 1824 y
que ve ante sí, sino también lo que ve en el
que causó un fuerte impacto entre los jóvenes
interior de sí mismo. Observará la naturaleza
románticos ya que es el primer ejemplo de
hasta convertirla en algo casi religioso, dando
pintura de seis pies.
muestra de la infinitud de sus dimensiones.
Joseph William Turner (1775-1851) En obras como El caminante frente al mar
de niebla, nos obliga a mirar lo mismo que el
Terminó desfigurando la materia pictórica, lo protagonista, haciéndonos participe de la idea
que abrió definitivamente el camino a la de que lo sublime solo está en nuestra mente.
pintura contemporánea. El uso del color es En El naufragio de La Esperanza, presenta
provocativo, y lo aplica de tal forma, que eleva la calma que sigue a la tormenta, o lo que es
el paisaje a la máxima categoría. Experimentó lo mismo, el silencio de la muerte.
continuamente, sustituyendo a los seres
humanos y los objetos por elementos
naturales, como el agua, viento, tierra y nieve.

Representa la naturaleza en su estado más

sublime, enérgico, caótico y desenfrenado
(Tempestad en la nieve o Tempestad de
nieve). La luz desmaterializa las formas,
creándola a base de grandes manchas o
mediante transparencias, como en El
Temerario camino del desguace o Ulises
burlando a Polifemo.

Friedrich. El caminante frente al mar de niebla

Turner. El Temerario camino del desguace
Los hermanos de San Lucas o los
Esta paulatina pérdida de la forma y el Nazarenos
incremento cada vez mayor de la luz, se
observa también en Lluvia, vapor y
Son los representantes más genuinos del
velocidad, claro ejemplo de lo cambiante que
romanticismo alemán. Buscaban mediante
se puede mostrar la naturaleza, y modelo que
una vida monástica, un arte neo-alemán
segirá Monet a la hora de realizar la estación
religioso y patriótico, caracterizado por tener
de San Lazare.
un fondo religioso exaltado y apocalíptico,
236 
 
  El arte de
el siglo XIX 

parecido al de los pre

p errafaelitas ingleses. Las Feederico de d Madrazo (1815-1894) es el e
influencias son muy va ariadas, deesde Rafael a prrincipal reepresentantee de la pintura de
D
Durero, de
estacando Friedrich h Overbec ck hiistoria (Des
spedida de e Don Álva aro de Lunna
(
(1789-1869 ) y Peter Cornelius (1783-1867).. en
n el patíb íbulo) y d del retrato, donde se s
de
esenvuelve ad. Su dibujo
e con mayorr originalida
y colorido procede de Vicente Ló ópez, siendo
su
us figuras femeninas de porte distinguido o,
co
omo La Co ondesa de e Vilches. Su prestigio
en
n la España a de la épocca será enoorme.

Antonio
A Essquivel (18 806-1857) ese el mejo or
coontinuador de la ttécnica re etratista, no
lib
berándose del gusto academicis sta. Destacca
Zorrilla
Z reciitando en el estudio del pintorr,
obbra que ilusstra el ambiente de la época.
é

Eugenio Lucas (1817--1870) man ntuvo vivo el

e
in
nterés por los personnajes populares, como
to
oreros o bandoleros, y por asunto
os cargado
os
dee emoción, consideran
ndo a Goya su maestroo.

Le
eonardo Alenza (1 1807-1845) dejó una
O
Overbeck. Ge
ermania e Ita
alia ab
bundante colección
c de dibujos y grabado
d os
de
estinados a publicacio
ones perioddísticas. Su
us
ob
bras estánn llenas de e folklore y de tipo os
E
España po
opulares, acercándosse también n a Goya a,
co
omo ocurre con la Sátiira de un suicidio.
s

Tiene com
T mo caraccterística principal la
p
prolongació ón del cla asicismo, lllegando co on
r
retraso los brotes romá ánticos. A pesar
p de quue
n
numerosos autores ro
ománticos reecogieron de
d
E
España lass principale
es ideas del
d estilo, non
llegó a cuajar la idea, al a centrarsse
b
básicament e en lo ane
ecdótico y co
ostumbrista
a.

Leonard
do Alenza. S
Sátira de un suicidio
s

Genaro
G Pérrez Villaam
mil (1807- 1854) fue un
Federico de
d Madrazo. La Condesa
a de Vilches dor del paisaje, dond
grran cultivad de incluye a
ba
andidos, co omo en El c
castillo de Gaucín.
G

237 
 

LA PINTURA REALISTA
El Realismo
 
 
A mediados del siglo XIX, una vez vencido el
neoclasicismo, el romanticismo deja paso a
una corriente de interés por la realidad
concreta, denominada realismo. Las razones
de este cambio se deben a:
• Definitiva implantación de la burguesía,
que trata de disfrutar de los placeres de la
vida, olvidándose de los principios de
1789.
• El positivismo de Augusto Comte, quien
considera que la observación es la única
fuente de conocimiento.
• La conciencia que tienen los artistas de los
graves problemas sociales que acarrea la
industrialización.
• El desencanto por los fracasos
revolucionarios de 1848, que hace olvidar
los temas políticos, centrándose en los
sociales.
El bienestar material se traduce en una mejora
sensible de la arquitectura y del urbanismo,
renovándose la mayor parte de las ciudades
del mundo en busca de mejores condiciones
higiénicas y de amplitud. En este ambiente
surge la clase trabajadora o proletariado,
exaltándose el trabajo, la miseria y la
servidumbre, es decir, la realidad. La pintura
realista tiende a representar al hombre en sus
tareas más normales, sin idealizarlo, siendo el
tema de la fatiga motivo de inspiración (el arte
utiliza la temática político-social).
Francia
Francia será nuevamente el centro de una
corriente artística, en este caso la realista.
Gustavo Courbet (1819-1877)
Nació en el seno de una familia acomodada
de Ornans, iniciándose en la pintura con un
discípulo de David. Se consideró el único
pintor capaz de iluminar nuevas formas de
verdad y belleza como forma de acabar con lo
anticuado del estilo parisino. En 1839 se
238 
desplaza a Madrid, donde se interesa por las
obras de Chardin, los hermanos Le Nain y los
españoles Ribera, Zurbarán, Murillo y
Velázquez.
Los acontecimientos revolucionarios de 1848
hicieron mella en su obra, como se observa en
los lienzos que presentó en los Salones
Oficiales, donde irrumpe con una temática
rural y social.
En Los picapedreros muestra de forma cruda
lo rutinario de la vida de un obrero, mediante
gruesos empastes y un tamaño del lienzo de
grandes proporciones. En la obra no exalta el
trabajo, sino que condena ese tipo de vida.
En Entierro en Ornans traslada un inmenso
fragmento de la realidad rural de Ornans al
ambiente refinado de París. Courbet
caracterizó a los casi cincuenta asistentes al
entierro de su abuelo y los dispuso
horizontalmente frente a la fosa, en una
composición poco jerárquica y desordenada,
que queda interrumpida arbitrariamente por
los extremos. El espectador se sitúa al mismo
nivel que los aldeanos y asiste simbólicamente
al humilde entierro. La temática causó gran
polémica, dominando las gruesas manchas
que son aplicadas con paleta o cuchillo.
Courbet. Entierro en Ornans
Su "amor" a la polémica le lleva a crear obras
que chocan completamente con la sociedad
de la época, como El sueño, donde aborda el
tema del lesbianismo. La obra es directa y
desinhibida, lo que le hace partícipe de los
principios realistas.
Su completo narcisismo le llevó a realizar
numerosos autorretratos, muchos de los
cuales presentó en los Salones, donde
exaltaba su propia belleza e indolencia. Su
  El arte de
el siglo XIX 

más famoso y comple

m eto autorretrato será El tra
abajo. Suss cuadros sse caracterizan por la
e
estudio el pintor, obra recha
de azada, com mo se a calma, assí como porr expresar la
encillez y la
o
ocurrió con el Entierro, en el Salóón de 1855 5y aternidad humana, pintando campesino
fra os
q
que se haa consideraado un pre ecedente del d allejados del trasiego de e la ciudad, que rezan
n,
impresionismmo al cap ptar con habilidad
h los siienten fatiga
a y necesita
an descanso.
juegos lum mínicos. LaL compo osición esstá
integrada por
p unas tre as, presididas
einta figura En las Es spigadorass represen nta a tre es
p
por el auto
orretrato deel artista que
q pinta unu mujeres
m trab
bajando, a las que roodea de una
p
paisaje cammpestre de su
s región natal,
n y al quue arrmoniosa se
erenidad, elegancia y simetría.
s
a
acompañan n una muje er desnuda a y un niñ ño,
g
grupo que nos
n indica el apego del d pintor a la
n
naturaleza.

C
Courbet. El esstudio del pin
ntor
Millet. Las e
espigadoras
A la izquie erda se representan las diversas
c
categorías s
sociales: n cazador, un sacerdo
un ote El
E Ángelus s es una muestra de d cómo la
c
católico, u
un rabinoo, un jo ornalero, un u usteridad del color favvorece la ex
au xpresión y la
s
sepulturero, , una prosstituta, un arlequín qu ue co
ondensacióón de los ssentimientos s religiososs.
e
encarna al teatro, o un mode elo de yesso, Se trata dee una composición muy m austeraa,
imagen ca aduca del arte aca adémico. La L do
onde la tammizada lum minosidad nos
n ayuda a
g
guitarra, el sombrero y el puñal que q hay en el co
omprender la sencillez que ro odea a lo os
s
suelo son lo
os anticuado os atributoss de la poessía ca
ampesinos.
r
romántica. A la derecha
d epresenta a
re
p
personajes que simbo olizan diverssos aspectos
d arte y de
del el pensamie ento moderno.

Contrariado
C o por el rechazo de d la obrra,
o
organizó un
na exposicióón individua
al de caráctter
p
privado, donnde expusoo sus obras,, poniendo en
e
la puerta un
n cartel que decía "el Realismo".
R

J
Jean Franç
çois Millet (1816-
( 1879
9)

Nació en el seno de una

N u familia acomodad da,
iniciándose como pinto
or en el rettrato y en lo
os
c
cuadros eró
óticos, don
nde exaltab ba el cuerp po
f
femenino (D
Desnudo feemenino ac costado).

Desde 1848
D 8 su temáttica es má ás cercana al Millet. El Ángelus
p
proletariadoo, huyendo de París y buscando un u
r
retorno o rural, lo que le hace establecersse
a lo Dentro
D de la crítica social destaca
d lo
os
e Barbizón
en n a cuya comunidad
c se adscribió. Canteros,
C o
obra ada es cada
donde la pincela
S
Supo beberr del arte paisajista
p de la escuela, ve
ez más su uelta, que permite al espectado
or
a
aunque s
se caracte erizó máss por dar d entrarse únicamente en el mensajje.
ce
importancia a la figu ura human na en plen no
239 
 
H
Honoré Dau
umier (1808-1879) El artista máás destacad do y jefe ind discutible es
e
Théodore Rousseau
R (1812-1867 7), quien no
Practicó la litografía, el
P e dibujo (ess de los má ás obbservaba la a naturalezza con la intención de
a
afamados dibujantes de su época) é y la id
dealizarla, sino con el ccompromiso o de copiarla
c
caricatura p
política, ofreeciendo ag gudas críticas fie
elmente ha asta el d detalle (Va acas en el e
d gobierno
del o y realizanndo una exa altación bruttal pastizal). See opondrá a al por lo que
al arte oficia
d la realida
de ad. Su realismo está al a servicio de
d suus obras fueeron constaantemente rechazadas
r s.
la causa republicana a, lo que e le supusso
m
múltiples c
censuras (rrelación arttista-política
a).
S sirvió de
Se e los medios de comun nicación paara El
E realismo
o inglés: lo
os Prerraffaelitas
d
difundir su mensaje
m poolítico y pictó
órico.

Sus temas evocan

S e el mundo
m de la
a marginació
ón Surge en Inglaterra
I un grupo de artista as
y de las reivindicacion nes como en
e Vagón de d ajjenos a cua o de inquiettud social, y
alquier tipo
t
tercera, onde representa a una familia
do quue respond dieron con su obra a la crecientte
p
proletaria que vive con resignada a dignidad la in
ndustrializacción que less rodeaba. La principa al
p
pobreza de las urbes. fin
nalidad erra la cop pia fidedig gna de la
naaturaleza, buscando sus mode elos en la as
obbras del quattrocento o y Rafael, llegando a
seentir nosta algia de la Edad Media. Se
soobrevalora el contenid do literario, teniendo la
as
id
deas más im mportancia que la pro opia pintura
a.
Deben
D muccho a la a influenc cia de lo os
Nazarenos, por lo qu ue la temá ática de laas
prrimeras obrras fue relig
giosa.

Jo
ohn Evere ett Millais (1829-18996) será un
au
utor de ejeccución minu
uciosa y ca
aligráfica. En
Lorenzo e Isabella sigue el dibujod y la
co
omposición caracterísstica del quattrocento
q o.
La muerte de ema literario
d Ofelia rrecoge el te
de
e Shakesp peare, describiendo fielmente
f la
D
Daumier. Vagón de terce
era na
aturaleza que
q rodea al riachuelo, donde la
da
ama flota se
emiinconscciente.

L escuela
La a de Barbizón

Esta escue
E ela francesa a reúne a una serie ded
p
pintores quee abandona an París y se
s refugian en
e
B
Barbizón, preconizanndo una vuelta
v a la
n
naturaleza, por lo que pintan dire
ectamente del
d
n
natural.

M
Millais. La mu
uerte de Ofeliia

Dante
D Gabrriel Rossettti (1828-1882) realizza
ob
bras de pe erfiles más severos, muy
m influido
po
or los fresscos del qquattrocento
o, como La L
Anunciación
A n, donde
e la composició
c ón
re
enacentista refleja la
a pureza e inocencia
Thèodorre Rousseau
u. Vacas en el
e pastizal fe
emenina, o la Beata B Beatrix. Co
on el tiemp po
se
e acercó al simbolismmo y al antinaturalismo o,
240 
 
   
apoyándose en textos clásicos, como la Divina
Comedia o la Muerte de Arturo, de donde sacó
múltiples modelos. Sus figuras no están
muertas, sino que mantienen la frescura.
España
En España el realismo se aleja en cierta forma
de lo que estaba ocurriendo en Francia,
ocupándose de dos temas fundamentales: la
pintura de historia y la del paisaje.
La pintura de historia
Tiene como principal cliente al Estado y a las
corporaciones públicas, con temas de gran
erudición que dan mucha importancia a la
verosimilitud, representándose el heroísmo y
la abnegación hispana, es decir, el
patriotismo.
José Casado de Alisal (1832-1886) con La
Rendición de Bailén ofrece una auténtica
lección de ética de guerra, centrando su
atención en la psicología y en los gestos de
los distintos grupos de personajes.
Antonio Gisbert (1835-1886) en el
Fusilamiento de Torrijos y sus
compañeros, observa la espantosa frialdad
de la muerte con personajes a los que observa
casi en primer plano, rodeados por un
profundo paisaje.
Eduardo Rosales (1836-1873) muestra en el
Testamento de Isabel la Católica una
enorme naturalidad, acercándose a la
sobriedad y elegancia de los mejores cuadros
Velázquez.
Rosales. El testamento de Isabel la Católica
241 
El arte del siglo XIX 
Francisco Pradilla (1848-1921) se consagra
gracias a obras como La rendición de
Granada o Doña Juana la loca ante el
cadáver de su esposo, de gran precisión,
tanto en los detalles de las vestimentas como
paisajísticos.
El paisaje realista
Carlos de Haes (1826-1898) supo influir en
los artistas de su época al ser profesor de la
Escuela de San Fernando. En sus obras
domina un paisaje brumoso tras el que se
descubren algunos de los rincones más
escondidos de las montañas hispanas.
Aureliano de Beruete (1845-1912) estuvo
muy influido por Haes, decidiendo trabajar
solo en medio de la naturaleza, donde refleja
los paisajes castellanos. Sus últimas obras,
sin dejar la influencia de la luz velazqueña, se
acercan al impresionismo, aunque sin asimilar
sus métodos.
Aureliano de Beruete. La pradera de San Isidro
Mariano Fortuny (1838-1874) será una figura
independiente dentro del realismo hispano. Su
obra va a sufrir continuas modificaciones,
dominando su fase orientalista, donde captará
la belleza africana y las luchas entre
españoles y musulmanes. Sus últimas obras
enlazan con el luminismo impresionista y los
nabis.
Fortuny. Los hijos del artista en el salón japonés

EL IMPRESIONISMO PICTÓRICO
Introducción
 
 
La pintura del siglo XIX tiene como
preocupación fundamental la representación
de la luz. En el último cuarto de siglo, el
impresionismo culmina esta tendencia al unir
visión y luz, y afrontar el problema de la
representación del paisaje con sus elementos
fluctuantes y sus circunstancias atmosféricas.
Nace como una derivación del realismo, ya
que si este pinta la existencia, el
impresionismo se basa en la apariencia.
La captación de la luz mediante toques
cromáticos sueltos fue la ambición de todos
los grandes maestros, técnica que ya venía
anticipándose desde hacía tiempo.
• Piero della Francesca, en el siglo XV.
• Leonardo y Tiziano en el siglo XVI.
• Velázquez, Frans Hals y Rembrandt en el
barroco.
• Constable y Turner en el romanticismo.
Las nuevas tendencias científicas (el
positivismo y Darwin), llevan al pintor a
sentirse comprometido con la búsqueda de la
verdad visual, así como con la representación
de un mundo de sensaciones. Los pintores
consideraron que debían seguir las teorías de
los físicos en la investigación de los efectos
luminosos. Así, se busca lo fugitivo, lo
vaporoso, los humos de las aglomeraciones
urbanas, es “el combate del tiempo y la luz
contra la materia sólida”.
El Impresionismo saldrá al campo en busca de
lo fugitivo, de la luz, tratando de combatir a la
fotografía, emulando así lo que había
anticipado la Escuela de Barbizón. Fijarán en
la obra las impresiones momentáneas de la
naturaleza, teniendo el artista que enfrentarse
directamente con el objeto, y trabajar deprisa,
para poder de esta manera plasmar el rápido
cambio de los colores. Gracias a todo esto se
puede adivinar, no solo la estación, sino la
hora del día, y estos cambios se hacen aún
más claros en la representación del agua.
La técnica se convierte en lo más original de la
pintura del siglo XIX, basándose en lo
siguiente:
242 
• Se entusiasman con la teoría de los
colores propuesta por Rood y Chevreul,
según la cual existen tres colores
primarios (amarillo, rojo magenta y azul
cian). Si los unimos a partes iguales
surgen los secundarios (bermellón, verde y
violeta) y si es entre primarios y
secundarios, los terciarios. Sin embargo,
los colores no deben fundirse en la paleta,
sino que ha de ser el ojo del espectador el
que lo haga.
• Tienen una innovadora forma de plasmar
la luz, afirmándose que los objetos solo se
ven en la medida en que la luz incide
sobre ellos.
• Colorean las sombras, que dejan de ser
oscuras, reduciéndose a espacios que
poseen tonalidades complementarias.
• Pincelada suelta que permite traducir
mejor las vibraciones de la atmósfera,
desarrollando una técnica de toques
yuxtapuestos con colores claros.
El iniciador: Èdouard Manet (1823-1883)
Aprendió en un taller academicista, siguiendo
en sus primeros cuadros al realista Courbet.
Su idea de modernidad se basa en que no da
importancia al tema, tratando a las personas
como objetos de un bodegón, por lo que es
aquí donde se distancia del realismo. Así, en
Concierto en las Tullerías muestra las
costumbres de un grupo de ciudadanos que
disfrutan de su tiempo de ocio, mediante una
planificación compositiva poco estructurada y
pinceladas sueltas.
La estricta selección que para el Salón Oficial
realizó el jurado en 1863, provocó que algunos
artistas decidieran exponer de manera
paralela en el denominado “Salón de los
Rechazados”, al que presentó El almuerzo en
la hierba. La obra provocó un gran escándalo
al aparecer una mujer desnuda, y conocida
por el público (Victorine Meurent), que mira al
espectador entre dos hombres. Gran parte de
este rechazo se debía a los duros contrastes
lumínicos, que unidos al claroscuro del
desnudo suponía una clara falta de respeto a
la tradición pictórica. Sin embargo, Manet solo
había seguido modelos encontrados en los
    El arte del siglo XIX 

museos, tale como El almuerzo Campestre de consiguiendo la atmósfera que sí consigue

Giorgione. Esta obra ofrece muchos de los Velázquez.
fundamentos técnicos del nuevo estilo,
utilizando con prudencia el pincel grueso.

Manet. El desayuno en la hierba

Olimpia es el cuadro que presentó en la

exposición de 1865, un homenaje a la Venus
de Urbino de Tiziano y a la Maja de Goya,
provocando otro escándalo por la mirada
directa de la modelo (otra vez Victorine
Meurent) que era de un "descaro intolerable".
En lugar de una diosa veneciana, mostraba a
una prostituta parisina orgullosa de su
desnudez. En este caso le interesó la
utilización de dos tintas con fuerte contraste,
una clara y otra oscura, subrayando en negro
los contornos.

Manet. El Pífano

• El balcón es otro homenaje a Goya

(Majas en el balcón), siendo muy criticada
la incertidumbre que provocaba, al
desconocerse hacía donde miraban los
personajes. Manet había logrado destruir
con estas obras “la narración y el tema”,
por lo que el color era su verdadero fin.

Siguiendo la tradición de Courbet, llegó a

Manet. Olimpia
Hay en su obra un marcado “españolismo”
que reafirma al visitar el Museo del Prado en
1865. Allí encontró modelos de su agrado, a
los que dio una visión muy personal.
• El Pífano es un homenaje al Pablillos de
Valladolid de Velázquez, aunque en Manet
hay mayor planitud en los colores, no
243 
realizar numerosos retratos, como el de Émile
Zola, donde el esquemático e inexpresivo
perfil distrae la atención del espectador y
resalta los objetos circundantes, donde
sobresalen referencias al arte oriental, tan de
moda en ese moemento.
Podemos considerar que desde 1872 entra de
lleno en la etapa impresionista, marchando a
la ciudad de Argenteuil, donde pintará al aire
libre junto a Monet y Renoir (Argenteuil).

Manet. Pintando en Argenteuil
La formación del grupo
A mediados de los sesenta, un grupo de
realistas reunidos en torno a Manet,
decepcionados por sus fracasos en las
exposiciones oficiales, deciden organizarse al
margen de ellas. De forma paralela, los
coleccionistas empezaron a apoyar a estos
artistas independientes, siendo la figura de
Paul Durand-Ruel decisiva, ya que invirtió en
ellos y publicó en 1873 un catálogo con sus
obras.
Poco después estos artistas se constituyen en
“Sociedad anónima cooperativa", surgiendo de
aquí la primera exposición del grupo, realizada
en 1874 en el parisino local del fotógrafo
Nadar. A esta exposición le siguieron otras
siete, siendo la última en 1886.
Local del fotógrafo Nadar. París
244 
El periodista Leroy se burló sarcásticamente
del cuadro de Monet, Impresión, sol
naciente, que termina dando nombre al grupo.
Leroy dice: “Esa pintura, a primera vista vaga
y brutal, nos parece ser al mismo tiempo la
afirmación de la ignorancia y la negación de lo
bello y lo verdadero”. La exposición que se
realizó dos años después en La Rue Le
Peletier, tampoco tuvo éxito, diciendo el crítico
de Le Figaro: “... el inocente visitante entra y
se ve sorprendido por un cruel espectáculo...
se llaman a sí mismos intransigentes e
impresionistas...”. En 1877 las burlas se
centran en el artista más avanzado, Cézanne,
cuya geometrización de la realidad se
apartaba de los planteamientos sensoriales de
sus compañeros.
Monet. Impresión. Sol naciente
Los artistas impresionistas
Claude Monet (1840-1926)
Fue el más poético del grupo, creando
marinas, paisajes y escenas fluviales, que
definen verdaderamente el impresionismo. Es
considerado el representante más fiel de la
percepción inmediata de lo visible, la nueva
forma de realismo que no alude a lo que
ocurre, sino que se detiene en la
contemplación. En cierta forma sigue las
pereferencias de la nueva sociedad, a la que
empezaba a agradarle la pintura rápida a
modo de estudios, siempre que se relacionara
con el tema del paisaje.
Tras pasar unos años con problemas
personales, marchó a Inglaterra donde
conoció a Pisarro y profundizó en la obra de
    El arte del siglo XIX 

Turner, sucesos que le influirán decisivamente

en la percepción de la luz y del color.

Decisiva será también su estancia en

Argenteuil en 1872, ya que le permitió pintar al
aire libre y plasmar los centelleos luminosos
en la superficie del agua (Las amapolas de
Argenteuil, o El puente).

Monet. Estación de Saint Lazaré

Sus últimos treinta años los pasa en torno al

Monet. El puente de Argenteuil
jardín de agua de Giverny, donde realiza sus
series del Estanque de las ninfeas, que
muestran un grado supremo de disolución
etérea, al reflejarse las luces temblorosas
sobre la superficie del estanque. Estas obras
calaron pronto en artistas como Cézanne,
Kandinsky o Picasso.

Esenciales son sus series de repetición,

sobre todo las de la Catedral de Rouen *,
más de cuarenta ejemplares observados
desde el mismo ángulo y que realizaba
prácticamente a la vez, demostrando el
escaso interés que tenía el tema, y la
preocupación por la luz y el color fugaz. Son
una de las muestras más claras de lo que
supone el arte impresionista.

Monet. Las ninfeas del jardín de Giverny

Al final de su vida sus obras vibran,

mezclándose rayas anaranjadas, rojas, azules
y amarillas, manchas que resultan un anticipo
Monet. Catedral de Rouen de lo que más tarde será el arte abstracto.

Su obra busca captar cada vez más las
formas en continua vibración, algo que logra
pintando en las estaciones y captando el
humo y la nueva arquitectura de hierro, como
vemos en La estación de Saint Lazaré.
245 
Camille Pisarro (1830-1903)
Es el mayor del grupo y el patriarca del paisaje
impresionista. Captará la luz de los árboles en
huertos con figuras campesinas, en una clara
influencia de Millet, Corot y Courbet
(Almendros en flor). Es el pintor de lo
terrestre y lo sólido, estando sus escenarios
poblados por labradores. Posee una fase
puntillista, donde se interesa por la obra de
Sisley y Signac.
Pisarro. Almendros en flor
Pier Auguste Renoir (1841-1919)
Aplica la visión impresionista a la figura
humana, y especialmente al desnudo, siendo
un artista en el que tiene mucho peso la
tradición. Pintó junto a Monet a orillas del
Sena, participando en la exposición de 1874
con obras como El Palco, donde domina la
técnica de pinceladas sueltas fundidas entre sí
Renoir. Le Moulin de la Galette
En la segunda exposición impresionista de
1876 expuso el Moulin de la Galette que
recoge los momentos de un baile al aire libre
en una terraza de París, mediante una
sucesión de manchas centelleantes que se
deslizan al ritmo de la música, y unos árboles
que permiten el paso de una luz que ilumina la
escena. Su aprecio por las reuniones públicas,
246 
los bailes y las fiestas lo podemos ver también
en El almuerzo de los remeros.
En sus desnudos opulentos le interesaban los
efectos de la luz sobre la piel, jugando con su
irregularidad, con las manchas de luz
salpicadas fragmentando las formas y
modificando los colores locales (Torso de
mujer al sol). Las pinceladas se alargan,
desapareciendo la línea recta.
Renoir. Después del baño
En su obra no hay elementos que tengan más
o menos importancia, ya que distribuye por
toda la obra las llamaradas de color. Sus
penurias económicas concluyen con el éxito
de la exposición impresionista de 1886 en
Nueva York.
Edgar Degas (1834-1917)
Su aprendizaje fue clásico, siguiendo a los
artistas parisinos a partir de 1862. No pintaba
improvisadamente, sino que trabajaba a partir
de estudios previos donde todo está
calculado, demostrando la profunda herencia
clasicista.
Tuvo devoción por Ingres, siguiendo su
consejo de que pintara líneas, aunque su
paleta evolucionó rápidamente hacia el color,
como ocurre con la Familia Bellelli, en donde
   
se sirvió de la técnica del pastel, creando una
escena marcada todavía por el estatismo.
Degas. La familia Bellelli
Hasta mediados de los setenta, la mayor parte
de su obra eran retratos que reflejan, sobre
todo, interiores de viviendas burguesas y a las
clases trabajadoras (Las planchadoras).
Degas. Las planchadoras
Estudia detenidamente el ballet, la ópera y las
carreras de caballos, no mostrando a los
animales al galope, sino al paso, de manera
apacible (El desfile), heredando la temática
iniciada por Gericault.
Recorrerá también las clases de danza,
relacionando caballos y ballet, al encontrar
aquí grupos de figuras en acción sin
necesidad de urdir ninguna historia. Le
interesa el escorzo y el movimiento (La clase
de danza).
247 
El arte del siglo XIX 
Degas. Caballos antes de la salida y Clase de
danza
Será un impresionista de la forma más que del
color, habiendo en muchas de sus obras luces
pálidas que sustituyen a las luces brillantes de
otros autores.
Alfred Sisley (1839-1899)
Coincide con Monet en que también realiza
temas acuáticos, aunque con menor brillo,
siendo un enamorado del paisaje fluvial.
Berthe Morisot (1841-1895)
Tras recibir la influencia de Corot y Manet, se
decide por seguir una técnica puramente
impresionista. Trabaja al aire libre, donde
realiza bocetos que luego convierte en el
estudio en grandes obras. Su temática giraba
fundamentalmente alrededor de la vida
cotidiana, razón por la que fue relegada a un
segundo plano. Sus obras se caracterizan por
la luminosidad, la delicadeza y por una
pincelada de gran vigor que aplica en todas
las direcciones, influencia que recibió de
Renoir. Llegó a participar en todas las
exposiciones impresionistas.
geometría de masas puras y redondeadas,
donde la luz y la forma se hallan en una
síntesis perfecta, renunciándose a los perfiles.
Georges Seurat (1859-1891)
Rechaza la ejecución improvisada y vuelve a
los métodos académicos, por lo que su obra
estará perfectamente estudiada. Su pincelada
es pequeña y en sus composiciones domina el
estatismo. Expondrá en la última exposición
impresionista, destacando Una tarde de
domingo o El Circo.

Seurat. Una tarde de domingo

Paul Signac (1863-1935)

Se aleja del naturalismo, usando colores

Berthe Morisot. La cuna irreales y pinceladas más gruesas que las de
Seurat, como ocurre en El puerto de Marsella
Mary Cassatt (1844-1926) o Árbol.

Expuso independientemente durante 10 años

antes de unirse al grupo impresionista. La
temática de su obra está relacionada con la
vida doméstica, centrándose de manera crítica
en los rasgos que caracterizaban la feminidad:
el cuidado de los niños, el bordado o el
ganchillo (Madre e hija).

Los puntillistas o divisionistas

A partir de los años 80, ciertos autores

consideran que la recreación poética de la luz
no responde a las exigencias científicas del
estudio del color. Sustituirán la pincelada larga Signac. Árbol
por pequeños toques a base de puntos de  
colores puros, convirtiéndose en lo que se  
conoce como Puntillistas o Divisionistas. Las
formas son concebidas dentro de una  

248 
 
 

LA ESCULTURA IMPRESIONISTA
 

No es la escultura una técnica que nos complicado simbolismo. En la parte superior

permita hablar de impresionismo, al no poder se encuentra El Pensador, de absorbente
traducir las vibraciones atmosféricas. Sin mirada, como si estuviera pensando por toda
embargo, algunos maestros supieron la humanidad.
introducir juegos lumínicos mediante una
renovación de técnicas.

Auguste Rodin (1840-1917)

Es uno de los escultores más grandes de la

historia del arte, a pesar de lo cual, fue
sistemáticamente rechazado e incomprendido,
desbordando los límites del impresionismo, y
acercándose a las tendencias simbolistas. A la
hora de trabajar permite que su modelo se
mueva libremente por la habitación, captando
de esta manera los escarceos de la luz y el
movimiento.

Sus inicios los llevó a cabo con Carpeaux,

realizando una serie de estudios de modelado
que le enseñaron a plasmar el movimiento.
Así, en 1864 presenta Hombre de nariz rota,
obra que con su “fealdad intencionada” iba
contra los dictados del academicismo, que la
rechazó por considerarla inacabada.

En 1871 viaja a Bélgica, y allí descubre los

efectos subconscientes del barroco flamenco
(Rubens y los bodegonistas).

En 1875 el viaje lo realiza a Italia,

entusiasmándose con la “terribilitá” de Miguel
Ángel, además de poder leer la Divina
Comedia, que le ayudó a buscar los más
hondos sentimientos. Aprende del artista
florentino la belleza del inacabado,
practicando deliberadamente este método al
dejar algunas superficies rugosas. Su arte
romperá a partir de aquí con todos los
cánones académicos, provocando que el
público se burle de sus creaciones más
personales

El estado francés, queriendo desagraviarle por

sus problemas con la academia, le encarga
las puertas de un Museo de artes decorativas,
las Puertas del Infierno. Se inspira en el
Infierno de la Divina Comedia y en la Puerta
del Paraíso de Ghiberti, creando un conjunto
repleto de figuras de pequeño tamaño, y
Rodin. Las puertas del infierno y el pensador
249 
 
En El beso, relacionada también con las
Puertas del Infierno, podemos apreciar dos
características que distinguen a las
composiciones de Rodin:

• Busca la multiplicidad de puntos de vista,

rechazando al espectador estático.
• Lleva a cabo numerosas investigaciones
respecto al potencial expresivo del cuerpo
humano, algo que vemos también en
Danaide.

Rodin. El beso

En 1884, la ciudad de Calais le encarga un

monumento en honor de Eustache de Saint-
Pierre y sus cinco compañeros, entregados al
rey inglés Eduardo III durante el sitio de la
ciudad (Los burgueses de Calais). Crea un
grupo de gran expresividad, donde las
actitudes son muy variadas. Es un grupo sin
pedestal, a ras de suelo, de manera que el
espectador se pueda introducir fácilmente en
Rodin. Los burgueses de Calais y Balzac
la tragedia.
Realizó numerosas manos, que pueden
El retrato dedicado a Balzac supone otra de
interpretarse como las manos del propio
sus obras fundamentales, disponiéndolo de
artista en el momento de transformar la mudez
pie, con una espectral presencia que se
de la masa en pura expresividad. En La
impone avasalladoramente. Desarrolla una
Catedral dos manos se elevan hasta
técnica totalmente impresionista, abriendo
encontrarse por medio de los dedos, mientras
profundas oquedades en la materia que dan
que en La Mano de Dios la piedra rugosa
lugar a un rostro casi desfigurado.
simboliza la materia de la que surge el primer
hombre y la primera mujer.

250 
 
    El arte del siglo XIX 

Medardo Rosso (1858-1928)

Será un escultor que experimentó con

diferentes materiales, prefiriendo la cera y el
yeso, con los que conseguía expresar
numerosos juegos de luces y sombras gracias
a la facilidad con la que se podían moldear.
Sus figuras parecen desintegrarse, alejándose
del realismo, captando en ellas múltiples
juegos de matices.

Rodin. La catedral

En 1900, en la Exposición Universal de París,

se realiza una retrospectiva de su obra, que
permitió revalorizar aún más su figura y sentar
la base de la escultura del siglo XX.

Medardo Rosso. Conversación en un jardín

251 
 
 

EL POSTIMPRESIONISMO Y LA PINTURA ESPAÑOLA

“FIN DE SIGLO”
 

El Postimpresionismo • Esta técnica le ha hecho ser considerado

Supone una recuperación de la importancia
del dibujo y de la forma, preocupándose por
captar no solo la luz sino también la
expresividad de las cosas y de las personas
iluminadas, siendo los mismos autores
impresionistas los que inician el nuevo giro de
la pintura.
Paul Cézanne (1839-1906)
A pesar de pertenecer a la generación de
Monet y Renoir, no puede considerarse un
pintor impresionista, llevando a cabo un arte
todavía más revolucionario, en el que se
inspiran los artistas del siglo XX. La fortuna de
su padre (un sombrerero metido a banquero)
le permitió vivir holgadamente durante gran
parte de su vida.
el padre del constructivismo (construcción
plástica de la realidad).
La luz no le interesa, ya que se pasaba meses
delante de la misma vista, siendo su objetivo
el "hacer del impresionismo algo sólido y
duradero como el arte de los museos", por lo
que desde 1885 se acerca cada vez más al
clasicismo. En esta época será un auténtico
desconocido, siendo Ambroise Vollard quien
en 1895 organice una muestra con su obra, a
partir de la cual se convertirá en el guía de los
artistas modernos.
Sus dudas estilísticas no desaparecieron con
el tiempo, algo que se puede ver en alguna de
sus últimas obras como Grandes Bañistas,
donde el modelado es discontinuo, se
geometriza la composición y el color se lleva a
cabo a base de parches sueltos.

Será rechazado en numerosas ocasiones del

Salón Oficial, siendo incitado por su amigo
Pisarro para que expusiese en el Salón de los
Rechazados, cosa que hará. La obra de esta
época se caracteriza por el dominio de los
temas románticos, usando colores oscuros y a
veces empastados, siendo evidente la
influencia de Delacroix, Courbet, Ribera y
Zurbarán.

En 1872 se instala en Pontoise, y bajo la tutela

de Pisarro, su paleta se aclara y se hace Cézanne. Las grandes bañistas
menos cargada, aunque sigue trabajando
laboriosamente la materia pictórica. Sus principales características son:

Expone con los impresionistas en 1874 y • Sabe conciliar la preocupación por el

1877, tras lo cual se recluye en Aix, donde
estudia su obra desde una perspectiva casi
científica.
• Su pincelada o toque de espátula tiende a
ser rectangular y regular, cristalizando en
lo que se denomina la "factura
constructiva".
• Las pinceladas se organizan en la misma
dirección, generalmente en diagonal, lo
que acentúa el modelado de los cuerpos.
problema científico (el volumen) con el
gusto puramente estético. A la hora de
conseguir este volumen deshecha el negro
y el gris, coloreando las sombras, lo que
incrementa el contraste entre los colores.
• Concibe el cuadro a modo de cuerpos
rigurosamente geométricos, algo que
plasma claramente en sus bodegones.
Para evitar que los perfiles de los cuerpos
se desdibujen, los recalca con una sólida
línea oscura.

252 
 
   
Cézanne. Bodegón
• Fue el primero que desde Degas vuelve al
autorretrato, como vemos en Autorretrato
con fondo rosa, obra de pincelada fluida y
abundante uso del negro, muy influido por
Manet. Trabajó también el retrato puro
(Madame Cézanne en el invernadero) o
el colectivo (Jugadores de cartas), donde
mantiene su inconfundible estilo.
Cézanne. Montaña de Santa Victoria y Jugadores
de cartas
253 
El arte del siglo XIX 
• En los paisajes, influidos por Pisarro, le
preocupa más la construcción que la
atmósfera, no apareciendo ni muchas
figuras ni anécdotas, como ocurre en
Tejados rojos o La montaña de Santa
Victoria.
Henri Toulouse-Lautrec (1864-1901)
A pesar de que rompe en cierta forma con el
impresionismo, sigue siendo fiel a la urbe
parisina. Como consecuencia de una caída
cuando era niño, se le paraliza el crecimiento
de las piernas, incapacidad que le llevó al
alcohol y a la vida bohemia de París. Se cobija
en el barrio de Montmartre, en los cabarets
Moulin Rouge y Moulin de la Galette, donde
tomará apuntes de las bailarinas (a las que
populariza) y de los tipos más singulares,
usando trazos rotos y nerviosos. A pesar de
vivir en un ambiente degradado, supo producir
una obra llena de sensibilidad y encanto.
Toulouse-Lautrec. El baño
Su arte será, sobre todo, dibujo, pero un
dibujo resuelto con intención caricaturesca,
influyendo la gran difusión que había tenido la
estampa japonesa tras la Exposición Universal
de París de 1884. Le interesa también el
mundo del movimiento (danzas, carreras de
caballos y acrobacias circenses), elevando el
cartel a la categoría de arte.

Toulouse-Lautrec. Baile en el Moulin Rouge
Vincent Van Gogh (1853-1890)
Nació en Holanda, siendo un artista tardío al
que su carácter depresivo le frustró
numerosas salidas profesionales. El apoyo de
su hermano Theo, con quien mantuvo una
enorme correspondencia (“Cartas a Theo”),
fue vital para él.
Llegó y se aferró a la pintura como si de un
salvavidas se tratase, siendo su aprendizaje
lento, laborioso y solitario. Sus inicios
artísticos los realizó con el pintor Anton Mauve
de quien aprendió la sutileza por el color y la
preocupación por los aspectos sencillos del
paisaje, así como por la vida rural holandesa.
En los Comedores de patatas le influyó tanto
el realismo social de Millet, como Rembrandt y
Hals, al usar una pincelada rápida y nerviosa y
centrarse en la vida cotidiana de los
personajes.
Van Gogh. Los comedores de patatas
254 
A pesar de haber pasado a la historia como un
artista solitario, debe mucho al contacto que a
partir de 1886 tuvo en París con otros artistas.
Allí aprendió la técnica impresionista y entabló
amistad con Emile Bernard, Gauguin,
Toulouse-Lautrec y Signac.
En 1888 se traslada a Arlés, asimilado las
influencias e integrándolas en un estilo muy
personal. Se entusiasma con la luz de esta
zona, reflejándola en los campos de trigo. Se
deja influir por Millet, a quien consideraba un
artista moderno opuesto a Manet, por
importarle el tema, centrándose sus obras en
el trabajo humano y el sufrimiento. El
sembrador nos permite observar su
asimilación de la estética impresionista, con
pinceladas que provocan una intensa
vibración óptica en toda la superficie.
Van Gogh. El sembrador
Su pintura se convierte en un canto a la
imaginación, buscando siempre los colores
puros con los que trata de expresar las
pasiones humanas.
• En el Café de Arlés de noche sugiere las
terribles pasiones que se pueden generar
dentro del establecimiento (ruina, locura,
crímenes), mediante el agresivo contraste
de rojos y verdes y a través de la irrealidad
provocada por las luces de las lámparas.
Las figuras se muestran solitarias y
melancólicas, destacando el trazo nervioso
y el enmarque de los objetos con negro,
producto de sus contactos con Gauguin.
• En el dormitorio equilibra cada color con
su complementario y las tintas cálidas con
las frías, de manera que descanse la
imaginación. Sin embargo, la perspectiva
convergente comunica ansiedad, y la
   
tranquilidad de la habitación nos da idea
de abandono y desolación.
Van Gogh. Café de Arlés de noche y el dormitorio
A finales de 1888, Gauguin accedió a
trasladarse a Arlés a vivir con Van Gogh,
motivado sobre todo por las penurias
económicas que el primero padecía. Las
diferencias de carácter entre los pintores, les
llevó a discusiones que llegaron a hacerse
peligrosas, atentando Van Gogh contra
Gauguin (aunque sin consecuencias), tras lo
cual se mutiló la oreja. De esta conexión
salieron algunos retratos de interés,
caracterizados por el uso del color en áreas
planas y por la silueta en color oscuro que
enmarca las figuras. Es el caso de La
Arlesiana, que encarna a la mujer moderna, o
la Berceuse es el prototipo de la Madre.
El atentado contra Gauguin le hace darse
cuenta de su delicado estado mental, por lo
que en mayo de 1889 ingresa voluntariamente
en el asilo de San Remy, donde permaneció
un año. En esta época realiza paisajes
caracterizados por el color y las formas
serpenteantes, traduciendo su fuego interior y
reflejando la angustia y la miseria del mundo
255 
El arte del siglo XIX 
En la noche estrellada refleja su idea de que
la muerte nos conducía hacia los astros,
aunque en lugar de pintar una noche en
blanco y negro, lo hace en color, alejando de
esta foema el miedo.
Van Gogh. La noche estrellada
Recluido en San Remy pintaba obsesivamente
el único paisaje que veía desde su habitación,
el segador, que llevando la hoz y la guadaña
es una imagen de la muerte. La muerte se
representa a pleno sol, con colores
deslumbrantes y nerviosos.
Las convulsiones de su obra dejan entrever un
espíritu atormentado, como el que muestra en
sus Autorretratos, los más interesantes de
los cuales se realizan al salir de diversas crisis
mentales. En ellos el trazo es cada vez más
nervioso y ondulante, destacando la
profundidad de su mirada.
Van Gogh. Autorretratos
La poesía está continuamente presente en su
obra, algo que alcanza plenamente en sus
bodegones, como Los girasoles o Los lirios.,
donde el color estalla para inundar el conjunto
del lienzo.

Van Gogh. Los girasoles
En mayo de 1890, y sintiéndose recuperado,
volvió al norte donde visitó a Theo, su mujer y
su hijo, pero la soledad que siempre le
acompañó, le hizo pegarse un tiro mientras
pintaba un paisaje, consecuencia del cual
murió dos días después.
Paul Gauguin (1848-1903)
Se inicia tardíamente en la pintura, a la que
llega tras dimitir de su trabajo poco después
de la caída de la Bolsa en 1883. Domina
rápidamente la técnica impresionista (participó
en las exposiciones impresionistas en 1879),
aunque no terminó de aceptar el estilo, al
considerar que solo representaba lo que veía
ante sí. Su objetivo desde este momento fue
expresar los fenómenos que nos parecen
sobrenaturales, pero de los que solo tenemos
la sensación, en una auténtica búsqueda de lo
visionario.
En 1886 y 1887 realiza varios viajes por
Bretaña, Panamá y Martinica de donde recoge
numerosas influencias, caracterizadas sobre
todo por los brillantes colores y los temas
exóticos (el quattrocento, la estampa japonesa
o el arte primitivo). Bretaña era en este
momento una zona muy atrasada, atrayéndole
las costumbres tradicionales y los paisajes de
la zona, ya que consideraba que las fuentes
256 
del arte están en lo más profundo de la
conciencia humana, y que la pintura debe
dirigirse a la representación de la vida interior
del hombre. Esta tendencia simbolista se
observa en la Visión después del sermón,
obra donde los acontecimientos internos y
externos están separados por diferentes
escalas. La influencia de la estampa japonesa
aparece en las formas aplanadas con
contornos oscuros, en las zonas de puro color
(nada naturalista) y en la ausencia de
sombras.
Gauguin. Visón después del sermón
El verano de 1888 lo pasa en Pont-Aven,
manteniendo un estrecho contacto con el
pintor Emile Bernard, quien llevaba años
pintando mediante contornos fuertemente
delimitados, algo que se denominó "cloisoné"
o tabicado, al parecerse a las divisiones
metálicas del esmaltado. Este estilo, con su
horror al espacio, suprime la perspectiva, el
claroscuro y las sombras. En la Belle Angèle
o el Cristo Amarillo, el color se hace más
saturado, gracias al contorno de gruesas
líneas oscuras. No importa, por tanto, la
imitación de la naturaleza, sino la fuerza
expresiva del color como material en bruto.
Gauguin. El Cristo amarillo y la Belle Angèle
    El arte del siglo XIX 

Con la intención de solventar sus problemas

económicos, en 1889 organiza junto a Bernard
en el Café Volpini la "primera exposición
simbolista", siendo los resultados
catastróficos, tanto a nivel artístico como
económico. Este hecho le hace madurar la
idea de alejarse del mundo occidental. Así,
tras duras negociaciones con el Ministerio de
las Colonias, marcha a Tahití en 1891,
abandonando a sus amigos (entre ellos
Vincent Van Gogh) y a su familia. Con esta
“huída” buscaba librarse del "podrido
Occidente" y "ser libre para amar, cantar y
morir", algo que le resultó realmente
complicado. Creó durante este periodo una
producción donde dominaron diferentes
temas, como la sugerencia erótica, el ritual, la
naturaleza y lo primitivo.

La celebración religiosa domina en obras

como Mahana no atúa (Día del Dios), obra
que nos muestra una fiesta ritual con entrega
de ofrendas y danzas ante el ídolo, en una
composición esquemático-triangular.

Gauguin. Arearea y El mercado

Supo dejar un legado sobre lo que pensaba de

Gauguin. Día de dios
La belleza erótica y plástica se llega a
confundir en su producción, algo que puede
intuirse en Manao tupapau (El espíritu de los
muertos vigila), obra que debe mucho a la
Olimpia de Manet.
la vida y la humanidad en su obra ¿De dónde
venimos?, ¿Qué somos?, ¿Adónde
vamos?. El nacimiento y la muerte abarcan
las actividades humanas, sobresaliendo la
multiplicidad de colores. Entre la infancia y la
vejez prolifera el mundo de los adultos, con
sus temores y alegrías. Realmente, más que
describir cosas, la obra lleva a cabo
asociaciones sin sentido, interpretando la vida
como un gran misterio.

En ocasiones, la belleza está caracterizada

por la placidez, como Mujeres de Tahití o
Dos Tahitianas, donde los cuerpos están
dibujados con gran pureza de contorno y a la
vez rotundidad monumental.
Gauguin. ¿De dónde venimos?, ¿Qué somos?,
¿Adónde vamos?
La importancia del color y la naturaleza se
observa en Arearea (pasatiempo), mientras
En este periodo, la luz pierde todo lo que
que lo primitivista, sobre todo de Egipto, en Te
había logrado la tendencia impresionista,
Matete (el mercado).
exaltándose la importancia del color y
257 
 
preludiando la tendencia fauvista. Renuncia a
la perspectiva, suprimiendo el modelado y las
sombras y poniendo de moda el primitivismo
en el arte. Aunque la pintura que realizó en los
Mares del Sur fue mucho más espectacular
que la de Bretaña, no es enteramente nueva,
ya que los elementos esenciales de su estilo
no son diferentes a los aprendidos en Francia.
Pintura fin de siglo en España
Con este nombre se ha definido a un
numeroso grupo de autores que llevan a cabo
su producción a finales del siglo XIX y
principio del siglo XX, y que van a beber de las
corrientes academicistas y de los cambios que
impulsan autores como Eduardo Rosales y
Mariano Fortuny, quienes rompieron con los
tradicionales cuadros de historia.
El espíritu del 98
Hay dos autores que reflejan a la España
oscura y auténtica de este momento.
Ignacio Zuloaga (1870-1945) pintará el
tremendismo hispano, sobre todo el
castellano, caracterizándose su estilo por un
intenso pesimismo, algo que le alejó del gusto
popular.
José Gutiérrez Solana (1886-1945) será un
pintor de obras oscuras y angustiosas, con
figuras de trazos gruesos. Refleja la pobreza
del momento en fieles documentos de la
España de principios de siglo.

La mayor parte de ellos mantuvieron contactos

con las tendencias renovadoras que se
estaban produciendo en Europa,
importándolas a España y adaptándolas a las
circunstancias localistas.

El paisaje impresionista

Lo llevan a cabo artistas como Santiago

Rusiñol (1861-1931), creador de magníficos
jardines, Joaquín Mir (1873-1940), quien se
decanta por la luz mediterránea y Darío de
Regoyos (1857-1913), que cerca del
puntillismo, logra reflejar el ambiente de
nuestros paisajes.

Zuloaga. El enano Gregorio

Santaigo Rusiñol. El Generalife

Gutiérrez Solana. Las tertulias del café Pombo
258 
 
   
El impresionismo y el luminismo
Ramón Casas (1866- 1932) e Isidro Nonell
(1873-1911) captarán el impresionismo en las
figuras y los paisajes urbanos de la Cataluña
de fin de siglo.
Ramón Casas. Joven después de la fiesta
El principal representante del denominado
luminismo es Joaquín Sorolla (1863-1923),
autor de gran fecundidad. Su estilo viene
marcado por las influencias que recibe. Así, un
viaje a París le hace cambiar la temática
histórica por la social y contemporánea,
acercándole la plasmación de la luz
valenciana al impresionismo (Pescadoras).
Sorolla. Pescadoras
259 
El arte del siglo XIX 
Mantiene en sus cuadros un dibujo poderoso,
y afronta problemas de composición y
movimiento muy diferentes a los que
realizaban los artistas franceses.
Destacan sus escenas valencianas de playa y
pesca, donde con técnica suelta de mancha
gruesa, capta la vibración de la luz en las
velas, arenas, cuerpos y aguas mediterráneas.
Sorolla. Niños en la playa
Trabaja también la crítica social, aunque
dentro de una técnica impresionista, como
ocurre Y aún dicen que el pescado es caro.
Sorolla. Y aún dicen que el pescado es caro
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    El arte del siglo XIX 

COMENTARIO: LA CATEDRAL DE ROUEN

 

 
 

ANÁLISIS y mudable a través de pinceladas sueltas,

pequeñas y dinámicas.

Las sombras que se producen en los huecos,

La siguiente imagen se trata de una obra
en este caso en las portadas abocinadas,
pictórica realizada sobre lienzo. En ella se
ventanales, el tímpano calado del gablete o
representa un edificio, en concreto, la fachada
los rosetones, son escasamente visibles por la
de una catedral que se recorta sobre un cielo
apariencia espesa y difusa del cuadro. Lejos
azul oscuro, estando ausente el elemento
de ser oscuras, son de un color anaranjado
paisajístico. La obra está concebida desde
que va cambiando de tonalidad, de claro a
una perspectiva frontal.
más oscuro, creando profundidad. El amarillo,
A cada estructura del edificio le corresponde característico de la luz matinal, le sirve al
un color determinado según sea la incidencia artista para rellenar todos los espacios sobre
de la luz, predominando una paleta de colores los que la luminosidad incide de manera más
cálidos y claros mezclados con otros fríos, directa, tales como las torres superiores o los
representados por el azul que se combina con pilares de la catedral.
el resto. Todo esto crea una mezcla de
Cabe destacar el cielo del fondo sin nubes y
matices tonales donde reina el cromatismo y
monocromo, que es empleado como
donde se hace patente una yuxtaposición de
contrapunto y contraste, con el objetivo de
ligeras pinceladas que adquieren gran
resaltar la catedral y relajar la vista del
protagonismo.
espectador ante el fluctuante movimiento.
El detallismo o la precisión en el dibujo
El artista trabaja con impresiones
desaparecen para dejar paso a la
momentáneas, la materia sólida ha de
contemplación y captación de los efectos de la
combatir con una luz que juega con ella,
luz y el color fugaz, buscándose lo cambiante
261 
 
dependiendo todos los objetos de la misma
para poder ser observados. Así, se aprecia
también un trabajo rápido por parte del pintor
en su afán de plasmar las formas en continua
vibración.
El tema de la obra carece de relevancia o
interés, hasta tal punto, que podríamos hablar
de la arquitectura como un simple objeto de
investigación, en el que todos los elementos
se funden con armonía, tratando de mostrar la
verdad visual, es decir, el modo en que el ojo
humano ve.
En sí la obra, por el abundante y rico colorido,
logra generar una sensación de tranquilidad y
exultante alegría al mismo tiempo, originando
un ambiente cálido, bello y acogedor que
animan al espectador.
COMENTARIO
A partir de las siguientes características
podemos considerar que la siguiente obra es
La Catedral de Rouen a mediodía, uno de los
lienzos que componen la serie realizada por
Claude Monet en 1892-1894, pertenece, por
tanto, al arte impresionista desarrollado en
Francia.
Durante este siglo, la pintura tiene como
preocupación fundamental la representación
de la luz, uniendo visión y luz y representando
el paisaje con sus elementos cambiantes y
circunstancias atmosféricas.
Nacerá como una derivación del realismo
(existencia), e influido por las nuevas
tendencias científicas, basará su arte en la
apariencia y lo fugitivo, comprometiéndose
con la búsqueda de la verdad visual y con la
captación de las sensaciones y las
impresiones momentáneas de la naturaleza,
luchando contra la fotografía y emulando a la
Escuela de Barbizón. Por esta razón, el artista
ha de enfrentarse directamente con el objeto,
trabajando deprisa para poder plasmar los
rápidos cambios de los colores, apreciables
especialmente en la representación del agua.
262 
La técnica utilizada es lo más original de la
pintura del siglo XIX, surgiendo gracias a la
teoría de los colores de Rood y Chevreul que
defiende que estos deben yuxtaponerse y ser
el espectador el que los confunda mediante
una pincelada suelta y ágil.
A mitad de los años sesenta, un grupo de
artistas realistas reunidos en torno a Manet,
deciden organizarse al margen de los Salones
Oficiales, contando con el apoyo de ciertos
coleccionistas (Paul Durand-Ruel). Se llegan a
realizar hasta siete exposiciones antes de
1886, a las que se fueron incorporando
diversos artistas que no recibieron el
reconocimiento y aprecio de la crítica.
Claude Monet es el artista más poético del
grupo, siendo considerado el representante
más fiel de la percepción inmediata de lo
visible. Creará marinas, paisajes y escenas
fluviales, buscando atender a la contemplación
de las cosas.
Pisarro y Turner le influyen en la percepción
de la luz y el color, mientras que su estancia
en Argenteuil (Las amapolas de Argenteuil o
El puente) es decisiva en su progresión
artística, al plasmar los centelleos lumínicos
sobre las aguas.
Son esenciales sus series de repetición,
destacando la Catedral de Rouen, formada
por 31 lienzos en los que trabaja
simultáneamente y en los que elige 5 puntos
de vista diferentes, observando la fachada
bajo distintas condiciones de luz y clima, y
usando azules por la mañana, ocres a
mediodía y castaños y grises los nublados.
Otras de sus obras destacadas son la
Estación de San Lazaré donde capta el humo
y la arquitectura de hierro, o el Estanque de
las Ninfeas, donde las luces temblorosas se
reflejan sobre las aguas que se convierten en
un anticipo del arte abstracto posterior.