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El reciclaje puede considerarse un fenómeno representativo de esta época en más de un sentido: no sólo
como respuesta a las exigencias ambientales, sino también como metáfora del extenso y complejo
movimiento cultural que está re-usando re-contextualizando y resinificando referentes culturales de un
modo cada vez más evidente y novedoso. Por esto hemos querido tener como punto de partida la obra de
Fernando Botero, pues esta es una de las muchas obras que han sido reinterpretadas, modificadas, o usadas
para hacer nuevas pinturas, de la famosa e importante obra La mona lisa de Leonard.
Utilizando como referente una de las pinturas más famosas de Leonardo Da Vinci, la Gioconda; más
conocida como la Mona Lisa, daremos a conocer la obra de Fernando Botero basada en esta, utilizando su
concepto tradicional de la luminosidad.
Mostraremos las diferencias y similitudes de estas dos obras de acuerdo a las temáticas abordadas en la
asignatura de estética de la imagen, además hablaremos un poco sobre la historia de Leonardo Da Vinci y
lo que quería plasmar en su obra.
Por otras parte estableceremos criterios estéticos bajo los cuales fueron creadas ambas obras, ya que tanto
da Vichi como Botero tenían criterios muy diferentes.
Como resultado final buscamos obtener mas conocimiento acerca de las imágenes recicladas y de cómo
influyen tanto en la innovación como en la sociedad en el siglo actual.

JUSTIFICACIÓN:

Este trabajo se realiza para dar a conocer un nuevo punto de vista, dándole un significado a la reconocida
obra de Da Vinci; La mona lisa, construyendo algo nuevo a partir de lo viejo, dándole así un nuevo valor a
una obra que ha sido conocida desde siempre, y convirtiéndola en una imagen reciclada.
Con esta investigación también queremos obtener como resultado el aprendizaje de que ya no todas las
imágenes son nuevas o innovadoras, si no que podremos razonar más a fondo mirando tanto sus
antecedentes históricos como de donde se basaron para obtenerla. Esperamos poder aplicar todas las teorías
estéticas que son muy importantes para la construcción de nuevas imágenes o para la interpretación de las
mismas.

OBJETIVOS:

GENERAL

Demostrar el concepto y las diferentes perspectivas de innovación presentada por varios artistas sobre la
obra la Mona Lisa de Leonardo Da Vinci.

ESPECÍFICOS
 • Identificar el concepto de innovación por medio de varios cambios que se le han hecho a la pintura de
Leonardo Da Vinci de la Mona Lisa ( la Gioconda).
• Reconocer el componente histórico que pretendía el pintor Fernando Botero al cambiarle la apariencia a la
Mona Lisa.
• Establecer comparaciones entre la Mona Lisa de Fernando Botero y la imagen original de Leonardo Da
Vinci.• Iniciar en procesos de investigación a partir de estas grandes obras de arte.

dedicatoria•
La Mona Lisa es considerada la pintura más famosa del mundo. Pocas obras han pasado por tanto
escrutinio y estudio. Algunas de las razones que la hacen tan famosa son:

 El realismo extremo de Leonardo da Vinci al usar métodos matemáticos para medir las proporciones
humanas,
 La técnica única del sumito que también transmite un realismo muy avanzado para la época,
 La revolución que generó en las dimensiones y en las formas de retratar, considerada la base de todos los
retratos occidentales,
 La suma de los misterios de la pintura; desde la identidad de la modelo hasta el porqué Leonardo da Vinci
nunca entregó el supuesto encargo, guardándola secretamente.

Técnica
Leonardo da Vinci usó la técnica del sfumato en el lienzo Mona Lisa. Sfumato consiste en diluir el
óleo e ir aplicándolo en capas muy finas, difuminando las líneas, suavizando los contornos y
creando un ilusionismo atmosférico.

Gracias al sfumato, Leonardo consiguió aumentar la tridimensionalidad y el realismo que hace

este cuadro tan misterioso y famoso. La explicación sobre el misterio de la sonrisa y la mirada de
la Mona Lisa deriva precisamente de la técnica del sfumato y la naturaleza de la visión humana.

En efecto, la visión directa del ser humano se enfoca en los detalles pero no en las sombras, en
cambio, la visión periférica distingue más las sombras que los detalles. Al mirar a la Mona
Lisa desde diferentes perspectivas, las capas finas y difuminadas de la técnica del sfumato hacen
que de frente se vea una sonrisa casi inadvertida en comparación con la misteriosa sonrisa que
aparece cuando se la ve de lado. Esto sucede porque de lado se proyecta más volumen a causa de
las sombras creadas por las finas capas.

Leonardo usa la técnica del sfumato para mostrar cómo la luz rebota de las superficies curvas,
especialmente de la piel, dejándola lisa, suave y real. Esta característica sería el punto que llamaría
más la atención en su época, convirtiéndola en la pintura más deseada y famosa del mundo.
 INTRODUCCIÓ
Resumen

El cuadro La Gioconda, también conocido como La Mona Lisa, La Mona Lisa, La Jo conde en francés o
Madonna Elisa, es una obra pictórica de Leonardo Da Vinci. Desde el siglo XVI es propiedad del Estado
Francés, y se exhibe en el Museo del Louvre de París.

Su nombre oficial es Gioconda (que, traducido del italiano al castellano es alegre), en honor a la tesis más
aceptada acerca de la identidad de la modelo, apoyada en el hecho de que era esposa de Francesco
Bartolomé del Gioconda y que su nombre era Lisa Geraldina.

Es un óleo sobre tabla de álamo de 77 x 53 cm, pintado entre 1503 y 1506, y retocado varias veces por el
autor. La técnica usada fue el sumito, procedimiento muy característico de Leonardo. El cuadro está
protegido por múltiples sistemas de seguridad y ambientado para su preservación óptima. Es revisado
constantemente para verificar y prevenir su deterioro.

Además, se han usado herramientas tecnológicas para la investigación de enigmas que rodean la obra.
Por medio de estudios históricos se ha determinado que la modelo podría ser una vecina de Leonardo,
que podrían conocerse sus descendientes y que la modelo podría haber estado embarazada. Pese a todas
las suposiciones, las respuestas en firme a los varios interrogantes en torno a la obra de arte resultan
francamente insuficientes, lo cual genera más curiosidad entre los admiradores del cuadro.

La fama de esta pintura no se basa únicamente en la técnica empleada o en su belleza, sino también en
los misterios que la rodean. Además, el robo que sufrió en 1911, las reproducciones realizadas, las
múltiples obras de arte que se han inspirado en el cuadro y las parodias existentes contribuyen a convertir
a La Gioconda en el cuadro más famoso del mundo, visitado por millones de personas anualmente.

Leonardo da VincLeonardo da Vinci nació en el caserío de Anciano del municipio de Vinci en Italia. Fue
fruto de la relación ilegítima del notario Ser Piero y de su sirvienta, Catarina Vaca. A los 14 años entró en
el prestigioso taller del pintor florentino Andrea Berrocho, donde estudió junto a Sandro Botticelli y
Perusino. Desarrolló el estudio de las matemáticas, la geometría, la perspectiva y todas las ciencias de la
observación del medio natural,6 las cuales se consideraban indispensables en la época. Como educación
complementaria, también estudió arquitectura e ingeniería. Leonardo fue un humanista renacentista,
destacado en múltiples disciplinas. Sirvió a personas tan distintas e influyentes como Lorenzo de Médici,
al duque de Sforza, a los soberanos de Mantua y al rey Francisco I de Francia.

Entre sus obras más destacadas están La Virgen de las Rocas, La batalla de Anghiari, La última cena, Obra
innovadora y La Gioconda.
 Índice

 1Autor
 2Historia
 3Técnica
o 3.1Descripción de la obra
o 3.2Estado de conservación
 4Enigmas
o 4.1La sonrisa
o 4.2Supuesto embarazo y condición física
o 4.3Identidad de la modelo
o 4.4El título del cuadro
 5El robo
 6Reproducciones y parodias
 7Véase también
 8Referencias
 9Bibliografía
 10Enlaces externos

BIOGRAFIA

En el arte occidental, se puede decir que no hay ninguna obra más famosa
que La Gioconda o La Mona Lisa, nombres con que es titulado el retrato de Mona
Lisa Gherardini (Mona es una abreviatura del italiano Madonna, señora), hija de
un fabricante de lanas florentino llamado Antonio Gherardini. A la muerte de su
padre, Lisa Gherardini habría sido prometida al hijo menor de Lorenzo el
Magnífico; pero al huir el clan de los Médicis ante la invasión francesa, la joven se
habría quedado sola y embarazada. En tan adversas condiciones, Lisa Gherardini
habría aceptado desposarse con Francesco del Giocondo, un hombre de mucha
más edad que ella a quien debería el sobrenombre de la Gioconda. Sin embargo,
existen otras teorías respecto a quién es la mujer representada; muchos creen
incluso que el retrato no se basa en un único modelo, sino en la suma de varios.
trabajó en el retrato durante cuatro años, probablemente desde 1503, pero
nunca lo consideró terminado y se negó a entregarlo al cliente. El propio pintor
manifestó en su época una gran predilección por el retrato de la Gioconda. Se
sabe que lo llevaba consigo en sus viajes, y que a menudo pasaba largas horas
observándolo en busca de inspiración. No se conserva ningún boceto previo del
retrato de la Gioconda, hecho ciertamente insólito si se tiene en cuenta que
Leonardo, como muchos otros pintores, solía realizar exhaustivos estudios
previos a sus diferentes obras. Leonardo se llevó el cuadro a Francia cuando en
1516 fue llamado por Francisco I y, a través de la familia real francesa, fue a parar
al Museo del Louvre de París. Sin embargo, la pintura ha sido probablemente
cortada en todos sus lados y, ante todo, el color ha sufrido transformaciones con
el transcurso del tiempo: los tonos rojos se han desvanecido parcialmente y toda
la pintura ha adquirido un tono verdoso.
Aun así, la obra conserva todavía una belleza peculiar. La enigmática criatura
siempre ha parecido una de las más fulgurantes figuraciones del misterio de la
belleza femenina. Muchos intentos se han hecho para explicar el vivo efecto que
produce en el espectador. Leonardo utilizó un típico sfumato: los suaves colores y
los contornos se funden en una sombra indecisa. De la misma manera, la
expresión del rostro es equívoca: una sonrisa juega alrededor de la boca y los
ojos, pero, ¿es burlona o melancólica? La joven parece mirar al espectador, pero
también al mismo tiempo mira a lo lejos, o hacia su interior. El peculiar efecto
queda acentuado por el paisaje onírico del fondo, donde además el artista ha
dejado mucho más bajo el horizonte de la izquierda que el de la derecha.
Tampoco las dos mitades de la cara son del todo iguales. Lo turbador de estos
aspectos se contrapone con la tranquila armonía de las manos maravillosamente
modeladas.

La grandeza y la serenidad que la obra trasmite parece proceder de su

profundidad anímica; la intimidad psicológica parece modelar la presencia física
de la dama, que, al mismo tiempo, se desintegra en la naturaleza envolvente, sin
que por ello pierda su propia identidad. Leonardo consigue que lo universal y lo
particular se conjuguen en una simbiosis perfecta. El paisaje, en continuo
movimiento, símbolo del ser de la naturaleza, se conforma mediante ríos que
fluyen, brumas, vapores, rocas deshilachadas, juegos de luces y vibraciones de
colores. Nada hay permanente, todo se trasmuta y se funde en una visión de
paisaje irreal, esencia de la naturaleza. La belleza estriba en ese continuo ser y
no ser, hacerse y deshacerse; la mujer, en comunión con la naturaleza, se
integra y forma parte de ella, convirtiéndose igualmente en fondo.

Muy pronto empezaron las cábalas y especulaciones acerca de la modelo del

cuadro y su enigmática sonrisa, comparada a veces con la expresión de las
estatuas griegas arcaicas o de las esculturas angelicales góticas. El arquitecto y
tratadista del siglo XVI Giorgio Vasari relata que Leonardo hacía tocar música
durante las sesiones para que la modelo conservara "esta sonrisa extasiada que,
al verla, hace pensar en una alegría más celestial que terrena". Vasari da crédito
a la leyenda de un Leonardo enamorado de su modelo y ve en la expresión de la
"bellísima Madonna Lisa" una divina melancolía indulgente con la pasión de los
hombres.

Para los autores del siglo XVII, la sonrisa de la Gioconda es la risa misma de la
naturaleza, es una metáfora humana en la que se refleja el concepto del
universo. El siglo XVIII, libertino y artificioso, la vio como una imagen anticipada
de gracia y de coquetería. Las concepciones de los siglos XIX y XX subrayan su
valor de esencia poética y atemporal. Para Walter Pater, La Gioconda "expresa
aquello que en el curso de mil años el hombre ha deseado", y para Ortega y
Gasset es "la mujer esencial que conserva invicto su encanto" y simboliza "la
extrema feminidad". Sigmund Freud realizó una interpretación psicoanalítica.

En parte, esta variedad de percepciones procede de los propios presupuestos

estéticos; sólo cabe esperar distintas interpretaciones según sea la obra
contemplada con los ojos de un decadentista, un simbolista, un esteta
dannunziano o un novecentista metafísico, del mismo modo que podemos tener
una Gioconda freudiana. También se discute hasta que punto buscó Leonardo
captar la psicología, el yo interior de la modelo. Es difícil decidir si, en este
famosísimo cuadro, la criatura más viva es la Mona Lisa o el propio pintor; es
decir, si la personalidad del artista no se impone sobre la de la modelo hasta
convertir el incomparable retrato de una mujer en una especie de no confesado
pero revelador autorretrato del pintor, expresión del enigma intraducible de su
propia alma.

La Gioconda es uno de los iconos indiscutibles del arte pictórico de todos los
tiempos y una de las obras más copiadas y reinterpretadas de la historia de la
pintura, hasta el punto de que respecto a ella puede hablarse tanto de una
"giocondolatría" como de una "giocondofobia". También ha sido sometida a una
cruel caricaturización por parte de muchos artistas; valga como ejemplo el gesto
de Marcel Duchamp, quien en 1919, en pleno arrebato dadaísta, pintó unos bigotes
a una reproducción como símbolo de la revuelta emprendida contra todo arte
"bello", académico y oficial. En 1911 el cuadro fue robado por un aprendiz de
pintura italiano que lo llevó a Florencia con la intención de venderlo al gobierno
de Italia, pero fue detenido al cabo de dos años y el cuadro fue devuelto.

sugerencias
CONCLUSIONES DE LA MONA LISA
1. Existen diferentes maneras de abordar las imágenes o pinturas, como son las utilizadas como metodo
de estudio y cada una de ellas nos permiten adentrarnos de maneras sensoriales, psicológicas,
emocionales y sentimentales; estableciendo un vínculo personal con la obra de arte, en esta caso la mona
lisa.

2. A medida de la evolución del ser humano este ha creado cosas increibles, una de esas mayores
creaciones es la pintura, ya que esta explica de maneras increibles un suceso o una epoca que tracendio
en la historia de hoy en día.

3. La pintura de la mona lisa desde que fue pintada ha sido centro de atracción lo que ha causado
innumerables sucesos vergonzosos y un sin numeros de enigmas y problemas.
4. La herramienta de Blogger es muy util en cuanto al esparcimiento y refutación de un conjunto de hechos
o ideas, esto permitiendo que la información que se quiere difundir sirva como medio de conocimiento para
otras personas.

5. La herramienta de Blogger es muy sencilla de utilizar, tiene un conjunto de herramientas utiles y

necesarias sin amabrcar un gran numero de funciones a las cuales no se les podria encontrar utilidad
alguna, el unico problema de las misma en que al introducir una imagen en una entrada de Blogger esta
imagen no se puede graduar al tamaño al cual uno quiere o uno necesita sino que ya tiene los tamaños
predeterminados, que en algunos casos son mas pequeños o mas grandes de lo que en realidad se
necesita.

Historia
La Gioconda es el retrato más famoso de la historia y quizás el cuadro más famoso de la pintura
occidental. Su fama se debe probablemente a las múltiples referencias literarias, a las diversas
interpretaciones sobre la protagonista y al robo escandaloso ocurrido el 21 de agosto de 1911.

Es además la última gran obra de Leonardo, si se tiene en cuenta que siguió retocándola hasta sus últimos
años. Cuando Leonardo se marchó a Roma a instancias del nuevo Papa, su vida se hizo monótona y nada
productiva. Leonardo falleció sin encargos importantes, bajo la protección de León X, Giovanni de Médica,
hijo del gran Lorenzo de Médica.

Después de terminar el cuadro, Leonardo llevó su obra a Roma y luego a Francia, donde se conservó hasta
su fallecimiento. Se sabe que pasó a manos del rey francés Francisco I, quien la habría comprado a un
valor de 12.000 francos (4.000 escudos de oro), aunque no está claro si fue en 1517, antes de la muerte
del artista, o con posterioridad a su fallecimiento en 1519. Tras la muerte del rey, la obra pasó a
Fontainebleau, luego a París y más tarde al Palacio de Versalles. Sin embargo, está comprobado que
permaneció en las colecciones reales francesas y que en el siglo XIX, Napoleón Bonaparte lo tuvo
guardado en el Palacio de las Tullerías tras una temporada en su residencia. Con la Revolución francesa
llegó al Museo del Louvre, donde se encuentra actualmente; Napoleón lo retiró de allí para colocarlo en
su cámara personal. Finalmente regresó al museo,4 donde se alojó hasta 2005 en la Sala Rosa, y fue
trasladada en ese año al Salón de los Estados. Es pertinente decir que la mayoría de datos acerca del
cuadro se poseen gracias al trabajo biográfico del pintor contemporáneo Giorgio Vasari.

Técnica (Título 1)

.
Leonardo dibujó el esbozo del cuadro y después aplicó el óleo diluido en aceite esencial. La técnica se
conoce como Sfumato,la cual consiste en prescindir de los contornos netos y precisos del "Quattrocento"
y envolverlo todo en una especie de niebla imprecisa que difumina los perfiles y produce una impresión
de inmersión total en la atmósfera, lo cual da una sensación de tres dimensiones a la figura.

El cuadro se sostiene sobre una tabla de madera de álamo extremadamente frágil recubierta por varias
capas de enlucido. Se conserva en una urna de cristal de 40 mm de espesor a prueba de balas, tratada de
manera especial para evitar los reflejos. La cámara que alberga el cuadro está diseñada para mantener
una temperatura constante de 20 °C y 50% de humedad relativa, lo cual busca garantizar las condiciones
óptimas para los cuidados de la pintura.

La pintura tiene una grieta de 12 centímetros en la mitad superior, probablemente debido a la eliminación
del marco original, aunque un estudio con infrarrojos, revela que la grieta puede ser tan antigua como el
lienzo mismo; dicha grieta fue reparada entre mitad del siglo XVIII y principios del XIX. En la actualidad, se
ha determinado que es estable y no ha empeorado con el tiempo.

Sin embargo, para descartar cualquier peligro, en 2004 se conformó un equipo de curadores franceses,
quienes vigilan permanentemente el estado de la pintura, previniendo cualquier alteración provocada por
el tiempo.

Descripción

En este retrato, la dama está sentada en un sillón, y posa sus brazos en los apoyos del asiento. En sus
manos y sus ojos puede verse un claro ejemplo característico del esfumado, y también puede destacarse
el juego que hace con la luz y la sombra para dar sensación de volumen.

Aparece sentada en una galería, viéndose en el borde izquierdo del cuadro la base de una de las
columnillas.

La galería se abre a un paisaje inspirado en las vistas que Leonardo pudo alcanzar a divisar en los Alpes,
cuando hizo su viaje a Milán. El paisaje posee una atmósfera húmeda y acuosa que parece rodear a la
modelo. Se ha intentado localizar el aparente recodo del Arno o una porción del Lago de Como, sin haber
llegado a conclusiones definitivas. Muchas veces se ha tratado de compaginar uno y otro lado del paisaje
tras la modelo, pero la discordancia entre ambos lados no permite que se diseñe un modelo continuado
de la imagen. Debe tenerse en cuenta que el lado izquierdo parece estar más alto que el derecho,
entrando en contraste con la física, puesto que el agua no puede encontrarse estática a desnivel en el
terreno. Al respecto, el historiador de arte, E.H. Gingrich, expresa que

En consecuencia, cuando centramos nuestras miradas sobre el lado izquierdo del cuadro, la mujer parece
más alta o más erguida que si tomamos como centro la derecha. Y su rostro, asimismo, parece
modificarse con este cambio de posición, porque también en este caso las dos partes no se corresponden
con exactitud

Por otro lado, en medio del paisaje aparece un puente, elemento de civilización, que podría estar
señalando la importancia de la ingeniería y la arquite

La modelo carece de cejas y pestañas, posiblemente por una restauración demasiado agresiva en siglos
pasados, en la cual, se habrían barrido las veladuras o leves trazos con que se pintaron. Vasari, en efecto,
sí habla de cejas: «En las cejas se apreciaba el modo en que los pelos surgen de la carne, más o menos
abundantes y, girados según los poros de la carne, no podían ser más reales». Según otros expertos,
Leonardo nunca le pintó cejas ni pestañas para dejar su expresión más ambigua o porque, realmente,
nunca llegó a terminar la obra.

El personaje dirige la mirada ligeramente a la izquierda y muestra una sonrisa considerada enigmática.
Cuenta Vasari que mientras la retrataba, tenía gente cantando o tocando, y bufones que la hacían estar
alegre, para rehuir esa melancolía que se suele dar en la pintura de retratos. Sin embargo, no existen
evidencias de dicha afirmación.

Sobre la cabeza lleva un velo, signo de castidad y atributo frecuente en los retratos de esposas.

El brazo izquierdo descansa sobre una butaca. La mano derecha se posa encima de este brazo. Esta
postura transmite la impresión de serenidad y de que el personaje retratado domina sus sentimientos.

La técnica de Leonardo da Vinci se aprecia con más facilidad gracias a la "inmersión" de la modelo en la
atmósfera y el paisaje que la rodean, potenciada además por el avance en la "perspectiva atmosférica"
del fondo, que sería logro final del Barroco, y en la que los colores tienden al azulado y la transparencia,
aumentando la sensación de profundidad.

La conservación de la obra es mediana. Acusa una fisura relativamente importante en el borde superior,
que desciende en vertical sobre la cabeza del personaje. Las capas de barniz han amarilleado por el
tiempo. Pero se dice que los responsables del Louvre se resisten a abordar una restauración en
profundidad, por miedo a alterar el aspecto de la obra. Mediante un programa informático, se ha
recreado el aspecto que debería tener la obra, si se eliminasen las capas de suciedad.

Quién pintó la Mona Lisa

El Museo del Louvre ha decidido cambiar la edad de la Gioconda. Hasta ahora, se

pensaba que Leonardo da Vinci pintó la Mona Lisa entre 1503 y 1506. Desde este
momento, la horquilla oficial se alarga trece años más: de 1503 a 1519.

¿EN QUE AÑO FUE CREADA?

1503
El Museo del Louvre corroboró la fecha en que fue creada la Gioconda, también conocida como la Mona
Lisa de Leonardo Da Vinci. El rango de fechas probables de su creación fue de entre 1503-1519
.
Leonardo usa la técnica del sfumato para mostrar cómo la luz rebota de las superficies curvas,
especialmente de la piel, dejándola lisa, suave y real. Esta característica sería el punto que llamaría
más la atención en su época, convirtiéndola en la pintura más deseada y famosa del mundo.

¿Quién fue la Mona Lisa?

Hay varias discusiones sobre la identidad de la modelo. La teoría más aceptada es la del
historiador Vasari del siglo XVI, quien dice que se trataría de Lisa Gerardini, esposa de un
mercader de sedas llamado Francesco del Giocondo.

"Mona Lisa" significa 'señora Lisa', siendo mona un diminutivo del italiano madonna, y Lisa el
nombre de la modelo identificada por Vasari. El nombre alternativo La Gioconda, que significa
"alegre" en español, hace referencia a su famosa sonrisa y a su supuesto esposo.

Influencias de la obra Mona Lisa en el arte

La forma en que Leonardo da Vinci pintó la Mona Lisa difiere de la forma tradicional en que eran
pintados los retratos y las mujeres en Italia en esa época.

Leonardo hizo que la obra Mona Lisa quebrase muchas tradiciones en la pintura. La mujer mira
directamente al espectador y le sonríe con seguridad. Dos actitudes más propias de los hombres
aristocráticos que de las mujeres.

El género del retrato pictórico de personalidades, tal como lo conocemos, tuvo lugar en el
temprano Renacimiento, hacia el siglo XIV. Quiere decir que para el momento en que Leonardo
pintó La Gioconda ya existía una tradición retratista más o menos consolidada y adecuada a unas
ciertas convenciones. El modelo más común antes de la Mona Lisa centraba su atención en la
representación del personaje hasta la mitad del torso, de manera que el rostro, la cabeza y los
hombros, abarcaran toda la composición.
Sandro Botticelli: Retrato póstumo de Simonetta Vespucci. Óleo sobre tela. c. 1476-80.
En el retrato Mona Lisa no solo se muestra la cara, la cabeza y los hombros, sino también el torso
hasta debajo de la cintura, lo que deja al descubierto brazos y manos y, con ello, mayores
posibilidades expresivas. De esta manera, Leonardo revela mucho del personaje, cosa que no
hubiera logrado de seguir el modelo anterior.

Desde el abordaje novedoso del retrato La Gioconda, Leonardo daría fuerza a una nueva tendencia
que dejaría su marca en toda la pintura europea hasta el siglo XIX.

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La monalisa
La Mona Lisa, o La Gioconda en Italiano, es una obra de arte la cual fue pintada por Da Vinci
entre 1503 a 1506. La Mona Lisa es la obra de arte más conocida en todo el mundo. Esta obra
muestra el retrato de una mujer sentada en una silla y mirando con su perfil izquierdo hacia
enfrente. Es una mujer blanca con pelo negro y no tan largo. Lleva puesta ropa de color verde
oscuro y hace parecer que son varia capas de tela. Su expresión facial no es rara ya que
simplemente tiene una leve sonrisa. Sus manos están recargadas en el brazo de la silla, la
derecha arriba de la izquierda. Atrás de ella se encuentra un paisaje con varios elementos
naturales. A lo lejos se puede ver una montaña de color azul verdoso. Atrás de ella también se
puede ver claramente un río azul. Más cerca hay tierra, en la cual se encuentran dos montañas
pequeñas divididas por un camino en la parte izquierda del retrato y un río más pequeña con un
puente cruzándolo en la parte derecha del retrato. El cielo que se muestra en el retrato es vacío
de color verde claro.

El balance de esta pintura es asimétrico ya que son diferentes las mitades porque tienen
diferentes elementos en el paisaje y la mujer tiene una postura que se ve de lado y no de en
medio. El énfasis que hace esta obra es sobre la mujer en el centro ya que la textura con la
que está hecha es más realístico que el paisaje en el fondo se ve más borroso y menos
detallado. Además la mujer ocupa mucho espacio de la obra y eso hace que este centrado
en ella. Hay armonía en la pintura por medio de los colores que se presentan. No hay tanta
variedad de colores pero si muestra que tienen diferentes tonos, sin embargo tienen el
mismo contraste y esto hace que la pintura tengo un color un poco café y esto hace que los
colores se combinen para hacer la obra más simple. En la obra no se muestra ninguna señal
de movimiento ya que la mujer simplemente está sentada en una silla viendo hacia al artista
que la está pintando. Esto es un retrato y el artista tuvo que estarla viendo en una posición
durante todo el tiempo que la estuvo pintando. La proporción de los elementos en la obra
son claros ya que la mujer tiene una proporción mayor a los elementos del fondo que son las
montañas, el rio, el puente, etc. Y esto hace que muestre que la mujer esta más cerca.
 Esta obra no cuenta mucho sobre el tiempo
del Renacimiento o algún elemento de este tiempo. Simplemente es un retrato que fue
pedido al artista Leonardo Da Vinci. Se cree que el retrato es de la esposa de Francesco del
Gioconda, Lisa Gherardini. Esta obra después fue adquirida por el Rey Francisco I de
Francia y después fue una obra del Museo Louvre de Paris. Para mí, esta obra representa la
belleza natural de la mujer porque según mi opinión no esta tan arreglada, pero aun así se
sigue viendo bella la mujer. Podría representar como el hombre del Renacimiento veía a la
mujer porque aunque no era perfecta sostenía la belleza en su rostro. Aunque es un simple
retrato, es la pintura más famosa y reconocida del mundo y por todo esto se han creado
rumores sobre elementos secretos que contiene esta pintura. Hasta se han hecho películas
y reportajes sobre esta situación la cual no tenemos completa información. Pero aunque sea
muy simple, los métodos que uso Da Vinci para crear esta obra son grandiosos ya que se
encuentran muchos detalles los cuales lo diferencian de otras obras.