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Historia Rapida de La Industria Musical PDF
Historia Rapida de La Industria Musical PDF
Latin Music Wire S.A. de R.L. se deslinda de cualquier responsabilidad por el mal uso de la
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derivativas de éste libro.
… Bueno, basta de rollos y sermones aburridos… Acompáñame en éste excitante viaje por
el mundo de la Industria Musical.
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Si tomas la píldora azul, la historia termina, te levantarás en tu cama y
creerás en cualquier cosa que quieras creer. Si tomas la píldora roja, te
quedarás en el País de las Maravillas y te enseñaré qué tan profundo es
la madriguera del conejo.
Sinceramente:
Koly Siller
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Tabla de Contenidos
Intro: La Píldora Roja de la Música........................................................... 5
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Intro: La Píldora Roja de la Música
La industria musical como la conocemos es relativamente nueva y no tiene más de 100
años.
Pero aún y con lo poco de su existencia, ésta particular y fascinante industria ha sufrido
cambios monumentales en tan corto espacio de tiempo, y la mayoría de esos cambios han
sido a causa de la tecnología.
Fácil: Si tocas en una banda, eres cantante solista, eres mánager de artistas, eres
promotor musical o trabajas en un estudio de grabación, entonces eres dueño de un
Negocio Musical.
Por lo tanto, te guste o no, los acontecimientos históricos que se han venido dando en la
industria musical desde sus inicios hasta el día de hoy, afectan de manera significativa el
grado de éxito que tendrás con tu música y con tu Negocio Musical.
Lo menos que podrías hacer para realizar un cambio en tu dirección como artista
o empresario de la música es conocer qué ha sucedido en 100 años de industria musical y
de qué manera cabes tú en ese espacio de tiempo.
Por favor, sé sincero(a) conmigo; ¿Has alcanzado últimamente tus metas y objetivos con
tu música?
Si has realizado un enorme esfuerzo con tal de sacar a flote tu carrera musical tocando
puertas aquí y allá y aun así sientes que tu música navega a la deriva, entonces éste
reportaje te responderá el por qué y ofrecerá las respuestas que buscas.
Si queremos comprender qué está sucediendo con la música hoy en día y qué es lo que
mueve a la industria musical en primer lugar, necesitamos conocer lo que ha sucedido en
cada una de las diferentes etapas de la industria musical. Más aún, debemos entender
cómo nos afectan éstos cambios históricos en nuestras carreras musicales.
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2).- Tu Música Nunca Será Famosa... En la Industria Musical Actual (El Presente):
Lo que tenemos hoy en día es una vieja industria musical del año de los dinosaurios, que
poco a poco está muriendo y que no ofrece oportunidad alguna para músicos y artistas
como tú y yo, por esa razón, es una pérdida de tu valioso tiempo, tu dinero y tu esfuerzo
el enfocar tus energías en ganar la atención de grandes empresas de entretenimiento, con
la idea errónea de que ellas te ayudarán a impulsar tu carrera musical.
Simplemente, las casas disqueras, las televisoras, la radio y las agencias promotoras y de
representación actuales ya no pueden ayudarte con tu música y poco a poco están
quedándose en el pasado.
¿Aun crees que la carencia de éxito con tu música se debe a la falta de apoyo de éstas
empresas?
Desde hace unos 15 años, se ha venido gestando una nueva industria musical basada en la
tecnología y en los cambios de hábitos de los consumidores; dicha nueva industria ofrece
enormes oportunidades de éxito a los artistas independientes (Y para ello, existen
cientos de casos de éxito)
Pero de igual manera, para triunfar en esa nueva industria musical, requieres de un
modelo diferente de desarrollo artístico al que estás acostumbrado a llevar a cabo.
Necesitas conocer cuáles son los elementos clave de ese modelo, si tener éxito es lo que
deseas; y aplicarlos a tu carrera musical.
Porque después de todo, nadie te ha enseñado hasta ahora la mejor manera de manejar
tu grupo y carrera musical. Es más, lo que estás haciendo con tu música probablemente lo
has hecho emulando a tus artistas y cantantes favoritos. Pero temo decirte que ese viejo
modelo no te es útil a tus propósitos.
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Si viste la popular película de Matrix, quizás
recordarás la escena en la que Morfeo
ofrece a Neo dos píldoras, una azul,
representando la negativa del personaje a
conocer la verdad y continuar con la
conformidad de su vida, mientras que la
píldora roja representa la verdad incómoda.
Mi responsabilidad el día de hoy es ofrecerte precisamente esa píldora roja, para que
conozcas la verdad acerca de la industria musical actual y utilices esa información para
beneficio de tu música y el éxito de tu carrera musical.
Si tomas la píldora azul, entonces puedes dejar de lado éste texto y volver al cuarto de
ensayo con tus colegas, a quebrarte la cabeza sobre cómo seguir tocando las puertas de
las disqueras, agencias de representación y agencias promotoras
otoras musicales, sin que
ninguna de ellas se abran.
• Conocerás qué está pasando realmente con las empresas de entretenimiento y por
qué no pueden ayudarte aunque consigas un contrato con ellas.
• Conocerás cómo y por qué la Vieja IIndustria
ndustria Musical está muriendo frente a
nuestros ojos y por qué tu música nunca será famosa.
• Conocerás que existe una Nueva Industria Musical que se está gestando frente a
nosotros; una que ofrece enormes oportunidades a artistas, músicos y bandas
independientes
ientes como tú y por qué nadie está aprovechando éste importante
cambio.
• Conocerás una alternativa para alcanzar el éxito en tu carrera musical; un mayor y
más grande éxito que los artistas de casa disquera grande.
¿Estás Listo?
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Las 6 Etapas de la Industria Musical A Través de
Su Historia.
La historia de la industria musical se puede resumir en 6 etapas diferentes. Cada etapa
aparente, pero diferentes en cuanto a los procesos que se dieron en los cambios de los
hábitos de consumo de la música por parte de las audiencias.
Por favor, toma muy en cuenta eso último que acabas de leer; los hábitos de consumo de
los fans, puesto que el entender éste concepto te ayudará a comprender mucho de los
cambios que en la industria musical se han desarrollado y por qué estamos donde
estamos.
Otro punto clave que siempre deberás tomar en cuenta a lo largo de la lectura de éste
reporte especial es el concepto de distribución o diseminación musical, puesto que un
pequeño cambio tecnológico ha sido la clave de los cambios tan tumultuosos que hoy en
día afectan el grado de éxito que tu música tendrá.
Un punto interesante para recordar es que lo que nosotros conocemos como “industria
musical”, ha estado basada alrededor de la música popular, o música pop (les guste a unos
y a otros no), refiriéndonos a la música que está pensada para alcanzar a un gran número
de personas posible. Ésta popularidad está medida por actividades de ventas, para bien o
para mal, y reflejado en los charts más importantes como Billboard.
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Etapa 1 – El Nacimiento de la Industria Musical
En los días anteriores a la música grabada, la industria musical era un animal diferente.
Por lo tanto, la única manera en la que tú podrías escuchar música era comprando las
partituras y tocándolas en tu casa ya fuese con el piano o el arpa, los dos instrumentos
más populares de esa época, por lo que originalmente, la industria musical promovía la
canción, no al artista.
Imagínate que en aquella época, la música era una actividad familiar muy bella en la que
los hermanos, padres, tíos, primos y abuelos (Por lo general gente de clases medias a
clases altas) se reunían en las tardes para escuchar a algunos de los miembros proficientes
en la ejecución de alguno de los instrumentos citados.
No existía otra forma de tener una experiencia con la música que no fuera en vivo. ¿Cómo
iba a haberla? Si no existían aparatos electrónicos ni formatos de reproducción que
hiciesen esto posible.
Aunque la industria musical realmente comenzó en el siglo 18, para finales del siglo 19, el
centro de ésta industria se encontraba en el distrito de Tin Pan Alley, en Nueva York, en
las oficinas de las compañías editoras de esa época que agrupaban a los compositores que
producían música en papel para el consumo de sus clientes, mayoritariamente músicos.
Cuando los Player Pianos salieron al mercado, las compañías editoras crearon un sistema
que ahora llamamos “promoción” para tener sus canciones incluidas en los rollos de los
player pianos, un mecanismo que hacía que los pianos se tocaran por si solos. Hoy en día,
esos pianos siguen existiendo, aunque claro, con un mecanismo digital basado en Linux o
Windows para la auto-ejecución de las canciones.
El punto es que la Promoción como actividad pronto se convirtió en una parte esencial de
la industria musical.
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Nueva tecnología empuja el negocio
En 1932, se abrió la primera tienda musical, la George Song Shop en Johnstown, PA y para
1941, se abrió la que sería la primera tienda en cadena, la Tower Records.
Millones de personas de una sola generación vivieron los cambios tecnológicos que en tan
pocos años trajeron nuevos formatos de diseminación musical como el vinyl, la tienda de
discos y los medios y sistemas promocionales, como la radio y las películas.
Si hay un dato importante que necesitas saber sobre ésta época, es el siguiente: en los
inicios de las empresas dedicadas a la industria musical, sus principales negocios eran la
venta de aparatos reproductores, por lo que la música era tan sólo un aliciente contenido
en un formato físico (el disco) que promocionaba la venta del aparato electrónico. Años
después, estas mismas empresas cambiaron su enfoque y comenzaron a dedicarse a la
creación de ídolos y estrellas de rock.
Resulta increíble pensar en la música tan sólo como una pieza de contenido promotor de
un producto a través de varios medios de diseminación, como lo es hoy la tienda iTunes y
sus descargas de $0.99 centavos de dólar como promotores del sistema operativo de
Apple y del iPod como accesorio de moda.
Pero así funcionaba la industria musical de aquella época (y de algún modo, así sigue
funcionando, con el ejemplo de iTunes); la gente aún no tenía en su mente la consciencia
del artista como punto central de la industria musical. Eso vendría en la siguiente etapa.
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Etapa 2 – La Original Industria Musical
La industria original como la conocemos hoy en día realmente comenzó en el período que
duró de los años 50’s a los 80’s. Y me refiero a la industria fabricadora de súper estrellas,
ídolos y celebridades.
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En los primeros años de la industria del disco, el artista usualmente tenía mínimo control
sobre el producto final, lo cual era del dominio completo del productor.
La casa disquera también era responsable por el marketing y la promoción del disco, la
cual se centraba en la radio. Si tu disco tenía rotación en radio, lo más seguro era que
vendieras muchas unidades de disco.
“Otro punto importante es saber cómo la gente consumía contenido en esos días, lo que
era que la gente escuchaba su música en la radio, enteramente. Luego, los japoneses
vinieron con la radio de transistor, la cual era portátil. De repente, la portabilidad
significaba que el consumidor no tenía que estar sentado en su casa frente a la radio. Y ese
fue el comienzo de algo más desde el punto de vista de la distribución. Tu puedes ver todas
las cosas que han cambiado, pero de pronto, ves a la radio de transistor y te pones a
pensar; ¡Rayos! La portabilidad era tan importante.”
El tiempo de rotación en radio era crucial para el éxito de un disco y ello resultó en la
creación de grandes departamentos de promoción dentro de las casas disqueras
dedicadas a obtener rotación en radio a como diera lugar.
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La competencia por el tiempo aire en radio se volvió tan feroz que esos departamentos
comenzaron a utilizar regalos en dinero, prostitutas, viajes y cualquier cosa que
influenciara a los directores de los programas de radio a poner una canción en rotación.
Esa práctica fue conocida como Payola. Eventualmente se volvió delito dentro de los
marcos legales y subsecuentemente resultó en muchos escándalos e investigaciones
dentro de la industria de la radio y del disco y de la manera de cómo hacían negocios.
Para evitar cualquier cargo que los acusara de payola, las casas disqueras dejaron de
utilizar departamentos de promoción y comenzaron a utilizar promotores independientes,
con la teoría de que cualquier cosa que hiciera una tercera parte o que un promotor
independiente ofreciera a los directores de radio, esencialmente eliminaba la
responsabilidad legal de la casa disquera (Eventualmente, y con el paso de los años, ésta
teoría también se probó ilegal).
Pese a todo, la rotación en radio era la llave del éxito, y la promoción era la clave para la
rotación en radio.
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Con la excepción de la limitada exposición hacia el consumidor vía clubes de fans y firmas
de autógrafos en las tiendas de discos, los artistas estaban segregados de la cadena de
distribución y consumo. El artista realizaba promoción ocasional en la radio, pero
generalmente, no había mucha comunicación entre el artista y el fan.
Con suerte, la interacción y la comunicación con el fan no era tan necesaria durante ésta
época, gracias a la influencia enorme de la radio, el jugador clave de la industria musical
durante ésta época.
Por ejemplo: para poder exagerar las posiciones en los charts, las casas disqueras pagaban
a las tiendas de música una cantidad de dinero para reportar intencionalmente que un
disco estaba vendiendo, aún y cuando no. Tiempo después, ésta práctica se puso a prueba
con la implementación de la tecnología SoundScan, la cual computaba los datos de ventas
de álbumes vía el escaneo del código de barra.
¿Por qué alguien llevaría a cabo una práctica como la anterior basada en la mentira? Fácil,
para elevar el “valor percibido” de un artista o un álbum y hacerlo ver bien con la finalidad
de que vendiera más.
Otra práctica corrupta en esa época era lo que llamaban el síndrome de platino. Para
exagerar las ventas, las casas disqueras enviaban enormes cantidades de discos, y luego
reportaban que el disco había llegado a platino, refiriéndose a que el disco había vendido
lo suficiente para estar certificado como un disco con altas ventas por arriba del millón,
insinuando con esto que la demanda era tan grande que las unidades enviadas estaban
pre-vendidas. Claro, generalmente no era reportado cuando los discos se regresaban a la
casa disquera en números de platino por que simplemente no estaba vendiendo.
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Etapa 3 – Epoca Corporativa
En la siguiente etapa del negocio de la música, se produjo un nivel impresionante de
ganancias nunca antes visto en la historia de la industria musical, que es muy dudoso que
alguna vez volvamos a ver un crecimiento con éste precedente.
Debido a que la tecnología para crear CD’s era cara en un principio, las disqueras
aumentaron el precio de cada disco al mismo tiempo que disminuían la regalía al artista,
con el supuesto argumento de que se trataba de un “gasto de tecnología”.
Mientras que el precio al menudeo del disco nunca bajó aún y cuando la tecnología se
amortizó y se hizo barata, los artistas eventualmente se dieron cuenta de la situación y no
les pareció.
Quizás lo mejor que pudo haberles sucedido a las casas disqueras en ese tiempo fue la
habilidad de revender todo su catálogo de artistas a un público dispuesto a cambiar de
vinyl a CDs y comprar una copia del álbum que ellos ya tenían en vinyl.
Las ventas de catálogo (ventas de los discos de un artista de antes de su más reciente
producción) incrementó las ganancias, debido a que los costos de producción eran
mínimos: Nada más el costo de maquilar el CD, sin contar con los costos promocionales.
Los consumidores compraron el nuevo formato de CD que ahora contenía mejor calidad
de sonido (para algunos) para suplementar sus nuevas colecciones de CDs, y de esa
manera, proveyeron recursos financieros a las disqueras que tenían enormes volúmenes
de catálogo.
Una oportunidad única de negocio, ¿No crees? Si tomamos en cuenta que los mayores
costos de la producción de un álbum se encuentran en la promoción, pues entonces
estamos hablando de que las disqueras tenían un ahorro de alrededor del 60% al 70%,
debido a lo que mencionábamos antes; la música de catálogo ya había tenido su época de
promoción en los años anteriores; ya no había necesidad de volver a promocionar a esos
artistas con éste nuevo formato.
Ahora resultaba que las compañías disqueras tenían, con el formato de CD, un excelente
negocio que arrojaba ganancias por donde quiera, lo cual atrajo inmediatamente la
atención de Wall Street.
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Mientras que en los años anteriores, la industria del disco había sido considerada por Wall
Street como un ente sin mucho interés de entre todas las ramificaciones de la industria
del entretenimiento, ahora resultaba que eran los consentidos de los inversionistas, y fue
en ésta época en la que comenzaron las grandes fusiones:
“La otra gran cosa que sucedió fue el compact disc. Cuando salió, hubo un crecimiento
enorme en la industria, y no muchas grandes corporaciones se dieron cuenta en su
momento. Cuando la CBS, quienes eran los reyes de la industria en su momento, vendió su
negocio de discos a Sony, ¡Eso fue enorme! Era un gran momento sucediendo debido a que
la CBS decidió que querían salir del negocio de la música, en donde habían estado por
años.”
Esta situación fue una ruptura con la atmósfera anterior, en donde quienes manejaban el
negocio eran personas musicalmente visionarias como Mo Ostin, Ahment Ertegan, Jac
Holtzman, Berry Gordy y Howie Stein, quienes podían sentir un hit en sus huesos con tal
sólo escucharlo. Hoy en día, existen pocos ejecutivos como éstos señores.
En la etapa anterior, en donde la disquera estaba con los artistas por tres, cuatro o hasta
cinco álbumes con tal de que éstos se nutrieran y se desarrollaran artísticamente, ahora la
nueva estructura corporativa que controlaba el negocio demandaba resultados instantes
“Éste cuarto del trimestre”.
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El desarrollo artístico, tan crucial para las estrellas y súper estrellas que conocemos hoy,
murió de manera lenta y después cada vez más rápido conforme los resultados financieros
inmediatos se convirtieron en el mantra de la industria (en vez de la música en sí misma).
La llegada de MtV
Con la llegada de MtV, de pronto la imagen llegó a ser más importante que la habilidad
musical. Si tú no te veías atractivo, simplemente no tenías rotación en MtV; y si no tenías
rotación en MtV, tus probabilidades de hacerla en grande en la industria musical
simplemente se desvanecían.
Cabe decir que la “artesanía” era parte de la fórmula de éxitos en un principio, pues todo
se basaba en ir creando piezas “artísticas” en base a un molde pre-establecido.
• Primero, encuentra un artista similar a lo que haya sido popular o haya tenido
éxito, ya sea en el presente o el pasado.
• Luego, consigue a un compositor exitoso para que escriba la perfecta canción
genérica.
• Añade un productor con buen record y ponlo con el artista en un estudio en donde
se hayan grabado éxitos antes y con los mismos músicos que grabaron dichos
éxitos.
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• El artista importa poco en éste escenario corporativo. Dicho artista simplemente
debe verse bien frente a la cámara, porque será un video en donde van a trabajar
coreógrafos, directores y estilistas con hits recientes en sus currículos.
Si alguna vez te preguntaste cuál era la fórmula de éxito en la música, la acabas de leer;
es la fórmula de éxito de Madison Avenue, y es la necesaria para vender producto.
¿Quién es Madison Avenue?, ¿Y por qué tiene tanta influencia en cuanto a la creación de
éxitos en la música? Eso lo iremos respondiendo más adelante conforme vayas avanzando
en la lectura de éste reporte especial.
No te confundas; la anterior es una fórmula de una industria vieja que ya está muriendo;
una fórmula cara que demanda demasiados recursos y poco talento, y que es probable
que sea igual de exitosa en ésta nueva época.
¿Qué tienen qué ver el alcohol y las leyes de manejo con la industria musical?
Deja que lo explique de manera detenida, para que puedas apreciar un componente en la
industria musical que no muchos artistas y bandas conocen y que es crucial para la carrera
de todo aquel o aquella que desee incursionar en la música.
Antes de 1972, la edad legal para tomar tenía un rango de 18 a 21, dependiendo del
territorio en donde se estuviese, pero la guerra en Vietnam trajo consigo el argumento de
que “Si tengo edad legal para pelear por mi país, entonces debería tener edad legal para
tomar”.
Para 1972, muchos de los otros estados de Estados Unidos acordaron de que si una
persona tenía la edad suficiente para votar y pelear por su país, entonces también debería
tener la edad legal para tomar, por lo cual se bajó el rango a 18 años.
La situación de pronto abrió la oportunidad para que abrieran en masa nuevos locales de
esparcimiento, como son los bares, restaurantes, antros, clubes, boliches (el sinónimo de
club nocturno en Argentina y otras partes de América Latina) y salas de concierto, ya que
con el pase de ésta ley, de pronto se incrementó la demanda de alcohol en tal medida que
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había qué acomodar a éste enorme mercado de consumidores, al mismo tiempo que
había qué atraerlos con entretenimiento en vivo.
De un año a otro, de pronto los clubes nocturnos abrieron por doquier, y la música en vivo
floreció en ese ambiente.
En ese tiempo, una banda podía tocar 5 sets musicales durante los 7 días de la semana y
desarrollar sus habilidades musicales. Ahora, repite el proceso por un año o dos, y con eso
estarías listo para tomar el siguiente paso en tu carrera musical, si eso es lo que deseas
hacer.
Los Beatles dedicaron no sólo uno o dos años de tocar 8 horas diarias 7 días a la semana.
Dedicaron 10 años.
¿En qué clase de artista crees que pudieras convertirte si te tomaras una preparación de
10 años tocando diariamente 8 horas? Experimentando con sonidos nuevos, con toda
clase de géneros, imagen, estilos, ejecución en el escenario, etc.
Y así fue como los años 70’s experimentaron un crecimiento sin precedentes en la historia
de la industria musical, creando muchos de los artistas clásicos que han influenciado casi
toda la música que escuchamos hoy en día.
Pero resultó que en 1982, la edad legal volvió a elevarse a 21 años, y desde entonces, la
emoción y la diversidad musical han decaído. La música se ha vuelto blanda y
homogeneizada (gracias a la fórmula de éxito de Madison Avenue) y desde entonces, no
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ha existido una tendencia mayor en la industria musical desde el rap y el rock alternativo
en los años 80’s y 90’s, respectivamente.
Y esto en parte debido a la reducción en escala grande de espacios para la música en vivo,
gracias a dichas leyes de alcohol y otras más que afectaron las escenas musicales.
Ahora viene la pregunta para ti, ¿Cuántas veces a la semana tocas en vivo con tu grupo?,
¿Cuántas de esas veces es un show pagado?
Los músicos necesitan la retroalimentación constante y la atención que sólo una audiencia
puede darles. Entre más tocas, mejor te vuelves en tu arte, lo cual te lleva a experimentar
más y a encontrar tu propia voz y estilo.
Pero con la escasa infraestructura para la música en vivo que hoy en día tenemos, el
panorama para el desarrollo artístico de los artistas independientes es incierto.
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Etapa 4 – La Era de la Música Digital
El día en el que el primer archivo de mp3 fue compartido, ese fue el primer día de la nueva
etapa de la industria musical (En algún momento alrededor de 1994). Aunque nadie lo
sabía en su momento, esto significó una disrupción que algún día haría que la industria se
tambalease.
Rupert Perry:
“Si regresamos un poco a la época del internet en 1993, la gente que estaba involucrada
en el negocio de contenidos simplemente no tenía idea de cuán monumental sería éste
cambio. Tener cualquier forma de contenido disponible en tu computadora era totalmente
una nueva forma de distribución que al principio nos excitó, pero a la que al mismo tiempo
temimos. La diferencia estaba en que ahora, la disquera ya no tenía ningún control sobre
la distribución. Nadie de los que comerciaban con contenidos, como la televisión, el cine y
la música, tenían ya ese control, porque antes, ellos decidían a dónde iba el contenido,
quién podía consumirlo y de qué manera. Con el internet, todo eso se fue por la ventana de
manera instantánea.”
Justo antes de la llegada del mp3, un archivo de música con la calidad digital del CD era
demasiado pesado (alrededor de 5mb por cada minuto de canción en sonido estéreo) y
tomaba demasiado ancho de banda tocar 1,411 kbps, lo cual significaba que era imposible
reproducir música en internet dada la tecnología de su tiempo.
El mismo archivo musical en formato mp3 tomaba un décimo del espacio, con un ancho
de banda entre 128 y 256kbps, lo cual hacía al archivo relativamente fácil de descargar
aún con los dispositivos primitivos de módem disponibles en esa época.
Utilizar un archivo mp3 es como quitarle el aire a una llanta de bicicleta. La llanta se
vuelve lo suficientemente pequeña como para caber en una caja, pero sigue siendo la
misma llanta.
Precisamente eso es lo que hizo el archivo mp3, quitó el aire de los archivos musicales,
haciéndolos más pequeños.
Aunque la calidad de los mp3 no era tan buena como la del CD, los consumidores habían
mostrado previamente, con la introducción del cassette, que la calidad no era su mayor
preocupación al momento de hacer decisiones de compra y de escucha de nuevos artistas.
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Las Redes P2P Dejan Su Marca
Las redes Peer-to-peer (P2P) fueron la segunda tecnología que cambió la industria musical
durante ésta época. En una red P2P, cada computadora conectada al sistema puede
proveer y recibir archivos sin la necesidad de un servidor central, con el ancho de banda y
procesamiento distribuidos alrededor de todos los miembros de la red.
En otras palabras, los archivos viven en múltiples computadoras interconectadas, con cada
usuario con la capacidad de descargar un archivo (o piezas del mismo archivo de múltiples
computadoras).
Napster fue el primer sistema masivo de distribución de archivos mediante red P2P.
Aunque no totalmente P2P, debido a que necesitaba servidores centrales para mantener
listas de sistemas conectados a sus archivos, un factor que le valió perder el caso en la
demanda en su contra.
Poco después de su creación, la compañía fue demandada legalmente por varios actores
de la industria musical. Entre ellos, artistas (Metallica, Dr. Dre, Madonna, etc.), casas
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disqueras (A&M), y la misma industria musical representada por la RIAA (Recording
Industry Association of America).
¿Cómo no iban a protestar? Si artistas como Metallica ganan alrededor de $4 dólares por
cada disco que venden (Cuando el estándar en la industria es menos de $0.50 centavos
para el resto de los artistas).
Mp3.com, otro servicio similar que inició en 1999, fue demandado por Universal Music
Group por violaciones al copyright, lo cual obligó a éste servicio a pagar $200 millones de
dólares y quedar fuera del negocio.
Aunque ambos servicios, Napster y mp3.com fueron cerrados por decisión legal de las
cortes, ellos dos pavimentaron el camino para la descentralización de la distribución de
archivos P2P mediante programas como Gnutella y Limewire (hoy descontinuados), lo cual
es mucho más difícil de controlar.
Como resultado, la RIAA persiguió agresivamente a los usuarios que utilizaran éstos
servicios, a pesar de los reclamos del público y la industria musical.
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La Piratería Toma Otra Forma
Otra disrupción mayor en la tradicional industria musical llegó como resultado del
lanzamiento al mercado del quemador de CDs, y su impacto no puede ser subestimado.
En los días del vinyl, la maquila no autorizada de discos casi no era del conocimiento
público debido a los altos costos de operación que ésta actividad requería. Maquilar un
vinyl requería equipo grande, especializado y costoso, lo cual hacía de ella una actividad
fuera del alcance de la gente, e incluso del más entusiasta.
Desde luego, el cassette, desde su lanzamiento al mercado en 1964, significó una espina
en la industria musical, porque en esa época, cualquiera podía comprar con $1 dólar un
cassette en blanco y apretar el botón de “rec” al momento de escuchar un hit en la radio.
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Etapa 5 – La Música Digital se Monetiza
Así que llegó a ser obvio que a menos de que la industria musical no se adaptara al nuevo
ambiente, pronto desaparecería. Irónicamente, fue la industria de la computación la que
de alguna manera salvó a la música.
Mientras que diferentes servicios de música digital presentaban alternativas a las casas
disqueras para hacer negocio con las descargas pagadas, finalmente fue iTunes de Apple
Computer quien hizo disponible un nuevo modelo de negocio que funcionó, aunque
básicamente un sistema cerrado, ya que inicialmente, iTunes requería de un iPod para
poder funcionar (tiempo después, las opciones de la plataforma fueron expandidas).
iTunes fue un ganador entre los consumidores por su facilidad de uso (una característica
por la que Apple es conocido) y por el iPod como nuevo accesorio de moda e identidad
personal.
Ahora, la industria finalmente podía monetizar sus ofertas digitales. Pero a un precio de
$0.99 por track, por lo que no había mucha ganancia atractiva.
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• Lanzado en enero del 2001, iTunes fue un éxito instantáneo que fue seguido por
consecuentes actualizaciones.
• Ya en los últimos meses del 2001, iPod support se implementó, lo cual inició la bola
de nieve en la nueva economía digital de la música.
• En el 2003, la tienda iTunes Store se introdujo, y tanto el consumidor como Apple
nunca miraron atrás. Desde entonces, películas, programas de televisión, videos
musicales, podcasts, aplicaciones y videojuegos se han añadido al extenso catálogo
de la tienda de Apple.
• En abril del 2009, la tienda iTunes implementó una estructura de precios después
de un intenso estira y afloja con las disqueras. Las canciones ahora están en $0.69,
$0.99 y $1.29.
• En el momento en el que se escribió éste reporte que estás leyendo, más de 10
billones de canciones han sido descargadas desde que se lanzó iTunes Store un 28
de abril del 2003.
Pero si existe un tipo de servicio de música digital que las disqueras SÍ apoyan, es el
servicio de suscripción o streaming, el cual significa que tú pagas una cuota mensual para
poder tener acceso a escuchar tanta música como tú quieras en lo que dure ese tiempo y
sin limitaciones.
La música es transmitida vía online en tiempo real, lo que se conoce como “Streaming”,
por lo que tú no eres dueño de ella, pero ya que la música se encuentra disponible de
manera inmediata a cualquier hora, realmente no hay necesidad de tenerla guardada en
tu computadora, teléfono o reproductor.
Mientras que los servicios de suscripción como Rhapsody, Spotify o Napster se están
poniendo de moda, sus números son relativamente pequeños comparados con la
descarga directa de música como iTunes. Ni qué decir con los márgenes de ganancias que
obtenían con las ventas de álbumes en los años 90’s.
Cabe decir que a los artistas no les parece mucho, ya que el dinero recolectado por las
casas disqueras no se reparte de manera equivalente. Los editores de música (Las
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agencias dedicadas a explotar los derechos de las canciones) también dudan de éste
modelo, puesto que para ellos ya de por sí existen costos altos de administración. Pero
con todo eso, el modelo de suscripción o streaming no ha alcanzado su masa crítica aún.
Quizás en los próximos años; aún está por verse.
La música digital monetizada trajo consigo otro cambio grande: el retorno de los singles,
tal y como se manejaba la industria en los 50’s y 60’s.
En vez de estar forzados a comprar un álbum con 10 canciones para poder escuchar una o
dos que sí les agrada, los consumidores ahora pueden nuevamente comprar las canciones
que ellos quieran, tal y como se acostumbraba en años anteriores.
Para compensar las ganancias perdidas por consecuencia de los nuevos cambios
tecnológicos, las disqueras mayores tenían qué tener fuentes de ingreso más allá de las
ventas del CD, y el lugar más lógico en dónde encontrar esas fuentes de ingreso era en el
artista mismo.
Ya que es bien entendido que el 90% de los ingresos de un artista vienen de dar shows en
vivo y de las giras, las disqueras vieron eso como una oportunidad para un ingreso
potencial, y rápidamente formaron un nuevo esquema para apoderarse de una pieza del
pastel, lo que conocemos hoy como contrato de 360 grados.
El contrato de 360 grados significa que tú compartes con la casa disquera un porcentaje
de tus ingresos como artista, de fuentes que van más allá de las ventas del disco, lo cual
incluye shows en vivo, mercancías y publishing (El dinero que te pagan por tener una
canción en comerciales, películas y telenovelas).
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Quizás has escuchado a los chicos del popular grupo de rock Paramore, quienes son un
vivo ejemplo de un grupo actual que funciona mediante un contrato de 360 grados. Otro
ejemplo es Madonna, quien en años recientes firmó un contrato de 360 grados con Live
Nation para su gira mundial, compartiendo con ésta empresa promotora de eventos un
porcentaje de las ganancias que el tour generara.
Quizás tu pudieras cuestionarte por qué un artista querría permitirle a una casa disquera
un acuerdo de ésta naturaleza. El argumento es de que si el área de experiencia de una
disquera es en vender discos (lo cual no está haciendo nada bien), entonces ¿Qué tipo de
experiencia tiene la disquera en manejar tu carrera?
Además, un artista que está generando ingresos por otro tipo de conceptos diferentes a la
de la venta de discos, ¿Por qué tendría necesidad de firmar un contrato con una empresa
que está teniendo dificultades con su negocio medular, que es la venta de discos?
Mientras que ésta sería la única manera de hacer negocios con las disqueras hoy en día, es
otra razón por la cual un artista independiente debería ignorar éstos acuerdos en la
mayoría de los casos.
Y también es una razón poderosa por la cual el artista, músico y/o banda independiente
de hoy en día debería reconsiderar el enfoque de su carrera, desistiendo de una vez por
todas de buscar llamar la atención de éstas empresas y comenzar a enfocarse en conectar
con aquella persona que importa: El Fan.
Al mismo tiempo, el management tradicional se está convirtiendo cada vez más en algo
poderoso, debido a que el manager ahora tiene que tomar más decisiones para el artista.
Con la influencia decreciente de las casas disqueras, ahora es responsabilidad del artista y
su manager encontrar nuevas fuentes de ingreso, negociar con patrocinadores potenciales
y hacer acuerdos con distribuidores digitales, entre otras cosas.
Con muchas de las ventas y el marketing ahora en manos de los artistas, la figura del
manager ahora tiene responsabilidades más que en otras épocas anteriores, y su guía e
impacto han llegado a ser más valorados por el artista.
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Etapa 6 – El Amanecer de la Comunicación
Artista/Fan
El cambio más grande que vino con ésta nueva etapa en la industria musical es en su
estructura. En esta nueva etapa que estamos viviendo, el middleman puede ser removido
de la ecuación, dejando al artista y al fan hoy en día en comunicación directa y en el nivel
en el que ellos deseen, desde la creación, la promoción, el marketing y las ventas.
Pero quedarse meramente en contacto con el fan puede ser tan elusivo a veces como
estar en contacto con amigos o familia.
Los verdaderos fans, así como los amigos y la familia, requieren comunicación regular, así
lo conozca o desconozca el artista.
Ésta nueva etapa de la industria musical, o mejor llamada, la Nueva Industria Musical,
permite que los artistas se promocionen directamente con sus fans:
• Si ellos pueden alcanzar a sus fans, entonces pueden hacerles consciente de sus
productos (música nueva, mercancía nueva, boletos de conciertos, tarifas y
cotizaciones por eventos en vivo).
• Si los artistas pueden alcanzar a sus fans directamente, entonces también pueden
venderle directamente (aunque lo más correcto sería ponerlo como “invitarles a
que vean una oferta.”)
• Más importante aún, en ésta nueva época en la que vivimos, los artistas tienen el
poder de dialogar con sus fans para que sean ellos mismos quienes les ayuden a su
artista favorito con las ventas y la mercadotecnia.
Recuerda que el fan equivale a cliente potencial o cliente actual. Fan = Cliente
Otro factor de éxito en ésta Nueva Industria Musical es que la audiencia se ha vuelto muy
enfocada a los nichos de mercado. Desde Swahili Polka, pasando por el madrigal mandarín
hasta el Death Metal noruego, si un artista le busca lo suficiente, encontrará su audiencia.
Aunque por supuesto, hay que aclararlo; si bien es cierto que la estratificación de las
audiencias le otorga más oportunidades al artista de hoy en día, también significa que
disminuye la posibilidad para vender millones de hits, debido a que la gente está menos
expuesta a uno o dos géneros musicales que antes. Se fueron para siempre aquellos días
en los que una aparición en MtV podía lanzar en grande éxito a un artista.
Es cierto, las estructuras antiguas de la vieja industria musical aún existen (casas
disqueras, tiendas de música, radio terrestre, canales de música, etc.) y de cierta manera
pueden beneficiar al artista independiente. Pero toma en cuenta que dichas estructuras
nunca volverán a ser el factor determinante para el éxito de un artista.
Siempre se ha sabido que una casa disquera no firmaba artistas nuevos en virtud de su
música, sino por el número de seguidores que éste tenía, lo cual representaba ventas
tanto para el artista como para la casa disquera.
Si tú haces un concierto y la casa disquera ve que tienes filas de gentes esperando entrar a
verte, entonces a esa disquera no le interesa tu música; le interesa la gente que está
dispuesta a comprar lo que tienes.
Hoy en día, con las herramientas y la tecnología actual, ahora puedes desarrollar tu
audiencia en una manera más eficiente y hacerte de una carrera con una base pequeña de
fans y/o clientes potenciales.
De hecho, la misión y propósito de Latin Music Wire es explorar las miles de maneras en
las que un artista puede exponerse y desarrollarse en ésta nueva industria musical y de
manera independiente, todo con la meta principal de establecer una conexión directa con
el fan.
En pocas palabras:
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Sobre Koly Siller
• Publicista y Consultor
nsultor de Latin Music Wire, agencia consultora de
marketing musical para músicos, artistas y b
bandas
independientes en México, España, EUA y América Latina.
• Promotor de conciertoss de diversos géneros que van desde el
rock y el heavy metal hasta bailes gruperos, a través de sus
propias compañías dedicadas a la industria del entretenimiento y
la música en vivo.
• Especialista en Negocios de Musica y Marketing Musical por la
Universidadd de Berklee en Boston, Massachusetts.
• Licenciado en Relaciones Internacionales por el Instituto
Tecnológico de Estudios Superiores de Monterrey (ITESM, Tec de Monterrey)
• Como Consultor de Marketing Musical para cientos de artistas, músicos y bandas
independientes al rededor del mundo, Koly ha ayudado a sus clientes en el desarrollo de
sus carreras musicales en aras de un sólo objetivo mayor; que el artista conecte con su
público y su audiencia.
• Como músico, Koly ha participado en agrupaciones de una amplia gama de géneros que
van desde guitarrista de bandas Death Metal, pasando por cantante de balada pop hasta
bandas
das del género grupero/norteño, además de ser productor y co compositor.
mpositor.
• Autor del libro Cómo Ser la Banda Abridora de tu Artista Favorito… y otros conciertos no
tan favoritos.
Respecto a su labor y desempeño como consultor musical y con una trayectoria en la música de
más de 13 años, Koly comenta:
“Yo por mi parte, lo hago todo por el simple aprecio a alguien quien más me importa; el público.
Realmente existe música magnífica y artistas increíbles en México y America Latina, pero sería una
tragedia que no pudieran conectar con esa audiencia maravillosa que está deseosa de música de
calidad; por esa razón, mi trabajo es hacer que los músicos y cantantes conecten su música con el
mundo; con el públicoo y sus fans.”
En la actualidad, Koly puede ser contratado para ofrecer seminarios, talleres, conferencias y
consultorías sobre negocios y marketing de la música independiente para universidades,
organizaciones, corporaciones y público en general. Para ccontratar
ontratar a Koly, haga click en la
siguiente liga: http://www.latinmusicwire.com/contacto.html
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Programa de Ignición de Latin Music Wire
Te invitamos a que participes con tu banda y tu música en
nuestro Programa de Ignición de Latin Music Wire, el cual
es un programa en línea y paso a paso en donde vamos a
desarrollar tu carrera artística en la parte de promoción
musical y marketing.
En pocas palabras, ¡Queremos que avances al siguiente nivel con tu música y tu banda!
http://www.latinmusicwire.com/programa-de-ignicion.html
Además, una de las mejores características del programa es que tendrás acceso total a mí (Koly) o
a mis asistentes a través de sesiones semanales por teléfono, Skype o Facetime, para poder
trabajar contigo de manera personalizada y resolver y discutir cualquier duda que tengas.
Ojalá puedas acompañarnos, el programa tiene una duración de 9 semanas y es 100% en línea, por
lo que no importa en qué lugar del mundo estés, estás invitado.
http://www.latinmusicwire.com/programa-de-ignicion.html
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LM Music Consulting
Llámame por Skype para ayudarte con soluciones para tu carrera
musical mediante una sesión telefónica de una hora.
• Conectar con tus fans, público y audiencias de manera regional, nacional e internacional.
• Clarificar en qué nivel te encuentras en tu carrera artística.
• Determinar las mejores maneras de comunicar tu identidad musical.
• Diseñar un website efectivo y establecer una presencia creciente en internet.
• Descubrir nuevos hooks en tu música que los medios amarán, además de crear los
mejores ángulos para el lanzamiento de noticias, press releases y cover letters que
demanden atención.
• Generar ingresos de dinero y monetización de tu música y shows en vivo a través de un
proceso comercial-artístico definido.
• Profesionalizar tu banda y tu música a modo de que te conviertas en un producto y/o
servicio más fácilmente contratable y comercializable con el fin de que consigas más
shows, presentaciones en vivo y tocadas.
¡Contratar una consulta conmigo es muy fácil! Revisa los detalles de éste servicio de Latin Music
Wire en la siguiente liga:
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