PANORAMA

Imagen de tapa: Ernesto Vila,

Dos palillos y cuatro Gardeles, 2003, Papel, madera, palillo de colgar ropa
PANORAMA
PANORAMA
DEL ARTE CONTEMP OR NEO EN URUGUAY
7 PANORAMA
13 Las prcticas de la 154 Andrea Finkelstein
mediacin
17 ENGLISH VERSION
26 Javier Abreu
30 Federico Aguirre
34 Sebastin Alonso Bessonart
38 Fernando lvarez Cozzi
42 Claudia Anselmi
46 Silvina Arismendi
50 Federico Arnaud
54 Enrique Badar Nadal
58 Javier Bassi
62 Patricia Bentancur
66 Raquel Bessio
70 Olga Bettas
74 Cecilia Bonilla
78 scar Bonilla
82 Juan Burgos
86 Luis Camnitzer
90 Ana Campanella
94 Yamand Canosa
98 Carlos Capeln
102 Rimer Cardillo
106 Eduardo Cardozo
110 Cristina Casab
114 Alejandro Cesarco
118 Osvaldo Cibils
122 Pablo Conde
126 Alejandro Cruz
130 Tamara Cubas
134 Pau Delgado Iglesias
138 gueda Dicancro
142 Liliana Farber
146 Mara Agustina
Fernndez Raggio
150 Magela Ferrero
158 Rita Fischer
162 Florencia Flanagan/florf
166 Diego Focaccio
170 Fernando Foglino
174 Daniel Gallo
178 lvaro Gelabert
182 Alfredo Ghierra
186 Gerardo Goldwasser
190 Haroldo Gonzlez
194 Alejandra Gonzlez Soca
198 Eugenia Gonzlez y Agustina 342 Martn Sastre
Rodrguez
202 Carlos Guinovart
206 Fermn Hontou (OMB)
210 Ignacio Iturria
214 Jacqueline Lacasa
218 scar Larroca
222 Alberto Lastreto
226 Marcelo Legrand
230 Victor Lema Riqu
234 Fernando Lpez Lage
238 Brian Mackern
242 Marco Maggi
246 Diego Masi
250 Cecilia Mattos
254 Paola Monzillo
258 Vladimir Muhvich
262 Carlos Musso
266 Clemente Padn
270 Jos Luis Parodi
274 Ricardo Pascale
278 Virginia Patrone
282 Martn Pelenur
286 lvaro Pemper
290 Diego Priz
294 Luca Pittaluga
298 Sergio Porro
302 Teresa Puppo
306 Ernesto Rizzo
310 Fabio Rodrguez
314 Juan Manuel Rodrguez
318 Juliana Rosales
322 Mara Clara Rossi
326 Federico Rubio
330 Agustn Sabella
334 Sebastin Sez
338 Mario Sagradini
346 Alejandro Schmidt
350 Fidel Sclavo
354 Carlos Seveso
358 Jorge Francisco Soto
362 Elin Stolarsky
366 Gustavo Tabares
370 Santiago Tavella
374 Alejandro Turell
378 Pedro Tyler
382 Dani Umpi
386 Juan Ura
390 Pablo Uribe
394 Santiago Velazco
398 Diego Velazco
402 Martn Verges
406 Ernesto Vila
410 Margaret Whyte
414 Yudy Yudoyoko
418 Guillermo Zabaleta
422 lvaro Zinno
427 CONtacto
429 CRDITOS FOTOGRFICOS
431 crditos
6
Panorama

El Subte festeja sus 80 aos. Por sus salas han pasado artistas como Torres Garca, Cneo, Petrona Viera,
Costigliolo, Arzadum, Polleri, Frasconi, Gurvich, Matto por nombrar unos pocos. Hoy, y a la distancia, podemos
afirmar sin temor a equivocarnos que nuestra institucin ha sido un bastin cultural por dcadas y que en este espacio
subterrneo surgi (y surge) lo ms destacado del arte de Uruguay, que hoy se encuentra en acervos de museos
nacionales e internacionales. Y esa tradicin es la que queremos continuar. Esa responsabilidad que asumimos por estar
al frente de un espacio emblemtico, es la que nos ha impulsado a realizar una publicacin de estas caractersticas,
poniendo la mirada tanto en el hoy como en un horizonte temporal por venir. Es por esto que decidimos encauzar
en el Subte un proyecto que estuviera consustanciado con su propia idiosincrasia, con esa pasin por promover el
arte contemporneo, participando as en la construccin de los valores simblicos que definen y configuran una parte
importante de la cultura. Ponemos pues en manos de los artistas la responsabilidad de hablarnos de aquello que es
pertinente, importante, aquello que hoy pide ser analizado, revisitado, reformulado y puesto en crisis. Esperamos as,
que estas pginas sepan ser el vehculo capaz de exponer aquello que los artistas tienen para decir al comienzo de un
siglo tan prometedor como incierto.

Desde dnde?

Para poder hablar de un panorama debemos asumir que nos encontramos en un punto de observacin
privilegiado, que permite una distancia prudente e incluye la posibilidad de abarcar desde ah la totalidad de un entorno.
Hoy en da dicha posibilidad se construye solo a partir de una pretensin ambiciosa, que abarque la mayor cantidad de
propuestas en base a sus diferencias, meditada, atendiendo a la solidez y persistencia en el tiempo de las mismas, y
comprometida, considerando su pertinencia con respecto a las problemticas que movilizan a los artistas en nuestros
das. Hablar de privilegio no supone una arrogante declaracin de beneficios, como s el honor que implica la posibilidad
de encauzar un proyecto editorial con un grupo de artistas sorprendentes. Fue necesario construir un mecanismo
de seleccin que permitiera otear, ampliar y aclarar el paisaje de las prcticas artsticas contemporneas. Pero
seleccionar es tan grato como injusto, tan acertado como cuestionable, y cuando se trata de seres humanos nunca es
simptico. Sabemos que toda seleccin genera una suerte de afuera momentneo, pues la dinmica de las prcticas
artsticas es imprevisible y la visibilidad o la sorpresa generada se construye en el da a da de una actividad siempre
inquieta. Muchos de los artistas jvenes presentes recin comienzan sus carreras, su futuro depende en exclusiva de
la posibilidad de sostener el nivel de trabajo hasta hoy logrado. Muchos de estos artistas jvenes han desplazado a
artistas de reconocida trayectoria y cuyo nombre se encuentra ya en cualquier investigacin histrica del arte nacional.
Pero esta publicacin busca enmarcar a todos aquellos que presentan hoy las propuestas ms removedoras, slidas y
oportunas dentro de eso que entendemos como arte contemporneo.

Hacia dnde?

Esta publicacin tiene por objetivo clarificar y circunscribir un estado de cosas, un momento. Plantear un
panorama del arte contemporneo en Uruguay no se desliga de las complejidades, arbitrariedades y dependencias
propias y ajenas, locales y globales. Dar rumbo a un proyecto de estas caractersticas, ms all de las dificultades,
8

supone la intencin de despejar y exponer la riqueza que los artistas uruguayos vienen volcando en los ltimos tiempos
en el campo de la cultura nacional, y en algunos casos internacional.1 Creemos tambin que uno de los problemas que
hoy alcanzan los artistas nacionales, fundamentalmente los que viven en Uruguay, es que no tienen una proximidad a
curadores y exposiciones del exterior, y que estar fuera del circuito internacional se debe ms a cuestiones de falta de
informacin que por carencia de inters en sus proyectos.
La modesta participacin de nuestros artistas en bienales o exposiciones fuera de fronteras puede comenzar a
revertirse con estrategias de difusin. Creemos profundamente que esta propuesta editorial es una forma de comenzar
a abrir esa brecha, de salvar esa distancia que los aleja de posibilidades de expansin y reconocimiento ms all de
nuestra aldea. Ms que nada vemos, y lo podemos decir con propiedad, que nuestros artistas han alcanzado un nivel
de madurez discursiva digno de atencin y respeto, y que por tanto nos encontramos en un momento inmejorable para
mostrar su produccin fuera del pas.

Problemticas

La motivacin que da lugar a Panorama, la fuerza motora que reclama la expansin de estos discursos, surge
con la intencin de contraponerse (al menos lateralmente) a las problemticas internas aquellas que se encuentran
presentes en nuestro entorno y que afectan tanto a la produccin como a su interpretacin, como externas: el
desconocimiento. Nuestro contexto (con rasgos de ecosistema) est determinado por un conjunto diverso y complejo
de relaciones: socioeconmicas, polticas, histricas, institucionales, comunicacionales, subjetivas y conceptuales
que afectan finalmente a las prcticas en el plano de lo simblico dentro del vector de los valores.
La complejidad dada por esa infinidad de cruces, por esa red de flujos de deseos e intercambios, abruma ms
a extranjeros que a nativos. No podemos decir que amedrenta a quienes desde dentro del campo producen distintos
tipos de discurso: artistas, curadores, crticos, docentes, educadores o quienes estn al frente de instituciones. En
cambio s lo hace, como en cualquier lugar del mundo, a nivel de los grandes pblicos, como as lo muestran las redes
sociales. En este sentido, los forasteros determinan un tipo de tensin negativa que desvaloriza y hasta desvirta, por
un desconocimiento tambin fruto de la comodidad, todas aquellas acciones que se orientan a mantener, promover
y generar propuestas artsticas innovadoras y comprometidas con el hoy, aquellas que de forma constante buscan
puntos de crisis dentro de una cultura dominada por el espectculo. Pero ms all de lamentos infructuosos, esa
incomprensin propia del arte, esa negacin para dejarse clasificar, domesticar y consumir fcilmente, no es parte de
su constitucin? No es esta su habilidad para desterritorializarse de forma constante y evadir la pasin del capitalismo
y la sociedad por codificarlo todo? (Deleuze, 1971).
Y no solo esto: el arte contemporneo tambin asume una complejidad que se agudiza por el hecho de
pertenecer a un campo que redefine su objeto constantemente, presentando una codificacin dinmica, inclasificable,
que desarticula y cuestiona sus relaciones con cada nueva generacin. Por otra parte, cada vez se muestra ms
permeable a un afuera determinado por la tecnologa, el mercado y culturas forneas, y sus mtodos, por decisin y
necesidad propia, nunca terminan por quedar establecidos, con la consiguiente disolucin de fronteras, generando no

1 No podemos ocultar la influencia que tuvo en este proyecto Arte Activo online. Catlogo digital de artistas visuales de Uruguay,
realizado por la Direccin Nacional de Cultura del MEC con la investigacin y textos a cargo de la Prof. Sonia Bandrymer.
solo lenguajes sino narrativas hbridas (Canclini, 1990). Presenta, por todo esto, un grado de imprevisibilidad que lleva
siempre a revisar los marcos conceptuales y a historizar (con pretensin de coherencia) en perodos no demasiado
amplios. De esta manera, asume conscientemente un devenir constante en la produccin de documentos, sean obras
o textos, que registren insistentemente las formas y modelos en que se ve, siente y piensa todo un momento histrico
determinado, un estar activo, un ser en el mundo (dasein) (Heidegger, 1927).
De la misma manera, podemos visualizar dificultades de la recepcin de los discursos. La vulnerabilidad en
el eje educativo-comunicacional se desdobla en responsabilidades compartidas. Por un lado, estn las instituciones
con sus problemas para llevar programas educativos a largo plazo, por cuestiones de infraestructura, ms all de
acciones puntuales que realizan (visitas guiadas), sumado a los problemas presupuestales y a la carencia de personal
especializado. No podemos evitar sugerir que estas dificultades deberan ser abordadas desde polticas educativas a
nivel nacional que promuevan los estudios visuales con la seriedad que merecen; hoy no todo es tecnolgico, pero s
todo es visual.
Por otro lado, vemos que la difusin de las artes visuales a nivel de medios de comunicacin es modesta. La
presencia de artistas en los medios de comunicacin o en programas de inters cultural es tan tmida como la cobertura
semanal en la ltima pgina de la prensa. 2
Podramos hacer referencia tambin a las dificultades operativas en el eje produccin-consumo, cuya incidencia
afecta directamente a los artistas desde la posibilidad de embarcarse en proyectos ambiciosos por cuestiones de
costos, y a causa de la inexistencia de un mercado que permita el flujo de sus producciones habilitando una circulacin
de capitales que retroalimenta y renueva los capitales simblicos. Sabemos que una actividad artstica dinmica surge
en ese equilibrio entre el valor de uso y el valor de cambio, y caer en el temor por un mercado del arte que pueda llegar
a pervertir los sistemas de valores es tan apresurado como inverosmil, a causa de un camino que solo se encuentra
esbozado por dos o tres galeras, y donde an no se llega a la decena de artistas que viven de su produccin. En este
sentido, los distintos Fondos Concursables y los Salones siempre constituyen incentivos esperados para la produccin
artstica.
Es por todo esto que nos merecemos, en conjunto, un anlisis en profundidad y una evaluacin general, con
un diagnstico, un plan de acciones y seguimiento; un pronstico a mediano y largo plazo. Es necesario que surjan
propuestas, acciones y proyectos no solo orientados a la produccin artstica, sino tambin crtica y terica, la que
desde ya reclama un espacio propio que hoy apuntamos como inexistente.
Pero ms all de todo esto, y por una extraa razn, que no podemos explicar en pocas lneas (aunque los lectores
podrn constatar en las pginas siguientes), las prcticas artsticas contemporneas han crecido considerablemente,
se ha ampliado, diversificado y enriquecido en el transcurso de los ltimos 25 aos. La presencia de instituciones como
el Museo Nacional de Artes Visuales (MNAV), el Centro Cultural de Espaa (CCE), el Espacio de Arte contemporneo
(EAC), el Instituto Escuela Nacional de Bellas Artes (IENBA) (con una participacin an algo tmida), junto con espacios
independientes tales como Centro Cultural Dodec y aquellos gestionados por artistas: Marte Upmarket, Kiosko, la
Fundacin de Arte Contemporneo (FAC) o Pera de Goma (dando sus primeros pasos), y un sin nmero de talleres, en su

2 Es de destacar en este sentido el trabajo sistemtico que ha venido realizando en televisin El Monitor Plstico desde 1994, que
ha permitido generar un archivo documental importante.
10

conjunto, han solidificado una estructura que ha permitido que la creatividad, el esfuerzo y tesn individual de los artistas
pueda ser canalizado, y que gracias a ellos las artes visuales sean hoy una actividad de la que podemos hablar con orgullo.

Presencias

Hablar de un panorama de las artes visuales en Uruguay, realizando una instantnea del momento actual,
inscrita dentro de una publicacin realizada con seriedad, no sesgada por una nica perspectiva curatorial, necesitaba
de un mecanismo de seleccin claro que permitiera contemplarlo. Si nuestra intencin era sondear un espacio de
singularidades dinmico, diverso y codificado, era necesario tambin constituir un equipo slido de curadores con
experiencia y altamente calificados que estuvieran profundamente consustanciados con las prcticas artsticas
contemporneas.
Ambas cosas se encauzaron en la bsqueda de una intersubjetividad legitimante, un cruce de afectos que diera
lugar a un consenso que permitiera, a su vez, una consolidacin de los capitales simblicos (Pierre Bourdieu, 1979). Por
este motivo, buscamos la forma de establecer un sistema donde cada uno de los curadores aportara su propia lista de
artistas de forma independiente, y que cada una de sus visiones tuviera la misma incidencia en una lista final unificada.
A cada curador se le solicit que aportara el nombre de 100 artistas contemporneos de su preferencia, con excepcin
del nombre de quienes participaban como curadores, los que fueron incluidos en la publicacin por invitacin directa.
El listado final de los 100 artistas incluidos en este libro se gener con aquellos que al menos hubieran obtenido
tres votos en total luego de la unificacin de las cinco listas brindadas por los curadores.
Si optamos por este tipo de seleccin fra, mediante el voto y sin discusin, fue porque quisimos evitar posibles
tcticas de negociacin que generaran inclusiones y beneficios por motivos extra artsticos. Como todo mecanismo,
este es cuestionable, y sus consecuencias (la lista) podrn ser sometidas a revisin por quienes exploren esta pginas.
Pero lo que no se podr cuestionar es la transparencia del proceso, la independencia con que trabajaron o la capacidad
y experiencia de los cinco curadores que nos acompaaron en el camino.
El equipo de seleccin estuvo integrado por Enrique Aguerre, Patricia Bentancur, Jacqueline Lacasa, Manuel
Neves, Santiago Tavella y quien escribe estas lneas.
Enrique Aguerre, como actual director del Museo Nacional de Artes Visuales, ha dado un nuevo impulso al
arte nacional tanto a partir de la revisita de la coleccin, con articulaciones curatoriales siempre renovadas y con
exposiciones memorables como las de Rafael Barradas (2013) o Carlos Federico Sez (2015) y catlogos no menos
importantes. A su vez, ha sido impulsor, sin precedentes, de un considerable grupo de artistas de mediana edad (de
reconocida trayectoria) con grandes exposiciones individuales, sin olvidar una muy destacable produccin de catlogos
en la historia de nuestro pas. Es por esto, junto a un respetado pasado como videoartista y por su estrecho vnculo con
los artistas contemporneos nacionales, que cremos indispensable contar con su participacin.
Patricia Bentancur es desde 1996 directora del Departamento de Artes visuales y Nuevos medios del Centro
Cultural de Espaa (CCE) de Montevideo. Ha sido curadora del envo uruguayo a la Bienal de Venecia en 2015 y tambin
co-curadora en 2009 (por solo nombrar algunas instancias de su reconocida tarea), y cocuradora de la 1ra. Bienal de
Montevideo en 2012. Su actividad como artista no es en absoluto menor, siendo una de las artistas conceptuales ms
slidas del medio, reflexionando constantemente sobre la memoria, la sociedad y/o la poltica a partir de un sinnmero
de lenguajes como el video, la instalacin o el dibujo, desarticulando el protagonismo de los mismos en funcin de
la potencia narrativa buscada. Su vnculo directo con lo que ha sucedido en el arte nacional en los ltimos 25 aos
y su incesante preocupacin por la participacin de las mujeres en el campo del arte, la hicieron tambin una pieza
fundamental de este proyecto.
Jacqueline Lacasa ha trabajado a partir de 1999 y hasta 2010 en La hija natural de Torres Garca, publicacin
importante en la difusin crtica de la actividad artstica del pas, poniendo nfasis en la nocin de archivo como
elemento configurador del imaginario colectivo. Sin detener su actividad como artista, ha desempeado el rol de
gestora y curadora de diversas muestras de arte emergente, y fue directora del Museo Nacional de Artes visuales desde
el ao 2007 al 2009. Su versatilidad para materializar estrategias crticas, a partir de lo curatorial o lo artstico, y su
convencimiento de que los mecanismos de dominio patriarcales afianzan modelos culturales conservadores, hicieron
de su participacin un vector invaluable.
Santiago Tavella es un artista reconocido tanto por su perfil musical, perteneciente a la emblemtica banda El
cuarteto de Nos, como por su actividad curatorial y artstica. Como artista visual, se destaca por sus investigaciones
dentro de los discursos de masas, los anlisis del lenguaje escrito, o su actual investigacin sobre el color, donde se
cruzan arquitectura y vanguardias. Su participacin en Panorama era inevitable, y su pasaje por el Subte como curador
asistente en el perodo 1997/2007 y en la direccin entre 2007/11, lo hacan un referente necesario para una revisin
de lo ms actual del arte contemporneo, sin olvidar que como curador siempre ha promovido la inclusin de artistas
jvenes.
Por su lado, Manuel Neves en el ao 2004 obtiene el Premio a Proyecto Curatorial en el Saln Municipal realizado
en esta institucin. Su vnculo con el arte nacional, siempre prximo a artistas y espacios emergentes, surge a
principios del ao 2000, cumpliendo la funcin de crtico de arte (AICA) para ms tarde iniciar su carrera como curador
independiente. Actualmente se dedica a la investigacin histrica de aquellos artistas que no han sido suficientemente
valorados: Ruisdael Surez (2008, Subte), Nuo Pucurull (2014, Subte) compartiendo curadura con Gustavo Tabares,
o Jorge Caraballo (2012, MNAV) entre otras, y a realizar en la actualidad curaduras de artistas emergentes en Elefante
Centro Cultural en Brasilia, pero manteniendo la proximidad con la actividad local, como demuestra su participacin
como jurado en el 57 Premio Nacional de Artes Visuales.
La eleccin de varios artistas curadores viene de la necesidad de desarticular las dualidades antagnicas de
un siglo que pas. Hoy los roles se intercambian y travisten. Las fronteras se han desdibujado en todos los campos
del saber luego del fin de los metarrelatos (Lyotard, 1979). Los artistas quieren ser curadores y los curadores artistas,
as como los crticos pasaron a ser curadores, o los curadores a ser coleccionistas. Pero este pliegue y repliegue,
casi barroco, no hace otra cosa que descentrar la funcin para poner al frente la estrategia. Ya no es una cuestin de
legitimacin por permanencia en el cargo como de eficiencia; hoy resulta necesario atacar a la realidad desde distintos
frentes y tener la posibilidad de escribir diferentes discursos en el contexto y con el rol que resulte ms apropiado.
Marcel Duchamp demostr que la descontextualizacin somete al objeto a nuevas lecturas, a nuevos textos que lo
cruzan, dando la posibilidad de nuevas narrativas, y supo poner en crisis al espectador al boicotear sus expectativas.
No ser entonces la descontextualizacin un camino a explorar, un mecanismo de revisin de los procesos culturales
y de sus estructuras paradigmticas? Los artistas devenidos curadores demuestran que la construccin del sentido
va de la mano de su familiaridad con los procesos artsticos, que es en el cruce de distintos textos (en su acepcin de
redes de sentido) donde surge la experiencia esttica. Y si adems sumamos que el concepto de autor se encuentra
en crisis (Barthes, 1967), o que el posestructuralismo afirma que el sujeto no puede tener un punto fijo al que aferrarse,
y que la estructura nunca tiene un centro del cual partir (Derrida, 1967), entonces, Por qu deberamos privarnos de la
12

posibilidad de cruzar de una orilla a la otra? Por qu no desterritorializar los roles, y relativizar aquello que presumimos
como poder y prestigio?
Visualizamos hoy un paisaje amplio con la conciencia de que es imposible hablar de panorama en un sentido
unificador, pues aquello que caracteriza lo contemporneo es precisamente la diversidad y dispersin de discursos,
lenguajes y estrategias. Lo nico que tienen en comn el conjunto de artistas que aparecen en esta publicacin es su
contemporaneidad, no por el hecho de estar vivos, que lo estn (y fue una de las variables de las que se parti), sino
porque sus acciones y propuestas vienen desplegndose a partir de articulaciones de lenguaje y discurso renovadoras
y frescas.
No hay en estas pginas un solo tipo de discursos, un tema, una sola estrategia o entorno generacional nico;
tampoco hay un solo origen o espacio de residencia que los contenga: no todos son uruguayos ni todos viven aqu.
Lo que los une, lo que s los vincula es un espacio de deseo compartido y esa pasin por generar crisis dentro de una
sociedad fuertemente estructurada por una visualidad arrolladora. Y es esta, con sus mecanismos que disuelven las
diferencias, la que presiona para que los artistas acten en busca de la definicin de su singularidad en un campo
abierto, diverso y rizomtico (Gilles Deleuze y Flix Guattari, 1977).
Entendemos, pues, que esta publicacin busc como parte de su fundamento a ese grupo de artistas que
presentarn las perspectivas ms contemporneas y no a los poseedores de prestigio y trayectoria. Como dijimos
anteriormente, Panorama no es una publicacin de los artistas de mayor renombre, aquellos que ya merecen un
captulo dentro de una enciclopedia del arte nacional aunque tambin los hay, sino un compendio de aquellos que
consideramos representantes de la produccin ms actual. Grandes maestros no estn presentes frente a artistas
muy jvenes con trayectorias an en ciernes, artistas con pocas exposiciones pero con un gran reconocimiento e
impacto. Cuando Harald Szeemann, en la 48 Bienal de Venecia, realiz el giro hacia el dAPERTuttO, defini las bases
de una forma de mirar, optando por una participacin que fuera ms all de trayectorias consolidadas o en emergencia,
abriendo la exposicin a todos aquellos que fueran capaces de exhibir las propuestas ms jvenes y comprometidas
con el ahora. Y es por esto que el Subte, con sus 80 aos, contina con la empecinada tarea de apoyar a los artistas con
las propuestas ms novedosas, ms actuales, ms contemporneas.

A partir de ahora

Finalmente, esperamos que esta publicacin sea un aporte sustancial a la difusin de nuestros artistas, que
este Panorama sea el primero de tantos, y que el Subte, en un futuro y al mirar atrs, lo haga con la gratificacin de
haber logrado una instantnea certera de su poca.

Rulfo
Montevideo, noviembre, 2016
Las prcticas de la mediacin

Im always going home,

Always going to my fathers house.

(Novalis)

Las preguntas de los clsicos Filisteos del tipo Cul debe ser la apariencia del arte? o Qu quiere decir? son, en
el caso del curador, desplazadas hacia su propia agencia y subjetividad: Qu es un curador? Es una pregunta que no
tiene sentido, ya que el curador no es algo; el curador hace algo. No hay una ontologa del intermediario: es un agente
performativo y ejemplar, que adquiere subjetividad en y por el acto de la mediacin.

Andreasen and Bang Larsen, 2007 1

Si quisiramos tener un rpido panorama de lo que est sucediendo en materia de produccin contempornea
en Uruguay, esta puede ser una plataforma lo suficientemente abarcativa en el mbito de las artes visuales, si
bien cualquier seleccin supone la realizacin de un corte determinado, subjetivo e inconcluso. Panorama rene a
100 artistas contemporneos uruguayos y se estructura en base a seis mbitos de trabajo, centrados en empatas
conceptuales que los curadores encontraron entre estas producciones.
A la investigacin que se viene desarrollando sobre las mltiples escenas artsticas locales, se suman elementos
fundamentales para su interpretacin, difusin y contextualizacin. La sistematizacin de estos recursos, ya sea desde
un punto de vista estadstico, terico o analtico habilita en su sumatoria, lecturas presentes y futuras del significado
que est produciendo. Cada etapa de estos estudios y propuestas ayuda, al decir de Vigo, a sembrar la memoria para
que no crezca el olvido sobre un constructo colectivo y diverso que no necesariamente se visibiliza en su totalidad.
En otro aspecto y en trminos personales, me interesa precisar mi clara condicin de artista curadora o curadora
artista, que en esta situacin en particular me sita en los dos mbitos al mismo tiempo. Si bien este perfil profesional
ha crecido enormemente y hoy esta nocin de hibridacin, de agenciamiento por parte de los artistas es bastante ms
usual y se los ve trabajando con y desde las mltiples instituciones que forman el sistema del arte, aun se suscitan,
al decir de Sren Andreasen, muchos cuestionamientos con respecto a este tema. Boris Groys nomina a los artistas
curadores con un trmino muy de la guerra fra como es el de doble agentes. As que precisando mi condicin de
doble, triple, agente y al estar incluida en esta seleccin, puedo decir que en un pas pequeo como Uruguay el nmero
de 100 puede considerarse un nmero muy inclusivo y que cualquiera de estas exposiciones se expone (perdn por la
redundancia) a no validar necesariamente la inclusin de algunos de nosotros en este podio.

1 El intermediario: comenzando a hablar de mediacin, Sren Andreasen y Lars Bang Larsen, p.p 20-29; Curando sujetos, Ed. Paul
ONeill, Londres: Open Editions, 2007.
14

Este tipo de coyunturas habilita tambin a reflexionar una vez ms sobre el estado de las cosas. Filipovic2
argumenta que las exposiciones curadas por artistas no deben ser consideradas como una obra de arte, e incluso
se podra cuestionar tambin si las podemos entender como una exposicin y fundamentalmente nos obligan a
reconsiderar precisamente, lo que es, o lo que podra ser una obra o una exposicin. En este sentido, es importante
precisar que los espacios institucionales modernos / contemporneos de Uruguay estn dirigidos en este momento,
por artistas curadores y curadores artistas. Esta coyuntura, desde la posicin extraordinariamente subjetiva e
intersubjetiva del artista-curador, seguramente genere otras consecuencias, a partir del conocimiento cercano a las
prcticas y las miradas crticas de los artistas. Y como dijeran Cahill y Von Zweck3, quin puede decir dnde termina lo
individual y empieza lo institucional?
La relacin entre el pasado y el futuro est siendo permanentemente probada y redefinida. Conocer el pasado
sigue siendo til para acomodar el futuro, pero no necesariamente para generar continuidad, sino para revisar el sentido
de la discontinuidad.
Los sucesivos y acelerados cambios que se han dado desde los 90 inciden en la produccin y la mirada sobre
la realidad, donde centro y periferia se desdibujan y la ubicuidad es tangible. La Incerteza, como propone Jochen Volz
en la bienal de San Pablo (2016), es el signo comn que nos toca vivir en paralelo a oriente y occidente, al norte y al
sur. Podemos asumir que los motivos de esa fragilidad e incertidumbre son distintos, pero no podemos pensar que
las consecuencias no son parte de nuestras problemticas. En ese sentido y en trminos macro, el arte, uruguayo o
islands, afgano o sirio, venezolano o etope, comparten un sinnmero de problemticas y se distancian en otro sin
nmero de prioridades que afectan de manera ms urgente y directa a cada sociedad. Las diferentes formas de abordar
y resolver, en trminos artsticos, esas problemticas, son posiblemente el lugar donde encontremos algunos rasgos
identitarios que nos definen a partir de aspectos de orden emocional y cultural. Por eso, este conjunto de artistas, que
seleccionamos como uruguayos, contiene la diversidad y complejidad que nos representa, a pesar de todas mis dudas
relativas a las constrictivas nominaciones geogrficas y territoriales.
El presente siempre se ha impuesto al futuro, en su constitucin o su denegacin, pero esta imposicin ya no es
ms controlable o predecible. El nico pronstico posible es la sorpresa, una prediccin que se confirma en cada nuevo
presente impredecible. La anticipacin e influencia sobre el futuro es visible no solamente en la tecnologa o las finanzas,
sino tambin en el arte. El arte, debido a sus lmites no fijados e inquietos, caracterizado por sus multiplicidades, su
hibridez y su prctica inmersa en un estado de transicin permanente, se est volviendo mucho ms resistente a la
percepcin y a la interpretacin.
En comparacin con el futuro no futurista de las vanguardias, el futuro del arte contemporneo se nos
escapa, ya que se est redefiniendo continuamente como consecuencia de nuestros constantes intentos de predecirlo
y entenderlo. La condicin postmoderna, nuestra y tambin del arte, puede entonces solo ser una en la que nos
enfrentamos a la apertura de un futuro que es incognoscible e indeterminado, no porque sea independiente de nosotros,
de nuestras prcticas o expectativas, pero precisamente porque no se lograr sin nuestras acciones (contemporneas).

2 Filipovic, E. (2014) Cuando las exposiciones se tornan forma: Sobre la historia del artista como curador, El artista como curador,
Mousse Magazine, nmero 41. Mousse Publishing, Miln.
3 Cahill, Z. y P. Von Zweck (2014) Porque al final, quin puede decir dnde empiezan los topes individuales y la institucin? El
artista como agente doble, Afterall, nmero 36, Afterall Publishing, Londres.
 Esta propuesta integra las diversas ideas que compartimos sobre la produccin de arte contemporneo de este
pas. O para verlo de otro modo, refleja algo de lo que est pasando en este tiempo presente sobre el arte y su interaccin
con la sociedad y el mundo actual. Estas muestras y este archivo, no concluyente, son en s mismos herramientas de
mediacin con el pblico local y los interlocutores internacionales que aspira a encontrar.

Patricia Bentancur
Montevideo, octubre, 2016
16
Panorama

The Subte is celebrating its 80th anniversary. Its halls have hosted artists such as Torres Garca, Cneo, Petrona,
Costigliolo, Arzadum, Polleri, Frasconi, Gurvich, and Matto, to name a few. Today, and from a distance, we can say
without fear of contradiction that our institution has been a cultural bastion for decades and that this underground
space has been the setting for the emergence of the highest examples of Uruguayan art which are now kept in
collections of national and international museums. And that tradition is what we want to continue. The responsibility
that we have assumed by being at the helm of such an emblematic space has prompted us to make a publication of
this kind, setting our sight both on today and the future. That is why we decided to channel through the Subte a project
that is inseparable from its idiosyncrasy, from the passion for promoting contemporary art, thus participating in the
construction of symbolic values that
define and shape an important part of culture. We leave in the hands of the artists
the responsibility for telling us about what is relevant, important: what needs to be analyzed, revisited, reworded, and
challenged today. We hope that these pages will be the vehicle for what the artists wish to say at the beginning of a
century that is as promising as it is uncertain.

From where?

In order to describe a scenario we must assume that we are in a privileged point of observation that allows us
to view the entire setting from a reasonable distance. Today, this can only be achieved by means of ambition - taking
the challenge to cover the largest number of initiatives on the basis of their differences -, reflection - considering their
strength and persistence over time -, and commitment - considering their relevance with regard to the issues that
mobilize artists today. Talking about being privileged is not meant to arrogantly showcase benefits such as the honor
implied in the possibility of undertaking this publication with a group of amazing artists. It was necessary to build a
selection mechanism that would allow us to scan, expand and clarify the landscape of contemporary artistic practices.
But selecting is as pleasant as it is unfair, as accurate as it is questionable and when it comes to human beings, it is
never seen with good eyes. We know that any selection generates a kind of momentary outside space, because the
dynamics of artistic practices are unpredictable and the generated visibility or surprise is built into the changing day to
day activity. Many of the young artists included are just starting their careers and their future depends exclusively on the
possibility of sustaining the flow of work achieved so far. Many of them have been chosen over recognized artists whose
names are already included in any historical research of national art. But this publication seeks to include all those who
currently present the most groundbreaking, forceful, and timely works within what we understand as contemporary art.

Where to?

This publication is intended to clarify and circumscribe a state of affairs, a moment in time. A panorama of
contemporary art in Uruguay cannot be disassociated from the complexities, arbitrariness and from our own and other
local and global dependencies. A project of this nature, beyond the difficulties, has the intention of identifying and
showcasing the wealth that Uruguayans artists have been contributing in recent times to the field of national, and
18

in some cases international, culture1. We also believe that one of the problems of national artists, mainly those living
in Uruguay, is that they do not enjoy a proximity with curators and exhibitions abroad, and being left outside of the
international circuit is due to a greater extent to a lack of information than to a lack of interest in their projects.
The modest participation of our artists in biennials and exhibitions outside the country may start to be reverted
with diffusion strategies. We firmly believe that this publication is a path that will start to open that space, to bridge the
gap that distances them from possibilities for expansion and recognition beyond our village. More than anything, we
can say with certainty that our artists have reached a level of discourse maturity worthy of attention and respect, and
therefore we are in an excellent time to show their production abroad.

Issues

The motivation that gave rise to Panorama, the driving force that demands the expansion of these discourses,
arises from the intention of countering, albeit laterally, internal difficulties, such as those that are present in our
environment and that affect artistic production and the interpretation thereof, as well as external ones, namely lack of
knowledge. Our context (with ecosystem traits) is determined by a complex and diverse set of relationships, including
socioeconomic, political, historical, institutional, communicational, subjective and conceptual ones that ultimately
affect practices in the symbolic plane within the vector of values .
The complex intermingling of the flow of desires and exchanges in this network proves more overwhelming to
outsiders than to local viewers. We cannot say it frightens those working within this field in different roles artists,
curators, critics, teachers, educators, directors of institutions. However, it does affect, as anywhere else in the world,
the large audiences as is shown on social networks. In this regard, outsiders determine a type of negative tension
that devalues and even distorts, because of ignorance bred by comfort, all actions that aim to maintain, promote, and
generate artistic initiatives that are innovative and committed to the present, those who constantly seek to challenge
the viewer within a culture dominated by entertainment. But beyond fruitless lamentations, isnt it in the very nature of
art to defy understanding, classification, taming, easy consumption? Is it not in its ability to constantly deterritorialize
and evade the codifying passion of capitalism and society? (Deleuze, 1971).
Not only that. Contemporary art also assumes a complexity that is exacerbated by the fact that it is a field that
is constantly redefining its purpose, presenting a dynamic, unclassifiable codification that dismantles and questions
its relations with each new generation. Moreover, it is becoming increasingly permeable to an outside determined by
technology, the market and foreign cultures, and whose methods, by decision and own need, never become firmly
established, with the subsequent dissolution of boundaries that generates not only languages but hybrid narratives
(Canclini, 1990). All this presents a degree of unpredictability that always motivates a review of the conceptual
frameworks and historicizing (with an attempt at coherence) in not too extended periods. Thus, it consciously assumes
a constant evolution in the production of documents, be they works or texts which repeatedly record the forms and

1 We should not fail to recognize the influence of Arte Colectivo online Catlogo digital de artistas visuales de Uruguay (Collective
Art Digital Catalog of Uruguayan Visual Artists), conducted by the Culture Bureau of the Ministry of Education and Culture, with
Prof. Sonia Bandrymer as leading researcher and editor.
patterns in which everything is seen, felt and thought at a particular time in history, a being active, a being in the world
(Dasein) (Heidegger, 1927).
Likewise, we can visualize difficulties in the reception of discourses. The vulnerability in the educational-
communicational axis is split into shared responsibilities. On the one hand, institutions face difficulties in implementing
long-term educational programs due to poor infrastructure, budgetary constrains, and lack of specialized personnel, in
spite of specific actions they do manage to perform (such as guided tours). We cannot but suggest this serious issue
should be addressed at the level of National education policies, where Visual Arts studies should be given the place they
rightfully deserve. Nowadays, while not everything is technological, everything is indeed visual.
Worse still, art is afforded little broadcast space in mass media. The presence of visual artists in radio or TV
programs of cultural interest is as limited as the weekly coverage on the last page of the press.2
We could also mention the operational difficulties in the production-consumption axis, whose incidence directly
affects artists on the possibility of embarking on ambitious projects due to their cost, and also because of the absence of
a market to allow the flow of their productions and enable a movement of capital to feed back into, and renew, symbolic
capital. We know that a dynamic artistic activity arises in the balance between use value and exchange value, and falling
into the fear of an art market that may eventually pervert the value systems is as hasty as unlikely, with only a couple of
galleries attempting to sketch a path and less than a dozen artists managing to live off their production. That is why the
various Grant Funds and Art Competitions (Salones) are always attractive and looked forward to as incentives for artistic
production.
Therefore, we all deserve an in-depth analysis with a general assessment and a diagnosis, including an action
plan and a follow-up with a medium- and long-term forecast. We need proposals, actions and projects not only focused
on artistic production, but also on art criticism and theory, which claim their own, currently nonexistent space.
But beyond all this, and for some strange reason which would not be possible to explain in a few lines (although
readers may perceive on the following pages), contemporary art practices have seen a considerable growth, expansion,
diversification, and development over the past twenty-five years. The presence of institutions such as the Museo
Nacional de Artes Visuales (National Museum of Visual Arts, MNAV), the Centro Cultural de Espaa (Cultural Center of
Spain, CCE), the Espacio de Arte Contemporneo (Space of Contemporary Art, EAC), the Instituto Escuela Nacional de
Bellas Artes (National Fine Arts School Institute, IENBA) (with a somewhat shy participation) together with independent
spaces such as Centro Cultural Dodec (Dodec Cultural Center) and those managed by artists: Marte Upmarket,
Kiosko, Fundacin de arte contemporneo (FAC) or Pera de Goma (taking its first steps), and a number of workshops
have provided a platform for promoting and harnessing the creativity, effort, and Individual determination of artists.
Thanks to these initiatives, we can now speak with pride about the activity developed in the field of Visual Arts.

2 Along this line, we would like to highlight the systematic work carried out since 1994 by El Monitor Plstico, which has resulted in a
substantial documentary archive.
20

Presences

Talking about a panorama of the visual arts in Uruguay called for a well-defined selection mechanism that would
allow beholding it as a snapshot of current times recorded in a serious publication and not skewed by a single curatorial
perspective. As our intention was to probe a dynamic, diverse, coded space of singularities, it was necessary to also
create a strong team of highly-qualified, seasoned curators deeply imbued with contemporary art practices.
Both aspects were channeled into finding a legitimizing intersubjectivity, a melting pot of preferences that
would lead to the consolidation of symbolic capitals (Pierre Bourdieu, 1979). For this reason, we sought to establish a
system where each of the curators would independently bring their own list of artists and each of their visions would
have the same impact on a unified final list. Each curator was asked to provide the name of 100 contemporary artists
of their choice, with the exception of the name of those involved as curators, who were included in the publication by
direct invitation.
The final list of 100 artists included in this book was made up of those who obtained a total of at least 3 votes
after merging all five lists.
The reason why we chose this type of cold selection through individual vote with no debate was that we wanted
to avoid negotiating tactics that would generate benefits and inclusions on non-artistic grounds. Like any mechanism,
it is questionable and its consequences (the list) may be set for review by those exploring these pages, but what cannot
be questioned is the transparency of the process, the independence with which the 5 curators worked, or their skills
and experience.
The selection team was composed of Enrique Aguerre, Patricia Bentancur, Jacqueline Lacasa, Manuel Neves,
Santiago Tavella, and the writer of these lines.
Enrique Aguerre, as current director of the Museo Nacional de Artes Visuales (National Museum of Visual Arts) has
given new impetus to national art by both revisiting the collection with renewed curatorial articulations and memorable
exhibitions such as the ones devoted to painters Rafael Barradas (2013) or Carlos Federico Sez ( 2015), accompanied
by equally valuable catalogs. Moreover, he has given unprecedented momentum to a large group of (renowned) middle-
aged artists with large individual exhibitions, not to mention a production of catalogs unprecedented in the history of
our country. This was the reason why we believed his participation was indispensable, in addition to his track record as
a video artist and his close links with national contemporary artists.
Patricia Bentancur has been since 1996 the director of the Department of Visual Arts and New Media of the
Centro Cultural de Espaa (Cultural Center of Spain, CCE) in Montevideo. Her track record includes, but is not limited to,
the following: curator of the Uruguayan submission to the Venice Biennale in 2009 and 2015, assistant curator of the
1st Biennial of Montevideo in 2012. Her activity as an artist is equally remarkable, as she is one of the most respected
conceptual artists in the country, constantly reflecting on memory, society and/or politics using a number of languages
ranging from video, installation or drawing, deconstructing their role depending on the desired narrative power. Her
direct connection with what has happened in national art over the last 25 years and her continued concern about the
participation of women in the field of art also made her a key player in this project.
Jacqueline Lacasa worked from 1999 until 2010 in the publication of The illegitimate daughter of Torres Garcia,
an important piece in the critical dissemination of the countrys artistic activity, emphasizing the notion of the archive
as a structuring element of collective imagery. Without stopping her activity as an artist, she has played the role of
manager and curator at various exhibitions of emerging art and served as Director of the Museo Nacional de Artes
Visuales from 2007 to 2009. Her versatility to realize critical strategies, whether curatorial or artistic, and her strong
belief that the mechanisms of patriarchal domination entrench conservative cultural models, made her participation
priceless.
Santiago Tavella is recognized as an artist both for his musical role as a member of the emblematic band El
cuarteto de Nos and for his curatorial and artistic activity. He is known for his research into mass speeches, analyses of
written language, or his current research on color at the crossroads between avant-garde movements and architecture.
His participation in Panorama was unavoidable, his tenure in the Subte as an assistant curator in the period 1997/2007
and as director from 2007 to 2011 made him an essential advisor as expert on the latest trends in contemporary art, not
to mention the fact that as curator he has always promoted the inclusion of young artists.
For his part, Manuel Neves received in 2004 the award for the best curatorial project at the Municipal Art
Competition hosted by this institution. His connection with national art, always in proximity to emerging artists and
spaces, started in the early 2000s when he worked as art critic (AICA) to later start his career as an independent curator.
He has undertaken the historical research of artists who have not been rightfully valued: Ruisdael Surez (2008, Subte),
Nuo Pucurull (2014, Subte), sharing his work as curator with Gustavo Tabares or Jorge Caraballo (2012, MNAV), among
others. While he is also serving as curator for emerging artists at Elefante Centro Cultural in Brasilia, he keeps strong links
with Uruguayan artistic activity, as evidenced by his participation in the jury at the 57th National Award for Visual Arts.
The choice of several curator artists comes from the need to dismantle the conflicting dualities of a past century.
Today the roles are exchanged and crisscrossed. The boundaries have become blurred in all fields of knowledge after
the end of metanarratives (Lyotard, 1979). Artists want to be curators and curators wish to be artists, just as critics
became curators or curators became collectors. But this almost baroque manifold does nothing but decentralize the
function to set the strategy in center stage. It is no longer a question of legitimacy based on tenure, or efficiency; it is
now necessary to confront reality on different fronts and be able to write different discourses in the context and with the
roles that are most appropriate. Duchamp demonstrated that the contextualization subjects the object to new readings,
to new texts that cross it giving birth to the possibility of new narratives and challenging the viewer by boycotting their
expectations. Therefore, the decontextualization may be a path to explore, a review mechanism for cultural processes
and their paradigmatic structures. Artists-turned-curators show that construction of meaning goes hand in hand with
familiarity with the artistic processes; that it is at the crossroads of different texts (in the sense of networks of meaning)
where aesthetic experience arises. And if we add to that the concept of the author in crisis (Barthes, 1967), or that post-
structuralism claims that the subject cannot have a fixed point to hold on to and that the structure never has a point of
departure (Derrida, 1967), then: Why should we deprive ourselves of the opportunity to cross from one side to the other?
Why not deterritorialize roles and take a more flexible stance as to what we assume as power and prestige?
Today we envision a broad landscape with the awareness that it is impossible to speak of landscape in a unifying
sense, because what characterizes the contemporary is precisely the diversity and dispersion of speech, languages,
and strategies. The only thing the group of artists appearing in this publication has in common is its contemporary
nature, not because they are all alive, which they are (and which was one of the basic variables), but because their
actions and propositions have been unfurling from renovated and fresh language and discourse articulations.
These pages do not contain a sole kind of discourse, a sole kind of theme, a sole strategy or a unified generational
environment; there is no unified origin or residence space that contains them either; they are not all Uruguayans, and
nor do they all live here. What unites them, what links them is a space of shared desire and passion to generate crises
within a society strongly structured by an overwhelming visuality. And it is the latter, with its mechanisms that dissolve
22

differences, that urges artists to act seeking to define their uniqueness in an open, diverse, rhizomatic field. (Gilles
Deleuze and Felix Guattari, 1977).
We therefore consider that this publication essentially sought to bring together a group of artists who present
the most contemporary perspectives and not those who hold prestigious careers. As we said earlier, Panorama is not
a publication of the most renowned artists, those who already deserve a chapter in an encyclopedia of national art,
although there are some of those, but a compendium of those artists who we believe present the most avant-garde
production. While great masters are not present, there are other very young, still budding, artists whose few exhibitions
have had great impact and recognition. When Harald Szeemann at the 48th Venice Biennale, made the turn towards
dAPERTuttO, he defined the basis of a way of viewing, opting for a participation that went beyond consolidated or
emergent careers, and opening the exhibition to all those who were able to exhibit younger propositions in line with the
present time. This is why the now 80-year-old Subte persistently continues to support artists with more innovative,
contemporary propositions.

From now on

Finally, we hope that this publication will be a substantial contribution to the promotion of our artists, that this
issue of Panorama will be the first of many more to come, and that, many years from now, the Subte will treasure it as
an accurate snapshot of this time in history.

Rulfo
Montevideo, November 2016
The practices of mediation

Im always going home,

Always going to my fathers house.

(Novalis)

Classic Philistine questions such as What is art supposed to look like? or What does it mean? are, in the case of the
curator, displaced towards his/her own agency and subjectivity: What is a curator? This question makes no sense,
since the curator is not something; the curator does something. There is no ontology of the intermediary: he/she is a
performative, exemplary agent who becomes subjective in and by the act of mediation.

Andreasen and Bang Larsen, 2007 1

If we wish to have a quick overview of contemporary production in the field of visual arts in Uruguay, this should
be a sufficiently comprehensive platform, albeit any selection entails disregarding certain pieces in a subjective,
half-fledged way. Panorama brings together 100 contemporary Uruguayan artists. It is structured around 6 areas of
production where curators have found conceptual empathy.
Essential elements have been introduced for the purpose of interpreting, spreading, and contextualizing the on-
going research on the multiple local artistic scenes. The systematization of these resources, whether from a statistical,
theoretical, or analytical perspective, paves the way for gaining an insight into their current and future meaning. Each
stage of these studies and initiatives helps, in the words of Vigo, to sow memory, so that oblivion does not grow on a
collective and diverse construct that is not necessarily visible in its entirety.
On another, more personal note, Id like to remark that my role as a curator artist or artist curator places me
in both spheres simultaneously. While this professional profile has mushroomed to the point that today this notion
of hybridization, of agency on the part of artists is far more common, and they can now be seen working with and
from the many institutions that make up the art system, there continue to be, in the words of Sren Andreasen, quite
a few challenges regarding this issue. Boris Groys uses a typically Cold War term to describe curator artists: double
agents. Thus, as a double, triple agent who has been included in this selection, let me say that, while 100 may indeed
be considered a remarkably inclusive number for a small country like Uruguay, any of these exhibitions may also fail to
validate the inclusion of some of us on this podium.
This circumstance leads us to reflect once again upon the state of things. Filipovic2 argues that artist-curated
exhibitions should not be considered displays of works of art; that it could even be questioned whether they can be
construed as an exhibition at all, and that they basically force us to reconsider precisely what is, or what could be, a

1 Sren Andreasen and Lars Bang Larsen, The Middleman: Beginning to talk about mediation. In: Curating Subjects, ed. Paul
ONeill, De Appel, London, 2007, pp. 20-29 Open Editions, 2007
2 Filipovic, E. (2014) - When exhibitions become form: On the history of the artist as curator, The artist as curator, Mousse Magazine,
number 41. Mousse Publishing, Milan.
24

work of art or an exhibition. In this regard, it is important to note that modern/contemporary art institutions in Uruguay
are currently headed by curator-artists and artist-curators. This circumstance, considering the extremely subjective
and inter-subjective position of the curator-artist, is bound to bring about further consequences associated with the
artists own know-how and critical views. And as Cahill and Von Zweck have said3, is it at all possible to define the
boundary between the role of the individual and that of the institution?
The relationship between the past and the future is being constantly tested and redefined. Knowing the past is
useful for adjusting the future, not necessarily to generate continuity, but to review the direction of the discontinuity.
Successive and rapid changes that have occurred since the 90s affect production and the perspectives of
reality, where center and periphery become blurred and ubiquity tangible. The Incerteza (uncertainty), as proposed by
Jochen Voltz at the So Paulo Biennial (2016), is the state of mind we happen to experience in the East and the West,
the North and the South. We can assume that the reasons for the fragility and uncertainty are different, but we cannot
think that the consequences are not part of our problems. In that regard and in macro terms, art, whether Uruguayan
or Icelandic, Afghan or Syrian, Venezuelan or Ethiopian, shares a number of issues and each variety distances itself
from another in countless other priorities affecting each society in a more urgent and direct manner. The different
ways to address and resolve these problems, in artistic terms, are possibly the spaces where we find some identifying
features that define us based on emotional and cultural aspects. Therefore, the group of Uruguayan artists we have
selected as such embody the diversity and complexity that represents us despite all my doubts concerning constrictive
geographical and territorial denominations.
The present has always imposed itself on the future, be it in its creation or denial, but this imposition is no
longer controllable or predictable. The only possible outcome is surprise, a prediction that is confirmed in each new
unpredictable present. Anticipation and influence over the future is visible not only in technology or finance, but also in
art. Art, due to its unfixed and restless limits and being characterized by its multiplicities, its hybridity and its practice
immersed in a state of permanent transition is becoming much more resistant to perception and interpretation.
Compared to the non futurist future of the avant-garde, the future of contemporary art escapes us, since
it is continually being redefined as a result of our constant attempts to predict and understand it. The post-modern
condition, ours and also of art, can then only be one in which we face the opening stages of a future that is unknowable
and indeterminate, not because it is independent from us, our practices or expectations, but precisely because it will
not be achieved without our (contemporary) actions.
This initiative integrates the various ideas that we share on the production of contemporary art in this country.
Seen from a different perspective, it gives a glimpse of what is happening at the present time concerning art and its
interaction with society and the world today. These exhibitions and this non-conclusive archive are themselves tools of
mediation with the local public and the international audience it aims to capture.

Patricia Bentancur
Montevideo, October 2016

3 Cahill, Z. and P. Von Zweck (2014) For in the end, who is to say where the individual stops and the institution begins? The artist as a
double agent, Afterall, number 36, Afterall Publishing, London.
26

Javier Abreu
1980, Maldonado, vive actualmente en Montevideo

Hay artistas que no se conforman solamente con pintar cuadros, sacar fotos o grabar videos. Necesitan poner el cuerpo, utilizarlo
como dispositivo de emisin, como lugar de enunciacin, exponindose una y otra vez. Este es el caso de Javier Abreu, que de pronto
se nos aparece uniformado como empleado de una cadena de comidas rpidas El empleado del mes, dotado de una gran simpata
para realizar diferentes performances, que van desde comer hamburguesas hechas con la propia mierda del artista a compartir
su incipiente carrera electoral El Candidato, en su rol de joven emprendedor que est dispuesto a todo para alcanzar el xito tan
anhelado. Abreu es una suerte de gran remixer que se alimenta de las imgenes corporativas, la clase poltica local, el universo pop,
los medios de comunicacin y el maravilloso mundo del arte uruguayo. En el ao 2005 realiz en el Subte Municipal una Nueva
Retrospectiva, poniendo en cuestin, entre otras cosas, el significado de ser un artista consagrado y legitimado en un medio local
muy conservador y un tanto envejecido. En el 2006, en el marco de la exposicin 1.000 metros cbicos, que tuvo lugar en el Centro
MEC, Abreu mutaba en una suerte de lombada humana, colocndose a la entrada del espacio expositivo en la vereda de la calle San
Jos, lo que obligaba a los visitantes a tomar la decisin de pisarlo o pasarlo por arriba. El artista como atraccin, fenmeno de feria,
remixer en el sentido de darle otra direccin a las imgenes, nuevas trayectorias que generan nuevos sentidos-, est detrs de una
amplia sonrisa que nos interpela. Cuando Javier Abreu interviene la imagen del presidente Tabar Vzquez intercambiando su sonrisa
por la del propio artista, dispara la siguiente pregunta: de qu se re?

Abreu es una obra, Enrique Aguerre

There are artists who are not satisfied with just painting pictures, taking photos or recording videos. They need to show their body,
use it as an emitting device, as a place of enunciation, exposing themselves again and again. This is the case of Javier Abreu, who
suddenly appears before us as the uniformed employee of a fast food chain -The Employee of the Month-, endowed with great charm
for different performances, ranging from eating hamburgers made with the artists own shit to sharing his fledgling electoral career
-The Candidate- in his role as young entrepreneur who is willing to do anything to achieve success. Abreu is a sort of grand remixer that
feeds on images of the corporate world, the local political class, the pop universe, the media... and the wonderful world of Uruguayan
art. In 2005, he exhibited at the Subte Municipal a New Retrospective, questioning, among other things, the meaning of being an
established and legitimated artist in a very conservative and somewhat aged local environment. In 2006, in the context of the 1000
metros cbicos (1000 cubic meters) exhibition which took place in the MEC Center, Abreu mutated into a sort of human speed bump,
lying at the entrance of the exhibition space on the sidewalk of San Jose Street, which forced visitors to make the decision to step on
or over him. The artist thus becomes an attraction, a circus freak, a remixer -in the sense of giving to images another direction, new
pathways that generate new meanings- behind a broad smile that challenges us. When Javier Abreu intervenes the image of President
Tabar Vzquez swapping his smile for the artists own, it triggers the following question: What is he laughing at?

Abreu is a work of art

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2015 Javier Abreu: Otro Prspero, EAC, Montevideo, Museo
Departamental de San Jos, San Jos 2014 56 Saln Nacional de
Artes Visuales, MNAV, Montevideo 2013 1 Bienal de Panam 2012
Javier Abreu: Salame Argentino, Centro Cultural Recoleta, Buenos
Aires 2012 1 Bienal de Montevideo 2010 29 Bienal de So Paulo 2009
10 a Bienal de La Habana
2011 5 Premio, Bienal de Salto, Museo Gallino, Salto 2008 5 Premio,
53 Saln Nacional de Artes Visuales, MNAV, Montevideo 2008 1er
Premio. Premio Paul Czanne, MNAV, Montevideo 2006 10x10 Premio/
Beca Categora Artes Visuales, IM, Montevideo.
1
28

1 Otro Salame Poltico, 2007, Fotografa, 70 x 70 cm 4 El Primer Empleado, 2006, Collage fotogrfico, Weimar, 60 x 70 cm
2 Dios me cierre los prpados, 2008, Fotografa, 70 x 120 cm 5 Prototipo Barcelona Empleado, 2009, Fotografa, 80 x 80 cm
3 Lomo de Burro, 2006, Fotoperformance, Montevideo 6 Consume & Muere, 2012, Pelotero para adultos, 800 x 500 cm
4

5 6
30

Federico Aguirre
1977, Montevideo, vive actualmente en Montevideo.

Ante todo, una obra de arte debe hablar por s misma, sin necesidad de textos tericos ni expertos intermediarios, en una sala de
museo y aun ms, fuera de ella, con independencia del nombre y fama del autor o de su valor en el mercado. Su verdadero sentido tiene
un carcter espiritual y como tal universal, y consiste en su capacidad de evocar emociones en el alma, extrayendo la belleza oculta
de las cosas y exhibindolas en el mbito de lo sensible. El arte corrige lo defectuoso de la percepcin de los sentidos; realidad,
para llevarnos a una conciencia ms profunda: la verdad. En un mundo perfecto, todo sera arte y todos seran artistas, con lo cual
no existira ni el trmino ni habra necesidad de definirlo. En este mundo progresivamente materialista en el que vivimos, donde se
niega el alma (nica forma de darle poder al dinero) y se relativiza la belleza, el arte est sometido a la mecnica de un poder poltico
y econmico que es contrario a su naturaleza, dificultando o imposibilitando la plenitud de su capacidad transformadora. La intuicin
de un algo mejor, ante la realidad miserable y grotesca de nuestro tiempo, es el motor que impulsa mi trabajo, conjuntamente con la
insatisfaccin permanente de saberse incapaz de alcanzarlo.

F.A.

First of all, I think that a work of art should speak for itself without the need for theoretical texts or intermediary experts, in a museum
hall and even more so when out of it, regardless of the name and fame of the author or the value of the piece in the market. Its true
meaning has a spiritual nature and, therefore, a universal one, which lies in its ability to evoke emotions in the Soul, extracting the
hidden beauty of things to the realm of sensibility. Art corrects the faulty perception of the senses: reality, to bring us to a deeper
consciousness: the truth. In a perfect world, everything would be Art and everybody would be an artist, so the term would not exist
nor would there be a need to define it. In our increasingly materialistic world where the Soul is negated (as the only way to empower
money) and beauty is relativized, Art is subjected to the mechanics of a political and economic power that is anathema to its nature.
Fulfillment of its transformational capacity becomes difficult or utterly impossible. The intuition of a something better, in view of the
miserable and grotesque reality of our time, is the engine that drives my work, coupled with a permanent dissatisfaction from knowing
myself unable to reach that goal.

Exposiciones Seleccionadas Subte, Montevideo 2004 Marcas Oficiales, Subte, Montevideo, Centro
2015 Retratos Contemporneos, Subte, Montevideo 2014 Federico Cultural Recoleta, Buenos Aires 2002 Federico Aguirre: El 5 elemento,
Aguirre: Happy Family, EAC, Montevideo 2006 Soberbia y Pasin, Museo H.Cabildo, Montevideo 1999 Sobre Gustos, Subte, Montevideo
1
32

1 Gigi Space, 2013, Lapicera Bic sobre papel, 100 x 70 cm 4 CB GB, 2016, Acrlico sobre tela , 40 x 50 cm
2 California sun, 2015, Lapicera sobre papel, 100 x 70 cm 5 Gigi Rivera, 2016, Acrlico sobre tela, 40 x 50 cm
3 Punk champions, 2013, Lapicera Bic sobre papel, A32 California sun,
100 x 70 cm
 4

5
34

Sebastin Alonso Bessonart

1972, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

He trabajado en distintas prcticas artsticas desde los aos 90: cermica, dibujo, fotografa, video, textos, instalaciones. En los
ltimos 12 aos he concebido mi trabajo en estrecha relacin con la prctica docente, la investigacin, edicin de publicaciones y
el desarrollo de proyectos colectivos. Dichas prcticas constituyen e indagan, desde un pensamiento crtico, la trama de vnculos
entre el arte, la cultura, la poltica y sus procesos sociales. Cultura visual, institucionalidad, agenciamiento como forma de infiltracin
institucional, produccin en contexto, arquitectura, territorio, el capital, lo pedaggico, enmarcan el trabajo colectivo con distintas
personas, colegas y proyectos. En los aos recientes he enfocado mis prcticas en la curadura, como un proceso narrativo crtico,
donde la escritura, la documentacin y la gestin colectiva son tpicos centrales de investigacin y produccin.

S.A.

I have worked in different artistic practices since the 90s: pottery, drawing, photography, video, text, installations. In the last 12 years,
I have produced art in synergy with my teaching practice, research, publication editing and the development of collective projects.
Such practices represent and explore, with critical thinking, the web of links between art, culture, politics and social processes. Visual
culture, institutions, agencement as a form of institutional infiltration, production in context, architecture, territory, capital, pedagogy,
all frame collective work with different people, colleagues and projects. In recent years, I have focused my practice on curating as a
critical narrative process, where writing, documentation and collective management are central topics of research and production.

Exposiciones Seleccionadas 2011 Sebastin Alonso Besonart: Noticias sobre ngeles, EAC,
2011 Sebastin Alonso Besonart: Chullachaqui, Museo J.M.Blanes, Montevideo 2013/6 Proyecto CasaMario, Montevideo 2015/6
Proyecto CasaMario, Montevideo 2011 Sebastin Alonso Besonart: No Tambaleando en los confines del mundo (Co-curador), EAC,
creo en los pajaros del cielo, Museo J.M.Blanes, Montevideo Montevideo
1
36

1 Boix y Merino, 2011, Instalacin, Montevideo 4 Chullachaqui, 2011, Video HD, 9.48, Museo J.M. Blanes, Montevideo
2 Tambaleando en los confines del mundo (colectiva), Vista de (Diseo sonido: Nandy Cabrera, Iluminacin: Julin Pea)
instalacin, Black Face, White Face de Zhao Liang, 2015/6. 5 Noticias sobre ngeles - Construccin de un guin tcnico-literario
Curador asociado y Produccin, EAC, Montevideo por Sebastin Alonso y Mario DAngelo, 2011, Instalacin, EAC,
3 Proyecto CasaMario, 2013/6, Programa Activaciones, Montevideo Montevideo
4

5
38

Fernando lvarez Cozzi

1953, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

lvarez Cozzi busca el dibujo imposible: el blanco como patencia de la lnea, la nada como patencia del ser. En la hora del retorno
al caballete, a la pintura-pintura, al dibujo de lnea, lvarez Cozzi dibuja sobre una superficie de grandes dimensiones, con un trazo
tenue, de lpiz duro: de lejos slo se percibe, slo cuenta el blanco del soporte; de cerca, la lnea se hace visible, pero por zonas: la
totalidad es inabarcable. El blanco como tbula rasa, protagoniza el dibujo y alude a la desconfianza de las formas importadas, pero
simultneamente, lleva la luminosidad de las acuarelas de Cneo al deslumbramiento. El blanco tiene el atractivo de lo difano, y de
nuestro cielo, un cielo que fagocita las formas. En ese punto, qu otro camino le quedaba a lvarez Cozzi sino trabajar con la luz como
materia visual? A partir de entonces opt por el lenguaje del video.

ngel Kalenberg

Resulta altamente estimulante la vigencia de Fernando lvarez Cozzi en la escena artstica uruguaya, su coherencia creativa y su
persistencia en el hacer. Visionario en Latinoamrica, comienza sus experimentaciones en video arte y especialmente en video
performance mucho antes que en otros escenarios, y ms an en el Cono Sur. Practic con los bailarines Julia Gad y Jos Claudio,
una especie de esttica relacional, un laboratorio de imagen y movimiento nico en su formato. Audaz y a veces contestatario, propuso
desde la pantalla temas de gnero y sexualidad muy audaces para su momento. Fernando lvarez Cozzi sigue creando, sin prisa, sin
pausa; lo lleva la vida y lo acompaan sus compaeros de ruta.

Graciela Taquini

lvarez Cozzi seeks the impossible drawing: whiteness as patency of the line, nothingness as patency of the being. At the time of
returning to the easel, to actual painting, to line drawing, Alvarez Cozzi draws on a surface of large dimensions, with faint strokes of
hard pencil: from afar only the white of the medium is perceived, realized; from closeby, the line becomes visible, but only by areas: the
entirety is unattainable. White, as tabula rasa, is the main element of the drawing and speaks of the distrust of imported forms, but
simultaneously transforms the luminosity of Cneos watercolors into glare. White has the appeal of the diaphanous, and of our sky,
a sky that engulfs forms. At that point, what other path was left for Alvarez Cozzi but to work with light as visual matter? That is when
he chose video as a language.

Fernando Alvarez Cozzis importance in the Uruguayan art scene is extremely stimulating, due to his creative consistency and his
persistence in the activity. He is a visionary in Latin America, and he began his experiments in video art, and specifically in video
performance, long before it was done in other places, especially in the Southern Cone. He practiced with the dancers Julia Gad and
Jos Claudio, in a mix of relational aesthetics, image laboratory and movement that are unique in their format. Audacious and at times
confrontational he has depicted on the screen gender and sexuality issues that seemed very bold for their time. Fernando Alvarez
Cozzi continues to create, slowly but without pause, led by life and accompanied by his traveling partners.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2014 2a Bienal de Montevideo 2010 Mediations Biennale, Poznan,
Polonia 2001 3a Bienal del Mercosur (junto a Carlos Pellegrino)
1983 Fernando Alvarez Cozzi: Obra fallida, instalacin,Galera de
la Ciudadela, Montevideo 1979 Fernando Alvarez Cozzi: Muecas
indiscretas, dibujos, Alianza Cultural Uruguay-Estados Unidos de
Amrica, Montevideo 1977 10a Bienal de Pars
1974 Premio Losada de Dibujo, Galera Losada Artes y Letras,
Montevideo 1983 Premio Saln de Jvenes de Coca-Cola, Montevideo
2007 Premio Saln Municipal, Subte, Montevideo 2008 Premio Figari a
la trayectoria artstica, Montevideo
1
40

1 Solo hay una cosa mejor que un buen artista, un artista muerto, 5 Tiempo muerto, 2014, Videoinstalacin, 2 Bienal de Montevideo
2007, Videoinstalacin, Subte, Montevideo 6 Pasado(con)jugado, 1986, Instalacin, Alianza Cultural Uruguay-
2 Paisaje 1, 2001, Instalacin. Estados Unidos de Amrica, Medidas variables
3 Ballet de cmara, 1993, Video monocanal, 4
4 Por donde jadea la vida, 2010, Videoinstalacin. Mediations Biennale,
Poznan, Polonia,Loops de video
4

6
42

Claudia Anselmi
1958, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

La tierra, bajo mis pies, no es ms que un inmenso peridico desplegado. A veces pasa una fotografa, es una curiosidad cualquiera
y de las flores surge uniformemente el perfume, el buen perfume de la tinta de imprimir.

Andr Breton

Me interesa el espectador como protagonista de recorridos utpicos, donde sus propias luces y sombras le otorguen a mis instalaciones
un sinfn de interpretaciones posibles. La potica de las imgenes que elijo, as como la eleccin de las tcnicas de dibujo y monocopia
sobre diferentes soportes, han sido una constante en mi obra. Las diferentes entregas tienen en comn el registro del cambio a lo
largo del perodo de exhibicin de las mismas. La incidencia de la luz, las transparencias, el cambio de lugar de los paneles, el trazado
de diversos recorridos, as como traer al presente obras de otros aos o dibujar las paredes del museo, transforman el significado
planteado en un inicio, desvelando otros paisajes antes invisibles.

C.A. 1

The earth under my feet is just a huge unfolded newspaper. Sometimes a photograph goes by; it is just an unidentified curiosity and,
from the flowers, a perfume is evenly spread: the fragrance of printing ink.

Andr Breton

Im interested in the viewer as protagonist of Utopian paths, where their own lights and shadows endow my installations with endless
interpretations. The poetics of the images that I choose, and the choice of drawing and monotype techniques on different media,
have been a constant feature in my work. The different projects share the imprint of change throughout their exhibition period. The
incidence of light, transparencies, the changing placing of the panels, the layout of various paths in addition to bringing to the present
the work from previous years or drawing the walls of the museum- transform the meaning stated initially, revealing other previously
invisible landscapes.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2016 Claudia Anselmi: Los juegos en el bosque_que el viento hable, 2016 Integra la Comisin Nacional de Artes Visuales, Direccin
MNAV, Montevideo 2014 La grfica de Uruguay y su historia, MACAY, Nacional de Cultura, MEC, Montevideo
Yucatn, Mxico 2012 Bendita agua fuente de vida, seremos
conquistados nuevamente?, Museo H. Cabildo 2011 Claudia Anselmi:
Los juegos en el bosque, Dodec, Montevideo 2009 Claudia Anselmi:
Elevacin, Sala Carlos F. Sez, Montevideo 2008 Claudia Anselmi,
Nash Gallery, Universidad de Minnesota, Minneapolis

2
44
1 Los juegos en el bosque_que el viento hable, 2016, Monocopia sobre
vinilo transparente, c/u 285 x 140 cm, vista de instalacin, MNAV, 2016
2 Inicio de ciclo, 2016, Lpiz sobre muro, 330 x 1200 cm, vista de
instalacin, MNAV, 2016
3 Autorretrato _dilogos de vuelo, 2009/16, Dimensiones variables
(c/u 330 x 140 cm aprox.), vista de instalacin, Subte, 2016
4 Sueos de silencio, 2016, Dimensiones variables, detalle de
instalacin, Museo J.M. Blanes
5 Autorretrato_dilogos de vuelo, 2009/16. Dimensiones variables (c/u
330 x 140 cm aprox.), vista de instalacin, Subte
6 Sueos de silencio, 2016, Dimensiones variables, detalle de
instalacin, Museo J.M. Blanes
5

6
46

Silvina Arismendi
1976, Montevideo, vive actualmente en Nueva York

En los ltimos aos, mi trabajo se enfoca en una continua investigacin de materiales. En un gesto casual, transformo una infinidad
de objetos, recolectados de la vida cotidiana, y los compilo en diferentes arreglos y situaciones. Intento crear orden por medio de
sistemas que me permiten medir mi tiempo, mi trabajo y mis posibilidades con ciertos materiales y objetos. La repeticin obsesiva
me permite crear sistemas nicos y personales. El trabajo revela en s mismo el proceso de su elaboracin, su fracaso o triunfo. Me
enfrento a cada trabajo con curiosidad y trato de entender cmo puedo hacer mnimas alteraciones para obtener mximos resultados,
cmo puedo crear una lgica interna que pueda conducir al espectador a aparentes conclusiones. A menudo me considero como un
pintor que define su paleta de acuerdo a los colores obtenidos por los materiales seleccionados y sus elementos formales, e intenta
crear una Teora de Color a travs de ellos, en un acercamiento al lenguaje pictrico como disciplina, y no como una tcnica.

S.A

In recent years, my work has focused on continuous research of materials. With a casual gesture, I transform countless objects of
everyday life and I compile them in different arrangements and situations. I attempt to create order through systems that allow me to
measure my time, my work and my possibilities with certain materials and objects. Obsessive repetition allows me to create unique
and personal systems. The work reveals in itself the process of its development, its failure or success. I face each job with curiosity
and try to understand how I can make minimal changes for maximum results, how I can create an internal logic that will lead the viewer
to apparent conclusions. I often think of myself as a painter who defines her palette based on the colors obtained by the materials
selected and their formal elements, and who attempts to create a Theory of Color through them, approaching pictorial language as a
discipline and not as a technique..

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2016 Underdoing the Third Mind, Galera Nacional Veletrzni Palac,
Praga 2016 Lives of Form, Lower East Side Printshop Gallery, Nueva
York 2016 Silvina Arismendi: Quilted Calico, Berlinskej Model, Praga
2014 Silvina Arismendi: Measuring in Spears, Berloni Gallery, Londres
2014 Silvina Arismendi: Rak on Tur, Brno House of Arts, Brno 2013
Silvina Arismendi: UNO, Subte, Montevideo 2010 Silvina Arismendi:
Tres, EAC, Montevideo
2016 2 Premio, 57 Premio Nacional Octavio Podest, MNAV,
Montevideo 2015/6 Keyholder Resident, Lower East Side Printshop,
Nueva York 2013 Finalista 5X5 Castell, Premi Internacional dart
Contemporani, Espai dart Contemporani Castelln 2000/7 Beca
de Estudios MFA, Ministerio de Relaciones Exteriores, Rep. Checa
(UNESCO), Praga

1
48

3 4

1 Rak on Tur, 2014, Madera, Hilo de PVC, gomas, pedestales,hierro,
vidrio, etc, , Vista de instalacin, Berloni Gallery, Londres
2 Entrancing, 2014, Banditas Elsticas, Clavos Medidas
3 Marble Index, 2015, Madera, hilo de PVC, mrmol, pedestal,
4 Marble Index, 2015, Madera, hilo de PVC, mrmol, vista de
instalacin, Berloni Gallery, Londres
5 Night Jewels, 2014, Madera, hilo de PVC, Gomas, Vista de
instalacin, Berloni Gallery, Londres
6 Measuring in Spears, 2014, Madera, Hilo de PVC, bastidores,
bijouterie, gomas, vista de instalacin, Berloni Gallery, Londres
 5

6
50

Federico Arnaud
1970, Salto, vive actualmente en Montevideo

El trabajo de Federico Arnaud se ha centrado esencialmente en el campo simblico. Generalmente ha usado objetos y algunas veces
conos; estos de por s son evocadores o revisten algn significado importante, como el pan, la carne, los platos, y en otra etapa los
globos de cumpleaos o los barquitos de papel. Los objetos han sido atravesados por otras imgenes, han sido intervenidos, colocados
en sillas, altares o integrados a un paisaje. La operacin consiste en investirlos de emociones y de historias, cargarlos de sentido.
Muchas veces son historias personales contrastadas con la peripecia colectiva. El artista declara que le interesa particularmente
interceptar, emocionar, ms que provocar al espectador. En 1998 realiza la pieza El juego de los Milagros, simulando un tosco futbolito
con imgenes de la Sagrada Familia en el lugar de los jugadores. Acompaando esa obra, realiza toda una serie de altares, sillas y
valijas en las que lo sagrado se entrelaza con lo profano sin dejar su aura de espiritualidad. Ms adelante su mirada se detiene en el
paisaje y la arquitectura, como excusa para transmitir emociones vinculadas al exilio y el insilio. En 2006 decidi investigar en la
destruccin como un acto creativo, esttico y a la vez liberador. Afirma que en el campo de la escultura la construccin es equivalente
a la destruccin. La bsqueda lo lleva a experimentar con la destruccin simblica, rompiendo plsticamente la gigantografa de una
carta escrita en su infancia, posada sobre bloques de cemento. En estos casos el artista se vuelve parte del trabajo y la performance
es proceso y obra a la vez. El resultado es una videoinstalacin titulada Retro. En otra propuesta de la misma serie, dispuso dos
proyecciones de video simultneas, en las que se poda ver al propio artista destruyendo una imagen gigante del rostro de su padre.
En una pantalla la imagen se destrua y en la otra simultneamente iba apareciendo. A fines del ao 2010 concreta un monumento
a los mrtires estudiantiles, consistente en un muro de cemento lustrado volcado sobre un inmenso vidrio roto. En 2013 el proyecto
La piel de los sueos exhibe seis colchones pertenecientes a personas privadas de libertad, intervenidos por sus usuarios; de esta
forma, la experiencia de intervenir en objetos de alto valor simblico pasa al dominio de lo colectivo y permite rescatar y trabajar con
lo subjetivo.

F.A.

The work of Federico Arnaud has focused mainly on the symbolic field. He has used objects and sometimes icons, as the latter are
naturally evocative or carry a special meaning, like bread, meat, dishes and, at another stage of his career, birthday balloons or paper
boats. The objects have been pierced by other images and they have been intervened, placed on chairs, altars or blended into a
landscape. The operation consists of investing them with emotions and stories, infusing them with meaning. Many times they reflect
personal histories contrasted with the vicissitudes of the collective. The artist declares that he is particularly interested in intercepting
and thrilling rather than provoking the viewer. In 1988, he created the piece El juego de los Milagros (The Game of Miracles), simulating
a foosball table with images of the Holy Family in the place of the players. Along with this work, he created a series of altars, chairs and
suitcases in which the sacred is intertwined with the profane without losing its aura of spirituality. Later, he focused on landscape and
architecture as an excuse to convey emotions connected to external and internal exile. In 2006 he decided to investigate destruction
as an aesthetic and liberating act of creation. He maintained that in the field of sculpture the act of construction is equivalent to that
of destruction. His search led him to experimenting with symbolic destruction, breaking in an artistic way the giant size print of a
letter he had written in his childhood, which had been set on cement blocks. In these cases, the artist becomes part of the work and
the performance becomes process and artwork at the same time. The result was a video installation entitled Retro (Retro). In another
proposition of the same series he arranged the simultaneous screening of two videos in which the artist could be seen destroying a
gigantic image of his fathers face. The image was destroyed on one screen while it reappeared on the other. At the end of 2010 he
finished a monument to the Student Martyrs which consisted of a polished cement wall knocked over a huge broken glass. In 2013
within the project La piel de los Sueos (The Skin of Dreams) he exhibited six mattresses belonging to inmates which were intervened
by their users. In this way, the experience of intervening objects of a high symbolic value passed to the collective domain and allowed
the artist to rescue and work with the subjective.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2015 10a Bienal del Mercosur, Porto Alegre 2010 Federico Arnaud: Retro
0. EAC, Montevideo 2005 Rundlederwelten, Museo Martin Gropius,
Berln 2003 Federico Arnaud: Paisajes, Sala Federico Sez - MTOP,
Montevideo 1999 2a. Bienal del Mercosur, Porto Alegre 1998 Federico
Arnaud: Los Martirios del Corazn, Coleccin Engelman Ost, Montevideo
2012 1er premio de Escultura WTC, World Trade Center, Montevideo
2000 2o premio Paul Cezanne, Embajada Francesa en Uruguay 1998
Gran premio Azahar, 7a Bienal de la Primavera, Salto, Uruguay 1994 1er
premio, Sexta muestra de Plsticos Jvenes Coca- Cola, Montevideo

1
52

1 Rastro, 2015, Videoinstalacin, proyeccin sobre colchn, 16 min. 5 Paisaje de los sueos, 2003, Globos y barquitos de papel, Vista de
2 Retro 0. 2011, Videoinstalacin con dos proyecciones simultneas, instalacin.
10 min. 6 El juego de los milagros, 1998, Madera, cemento, metal, impreso del
3 La Siesta, 2014, Cartn, metal, pintura sobre tela,150 x 201 x 7 cm. cielo de Windows 98 y tela, 83 x 112 x 59 cm.
4 El Cuerpo del Pan, 2001, Instalacin en madera cemento y huesos,
70 x 37 x 280 cm, Vista de instalacin, Subte, Montevideo
5

6
54

Enrique Badar Nadal

1956, Montevideo, vive actualmente en Montevideo.

Cualquier cosa puede pasar. Todo es posible y probable. El tiempo y el espacio no existen. Sobre la frgil base de la realidad la
imaginacin teje su tela y disea nuevas formas, nuevos destinos.

August Strindberg

La insatisfaccin, hijo mo, fue puesta en el corazn de los hombres por el Dios que los cre, hablo de m, claro, pero esa
insatisfaccin, como todo lo dems que os hace a mi imagen y semejanza, la busqu donde ella estaba, en mi propio corazn, y el
tiempo que ha pasado desde entonces no la ha hecho desvanecerse, al contrario, parece como si el tiempo la hubiera hecho ms
fuerte, ms urgente, de mayor exigencia.

El evangelio segn Jesucristo, Jos Saramago

Ils sacheminrent vers un chteau immense, au frontispice duquel on lisait: Je nappartiens personne et jappartiens tout le
monde. Vous y tiez avant que dy entrer, et vous y seres encore quand vous en sortirez.

Jacques Le Fataliste et son Matre, Diderot

Everything can happen, everything is possible and probable. Time and place do not exist; on a significant bases of reality, the
imagination spins, weaving new patterns, new Destinations.

Dissatisfaction, My son, was put in the hearts of men by the God who created them, Im referring to Myself, of course, but this
dissatisfaction, one of the qualities which make man in My image and likeness, I nursed in my own heart, rather than diminish with
time it has grown stronger, more pressing and insistent.

The Gospel According to Jesus Christ

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2015 Biennial of contemporary art of Yogyakarta, Indonesia 2013
Enrique Badar y Alejandro Turell: Ya no hay aguar-guaz, Museo de la
ciudad, Skopje 2012 Mediations Biennale, Poznan 2012 Au frontispiece
duquel, Alianza francesa, Montevideo 2007 Seeing red, Contemporary
Gallery, Anchorage 1996 Enrique Badar: Travesa, Sala Cinemateca,
Montevideo
2010 Seleccionado en Sminaire la scnographie et l muse, Ecole
du Muse du Louvre, Pars 2006 Fulbright scholar, University of
Alaska Anchorage, Alaska 1987 1er premio, Saln municipal, Subte,
Montevideo 1980 1er premio, Artistas jvenes, Sala Zavala Muniz,
Montevideo
1
56

1 Black, 2014, Performance, 25 min 4 Santoral/black, 2014, Litografa,70 x 50 cm

2 Todo es posible y probable, 2016, Vista de instalacin, Subte, 5 Au frontispiece duquel,2012, Instalacin y performance, 20 min.
Montevideo, 2016 6 Les fleurs du mal, 2016, Instalacin c/ escultura de E.Pratti, Vista de
3 Viento de Alaska, 2014, Litografa, chine coll, tinta china, acrlico. instalacin, Museo J.M.Blanes, Montevideo
4

6
58

Javier Bassi
1964, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

Si se considera a la pintura como un concierto de colores, formas, lneas, manchas y espacios en torno a la elaboracin de una imagen
y un tema, el trabajo de Bassi es una suerte de contrapintura, la bsqueda de la anulacin de esos elementos para quedarse apenas
con lo residual; un solo pigmento (el negro), un solo signo de lenguaje (la lnea recta), una sola interrupcin del espacio (los hilos
blancos que de vez en cuando lo surcan). Con su mtodo, Bassi est buscando el ms escondido de los caminos de comunicacin con
el contemplador: el del significado oculto, el de lo que se insina sin mostrarse, el de lo que estuvo sobre el lienzo pero se borr. Como
sucede con una parte de la corriente del pensamiento, que emerge en medio de la marea de la memoria para asociar furtivamente
las ideas y luego disolverse dejando unos pocos rastros, en la pintura de Bassi figuran escasas huellas, las indispensables para que la
expresividad no se evapore y solo permanezca alguna pista, la necesaria para que el observador se detenga para palpar la insinuacin
de las rendijas blancas que todava siguen abiertas como heridas luminosas en medio de la piel retinta de la tela. No se puede pedir
un mayor extremo de severidad en la pintura de este uruguayo reservado, solitario, casi monacal, que obstinadamente apegado a su
modalidad y con el paso de los aos ha ido reduciendo sus imgenes hasta alcanzar el lmite de la desaparicin, esa frontera donde el
dato visual corre el peligro de extinguirse para dar paso al enigma de lo que no se ve y sin embargo se sugiere. Con una reserva idntica
a la que mantiene personalmente en su conducta diaria, Bassi pinta (y luego va tachando, sumergiendo, borrando) lo que piensa y
no dice, lo que imagina y oculta. Se convierte as en el reverso del pintor sensorial, en la antpoda del trabajo disfrutable o explcito,
en el extremo del lenguaje lacnico, del monoslabo, del tratamiento riguroso, de la palabra estricta. Y as sus imgenes se contraen,
resecndose hasta lograr la fascinacin del paisaje desrtico, cuyo arenal (como ha ocurrido histricamente en la transformacin de
la naturaleza) solo dibuja su estampa a partir de la gradual desaparicin de otra que la precedi. El desierto de partculas negras de
Bassi retiene la mirada de quien lo enfrenta, pero no por lo que muestra sino por lo que oculta, invitando no tanto a mirarlo sino a ver
a travs de l. Al comprobar eso, se consigue atravesar la barrera de su parquedad para llegar al fondo de su secreta expresividad.
Ningn otro pintor contemporneo de este pas ha logrado recorrer esa senda de sugerencias con un despojamiento tan absoluto en
el semblante de sus obras. Por algo en el texto de su audiovisual, Bassi dice: Construyo a partir de lo que quito. Y en ese proceso
de lo que descarta, recubre o suprime, est la clave indefinible de su creacin, que se asemeja al mecanismo del inconsciente en lo
que tiene de profunda matriz de los impulsos y manto casi impenetrable de las pasiones.El sello sorprendente del trabajo de Bassi
consiste en manifestar ese ncleo tan denso a travs de la extrema simplicidad de un campo tan liso y apenas araado.

Javier Bassi convertido en el ms severo de los pintores uruguayos, Jorge Abbondanza

Javier Bassi has become the most severe of Uruguayan painters. If painting is considered a concert of colors, shapes, lines, spots and
spaces for the development of an image and a subject, the work of Bassi is a sort of counter-painting, seeking the annulment of those
elements to just keep the residual; a single pigment (black), a single language sign (a straight line), a single interruption of space (the
white threads that occasionally cut through it). With his method, Bassi is looking for the hiddenmost path of communication with the
beholder: the hidden meaning, of what is insinuated without being shown, that which was on the canvas but was deleted. As it happens
with part of the stream of thought, which emerges amid the tide of memory to furtively associate ideas and then dissolves leaving few
traces, in Bassis painting there are few hints, indispensable for expressiveness not to evaporate, and only some clues, necessary for
the observer to stop to feel the insinuation of the white cracks that remain open like wounds of light amid the canvas dyed skin. You
cannot ask for more extreme severity in painting than that of this reserved, solitary, almost monastic Uruguayan. He stays stubbornly
attached to his approach and over the years has been gradually reducing his images to the point of disappearance, that borderline
where visual data is in danger of being extinguished giving way to the puzzle of what is not seen but yet suggested. With an identical
reserve to that which he maintains personally in his day-to-day behavior, Bassi paints (and he then goes crossing out, submerging,
deleting) what he thinks but does not say, what he imagines and hides. He thus becomes the reverse of the sensory painter, at the
antipodes of enjoyable or explicit work, at the extreme of laconic language, the monosyllable, the rigorous treatment, the strict word.
And so his images become contracted, drying up until they achieve the fascination of the desert landscape, whose sand (as has
historically occurred in the transformation of nature) draws its landscape from the gradual disappearance of another one that preceded
it. Bassis desert of black particles holds the attention of the beholder but not for what it shows but rather for what it hides, inviting not
so much to look at it but to see through it. In realizing this, we are able to go through the barrier of his frugality to reach the depth of his
secret expressiveness. No other contemporary painter from this country has managed to walk that path of suggestion with such an
absolute dispossession in the appearance of his works. That is why in the text of his audiovisual, Bassi says, I build by taking away.
And in that process which discards, coats or suppresses, lies the indefinable key to his creation, which resembles the mechanism
of the unconscious as it holds a deep array of impulses and an almost impenetrable mantle of passions. The striking signature of
Bassis work lies in the manifestation of that dense core through the extreme simplicity of a smooth and barely scratched field.

Javier Bassi, turned into the sternest of Uruguayan painters (fragment)

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2016 Javier Bassi: The Black Lodge, Galera de las Misiones, Montevideo
2011 Javier Bassi: In/visibilidad, MNAV, Montevideo 2001 7a Bienal de la
Habana, Centro de Arte Contemporneo Wifredo Lam, La Habana 1998
Javier Bassi: Tinctur, Salle des Petits Murs, Nantes 1997 1 Bienal del
Mercosur, Porto Alegre 1996 V Bienal Internacionalde Pintura de Cuenca
2012 Beca FEFCA (2012-2014), MEC, Montevideo 2002 1er Premio,
50 Saln Nacional, MNAV, Montevideo 2000 Gran Premio El Azahar ,
VIII Bienal de Salto, Salto 1996 1er Premio Premio Paul Czanne, Beca
Ministerio de Relaciones Exteriores de Francia, Montevideo
1
60

1 The arise of creation, Tner lser sobre papeles de avisos 3 Seven, Tner lser sobre papeles de avisos clasificados entelados,
clasificados entelados, 130 x 100 cm 130 x 100 cm
2 Itself, Tner lser sobre papeles de avisos clasificados entelados,
130 x 100 cm
3
62

Patricia Bentancur
1963, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

En mi prctica integro, por medio de estrategias conceptualistas, objetos, sonidos, fotografas, textos y films en instalaciones
interactivas y acciones participativas. Mi objetivo es poner en dilogo trabajos que, en su sumatoria, faciliten la lectura de
problemticas contemporneas invisibilizadas y de escalas diversas. Las obras accionan en este caso como piezas de un archivo
donde los escenarios globales y locales conviven para descentralizar la mirada y relativizar, de manera igualmente potica que crtica,
la segmentacin aparente, que pueda hacernos creer que un problema no es nuestro por la sencilla razn de no estar prximo en su
geografa, cultura o religin. En este sentido, mi trabajo puede entenderse ms como una contextualizacin de la existencia, que como
un registro de ella. yvind Fahlstrom1 sostena la necesidad de explorar el lenguaje y subvertir la conexin bblica entre una palabra y
su significado. Con esa misma intencin, esgrimo palabras comunes y muchas veces vaciadas de contenido para encontrar, desde
estructuras convencionales, otros significados que se alejen de cualquier mito. El tema de lo pblico y lo privado tambin es central
en mi trabajo. Comparto un fragmento de un texto escrito por el curador y crtico de arte sueco Thomas Millroth. Ese ir y venir entre
el mbito de lo pblico y lo privado es retomado por la artista tambin en la paradoja implcita en la frase I love you / I hate to love
the way I hate, subrayando la imposibilidad de saber cmo y de qu manera podemos interpretar las palabras y las imgenes. Es
acaso posible comunicarse? La comprensin de lo provisorio en nuestras posibilidades expresivas, su carcter defectuoso, se vincula
al hecho de que deseamos recordar lo que hemos perdido. Cmo se puede distinguir entre lo que es cierto y lo que no lo es? Patricia
Bentancur nos devuelve la pregunta y nos queda debiendo la respuesta.2

1. yvind Fahlstrom, artista y poeta brasileo, hijo de inmigrantes suecos.

2. Konstrecension: Patricia Bentancur, Thomas Millroth.

In my practice, I use conceptualist strategies to integrate objects, sounds, photographs, texts and films, in interactive installations
and participatory actions. My goal is to establish a dialogue between pieces that, when summed up, facilitate the reading of invisible
contemporary situations at different scales. The artworks operate in this case as pieces of an archive where global and local scenarios
coexist to decentralize the gaze and to relativize, in an equally poetic and critical manner, the apparent segmentation that can lead us
to believe that a problem is not ours for the simple reason of not being close to us in its geography, culture or religion. In this regard,
my work can be understood rather as a contextualization of existence than as a record of it. yvind Fahlstrom1 held the need to explore
the language and subvert the biblical connection between a word and its meaning; with the same intention I wield common words,
often emptied of content, to find other meanings detached of any myth using conventional structures. The theme of the public and
private spheres is also central to my work. Id like to share an excerpt of a text by Swedish curator and art critic Thomas Millroth. This
to-ing and fro-ing between the public and the private spheres is again apparent in the artist in the paradox implicit in the phrase I
love you / I hate to love the way I hate, which reflects her puzzlement at the indecipherability of words and images. Is it possible to
communicate at all? Understanding temporariness in our expressive possibilities, their imperfect nature, is linked to the fact that we
yearn to remember what we have lost. How can we distinguish between what is true and what is not? Patricia Bentancur returns the
question to us and leaves us hanging in midair. 2

1. yvind Fahlstrom, artist and Brazilian poet, son of Swedish immigrants.

2. Konstrecension: Patricia Bentancur, Thomas Millroth.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2016 Southern Latitude, Filmmakers Co-op, Nueva York 2015 Patricia
Bentancur: In The Absence, Skolska Gallery, Praga 2014 Performance
and Exhibition Space, Dello Scompiglio, Lucca 2013 Polyhedral
Universe, Jordan National Museum, Amman 2012 Patricia Bentancur:
In Between, Tegen 2 Gallery, Estocolmo 2003 4a Bienal del Mercosur,
Porto Alegre
1999 Researcher Fulbright Academic Program, New Museum-
Guggenheim Museum, Nueva York 1996 Researcher Fulbright
Academic Program, New York University 1990 Premio curadura, AICA,
Montevideo 1987 Premio de arte Inca , ICI_INCA, Madrid-Montevideo
1
64

1 Puede Pasar, Vista de instalacin, 1996, Subte, Montevideo, 5 In the Absence, Vista de instalacin, 2015, Skolska Gallery, Praga
300 x 500 x 700 cm. 6 In the Absence, Vista de instalacin, 2016, Fundacin Kavlin,
2 S/T (NG2), 2014, Video HD, sonido, 4 min Maldonado
3 S/T (Modelo para Armar*), 2014, EAC, 2X2X2. 4(H) m.
4 In the Absence, Vista de instalacin, 2015, Fundacin Kavlin,
Maldonado
 4 5

6
66

Raquel Bessio
1946, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

Raquel Bessio tiene una trayectoria indiscutible en las artes visuales contemporneas de nuestro pas. Sus obras presentan siempre
una densa propuesta conceptual, sin que ello implique el no trabajar materialidades, espacios y texturas. En ciertas ocasiones sus
trabajos dialogan con la historia, en otras con el entorno o la institucin en que se instalan y en otras, con la propia materialidad o la
misma especificidad del arte o la prctica artstica. Independientemente del subtexto que recorre el conjunto de su trabajo, Bessio no
se reitera sino que se dispara entiendo disparar como un modo de describir la bsqueda y la investigacin hacia expresiones,
si no heterogneas, al menos de una alta diversidad. Por lo mismo, la experiencia del espectador frente a cada nueva propuesta de
Bessio es un desafo y presupone una cierta sorpresa. No es que se trate de una artista que cultive la esttica de la sorpresa, sino
de una creadora que no puede ser definida o atrapada en un acotado casillero o en una etiqueta reducidora. Sus planteos tienen
siempre ese equilibrio entre lo sencillo y lo desconcertante, entre la provocacin y la serenidad, entre la oscuridad y la transparencia.
Precisamente, opacidad/transparencia, significado/significante, invisibilidad / materialidad, contundencia/sugerencia son algunos
de los dualismos que tejen y se entretejen en sus creaciones.

De aperturas y clausuras, a propsito de Raquel Bessio, Hugo Achugar

Raquel Bessio has an indisputable track record in the contemporary visual arts in our country. Her works always present a dense
conceptual proposition, without implying any neglect of the materialities, spaces and textures. At times, her works establish a dialogue
with history, others, with the environment or the institution where they are installed and still others, with the material itself or the specificity
itself of art or artistic practice. Independently of the subtext that runs through her entire work, Bessio does not reiterate herself but she
shoots -understanding shooting as a way of describing the search and research- towards expressions, if not heterogeneous, at least
of a high diversity. By the same token, the viewers experience before each new Bessio proposition is a challenge and entails a certain
surprise. This is not an artist who cultivates the aesthetics of surprise, but a creator who cannot be defined or trapped in a delimited box
or a constraining label. Her propositions always present a balance between the simple and the disconcerting, between provocation and
serenity, between darkness and transparency. Thus it is that precisely opacity/transparency, meaning/signifier, invisibility/materiality,
forcefulness/suggestion are some of the dualisms that are woven and intertwined in her creations.

About openings and closings, concerning Raquel Bessio

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2015 10 o Bienal del Mercosur, Porto Alegre, Brasil 2014 Deus e sua obra 2004 1er Premio Proyecto, 51 Saln Nacional, MNAV, Montevideo 2000
no Sul da Amrica. A experincia dos direitos humanos atravs dos 1er Premio Intervencin Urbana, Bienal Salto, Salto 1999 Gran Premio,
sentidos, Museu dos Direitos Humanos do Mercosul, Porto Alegre 2011 Saln Municipal, Subte, Montevideo 1992 Premio Instalacin, Bienal
Raquel Bessio: Puesta en escena, MNAV, Montevideo 2009 53o Bienal Municipal
de Venecia 2005 Bienal Siart, La Paz 2004 VIII Bienal de Cuenca
1
68

1 Navigare Necesse, 2008, Madera , cuerda, 260 x 140 cm, Vista de 4 Puesta en Escena, 2011, Tanza y seuelos, medidas variables, Vista
instalacin, MNAV, Montevideo de instalacin, MNAV, Montevideo
2 Insilio, 2014, Poliestireno, 150 x 410 cm 5 La alcanca, 2002, Acrlico, cenizas, medias variables
3 Vnculos y Desvnculos, 2015, Polvo de mrmol de diferente 6 La tierra prometida, 2009, Chapa, resina 223 x 177 x 91 cm, Vista de
granulometra, 200 x 500 cm instalacin, 53 a Bienal de Venecia
4

6
70

Olga Bettas
1944, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

Las investigaciones de la artista visual Olga Bettas se desarrollan ligadas a la problemtica de la mujer en la sociedad actual. En
este sentido, dentro del contexto de la produccin uruguaya, su personalidad se proyecta como una de las ms genuinamente
comprometidas. Su discurso, que trasciende lo meramente anecdtico, despliega con irrestricta libertad una temtica que aborda
representaciones tan emblemticas del cuerpo como los rganos, que en su vulnerabilidad se hallan dentro de las simbologas ms
recurrentes de la cultura popular. Las prendas de ropa, casi siempre femeninas, resemantizadas, que aluden a inminentes agresiones,
ms all de arrastrar a la superficie, representaciones de lo ertico o formas de relacin en donde se confunden y explicitan aspectos
de vida pblica y privada, aparecen como una voz estridente que suena aludiendo a problemticas de gnero y sociedad que son casi
siempre pacatamente ocultos o procazmente tratados. En este momento, la obra de Olga Bettas, creando espacios significativos
para la mujer dentro del arte, contribuye en consecuencia como un conjunto de reflexiones visuales sobre el carcter androcntrico de
la historia. Del recorrido por su obra se percibe un desenvolvimiento de notable coherencia, que parte de una formacin que la acerca
a maestros tan importantes como Nelson Ramos y sobre todo al arte textil, en el cual se haba iniciado con una produccin de tapices
de los ms significativos de este arte de tanta relevancia en el Uruguay. Sin dejar de relacionarse con el diseo y los materiales, aun
los ms modestos, ligados al mbito domstico y aparentemente desechables, esta creadora impresiona con la frecuentacin de las
formas ms actuales, con una obra llena de humor que participa de la calidad de objeto tanto como de escultura blanda o instalacin.
La simplificacin y aparente literalidad en la concepcin de los trabajos no surge de modo improvisado, sino de la necesidad surgida
de un extenso proceso de experimentacin sostenido por un pensamiento plstico que subyace. Esta consideracin, que atae al
corpus de su obra, es una forma de legitimacin de las ms acertadas dentro de la crtica contempornea en pleno proceso de
redefiniciones.

Sarah Guerra

The explorations by visual artist Olga Bettas are linked to the problems of women in todays society. In this regard, within the context of
Uruguayan production, her personality is viewed as one of the most genuinely committed. Her discourse, which transcends the merely
anecdotal, unfolds, with unrestricted freedom, a theme that addresses such iconic representations of the body as the organs that in
their Vulnerability are found among the most recurrent symbols of popular culture. Garments, mostly female, are resignified, alluding
to impending attacks, in addition to bringing to the surface the erotic representations or forms of relation where aspects of public and
private life are mixed up and made explicit. They appear as a shrill voice that resonates about gender and social issues that are usually
prudishly hidden or indecently treated. At this time, the work of Olga Bettas, in creating significant spaces for women in art, contributes
a set of visual reflections on the androcentric nature of history. In visiting her work, we find a production of remarkable consistency,
based on her training that brings her close to such an important master artist as Nelson Ramos, and especially in textile art, where she
had begun with a production of some of the most significant works of this important art in Uruguay. This creator continues to relate to
design and materials, even the most modest ones, those linked to the domestic sphere and apparently disposable, and she impresses
her audience by frequenting the most current forms, with work that is full of humor and which partakes of the object category as well
as that of soft sculpture or installation. The simplification and apparent literalness in the conception of her work does not arise in
an improvised manner but out of the need brought about by an extensive experimentation process supported by underlying artistic
thinking. This regard for the corpus of her work is one of the most successful forms of legitimation of contemporary critics in the midst
of the process of redefinitions.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2011 9a bienal de Salto 2012 Women in the arts , Museum of the
Americas, Doral 2007 Olga Bettas: Nidos que ocultan secretos, Museo
H. Cabildo, Montevideo 2003 Olga Bettas: Corazas Poticas, Instituto
Goethe, Montevideo 2010 Olga Bettas: Doble Discurso, Coleccin
Engelman Ost, Montevideo 2012 Apropiarte, CAAT, Buenos Aires
2001 Mencin Honorfica, 49 Saln Nacional, MNAV, Montevideo 2000
3er premio, 1er. Certamen de Artes Plsticas 75o. Aniversario de la
Semana Criolla, IMM, Montevideo 2004 1er Premio, Premio B,nai B,rith,
Montevideo
1
72

1 Eres T, 2010, Vestido en seda, raping, lanas, hilos, 165 x 40 x 35 cm 4 Convivencias, 2015, Guata, telas, lana, seda, medidas variables
2 Esperando a Viky, 2011, Nylon, hilos, objetos, 95 x 60 cm 5 Banco de niebla, 2014, Mesa intervenida, souvenirs de goma,
3 Ico, ico, 2012, Lienzo, lanas palo en madera, cuerdas, c/u 80 x 30 cm medidas variables, Vista de instalacin
3

5
74

Cecilia Bonilla
1973, Montevideo, vive actualmente en Londres

La fuente principal para producir sus obras son las imgenes provenientes de la publicidad, en general vinculadas a la moda,
que encontramos en la industria grfica, especficamente, en las populares revistas femeninas. Sus investigaciones formales y
conceptuales se centran en dos dispositivos interrelacionados: el collage y la alteracin de imgenes existentes. Es a travs de la
puesta en marcha de un conjunto de estrategias formales, articuladas por una serie de intervenciones mnimas, que la obra de Bonilla
presenta una nueva visualidad. La misma no emerge como un sustituto idealizado de la belleza imperante y de su ideologa, sino
como un activador de narrativas que posibiliten imaginar nuevos patrones de belleza y sus relaciones sociales. Un feminismo nada
esencialista, sutil y contemporneo, parece sobrevolar todo su trabajo. En ese sentido, una nueva visualidad, tanto como una nueva
sensibilidad se presentan en permanente gestacin. Ella no solo expone la fragilidad de los deseos y pulsiones, sino que obliga a poner
en funcionamiento los sentidos, la sensibilidad, los conocimientos.

Veladas MNAV, Manuel Neves

The main source for her work is advertising images, in general, those related to fashion that can be found in the graphics industry,
specifically, in popular womens magazines. Her formal and conceptual research focuses on two interconnected devices: collage and
the alteration of existing images. Through the application of a set of formal strategies, articulated by a series of minimal interventions,
Bonillas work brings a new visuality which doesnt present itself as an idealized substitute for the prevailing ideal of beauty and its
ideology, but rather as a trigger for narratives that make it possible to imagine new standards of beauty and their social relations.
A non-essentialist, subtle and contemporary feminism seems to resonate throughout her work. Thus, a new visuality, as well as a new
sensitivity, appears to be constantly in gestation. Not only does she expose the fragility of desires and urges, but she also forces us to
put our senses, our sensitivity, and our knowledge to good use. (Veladas,Museo Nacional de Artes Visuales, fragment, Manuel Neves)

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2014 Cecilia Bonilla: Nebulae, Galera del paseo, Montevideo 2013
Cecilia Bonilla: Veladas, MNAV, Montevideo 2013 Cecilia Bonilla: Inerte,
Subte, Montevideo 2016 Anthology, Charlie Smith Gallery, Londres
2015 Speak clown!, Fold gallery, Londres 2014 Shes in the picture,
Centro de fotografa, Estocolmo
2011 Haringey Councils Olympic Art Collection Commission 2007
Nominated for Pilot 3 by Alex Sainsbury 2006 Short listed for Red
Mansion Residency in Beijing, China 1998 Full Scholarship Award, New
World School of the Arts Miami
1
76

2 3

1 Fantasas de Liberacin, 2014, Collage, 30 x 24 cm 4 Serie Seascapes, 2009, Collage, 11.5 x 9.5 cm
2 Fantasas de Liberacin, 2014, Collage, 30 x 24 cm 5 Serie Seascapes, 2009, Collage, 12.3 x 10.5 cm
3 Fantasas de Liberacin, 2014, Collage, 30 x 24 cm 6 Spirit Island, 2013, Caja luminosa, lmina de desecho, 120 x 90 x 7 cm
 5

6
78

scar Bonilla
Nace en Montevideo, vive actualmente en Montevideo

Hay que tener cuidado al escribir sobre estas imgenes. En las fotos-de-lbumes-de-fotos de Bonilla funciona el truco de hacernos
creer que vemos algo que es viejo, cuando en realidad su mirada tiende a producir el recuerdo de un ahora. Si a primera vista pareciera
que son la memoria o la nostalgia la materia de este trabajo, esas serenas tensiones entre ausencias y presencias retratan una
manera del tiempo que, como la ausencia, no es ni lineal ni mesurable: es paradjica. La memoria opera en ellas no tanto como registro
de algo que fue, sino como un eco distante de algo que est sucediendo. Si es la memoria, es la memoria de algo que falta ahora. Lo
visual, que es poderoso, est all para sealarnos lo que no est, aquello que las imgenes no consiguen explicarnos del todo. Mirar
esta propuesta es seguir una mirada aparentemente casual que sabe que ocultando, revela. Hay que tener cuidado al escribir sobre
estas imgenes porque un texto podra correr el riesgo de actuar de filtro (como esos envejecidos papeles de seda de los lbumes) en
un trabajo que por cierto no necesita de ello.

Carlos Capeln

One must be careful when writing about these images. In Bonillas photos-from-photo-albums, he pulls the trick of making us believe
we see something that is old, when in fact looking at them tends to produce a memory of now. Although at first sight it seems that
memory or nostalgia are the subject of this work, the calm tensions between absences and presences portray a time modality that,
just like absence, is neither linear nor measurable: it is paradoxical. Memory operates in them not so much as a record of something
that was, but as a distant echo of something happening now. If it is memory, it is the memory of something missing now. The visual
element, which is powerful, is there to point to us what is not there, that which images fail to explain fully. Looking at this work is to
follow a seemingly casual gaze that knows that by hiding, it reveals. We must be careful when writing about these images because a
text might risk acting as a filter (as those aged tissue papers in photo albums) of a creation that certainly does not need it.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2014 Oscar Bonilla: Pliegues, MNAV, Montevideo 2008 Oscar Bonilla: 2009 Premio Morosoli, Fundacin Lolita Rubial, Minas
Queridos Todos, Coleccin Engelman-Ost, Montevideo 2007 Oscar
Bonilla: Eplogo, Centro Cultural Dodec, Montevideo 2006 9a Bienal
de La Habana 2005 5a Bienal del Mercosur, Porto Alegre 2004 Oscar
Bonilla: Complicidades, Centro Cultural Dodec, Montevideo
1
80

1 Pliegues, 2014, Lamdda Print, 125 x 85 cm 3 Queridos Todos, 2008, Lamdda Print, 125 x 85 cm
2 Queridos Todos, 2008, Lamdda Print, 125 x 85 cm 4 Pliegues, 2014, Lamdda Print, 125 x 85 cm
4
82

Juan Burgos
1963, Sarand del Y, vive actualmente en Montevideo

A lo largo de su carrera, Burgos toma y remueve la iconografa urbana, la dialctica de la sociedad contempornea, la simbologa,
los signos, y los recontextualiza a travs del collage. Sumamente reconocible y singular, su obra muestra las complejas relaciones
entre individuos, propone una nueva mirada sobre las reglas que conforman la sociedad, enmarcada en contextos muy crticos y
cuestionadores: la religin, las tradiciones, la moral moderna, etc. La temtica religiosa convive con el sexo explcito, el sentido de
las cosas se subvierte, se resignifica y la sedosidad publicitaria es enmarcada en una conceptualizacin fuerte, moderna y reflexiva.
Las superficies de las obras de JB estn resueltas con un nivel de perfeccin obsesivo; el color y la iconografa estn emparentados
con el pop, el neo pop, la esttica de la publicidad grfica y todo lo concerniente al mundo de la moda. Es interesante destacar que los
collages no estn hechos con capas superpuestas de imgenes de papel. Cada imagen est pegada sobre el recorte de su silueta, en
la capa anterior. As logra una superficie final, donde todos los elementos previamente recortados encajan perfectamente, creando
una nica imagen. Burgos decodifica, fragmenta, saca de otros contextos la iconografa y la rearma en una especie de puzzle, creando
una nueva composicin fragmentada. Las obras estn planteadas como un viaje hacia un nuevo contexto, un lugar que nos obliga
a cambiar la mirada. A su vez, refleja este mundo enmaraado, el banco de niebla del mundo global que, cargado de informacin,
conduce an a ms informacin sin retorno. Una globalidad que no est relacionada con la prosperidad capitalista, sino ms bien con
la inestabilidad y la crisis.

Fernando Lpez Lage

Throughout his career, Burgos has taken and removed urban iconography, the dialectic of contemporary society, the symbols and
signs to recontextualize them through collage. Highly recognizable and unique, his work shows the complex relationships between
individuals, proposes a new look at the rules that make up society, framed in very critical and questioning contexts: religion, traditions,
modern morality, etc. Religious themes coexist with explicit sex; the meaning of things is subverted, resignified, and advertising
sleekness is framed by a strong, modern and thoughtful conceptualization. The surfaces of JBs artworks are resolved with an
obsessive level of perfection; color and iconography are related to pop, neo-pop, the aesthetics of graphic advertising and everything
related to the world of fashion. It is worth noting that the collages are not made with overlapping layers of paper images. Each image
is stuck on the cutout of its silhouette in the previous layer. He thus achieves a final surface where all previously cutout elements fit
perfectly creating a single image. Burgos decodes, fragments, borrows from other contexts the iconography and reassembles it in a
kind of jigsaw puzzle, creating a new fragmented composition. The works are presented as a journey into a new context, a place that
forces us to change our perspective. In turn, it reflects this tangled world, a fogging global world full of information, which leads to even
more information without return. A globality that is not related to capitalist prosperity, but rather to instability and crisis.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2014 Juan Burgos: Through the looking glass, Meijiang Art Gallery,
Tianjin 2013 Bienal VentoSul 20 Aos, Museo Oscar Niemeyer, Curitiba
2011 Juan Burgos: Las zarzas, EAC, Montevideo 2010 XII Bienal
internacional de arte del Cairo 2009 53a Bienal de Venecia 2008 Juan
Burgos: La madriguera del conejo, CCE, Montevideo
2008 2 premio, 53 Premio Nacional, MNAV, Montevideo 2007 Beca
de investigacin, Casa Asia Barcelona, Beijing 2000 2 premio, Premio
Paul Czanne, Embajada de Francia, Montevideo
1
84

1 El sueo de Evita, 2015, Collage manual de papel, 90 x 60 cm 4 Las zarzas / Zarza I, 2010, Collage manual de papel, 180 x 121 cm
2 Son of the devil, 2009, Collage manual de papel, 124 x 94 cm 5 Snitches get stitches, 2010, Collage de papel sobre afiche de
3 Dios y el diablo reloaded (detalle), 2016, Collage manual de papel, propaganda, 78 x 54 cm
143 x 100 cm
5
86

Luis Camnitzer
1937, Luebeck, Alemania, vive actualmente en Nueva York

Habra que entender que el arte es una empresa comn, colectiva y democrtica. Que es una manera de conocer y que el conocimiento
no es una actividad competitiva, como no lo es respirar (por lo menos no todava en nuestro mundo). Que el separar a la sociedad
en productores de objetos de arte por un lado y consumidores de objetos de arte, por otro, es una manifestacin comercial y no
cognoscitiva. Que el absurdo y la ilgica son parte natural de toda especulacin, que hay que mantenerlos y recin descartarlos
en la negociacin con la realidad con conciencia de por qu hay que dejarlos de lado. Por lo tanto, todos tenemos la obligacin de,
inicialmente, imaginar con total libertad, para luego decidir por nuestros propios medios qu cosa se mantiene y qu cosa se descarta.
Habra que analizar al mundo del arte, no en trminos de arte, sino en trminos de la distribucin de poder: qu elementos son nada
ms que signos de poder y tienen una accin opresora, y qu elementos son liberadores. Los elementos liberadores son los que portan
una pedagoga, y por lo tanto los que hay que rescatar, para as renovar nuestra sociedad constantemente, para lograr el bien comn.
Es por eso que dentro de una utopa poltica el arte y la educacin son la misma cosa, formalizada en medios distintos.

Luis Camnitzer en entrevista con Alonso Cedillo, 21 de julio, 2016

It should be understood that art is a common, collective and democratic enterprise. That it is a way of knowing and that knowledge
is not a competitive activity, like breathing is not either (at least not yet in our world). That splitting society into art-object producers
on the one hand and art-object consumers on the other is a commercial and not a cognitive manifestation. That absurdity and
illogicality are a natural part of any speculation, and they should be maintained and only discarded in the negotiating with reality
with an awareness of why they should be put aside. Therefore, we all have the obligation to first freely imagine and then decide on our
own what is maintained and what is discarded. The art world should be analyzed, not in terms of art, but in terms of the distribution
of power: which elements are nothing more than signs of power and have an oppressive action and which elements are liberators.
Liberating elements are those that carry a pedagogy and hence those that must be saved in order to constantly renew our society and
achieve the common good. That is why, within a political utopia, art and education are the same thing formalized by different means.

Luis Camnitzer in an interview with Alonso Cedillo, July 21, 2016

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2016 SITE, Santa Fe 2015 Luis Camnitzer, Casa de las Amricas, La 2012 Premio USA Ford Fellow, Chicago 2007 Ciudadano Ilustre,
Habana 2015 Bajo el mismo sol, Museo Guggenheim, Nueva York 2002 IM, Montevideo 1961 Beca Guggenheim, Nueva York 1982 Beca
Documenta XI, Kassel 2000 Bienal de Whitney, Nueva York 1988 43a Guggenheim, Nueva York
Bienal de Venecia

1
88

1 A) Objeto cubierto por su propia imagen. B) Objeto cubierto por la 4 Landscape as an Attitude, 1979, Gelatina de plata, 24.13 x 33.27 cm
imagen del observador, 1971-1974, Aluminio, bronce grabado, vidrio, 5 This Is a Mirror, You Are a Written Sentence, 1966-1968, Poliestireno
madera, 34.29 x 25.15 x 5.08 cm moldeado al vaco, 48.41h x 62.51w x 1.5d cm
2 2 Bricks, 1974/2012, Impresin digital sobre vinlico, Vista de 6 Please look away, 2015, Vinlico adhesivo, dimensiones variables
instalacin
3 Pintura con ttulos, 1973, Aluminio y acrlico s/tela,
91.44 x 101.6 cm
4

6
90

Ana Campanella
1980, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

Las obras de Ana Campanella se instalan como un territorio reparador ante el frenes contemporneo, exploran las huellas del origen
y ofrecen una nueva instancia para la contemplacin y la escucha. La artista crea espacios de complicidad, reconstruyendo el devenir
del ser femenino; para ello la aguja penetra el plano, el alambre metalizado es moldeado, y en un ritmo particular, la nocin de figura
exalta su presencia. La construccin de la imagen pendiendo de un hilo, incorporando a la hebra el color y la textura, la luz y la sombra,
esconde un contorno y vuelve a iluminar el rasgo que se hace rostro, perfil, identidad y gnero. En estas obras existe una visualidad
particular expresada en pocos, cargados y naturalistas trazos extrados de acciones de la vida cotidiana. Su composicin formal
tiene un vnculo que retrotrae a corrientes como el Art and Crafts y el Art Nouveau. De esta forma, el espectador debe tomar el riesgo
de quien contempla la accin de la naturaleza propia de la mujer y se acerca minuciosamente al detalle, para encontrar un tiempo
pasado. A partir de la imagen de una mujer multifactica que es madre-continente y madre-nutricia, Campanella se cuestiona acerca
de la pertenencia y referencia de la mujer, de su rol actual, y en ese proceso el tiempo capturado adquiere la dimensin del still.

El tiempo minucioso, Jacqueline Lacasa

Ana Campanellas works set themselves as a refreshing territory against the contemporary frenzy; they explore the traces of the origin
and offer a new instance for contemplation and listening. The artist creates spaces of complicity, reconstructing the evolution of the
feminine being; for that purpose, the needle penetrates the plane, the metallic wire is shaped and, in a particular rhythm, the notion of
the figure exalts its presence. The construction of the image hanging by a thread, incorporating in the strand the color and the texture,
light and shadow, hiding the contour and once again illuminating the feature that becomes a face, a profile, identity and gender. In
these works there is a particular visuality expressed in few, loaded and naturalist strokes extracted from actions of everyday life. Their
formal composition has an element that traces back to currents such as Art and Crafts and Art Nouveau. Thus, the viewer must risk
becoming the beholder of the action of a womans very own nature by coming closely in contact with the detail, in order to find a time
passed. From the image of a multifaceted woman who is a containing mother and a nurturing mother, Campanella wonders about the
sense of belonging and reference of women, their current role and, in that process, time captured acquires the dimension of a still.

(El tiempo minucioso, Jacqueline Lacasa)

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2014 Ana Campanella: Estructura del dilogo, EAC, Montevideo 2014 2014 Beca Fefca, MEC, Montevideo 2013 Mencin honorfica en la 5
Ana Campanella: La esencialidad del dibujo, Galera del Paseo, Lima Bienal UAEMEX, Universidad Autnoma del Estado de Mxico, Ciudad
2012 Montevideo New Visions, Couturier Gallery, Los ngeles 2011 de Mxico 2013 Mencin honorfica en la IX Bienal de Salto
About Change, World Bank, Washington 2011 Ana Campanella: Paisaje
arraigado, Museo Figari, Montevideo 2008 Ana Campanella: De la
temporada, Fundacion Engelman-Ost, Montevideo

1
92
1 Estructura del dilogo, 2014, Sillas de hierro, aisladores, resistencia
elctrica, secuenciador, detector de movimiento y cmaras,
Aprox. 120 x 300 x 300 cm
2 Bsicos, 2011, Tcnica mixta: Bordado con alambre de aluminio,
alfileres y cadena sobre vestidos negros, 170 x 250 cm
3 Paisaje arraigado, 2011, Alambres de aluminio y ventosas, 900 x 400
x 500 cm, Vista de instalacin, Museo Figari, Montevideo
4 Tierra que no se conoce, 2012, Pintura acrlica, hilos de cerca
elctrica sobre lienzo, corriente elctrica y arco voltaico,
160 x 210 cm
5 Condicionados, 2016, Maples apilados y precintados, 200 x 400 x
400 cm, detalle de instalacin
6 A-cerca, 2012, Alambre de cerca elctrica, electrificadora y
aisladores sobre pared, 170 x 200 cm, Vista de instalacin
4

6
94

Yamand Canosa
1954, Montevideo, vive actualmente en Barcelona

Repaso el captulo dedicado al situacionismo dentro del ensayo Walkscapes. El andar como prctica esttica de Francesco Careri.
Mientras leo, no puedo dejar de pensar en los dibujos de Yamand Canosa. Me fijo en dos aspectos: la psicogeografa y el archipilago.
En el primer nmero de la revista de la Internacional Situacionista publicada en Pars en 1958, se define la psicogeografa como
el estudio de los efectos precisos del medio geogrfico, ordenado conscientemente o no, al actuar directamente sobre el
comportamiento afectivo de los individuos. Traslado la frase a los paisajes del artista: la experiencia intensa del lugar depende,
consciente o inconscientemente, de su relacin afectiva con el territorio. Dicho de otro modo, su manera de entender el paisaje
tiene que ver con una naturaleza telrica que oscila entre Uruguay y Espaa, y especialmente entre las dos ciudades que marcan
su biografa: Montevideo y Barcelona. Llego a un captulo llamado El archipilago influencial, y el ttulo me remite directamente a
la obra de Canosa. Careri habla de la Guide Psychogographique de Pars firmada por Guy Debord en 1957. Esta gua reproduca un
mapa turstico, pero introduciendo un cambio sustancial: el entramado urbano quedaba borrado y reducido a fragmentos aislados e
interconectados mediante flechas. De un modo similar, Canosa genera archipilagos visuales y conceptuales a base de fragmentos,
que invitan a entender el paisaje menos como un acto de contemplacin y ms como una activacin psquica y sensorial surgida de la
vivencia. La comparacin con el situacionismo permite abordar otra de las cualidades de su obra: la temporalidad. Pese a su condicin
de pintor, el tiempo juega un papel destacado en su trabajo. Y no me refiero solo a un tiempo de reflexin, sino a un tiempo de desarrollo
narrativo que se aproxima a la literatura, a la performance o al cine. Casi podramos pensar en la existencia de un guin previo del que
el artista solo nos muestra una parte. Ya sea una lnea de horizonte, un iceberg, un mapa, un muro, una canoa o una palabra, ese detalle
incompleto e inestable sugiere un excitante juego de expectativas, deseos e incertidumbres. Y ah, en la subjetividad del recorrido, en
sus posibilidades y en sus distancias, es donde las derivas del caminante y los desvos del dibujante vuelven a encontrarse.

La psicogeografa y el archipilago, David Armengol

I go over the chapter dedicated to situationism in Francesco Careris essay Walkscapes: Walking as an Aesthetic Practice. As I read, I
cant stop thinking of the drawings of Yamand Canosa. I focus on two aspects: psychogeography and the archipelago. In the first issue
of the Situationist International journal published in 1958 in Paris, psychogeography is defined as the study of the (...) specific effects
of the geographical environment, consciously organized or not, on the emotions and behavior of individuals. I translate the quotation
to the artists landscapes: the intense experience of the place depends, consciously or unconsciously, on his affective relationship with
the territory. In other words, his way of understanding the landscape has to do with a telluric nature oscillating between Uruguay and
Spain, and especially between the two cities that define his biography: Montevideo and Barcelona. I get to a chapter called LArchipel
influentiel, and the title brings me back directly to the work of Canosa. Careri speaks of the Guide Psychogographique de Paris
(Psychogeographic guide of Paris) signed by Guy Debord in 1957. This guide showed a tourist map but introduced a substantial change:
the urban fabric was cut up and reduced to isolated fragments that were interconnected with arrows. Similarly, Canosa creates visual
and conceptual archipelagos from fragments that invite us to understand the landscape less as an act of contemplation and more
as a psychic and sensory activation resulting from experience. The comparison to situationism allows us to address another one of
the qualities of his work: temporariness. Despite being a painter, time plays a significant role in his work. And I dont mean just time
for reflection, but rather a time for narrative development that comes close to literature, performance art or cinema. We could almost
imagine the existence of a pre-established script of which the artist only reveals a portion. Whether it is a horizon line, an iceberg, a
map, a wall, a canoe or a word, that incomplete and unstable detail hints at an exciting game of expectations, desires and uncertainty.
And it is there, in the subjectivity of the journey, in its possibilities and distances, where the drifts of the walker and the detours of the
painter meet again. (Psychogeography and the archipelago, David Armengol)

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2012 1a Bienal de Montevideo 2011 Yamand Canosa: El rbol de los
frutos diferentes, Fundaci Suol, Barcelona 1998 Dibujos germinales,
Museo Reina Sofa, Madrid 2006 Yamand Canosa: Three Spots, Ben
Maltz Gallery, Los Angeles 2004 Yamand Canosa: Nuevas canciones,
Centre dArt Santa Mnica, Barcelona 2003 Yamand Canosa: La lnea
h (iceberg), Domus Artium, Salamanca
2012 Beca Endesa, Museo de Teruel 2007 Premio Figari, Banco
Central del Uruguay, Montevideo 2006 Jennifer Howard Distinguished
Lectureship and Residency, Otis College of Art and Design, Los
Angeles 2000 Pollock-Krasner Foundation Grant, Nueva York
1
96

1 Migra, 2016, Gouache s/papel, 110 x 68 cm 5 Iceberg, 2014, leo s/papel, 64 x 100 cm
2 La espera, 2013, Gouache y transferencia sobre papel, 36 x 51 cm 6 El rbol de los frutos diferentes, 2011, Vista de instalacin, Fundaci
3 El ltimo muro (detalle), 2011, Fundaci Suol, Barcelona Suol, Barcelona
4 Pantalla, 2001, leo y tinta s/tela, 198 x 300 cm
5

6
98

Carlos Capeln
1948, Montevideo, vive actualmente en Uruguay, Suecia, Costa Rica, Noruega y otros lugares itinerantes

Me aproximo a la obra de Capeln en cuanto ubicada ante el contemporneo fracaso de la representacin; quebranto que fuerza
a giros violentos y emplazamientos extremos del lenguaje: ante las insuficiencias del orden simblico no queda ms que asumir
movilizaciones radicales y lances desesperados. () Capeln trabaja esta escena imprecisa buscando asumir las artimaas de
la ficcin para rozar el cuerpo esquivo de lo que se anuncia y se retrae. Una figura suya resume bien este intento: la de gancho.
Este dispositivo es similar al seuelo lacaniano de la mirada: la engaifa que asegura la mostracin del objeto y sostiene su aura. El
artista dice que usa un gancho cuando tiende una celada al espectador para atraer y desafiar su mirada y luego para desconcertarlo,
obligndole a reenfoques, ladeamientos y cambios de puntos de vista que abran perspectivas nuevas de significacin. () Los
ganchos implican jugadas irnicas, uno de los mecanismos fundamentales que dispone el arte para distanciarse de su propia escena
y observarla y comentarla como si le fuera ajena. Cierta pintura realizada a mano por Capeln constituye un gancho, porque mientras
que exhibe la destreza manual, apunta a sostener conceptos que nada tienen que ver con el oficio pictrico. Amaga por un costado y
golpea por otro; obliga al observador a vigilar, desconfiante, lo que ve; a buscar el sentido donde no se muestra. Mantiene en suspenso
el lance de la mirada, que sospecha del objeto presentado y supone un detrs suyo, un adentro, un lado invisible que esconde la
clave. Tambin actan como ganchos los encuadres de objetos vulgares exhibidos como obras de arte, e incluso, las presentaciones
en formato tradicional de objetos que solo podran ser considerados artsticos en clave contempornea (es decir, que no adquieren
su artisticidad de propiedades intrnsecas suyas, sino de los mecanismos de su puesta en exhibicin). En cierto sentido, podra
decirse que la escritura acta como gancho: expone la letra pero termina activando como imagen. () Buscando traspasar los lmites
del orden simblico, el umbral de la escena de la representacin, Capeln fuerza el lenguaje hasta su extremo, explora sus ltimas
mrgenes, lo apremia para que devenga imagen, escritura, para que se abra hacia lo que tiene de indescifrable.

La Proclama Ilegible en el trabajo de Carlos Capeln (fragmento), Ticio Escobar

... I approach Capelns work as placed before the contemporary failure of representation; brokenness forcing violent twists and
extreme collocations of language: faced with the inadequacies of the symbolic order there is no other way but to make more radical
demonstrations and desperate moves. ... Capeln works this imprecise scene seeking to take the wiles of fiction to touch the elusive
body of what announces itself but retracts. One of his figures sums up this attempt: the hook. This device is similar to the Lacanian lure
of the gaze: the swindle that ensures demonstration of the object and maintains its aura. The artist says he uses a hook when he tends
a trap for the viewer to attract them and challenge their gaze to later disconcert them forcing them to refocus, tilt and change their
points of view for opening new perspectives of meaning. ...The hooks involve ironical plays, one of the fundamental mechanisms that
art has to distance itself from its own scene and watch and comment it as if it were alien to it. Some painting handmade by Capeln is
a hook because while it displays manual dexterity, it aims to support concepts that have nothing to do with the painting skill. It fakes
on one side and hits on the other; it compels the viewer to watch, distrustful, what they see: to find meaning where it is not shown. It
maintains the gaze suspended, as the latter distrusts the object presented and assumes there is something behind, inside, an invisible
side that hides the key. The framing of common objects exhibited as works of art also act as hooks, as well as traditional format
presentations of objects that could only be considered art in a contemporary sense (i.e., they do not acquire their artistry from their
intrinsic properties, but from the mechanisms for displaying them). In a sense, one could say that writing acts as a hook: it exhibits the
letter but ends up being activated as an image. ... Seeking to go beyond the limits of the symbolic order, the threshold of the scene
of representation, Capeln forces language to the extreme: he explores its ultimate margins, he forces it to become an image, script,
for it to open to its indecipherable nature.

La Proclama Ilegible en el Trabajo de Carlos Capeln (fragmento), Ticio Escobar

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2011 Carlos Capeln: BURUB (Heaven is a Place), MNAV, Montevideo 2013 Premio Figari, Banco Central del Uruguay, Montevideo 1996 Beca
2005 Carlos Capeln: All No Haba Nadie/onlyyou, Museo Nacional de Guggenheim, Fundacin Guggenheim, Nueva York 1992 Premio de la
Bella Artes, Santiago, Chile 2004 Ceci nest pas un video, Museo de Cultura de la Ciudad, Lund
Arte Moderno, Estocolmo 2004 Carlos Capeln: Onlyyou, Baltic Center
for Contemporary Art, Newcastle 2000 Jet-lag Mambo, Henie Onstad
Kunstsenter, Oslo 1997 Painting Representing: A Painting Representing
Space, Miami Art Museum
1
100

1 Dibujos, 1997, Leche materna s/papel, 75 x 40 cm 4 onlyyou, 2002, Objetos varios, 1.200 m2, Vista de instalacin,
2 Mapa del Mundo (jueves), 2014, Acrlico s/papel, 180 x 150 cm Bildmuseet, Umea
3 Mapas y Paisajes, 1992, Objetos varios, 2.400 m2, Vista de 5 MUSEO, 2016, Vista de instalacin, Museo H. Cabildo, Montevideo
instalacin, Museo de Arte de Lund
3

5
102

Rimer Cardillo
1944, Montevideo, vive actualmente en Nueva York

La obra de Cardillo incluye grabados y dibujos en papel, objetos escultricos, trabajos en fotografas en una variedad de medios
combinados, as como tambin instalaciones en gran escala, llamadas Cup, reflejando el medio ambiente de este artista, que ha
vivido y trabajado entre Uruguay los Estados Unidos desde los ltimos aos de la dcada del setenta. La creacin de Rimer Cardillo
despliega un rigor conceptual, al mismo tiempo que una compleja variedad de temas contemporneos. Sus obras desafan el colapso
de las instituciones democrticas en Uruguay y otras naciones sudamericanas en la dcada de los setenta, como tambin la prdida
de los pueblos indgenas a travs de la historia de la colonizacin. A lo largo de su carrera, el artista se ha comprometido con temas
relacionados con la ecologa y la insercin en las relaciones socioculturales. Recientemente, un despliegue de las exploraciones de
Rimer desde la ltima dcada de los sesenta hasta el presente fue adaptado para ser exhibido en las excelentes galeras y el parque
adyacente del Museo de Arte de la Amricas, junto al complejo de los museos del Washington Mall. En este ao el artista ha fundado
la Asociacin Rimer Cardillo. La Imagen Grfica, que tiene como cometido, entre otros, promover el arte del grabado en Uruguay, crear
un gabinete de grabados, organizar exposiciones, difundir conocimientos en cursos especficos, seminarios y conferencias.

Karl Emil Willers

Cardillos work includes prints and drawings on paper, sculptural objects, work on photographs in a variety of mixed media, as well
as installations on a large scale, called Cup, reflecting the context of this artist who has lived and worked between Uruguay the
United States since the late seventies. Rimer Cardillos creation displays a conceptual rigor while deploying a complex variety of
contemporary issues. His works challenge the collapse of democratic institutions in Uruguay and other South American nations in the
seventies as well as the loss of indigenous peoples through the history of colonization. Throughout his career, the artist has engaged
with issues related to ecology and insertion in socio-cultural relations. Recently, a display of Rimers explorations since the late 1960s
to the present was adapted to be exhibited in the excellent galleries and the park adjacent to the Art Museum of the Americas near
the complex of museums of the Washington Mall. This year the artist founded La Asociacin Rimer Cardillo La Imagen Grfica, which
is tasked, among other aims, with promoting the art of printmaking in Uruguay, creating a file cabinet of prints, organizing exhibitions,
disseminating knowledge in specific courses, seminars and conferences.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2016 Rimer Cardillo: A Journey to Omb Bellaumbra, Museo de 2006 Chancellors Award for Excellence in Scholarship and Creative
las Amricas, Washington. D.C. 2014 Rimer Cardillo: Anacahuita, Service, State University of New York 2001 Premio Figari, Banco
Handmade paper installation, Museum of Contemporary Art, Yucatn Central del Uruguay 1997 John Simon Guggenheim Memorial
2013 Rimer Cardillo: One-Person Show: Quiet Cruelties Prints, Foundation Fellowship
Sculptures and Unique Works on Paper by Rimer Cardillo, Binghamton
University Art Museum, New York 2011 Rimer Cardillo: Jornadas de la
Memoria, Nassau County Museum of Art, Roslyn Harbor 2010 Rimer
Cardillo: Cup, Templespace of Kiscelli Museum, Budapest 2009 Rimer
Cardillo, Acadmie Libanaise des Beaux-Arts ALBA, Beirut

1
104

1 Medio Ambiente y Cultura, 2004, Mural en porcelana, 650 x 1800 cm, 4 Cup de ramas, 2015, Ramas, 400 x 1500 cm, Vista de intervencin,
Vista de instalacin, Universidad del Estado de New York en New propiedad del artista, New Paltz - Gardiner, New York
Paltz 5 Cup, 2010, Cermicas, piedras talladas, cantos rodados, tierra,
2 Anacahuita (detalle), 2014, Papel hecho a mano, medidas variables, medidas variables, Museum of Kiscelli, Medieval Trinitarian Space,
Vista de instalacin, Museo de Arte Contemporneo, MACAY, Mrida, Budapest, Hungra
Yucatn 6 Cup y pjaros de aceite barro y ceniza, 2005, Papel hecho a mano
3 Anacahuita, 2014, Papel hecho a mano, 500 x 1000 x 50 cm, Vista de y serigrafa, pared 300 x 2000 cm, Cup, 300 x 600 cm dim, Trust,
instalacin, Museo de Arte Contemporneo, MACAY, Mrida, Yucatn The 26th Biennial of Graphic Arts
4 5

6
106

Eduardo Cardozo
1965, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

A contrapelo de las apreciaciones corrientes en su momento, Juan Gris sostena que la realidad no es el pretexto que necesita un
cuadro, sino que el cuadro brinda un excelente pretexto para nuestra tendencia a percibir siempre realidades. As se nos imponen los
elementos plsticos de las pinturas de Cardozo; sus formas adquieren realidad y existencia propia, ubicadas estratgicamente dentro
de un espacio peculiar, en el que unas veces flotan en una bruma de infinitos matices, otras se mueven en una vorgine, rpidamente
impulsada por los latigazos de sus lneas, o yacen plcidamente integrados en encantadores paisajes sutiles y apacibles. El dibujo
y la pintura se enfrentan y se sintetizan en la unidad de la tela, contraponiendo la tendencia geometrizante y ordenadora de la lnea
con la vitalidad expansiva de la mancha de color. Trazos enrgicos y leves junto a formas difusas sin apelar al impacto inmediato
de fuertes contrastes van dando lugar a configuraciones que exhiben una gran riqueza cromtica sorprendentemente clida. Las
formas y los fondos profundos sobre los que ellas cobran vida surgen de la muy controlada espontaneidad de la tcnica del artista,
que asegura el funcionamiento general del cuadro como conjunto de relaciones que conforman la exitosa unidad. A partir de esta
distincin de planos, la obra cobra un curioso efecto de tridimensionalidad, una espacialidad reforzada por efectos lumnicos que
hacen emerger del plano lneas y masas cromticas que se imponen en esta serie como protagnicas en el conjunto. El resultado
hace pensar que el pincel de Cardozo trabaja en el espacio y no en el plano. Si en los trabajos anteriores del artista era el dibujo el
que se impona con mayor fuerza en las superficies del lienzo o el papel, en esta serie la lnea retrocede a un rol secundario, ante el
avance ms decidido del color y las formas difusas. Sntoma de un proceso que seguramente resultar en novedades igualmente
interesantes de investigacin seria, dedicada y permanente, sostenida gracias al exigente compromiso que Eduardo Cardozo ha
mantenido siempre con su trabajo.

Ins Moreno

Contrary to the commonly held ideas at the time, Juan Gris used to maintain that reality is not the pretext that needs a painting, the
painting provides an excellent pretext for our tendency to always perceive realities. This is how the artistic elements of Cardozos
paintings impose themselves; their shapes gain a reality and existence of their own, strategically located within a peculiar place
where they are sometimes floating in a mist of infinite shades, others move in a whirl rapidly impelled by the whiplashes in his lines,
or lie placidly integrated into charming landscapes, subtle and calm. Drawing and painting come up against each other and are
synthesized in the unity of the canvas, showing the contrast between the geometrizing and organizing tendency of the lines and the
expansive vitality of the color stains. Vigorous and light strokes along with diffuse shapes without resorting to the immediate impact
of strong contrasts give rise to configurations that display a great chromatic richness that is surprisingly warm. The shapes and
deep backgrounds on which they come to life arise from the controlled spontaneity of the artists technique, ensuring that the painting
works overall as a set of relations that make up the successful unit. This differentiation of planes gives the work a curious three-
dimensional effect. This spatiality is reinforced with effects of light bringing out from the plane lines and chromatic masses that have
in this series a central role in the whole. The result suggests that Cardozos brush works in space instead of on the plane. If in the
previous works by the artist the drawing prevailed more intensely on the surface of the canvas or paper, in this series the lines retreat
to a secondary role in the face of a more decided push of color and diffused shapes. This is symptomatic of a process of serious,
dedicated and permanent research which will surely lead to equally interesting novelties, sustained thanks to Eduardo Cardozos
rigorous commitment to his work. (Ins Moreno)

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2016 Eduardo Cardozo: The other side (II), Laca Project, Charlotte,
EE.UU. 2015 Eduardo Cardozo: The other side (I), Artful Living,
Washington DC 2012 Eduardo Cardozo: Rauschen, MNAV, Montevideo
2010 Eduardo Cardozo, Galera Sur, Punta del Este 2005 5a Bienal del
Mercosur, Porto Alegre 1997 1a Bienal del Mercosur, Porto Alegre
2015 Gran premio 55 premio Nacional, MNAV, Montevideo 2014 1er
premio, Premio bicentenario de pintura, MNAV, Montevideo 1991 1er
premio, Premio Paul Czanne, Embajada Francesa, Montevideo 1989
1er Premio, Saln Municipal, Subte, Montevideo
1
108

1 S/T, 2016, leo s/papel, 76 x 56 cm 4 Decisin, 2016, leo s/tela, 235 x 335 cm
2 El Otro lado, 2016, leo s/tela, 150 x 270 cm 5 14 de abril, 2014, 0leo s/arpillera, 200 x 210 cm
3 Races, 2016, leo s/tela, 200 x 300 cm 6 Presagio, 2016, leo s/tela, 156 x 208 cm
 5

6
110

Cristina Casab
1943, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

...Cristina Casab elige hablar desde el silencio. Mejor dicho, sugiere desde el silencio. Su relato, susurrado, murmurado, prefiere
la efusividad del silencio contra la prepotencia del discurso racionalizador. Como si al insinuar que el tiempo escapa a los afanes
mensurables del hombre, estuviese simultneamente insinuando que la imagen artstica tampoco acepta las diseccionantes
explicaciones racionales. Artista, y mujer, creo que importa precisarlo, despliega un saber hacedor fundado no solo en la exterioridad
de lo conocido, sino tambin en sus inesperados pliegues. Contra la pretensin del discurso racionalista autoritario, un saber que
esgrime la sensata irracionalidad del misterio, de lo que se acepta reservando una parcela siempre indescifrable. Un saber fecundado
en la intuicin, en la trama de verdades relativas y parciales antes que en los paradigmas concluyentes... Por eso, quizs convenga
no aceptar demasiado el orden aparente, la prolijidad minuciosa. Posibilidad factible: la piel de los das, simplemente puede estar
instaurando un simulacro. En cualquier momento y desde las propias fibras del silencio, quizs irrumpa la tempestuosidad del caos,
aparezca el desconcierto de la incertidumbre, la sorpresa del azar. Quizs la mediana procesional que atraviesa el saln est alertando
sobre lo incontrolable, sobre lo imprevisible. Por eso, tampoco conviene inclinar la balanza hacia el protagonismo de los escasos
elementos que habitan en las salas. La ausencia no significa la nada, de lo contrario jams podra valorarse la importancia de lo que
no se tiene, de lo perdido, de lo distante. La ausencia es siempre paradojal, irremediablemente perturbadora presencia.

Trescientos sesenta y cinco (fragmento), Alfredo Torres

... Cristina Casab chooses to speak from silence. Rather, she hints from silence. Her story, whispered, murmured, prefers the
effusiveness of silence instead of the arrogance of rationalizing discourse. As if by insinuating that time escapes the measurable toils
of man, she were simultaneously insinuating that the artistic image does not accept disecting rational explanations either. An artist
and a woman, which I think is important to specify, she displays a know-how founded not only on the externality of what is known but
also in its unexpected folds. Against the claim of authoritarian rationalistic discourse, this is a knowledge that wields the sensible
irrationality of the mystery, of what is accepted, all the while maintaining an indecipherable parcel. A knowledge that is fertilized in
intuition, in the weft of relative and partial truths rather than in conclusive paradigms... That is why it may be desirable not to accept too
seriously the apparent order, the meticulous neatness. A feasible possibility: the skin of the days may just be putting in place a drill. At
any time and from silences own fibers, the tempestuous chaos may break out, giving rise to the confusion of uncertainty, the surprise
of chance. Perhaps the processional median cutting across the hall is warning about the uncontrollable, about the unpredictable. That
is why it is not convenient either to tip the balance toward the prominence of the few elements that inhabit the halls. Absence does not
mean nothingness; otherwise, we could never assess the importance of what we do not have, of what was lost, of the distant. Absence
is always paradoxical, inevitably disturbing presence.

Three hundred sixty-five (fragment)

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2005 Marcas oficiales, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires
2002 Cristina Casab: Convivi, Filo espacio de arte, Buenos
Aires 2000 Identidad banalidad, CCE , Montevideo 2008
Violencia=>miedo=>consumo, Galera Marte upmarket, Montevideo
1988 Cristina Casab: Trescientos sesenta y cinco, Museo J.M.Blanes,
Montevideo 1985 International Triennial of Tapestry, Lodz
1990 Mencin especial (junto a Ingrid Ahlig), Saln nuevas formas
escultricas, embajada de Suiza 1988 Seleccin AICA 1988, 1987 y
85/86 1987 1er premio, Concurso escultura Jos Belloni, Subte 1986
Mencin especial, 34 saln de expresin plstica de la IMM, (con
grupo Retinas)
1
112

1 Trescientos sesenta y cinco, Vista de instalacin, Museo J.M. Blanes, 4 Cada 9 das, 2008, Organza de seda natural, cabello humano,
Montevideo 21 x 29 cm
2 Identidad - Banalidad, 2000, Vista de instalacin, Museo J. M. Blanes 5 Bsqueda Interior, 1985, Estructura metlica pintada, organza y lona,
3 Retratos, 1999, detalle de instalacin, CCE, Montevideo 210 x 300 x 300 cm
 4

5
114

Alejandro Cesarco
1975, Montevideo, vive actualmente en Nueva York

La complejidad de la obra de Cesarco sucede en el encuentro de tres lenguajes: el cine, el texto y la instalacin. En este cruce de
registros simblicos opera una accin potica, humanizante y comunicacional. Los trazos, los fragmentos de sentido que se dejan ver,
entrecruzan subjetividades diversas, tan permeables con el otro como permeables consigo mismo. No hay en la obra de Cesarco nada
ms claro que la referencia a un otro, presente o ausente, que surge a travs de lo que se esboza o sugiere. Y ese deseo de conexin
es lo que finalmente aparece como potencia motora, constructora de un lazo. Esa presencia puede ser la presencia de un libro, de un
texto desconocido, de un autor y sus personajes, de su maestro de fotografa o de un amor que no sabemos si est en construccin
o destruccin. Siempre hay alguien que nos afecta y modifica, que nos deja un trozo de s o se lleva una parte de nosotros. Es el lazo
afectivo aquello con lo que prefiere trabajar, aquello que siempre se pone y nos pone en el centro de una humanidad que lucha por no
disolverse. Y son las relaciones, y la afirmacin de su permeabilidad las que siempre presentan al otro como aquel que luego surge
dentro de uno mismo, mediado por un recuerdo o una palabra. Finalmente, vemos que el uso que realiza el artista del texto como
imagen no hace otra cosa que afirmar que, bajo la apariencia de una distancia fra, siempre hay sentimientos ocultos, profundos y por
descubrir.

Rulfo

The complexity of Cesarcos work takes place at the meeting point of three languages: film, text and installation. A poetic, humanizing
and communicational action takes place at this junction of symbolic registers. The hints, the fragments of meaning that can be
seen intertwine diverse subjectivities that are as permeable to each other as they are to themselves. Nothing is clearer in Cesarcos
work than the reference to an other, present or absent, through what is outlined or hinted at. And this desire for connection is what
appears in the end as a driving force for building bonds. That presence can be that of a book, an unknown text, an author and their
characters, his photography teacher or a love that could be under construction or destruction, we dont know. There is always someone
who affects and changes us, who leaves a piece of themselves behind or takes a piece of us. The affectional bond is something he
prefers to work with; it is that which always puts itself and us at the center of a humanity fighting against its own dissolution. And
it is relationships, and the affirmation of their permeability, which always present the other as that which later will appear within us
mediated by a memory or a word. Finally, we can see that the artists use of text as an image does nothing but assert the fact that
under the guise of cold distance there are always hidden, deep feelings to be discovered.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2014 Under the Same Sun: Art from Latin America Today, The Solomon
R. Guggenheim Museum, Nueva York 2012 30a Bienal de San Pablo
2011 54 a Bienal de Venecia 2011 Alejandro Cesarco: Uno sin el otro,
Museo Rufino Tamayo, Mxico 2010 Alejandro Cesarco: Present
Memory, Tate Modern, Londres 2010 9 Screens, MOMA, Nueva York
2014 Teiger Mentor in the Arts Cornell University Ithaca 2011 The
Bloise Art Prize, Art Basel, Basilea 2009 Art Matters Award, Nueva
York 2006 The Rolex Mentor and Protg Arts Initiative Award,
seleccionado por John Baldessari, Ginebra

1
116

1 Play, 2015, Vista de instalacin, Tanya Leighton Gallery, Berlin
2 Now and Then, 2009, Vista de instalacin, Charles H. Scott Gallery,
Emily Carr, University, Vancouver
3 Secondary Revision, 2013, Vista de instalacin, Frac Ile-de-France/
Le Plateau, Paris
4 A Portrait, A Story and An Ending, 2013, Vista de instalacin,
Kunsthalle Zrich
5 Alejandro Cesarco, 2014, Galleria Raffaella Cortese, Miln
 4

5
118

Osvaldo Cibils
1961, Montevideo, vive actualmente en Trento

Para aquellos que no son expertos en qumica, un catalizador es una sustancia que, aunque presente en una cantidad mnima, ejerce
sobre la velocidad de una reaccin una accin acelerante (o retardante) tomando parte en los estadios ms importantes de la reaccin
misma, y luego regenerndose, para reencontrarse as inalterada al final del proceso. Un activador es, al contrario, una sustancia que,
aadida en pequea cantidad a un catalizador, le aumenta la actividad. Podemos aplicar estos enunciados a la prctica artstica?
Tomemos, por ejemplo, un determinado catalizador, en este caso el paisaje, en una cantidad mnima, suficiente como para ser
incluido en el encuadre de la video-grabacin. Aadamos al catalizador dos activadores: por un lado un paraleleppedo sutil, incapaz
de mantenerse por s solo salvo apoyndose en el paisaje o en el segundo activador; por el otro lado Osvaldo Cibils, arquetipo de la
gestualidad esencial. El paisaje viene privado de cualquier significado que vaya ms all de su propia esencia, es decir un simple
teln de fondo, neutro: un lugar que, aunque cambiando de cuadro en cuadro, pasando de un ambiente natural inalterado a otro
alterado con evidencias antrpicas, no viene deformado por el ojo del autor, por su exuberante voluntad; en definitiva, un paisaje no
subjetivizado, que sin embargo sigue siendo un elemento fundamental, de apoyo, por as decirlo, de toda la operacin, aparentemente
sin tomar parte. La sutil construccin geomtrica, en el lmite de la visibilidad, ejerce el mismo rol que el artista que la realiza in situ,
y su importancia reside precisamente en su ser frgil, flexible: es la protagonista esttica, en equilibrio precario, de la performance.
Por su parte, en una especie de automatismo, Cibils realiza una serie de movimientos calculados y sopesados, de manera que el
espectador puede captar la singularidad de las acciones ms que detenerse en la produccin de un objeto artstico (la estructura
geomtrica). El artista y el objeto por l construido, ambos actores de reparto de la performance en tanto que activadores, aumentan
el potencial del catalizador (paisaje) que, a su vez, participa en la accin-reaccin y enfatiza los contenidos, permaneciendo inalterado.

Nueva qumica del paisaje de Osvaldo Cibils, Tommaso Decarli

For those who are not experts in chemistry, a catalyst is a substance which, although present in a minimal amount, exerts on the rate
of a reaction, an accelerant (or retardant) action, taking part in the most important stages of the reaction, and then regenerating itself,
to be found unchanged at the end of the process. An activator is, on the contrary, a substance which when added in a small amount
to a catalyst, increases its activity. Can we apply these statements to artistic practice? Lets take, for example, a particular catalyst,
in this case landscape, in a minimal amount, enough to be included in the frame of the video-recording. Let us add to the catalyst
two activators: on the one hand a subtle parallelepiped, unable to sustain itself except by relying on the landscape or on the second
activator; on the other hand, Osvaldo Cibils, the archetype of essential body language. The landscape is deprived of any meaning
beyond its own essence, i.e., a simple neutral backdrop: a place that, while changing from frame to frame, from a natural unaltered
environment to another one altered with anthropic evidence, is not deformed by the eye of the author, by his exuberant will; ultimately,
a non-subjectivized landscape that still remains a key element of support, so to speak, of the whole operation, apparently without
taking part. The subtle geometric construction on the edge of visibility holds the same role as the artist who creates it in situ and its
importance lies precisely in its fragile, flexible being: it is the static, precariously balanced protagonist of the performance. Meanwhile,
in a kind of automatism, Cibils makes a series of calculated and weighted movements, so that the viewer can grasp the uniqueness
of the actions rather than linger in the production of an art object (the geometrical structure). The artist and the object he built, both
supporting actors of the performance as activators, increase the potential of the catalyst (the landscape), which, in turn, participates
in the action-reaction and emphasizes the contents, while remaining unchanged.

Osvaldo Cibilss New Chemistry of the landscape

Exposiciones Seleccionadas
2016 Osvaldo Cibils: Con bordes rojos con movimientos
con ruidos, Proyecto web, http://osvaldocibils.com/
conbordesrojosconmovimientosconruidos 2016 Osvaldo Cibils:
Installazione con oggetti senza elettricit con crini con ossa con
soundart su richiesta, Instalacin, objetos y soundart, CentrA. Spazio
darte, centro studi e documentazione 2015 Osvaldo Cibils: Paesaggio
zoom in 3- Exposiciones recprocas Trento/Montevideo, Performances,
video y objeto, EAC, Montevideo / Sala Thun, Spazio espositivo di
Torre Mirana, Trento 2015 Osvaldo Cibils: S oundart10giorniLiveVienna,
Instalacin, sonido, MAG3. Viena 2015 Osvaldo Cibils: Polyptych
soundart, 2012 2013 2014 2015 2016 (In progress), http://
osvaldocibils.com/soundart/polyptychsoundart 2010 Osvaldo
Cibils: 300x300artsport, Proyecto web, http://300x300artsport.
osvaldocibils.com 2008 Osvaldo Cibils: 54 dinamic body background
2001 2008, Proyecto web, http://osvaldocibils.com/54/54
1
120

1 Artwork1september2016, 2016, Lpiz, drypens, pintura acrlica y
cinta adhesiva transparente sobre papel A4 reciclado, Internet y
carpeta monitoreada, 21 x 29.7 cm
2 Paesaggio zoom in 3, 2015, Esquema de edicin, bolgrafo, lpiz
y drypens sobre papel reciclado, video, 20 performances con
paraleleppedo muy sutil, 87 x 21 cm
3 Soundart7august2012 (serie polyptych soundart) 2012-16, Work in
progress, dibujo, grafito 0.5 B sobre dos papeles A4, Digital albums
soundart for carrito of Trento. RolloSONIC software and Osvaldo
Cibils, Internet project, 21 x 29.7 cm
4 Paesaggio zoom in 3, 2015, videoart, osvaldo cibils con
paraleleppedo muy sutil, still, Trento/Montevideo, 20 min
5 Objeto para reparto de invitaciones 2001-14, Boletera de guarda de
mnibus, plstico, metal y fotocopias enrolladas con detalles de
exposicin en Galera Lezlan Keplost, Padiglione Uruguayo, Trento,
20.5 x 7 x 10 cm
4

5
122

Pablo Conde
1960, Montevideo, vive actualmente en Ciudad de la Costa

La apariencia es lo que se ve, lo que parece. Lo que importa es lo que se ve? Mi trabajo transcurre en ese espacio o terreno que existe
entre lo que se ve y lo que se representa, donde a veces se confunden los limites. Partiendo de la fotografa, como inspiracin o como
elemento fundamental de mi obra, construyo situaciones, instalaciones, donde se pone en juego la capacidad de percepcin. Utilizo
las imgenes a veces para representar superficies (baldosas, maderas), donde construyo volmenes que pueden simular pedazos
de calles o detalles de casas. Con estos elementos como herramienta, mis instalaciones pretenden generar una atmsfera, un clima
donde el contacto sea de todos los sentidos. Una experiencia de presencia, donde las referencias conocidas disparan en la memoria
afectiva muchas posibilidades de lectura. Y siempre el lmite entre lo que es y lo que parece, generando un nuevo cuestionamiento de
lo que se ve.

P.C.

Appearance is what is seen, what seems to be. What matters, is it what is seen? My work takes place in that space or land between
what is seen and what is depicted, where sometimes the boundaries become confused. Based on photography as inspiration or as a
fundamental element of my work, I build situations, installations, where the capacity for perception is at play. I use images sometimes
to represent surfaces (tiles, wood), where I build volumes that may simulate parts of streets or details of houses. Using these elements
as a tool, my installations intend to generate an atmosphere, a climate where contact with every sense is attained. An experience of
presence where known references trigger in affective memory many interpretation possibilities. And where the boundary between
what is and what appears to be is always generating a new questioning of what is seen.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2016 3a Bienal de Montevideo 2016 Pablo Conde: Rio, EAC, Montevideo 2004 Premio 51 Saln Nacional, MNAV, Montevideo 2000 Premio
2013 Pablo Conde: Propagacin, MNAV, Montevideo 1997 Pablo Conde: Instalacin Bienal de Salto 2001 1er premio, Anual de arte Something
1950, Alianza Francesa , Montevideo 1995 Pablo Conde: Zona Urbana, Special, Molino de Prez , Montevideo 1994 Premio Proyectos, Saln
Museo H. Cabildo, Montevideo Municipal, Subte, Montevideo
1
124

1 Los de Adentro y los de Afuera, 1998, Intervencin en Puerta de la
Ciudadela, medidas variables
2 1950.1998, Ensamblaje, ladrillos, hormign, impreso sobre pastillas,
medidas variables
3 Historias Sub-Urbanas, 2015, Ensamblaje, fotografa, medidas
variables
4 Zona Urbana, 1995, Ensamblaje, fotografa, medidas variables
5 Propagacin, 2014, Ensamblaje, fotografa, medidas variables
6 3453`30 S 5611`14O, 2016, Hormign, medidas variables, vista de
intervencin en Palacio Legislativo, Montevideo
4

6
126

Alejandro Cruz
1975, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

La obra de Alejandro Cruz bucea, evidencia y desmantela alguno de los imaginarios eurocntricos. En su primera obra Color Piel,
buscaba que el espectador reflexionara sobre el universo hegemnico y el concepto de color aplicado a la piel. En su trabajo ms
reciente, Reproduccin, el artista expone un conjunto de estudios realizados por el INE (Instituto Nacional de Estadsticas) donde se
exhiben las diferencias que existen entre la poblacin blanca y la afrodescendiente. El deseo aqu combate la idea de un ser puramente
biolgico (potente, rpido, gil, etc.) por encima del intelectual. Vemos entonces cmo los preconceptos que construyen los hombres
blancos son proyecciones tanto de un deseo sexual, como de dominacin y apropiacin del otro. El artista ha procurado abordar desde
sus inicios el universo afro y sus mltiples aristas usando lenguajes como el video, la fotografa y la instalacin.

A.C.

The work of Alejandro Cruz explores, reveals and dismantles some of the Eurocentric imageries. In his first work, Color Piel (Skin
colored), his intention was for spectators to reflect on the hegemonic universe and the concept of color applied to skin. In his most
recent work, Reproduccin (Reproduction) the artist displays a set of studies carried out by the Instituto Nacional de Estadsticas
(INE, National Institute of Statistics) which expose the differences between the white and Afro-descendant populations. Here, desire
fights the idea of a purely biological being (powerful, fast, nimble, etc.) over the intellectual one. We see, then, how the preconceived
notions built by white men are projections of both a sexual desire, and a desire for domination and appropriation of the other. Since his
beginnings, the artist has tried to address the Afro-descendant universe and its numerous aspects through languages such as film,
photography and installation.

Exposiciones Seleccionadas Alejandro Cruz: Color Piel, videoinstalacin, Subte, Montevideo 2008
2015 Ghierra Intendente, CCE, Montevideo 2013 Alejandro Cruz: Lapso Video Urbano, Centro Matucana 100, Santiago de Chile 2007 NIVAF07,
sagrado y profano, CCE, Montevideo 2011 IX Bienal de Salto 2008 Nagano, Japn
1
128

1 Europa te espera, 2007, Instalacin y accin, Centro MEC 3 Mordaz(a), 2013, Fotografa, medidas variables
2 Endognesis, 2010, Vista de instalacin, EAC, Montevideo 4 Lapso sagrado y profano, Detalle de instalacin, CCE, Montevideo
3

4
130

Tamara Cubas
1972, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

La pregunta por el ser es la que ha movilizado el trabajo de la artista Tamara Cubas desde siempre: Quin soy? Dnde estoy? De
dnde vengo? Estas tres preguntas basan su fuerza en una potente bsqueda fundante, en una intensa pregunta por el origen y por
aquello que nos constituye como sujetos. Los trabajos de esta artista van de lo autorreferencial diferido (familiares cercanos) a la
bsqueda de un tercero, sometido a un conflicto. La relacin posible con el otro, primaria y constitutiva, tiene como centro un cuerpo
que es sometido a tensiones e intenciones diversas. El cuerpo, atado a flujos del deseo, a cadenas narrativas, est en constante
movimiento sobre una red de relaciones o siendo arrastrado a la deriva por un mar de textos. El trabajo que realiza como performer
pone al cuerpo como centro vital, y por esta misma razn lo expone en toda su vulnerabilidad, en toda su humanidad, centro en el que
todas las subjetividades se cruzan. Sus investigaciones van desde una crtica de la autora, en complejas puestas en escena colectivas,
o emparentadas a una triloga antropofgica, referida a todo aquello que devoramos por la necesidad de hacerlo propio. Ha hecho un
anlisis de la dictadura y la memoria a partir de las huellas que esta ha dejado dentro de su propia familia, y de cmo ha modificado
y alterado hasta los microrrelatos ms ntimos. Ha demostrado cmo el encierro puede ser una plataforma de creatividad y escape,
exponiendo cmo un grupo de mujeres en la crcel inventa un cdigo para comunicarse con sus manos bajo condiciones extremas
de aislamiento. Tamara hace del cuerpo su medio y su fin, hace de la subjetividad la llave para indagar en la libertad. Formula un
dilogo entre un yo y el otro, y cmo esa relacin se articula en una suerte de intercambios mutuos. Desdibuja esa posicin humanista
inalienable que pona al sujeto en el centro, para mostrarnos como fragmentos de fragmentos. La artista define al individuo solo a
partir de un cuerpo vibrante, deseante y en constante movimiento, que promete una libertad a partir de su bsqueda.

Rulfo

The question about the Being is what has always driven the work of Tamara Cubas: Who am I? Where am I? Where do I come from?
The force of these three questions lies in a powerful foundational search, in an intense question about the origin and that which
constitutes us as subjects. The work of this artist ranges from the deferred self-referential (close relatives) to the search for a third
person subjected to a conflict. The possible relationship with the other, that is both primary and foundational, has at its core a body
that is subjected to diverse tensions and intensions. The body, tied to the flows of desire, to narrative chains, is constantly moving
over a network of relationships or being dragged adrift by a sea of texts. Her work as a performer puts the body as the vital center, and
for this very same reason she exhibits it in all its vulnerability, in all its humanity, as the center where all subjectivities intersect. Her
research ranges from a critique of authorship in complex collective stagings, or related to an anthropophagic trilogy, alluding to all
that we devour in an attempt to make it our own. She has made an analysis of the dictatorship and memory from the traces that it has
left in her own family, and of how it has changed and altered even the most intimate micro-narratives. The artist has demonstrated
how confinement can be a platform for creativity and escape, by showing how a group of imprisoned women invented a code to
communicate with their hands under extreme conditions of isolation. Tamara makes of the body her means and her end, makes
subjectivity the key to explore freedom. She formulates a dialog between one self and the other, and looks at how that relationship
articulates into a series of mutual exchanges. She blurs the lines of that inalienable humanist position, which placed the subject at the
center, to portray us as fragments of fragments. The artist defines the individual only as a vibrating, desiring body in constant motion
whose search brings the promise of freedom.

Exposiciones Seleccionadas Mxico DF 2016 Tamara Cubas: Acto 2 / Resistir, Galera Soa,
2013 Tamara Cubas: El da Ms Hermoso, Museo J.M.Blanes, Montevideo 2014 1a Bienal de Montevideo 2015 El lugar de lo dicho,
Montevideo 2015 Tamara Cubas: El lugar de lo ausente, Casa Tlalpan, MNAV, Montevideo 2014 12a Bienal de La Habana
1
132

1 Multitud, 2013 4 El da ms hermoso, 2012

2 Permanecer, 2016 5 Resistir, 2016
2 Puto gallo conquistador, 2014
4

5
134

Pau Delgado Iglesias

1977, Montevideo, vive actualmente en Montevideo y Londres

Trabaja activamente en el campo de las artes visuales desde el ao 2000, utilizando como herramientas principalmente la fotografa,
el video, la performance y las intervenciones en el espacio pblico. Gran parte de su prctica se ha centrado en reflexionar sobre la
construccin cultural de las identidades nacionales, sexuales, de gnero. Sus primeras piezas analizaban la representacin visual de
las mujeres y sus cuerpos. As, series como Candy, Queen of Karaoke o Mariana (2000-2001) desarrollaban a travs de la performance
diferentes estereotipos femeninos: la cantante rubia que triunfa en la industria de la msica contrasta con la joven en silla de ruedas
que visita la exposicin de Armani en el museo Guggenheim. Estos trabajos cuestionaban directamente el rol de las imgenes y la
representacin en el devenir de las personas una representacin que limita, en lugar de expandir, el devenir de los cuerpos y sus
posibilidades. Posteriormente se concentra en el estudio de las masculinidades y la relacin de los hombres con su cuerpo. En Cmo
sos tan lindo (2005-2010), fotografi y entrevist a ms de cien hombres en siete ciudades (Montevideo, Buenos Aires, Valparaso,
Viena, Londres, Johannesburgo y Praga), evidenciando patrones discursivos a nivel global. Su trabajo recorre actualmente una lnea
ms relacionada con el activismo artstico. Si bien el lugar de articulacin discursiva es el arte, piezas como Algunas Preguntas (2013,
serie de afiches en va pblica) o Rituales Feministas para la salud social (2013, espacio de trabajo dentro del museo), se encuentran
en la interseccin de diversas prcticas sociales y culturales: activismo poltico, redes sociales, periodismo audiovisual, meditaciones
colectivas, discurso acadmico y prctica artstica. Desde 2014 hasta hoy lleva adelante dos lneas de trabajo: una relacionada con la
dimensin poltica y cultural de las prcticas sexuales y el sexo comercial, otra relacionada con la teora de los afectos y la sexualidad
a travs de la experiencia de personas ciegas de nacimiento.

P.D.

She has actively worked in the field of visual arts since 2000, using photography, video, performance and interventions in public space
as her main tools. Much of her practice has focused on reflecting about the cultural construction of identities: sexual, national, of
gender. Her first pieces analyzed the visual representation of women and their bodies. Thus, there are series such as Candy, Queen of
Karaoke or Mariana (2000-2001), which developed, through performance, different female stereotypes: the blonde singer who triumphs
in the music industry, in contrast with the young woman in a wheelchair visiting the Armani exhibition at the Guggenheim Museum.
These works directly questioned the role of images and representation in the fate of the people - a representation limiting, rather than
expanding, the future of bodies and their possibilities. She later focused on the study of masculinities and mens relationship with their
body. In Cmo sos tan lindo (How cute you are, 2005-2010), she photographed and interviewed over a hundred men in seven cities
(Montevideo, Buenos Aires, Valparaiso, Vienna, London, Johannesburg and Prague) showing global discursive patterns. Her work is
currently following a line more closely related with art activism. While the place of discursive articulation is art, pieces like Algunas
Preguntas (Some Questions, 2013, a series of posters on public roads) or Rituales Feministas para la salud social (Feminist Rituals for
Social Health, 2013, working space inside the museum), are found at the intersection of several social and cultural practices: political
activism, social networks, audiovisual journalism, group meditations, academic discourse and artistic practice. Since 2014, she has
carried out two lines of work: one related to the political and cultural dimension of sexual practices and commercial sex, and another
one related to the theory of affect and sexuality through the experience of persons blind from birth.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2018 Pau Delgado Iglesias: Estar igual que el resto (en preparacin),
MNAV, Montevideo 2012 CSTL, Galera Momenta Art, Nueva York 2010
Pau Delgado Iglesias: Cmo sos tan lindo, EAC, Montevideo 2014 Pau
Delgado Iglesias: Latina, Xippas Arte Contemporaneo, Ginebra 2013
En el lugar de lo dicho, MNAV, Montevideo 2011 Situating No-Land:
Videoart from Latin America, Slought Foundation, Filadelfia
2014 Beca Justino Zavala Muniz, MEC, Montevideo 2009 Premio de la
Fundacin Prncipe Claus para la publicacion del catlogo de Como
Sos Tan Lindo, Fundacin Prncipe Claus, Amsterdam 2007 Fondo
Concursable para la Cultura, MEC, Montevideo 2007 3er premio, Salon
Municipal de Artes Visuales, Subte, Montevideo
1
136

1 Cmo sos tan lindo. Johannesburgo-Praga, Video, fotografa 4 Souvenir de Montevideo, 2010, Video
2 Algunas Preguntas, 2013, Afiches en va pblica 5 Slvanos por favor, 2011, Fotografa
3 Mximas, 2012, Fotografa 6 Salvation Army, 2014/5, Video
 4

6
138

gueda Dicancro
1930, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

Dicancro se revela en la plena posesin de sus medios tcnicos y expresivos. Con la sabidura que otorga la madurez, apacigua la fuerza
irruptiva de la propuesta, ya codificada a travs de los aos, serena la complejidad barroca primera, el deslumbrante onirismo de los
blanqusimos bosques petrificados, los inquietantes abismos de los espejos, todas connotaciones ligadas al espritu de situaciones
epocales, para instalarse en la despojada y elusiva sntesis actual. Deslizndose suave y secretamente entre el deconstruccionismo
derridiano, los objetos fractales (forma fractal, fraccionada, interrumpida) de Mandelbrot, y la teora de las Siete catstrofes (catstrofe
en tanto discontinuidad, trastorno, conflicto entre elementos estables) de Ren Thom, pensadores que remiten al antimodelo del
sistema estable, la escultora, en incisivo montaje curatorial, convida, en ocho grandes estructuras piramidales centrales rodeadas
de cuatro objetos distribuidos en la pared, al visitante a un recorrido en que se convierte en protagonista y creador: inventa su propio
espacio, captura las cambiantes imgenes reflejadas en el vidrio metalizado, descubre las huellas fragmentarias de torsos masculinos
y femeninos, seales simblicas de espirales, crucetas, surcos, separaciones, aproximaciones, protuberancias, sesgadas alusiones
a la condicin humana, a la precariedad y la voluntad de un eterno retorno. Hay una potenciacin de estructuras cclicas de ascenso y
descenso, de solidez y fragilidad, de liso y rugoso, de centrpeto y centrfugo, de unidad y fragmentacin, como un monumental puzzle
a recomponer por el receptor luego de atravesar la experiencia participativa y liberadora, entre objetos enmarcados en madera y hierro
negros como el dominante de la sala, alterados por los rutilantes brillos de cambiantes imgenes reflejadas y vidrios rojos exultantes
de vitalidad... Dicancro hace aicos los gneros artsticos, derriba los sacrosantos lenguajes pictricos y escultricos, interrumpe el
discurso histrico del arte e instaura nuevos modos operativos que son, en definitiva, nuevas modalidades de sentir y pensar, de estar
en el mundo.

Nelson Di Maggio

Dicancro reveals herself in full possession of her technical and expressive means. With the wisdom granted by maturity, she appeases
the irruptive force of her work proposition, as codified through the years; she placates the initial baroque complexity, the dazzling oneiric
quality of white petrified forests, the disturbing depths of the mirrors, all of them connotations linked to the spirit of epochal situations,
to settle in the stripped and elusive current synthesis. The sculptress glides softly and secretly between Derridean deconstructionism,
Mandelbrots fractal objects (fractal, fractional, interrupted form), and the theory of the Seven catastrophes (catastrophe as
discontinuity, disorder, conflict between stable elements) of Ren Thom, all of them thinkers who refer to the anti-model of the stable
system. In an incisive curatorial setup with eight large central pyramidal structures surrounded by four objects distributed on the wall,
she invites the visitor on a journey. The viewer then becomes the protagonist and creator: they invent their own space, they can capture
the changing images reflected in the metallic glass, and they discover the fragmentary traces of male and female torsos, symbolic
signals of spirals, crossarms, grooves, gaps, approaches, protrusions, indirect allusions to the human condition, instability and the
wish for an eternal return. There is a leveraging of cyclical structures of ascent and descent, of solidity and fragility, of the smooth and
the rough, centripetal and centrifugal, unity and fragmentation, as a monumental puzzle to be recomposed by the receiver after going
through the participatory and liberating experience, between objects framed in wood and black iron as the dominant subject of the
room, altered by the sparkling shine of changing images reflected and red glass panes exultant of vitality... Dicancro shatters artistic
genres, demolishes the sacrosanct pictorical and sculptural languages; she interrupts the historical discourse of art and establishes
new operating modes that are ultimately new ways of feeling and thinking, of being in the world.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2007 Agueda Dicancro: Arborescencias, MNAV, Montevideo 2001 2014 Medalla Delmira Agustini, MEC, Montevideo 1999 Premio Figari,
Primera bienal internacional de Arte, Museo Nacional, Buenos Aires Banco Central del Uruguay, Montevideo 1972 Medalla de oro Comuna
1999 2a Bienal del Mercosur, Porto Alegre 1994 22a Bienal San Pablo de Roma, Concurso Alfa Romeo, Museo Nacional, Roma 1967 Gran
1993 61a Bienal de Venecia 1985 48a Bienal San Pablo premio, XV Saln Municipal, Subte, Montevideo

1
140

1 Otras visiones, 1988, Automvil, nen, Vista de instalacin, Subte, 3 Otras visiones sobre la vida y el hombre, 1995, Coleccin Engelman Ost
Montevideo 4 Comunicacin, 2002, Hierro, vidrio, Torre de Antel, 15 mts alto
2 Otras visiones, 1988, Hierro, vidrio, Vista de instalacin, Subte, 5 Otras visiones, 1994, Vista de instalacin, Alianza Uruguay Estados
Montevideo Unidos
 4

5
142

Liliana Farber
1983, Montevideo, vive actualmente en Tel Aviv

La creacin y el almacenamiento de imgenes, videos, y todo tipo de memorias o documentos, se ha convertido en los ltimos aos
en un proceso simple y accesible. Este fenmeno aumenta la percepcin comn de una utopa de informacin, alimentada por
grandes bases de datos cuyas fuentes e imparcialidad nadie cuestiona. La progresiva sistematizacin de los mtodos de acceso y
procesamiento de la informacin transformaron al entretenimiento en un matar el tiempo, a los afectos, pxeles en la pantalla, y a la
informacin, una lnea continua en la que un gato saltando la cuerda y un desastre en Bangladesh tienen el mismo peso en megabytes.
La obra de Liliana Farber se centra en los procesos de produccin y consumo de datos.
Utilizando software construido a medida, Farber manipula masas de materiales recogidos de Internet (imgenes, videos, textos),
creando video instalaciones, imgenes impresas y obras interactivas. A travs de estas tcnicas, Farber cuestiona las polticas de
anlisis y representacin de datos, ubicndose en el rol de quien produce verdades respaldadas por los mismos. Las obras resultantes
reflejan la tensin entre la imagen reconocible y la abstraccin que deriva de la abundancia de informacin, manteniendo la memoria
de su origen a travs de los ttulos. En su investigacin, Farber indaga la relacin entre la estructura y componentes del medio digital y
su percepcin, haciendo hincapi en el reconocimiento de patrones, el lmite donde el caos toma forma y sentido. A partir de un trabajo
con elementos de la cultura popular, las obras examinan las complejas relaciones entre las piezas de informacin y su relacin con la
memoria personal y colectiva.

L.F.

The creation and storage of images, videos and all kinds of memories or documents has become in recent years a simple and
accessible process. This phenomenon increases the common perception of a utopia of information, fueled by large databases whose
sources and impartiality nobody questions. The progressive systematization of information access and processing methods has
transformed entertainment into time killing, destroying affective relations, pixels on the screen and information, in a continuum where
a cat jumping rope and a disaster in Bangladesh have the same weight in megabytes. Liliana Farbers work focuses on the processes
of data production and consumption. Using custom-built software, Farber manipulates masses of materials from Internet (images,
videos, texts), creating video installations, printed images and interactive works. Through these techniques, Farber questions data
analysis and representation policies, adopting the role of the producer of truths supported by those data. The resulting works reflect
the tension between the recognizable image and the abstraction derived from the abundance of information, while maintaining the
record of its source in the titles. In her research, Farber explores the relationship between the structure and the components of the
digital medium and its perception, emphasizing pattern recognition, the limit where chaos takes shape and meaning. Based on her
work with elements of popular culture, the artworks examine the complex relationships between pieces of information and their
relationship with personal and collective memory.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2016 Experimentacin Sistemtica, Museo Zorrilla, Montevideo 2015
16th Bienal de Medios WRO, Centro WRO, Wroclaw 2015 Liliana Farber:
Signal to Noise, Galera Raw Art, Tel Aviv 2013 IL(L) Machine, Ars
Electronica, Linz 2013 Liliana Farber: Mediocre, Centro cultural Dodec,
Montevideo 2003 Liliana Farber: Las habitantes, MEC, Montevideo
2016 Residencia online, Galera Arebyte, London 2014 Galardn por
Excelencia en Arte, Ministerio de Inmigracin y Absorcin, Tel Aviv 2012
Beca por excelencia, Postgrado en Arte, Universidad Beit Berl, Kfar
Saba

1
144

1 Me and my girls, 2014, Impresin en tinta de archivo, 230 x 150 cm
2 Files Inventory en la exposicin, 2015, Vista de instalacin, Without a
Trace, Art Cube Artists Studios, Jerusaln
3 Cache, 2013, Vista de instalacin, Hydrosphere, The Belltown
Collective, Seattle
4 Where X and Y, 2014, Galera Alfred, Tel Aviv
5 My Boys, 2015, Impresin en tinta de archivo, 155 x 210 cm
6 Royal Bitch, 2014, Vista de instalacin, Galera Hamidrasha, Tel Aviv
4

6
146

Mara Agustina
Fernndez Raggio
1985, Buenos Aires, vive actualmente en Montevideo

Su obrase caracteriza por componer una cartografa donde relaciona distintos relatos creados en los dispositivos del poder-saber,
para generar una estrategia que permite pensar, desde el arte, la concepcin de vida en la comunidad. En distintas hegemonas,
las formas de lo poltico en el arte se extienden en hbitos que modelizan el pensamiento. Esto provoca condiciones estticas que,
producidas en las prcticas artsticas, hacen a un dilogo con aquellos objetos que tienen una posicin icnica. Los objetos con que
trabaja la artista gozan de ser depositarios de sentimientos animados por los procesos identitarios. En la actualidad, el corrimiento de
las fronteras de las disciplinas de conocimiento cientfico ylas prcticas en el arte contemporneo llevan a movimientos de hibridacin
entre culturas que buscan nuevos sentidos a la convivencia. El anlisis sobre la obra de FernndezRaggiopermite reconocer por lo
menos dos tipos de campos de fuerzas, que en apariencia son antagnicos pero que forman parte de un mismo pliegue: la figura del
lder y la existencia de los smbolos con los que se loidentifica. Su obraprovoca en el espectador un sentido de extraeza y cercana
con las formas de la naturaleza del poder; en su estrategia conceptualpuede apreciarse cmotrascienden los estados contractuales
de la organizacin de lo poltico, parasubvertir el orden jerrquico y casi inaccesible,allen donde se estructura el disciplinamiento y
la vigilancia de la sociedad.En este sentido, a travs de la imagen y la narrativa de su experiencia, logra acercarnos a una concepcin
biopoltica del ser, en donde el acceso al pensamiento y la accin son territorios frtiles para la concepcin de nuevasinteraccionesen
los bordes y confines del espacio entre los pbico y lo privado de la vida contempornea.

Jacqueline Lacasa

Her work is characterized by a cartography in which she relates different stories created by the mechanisms of power-knowledge. She
thus generates a strategy that allows thinking about life within the community from the point of view of art. In varied hegemonies, the
forms of the political within art extend into habits that model thinking. This provokes aesthetic conditions which, when reproduced
in artistic practices, create a dialogue with those objects that hold an iconic position. The artist works with objects that are the
repositories of feelings animated by identity processes. Today, the shifting borders between the disciplines of scientific knowledge
and the practices in contemporary art lead to the hybridization of cultures that search for new meanings for coexistence. The analysis
of the work of Fernndez Raggio allows the recognition of two force fields that seem antagonistic but are part of the same fold:
the figure of the leader and the existence of symbols by which that leader is identified. Her work provokes in the viewer a sense of
strangeness and closeness to the nature of power and its forms. In her conceptual strategy, the contractual states transcend the
organization of the political, to subvert the hierarchical and almost inaccessible order; there, where the disciplining and surveillance of
society are structured. In this sense, she allows the community to go through the imagery and narrative of its experience. She offers
a bio-political conception of the self, where access to thought and action are fertile territory for the conception of new interactions at
the edges and confines of the space between the private and public domains of contemporary life.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2016 3a Bienal de Montevideo 2016 Mara Agustina Fernndez Raggio: 2016 Residencia en Galera Le point Fort, Estrasburgo 2011/5
Proyecto Antrtida: residencia en movimiento, CCE, Montevideo 2014 Residencia en movimiento, Montevideo - Antrtida, Antrtida 2014
56 Saln Nacional de Artes Visuales, MNAV, Montevideo 2014 Maria Gran Premio, 56 Saln Nacional de Artes Visuales, MNAV, Montevideo
Agustina Fernndez Raggio: Asumir, Galera SOA, Montevideo 2014
Premio Paul Czanne, MNAV 2012 Mara Agustina Fernndez Raggio:
Perros que gritan, rebeldes que ladran, Museo H. Cabildo, Montevideo

1
148

1 Proyecto comunin, 2014, Caramelo y palito plstico, 10 gs 5 Miniatura, banda presidencial, 2014, Bordado a mano y video 29:45,
2 5 retratos digitales, 2016, Vista de instalacin, III Bienal de Vista de instalacin, MNAV, Montevideo
Montevideo 6 Deriva, 2015-1016, leo sobre tela, 122 x 92 cm
3 Retrato de pas, 2014, leo sobre tela, 100 x 200 cm
4 Proyecto comunin, 2014, 33 chupetines de caramelo y palito
plstico, 10 gs c/u. Vista de instalacin, MNAV, Montevideo
4

6
150

Magela Ferrero
1966, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

El trabajo de Magela Ferrero propone una alianza entre lo que vemos y lo que no se ve como hilo conductor, viga, trama, combinatoria,
pivote y ascendente de los significados del presente. Transita entre el uso y el desuso del tiempo, entre lo dito y lo indito de los
sucesos, entre la seleccin de hechos y el descarte, pues sobre todos esos actos gira cada ensamblaje de imgenes, aliado a la ntima
asociacin que propone el tiempo como materia, como origen y como destino de la memoria. Los hechos de nuestra historia la que
protagonizamos tanto como la que hemos visto vivir a otros cambian su narracin en la medida que el cuerpo es afectado por los
sucesivos e incesantes descubrimientos, desdoblamientos, pliegues y despliegues que la afectividad y el instinto nos develan. Es por
ello que el presente convive con el pasado, as como habr de convivir con el futuro en ciernes. Es por ello, tambin, que una fotografa
guardada que se saca a luz despus de aos describe un paisaje diferente, vnculos diferentes y significados diferentes de los que
tuvo en el momento en que fue guardada. El contacto con la memoria nos sirve para generar restablecimientos de la representacin.
Quines somos, cmo contamos nuestras vidas, a quin pertenece la narracin de la historia que tuvimos, con cuntos colores,
de qu formas, en qu soporte llegaremos ms cerca de nosotros. En la bsqueda de estas incgnitas jugamos el juego de una
interioridad expuesta y compartida, por lo tanto, con los dems. Todo trabajo se inicia volcando las preguntas hacia lo individual,
pero su proceso humano lo transformar inevitablemente en un trabajo de exploracin plural. El intercambio nos expone a pruebas y
desvos que modifican el cuerpo de la entrega y lo hacen viajar desde el temor y sus posibles ocultamientos hacia la levedad y la fuerza
de la nada y el todo que cualquier tramo de vida posee y representa. El motivo de compartir procesos privados en espacios pblicos es
bsicamente el deseo de ejercer la conciencia de estar vivos. Es por esta razn que es expuesta la certidumbre y la duda, y es ese el
motivo tanto de contrastarnos como de hacernos uno, de distanciarnos para vernos, de identificarnos para no perdernos demasiado.
Poner un punto encima de una coma y aprender a nadar en la siguiente tentacin. Uno que precede y el otro que propone. Uno que
labra y el otro que juega. Uno que decide y el otro que reforma. Y as.

M.F.

Magela Ferreros work proposes an alliance between what we see and what cannot be seen as a guiding theme, a beam, a weave,
combinatorics, and upward pivot of the meanings of the present. She moves between the use and misuse of time, between the edited
and unedited aspects of events, including the selection and discarding of facts, as on all those acts rotates every assemblage of
images, allied to the intimate association proposed by time as matter, source and destination of memory. The facts of our history -the
one we lead as much as the one we have seen others live through- change their narration to the extent that the body is affected by
successive and incessant discoveries, splits, folds and unfoldings that affectivity and instinct reveal to us. That is why the present
coexists with the past and it will live with the future in the making. That is why a saved picture that is brought to light after several years
describes a different landscape, different relations and different meanings from those it had at the time it was saved. Contact with
memory helps us to generate re-establishments of the depiction: who we are, how we tell our lives, who owns the telling of the story we
lived through, with how many colors, in what ways, in which support will we come closer to ourselves.
In the pursuit of these unknowns, we play the game of an interiority that is exhibited and therefore shared with the others. Any work
starts by turning the questions towards the individual, but its human process will inevitably transform it into a plural exploration
experience. Exchange exposes us to tests and detours that change the body of the delivery and make it travel from fear and possible
concealments toward the levity and strength of the nothingness and everything that any stretch of life owns and represents. The
reason for sharing private processes in public spaces is basically the desire to exercise the awareness of being alive. It is for that
reason that certainty and doubt are exposed, and that is the reason both of contrasting with others and of becoming one, of distancing
ourselves to see ourselves, to identify ourselves in order not to lose ourselves too much. Putting a dot above a coma and learning to
swim in the next temptation. One preceding and the other proposing. One tilling and the other playing. One deciding and the other
reforming. And so on.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2014 Magela Ferrero:Linde, Centro Cultural Mrio Quintana, Porto 2016 FEFCA, MEC, Montevideo 2013 Fondo Concursable para la
Alegre 2011 54 a Bienal de Venecia 2011 Magela Ferrero: Personas que cultura, MEC, Montevideo
comen solas, CCE, Montevideo 2007 Magela Ferrero: Personas que
damos besos, Plataforma MEC, Montevideo 2003 Magela Ferrero: Ir
corriendo, Instituto Goethe, Montevideo 1991 Magela Ferrero: Recortes
de Palabras y Fotos, Foyer del Teatro del Notariado, Montevideo
1
152

1 American, 2011, Fotografa digital intervenida con ecoline, 110 x 110 cm 4 Todo lo que tengo para hacer en el mundo, 2003, Fotografa blanco y
2 Piedras en el camino, 2014, Piedras mnmicas, medidas variables negro, intervenida con tinta china, 10 x 15 cm
3 Querido, 2011, Fotografa digital, 40 x 60 cm 5 Berln , 2015, Fotografa digital intervenida con ecoline, 40 x 60 cm
4

5
154

Andrea Finkelstein
1967, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

Investiga y reflexiona sobre la herencia de identidades mltiples. La identidad como construccin permanente, la contraposicin
entre el yo y la masa, ser uno, la masificacin como prdida de s mismo, como confusin casi holocustica. Identidad y gnero,
identidad femenina, identidad en construccin, el individuo en su contexto, ser uno, ser grupo, ser. Identidad con nfasis en lo orgnico
y en el contexto donde se sita. El Paisaje como elaboracin mental a partir de lo que nos rodea, el medio fsico, la naturaleza, los
distintos objetos donde nos situamos a partir de lo que vivimos. Como algo que se construye cada segundo, que marca el devenir
de cada paso, de nuestro paso. Paisaje-Identidad: una construccin permanente. Lo orgnico, vivo, que crece, races de tiempo, de
ahora, que corta y da lugar, esencia y florecimiento, apenas s se tocan, se contraen, se desarman; sus pinchos, sus pas, sus pelos,
ahora s, sensuales, acarician, gritan, ajenos a las miradas, se mueven, se buscan, sus races de ser son algo vivo, estn all, cada hora,
cada instante, cada encuentro una nueva definicin; pretendes que sea como t, como aquel, como vos, como yo, y t qu esperas?,
un espejo que dibuje tu contorno, tu perfil? Estn ah, apenas s se tocan, se contraen, se quiebran, se disuelven, y esperan el sorbo
que les devuelva la calma, se despegan de esa masa gelatinosa que atrapa, que asfixia, queriendo ser uno, uno mismo y pinchan, para
defenderse, y acarician y bailan, porque es sensual

A.F.

She researches and reflects on the legacy of multiple identities. Identity as permanent construction, the contrast between the self and
the mass, being one, massification as loss of self, like an almost holocaustic confusion. Identity and gender, female identity, identity
under construction, the individual in their context, being one, being a group, being. Identity with an emphasis on the organic and in
the context where it is located. The Landscape as a mental elaboration of what surrounds us, the physical environment, nature, the
various objects where we find ourselves based on what we live. As something that is built every second, marking the evolution of each
step, of our step. Landscape-Identity, a permanent construction. The organic, living, growing being, roots of time, of now, that cuts and
gives room, essence and efflorescence. They barely touch, contract, disassemble, their spikes, their quills, their hairs, now sensual,
caress, shout, oblivious to the stares, move, seek each other, their roots of being are alive; they are there; every hour, every moment,
every encounter is a new definition; you want it to be like you, like that, like me, and what you do expect? A mirror to draw your outline,
your profile? They are there; they barely touch each other, they shrink, they break, they dissolve, and expect the sip that brings back
the calm; they peel off that gelatinous mass that cages them, smothers them, wanting to be one, oneself and they prick, to defend
themselves and they caress and dance because it is sensual....

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2014 2a Bienal de Montevideo, Montevideo 2013 Extensiones (o el fin 2004 Premio Adquisicin MEC-LATU, 51o Saln Nacional de Artes
de lo virtual), Subte, Montevideo 2008 Andrea Filkenstein: An llueve Visuales, MNAV, Montevideo 2002 Mencin honorfica, 50 Saln
en rojo, pjaros caen embriagados, Galerie-Atelier Losange, Grenoble Nacional de Artes visuales, MNAV, Montevideo
2006 52 Saln Nacional, MNAV, Montevideo 2000 Andrea Filkenstein:
Nobody calls me by my name, Subte, Montevideo 1999 2a Bienal del
Mercosur, Porto Alegre 1997 Andrea Filkenstein: Destino 1, Alianza
Francesa, Montevideo

1
156

1 Con -sumo cuidado- agua, 2004, Cermica con esmalte y alambre,
40 x 50 cm
2 Extensin del paisaje, 2015, Lpiz, tinta y pastel s/ papel siliconado,
45 x 60 cm c/u, Vista de instalacin
3 Figuras mviles, 2013, Porcelana fra, acrlicos, alambre y pigmentos,
45 x 50 cm, Detalle de instalacin
4 Nosotros mismos, 2002, Cermica con esmalte y alambre, 10 x 5 cm
c/u, Detalle de instalacin
5 De la periferia a la ciudad, 2007, Cermica esmaltada con alambre
y adhesivos, 5 x 2 cm c/u, 45 piezas, medidas variables, Detalle de
instalacin
6 Nobody calls me by my name, 1999, Cermica con esmalte y
alambre, 20 piezas, 70 x 40 x 35 cm c/u, Detalle de instalacin
4

6
158

Rita Fischer
1972, Young, vive actualmente en Montevideo

La dimensin del trabajo de Rita est fuertemente absorbida por un concepto central: la ambigedad. Esta pone a la artista en un
rol no signado por la voluntad de definir qu es lo verdadero por sobre lo falso, y desdibuja su papel del constructor de verdades
absolutas o arrogante precursor de sentidos. A partir de ah, la artista entrega al otro la responsabilidad de ejercer su propio camino,
un rumbo abierto a la multiplicidad de la obra. La vivencia surge y logra ocupar un lugar relevante, protagnico. Surge como otra de
las tantas intenciones sugeridas que se nos presentan al estar frente a la obra, a punto de caernos en ella. El poder vivirla desdibuja
el concepto de representacin, lo desplaza. La experiencia de la obra hace que la misma sea vivencia pura, puro acontecimiento,
sin antes ni despus y por tanto participacin activa del individuo, una vivencia ah, un ser-ah, como el Dsein heideggeriano. Una
vivencia inquieta de aquello que no puede ser definido, la inauguracin de estar en el mundo, arrojado en l. Cuando la ambigedad
aparece y la vivencia surge, la verdad no tiene ms opcin que dejarse ir. En este vaivn, Rita Fischer deja a su merced (la suya) la
posibilidad de descubrir no solo la obra, sino la posibilidad misma de existir en ella.

Rulfo

Estas imgenes seductoras nos colocan en un espacio y en una temporalidad indefinida, insinan en su capacidad evocadora
un acontecimiento que nunca se produce; lejos de vivir esa situacin como un trauma, nos dejamos abandonar por la voluptuosa
sensacin de deriva, de promesa susurrada, de permanente devenir. Como cuando cerramos los ojos y entramos al bosque.

Manuel Neves

The dimension of Ritas work of is strongly absorbed by a core concept: ambiguity. This places the artist in a role unburdened by
the willingness to define what is true over what is false, and blurs her role as a builder of absolute truths or an arrogant precursor of
meanings. On that basis, the artist delivers to the other the responsibility to exercise their own choice, an open path to the multiplicity
of the artwork. Experience emerges and takes an important, leading role. Experience emerges as one of the many suggested intentions
before us when faced with the artwork, on the brink of falling into it. Being able to live it blurs the concept of depiction; it displaces it.
The experience of the artwork transforms it into pure experience, pure happening without a before or an after and therefore with the
active participation of the individual, an experiencing there, a being-there, like the Heideggerian Dasein. A restless experience of what
cannot be defined: the inauguration of being in the world, thrown into it. When ambiguity arises and experience appears, truth has
no other choice but to let go. In this swing, Rita Fischer leaves at their mercy (of the viewer) the possibility of discovering not just the
artwork but the possibility of existing in it.

These seductive images place us in a space and in an indefinite temporality, they insinuate in their evocative capacity an event that
never occurs. Far from living the situation as a trauma, we allow ourselves to fall into abandon through the voluptuous sense of drift,
of whispered promise, of permanent becoming. Like when we close our eyes and we enter the forest.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2013 Rita Fischer: Ningn Lugar, MNAV, Montevideo, Uruguay 2009 2012 Beca FEFCA, MEC, Montevideo 2005 Saln Montrouge,
Rita Fischer: Deriva, Galera Jeune Cration, Pars, Francia 2008 Montrouge 2000 Premio Paul Czanne, Embajada de Francia en
Rita Fischer: Horizonte, Sala MEC, Ministerio de Educacin y Cultura, Uruguay, Montevideo 2000 Premio Internacional Mercosur, ArteBA,
Montevideo, Uruguay 2014 2da. Bienal de Montevideo, BROU, Buenos aires
Montevideo 2001 Rita Fischer: Red, Galera la Serre, Escuela de Bellas
Artes, Saint Etienne, Francia 1999 2a Bienal del Mercosur, Porto Alegre
1
160

3 4

1 Ningn Lugar, 2013, Alambre, madera, acrlico s/papel, Vista de
instalacin, MNAV, 800 x 600 x 200 cm
2 Ningn Lugar, 2013, Alambre, madera, acrlico s/papel, Vista de
instalacin, MNAV, 300 x 150 x 300 cm
3 S/T, 2013, Tinta y acrlico sobre tela, collage, tela transparente,
ensamblaje en caja, 175 x 145 x 9 cm
4 S/T, 2013, Tinta y acrlico s/tela, collage, tela transparente,
ensamblaje en caja, 175 x 145 x 9 cm
5 S/T, 2013, Tmpera s/papel, 30 x 20 cm
6 S/T, 2013, Tmpera s/papel, 30 x 20 cm
 5

6
162

Florencia Flanagan/florf
1968, Montevideo, vive actualmente en El Pinar

En mi produccin, desde el inicio, hay un hilo conductor: los vnculos, los afectos y las preguntas sobre el tiempo. La necesidad de
conectar la dimensin espiritual e intangible de la existencia con la dimensin material y cotidiana. Desde lo formal, vengo del dibujo
y el collage, lo que implica pensar desde una mano que mira, un ojo que delinea, un cuerpo que mancha. Desde ah me he expandido a
instalar las obras en el espacio, a intervenir objetos, a intentar captar el tiempo en video, a poner el cuerpo en performance, y a incluir
el uso de todos los sentidos en la obra. La textilidad me llega como una flecha entre dos acontecimientos definitivos y sucesivos
de mi vida. Y record que la tela es nuestra segunda piel, que tiene muchas funciones: abrigarnos, identificarnos, conocernos y
reconocernos, entre nosotros y los otros. Me conecta, por un lado, con las mujeres de mi familia y un largo linaje de mujeres artistas, y
por el otro, con el concepto de trama; con la necesidad de dejar caer los velos que nos hacen creer que estamos solos para pensarnos,
sentirnos y crearnos como seres singulares y en relacin, en busca de otros modos del tiempo y de la existencia. Y as, dejar de creer
en que los objetos modificarn nuestra vida, o que los tiempos que vendrn sern los mejores. Ampliar nuestra mirada, comenzar
a trascender la lgica dualista, el tiempo lineal y cronolgico, y, amorosamente, tejer otro tipo de experiencias, de encuentros. Ser
conscientes y responsables de que nuestro aporte, como hebra de la trama, incide en el todo que tejemos y nos teje continuamente.
Ocupar de la mejor manera nuestro lugar nico y sagrado en el respeto a la diferencia. Y hacernos cargo. Est claro que la tarea est
llena de obstculos, pero el compromiso es no dejar de intentar, pues como es adentro, es afuera, y viceversa.

Hilo Conductor, F.F.

In my production, from the beginning, there has been a guiding thread: relations, affections, and questions about time. The need to
connect the spiritual and intangible dimension of existence with the material and everyday dimension. Formally, I come from drawing
and collage, which involve thinking using a looking hand, a delineating eye, a body that stains. From there, I have expanded into the
installation of the artworks in space, to object intervention, to trying to capture time on video, to using my body in performance, and
to including the use of all senses in the artwork. Textility hit me like an arrow between two successive and definitory events of my life.
And I realized that fabric is our second skin, which has many functions: keeping us warm, helping us identify, know and recognize
each other and ourselves. It connects me, on the one hand, with the women in my family and a long line of women artists, and on the
other, with the concept of the weave; the need to drop the veils that make us believe that we are alone, and start thinking of, feeling
and creating ourselves both as individuals and relational beings, looking for other modes of time and existence. And thus, we can stop
believing that objects will change our lives, or that future times will be the best. [We can] expand our sight, begin to transcend the
dualistic logic, linear and chronological time, and lovingly knit other experiences and reunions. We become aware and responsible for
our contribution as a strand of the weave affects the whole that we are continually weaving and are woven by. We take in the best way
our unique and sacred place with respect for difference. And we take responsibility. It is clear that the task is full of obstacles, but the
commitment is to not stop trying because as within, so without, and vice versa.

Guiding Thread

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2016 Esbozos Intangibles, Subte, Montevideo 2014 Florencia Flanagan
/ florf: Tejer el manto, MNAV, Montevideo 2012 Florencia Flanagan /
florf: Tiempos de trama, Dodec, Montevideo, Casa de la Cultura de
Maldonado, Museo Regional de San Carlos, Centro Cultural La Paloma,
Maldonado, San Carlos, La Paloma 2001 2a Bienal de Lima 1997 1a
Bienal del Mercosur, Porto Alegre 1995 Florencia Flanagan/florf:
Montevideo, Alianza Francesa, Montevideo
2011 Residencia artstica Sala_Taller, EAC, Montevideo 2001 Premio
proyecto intervencin, 49 Saln Nacional, MNAV, Montevideo 1999
Premio adquisicin, Saln Municipal, Subte, Montevideo 1993 Primer
Premio Paul Czanne, Embajada de Francia en Uruguay, Museo J.M.
Blanes, Montevideo
1
164

2 3

1 Mapa emocional (Serie Mapas). En 30 Aos de un taller, 2001,
Intervencin sobre pared, dibujo del cuerpo de la artista a lpiz,
espejos, 260 x 200 cm, Fundacin Buquebus, Montevideo.
2 Tejer el manto (Performance), 2014, MNAV, Montevideo
3 Tejer el manto (Manto completo), 2011/16, Obra en proceso, 900 x
450 cm, realizada en MNAV, Montevideo; La Sociedad de Fomento
de Arenales, Canelones; Teatro Macci, San Jos.
4 Tejer el manto (Manto personal), 2011, Collage textil, objetos, cartas,
60 x 60 cm
5 Univocidad Serie Pensamiento en imagen, 2008/9, Ilustracin
digital, impresin en tela de camo, bordado, 29,5 x 21 cm
6 El Viaje (Serie Mapas), 2001, Proyecto de intervencin, cartulina
plegada, vinilo, troquelado metlico, 240 x 400 cm, MNAV,
Montevideo
 4

Lmina 6. Proyecto premiado en el 49 Saln Nacional para ser realizado 5

en el MNAV que no lleg a efectuarse. Se trataba de una obra con dos
ejes. El primero el mapa-matriz colgado en la pared que hace referencia
a 53 ciudades de todo el mundo de distintas pocas de la humanidad,
cada una de las cuales iba acompaada de una fecha u horario,
trascendiendo tiempo y espacio. Cada ciudad estaba sealizada
por un troquel metlico. El segundo eje eran 53 objetos intervenidos,
distribuidos por todo el museo, obtenidos en un intercambio con el
personal, acompaados de uno de los nombres, fechas u horas que
corresponde a cada ciudad del mapa.

6
166

Diego Focaccio
1967, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

Kio: Pap, un polica persigue a un ladrn; quin es el malo?

Diego: El ladrn?
Kio: No. El chiste.

En este largo tiempo dual, hoy, de extremismos exacerbados y antagonismos alentados y alimentados, la velocidad, esa constante
moderna, tan aceleradamente contempornea, ya no solo es exigencia ineluctable de este descendente mundo, sino, quizs, la
posibilidad de nuestro intangible destino final. Desde este escenario, frecuentemente distpico, mi inters contina la actitud y el
legado de aquellos que van tras sus ms certeros anlisis, sus mejores pensamientos y sus ms logradas ideas, con el fin o la fantasa
de permear su tiempo de algunos pequeos brotes que puedan crecer y prosperar. A fin de cuentas, desde que tengo memoria,
siempre me ha interesado la luz.

D.F.

- Kio: Dad, a cop is chasing a thief, which is vile?

- Diego: The thief?
- Kio: No. The joke.

In this long dual time, nowadays, of exacerbated extremisms and encouraged and fed antagonisms, speed, this modern constant, so
acceleratedly contemporary, is not only an inevitable requirement of this downfalling world but perhaps the possibility of our intangible
final destination. Based on this scenario, often dystopian, my interest continues the attitude and the legacy of those who go after their
most accurate analysis, their best thoughts and their most successful ideas for the purpose or the fantasy of permeating their time
with some small buds that may grow and prosper. After all, as long as I can remember, I have always been interested in light.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2015 Nicols Branca, Diego Focaccio, Matas Nin, INNOVA Espacio de
Arte, Punta del Este 2013 Sur-Sul Arte, Memorial do Rio Grande do Sul,
Rio Grande do Sul 2012 Diego Focaccio: RAPSODIA ENTERTAINMENT _
Complejo Turstico , Museo Gurvich, Montevideo 2012 Till Fashion
Do Us Part | Enlaces a un mundo finito, CCE, Buenos Aires 2010 Diego
Focaccio: IDEOLOGA DE LAS MASAS. Poder Y Consumo En La Escena
Global. Protocolo poblacional, EAC, Montevideo 2007 Diego Focaccio:
BREAK. Intervencin Pblica. Una obra de arte, Centro MEC, Montevideo
2016 57 Premio Nacional de Artes Visuales Octavio Podest, MNAV,
Montevideo 2010 54 Premio Nacional de Artes Visuales Carmelo
Arden Quin, MNAV, Montevideo 2010 Premio a la Buena Prctica de
Enfoque Sociocultural, por MEN LTEX, UNESCO Sector Cultura,
Montevideo 2012 2009 2006 Fondo Concursable para la Cultura,
Direccin Nacional de Cultura, MEC, Montevideo

1
168
1 CAPITALES EN EL MUNDO. Mi discurso es tu deseo, me segus?
(Detalle), 2010, Investigacin web. Selfies y nombres de usuario en
perfiles del sitio web de redes sociales Facebook. Tipografa Klavika,
Impresin digital de imagen web con procesos de produccin
tecnogrficos digitales, 70 x 90 cm
2 FEar (perdidos en el tiempo), 2014, Libro intervenido, Incisiones
sobre papel y cartn. Publicacin Coleccin Bibliothque Nationale
de France, Fundaci Caixa Catalunya, 293 pginas, 29 x 24,5 cm
3 Time Lapse (Google maps series), 2015, Plegable, impresin en
papel, captura de pantalla, 14 x 25 cm
4 MARCO PARA UN MVIL. Plaza Mad. Un Tributo a Rhod Rothfuss,
2006, Plaza Conmemorativa del 60 Aniversario del Arte Mad.
Intervencin y construccin permanente en el Patio de Recreos.
Hormign, ladrillos, pintura de alto impacto, csped, rbol nativo
Araz. Escuela N 21 Alemania, Montevideo, medidas variables
4
170

Fernando Foglino
1976, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

Alguna vez Jacqueline Lacasa escribi: Fernando Foglino activa la nostalgia como espacio que revitaliza las percepciones de un
mundo posible; con ojo crtico revela los estados por los que transitan los elementos cotidianos que se transforman en referentes de
una forma de vida pblica y privada. Logra una genealoga cercana sobre los elementos transitorios de la historia y con ellos atraviesa
el mundo para poder materializar una metfora que accione y renueve el mensaje. Este artista, desde su primer ordenador Amstrad
CPC-464 experimenta con la informtica, acompaando el vertiginoso avance de la tecnologa desde el Atari y la Tv B&N de los 80s.
Una huelga de tiempo indeterminado en la Facultad de Arquitectura lo empuja a encontrar una pasin an no vislumbrada al estudiar
literatura y poesa latinoamericana en la Casa de la Cultura. En el intencionado cruce entre el paraguas y la mquina de coser es donde
encuentra asidero su obra, siempre intentando combinar la aparente frialdad de lo digital con la, a veces, encendida poesa, lo viejo
con lo nuevo, la nostalgia y lo vetusto, manifestando su enojo ante aquello que las manos descartan.

F.F.

Sometime ago Jacqueline Lacasa wrote Fernando Foglino activates nostalgia as a space that revitalizes the perceptions of a possible
world; with a critical eye, he reveals the states undergone by everyday elements to become the benchmarks of a form of public and
private life. He achieves a close genealogy of the transient components of history, traversing the world with them to materialize a
metaphor that activates and renews the message. This artist has experimented with informatics since he had his first computer, an
Amstrad CPC-464, accompanying the vertiginous developments of technology since the Atari and Black and White TVs of the 80s.
A strike of undetermined length at the Faculty of Architecture pushed him to find a passion not glimpsed until the start of a course
on Latin-American literature and poetry at the Casa de la Cultura (Cultural Center). The deliberate exchange between the umbrella
and the sewing machine is where his work finds its grounding, always trying to combine the apparent coldness of the digital with an
(at times) ardent poetry, the old with the new, the nostalgic and the ancient, expressing his anger towards what the hands discarded.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2016 3a Bienal de Montevideo 2016 Silk Road International Art Exhibition,
Xian, China 2016 Premio Mercosur de Artes, EAC, Montevideo 2016
Latin America & Caribbean Artist in Exhibition, China Millenium Center,
Beijing 2015 Fernando Foglino: Relaciones Bi-Laterales, Museo Figari
Intemperie, Montevideo 2014 Fernando Foglino: Herencia Blanes, Centro
Cultural Recoleta - Fase 6.0, Buenos Aires
2016 Premio Mercosur de Artes visuales, Mercosur Cultural, EAC,
Montevideo 2015 Fondos Concursables Artes visuales, MEC,
Montevideo 2015 1er Premio convocatoria Intemperie, Museo Figari,
Montevideo 2012 2 Premio, Premio Beca Paul Czanne, Montevideo
2009 Premio Beca Instituto Goethe, 53 Premio Nacional de Artes
Visuales, MNAV, Montevideo
1
172

1 El Entierro, 2016, Vista de instalacin, 3 a Bienal de Montevideo, 4 El verdadero significado del amor, 2013, Detalle de instalacin, EAC,
medidas variables Montevideo, medidas variables
2 Dance me to the end of Love, 2016, Video, Silk Road International Art, 5 Un aplauso para Jos, un hombre de accin, 2011, Detalle de
Xian, China, 154 instalacin, MNAV, Montevideo, Variables
3 Relaciones Bilaterales, 2015, Instalacin, Museo Figari, Montevideo, 6 Herencia Blanes, 2014, Instalacin, Centro Cultural Recoleta, Buenos
230 x 125 x 70 cms. Aires, medidas variables
 4

6
174

Daniel Gallo
1948, Las Piedras, vive actualmente en Las Piedras

Est bastante difundida la creencia de que los artistas, cuando trabajan con objetos cotidianos, los resignifican. Esta creencia es
a mi juicio inexacta, dado que en definitiva, quien hace la operacin de darle un nuevo significado a este objeto es el espectador.
En ese sentido, podramos decir que el artista lo que realiza con los objetos con los que trabaja es ms bien una designificacin,
o sea que, al sacar al objeto de su entorno habitual, le quita su significado original y lo deja limpio de significados, pronto para
ser rellenado de nuevos significados, nuevas interpretaciones dadas por quienes lo observan. En la medida en que el artista logra
presentarnos artefactos que nos invitan a elaborar mltiples interpretaciones es que llegamos a generar procesos de circulacin de
sentido enriquecedores del acto de mirar e interpretar. En el trabajo de Daniel Gallo estos conceptos estn muy presentes, dado que
los elementos cotidianos con los que elabora sus obras no son objeto de grandes transformaciones o intervenciones. En general, Gallo
busca crear un contexto en las caractersticas estticas de estos objetos encontrados, que funcione como disparador de las diversas
lecturas a las que me refera antes. La belleza de estas piezas opera como elemento de seduccin potica y nos invita a entrar y a
formar parte de la trama de sentido que se teje en torno a ellas.

Designificacin, Santiago Tavella

The belief that artists resignify everyday objects when they work with them is fairly widespread. This belief is inaccurate in my opinion,
because ultimately it is the viewer who performs the operation of giving a new meaning to the object. In that regard, we could say that
what an artist does with the objects they work with is rather a designification, that is, by removing the object from its usual environment,
they remove its original meaning and leave it meaning-free, ready to be filled with new meanings, new interpretations given by those
who observe it. To the extent that the artist manages to introduce artifacts that invite us to develop multiple interpretations, we
generate processes of circulation of meaning that enrich the act of looking and interpreting. In the work of Daniel Gallo, these concepts
are clearly present, since the everyday elements that he uses to make his artworks are not subject to major changes or interventions.
Overall, Gallo seeks to create a context in the aesthetic characteristics of those found objects that will function as a trigger for the
various readings I mentioned earlier. The beauty of these pieces operates as an element of poetic seduction and invites us to enter and
become part of the fabric of meaning that is woven around them.

Reformulating Meaning

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2015/6 Daniel Gallo:Tiempo, Museo H. Cabildo, Montevideo 2014 56
Premio Nacional de Artes Visuales, MNAV, Montevideo 2011 Daniel
Gallo:Designificacin, Subte, Montevideo 2009 Arte Contemporneo
Uruguayo, Subte, Montevideo 2008 Daniel Gallo:Potica de los Objetos,
Alianza Francesa, Montevideo 2006 Daniel Gallo:Instrumentario,
Instituto Goethe, Montevideo
1988 Lo mejor del ao 1987 en instalaciones, AICA, Montevideo 1986
Premio Pinturas INCA (Almanaque 1987), Subte, Montevideo 1983
1 Premio Saln Nacional, MNAV, Maldonado 1978 1 Premio Saln
Departamental, Canelones, Las Piedras
1
176

1 Camisa a cuadros, 2010, Tcnica mixta, 76, 5 x 51 cm 5 Aos de vida (detalle), 2014, Tcnica mixta, 73,5 x 160, 5 x 73
2 Ex trozador, 2008, Tcnica mixta, 100 x 200 cm 6 Rodillo gigante, 2011, Medidas variables, Vista de instalacin, Subte,
3 Crculos y cuadrados 2, 2013, Tcnica mixta, 61 x 61 cm Montevideo
4 El mango de Palmar, 2010, Tcnica mixta, 30 x 128 cm
4

6
178

lvaro Gelabert
1964, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

soy el laberinto de knossos. soy la greca. el monstruo por los cuatro lados. atraves el fuego para tocar tus ojos. trep escaleras de
polvo. viv en caja de humo. fui papel moneda. cliz. terraza sobre el vaco. ser nio. cofre. pedernal. ser un objeto intil y precioso.
no tendr nunca boca. me pondrs un nombre.

Pablo Thiago Rocca

i am the labyrinth of knossos. i am the fretwork. the monster on the four sides. i went through the fire to touch your eyes. i climbed stairs
of dust. i lived in a box of smoke. i was paper money. chalice. balcony over the void. i will be a child. coffer. flint. i will be a useless and
precious object. i will never have a mouth. you will give me a name.

Exposiciones Seleccionadas
2014 lvaro Gelabert: Tableros, Galera del Paseo, Manantiales 2012
lvaro Gelabert: Caramelo de menta, Galera del Paseo, Manantiales
2006 lvaro Gelabert: Frgil, Galera Marte Upmarket, Montevideo
2004 lvaro Gelabert: Ilustre desconocido, World Trade Center,
Montevideo 2003 lvaro Gelabert: P/A, Molino de Prez, Montevideo
2002 lvaro Gelabert: Capica, Galera del Paseo, Montevideo 2000
lvaro Gelabert: cm, Alianza Cultural Uruguay-Estados Unidos,
Montevideo 1998 lvaro Gelabert: Mosaicorrompecabezas, Instituto
Goethe, Montevideo
1
180
1 Provisorio permanente (de la serie cm), 2006, Cartn, papeles, lija,
madera pintada, tubos 17 x 17 x 17 cm
2 Unidos para siempre (de la serie cm), 2008, Cartn, papeles, lija,
mostacillas, pelos, Cubos 17 x 17 x 17 cm
3 S/T (de la serie Vitreoglifos), 2011, Ladrillos de vidrio grabados con
lser, 19 x 19 x 8 cm
4 Me quiere no me quiere (de la serie Mosaicorrompecabezas), 2001,
Collage, papel, 42 x 44 cm
5 Cero a la izquierda (de la serie Mosaicorrompecabezas), 2008,
Collage, papel, 43 x 33 cm
6 Frgil (de la serie cm), 2011, Cartn, papeles, lija, vidrio, Cubos de
33, 9 y 11 cm
 4 5

6
182

Alfredo Ghierra
1968, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

Cuando decimos que un pensamiento, una palabra o una imagen nos toca, lo que intentamos transmitir es la experiencia fsica que
esos acontecimientos provocan no solo en nuestro espritu sino en nuestra completa existencia material y sangunea. Eso ocurre
porque, efectivamente, esas palabras, esas imgenes o esos pensamientos contienen tal verdad dentro de s que trascienden las
ureas coordenadas del intelecto y asumen una entidad corprea con la que nos tocan, nos atraen, nos llevan lejos. Cuando se
conoce a Alfredo, espontneamente comienza uno a preguntarse desde qu lugar, en qu momento, con cules rganos internos
cristaliza al borde de su mano, el universo binario de puntos vacos y llenos que proyecta frente a su mirada la ciudad interior. Si el
tiempo es el cambio en el estado de las cosas, este cuerpo de obra tiene la virtud de desdoblar y extender esa substancia en todas
las direcciones que nos sea dado concebir, pues tras la infinitesimal secuencia de puertas y ventanas, cpulas y palcos donde el
nunca es siempre una utopa redimida, existe la mano de un hombre germinando mundos enterrados, ignorados, o desamados por la
facilidad. Hay un mundo diurno todopoderoso y recto, y hay tambin la noche de la luz donde las posibilidades emergen hacia adentro
o se hunden en el aire. Serenos laberintos donde los placeres de la imaginacin no tienen reglas ni temores, sino actos y vegetacin,
tmidos conos de granito, mrmoles de algodn y estrellas pendulares, como sueos apenas concebidos que an no deciden de
qu lado del papel echarn vuelo. Vale bajar la guardia delante de estos mundos, memoria de otros mundos nuestros, porque tienen
ms habitaciones, ms curvas y ms abismos que la primera prxima palabra que acabamos de evocar. Entreguemos nuestros ojos
entonces, lo que dure la contemplacin de estas ciudades, a la mitad ingobernable que vive all.

Magela Ferrero

When we say that a thought, a word or an image touches us, what we try to convey is the physical experience that these events
cause not only in our spirit but also in our entire material and sanguineous existence. That is because, in fact, those words, those
images or those thoughts contain such truth within themselves that they transcend the golden coordinates of intellect and assume
a corporeal entity with which they touch us, attract us, take us away. When you meet Alfredo, you spontaneously begin to wonder
from which place, at what time, with which internal organs he crystallizes at the edge of his hand, the binary universe of empty and full
dots projected in front of his eyes the inner city. If time is the change in the state of things, this body of work has the virtue of unfolding
and extending that substance in all the directions we are given to conceive, because behind the infinitesimal sequence of doors and
windows, domes and boxes where never is always a redeemed utopia, there is the hand of a man germinating worlds that are buried,
ignored, or de-loved by comfort. There is a powerful and straight diurnal world, and there is also the night of light where possibilities
emerge inwards or sink into the air. Serene mazes where the pleasures of imagination have no rules nor fear, but instead acts and
vegetation, timid cones of granite, cotton marble, and pendulous stars, as barely conceived dreams that have not yet decided which
side of the paper they will take flight from. It is worth letting your guard down in front of these worlds, that are the memory of other
worlds of ours, because they have more rooms, more curves and more abysses than the first next word we have just evoqued. Lets
lend our gaze, then, for the duration of the contemplation of these cities, to the ungovernable half living there.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2015 Alfredo Ghierra: Ghierra Intendente, CCE, Montevideo 2006
Alfredo Ghierra: El Jardn de Boris, Instituto Goethe, Montevideo 2002
Alfredo Ghierra: Dibujos, Espacio Cultural Renato Russo, Brasilia 2000
VIII Bienal de primavera, Salto 1998 Alfredo Ghierra: Obras, Palais de
Glace, Buenos Aires 1996 Alfredo Ghierra: Postales de Montevideo,
Galera del Notariado, Montevideo
2016 Mencin especial en la 5 a Bienal Iberoamericana de diseo para
el proyecto Ghierra Intendente, Fundacin Diseo Madrid (DIMAD),
Madrid 1998 Premio Trazo, VII Bienal de Salto, Salto 1997 Premio para
plsticos jvenes, Ministerio de Relaciones Exteriores, Montevideo
1996 Premio Cmara de Representantes, VI Bienal de Salto
1
184

1 La Tacita de plata, 1996, Grafito y tinta sobre papel, 61 x 41 cm
2 El jardn de Boris, 2006, Ensamble de objetos, 98 x 36 cm
3 Amor transatlntico, dirigible amor (Realizador de la animacin),
2005, Fotografa digital del proceso de dibujo, estudio de la
productora Milagrito films, Video 6 min
4 El futuro es verde, 2015, Grafito sobre papel, 150 x 170 cm
5 Ghierra Intendente 2015, 2015, Fotografa, portada para redes
sociales
 4

5
186

Gerardo Goldwasser
1961, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

A primera vista, las obras que conforman el ltimo cuerpo de trabajo de Gerardo Goldwasser parecen simplemente una serie de
dibujos en relieve, de composiciones abstractas. De impecable factura, son mucho ms complejas que eso. Estos papeles gofrados,
marcados con la tcnica de pre-confeccin propia de la sastrera1, estn inspirados en la acumulacin de los moldes que los sastres
cuelgan en las paredes de sus talleres, de un clavo, de cualquier modo y sin ningn orden. Cada dibujo gofrado contiene la cantidad de
moldes que se necesitan para la confeccin de un uniforme militar. Son abstracciones de uniformes potenciales. Estn detenidos en
el tiempo, en su intencionalidad apenas sugerida conceptualmente. Recuerdan la idea de Hegel que expresa que la semilla contiene
en s al rbol que ser. La obra de Goldwasser est vinculada a una experiencia familiar muy particular: su abuelo, que era sastre, logr
sobrevivir al campo de concentracin Buchenwald, gracias a que pudo ser til en la fabricacin de uniformes militares. Tal es el caso,
por ejemplo, de los Tablones del venezolano Jos Gabriel Fernndez, basados en el corte del patrn de confeccin de la capa de brega
que se utiliza en la tauromaquia espaola, y de la serie de fotografas titulada Corte de florero, del colombiano Juan Manuel Echevarra,
en las que reflexiona sobre la violencia extrema que sufre su pas a partir de imgenes que parecen delicados dibujos botnicos
de flores exticas de singular belleza, pero que estn hechas con huesos tomados de fosas comunes en pueblos arrasados por la
guerrilla. En los tres casos, estas obras, cuya aparente fragilidad contrasta con lo srdido de la violencia que las inspir por oposicin,
otorgan un valor nico a la experiencia esttica per se. Terminan construyendo un significado que est ms all de la forma y de su
origen, y que remite a referencias conscientes o inconscientes que forman parte de nuestra realidad.

1. Esta tcnica consiste en marcar la tela con un crayn especial para dibujar la forma a partir de la cual se corta el molde de papel.

Marina Wecksler

At first glance, the artworks that make up the last body of work by Gerardo Goldwasser seem just a series of drawings in relief, of abstract
compositions. Impeccably made, they are much more complex than that. These embossed papers, tagged with the technique of
pre-preparation proper of tailoring1, are inspired by the accumulation of molds that tailors hang on the walls of their shops, from a
nail, at random, without any order. Each embossed pattern contains the number of molds needed to make a military uniform. They are
abstractions of potential uniforms. They are suspended in time, with an intentionality that is just conceptually suggested. They remind
us of Hegels idea which states that the seed contains the tree itself waiting to be actualized. Goldwassers work is linked to a family
experience: his grandfather, who was a tailor, survived the Buchenwald concentration camp because he helped manufacture military
uniforms. This is the case, for example, with Tablones (Boards) by Venezuelan artist Jos Gabriel Fernndez, which are based on the
cutting patterns for the short cape used in the opening ceremony of Spanish bullfighting, and with the series of photographs titled
Corte de Florero (Flower Vase Cut) by the Colombian artist Jos Manuel Echevarra, in which he reflects the extreme violence his country
suffers through images that seem delicate botanical designs of exotic flowers of singular beauty but are made with bones taken from
NN graves in towns ravaged by the guerrilla. In all three cases these artworks, whose apparent fragility contrasts by opposition with the
sordid violence that inspired them, lend through contrast a unique value to the aesthetic experience per se. They construct a meaning
that is beyond shape and origin, and which relates to conscious or unconscious references that are part of our reality.

Note 1. This technique consists of marking cloth with a special crayon used to draw shapes after which the paper mold is cut.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2016 Gerardo Goldwasser: Fotografias, objetos y dibujos. Galera 2001 The Pollock-Krasner Foundation grant, Nueva York 1995
del Paseo, Manantiales 2013 I Bienal del Sur, Panam 2010 Gerardo Residencia Atelier Internationale du FRAC Pays de la Loire, Nantes
Goldwasser: Repeat to me, Museo J.M. Blanes, Montevideo 2007 IX
Bienal de Cuenca 2000 II Bienal de Grabado del Mercosur 1997 6 a
Bienal de la Habana 1997 1a Bienal del Mercosur 1994 II Bienal Vento
Sul, Curitiba
1
188

1 Marcados, 2010/6, Marcas sobre papel, 120 x 81 cm 4 El saludo, 2000/15, Fotografa blanco y negro, 54 x 54 cm
2 Encimados, 2014, Tinta s/papel plegado y superpuesto 90 x 60 cm 5 Medidas rgidas, 2014, Madera y barniz, 100 cm
3 Brillantes, 2015/6, Papel autoadhesivo transparente s/papel, 6 Guio, 2010, 85 mangas confeccionadas en fieltro, 1400 cm, Vista
18 x 25 cm c/u de instalacin, Museo J.M Blanes, Montevideo
 5

6
190

Haroldo Gonzlez
1941, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

(...) Haroldo Gonzlez, de temperamento calmo y reflexivo, ha mantenido hasta hoy un perfil bajo, despreocupado en desfilar por la
pasarela de colegas estelares catapultados por los medios o las galeras. Se entretuvo, con feliz acierto, en la rutilancia de la figuracin
pop. () Si al principio y para dominar los cdigos, tante el cubismo, muy pronto adquiri la soltura para hacer de la lnea y los planos
de color saturado, los elementos plsticos que lo aproximaran al pop con frescura y dinamismo, incorporando el collage en recortes
referidos a conos cinematogrficos dentro de una figuracin que optimizaba la crepitante realidad. () La modalidad serial ser una de
las caractersticas de Haroldo Gonzlez. La otra, la que le signar su estilo, un rasgo distintivo e identificable, la composicin dividida
en dos partes, hacia la derecha e izquierda o arriba y abajo. Ese dualismo plstico significa tambin un desdoblamiento conceptual, la
biparticin unitaria. () A principios del 70, adquiere la profundidad expresiva en la serie ms fermental de su imaginacin, al exponer
() la ms activa serie en potenciar la vanguardia. El artista supo conciliar tres corrientes: el pop, el minimalismo y el conceptualismo, en
una singular estructura, regida por la medida urea. () Los nuevos recursos utilizados en las artes visuales (el collage, la fotografa, el
video) se adecuaban a la tnica conceptual del artista. Dibujo en 5 Lecciones, 1972, es una de las obras referenciales de su produccin.
() Haroldo Gonzlez retoma con fuerza el empleo de la fotografa sustituyendo al acto pictrico, pero manteniendo la divisin del
cuadro. () Indicios y Evidencias (2005) cuenta una historia sobre el secuestro de un artista, () invitando a la participacin del pblico
a investigar sobre lo sucedido. La muestra cont con ambientacin sonora. () Un caso extrao de coherencia a lo largo de toda una
vida y que no suele suceder en artistas nacionales proclives a aceptar cambios y mudanzas estticas. Haroldo Gonzlez con rara
lucidez mantuvo una lnea muy firme, siempre cuestionadora de los sistemas establecidos y de compromiso con lo inmediato, aunque
siempre de manera oblicua y casi secreta.

Nelson Di Maggio

(...) Haroldo Gonzlez, with his calm and reflexive temperament has kept until today a low profile, not attracted by the runways walked
by stellar colleagues catapulted by the media or art galleries. He has stayed, quite rightly, within the brightness of Pop figuration ()
If at first the artist flirted with Cubism to master its codes, he soon acquired the fluidity to make lines and saturated color planes, the
plastic elements that would bring him closer to pop culture with freshness and dynamism, incorporating collage to cutouts referring
to film icons within a figuration that optimized a vibrant reality. () The modality of serial work is one of the characteristics of Haroldo
Gonzlez. The other one, the one that will seal his style as a distinctive and identifiable feature, is a composition divided in two parts,
right to left or upwards and downwards. This plastic dualism also signifies a conceptual folding, a unitary partition. () In the early 70s
he acquired expressive depth in his most imaginative series, when he exhibited () the series that most actively potentiated vanguard.
The artist reconciled three trends: Pop, Minimalism and Conceptualism in a singular structure governed by the golden ratio. () The
new resources used in visual arts (collage, photography and video) were in line with the conceptual dynamics of the artist. Dibujo en
5 Lecciones (Drawing in 5 Lessons) from 1972 is one of the referential works within his production. () Haroldo Gonzlez returned with
force to the use of photography as a substitute to the pictorial act, but still has kept the division of the picture. (). Indicios y Evidencias
(Clues and Evidences) (2005) tells the story of the kidnapping of an artist, () inviting the audience to investigate what happened. The
exhibition featured a sound track. () A strange case of consistency throughout a lifetime, something unusual among national artists
prone to accepting changes and aesthetic variations, Haroldo Gonzlez has maintained, with rare lucidity, a very firm line that has
questioned the establishment while being committed with the immediate. However, he has done so in an oblique and almost secret way.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2011 Sistemas, acciones y procesos, Fundacin PROA, Buenos Aires 2015 Jurado del XX Premio Figari, Museo Figari, Montevideo 2007
2010 Haroldo Gonzlez: Aperturas, Centro Cultural Dodec, Montevideo Premio Figari, Museo Figari, Montevideo 1969 2do Premio, Concurso
2006 Haroldo Gonzlez: Reflejos en cmara lenta, Centro Cultural Mural Victoria Plaza Hotel, Montevideo 1966 Saln de Poesa Ilustrada,
Dodec, Montevideo 2005 Haroldo Gonzlez: Indicios y Evidencias Feria de Libros y Grabados, Montevideo
(Muestra interactiva), Subte, Montevideo 1972 Haroldo Gonzlez: Dibujo
en 5 lecciones, Galera de Arte U, Montevideo 1968 Haroldo Gonzlez:
En que mundo vive usted?, Galera de Arte U, Montevideo
1
192

1 Bomba de accin retardada, 2005, Fotografa a negativo entero, 4 Pulsador inico, 2005, Fotografa a negativo entero,
60 x 90 cm 60 x 90 cm
2 Bomba-trampa cazabobos, 2005, Fotografa a negativo entero, 5 Crculo de pasta caucasiano, 2005, Fotografa a negativo entero,
60 x 90 cm 60 x 90 cm
3 Antena fsil interceptora, 2005, Fotografa a negativo entero,
60 x 90 cm
5

6
194

Alejandra Gonzlez Soca

1973, Maldonado, vive actualmente en Montevideo

La obra de Alejandra Gonzlez Soca se presenta ante nosotros como el resultado de una tensin entre lo nico e irrepetible del gesto
efmero y la aparente dispersin del objeto multiplicado, materializado en una polifnica integracin de elementos y registros. En este
sentido, la artista elige jugar permanentemente al borde de un oxmoron que deja en evidencia las leves fisuras por donde asomarse
a las contradicciones culturales, nacidas de la yuxtaposicin de dadas como limpio y sucio, oculto y expuesto, propio y ajeno,
bello y horrible, asumidas socialmente como inmutables. Lejos de contradecirse, una visin panormica del trabajo de los ltimos
aos (enfocado en la intervencin/interaccin de cuerpos y espacios especficos) se proyecta como el espiral de un proceso on-going
que crece y evoluciona sin perder su forma original. Los avatares plsticos, materiales, visuales nacen de un lugar comn: la prctica
de un ritual olvidado. La condicin radical y subversiva de hurgar en los fragmentos de la realidad social y personal, resignifica piezas
ceremoniales (el vestido, la mscara, el ttem) o les reintegra valores perdidos en el camino de la construccin social. La mutacin
presente en la materia viva latente en las intervenciones (particularmente en esos jardines de Adonis de las topografas alteradas)
remite al olvidado gesto primitivo y sagrado y como tal, captura todos nuestros sentidos en su condicin de simbologa compuesta,
donde la razn y la lgica resultan insuficientes elementos decodificadores, comprometiendo otros espacios de conexin ms
afectivos o inconscientes. En la exploracin de la temporalidad y finitud de las piezas, la artista congenia su condicin de creadora y
conservadora de memoria, en un sentido benjaminiano de asociacin entre el pasado inconcluso, el que no entra en la construccin
de conocimiento histrico, con pasado primitivo, continente de una memoria relegada al inconsciente colectivo. En su constante
superposicin de capas difusas, el trabajo de AGS funciona como una operacin de rescate de los objetos primordiales, (de las huellas
por ellos dejadas), revelando en esa accin recopiladora y demiurga, el paisaje de su particular pero compartida Wonderland.

Vernica Panella

The work of Alejandra Gonzalez Soca appears as the result of a tension between the uniqueness and unrepeatability of an ephemeral
gesture and the apparent dispersion of the multiplied object, materialized in a polyphonic integration of elements and registers. In this
respect, the artist chooses to permanently play on the edge of an oxymoron that evidences the slight cracks through which we can
peek into the cultural contradictions arising from the juxtaposition of dyads like clean and dirty, hidden and exposed, own and
alien, beautiful and horrible, all socially assumed as immutable. Far from contradicting herself, an overview of her work of recent
years (focused on the intervention/interaction of specific bodies and spaces) is projected as the spiral of an on-going process that
grows and evolves without losing its original form. The plastic, material, and visual avatars are born from a common place: the practice
of a forgotten ritual. The radical and subversive condition of delving into the fragments of social and personal realities re-signifies
ceremonial pieces (a dress, a mask, a totem) or reinvests them with values lost in the path of social construction. The mutation
present in the living matter latent in her interventions (particularity in those gardens of Adonis of altered topographies) remits to
the forgotten primitive and sacred gesture, and as such, it captures all our senses with its compound symbolism, where reason and
logic become insufficient decoders involving other, more affective or subconscious, spaces of connection. In her exploration of the
temporality and finiteness of the pieces, the artist combines her status as a creator and preserver of memory, in the Benjaminian
sense of association between the unfinished past, which does not fit in the construction of historical knowledge, with a primitive past,
the continent of a memory relegated to the collective unconscious. In her constant overlapping of diffuse layers, AGS work functions
as a rescue operation of the primordial objects (of the traces left by them) revealing in that demiurge act of compilation the landscape
of her particular but shared Wonderland.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2016 Alejandra Gonzlez Soca: El Legado (in)visible _ devenires de 2014 Beca FEFCA, MEC, 2014 Fondo Concursable para la Cultura,
Hypomnema, Museo H. Cabildo, Montevideo 2016 Alejandra Gonzlez MEC 2012 Ganadora del Festival Internacional de videoarte, In Medi
Soca: Fragmentos de um pequeno mundo, Vila Romana, S. Cucufate, Terraneum, Montevideo 2011 Premio Patrocinio Comisin Bicentenario,
Vila de Frades 2015 Alejandra Gonzlez Soca: ntima, Quinta Capurro, MEC
Santa Luca; Kavlin Centro Cultural, Punta del Este; Centro Cultural
Simn Bolvar 2015 Convivencias, Subte, Montevideo 2014 Alejandra
Gonzlez Soca: Hilo Partido, Capilla Soca, Canelones 2014 56 Premio
Nacional de Artes Visuales, MNAV, Montevideo

1
196

1 Hilo Partido, 2014, Vestidos de novia usados, sonido, 500 x 400 x
400 cm, Vista de instalacin, Capilla Soca, Canelones
2 Topografa Alterada II, 2015, Tierra, vestidos de novia, semillas, 85 x
480 x 400 cm, Vista de instalacin, Subte
3 El legado (in)visible (detalle), 2016, Vestidos, acervo del museo,
medidas variables, Vista de instalacin, Museo H. Cabildo
4 Jardn de Ophelias, 2012, Intervencin en el paisaje, arcilla y brotes
del lugar, medidas variables, Islote Curup, Paran
5 El Sitio (detalle), 2013, Instalacin, medidas variables, Kavlin Centro
Cultural, Punta del Este
6 ntima (detalle), 2015, Instalacin, doble proyeccin sobre pantallas
irregulares superpuestas de fibra y tierra, medidas variables, Quinta
Capurro, Santa Luca
4 5

6
198

Eugenia Gonzlez y
Agustina Rodrguez
Eugenia Gonzlez, 1983, Montevideo vive actualmente en Buenos Aires
Agustina Rodrguez, 1984, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

Trabajamos como artistas en forma colectiva desde el ao 2006. Nuestro trabajo indaga en las estructuras, relaciones y funcionamiento
de los escenarios en donde el arte habitualmente circula. Creemos en el acto constructivo de repensar constantemente estas
estructuras heredadas y ponerlas a prueba en tensin y fuga, privilegiando el error, como un componente de la realidad. La forma de
nuestra produccin es variada; generalmente realizamos acciones de las cuales surgen elementos que recogen el enunciado, como
objetos, instalaciones, intervenciones en el espacio pblico, as como proyectos curatoriales. La apariencia de estas debe colaborar
para potenciar su intensidad, pero no es un fin en s mismo, ya que nuestro trabajo opera en la realidad y las tcnicas estn a su
servicio. Generalmente involucramos a otros actores en nuestros proyectos, ya que consideramos que el vnculo entre pares es valioso
y que la creacin colectiva es fundamental.

E.G. y A.R.

We have worked as a collective of artists since 2006. Our work explores the structures, relationships and functioning of the scenarios
where art is normally staged. We believe in the constructive act of constantly rethinking these inherited structures to test them for
tension and leaks, considering error as an important component of reality. The format of our production is varied; we usually carry out
actions, from which emerge the elements that reflect the proposition like objects, installations, interventions in public spaces as well
as curatorial projects. Their appearance must help to enhance their intensity, but this is not an end in itself, as our work operates in the
reality and techniques are at its service. We generally involve other participants in our projects, as we believe that the relation between
peers is valuable and that collective creation is fundamental.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2014 En el lugar de lo dicho, MNAV, Montevideo 2012 El ojo colectivo, 2014 Fondo Concursable para la cultura, MEC 2009 Fondo
Subte, Montevideo 2009 Do papel ao pixel, Memorial de Amrica Concursable para la cultura, MEC 2007 Beca intercambio universitario,
Latina de San Pablo 2007 Interferencias en el Sistema, Espacio no Universidad J.W. Goethe, Frankfurt
convencional, Montevideo 2007 Montevideo/Frankfurt, UDELAR,
Goethe-Institut, Frankfurt 2007 Nuevas vas de acceso II, MNAV,
Montevideo
1
200

1 Carta de recomendacin, 2013, Accin (seleccin), 29, 7 x 21 cm 4 Revista MUSEO, 2014/actualidad, Publicacin, 21 x 15 cm
2 Variables, 2010/12, Accin (seleccin del sumario), 29, 7 x 21 cm 5 Museo de Arte Contemporneo de Montevideo - MACMO, 2014/
3 Obra de arte tangible, 2007/8, Accin (cubo de madera), 7, 5 x 7, 5 x actualidad, Prctica artstica, vista de instalacin, Ejercicios, Ulrike
7, 5 cm Grossarth, 1996
 3 4

5
202

Carlos Guinovart
1965, Las Piedras, vive actualmente en Salto

Carlos Guinovart, desde casi siempre, ha venido cultivando un sentido de la belleza que oscila hbilmente entre una potica de
la aspereza y un contenido refinamiento, entre una fuerza vigorosa y un displicente ludismo. La aparente fuerza de una casa con
slida estructura de hierro se deshaca lentamente al derretirse las barras de hielo que la entraaban. En otro extremo, una alta
torreta de madera se apoyaba slidamente sobre una superficie de arena. Ciertas esculturas manifestaban una fuerza densamente
vigorosa. Otras muy pequeas tenan la ligereza, la levedad de un vuelo detenido. En las piezas ahora conjuntadas esa potica de lo
spero interacta con ornamentaciones que de pronto, como extraos florecimientos, se producen en determinados momentos de
la vida sustentante. En ambos contextos formales, de tanto en tanto aparece el pulido, la casi sedosidad de la madera, integrndose
plenamente con otros tratamientos ms rsticos o con trozos de tela que muestran una franqueza casi agresiva. En esos florecimientos,
estableciendo un peculiar ejercicio de conjunciones y desvos, aparece un prodigioso intento de sonoridades musicales, melodas,
ritmos y contra-ritmos. De alguna manera Carlos Guinovart confronta la percepcin cmoda del espectador, obligndolo a aceptar
que lo simple, lo primario, puede esgrimir delicados y pudorosos barroquismos. Que lo vertical puede devenir horizontal o recostarse
en una pared. Que un precario entramado de tenues maderas co-habita con sorprendente libertad entre formas que no quieren ser
totmicas pero que instrumentan una puesta en escena hermosamente ritual.

Alfredo Torres

Carlos Guinovart has, since almost forever, cultivated a sense of beauty which deftly ranges between the poetics of harshness and
a restrained refinement, between a vigorous force and a condescending playfulness. The apparent strength of a house with a solid
iron structure slowly would come apart as the ice bars that founded it melted. On the other extreme, a wooden turret was solidly
supported by a sand surface. Certain sculptures expressed a densely vigorous force. Other, very small ones, had the lightness and
levity of a flight in suspension. In the pieces now reunited, the poetics of the harsh interact with ornamentations which suddenly, as
if they were strange blooms, occur at certain times of the nurturing life. In both formal contexts, there comes, from time to time, the
polishing, the bare silkiness of wood blending entirely with other more rustic treatments or with pieces of fabric that depict an almost
aggressive frankness. In those blooms, establishing a peculiar play of conjunctions and diversions, there appears a prodigious aim
at musical sonorities, melodies, rhythms and counter-rhythms. In some way, Carlos Guinovart confronts the placid perception of the
viewer, forcing them to accept that the simple, the primary, may brandish delicate and modest baroque excesses; that what is vertical
may become horizontal or lay against a wall. Or that a precarious lattice of subtle woods may coexist with surprising freedom between
shapes that do not intend to be totemic but are instrumental to a staging that is beautifully ritualistic.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2016 Permanencias y persistencias, Museo Gurvich, Montevideo 2011
A buen puerto, Espacio arte contemporneo UAG, Montevideo 2010
Yo tenia otra idea, Museo Gallino, Salto 2006 Lmites, Instituto Goethe,
Montevideo 2002 Trazos, Lezlan Keplost, Montevideo 1990 Esculturas
recostadas, Alianza Francesa, Montevideo
2002 Mencin especial, 49 Saln Nacional, MNAV, Montevideo 1996
Gran Premio, Bienal de Salto 1991 2o Premio, V Centenario artes
plsticas, ICI, Montevideo 1990 1er Premio, Premio Paul Czanne,
Alianza Francesa, Montevideo

1
204

1 Dos personajes, 2010, Madera , metal y arena, 130 x 35 x 160 cm 5 Dos personajes en Killka, 2011, Hierro, madera y piedra,
2 Verstil en la Amarilla de Pelayo, 2006, Madera, 133 x 38 x 120 cm 350 x 150 x 350 cm
3 Casitas, 2002, Madera, metal y arena, 42 x 35 x 30 cm 6 Difcil, 2008, Madera, 80 x 80 x 220 cm
4 Muestras, 2006, Madera, botellas y agua, 300 x 30 x 38 cm
 5

6
206

Fermn Hontou (OMB)

1956, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

De 1988 a 2007 son estas 35 piezas de la muy extensa obra artstica de Fermn Hontou, propietario del ttulo Omb. En su expo del
Museo Blanes, 1992 (4 salas hace 20 aos ya!), suger que FH aplicaba al menos dos modos de creacin: la hiperproduccin (hace
mucho que trabaja y trabaja mucho) y el reciclaje (tentativas y obras pasan por pocas y cambios, reformulndose). Ahora pretendo
asentar cmo su persistencia crea grupos, que recorren los tiempos, con componentes de diferentes edades con rasgos comunes
o no y distintas experiencias al ser creados en momentos diferentes. Prefiero llamarlos familias y no series: las piezas comparten
mundos y paradigmas pero son de diferentes fechas y derroteros, que ensanchan el conocimiento del mundo artstico o a secas de
nuestro autor y de nosotros. Omb toma y retoma temas y preocupaciones cclicamente, mientras juega con todos los materiales a
su alcance o por su bsqueda empeosa: infinidad de soportes, tamaos, instrumentos, calidades, etc., y no slo formas y colores
a manipular y estructurar. Desde las casi estampillas de la otrora cartelera de Brecha hasta los telones de Jaime Roos, Omb se
divierte: de intereses tambin infinitos literatura, msica, cine, ftbol, artes visuales o no, etc., etc., de todo sabe o quiere saber, y
hasta sus performticas discusiones las practica como insumos de juego que incluye humor y aspectos ldicos en todo, no slo en
sus caricaturas en las antpodas de la consigna de artista aos 50: Aqu estoy, en la lucha. Cuarenta aos de profesionalidad que
ha influido en mltiples artistas serios de nuestro pas a espaldas de la academia con mayscula.

Mario Sagradini

These 35 pieces created between 1988 and 2007 are part of the extensive production of Fermin Hontou (legal owner of the name
Omb). In his exhibition in the Blanes Museum in 1992 (4 rooms, 20 years ago already!), I proposed that FH used at least two modes of
creation: hyper-production (he creates a lot and works a lot) and recycling (drafts and pieces go through stages and changes as they
are reformulated). I now intend to establish how his persistence creates groups of works that live through the times, with components
of different ages with common traits or not and different experiences, as they were created at different moments. I prefer to call
them families rather than series: the pieces share worlds and paradigms but are from different dates and paths, that broaden the
knowledge of the world artistic or otherwise of our author and ourselves, his fruitful followers. Omb cyclically visits and revisits
issues and concerns, while playing with every material available, be it by proximity or due to his earnest search: countless media,
sizes, instruments, qualities, etc., and not just shapes and colors to manipulate and structure. From the almost stamps of the former
bulletin board at Brecha magazine to Jaime Roos stage curtain, Omb has fun. His interests are also infinite literature, music,
cinema, soccer, visual or non-visual arts, etc., he knows it all or wants to know it all even his performatic discussions are treated as
inputs of a game which includes humor and playful aspects, not only in his caricatures he is at the antipode of the typical 50s artists
slogan: Here I am: struggling. His are forty years of professionalism that have influenced many serious artists of our country, while
keeping his back turned on Academia with capital letters.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2016 Omb:...de la grey que aspira a ser oscura, Sala Carlos F. 2014 Fondo Concursable para la cultura, MEC 2007 Fondo
Sez, Montevideo 2012 Omb: (35 obras), Centro Cultural Dodec, Concursable para la cultura, MEC 2001 Premio Banco Hipotecario, 49
Montevideo 1992 Omb (alias) Fermn Hontou, Museo J.M. Blanes, Saln Nacional, MNAV, Montevideo 1999 VIII Saln Internacional de
Montevideo 2003 Embajada Uruguaya, Santiago de Chile 2001 South Dibujo para Prensa de Porto Alegre, Usina do Gasmetro, Porto Alegre
Art Gallery, Miami 1995 Artistas Uruguayos en Porto Alegre, Museu do
Trabalho, Porto Alegre
1
208

4 5

1 La mujer matemtica, 2006, Ecoline y acuarelas sobre papel, 4 La mujer percha, 2013, Acuarela s/papel, 23 x 32 cm
23 x 32 cm 5 Culoteta, 2002, Dibujo a la acuarela, 23 x 32 cm
2 Bruja Azul, 2002, Dibujo sobre papel con tinta y aguadas, 20 x 30 cm 6 El cuerpo de la mujer, 2012, Tintas y acuarelas s/papel, 23 x 32 cm
3 Wonder Woman, 1983, Letraset y acuarela con pluma sobre papel,
23 x 32 cm
6
210

Ignacio Iturria
1949, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

Que Iturria ha sido ante todo un pintor no cabe duda, aunque haya pasado para ello en muchas ocasiones del plano al espacio, y dado a
sus propuestas la formalizacin de instalaciones. () Hubo una primera pintura, la de Cadaqus de fines de los aos setenta, una pintura
luminosa en la que se advierte que lucha entre la pasin de crear y el virtuosismo del oficio. Cuando vuelve a Montevideo aborda, a
mediados de los aos ochenta, la etapa ms sombra de su produccin pictrica, a travs de grandes espacios escenogrficos sobre
cartn. No ha parado desde entonces de recorrer en todas direcciones el espacio pictrico. Hay un verdadero mundo Iturria, despus
se perciben los detalles. Un sistema csmico con sus planetas, sus rbitas, su equilibrio propio segn leyes siempre distintas y sin
embargo en cierta medida fijas, seal Damin Bayn. En sus escenarios se desarrolla el milenario espectculo del hombre. Esa
funcin que protagoniza el hombre a manera de marioneta: hace en la trama lo que puede, tiene en ella el papel que le ha tocado en
suerte y lo juega con los instrumentos de que ha sido provisto, escribi el crtico Albino Dieguez. El mundo de Ignacio Iturria se abre
en mltiples visiones, se reproduce, se re, juega, se hace solemne y de inmediato bordea el grotesco, es ingenuo y casi metafsico, no
se detiene, acumula, multiplica en una suerte de horror al vaco que no posibilita el descanso o la indiferencia. Representacin del
mundo o de su mundo?, se pregunt Hugo Achugar. Han pasado los aos y el mundo Iturria sigue siempre igual a s mismo y siempre
renovado. Es un mundo condensado en lo cotidiano, que rescata sensaciones y recuerdos, que incorpora el lenguaje de la historieta
o del cine de animacin, que mezcla los sucesos que ocurren a unos frgiles tipitos, con sus simultaneidades y su multiplicidad de
dimensiones. Incorpora a su universo los mbitos humanos por los que se mueve. Podra sin embargo no salir de su casa y taller.
Se vale del leo, acrlico, tcnicas del grabado, alambre, cartn, vidrio, piedra, latas, viejas madera de encofrado, papel mach;
reproduce viejos muebles, mete a sus personajes en los orificios, instala cada vez un espectculo humano en cualquier soporte que se
le cruce, y logra darle una dimensin fantstica... Crea cadenas afectivas que vinculan una propuesta pictrica con la otra, y permiten
mltiples asociaciones. Por eso entiendo que su obra es pintura, y es tambin una permanente instalacin que, al mover las piezas, da
pie a multiplicar las combinaciones, para que se crucen, cada vez, lo cotidiano y lo mgico, de la mano de un artista que ha reconocido
que Al principio me interesaba ms que nada seducir en pintura, hoy en da yo prefiero enamorar.

Olga Larnaudie

It goes without saying that Iturria has been primarily a painter, in spite of having switched many times from the plane to the space,
thus giving his propositions the formalization of installations There was a first painting, that of Cadaqus in the late seventies, a
luminous painting in which the struggle between the passion for creation and the virtuosity of the craft is apparent. Upon his return
to Montevideo he started the most somber stage of his pictorial production, through great scenographic spaces on cardboard. Since
then he has continuously explored every direction of the pictorial space. There is a real Iturrian world, the details of which emerge
at a later stage. A cosmic system with planets, orbits and its own equilibrium ruled by ever-changing rules that are somehow fixed to
a certain extent, says Damin Bayn. The millenary act of man unfolds in his scenarios. That show starred by man conceived as a
puppet: he is at the mercy of the plot; he has the cards that have been dealt and he plays them with the instruments he has been given
wrote Albino Dieguez. Iturrias world opens up in multiple visions, it reproduces itself, laughs, plays, becomes solemn to turn at once
to the grotesque; it is ingenuous and almost metaphysical, it does not stop, it accumulates, multiplies in a sort of horror of the void
which does not allow for solace or indifference. A representation of the world, or of the artists world? Hugo Achgar has asked himself.
Many years have passed but Iturrias world still remains equal to itself and always renewed. It is a world condensed in the mundane,
which rescues feelings and memories and incorporates them through the language of the comic strip or the animated film, mixing
what happens to fragile stick-figures, in their simultaneities and multiple dimensions. He incorporates into his universe those human
contexts in which he moves. He could, however, choose not to ever leave his home and workshop. Iturria uses oil, acrylic, photo
making techniques, wire, cardboard, glass, stone, cans, old formwork timber, papier mache; he reproduces old furniture and puts his
characters into orifices, installing a human spectacle on any medium he comes across, achieving a fantastic dimension.... He creates
emotional chains that link one pictorial proposition with another, allowing for multiple associations. This is why I understand that his
artwork is painting and a permanent installation as well. When parts of it are moved, it leads to multiple combinations, so that the
everyday and the magical come together in the hands of an artist who has recognized that at first I was more interested in seducing
with my painting, today, I prefer to enamor.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2015 Ignacio Iturria: Pintar es soar, MNAV, Montevideo 2001 El final del
eclipse, Fundacin Telefnica, Madrid 2000 New works, Marlborough
Gallery, Nueva York 1998 El tiempo de las cosas, Museo Rufino Tamayo,
Mxico DF 1998 Ignacio Iturria, MNBA, Buenos Aires 1997 Ignacio
Iturria, Museo de Arte Moderno, Bogot
2001 Premio Figari, Banco Central del Uruguay, Montevideo 1999 Gran
Premio, Bienal del grabado latinoamericano y del Caribe, XII Bienal de
San Juan, Puerto Rico 1995 Premio Especial Cassa di Risparmio 46a
Bienal de Venecia 1994 Gran Premio, IV Bienal de pintura de Cuenca
1
212

1 Estante de remedios, 1997, leo s/tela, 230 x 180 cm 4 La casa de la casa, 1996, leo s/tela, 180 x 230 cm
2 Tomando el sol, 2007, leo s/tela, 100 x 130 cm 5 El cajn de verduras, 1996, leo s/tela, 190 x 160 cm
3 En medio de la Guerra espaola, 1994, leo s/tela, 100 x 130 cm 6 Sof chacra, ao 1994, leo s/tela, 140 x 190 cm
4

6
214

Jacqueline Lacasa
1970, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

Jacqueline Lacasa se refiere a la misma guerra pero desde otro lado: tambin parte de una imagen previa de la contienda desde la
inversin de la cita utilizada, pero La paraguaya, pintada por Juan M. Blanes hacia 1880, se transforma ahora en una fotografa titulada
La uruguaya, en un gesto que equipara el dolor de la derrota por encima de las fronteras y trincheras, ms all de las fechas de la
historia. La mujer annima que sufre la guerra lo hace fuera de cualquier encuadre nacional o ideolgico: es el suyo un puro pesar sin
data ni referencia, un gesto anacrnico que descentra toda inscripcin y no deja tregua a la memoria.

Texto e identidad. Mirada y crisis, Ticio Escobar

Jacqueline Lacasa references the same war but from a different standpoint: she revisits a previous image of the same battle but
approaches it from the inversion of the quote used: La Paraguaya (The Paraguayan) painted by Juan Manuel Blanes towards 1880
becomes now a photograph entitled La uruguaya (The Uruguayan), in a gesture that equates the pain of defeat beyond frontiers
and trenches, beyond the dates of history. The anonymous woman who suffers war suffers it outside any nationalistic or ideological
frame: hers is pure pain without a date or reference, an anachronistic gesture that off-centers every inscription and grants no relief to
memory.

Text and Identity. Gaze and crisis

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2010 Bienal de Curitiba 2009/16 Jacqueline Lacasa: La uruguaya,
Centro Cultural Angus, Palacio Daz, MNAV, EAC, Montevideo;
Fundacin Embajada Uruguay en Washington 2005 5a Bienal del
Mercosur, Porto Alegre 2006 9a Bienal de La Habana 2003 Leo Toy
Company, Subte, Montevideo 2000/10 Jacqueline Lacasa: La hija
natural de Torres Garca, Coleccin Engelman Ost, CCE, Gal. del Paseo,
FAC, Montevideo; Casa de Amrica, Madrid; Biblioteca de Alejandra;
Museo de Bellas Artes de la Habana; C.C. San Martn, Buenos Aires;
Gal. Marta Traba, San Pablo, Centro Cultural Cervantes de Pars,
Cisneros Fontanals Art Foundation, Paris
2010 Invitada como Lider Visitor por la Embajada de EEUU en Uruguay
y el Gobierno de Washington en Estados Unidos 2009 Invitada por
la Japan Foundation como Lder cultural joven para residencia en
Japn 2008 Invitada por el Instituto Goethe para participar del grupo
internacional a la visita de Documenta en Kassel Alemania 2006
Grant Cisneros Fontanals Art Foundation, CIFO, Miami; Biblioteca de
Alejandra, Egipto
1
216

2 3

1 La uruguaya (Proyecto La Uruguaya),2009/16, Fotografa 4 La hija natural de JTG, 2000/10, Plataforma artstica, publicacin
2 Despus de la Peste (Proyecto La Uruguaya), 2009/16, Fotografa 5 La enfermera de la patria (Proyecto La Uruguaya), 2009/16,
3 Tecnologas de la lujuria (Proyecto La Uruguaya), 2009/16, Fotografa Fotografa
5
218

scar Larroca
1962, Montevideo, vive actualmente en Florida

() El corte anatmico, claro est, tambin puede ser aplicado a la plstica. Como advierte Sandino Nez en el catlogo de Oscar
Larroca, el retozo del duende posmo retrado de su ambiente, que sin embargo juega a ser, en secreto, un genio incomunicable, estalla
en Santas pascuas (MNAV, 2013) porque este artista, si juega a profanar, lo hace porque sabe de la dimensin sacra del arte. Dice mi
amigo Sandino, y dice bien, que de alguna forma se haba olvidado la dimensin de genio del artista, y ese genio, puntualcese, en
buena medida lo ha venido trayendo Larroca a la plstica, porque no est jugando al genio solapado, sino que en este caso lo est
dejando en pelotas. Cierto, Larroca finge jugar a lo que juegan todos, al collage por ejemplo, y al humor, si bien una palabra que jams
debiera entrar aqu es irreverencia, porque no se es irreverente con el usurpador (y eso es lo que denunciaba Platn, que los simulacros
nos confunden porque usurpan el lugar de la cosa, del paradigma, de la idea). Probablemente por eso comparezca en la muestra,
junto con Batman, e incluso ms visible, El Guasn, carne rota, carcajada cicatrizada del simulacro, costurones de la alegra, como
un recordatorio de que a cualquier profanacin debe responder una re-sacralizacin. Larroca, para decirlo en breve, es inslitamente
reverencial y, probablemente por eso, tambin inslitamente explcito: no deja lugar a dudas sobre a qu se refiere en cada imagen y,
al mostrarlo, nos desnuda el mundo en su ridculo, en su lejana sideral respecto a lo que debiera ser. Remos, pero remos porque se
nos explicita el fantasma, el payaso malgr soi, la parodia involuntaria. Y ahora que Larroca nos permite verlo, convendra empezar a
moverse hacia las cosas como debieran, es decir, ir llenando, aunque sea de a poco, el marco que nos pusieron frente a la nariz.

Amir Hamed

() It is clear that the anatomical cut may also be applied to visual arts. As Sandino Nez writes in Oscar Larrocas catalog, the
frolicking of the postmodern elf retracted from his environment who, all the same, secretly pretends to be an incommunicable genius,
explodes in Santas Pascuas (And thats the lot [Holy Easter]) (MNAV, 2013). If this artist toys with profanity it is because he knows
the sacred dimension of art. My friend Sandini says, and well said it is, that in some way he had forgotten the dimension of artists
genius, and this genius, let me note, has been brought back to the visual arts by Larroca, because he is not playing the secretive
genius, but stripping it to the bones. Of course, Larroca pretends to play the same game all others are playing, like collaging, or humor,
although irreverence is a word that does not have a place here, as one should not be irreverent with the usurper (and that is what Plato
denounced: that simulations confuse us because they are a deviation from imitation itself- a false likeness that takes the place of
the thing, of the paradigm, of the idea). This is why in this artwork Batman coexists with the (even more visible) Joker: broken flesh, a
healed cackle of a simulation, as a reminder that for every profanation there must be a re-sacralization. Larroca, to put it succinctly, is
unusually reverential, and that is probably why he is also extremely explicit: he is very clear about what each image means. With this
explicitness, he denudes the world in its ridicule, in its sidereal remoteness to what it should be. We laugh, but we do so because the
phantom is made explicit, the malgr soi clown, the involuntary parody. And now that Larroca allows us to see it, it would be advisable
to move toward things as they should be, i.e. filling, even in dribs and drabs, the frame set before our eyes.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2015 Oscar Larroca: Simulacros, Instituto Cervantes, Viena 2011 Oscar
Larroca: Bordes, Subte, Montevideo 1999 Oscar Larroca: Fragments,
Galerie Art-Present, Pars 1986 V Bienal de Artes Grficas, Museo
de Arte Moderno, Cali 1986 XVIII Festival Internacional de la Pintura,
Chteau Muse Grimaldi, Cagnes-Sur-Mer 1982 Craft Fair and Editors,
Centro de Estudiantes NYC, Nueva York
2006 1er Premio, Certamen Miradas, Clnica Echague, Montevideo 1997
Premio Kokusai Bijutzu Shingika Laigle de Nice- Palais de lAgriculture,
Niza 1995 1er Premio, Fundacin Banco Pan de Azcar, Galera Latina-
FBPA, Montevideo 1986 1er Premio de Dibujo, Saln BROU de Artes
Plsticas, Museo del Gaucho y la Moneda, Montevideo
1
220

1 Plut au ciel (fragmento de polptico), 2010, Tcnica mixta, 105 x 75 cm 4 Santa mmesis IV, 2013, Tcnica mixta s/tela, 35 x 15 x 30 cm
2 Corte anatmico de un Presidente, 2012, Grafito, 70 x 50 cm 5 Ciento cuarenta y cinco elementos (polptico), 2009, Tcnica mixta,
3 Un Chien andalou, 2006, Fotografa: J. Pampn ( Pampn-Larroca), 130 x 130 cm
90 x 90 cm 6 Fragmentos (3) (polptico), 2008, Tcnica mixta, 130 x 320 cm
 5

6
222

Alberto Lastreto
1951, Buenos Aires, vive actualmente en Montevideo

En el ao 2006 vuelvo al Uruguay, luego de treinta aos de exilio. No tard mucho en darme cuenta de la discrepancia existente entre
el Uruguay de mi memoria y el Uruguay en el cual me encontraba ahora. Era claro que no slo el pas haba cambiado, sino que yo
tambin. Tendra que encontrar la forma de cerrar el espacio abierto por los acontecimientos y el tiempo. Tendra que re-aprender
el pas. Y la forma de hacerlo sera a travs de las herramientas del Arte. Mi primera obra fue el video El Prcer. Desde la factura del
mismo, el uso de la tcnica de stop motion, encuadre por encuadre, habla de la intencin de detener la vorgine del acontecer, para
hallar tiempo para pensar y problematizar la realidad. Tambin la ancdota, que habla de un Prcer que busca o abandona su pedestal,
intenta incentivar las preguntas sobre la realidad del pas. El Prcer obtendr el Primer Premio en el Premio Nacional Hugo Nantes
del 2008. Los videos que siguen a este irn problematizando y preguntando sobre la realidad reciente del pas. La serie basada en el
Escudo Nacional, pondr en juego los conceptos que aparecen en los cuadrantes del mismo. Qu es Libertad, Fuerza, Justicia
y Riqueza?. El video pone en juego los conceptos que all aparecen, usando imgenes proveniente de la Internet para explicar, por
ejemplo: qu es Justicia?, el ganador en una contienda entre dos? Es Libertad, la corrida desbocada del corcel, o el andar adiestrado
bajo la direccin del que lo monta? El video Coracero muestra el escudo en la coraza del joven militar. Este se arma y desarma en un
continuo loop, metfora del golpe militar y del retorno a la democracia. El video Dispositivo Catstrofe Acontecimiento toma
estos conceptos de la filosofa para abrir nuevas preguntas sobre la realidad, siendo esta Uruguay o el mundo. Espero que el Arte
arme el dispositivo que ponga las preguntas necesarias para que nosotros, al responderlas, comprendamos el mundo que nos rodea.

A.L.

In 2006 I returned to Uruguay after thirty years of exile. It did not take long for me to realize the discrepancy between the Uruguay of
my memories and the Uruguay where I now was. It was clear that not only had the country changed, but so had I. I would have to find a
way of closing the gap opened by events and time. I would have to relearn the country. And the way to do this would be through the tools
of art. My first artwork was the video El Prcer (The National Hero). From its inception, the use of the stop motion technique speaks
about the intention to pause the maelstrom of everyday events to find time to reflect upon and problematize reality. The anecdote, a
national hero that searches for or abandons his pedestal, is meant to incentivize questions about the reality of the country. El Prcer
won the First Prize in the Hugo Nantes National Prize in 2008. The videos that followed it would also question and problematize the
recent reality of the country. The series based on the National Emblem put into place the concepts which appear on the four quadrants
of that emblem. What are Freedom, Strength, Justice and Abundance? The video uses images from the Internet to explain, for
example, what is Justice? Is it the winner in a two-man feud? Is Freedom the unbridled run of the stallion, or its trained walk under
the direction of its rider?. The video Coracero (Cuirassier) shows the National Emblem in the breast plate of a young soldier. This
emblem assembles and disassembles itself in a continuous loop, a metaphor of the military coup and the return to democracy. The
video Dispositivo Catstrofe Acontecimiento (Device - Catastrophe Event) borrows these concepts from philosophy to open new
questions about reality, whether in Uruguay or the world. I hope that art offers the platform that provides the necessary questions, so
that upon answering them we comprehend the world that surrounds us.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2016 Tecnologa social, Subte, Montevideo 2016 Alberto Lastreto: 2008 1er premio, Premio Nacional de Artes Visuales, MNAV,
Exercise Book, Galera SOA, Montevideo 2011 8a Bienal del Mercosur, Montevideo 2001 Mencin, Premio Manuel Belgrano, Museo Svori,
Porto Alegre 2011 Memoria fotogrfica, Subte, Montevideo 2010 Delitos Buenos Aires 1980 Mencin, Premio 13 de Marzo, Universidad de la
del Arte, Eac, Montevideo 2008 53 Saln Nacional, MNAV, Montevideo Habana
1
224

1 El Prcer, 2006, video 4 Coracero, 2010, video

2 Exercise Book 02, 2016, collage dibujo 5 Escudo Cabildo, 2010, video
3 Exercise Book Geometra, 2016, collage dibujo 6 Dispositivo - Catstrofe - Acontecimiento (triptico), 2014, video
5

6
226

Marcelo Legrand
1961, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

Superficie de las telas de Legrand: snapshot de un campo de batalla, del ataque evocado en entrevistas por el artista sobre su propio
material agonismo ya visto, por supuesto, en los musculares duelos de algunos expresionistas abstractos con sus medios de trabajo,
pero aqu con la cognicin de que esa energa desparramada ya no representa herosmo, sino el saludable holocausto de un gnero
que lejos de acurrucarse en la exposicin del borborigmo creativo del autor, replica y dinamita su camino existencial, compilando y
violentado el entero repertorio informalista. Para Legrand y sus blandos y raudos laberintos de color y no color, se trata del sistmico
homicidio de cada fuga simblica posible, y ah reside su pujanza y su autobuscado lmite, literalmente su aventura de explorador que
rastrea territorios, crendolos: las burbujeantes babas negras, las manchas escindidas entre raquticas alusiones al geometrismo y
prolapsos inevitables de la mcula, el ritmo que se engolfa, premeditadamente quebrantado, la volitiva desprolijidad, la tintas que
colisionan entre s, las lneas que liberan o suprimen cogulos y masas, donando o negando protagonismos. Legrand enfrenta tambin
ese nudo: nada de entender cmo, en el exorbitante carrusel de las casuas que sus enormes (el gigantismo reafirma la posibilidades
lingsticas del arte contemporneo qu discusin) cuadros carezcan de un fondo pintado, y todo lo incluyen, todava la turbulencia
informal puede que exhiban casi la tela cruda la textura apenas velada; obstaculizar lo axiomtico, aunque sea por momentos,
por una mezcla de cola de conejo y tiza que baja el tono (que todo lo excluyen), recorriendo el propio pasado, blanco original, dejando
sin embargo la sensacin de, pisndolo hacia el futuro de la obra que vendr: todos los fibra virgen elemento especular al vaco
dejado por el cuadros de Legrand son un solo, inagotable gran cuadro.

Expansiones (fragmento), Riccardo Boglione

The surface of Legrands paintings: a snapshot of a battlefield, of the attack evoked by the artist in interviews about his own
material an agony already seen, of course, in the muscular duels of some abstract expressionists with their media but here with
the cognition that this energy no longer represents heroism, but the healthy holocaust of a genre that, far from snuggling in the
exhibition of the creative rumbling of the author, replicates and dynamites its existential path, compiling and violating the whole
repertoire of Informalism. For Legrand and his soft and swift mazes of color and non-color, it is the systemic homicide of every possible
symbolic lean and therein lies his strength and his self-imposed limit , literally his adventure as an explorer who tracks territories,
creating them: the bubbling black spittle, the spun-off spots among rickety allusions to geometrics and the inevitable prolapses of
the macula, the rhythm that engulfs, deliberately broken, the volitional untidiness, the inks that collide with each other, the lines that
release or suppress clots and masses, bestowing or denying protagonism. Legrand also faces that dilemma: understanding how, in
the exorbitant carousel of the causes for his huge pictures to lack a painted background that allows including everything (gigantism
reaffirms the linguistic possibilities of contemporary art [what a discussion]), this informal turbulence allows displaying an almost
clean canvas its thinly veiled texture barely hinders axioms, even if it is at times by a mixture of rabbit skin and chalk that lowers
the (all-excluding) tone, going back to the original white, leaving, however, the feel of stepping toward the future of the work that will
come: all virgin fiber the mirror image of the void left by Legrands artworks which are one inexhaustible large painting.

Expansions (fragment)

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2014 Expansiones, Museo de Artes Plsticas Eduardo Svori, Buenos
Aires 2012 Rastros, MNAV, Montevideo 2010 Arte en Amrica, Centro
Cultural Palacio de la Moneda, Santiago de Chile 2001 Gallery Art
Museum of Americas, Gallery Art Museum of Americas, Washington
1992 Entretrpicos, MACC, Caracas 1988 Marcelo Legrand, Museo de
Arte Contemporneo, Museo de Arte Contemporneo, Montevideo
1999 1er Premio, Saln Bienal Arte Joven - Mosca, Montevideo 1998
1er Premio de Pintura, VII Bienal de Salto 1988 Premio Extraordinario,
Saln Municipal de Expresin Plstica, Montevideo 1987 2do
Premio, 2do Premio, 70 Aniversario Comunidad Israelita del uruguay
Montevideo
1
228

1 Contencin, 2015, Tcnica mixta, 95 x 125 cm 4 Mundo Sedimentario, s.f., Tcnica mixta, 148 x 220 cm
2 Sabor limn, 2015/16, Tcnica mixta s/tela, 148 x 220 cm 5 l, 2014, Tcnica mixta, 220 x 298 cm
3 El Dragn, 2009, Tcnica mixta, 155 x 330 cm 6 Raz, s.f., Tcnica mixta, 155 x 330 cm
 4

6
230

Victor Lema Riqu

1964, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

En 1980 Vctor Lema Riqu gan una beca de la Escuela de Comunicacin y Artes (ECA), en la Universidad de San Pablo (USP). Ha
pasado largas temporadas viviendo y trabajando en Pars, Londres, Bristol y Berln. Actualmente vive y trabaja en San Pablo.
La obra del artista se ha desarrollado en diferentes medios artsticos. Se inici con la pintura a fines de los aos ochenta. En su
mayora, eran trabajos de gran formato que presentaban una fuerte intensidad cromtica, acompaados de extensos ttulos que
narraban y daban pistas al campo visual. De esta forma se inicia un trabajo que mantendr un constante dilogo entre imagen y
narrativa, y viceversa. Es a partir de 1997, luego de presentar en la Galera Nara Roesler de San Pablo el proyecto multimedia Mistrio
en el barrio. El famoso caso el manaco de la caja de fsforos, que su trabajo toma un rumbo marcadamente multimedia. Literatura,
dibujo y pintura, radionovela, performance, cine y video sern los medios para la creacin y realizacin de varios proyectos. Navegando
entre la alta y la baja cultura, estos proyectos estarn plagados de referencias literarias, teatrales y cinematogrficas.
Por otro lado, se destaca a partir de 2000 la produccin audiovisual, donde encontramos al artista compartiendo trabajos
performticos y de ficcin junto a otros artistas. Una extensa serie de videos crea un cuerpo de trabajo audiovisual de perfil austero
e intimista que convida a la reflexin. En proyectos ms recientes, como en las series La Direccin del Viento Predominante, dibujos
en carbn, crean una cierta atmsfera retro y futurista. Conceptos de aridez, soledad y silencio se hacen presentes a travs de vacos
metafricos en medio de robustas figuras arquitectnicas Actualmente y en permanente mutacin, sus trabajos estn dedicados
a previas investigaciones histricas, literarias y cinematogrficas que sirven de base para realizar transformaciones en forma de
ficcin.

V. L.R

In 1980 Victor Lema Riqu won a scholarship of the Escuela de Comunicacin y Artes (ECA), of the University of Sao Paulo (USP). He
has spent long periods living and working in Paris, London, Bristol and Berlin. At present, he lives and works in Sao Paulo. This artists
work has developed in various art media. He started painting in the late eighties. Most of his large format work presented a strong
chromatic intensity and was accompanied by long titles which narrated and provided clues about the visual field. In this way, the artist
started a line of work that kept a constant dialogue between image and narrative and vice versa. As from 1997, after presenting at
the Nara Roesler Gallery of Sao Paulo the multimedia project Misterio en el barrio. El famoso caso del manaco de la caja de fsforos.
(Mystery in the neighborhood. The famous case of the matchbox maniac), his work gained a definite multimedia dimension. Literature,
drawing and painting, radio drama, films and video would be the means for the creation and implementation of several projects.
Navigating between high and low culture, those projects were riddled with literary, theatrical and cinematic references. However,
since 2000 his audiovisual production has stood out, and the artist started sharing performative and fictional works with other artists.
An extensive series of videos created a body of audiovisual work with an austere and intimate profile that invited reflection. In more
recent projects such as in the series La Direccin del Viento Predominante (The direction of the prevailing wind) his charcoal drawings
create a certain retro and futuristic atmosphere. Concepts of aridity, solitude and silence are present through metaphoric emptiness
amid robust architectural figures. At present, albeit in permanent mutation, his works are dedicated to previous historical, literary and
cinematographic researches that form the basis for transformations in the form of fiction..

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2013 La Direccin del Viento Predominante 2, Galera Zipper, San 2010 Programa Rumos de arte, Instituto Ita Cultural, San Pablo 2009
Pablo 2013 Departamento 20, EAC Espacio de Arte Contemporneo, Residencia Spike Island Contemporary Art Center, Bristol 2008 Artists
Montevideo 2012 La Direccin del Viento Predominante 1, Galera del Links, British Council, Londres 1980 Beca Universidad de San Pablo,
Paseo, Punta del Este 2009 Intimidades, Sesc Pompeia, San Pablo Escola de Comunicaes e Arte, San Pablo
2003 Layers of Brazilian Art, Falcouner Gellery. Grinnell College, Iowa
1997 El Famoso caso del manaco de la caja de fsforos, Galeria Nara
Roesler, San Pablo
1
232

1 Los Sueos de Ricciotti (3), 2014, Bolgrafo s/papel Fabriano ruvido
200 gr., 150 x 100 cm
2 Dibujo de un Movimiento, 2007, Video, 602 min
3 2.44 - Plano, 2007, Video, 1216 min
4 La Direccin del Viento Predominante 3 (1), 2013, Carbn s/papel
Fabriano ruvido 200 gr., 100 x 150 cm
5 La Direccin del Viento Predominante 3 (2), 2013, Carbn s/papel
Fabriano ruvido 200 gr., 100 x 150 cm
6 De ahora en adelante solo arbustos (1), 2016, Carbn s/papel
Fabriano ruvido 200 gr., 100 x 150 cm
 5

6
234

Fernando Lpez Lage

1964, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

Estas pinturas plantean un sistema para reflexionar sobre la vulnerabilidad del gnero pintura, nuestro accionar estril sobre la
traduccin, sobre el arte y su sentido crtico, sobre el espacio pensado como una expresin geopoltica mnima. El foco del sistema
es el color y las capas que se superponen, configurando el cuerpo simblico del cuadro. A travs de esto generan accidentes,
imperfecciones, huellas, que son propias de la autonoma que tiene el medio pictrico. El color irrestricto es un territorio que no
responde a teoras del color, sino a una forma de ver con los estados alterados, fragmentados, interrumpidos, una expresin del
duelo patolgico, de las prdidas. El esqueleto de bastidor lleva a que la pintura se transforme en ese cuerpo, que se reformula
sobre s mismo, en zonas con franjas abigarradas o espacios ms amplios y de color pleno. Zonas que permiten entrever errores,
acumulaciones, gestos, desrdenes rtmicos, manchas, loops. Las piezas en la instalacin tienen la misma estrategia conceptual
que en la construccin de los cuadros. Superposiciones de capas de objetos desinformados. Son reconocibles en su unicidad, pero
la intertextualidad las convierte en relaciones que amplifican el sentido y la funcionalidad. Plantean la ambigedad de estar vaciadas
de documentos, papeles, fotografas, funcionalidad. La arqueologa analiza los archivos, ac inducidos como una premisa; no hay
archivos de una poca, no hay una recopilacin audiovisual ni tampoco materiales con informacin.

F.L.L.

These paintings present a system to reflect on the vulnerability of painting, our sterile action on translation, on art and its critical
sense, on space considered as a minimal geopolitical expression. The focus of the system is color and its overlapping layers, which
form the symbolic body of the painting. It generates accidents, flaws, traces, which are characteristic of the autonomy of the pictorial
medium. Unrestricted color is a territory that does not respond to color theories, but to a way of seeing with the altered, fragmented,
interrupted states, an expression of pathological mourning, of losses. The skeleton-frame transforms the painting into that body,
which reformulates itself, in areas with knotted strips or larger and full-color spaces that reveal errors, accumulations, gestures,
rhythmic disorders, stains, loops. The pieces in the installation keep the same conceptual strategy followed in the construction of the
paintings: overlapping of layers of uninformed objects. They are recognizable in their unicity, but intertextuality transforms them into
relationships that amplify meaning and functionality. They present the ambiguity of being devoid of documents, papers, photographs,
functionality. Archeology analyzes archives, induced here as a premise; there are no archives of an era, nor an audiovisual compilation
or materials with information.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2014 Fernando Lpez Lage: Obra reciente, MNAV, Montevideo 2012
New visiones, Couturier Gallery, Los Angeles 2006 6 a Bienal del
Mercosur , Porto Alegre 2001 Fernando Lpez Lage: Barras parelelas,
Subte, Montevideo 1997 Fernando Lpez Lage: Biblia Pauperum,
Coleccin Engelman Ost, Montevideo 1994 Circus (exhibicin
individual) , Linda Moore Gallery, San Diego
1996 MID American Art Alliance, Washington DC 1994 Beca residencia
Luis Camnitzer, Valdottavo 1989 Premio Le Parc (menor de 35 aos),
Bienal de Cuenca 1987 1er Premio, III Muestra de Plsticos Jvenes,
Museo H. Cabildo, Montevideo
1
236

1 S/T, 2014, Acrlico s/tela, 180 x 140 cm 4 S/T, 2014, Acrlico s/tela, 180 x 140 cm
2 S/T, 2014, Acrlico s/tela, 180 x 140 cm 5 Obra reciente, 2014, Vista de instalacin, MNAV, Montevideo
3 S/T, 2014, Acrlico s/tela, 180 x 140 cm 6 Obra reciente, 2014, Vista de instalacin, MNAV, Montevideo
5

6
238

Brian Mackern
1962, Mercedes, vive actualmente en Montevideo

Brian Mackern es desarrollador y diseador de proyectos artsticos digitales e hbridos basados en la red desde 1995. Msico,
compositor y creador de estructuras y entornos sonoros visuales autogenerativos y reactivos, es uno de los primeros artistas en
abordar el netart en Amrica Latina; entre 1998 y 2002 desarrolla la netart latino database, investigacin creativa online relativa
a la visibilidad, interconexin e historia de los net artistas latinoamericanos, proyecto que culmina en el 2010 con la publicacin de
un libro de artista editado por el MEIAC, Espaa, con curadura de Nilo Casares. Su prctica artstica indaga en esferas definidas por
los recuerdos y la rememoracin, la representacin alternativa de la localizacin, las geografas y cartografas urbanas, el ruido, las
mezclas, el glitch y el data bending. Su trabajo, principalmente relacionado con procesos y estructuras que atraviesan el entorno
digital y el real, explora el diseo de interfaces, la creacin de juguetes sonoro-visuales, las animaciones de video y datos en tiempo
real, el netart y el arte sonoro. Ha presentado su obra y ofrecido talleres y conferencias por toda Amrica Latina y Europa. Su trabajo
se ha exhibido en los principales festivales de arte y recibido reconocimientos de numerosas instituciones. Es curador y coordinador
de proyectos relacionados con arte y educacin basados en tecnologas contemporneas.

B.M.

Brian Mackern has been a developer and designer of digital and hybrid net based art projects since 1995. He is a musician, composer
and developer of auto generative and reactive sound visual structures and environments. He was one of the first artists to approach
netart in Latin America; between 1998 and 2002 he developed the netart latino database, an online creative research on visibility,
interconnection and history of Latin American netartists, a project that culminated in 2010 with the publication of an artist book by the
MEIAC, Spain, curated by Nilo Casares. His art practice delves into areas defined by memories and remembrance, urban geographies
and affective cartographies, noise, remix, glitch and data bending. His work, which is mainly concerned with processes and structures
which travel across digital and real environments, explores interface design, soundtoy creations, real time video-data animations,
netart and soundart. He has presented his work and offered workshops and lectures throughout Latin America and Europe. His work
has been exhibited at major international art festivals and received recognition from numerous institutions. He is also a curator and
coordinator of art and education related projects based on contemporary technologies.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2014 This Too Shall Pass. Memories and noises from the Waterfront
// 5324N 259W - Liverpool. The City as Affective Interface, FACT &
University of Liverpool 2010 La mquina podrida aka la desdentada
(1999-2004), MEIAC, Badajoz 2008 Brian Mackern:<artef@ctos
virtuales> / retrospectiva, Museo Tamayo, Mxico, DF 2008 Temporal
de Santa Rosa / 34s56w.org, CCE, Montevideo 2005 Interferencias
Chamnicas // http://netart.org.uy/chamanic, Subte, Montevideo 2004
Expandiendo Cdigos, Nabi Art Center, Seul
2005 3er Premio, 111th international media art biennale, WRO Center
for Media Art, Wroclaw 2004 1er Premio, Best Multimedia Author, XI
Canarias Mediafest, Las Palmas de Gran Canaria 2004 Honorary
Mention, Ciberart Bilbao 2002 1er Premio, 50 Saln Nacional, MNAV,
Montevideo

1
240

1 Maleta de Santa Rosa, 2015, Instalacin Itinerante por el mundo
2 Chamanic Interferences, 2004, CD-ROM ART, Nabi Art Center, Sel
3 Temporal de Santa Rosa, 2014/15, Instalacin Interactiva (itinerante)
4 The Rotten Machine, 2015, Instalacin, Centro de Arte Toms y
Valiente, Fuenlabrada, Madrid
5 Temporal de Santa Rosa, 2014/15, Instalacin Interactiva (itinerante)
6 <artefactos virtuales>, 2008, Instalacin cyberlounge, Museo
Tamayo, Mxico DF
 5

6
242

Marco Maggi
1957, Montevideo, vive actualmente en New Paltz

Construyo confusiones precisas para ser observadas sin la menor esperanza de ser informado. Conocemos la estructura del ADN
pero nos resulta imposible memorizar el alfabeto de nuestro genoma. En esta situacin no somos capaces de leer un pelo aunque
incluya informacin suficiente para clonar a nuestro mejor amigo. Tengo una duda; la incapacidad de relacionarnos con este tipo de
informacin debe asimilarse a la ceguera o definirse como un nuevo analfabetismo? En ambos casos lo ms recomendable es asumir
con paciencia y resignacin que somos vctimas de una indigestin semitica y estamos condenados a saber ms y comprender
menos. Mirando el mundo, en una pantalla de bolsillo, es muy difcil percibir la diferencia entre una transmisin en vivo y la muerte.
La percusin extrema de noticias impide su anlisis y toda repercusin. En el siglo XX la censura se pareca a una tijera, recortaba
informacin. Hoy la censura acta por inundacin y nos somete a una sobredosis diaria de melodrama y dispersin. Lluvia fina y
sentimental que provoca el mismo efecto de una anestesia general. En este contexto la mejor estrategia es frenar, acercarse y
enfocar la realidad. Mirar detenidamente para no entender. Mirar despacito para multiplicar nuestra empata con lo insignificante.
Soy un promotor de pausas porque no entender es mi especialidad. Desde hace aos prefiero los parntesis a las tesis. Entender
cada da menos exige un entrenamiento riguroso. No entender es bsico y muy saludable. Reduce la presin y la certeza. Cuando no
entendemos , dudamos y nos sentimos inseguros. Mejoramos los modales y reciclamos nuestros protocolos. Reducimos la velocidad
y la ambicin. Multiplicamos la atencin y descubrimos , por ejemplo, que la delicadeza actualmente debe ser considerada como una
actividad subversiva. Cuando no tenemos ninguna duda, cuando padecemos de fe ciega nos transformamos en un peligro pblico. En
el arte, en la diplomacia y en los automviles, la velocidad es trgica. Dibujar exige actualmente respetar una sola seal de trnsito:
PARE.

M.M.

I devise accurate puzzling artwork to be observed without the faintest hope of ever having it deciphered. We are aware of DNA
structure, yet find it impossible to memorize the specific code of our own genome. Hence, we are unable to read the code of a strand of
hair, even if it includes sufficient information to clone our best friend. I wonder: Should this inability to decode this type of information
be considered tantamount to blindness? Or should it perhaps be defined as a new form of illiteracy? In either case, we had better
resign ourselves to the fact that we are assailed by something akin semiotic indigestion we are bound to know more, yet understand
less. When you gaze at the world through a pocket-sized screen, it is hard to tell the difference between live broadcast and death.
Hammered by an overwhelming flow of news, we are unable to process, let alone make any sense of its possible connotations. Back
in the 20 th Century, censorship resembled scissors it trimmed information. Today, censorship operates through flooding, that is, by
administering a daily overdose of soap-opera-like, distracting content. In this scenario, it is best to take a moment to stop, approach,
and focus on reality. To watch carefully in order to understand nothing. To watch slowly in order to boost our empathy with the
negligible. I advocate pause, because not understanding happens to be my specialty. For years I have preferred side notes to theses.
Understanding increasingly less demands rigorous training. Not understanding is essential - and very healthy! It reduces both [blood]
pressure and certainty. When we do not understand, we doubt and feel uneasy. We try to be more polite and recycle our protocols of
behavior. We speed down and become less ambitious. We become much more focused and come to realize, for instance, that good
manners and refinement should actually be considered subversive in nature. When we are assailed by not even a single doubt, when
we are seized by blind faith, we turn into a public threat. In Art, just as it is in diplomacy, and car driving, speed is tragic. Today, drawing
requires abiding by one, and only one, traffic sign: STOP.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2016 Cut, folded, pressed and other actions, Galera David Zwirner, 2010 Premio CIFO, Fundacin Cisneros Fontanals, Miami 2012 Premio
Nueva York 2016 Lenguaje Bajando la Escalera, Courtauld Art Institut, Figari, MEC, Montevideo
Londres 2015 56 Bienal de Venecia 2012 Desinformacin Funcional,
Instituto Tomie Ohtake, San Pablo 2008 New Perspectives in Latin
American Art, MoMA, Nueva York 2004 8 Bienal de La Habana

1
244

3 4

1 Mquina de Dibujar, 2015, Lpices y cuerda de arco 5 Miopa Global, 2015, Alfabeto sobre muro
2 Miopa Global, 2015, Alfabeto sobre muro 6 El Papel del Papel, 2006, Cortes y plegados sobre 350.000 hojas de
3 Lentissimo, 2012, Cortes y plegados sobre 24500 hojas de carta , carta, 360 m2, Vista de instalacin, ICA, Bogot
Vassar College, 180 x 150 x 7 cm
4 PreColombino & PostClintoniano, 2012, Lpiz sobre aluminio de
cocina, 60 x 45 cm
 5

6
246

Diego Masi
1965, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

Diego Masi, artista uruguayo de relieve que conforma su obra a partir de una bsqueda incesante, nos lleva a reflexionar acerca de la
vitalidad de sus propuestas. El quehacer de este artista es un riguroso contrapunto del blanco al negro que no deja de entusiasmar
y perfilar una variante del artista que es el rol de investigador de formas. Esta investigacin a la que aludimos, se va presentando
en cada obra de gran riesgo visual y se permite hacerle guios al espectador con alusiones a los deseos de todos, que son esos
juegos erticos. Los rigurosos y sinuosos dibujos y formas insospechadas aluden a capas del subconsciente, con lo cual el artista se
compromete lanzando recovecos a nuestros ojos. Muchas veces aparecen de manera imprevista. El juego de la forma pura, que fue
la tnica en el arte del siglo XX, se encuentra en esta escena artstica complementado por un componente que no disminuye, sino
que hace que seamos conscientes de su propuesta. Unir tendencias es un desafo contemporneo. Masi, al introducirse en espacios
investigativos, es un fiel expositor de ese mundo de talentos soadores que es el arte uruguayo y que no nos deja de impresionar.
La crtica Jacqueline Lacasa ya plantea el tema del silencio en esta obra, y no deja de ser importante al observar a un artista tan
decisivo en el desarrollo que ha tomado el arte latinoamericano en este nuevo siglo.

Ernesto Muoz

Diego Masi is a renowned Uruguayan artist who creates his artwork based on a relentless search and invites us to reflect on the
vitality of his production. The work of this artist is a rigorous counterpoint between black and white that maintains its appeal as it
outlines another aspect of the artist: his role as a researcher of forms. This research is embodied in the great visual risk in each piece,
as it dares to give a wink of complicity to the viewer by alluding to desires felt by everyone, which are erotic games. The rigorous
and sinuous drawings and unsuspected shapes allude to layers of the subconscious, and the artist commits to them by offering
to our eyes unexpected nooks. The play of pure form, which was the theme of art in the 20th century, is complemented in this art
scene by a component that does not decrease but, on the contrary, makes us aware of the artists proposition. Merging trends is a
contemporary challenge. Masi, by researching new spaces, is an outstanding example of that group of talented dreamers that never
cease to impress us: Uruguayan artists. Jacqueline Lacasa, the Uruguayan critic, highlights the issue of silence in this artwork, which
becomes important when observing the role of this artist in the development of Latin American art in this new century.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2016 Diego Masi: Protocolo, EAC, Montevideo 2015 Diego Masi: 2016 Beca FEFCA, MEC, Montevideo 2012 3er Premio, 55 Premio
Linealmente, Galera SOA, Montevideo 2015 1 Bienal Internacional de Nacional, MNAV, Montevideo 1995 1er Premio, 100 aos de la Bienal de
Asuncin 2014 Diego Masi: Geomtrico, Galera Enlace, Lima 2013 In Venecia, Subte, Montevideo 1994 1er Premio, VI Muestra Nacional de
Black & White, Opera Gallery, Ginebra 2012 Emisor, MNAV, Montevideo Plsticos Jvenes, Subte, Montevideo
1
248

1 Geomtrico, ZD429, 2010, Pintura acrlica s/lienzo 5 Flashlight, 2016, 100 Baldes negros, flash led, acrlicos blancos,
2 Historia de caballos, 1998, Vinlico adhesivo sobre el bronce, vista sopladores, detectores de movimiento, controladores audioritmicos,
de intervencin sobre escultura de Jos Belloni, Plaza Fabini, medidas variables, vista de instalacin, 3a Bienal de Montevideo,
Montevideo, 1998 Saln de los Pasos Perdidos del Palacio Legislativo, Montevideo, 2016
3 Existencias, 2014, Inflables Motores soladores, cables, secuenciador 6 Protocolo, 2016, Hormigonera, martillos, cordones de goma,
de tiempo, detector de movimiento y tela blanca cocida, 400 x 200 detector de movimiento, secuenciador, roldanas, micrfonos
cm, vista de instalacin, Museo Zorrilla, Montevideo, 2014 y amplificadores, 1500 x 400 cm, Vista de instalacin, EAC,
4 Imagen temporal, 2015, Polipropileno blanco, luz blanca strobe Montevideo, 2016
72 led 20w, caja acstica elctrica generadora de sonido, sensor
detector de movimiento, vista de intervencin, Bienal Internacional
de Asuncin, Plaza Uruguaya, Asuncin
 5

6
250

Cecilia Mattos
1958, Montevideo, vive actualmente en el balneario Las Flores

Ser fabuloso, el mar. Seres fabulosos, los colores. Seres fabulosos desde la superficie hasta el ahogo de la luz encantada, anidando
en la meloda serena de la sirena, en las curvas de la marea y su trenza paciente zarpada, uniendo con su promesa de almeja y de
perla y de cama escamada el cabo florido, las botas, los baldes, la esperanza, la galleta, destino de marineros pescadores forajidos
que delinean, dibujan, la corriente tensa en la tanza encarnada al mvil de ramas, ramitas, como una piedra reenredada por tanzitas,
jirones improvisados por un pico de pjaro martimo que esconde toda la corriente en su plumaje, su manto: los piojos, las pulgas
de mar; plsticos deseos de saciar la sed de desinfeccin, leche ultra pasteurizada, profilaxis y chancletas. Ensamble de formas
nuevas y colores. Un mundo hecho de nuevo a mano. Orillas y animales plateados como el mar hurgado, construyendo un tiempo de
reloj escondido en cuevas y tneles de olas, de crestas, de instantes de hora exacta. El soador se viste de gallo y boya entre aguas
cacareando el corral del eco a la espera de que la pesca sea sol. La sirena es un animal fabuloso, comentan, una ninfa que habita en
el manto de un pjaro que vuela como el canto llevando en su plumaje cada ro u ocano, cada bote, cada barco, cada ensayo de pez,
cada ojo detrs del color. Despiojar al ser fabuloso. Limpiar las lagaas del horizonte. Salvar la forma y el color del nudo del cuento
contaminado. Ser fabuloso, el mar. Seres fabulosos, los colores. Seres fabulosos por ser rescatados.

Martn Barea Mattos

Fabulous being the sea Fabulous beings the colors Fabulous beings from the surface to the drowning of the enchanted light nestled in
the serene song of the siren in the curves of the tide and her patient cast braid uniting with her promise of clam and pearl and of scaly
bed the florid end rope the boots the bucket the hope the cookie destination of fugitive sailor fishermen who delineate draw the tight
current on the line embodied to the mobile of twiggy twigs like a stone rendered by fishing lines improvised shreds by the beak of a
sea bird who hides all the current under its plumage its cape: the lice the sea fleas: plastic wishes of satiating the thirst of disinfection
ultra-pasteurized milk prophylaxis and thongs Assemblage of new shapes and colors A world made anew by hand Shores and silver
animals like a scavenged sea building a time of clocks hidden in caves and tunnels of waves of crests of instants of exact time. The
dreamer dresses up as a rooster and floats in the waters crowing the corral of the echo waiting for the fishing to become sun. The
siren is a fabulous animal says a nymph who inhabits the plumage of a bird that flies like the song carrying in its plumage every river
or ocean every boat every ship every rehearsal of a fish every eye behind the color To delouse the fabulous being Clean the rheum of
the horizon Save the shape and the color of the contaminated tale Fabulous being the sea Fabulous beings the colors Fabulous beings
about to be rescued.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2013 Cecilia Mattos: Conejo, MNAV, Montevideo 2011 Kit bsico para 2013 Profesor invitado, Universidad de Frankfurt 2006 Profesor
la Fundacin de un pueblo, Museo Figari, Montevideo 2008 El sueo invitado, Universidad de Beersheba, Israel 2005 Profesor invitado,
de Morgana, CCE, Montevideo 2003 La Urdimbre del Olvido, Centro Universidad de Minneapolis 2007 Beca, Institute Goethe, Berln
Municipal de Exposiciones, Montevideo 2000 Cecilia Mattos: Mattos
desde Figari, Galera del Paseo. Montevideo 1999 Cecilia Mattos:
Ordalas, Museo H. Cabildo, Montevideo

1
252

1 Nido, 2016, Plstico, fibras naturales y acuarela sobre papel, 60 x 30 cm 5 S/T, 2016, Lpices de colores sobre papel.
2 S/T, 2016, Plstico, 20 x 20 cm 6 El manto de la sirena, 2016, Plstico, fibras naturales y dibujos a lpiz
3 El manto de la sirena (detalle), 2016 sobre papel, 600 x 200 cm, Vista de instalacin, Subte, 2016
4 S/T, 2016, Plstico y fibras naturales, 40 x 40 cm
4

6
254

Paola Monzillo
1986, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

Su formacin como arquitecta y su pasin por los mapas la han llevado a indagar sistemticamente en temas vinculados al territorio,
la historia y la cartografa. En 2009 comienza a explorar el collage como herramienta para crear mapas que dieran cuenta del lugar
que habita desde el registro de la percepcin individual y subjetiva del espacio, haciendo el ejercicio de cartografiar su propio territorio
mental y afectivo, en donde el entorno fsico se disuelve en una red de tramas imaginarias y relaciones simblicas multi-escalares.
A raz de estos primeros trabajos, comienza a interpelar las convenciones oficiales de representacin cartogrfica. A veces, poniendo
en visibilidad la manera en que los mapas naturalizan en nosotros una visin hegemnica del mundo, para cuestionar la forma en que
silenciosamente seguimos reproduciendo esos dominios. Otras veces creando contra-cartografas, mediante la apropiacin de las
representaciones tradicionales y la ruptura de sus cdigos grficos. Investiga el poder que ejercen los mapas sobre nuestra visin
del espacio y nuestro vnculo con el entorno, tomando como punto de partida que no son herramientas neutrales: develan rdenes
sociales, espaciales y mecanismos de dominio que influyen directamente en nuestra forma de habitar. A Monzillo le atrae de nuestras
ciudades su capacidad de atestiguar el transcurrir de la historia, la manera en que vinculan el pasado y el presente, y el modo en que
conviven la memoria colectiva y el olvido. Le interesa explorar los modos en que el tiempo se solapa y se reescribe en el territorio, como
en un palimpsesto. Su obra aborda estos temas desde variadas tcnicas de trabajo, desplazndose principalmente entre el collage,
el dibujo y la instalacin.

P.M. y R

Her training as an architect and her passion for maps have led her to systematically investigate issues linked to territory, history and
cartography. In 2009, she began to explore collage as a tool to create maps that would represent the place she inhabits. She did it
by recording her individual and subjective perception of space, mapping her own mental and affective territory, where the physical
environment dissolves into a network of imaginary wefts and multiscale symbolic relationships. As a consequence of these first works,
she started to question the official conventions of cartography. At times, she would make visible the way in which maps legitimize
a hegemonic view of the world, to question why we silently continue reproducing those domains. At others, she created counter-
cartographies, appropriating traditional representations and breaking their graphic codes. She researches the power of maps on our
vision of space and our connection with the environment, taking as a starting point the fact that they are not neutral tools: they unveil
social and spatial structures and mechanisms of control that have a direct influence on our way of inhabiting. Monzillo is attracted by
the ability of our cities to witness the course of history and the way they link past and present, and how collective memory coexists
with forgetting. She is interested in exploring the ways in which time overlaps and is rewritten in the territory, as in a palimpsest. Her
work addresses these issues from various working techniques, mainly collage, drawing and installations

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2015 10 Bienal del Mercosur, Porto Alegre 2015 En y entre Geografas, 2016 Beca FEFCA, MEC, Montevideo 2015 2o Premio, Premio Paul
MAMM, Medelln 2014 2 Bienal de Montevideo 2014 Paola Monzillo: Czanne, Embajada de Francia, Montevideo 2014 2o Premio, 56
Narrativas, breves relatos y otros cuentos, Museo H. Cabildo, Premio Nacional, MNAV, Montevideo
Montevideo 2013 Paola Monzillo: Typus Orbis Terrarum, Subte,
Montevideo 2011 Paola Monzillo: Territorios Visibles... Interminables, La
Pasionaria, Montevideo

1
256

2 3

1 Tapiz, huellas en el territorio, 2014, Collage, mapas de ciudades 5 Globo Terrqueo, 2012, Mapas de ruta y soporte para globo
hispanoamericanas, papel polister y cinta adhesiva, 480 x 130 cm terrqueo, medidas variables
2 S/T (serie proyecto Cartografas), 2013, Collage, impresin digital, 6 Masterplan, 2016, Carteles pasamensajes y libro calado, Medidas
aerosol y pintura metalizada sobre mapas de ruta, 27, 5 x 39, 5 cm variables
3 Este es el territorio que habito, 2013, Almohada, funda blanca, 365
clavos y 100 m de hilo negro, 100 x 100 x 100 cm
4 Colecciones del Imaginario II, 2014, Esfera de acero inoxidable pulido
espejo, soporte para globo terrqueo y fibra sobre papel de algodn,
Medidas variables
5

6
258

Vladimir Muhvich
1975, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

Artista visual, conservador-restaurador e investigador de arte, vincula su prctica artstica y profesional utilizando estrategias de
investigacin y preservacin del campo del arte como insumos de modelizacin conceptual y objetual de su obra. Su produccin
de arte est relacionada con la investigacin y reflexin sobre las manifestaciones del hombre en diversos campos. Entiende su
produccin de arte como una herramienta para el anlisis y representacin de la realidad a varios niveles; sus piezas transitan
desde la representacin estticas de la investigacin a la generacin de publicaciones y ponencias. Su estrategia de actuacin tiene
dos grandes niveles de investigacin: el primero busca generar modelos de visualizacin morfolgica de colecciones, archivos y
acervos nacionales e internacionales, en funcin del agrupamiento de informacin bajo modelos matemticos. El segundo nivel de
investigacin trata de la representacin, divulgacin y materializacin de los resultados como produccin de arte. Utiliza los modelos
matemticos como herramienta de anlisis y constatacin de emergentes que posibiliten estudiar los diferentes campos de la
produccin humana, buscando evidenciar la incidencia del contexto social, poltico, cultural en la construccin y validacin de dichas
producciones. El Proyecto Engrama Oficial del Campo del Arte Uruguayo, Montevideo, Uruguay 2014 y el Caso de Estudio: Archivo de
El Monitor Plstico, Montevideo, Uruguay 2016, son un ejemplo en el anlisis de la informacin, modelizacin y obtencin de patrones
de comportamiento cultural en funcin a modelos matemticos. En el campo de produccin de software desarroll la ontologa de
origen de una aplicacin que tiene la capacidad de modelar y clasificar el campo del arte, generando mapeos de medios expresivos y
de las zonas del cerebro estimuladas por ellos. Este software ser la herramienta del Observatorio de Arte de la Plataforma Engrama,
Montevideo Uruguay 2017.

V.M.

Visual artist, conservator- restorer and researcher of art, he connects his artistic and professional practice using research and
preservation strategies from the field of arts as inputs for the conceptual and object modelling of his artworks. His artistic production
is related with research and reflection on the manifestations of man in different fields. He understands his production as a tool for the
analysis and representation of reality at various levels; his pieces range from aesthetic representations of research to the generation
of publications and papers. His strategy involves two levels of research: the first aims at generating models for the morphological
visualization of collections and national and international archives, grouping information under mathematical models. The second
level deals with the representation, circulation and materialization of the results as art production. He uses mathematical models
as tools for the analysis and verification of emergents that permit the study of the different fields of human production, seeking to
show the incidence of social, political and cultural contexts in the construction and validation of the said productions. The project
Engrama Oficial del Campo del Arte Uruguayo, (Official Engram of the Uruguayan Art Field, Montevideo, Uruguay) (2014) and the Caso
de Estudio: Archivo del Monitor Plstico (Case Study: Archive of the Plastic Monitor) (Montevideo, Uruguay) are both examples of
information analysis, modelling and obtainment of cultural behavior patterns based on mathematical models. In the field of software,
he developed the original ontology for an application that has the capacity to model and classify the field of arts, generating maps of
expressive media and of the zones of the brain that are stimulated by them. This software will be the tool for the Art Observatory of the
Engram Platform. (Montevideo, Uruguay) (2017).

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2014 56 Premio Nacional de Artes Visuales, MNAV, Montevideo 2009
Premio Paul Czanne, MNAV, Montevideo 2007 Vladimir Muhvich
Meirelles: Geometra ntima, Museo H. Cabildo, Montevideo 2004 Saln
Anual de artes Visuales., Subte, Montevideo 2002 Vladimir Muhvich:
Osario, Ministerio de Transporte y Obras Pblicas Montevideo 1998
Vladimir Muhvich: El ms perro., Librera Libertad Libros, Montevideo
2016 Beca FEFCA, MEC, Montevideo 2008 Beca, Premio Paul Czanne,
Embajada de Francia, Montevideo 2004 Gran Premio, Saln Anual de
Artes Visuales , Subte, Montevideo 2001 Beca Residencia artstica,
Fundacin Batuz, Altzela

1
260
1 Relecturas del Proyecto Engrama / Engrama Oficial del Campo del
Arte Uruguayo II (detalle), 2015, Instalacin Digital, 40 x 28 cm
2 Plataforma Engrama, Caso de Estudio: Archivo del Monitor Plstico.
Vnculos / El Monitor Plstico ARCHIVO, 2016, Materiales varios, 500
x 400 x 300 cm, video, 9 min, Vista de instalacin, Museo Zorrilla,
Montevideo
3 Plataforma Engrama, Caso de Estudio: Archivo del Monitor Plstico.
Vnculos / El Monitor Plstico ARCHIVO, 2016, Video digital, 9 min
4 Engrama Oficial del Campo del Arte Uruguayo (detalle), 2014,
Instalacin Digital
5 Engrama Oficial del Campo del Arte Uruguayo, 2014, Materiales
varios, 800 x 240 cm, Vista de instalacin, MNAV, Montevideo
6 Relecturas del Proyecto Engrama / Engrama Oficial del Campo del
Arte Uruguayo II, 2015, Materiales varios, 600 x 240 cm, Vista de
instalacin digital, Subte, Montevideo
 4

6
262

Carlos Musso
1954, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

Toda obra tiene materias que la integran y que la hacen dinmica, justamente por su antagonismo. Una es la materia formativa,
la parte de creacin, con todo su aporte de readaptacin de lo conocido, ya sea tcnico como sensitivo. Otra es destruccin, que
quema etapas pasadas: vistas y sentidos actuales caducos que nos pesan y estorban. No podemos realizar algo nuevo y nuestro si
no destruimos todo lo prestado, quemamos todas las muletillas, para que la obra se sostenga por s sola, para que sea autntica, para
que no tenga que vivir desesperada detrs de una vanguardia, para que valga la pena ante todo aquel que la perciba y le comunique
algo ms que la mera sorpresa.

C.M.

Any artwork contains antagonistic materials that integrate it and make it dynamic. One is the formative matter, the aspect of creation
that readapts the known, be it technical or sensitive. The other is destruction, which burns past stages: current views and obsolete
meanings that weigh us down and get in our way. We cannot make something new and ours if we do not destroy everything which is
borrowed; we must burn all crutches for the work to become self-sustained, for it to be authentic, so that it does not have to desperately
follow a vanguard, so that it becomes worthy for all those who perceive it and get something more than mere surprise from it.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2013 Musso - Seveso, MNAV, Montevideo 2013 El arte no tiene cura, 2012 Beca FEFCA 2002 Premio Figari, MEC, Montevideo 1988 1er
Museo Gurvich, Montevideo 2002 Die Tango-Idee, Bankhaus Lbbecke, Premio, Saln Municipal, Subte, Montevideo 1982 Gran mencin
Munich 2001 VII Bienal de Cuenca 2000 Musso - Seveso, Subte, de honor (2o Premio), Premio Paul Czanne, Embajada de Francia,
Montevideo 1988 Pintura Uruguaya actual, Galera Imperial, Tokio Montevideo
1
264

4 S/T, 2013, leo, acrlico y neopreno s/tela, 200 x 130 cm 5 S/T, 2013, leo, neoprene y acrlico s/tela, 200 x 132 cm
3 S/T, 2014, Tinta s/papel, 72 x 92 cm 6 S/T, 2013, leo y neoprene s/tela, 200 x 135 cm
2 S/T, 2016, Tinta, tmpera y acrlico s/papel, 72 x 92 cm 1 S/T, 2016, Tinta s/papel, acrlico 70 x 90, 2016, 70 x 90 cm
 4 5

6
266

Clemente Padn
1939, Lascano, vive actualmente en Montevideo

Poeta experimental, artista y diseador grfico, artecorresta, performer, curador, videsta y networker. Licenciado en Letras en la
Universidad de la Repblica Oriental del Uruguay, dirigi las revistas Los Huevos del Plata (1965 - 1969); OVUM 10 y OVUM (1969 - 1975),
Participacin (1984 1986) y Correo del Sur (2000 2003). Organizador de la primera exposicin de arte correo en Latinoamrica en
1974 en Galera U, Montevideo, Uruguay. Ha expuesto individualmente en Estados Unidos, Italia, Corea, Argentina, Uruguay, Alemania,
Mxico, Espaa, Canad, Repblica Dominicana, Per, Brasil, Blgica y Japn. Entre otras distinciones fue invitado a la XVI Bienal de
San Pablo (1981) y a las Bienales de La Habana (1984 y 2000), Cuenca, Ecuador (2002) y la 2da. Bienal de Arte en Tesalnica, Grecia,
(2009). Becado por la Academia de Artes y Letras de Alemania (1984), ha dictado seminarios sobre poesa experimental, performance
y arte correo en todo el mundo. Fue docente en el IUNA de la URBA, Buenos Aires, Argentina, en el posgrado Lenguajes Artsticos
Combinados. Desde la performance La Poesa Debe Ser Hecha por Todos, Montevideo, 1970, ha realizado cientos de ellas y es autor
de 20 libros y centenares de notas y artculos. En 2016 fue invitado al NIPAF 16, uno de los eventos ms importantes del mundo en
performances realizado en Tokio, Osaka y Nagano, Japn. Ha participado en mltiples eventos de Internet desde 1992 y ha editado
dos CD Roms con trabajos de Net Art. Ha sido distinguido con el PREMIO PEDRO FIGARI a la trayectoria artstica en su pas, Uruguay,
2005. Fue curador de Concentrado Accin, 2007 y del Encuentro de Poesa Experimental Amanda Berenguer, Agosto, 2008 ambos
en la Galera del MEC, Montevideo, Uruguay. Public POESAS COMPLETAS, Ed. Del Lirio, Mxico, 2014. Su archivo se encuentra en el
Archivo General de la UDELAR, Montevideo, Uruguay a disposicin de investigadores y estudiantes. Fue distinguido con el Premio 400
AOS de la Universidad Nacional de Crdoba, Argentina, 2015.

C.M.

Born in Lascano, Rocha, Uruguay, in 1939. Experimental poet, artist and graphic designer, mail artist, performer, curator, video-maker
and networker. He holds a Licentiate Degree from the Universidad de la Repblica, Uruguay, and directed the magazines Los Huevos
del Plata (The Eggs of the River Plate) (1965-1969); OVUM and OVUM 10 (1969-1975); Participacin (Participation) (1984 - 1986) and
Correo del Sur (Southern Mail) (2000-2003). In 1974, he organized the first mail art exhibition in Latin America at Galera U, Montevideo,
Uruguay. He has exhibited solo in the United States, Italy, Korea, Argentina, Uruguay, Germany, Mexico, Spain, Canada, Dominican
Republic, Peru, Brazil, Belgium and Japan. Among other distinctions, he was invited to the 16th Sao Paulo Biennial (1981) and the
Biennials of Havana (1984 and 2000), Cuenca, Ecuador (2002) and the 2nd Art Biennial in Thessaloniki, Greece, (2009). He was granted
a scholarship by the Academy of Arts and Letters of Germany (1984), and has taught seminars on experimental poetry, performance
and mail art throughout the world. He has taught at IUNA of the URBA, Buenos Aires, Argentina, the post graduate course Combined
Artistic Languages. After the performance La Poesa Debe Ser Hecha por Todos (Poetry must be made by everyone) in Montevideo,
1970, he has carried out countless others, authored 20 books and written hundreds of reviews and articles. In 2016, he was invited to
the NIFAP 16, one of the most important performance art festivals in the world, in Tokyo, Osaka and Nagano, Japan. He has participated
in multiple Internet events since 1992 and has also edited two CDs with Net Art work. He won the PEDRO FIGARI award for his
artistic career in his home country, Uruguay, in 2005. He curated Concentrado Accin (Concentrate Action) (2007) and the Amanda
Berenguer encounter on Experimental Poetry in August of 2008, both at the mec Gallery, Montevideo, Uruguay. He published POSEAS
COMPLETAS, Ed. Del Lirio, Mexico, Mexico 2014. The archive is at the UDELAR General Archive, Montevideo, Uruguay, available to
researchers and students. He was honored with the award 400 AOS de la Universidad Nacional de Crdoba (400 Years of the
National University of Cordoba), Argentina (2015).

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2010 Clemente Padn: Word, Action and Risk, Universidad de Bremen,
Weserburg 2009 2a. Bienal de Arte, Tesalnica 1989 Clemente Padn,
Yellow Springs Gallery, Chester Springs 1986 Clemente Padn, Art
Space Gallery, Hyogo 1981 16 a Bienal de San Pablo 1975 Poticas
Visuales, MAC, San Pablo
1990 Premio Senado de la Repblica, Saln Municipal, Subte,
Montevideo 2005 Premio Figari, Banco Central del Uruguay,
Montevideo 2015 Premio 400 Aos, Universidad Nacional de Crdoba,
Crdoba
1
268

Lmina 2. Performance POR LA VIDA Y POR LA PAZ, realizada frente a la

Biblioteca Nacional el 17 de Agosto de 1987 con el objetivo de denunciar
la desaparicin compulsiva como un inhumano y brutal mtodo
de resolver los antagonismos sociales y reafirmar los principios de
tolerancia y mutuo respeto como un bsico elemento de las relaciones
humanas. Se sum a la campaa para reunir firmas que convocaba a
un plebiscito para derogar la Ley de Impunidad aprobada por el gobierno
Sanguinetti.

Lmina 3. JUST DO IT, performance realizada en Agosto, 2005 en

Le Lieu, Quebec, Canad. Objetivo: denunciar la arbitrariedad de las
grandes corporaciones transnacionales del tipo Mc Donalds, Texaco,
ESSO, Windows, etc. En este caso se trat de poner en evidencia las
arbitrariedades de Nike, la productora de ropa deportiva, que produce
sus equipos en pases del tercer mundo pagando una centsima parte
de lo que debera pagar en salarios a sus trabajadores, incrementando
sus beneficios.

Lmina 4. Evento Poticas Visuales realizado en el MAC de San Pablo,

1975, organizado por Walter Zanini. El actuante es el artista cataln
Federico Ibarra, quien me supli durante la performance en razn de
que me result imposible viajar por mis compromisos con la resistencia
a la dictadura en nuestro pas. En la foto aparece Ibarra transportando
a dos espectadores y explicndoles la naturaleza de las obras que
estaban viendo, cumpliendo as con el compromiso conceptual de la
performance EL ARTISTA EST AL SERVICIO DE LA COMUNIDAD... En
la foto coincide con la obra del artista argentino Juan Carlos Romero
VIOLENCIA.

Lmina 5. Intervencin urbana AIRE, realizada primero en el evento SOS

Tierra II, Abril de 2006 en el Parque Hudson de Buenos Aires, Argentina,
curado por Daniel Acosta. Luego en Venezuela, en el marco del evento
3
Aire en Agosto, 2007 con el objetivo de llamar la atencin sobre el
deterioro ambiental y, finalmente, en la II Bienal de Tesalnica, Grecia,
2009. Obra conceptual: la palabra AIRE sustituyendo al objeto AIRE
que desaparece...

1 Zona de Arte, 1999, Performance, Montevideo 4 El Artista est al Servicio de la Comunidad, 1975, Performance, San
2 Por la Vida y Por la Paz, 1987, Performance, Montevideo Pablo
3 Just do it, 2006, Performance, Quebec 5 Aire, 2007, Intervencin Urbana, Caracas
 4

5
270

Jos Luis Parodi

1962, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

El sentimiento de dar por terminada una obra, como sealara John Berger, nace de la expiacin de una culpa. El incansable anhelo
por pintar como un modo de vencer la sensacin de culpa se deja ver en la obra de Jos Luis Parodi, tanto en los detalles de sus
ajustes tonales, como en la sordidez contenida de sus personajes. Parodi escoge a sus modelos entre catlogos de perfumera,
material publicitario y recortes de revistas. Sin embargo, es una tarea intil intentar encontrar las semejanzas, dado que el artista
parece sustraer intuitivamente de la imagen original todo contenido aspiracional y dotarla de una nueva identidad, hiertica y lejana.
Paradjicamente, desarrolla el expresionismo en su lenguaje haciendo uso de las tradiciones modernistas en el impecable manejo
del color y la composicin, mientras su mirada obstinada persigue la parodia y la desacralizacin. Con una gran influencia de Hugo
Longa, y seducido por la obra de artistas como Marlene Dumas, Peter Doig, Walter Dahn y George Condo, Parodi prescinde de excesos
simblicos para desarrollar un lenguaje propio curiosamente ertico y fascinante.

Jimena Pino

The feeling of finishing an artwork, as John Berger said, is born from the atonement of guilt. The relentless desire to paint as a way
of overcoming the sensation of guilt can be seen in the work of Jos Luis Parodi in the details of his tonal adjustments and in the
contained squalor of his characters. Parodi chooses his models from toiletry catalogs, advertising material and magazine clippings.
However, trying to find similarities is a hopeless task, because the artist seems to intuitively know how to subtract from the original
image every aspirational content to give them a new identity, hieratic and distant. Paradoxically, expressionism is present in his artistic
language through the use of modernist traditions, his impeccable use of color and composition and the pursuit, with his obstinate
gaze, of parody and de-sacralization. With a great influence of Hugo Longa and seduced by the work of artists like Marlene Dumas,
Peter Doig, Walter Dahn and George Condo, he avoids symbolic excesses to develop his own curiously erotic and fascinating language.

Exposiciones Seleccionadas cielo, La Licorne, Montevideo 2008 Jos Luis Parodi: El color que cay
2015 Retratos contemporneos, Subte, Montevideo 2014 Jos Luis del cielo, MNAV, Montevideo 2006 Jos Luis Parodi: Snap shots, ARTE-
Parodi: Sin ttulo, Kiosco, Montevideo 2012 Jos Luis Parodi: Wonderful UY, Punta del Este
life, MNAV, Montevideo 2010 Jos Luis Parodi: El color que cay del
1
272

1 The rise, 2014, leo s/ tela, 130 x 90 cm 5 Fischman, 2012, Acrlico s/tela, 60 x 40 cm
2 V.G., 2016, leo s/ tela, 53 x 37 cm 6 Angry, 2016, leo s/ tela, 30 x 40 cm
3 Nutt, 1998, leo s/ tela, 55 x 46 cm 7 Reflex, 2016, leo s/ tela, 40 x 60 cm
4 Morocha, 2002, leo s/ tela, 60 x 40 cm
 6

7
274

Ricardo Pascale
1942, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

Apoy sobre la mesa una libreta de apuntes de tapas negras. En cada pgina, una serie de estructuras: fundaciones o ruinas de un
alfabeto. No tengo otra prueba ni la menor duda, el primer plan de Ricardo Pascale fue una exposicin de dibujos a lpiz sobre papel.
Su segunda decisin fue declarar excedentario al lpiz para focalizarse en la construccin de un papel capaz de asumir todas las
funciones. Una superficie que fuera al mismo tiempo: hoja, texto y textura. Soporte y signo. La madera de Marup es el papel Pascale
y con ella alude hasta la ltima tecnologa: Baja resolucin es un touch screen precario basado en pxeles de madera o mondadientes.
La imagen congelada se ubica en el umbral, entre las dos y las tres dimensiones. Camino aleatorio es una pantalla de alta definicin
aserrada que refiere al mismo tiempo a las oscilaciones de la estadstica impersonal, la intimidad de un electrocardiograma o el perfil
de una ciudad escalable. En Ciclos la lnea se libera del plano y la madera abandona el papel del papel. La madera pasa a cumplir la
funcin de un lpiz capaz de encadenar crculos en el espacio. El mismo lpiz tridimensional estrena en Citas un nuevo gnero que
podra definirse como graffiti forestal o abecedario combustible. Abre la muestra Vertical repentina, conos cncavos y convexos
sobre muro; una seal de ajuste, espirituosa. La incertidumbre se hace consistente. La unidad de Pascale, multiplicada, cierra siempre
sobre s misma y no se repite. La obra presenta un sistema orgnico preciso donde el container es el contenido.

Heisenberg en la Playa, Marco Maggi

He set on the table a notebook with black covers. On each page, there was a series of structures: the foundations or ruins of an alphabet.
I have no further evidence or shadow of a doubt: Ricardo Pascales first plan was an exhibition of pencil drawings on paper. His second
decision was to declare the pencil irrelevant to focus on the creation of a paper that would be able to assume every function. A surface
that was at the same time sheet, text and texture: foundation and sign. Marup wood is Pascales paper, and through it he alludes up to
the latest technology: Baja resolucin (Low resolution) is a precarious touch-screen based on wooden pixels or toothpicks. The frozen
image is located on the threshold, between two and three dimensions. Camino aleatorio (Random path) is a high-definition sawn
screen that refers, at the same time, to the oscillations of impersonal statistics, the intimacy of an electrocardiogram or the profile
of a scalable city. In Ciclos (Cycles) the line is freed from the plane and wood abandons the role of paper to assume the function of a
pencil capable of chaining circles in space. The same tridimensional pencil inaugurates in Citas (Quotes) a new genre that could be
defined as forest graffiti or combustible alphabet. He opens the Vertical Repentina (Sudden vertical) exhibition: concave and convex
icons on a wall; a spirituous adjustment signal. Uncertainty becomes consistent. Pascales unity, multiplied, closes on itself and is
never repeated. The work presents a precise organic system where the container is the content. Heisenberg en la Playa (Heisemberg
at the beach). (Marco Maggi).

Exposiciones Seleccionadas 2011 Ricardo Pascale: Random Movements, Boltax Gallery, Nueva York
2015 Ricardo Pascale: Random Lines, Galera del Paseo, Punta del Este 2008 Ricardo Pascale: Irreversibilidad, MNAV, Montevideo 1999 48
2014 Ricardo Pascale: Wheels and Cylinders, Sammer Gallery, Nueva Bienal de Venecia 2001 VII Bienal de pintura de Cuenca
York 2012 Ricardo Pascale: Red Noise, Fundacin Unin, Montevideo
1
276
1 Circle Line I, 2012, Madera, 25 x 25 x 22 cm
2 Saddle, 2010, Madera, 132 x 286 x 86 cm
3 Moving Circles, 2010, Madera, 96.5 x 78.5 x 99 cm
4 Omaggio a Ca Foscari, 2000, Madera, 242 x 24 x 24 cm, Vista de
instalacin, Venecia
5 La Gran Funcin, 2002, Madera, 410 x 720 x 80 cm, Vista de
instalacin, Colonia del Sacramento
6 Hommage a la Correspondence III, 2001, Madera y hierro, 660 x 158 x
109 cm, Vista de instalacin, Potsdam
 5

6
278

Virginia Patrone
1950, Montevideo, vive actualmente en Barcelona y Montevideo

Fui una nia romntica, tuve sueos de adulto y dediqu mis das a la ficcin dramtica, la lectura y la msica. Pint infatigablemente
con las acuarelas de mi madre sobre hojas A4 para copias de mquina. Mam haca copias a mquina. No fui feliz en la escuela ni
comprendida por mis coetneos, fui rara. Me vesta con extravagancia en la adolescencia y realizaba refinadas performances para
observar las reacciones de quienes las vean. Montevideo era enorme. Me sorprendi la maternidad demasiado pronto para grandes
alegras y dificultades por igual. Casi enseguida Uruguay se hundi en la dictadura y sufrimos infiernos. Haba estudiado arquitectura
durante aos y aos, enseado ingls y ballet para ganar unos magros dineros y criado y educado a mis hijos en un matrimonio spero,
en un pas en desgracia, cuando me volvi la pintura. A los veintinueve aos retom aquello de pintar infatigablemente. En 1968 haba
llegado a pensar que ya no haba nada que pintar y quera hacer cine; en 1979 pens que la pintura me haba salvado la infancia y que
tal vez la magia siguiera operante. El cine no pareca posible. Luego de aos de pintar en lo que se podra llamar oscuridad, hice mi
primera muestra individual en 1986: Ventanas a la calle. Se trataba de abrir las ventanas de las sufridas casas y tratar de recomponer
la realidad. Al tema le serva el neoexpresionismo de esos tiempos y las pinturas mostraban lo domstico teido de desesperacin, la
vida cotidiana brutalmente deformada, una domesticidad apocalptica, podra decirse. Desde entonces mi estilo se fue nutriendo de
la complejidad visual de la actualidad, incorporando el dibujo de la figura humana inspirado en los grandes dibujantes de comic del
Ro de la Plata, el cine, el teatro Kabuki y el graffiti, los histricos pintores planistas de Montevideo. Los pasajes por Tokio y Nueva York
dejaron sus marcas, mi vida en Barcelona tambin. La filosofa, los mitos, el origen de las religiones, la fsica terica, actan detrs
de escena.

V.P.

I was a romantic child; I had the dreams of an adult and dedicated my days to dramatic fiction, reading and music. I painted relentlessly
with my mothers watercolors on A4 paper for machine copies. My mother did typewritten copies. I was neither happy at school nor
understood by my peers; I was weird. I dressed extravagantly in my teenage years and carried out refined performances to observe the
reactions of those who watched them. Montevideo was huge. Motherhood surprised me too soon with great joys and great difficulties
alike. Almost at the same time Uruguay succumbed to dictatorship and we went through hell. I had studied architecture for years and
years, taught English and ballet to make small money and raised and educated my children in a rough marriage, in a country in disgrace,
when painting came back to me. At twenty-nine I relentlessly took up painting. In 1968, I had come to think that there was nothing left
to paint so I wanted to make movies; in 1979, I thought that painting had saved my childhood and that maybe the magic would still be
working. Filming did not seem possible. After years of painting in what could be called darkness I made my first solo exhibition in 1986:
Ventanas de a la calle (Windows facing the street). It was about opening the windows of suffering houses to try to mend reality. The
theme was aided by the neo-expressionism of those times and the paintings depicted domestic scenes stained with despair, a brutally
distorted daily life, an apocalyptic domesticity, it could be said. Since then my style has nurtured from the visual complexity of the
present times, incorporating the drawing of the human figure inspired by the great cartoonists of the River Plate, films, Kabuki theatre
and graffiti, the historical planista painters of Montevideo. My passages through Tokyo and New York left their mark, and so did my
life in Barcelona. Philosophy, myths, the origin of religions, theoretical physics still play their part behind the scene.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2015 Iris, la curacin de un fantasma, MNAV, Montevideo 2014 La
Seora Macbeth and the witches within, Teatro Sols, Montevideo
2012 El temor del robot, Museo Gurvich, Montevideo 2010 Rojo Kabuki,
Malt Cross Gallery, Nottingham 2010 Rojo Kabuki, Espacio Infame,
Barcelona 2003 La Cruz del Sur, Espace Kiron, Pars
1998 1er Premio Dibujo, Banco de la Repblica, Montevideo 1996
1er Premio de Pintura, Banco de la Repblica, Montevideo 1987
Beca Fulbright, Nueva York 1986 1er Premio, Saln Municipal, Subte,
Montevideo
1
280

1 Honrar y respetar, 2015, Acrlico s/tela, 230 x 155 cm 4 La expiadora, 2016, Acrlico s/tela, 120 x 80 cm
2 Muda la sirena de las aguas nace, 2016, Acrlico s/tela, 174 x 65 cm 5 The Pig, the Snake and the void, 2013, Acrlico s/tela, 150 x 90 cm
3 Eros embraced, Eros rejected, 2015, Acrlico s/tela, 230 x 95 cm 6 Iris, 1999, Acrlico s/tela, 200 x 250 cm
 5

6
282

Martn Pelenur
1977, Buenos Aires, vive actualmente en Maldonado

1 - Una secuencia de materiales industriales y procesos son ordenados de manera que el tiempo los afecte en la forma deseada.
2 - La idea de que la experiencia de prestar mucha atencin puede resultar en una actividad placentera en cualquier contexto, es relativa.
Lo cierto es que la inteligencia visual es algo muy importante en el tiempo de la circulacin acelerada de imgenes. La desaceleracin,
junto a la ralentizacin del tiempo y la percepcin, son estrategias fundamentales para poder estudiar las cosas en detalle. As como
enunciaba Gustave Flaubert, Dios est en los detalles. Un mundo de informaciones originales, de grficos y formas, de sincronas y
arritmias que velan y revelan. Pelenur disea un sistema de produccin, un proceso material y simblico. Una pintura sin marco ni
soporte. La ballena azul de Pelenur es el tiempo y la forma; controlar el resultado sobre la base de la catlisis para estudiar la forma.
Es necesario entonces transformarse en un aficionado de los qumicos y la repeticin de procesos. El barniz es un medio fsico al que
moldear, un vehculo para expresar contenidos e ideas. De una forma u otra se introducen aqu los desafos de la vida en el arte como
su contenido. La materia, el fracaso, la indeterminacin controlada. El desafo fue el de generar un espesor suficiente y estructural,
micras de barniz, acumulados en incontables capas que reposan durante semanas y se erigen en piezas industriales. La instalacin
se transforma en una mquina para producir y pensar, un laboratorio. Pelenur se ha dedicado a desarrollar un experimento sostenido
sobre la pintura. Busca constantemente modificar su enfoque, resistiendo la comodidad de las tendencias y manteniendo la frescura
de una prctica que lo apasiona. Cada experiencia nutre la prxima para generar insumos hacia su siguiente movimiento.

Martn Craciun

1 A sequence of industrial materials and processes are ordered in a certain way so that time affects them in the desired way.
2 The idea that the experience of paying close attention may result in a pleasant activity in any context is relative.
The truth is that visual intelligence is very important in times of an accelerated circulation of images. Deceleration, together with
the slowdown of time and perception are strategies that are fundamental to studying things in detail. As Gustave Flaubert said, God
is in the details. Pelenur designs a world of original information, of graphics and shapes, of synchronicity and arrhythmias that veil
and reveal. He creates a system of production, a material and symbolic process; a painting without frame or support. Pelenurs blue
whale are time and shape, i.e. controlling the result using catalysis to study shape. It is necessary then to become an aficionado of
chemicals and the repetition of processes. Varnish is a physical media to be molded, a vehicle to express contents and ideas. In one
way or another, the challenges of life are introduced in art as its content. Matter, failure, controlled indetermination. The challenge is
to generate a thickness that is sufficient and structural, microns of varnish, accumulated in uncountable layers that lay for weeks to
become industrial pieces. The installation becomes a machine to produce and think; a laboratory. Pelenur has dedicated himself to
the development of a sustained experiment about painting. He constantly strives to change his focus, resisting the comfort of trends
and maintaining the freshness of an artistic practice that is his passion. Every experience nurtures the next one, to generate inputs
for his next movement.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2016 Martn Pelenur: Ballena, Dodec, Montevideo 2015 Monochrome
Undone, Fundacin Sayago & Pardon, Los Angeles 2015 Materiateca,
Museo Figari, Montevideo 2013 Martn Pelenur: Sistema, Fundacin
Cassar, Buenos Aires 2012 Martn Pelenur: Extractor Voyeur, Alianza
Francesa, Montevideo 2011 Work Premises, Alejandra Von Hartz
Gallery, Miami
2016 Premio Emprende Cultura, Unin Europea, Montevideo 2014
Fondos Concursables, MEC, Montevideo 2012 Beca FEFCA, MEC,
Montevideo 2010 Premio Beca Goethe, 52 Premio Nacional, MNAV,
Montevideo

1
284

1 Ballena, 2016, Pelcula de barniz, 200 x 100 c/u, Vista de instalacin, 4 Taller Ciudad Vieja, 2013, Cinta papel, 100 x 100 cm, 200 x 100 cm,
Centro Cultural Dodec, Montevideo Vista de instalacin, Montevideo
2 Work Premises, 2011, Cintas papel 100 x 100 cm c/u, Vista de 5 Isla de las Gaviotas, 2013, Accin , video, 60 min
instalacin, Alejandra von Hartz Gallery, Miami 6 3 Cans of Klarlack, 2012, Vista de instalacin, Torstrasse 111, Berln
3 La Pecera, 2016, Pintura sobre lienzo, aluminio y cintas, dimensiones
variables, Vista de instalacin, Punta del Este
 5

6
286

lvaro Pemper
1965, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

La serie Contorsionistas de lvaro Pemper exuda una especie de felicidad sensual. Cuerpos pletricos, miradas plenas, colores
generosos. La simblica telrica de la femineidad los pechos como frutos, el sexo como flor, el cuerpo femenino como tierra frtil
se despliega sin retaceos. Y sin embargo, sin que sea inmediato captar en qu, suena una nota discordante. Algo rechina en esta
animalidad victoriosa. Los cuerpos se pliegan, repliegan y contorsionan hasta ocupar cada rincn de la imagen. Estn atrapados
en el rectngulo de la imagen. No hay ms all de los lmites del cuadro. El cuadro es una jaula transparente que exhibe un bello
animal. As como este cuerpo est enlatado en este encuadre, estas mujeres estn atrapadas en su animalidad. Para mejor subrayar
este atrapamiento los cuerpos parecen aplastarse contra la pared transparente de su jaula, la pared a travs de la cual los vemos.
Aplastados, quedan casi en un mismo plano los rostros, los senos, las nalgas, el sexo. Contorsionados, llenando de manera asfixiante
cada rincn del cuadro y aplastados en una humillante bidimensionalidad. Para que finalmente se activen sus dialcticas secretas.
La dialctica ms escandalosa es la de las dos bocas. Slo la reduccin al plano producida por este atrapamiento asfixiante poda
desencadenar la dialctica de las dos bocas: la boca en el rostro, pintada de rojo, y la boca rojiza de las mucosas vaginales. La
verdadera boca de estas mujeres es la boca de su sexo. La boca en el rostro es slo una metfora de su verdadera boca. La mujer
atrapada en su cuerpo habla por su boca secreta. Las otras dialcticas pelo y vello pbico, nalgas y senos no hacen sino reforzar
esta dialctica esencial de las bocas.

Antertica pemperiana (fragmento), Ercole Lissardi

Texto completo en: http://blogs.montevideo.com.uy/bloghome_10738_1_1.html

The series Contorsionistas (Contortionists) by Alvaro Pemper exudes a kind of sensual happiness; plethoric bodies, open gazes,
generous colors. The telluric symbolism of femininity breasts like fruits, sex like a flower and the feminine body as a fertile land is
deployed without restrictions. However, without an immediate clue, there is a discordant note. Something rattles in this victorious
animality. The bodies fold, fold back and contort to take very corner of the image. They are trapped in the rectangle of the image. There
is nothing else outside the limits of the picture. The picture is a transparent cage that exhibits a beautiful animal. Just as the body is
tinned in this frame, these women are trapped in their animality. To underline this entrapment, the bodies seem to flatten against the
transparent wall of their cage, the wall through which we see them. Crushed, the faces, breasts, thighs, sex, seem to be in the same
plane. They contort, to fill in an asphyxiating manner every corner of the picture, squashed by a humiliating bi-dimensionality, so that
their secret dialectics are finally activated. The most scandalous dialectic is that of the two mouths: the one on the face, painted red,
and the reddish mouth of the vaginal mucosae. The real mouth in these women is that of their sex. The mouth on their faces is just a
metaphor of their real mouth. The woman trapped in her body speaks through her secret mouth. The other dialectics hair-pubic hair,
thighs-breasts simply reinforce this essential dialectic of the mouths.

Antertica pemperiana (Pemperian Anterotics) (fragment)

The complete text in: http://blogs.montevideo.com.uy/bloghome_10738_1_1.html

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2012 La Serie Negra, Espacio Infame, Barcelona 2010 Los Sueos de la
Caja del Cerebro, Malt Cross Gallery, Nottingham 2006 La Serie Negra,
Espacio Sinsentido, Madrid 1995 Anstasis, Alianza Uruguay EEUU
Montevideo 1993 Pinturas & Dibujos, Paseo Narvaja, Montevideo 1989
Chiffon de Fantasa, Museo H. Cabildo, Montevideo
2001 Gran Premio, Saln Municipal, Subte, Montevideo 1998 1er
Premio, Saln Municipal, Subte, Montevideo 1992 Gran Premio, Saln
80 Aniversario de UTE, Montevideo 1987 1er Premio, Saln Municipal,
Subte, Montevideo
1
288

1 El cuerpo elctrico (Serie de las Contorsionistas), 2004, Acrlico s/
tela, 130 x 100 cm
2 Falsa china, 2016, Acrlico s/tela, 203 x 157 cm
3 Un busto de Hypnos (Serie de las Contorsionistas), 2010, Acrlico s/
tela, 100 x 130 cm
4 El jardn de las fobias, 2011, Acrlico s/tela, 145 x 200 cm
5 Narciso Menstrual, 1998, Acrlico s/tela, 2000 x 145 cm
6 Afrodita de los puertos, 2016, Acrlico s/tela, 200 x 148 cm
 4

6
290

Diego Priz
1966, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

La pintura de Diego Priz nos invita a transitar mundos que vienen del cine y la fotografa; viajamos a los aos cuarenta del film noir
o del cine italiano y volvemos a la contemporaneidad de iconos de la moda o de la cinematografa actual, o a la fotografa de Annie
Leibovitz, generando un dilogo controversial entre la imagen y la velocidad propia de la hipermodernidad. El artista nos introduce
en atmsferas vivas, con contrastes de claroscuros, y es en esa radicalidad en donde las imgenes cobran sentido. Es un juego
anacrnico, entre espacios diseados de manera exquisita y cuerpos que se actualizan en escenas altamente proyectivas. Priz juega
en el borde del sistema apropiacionista del arte, por ejemplo en la obra Carretera, que marca un paralelismo con Lost Highway del
brillante David Lynch, esa esttica propia del llamado cine negro, que conecta la vida y la muerte con las intrigas tan humanas en
inesperados finales, con la vertiginosa circularidad de la historias. Esto es lo que Priz captura y se manifiesta en las escenas y en
su impecable manejo de la luz y el color. En la misma lnea, de su trabajo reciente se destacan: En el living y La noche, en donde
una vez ms el discurso pictrico tiene como centro a una mujer desnuda, enigmtica y sensual, que en la obra parece naturalizar
su posicin, logrando una presencia evocadora de lo bello con un halo misterioso. Es ese guio, en la denominada sociedad de la
evidencia a la que el filsofo Byung-Chul- Hang alude, para mostrar los rasgos de la sociedad actual, en donde La capa figurada
erotiza la palabra, elevndola a la condicin de un objeto de deseo. La palabra acta con mayor poder de seduccin cuando est
revestida figurativamente, y es en ese juego de tensiones en donde el artista Diego Priz compone su obra.

Evidencias, Jacqueline Lacasa

The paintings of Diego Priz invite us to go through worlds that come from movies and photography; we travel to the forties of film noir
or Italian cinema, and back to the contemporaneity of fashion icons or current cinematography or the photography of Annie Leibovitz,
generating a controversial dialog between the image and speed typical of hypermodernity. The artist introduces us into living
atmospheres, with contrasts of chiaroscuro, and it is in that radicalness that the images begin to make sense. It is an anachronistic
game, between exquisitely designed spaces and bodies that are actualized in highly-projective scenes. Priz plays on the edge of the
art appropriationist system, for instance, in Carretera (Road) which draws a parallel with Lost Highway by the brilliant David Lynch and
the aesthetics typical of the so-called film noir, which connects life and death with human scheming in unexpected endings and the
dizzying circularity of its stories. This is what Priz captures, and it is apparent in the scenes and in his mastery of light and color. In the
same vein, two paintings stand out among his recent works: En el living (In the living room) and La noche (The night), where, once again,
the pictorial discourse centers around a naked, enigmatic and sensual woman whose position seems to be naturalized in the painting,
thus achieving a presence reminiscent of beauty with an aura of mystery. That knowing wink, in the so-called society of evidence as
referenced by philosopher Byung-Chul-Han, is intended to show the features of todays society wherein Figural garb eroticizes the
Word. It raises it to an object of desire. The Word exercises a more seductive effect when disguised figurally and it is in that play of
tensions that artist Diego Priz composes his work.

Evidences

Exposiciones Seleccionadas Priz: Crnica de un amor, Galera Thomas Cohn, San Pablo 2004 Diego
2015 Diego Priz: Pinturas 2011-2015, Galera Federico Towpyha, Buenos Priz: Ciudades extraas, superhroes buclicos, Galera Praxis, Buenos
Aires 2013 Diego Priz: Film Noir, Alianza Francesa, Montevideo 2011 Aires 2015 Diego Priz: Pinturas (cmics), Galera Thomas Cohn, San
Diego Priz: Film Noir, Galera Thomas Cohn, San Pablo 2008 Diego Pablo
1
292

1 2 ventanas, 2016, leo s/ tela, 130 x 100 cm 4 El sueo de Sofa 2, 2016, leo s/ tela, 116 x 80 cm
2 Niebla del riachuelo, 2014, leo s/ tela, 89 x 116 cm 5 La ventana, 2016, leo s/ tela, 130 x 100 cm
3 La ciudad, 2011, leo s/ tela, 120 x 90 cm 6 El tapiz, 2016, leo s/ tela, 140 x 116 cm
 4

6
294

Luca Pittaluga
1970, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

Luca Pittaluga se interesa por lo experimental y por ello nunca se dirige hacia verdades absolutas, conclusiones, fines determinados.
Piensa la obra en trminos de work in progress. No cree tener la llave ni la clave del sentido de sus obras y tiene la esperanza de no
encontrarlas nunca. Porque prefiere las interpelaciones a las afirmaciones rotundas. Sus obras son siempre enigmticas y generan
incgnitas. Destacada por abordar con originalidad las instalaciones de esculturas blandas y el trabajo en el espacio, ha explorado
tambin la web como soporte, el cine, y realizado otro tipo de instalaciones de carcter ms conceptual. Objetos frgiles, precarios,
y situaciones de pausas, intersticios e intervalos singularizan sus instalaciones. El silencio, esa zona de riesgo e incertidumbre,
es importante en este discurso visual. En este sistema configurativo espacial los visitantes tienen que fijar la atencin a travs de
lugares indicados por la artista, deben fijar la mirada, deben participar interpretando, deben completar la obra con su anlisis. Los
espectadores dejan de serlo y se involucran en una realidad que compromete sus capacidades intelectuales, emotivas y sensoriales.
Uno de los mayores atractivos es que la obra invita a los visitantes a realizar una funcin activa y concentrarse. Se sacrifica al objeto en
el proceso. Esta es una crtica radical al sistema tradicional que concibe el arte como una produccin de formas visibles hermosas
(definicin clsica del Greater Oxford Dictionary). La obra se hace in situ, no en el atelier y tiene un tiempo que es el de la exposicin.
La obra se arma all, est concebida para ese lugar y tiene una relacin fundamental con ese contexto espacial. Es efmera, una vez
terminada se retira y la obra como tal desaparece. Contradice el arte tradicional destinado a sobrevivir. De lo slido se pasa a lo frgil,
existe una mutacin hacia lo fugaz. Lo vulnerable est aceptado. Prima el principio de lo no permanente y de una imagen fluida. La
esttica es la de la fluidez.

Sustancia remota (fragmento), Alicia Haber

Luca Pittaluga is interested in the experimental; this is why she never pursues absolute truths, conclusions or specific purposes. She
thinks of her work in terms of work in progress. She does not believe that she has the clue or the key to the meaning of her works and
hopes never to find them, because she prefers interpellations to categorical statements. Her works are always enigmatic and generate
unknowns. Renowned for addressing with originality her installations of soft sculptures and work in space, she has also explored
the web as a medium, films and more conceptual installations. Fragile, precarious objects and situations of pause, interstices and
intervals singularize her installations. Silence, that zone of risk and uncertainty, is important in this visual discourse. In this visual-
configurational space visitors must focus their attention in places marked by the artist, they must fix their stare, participating through
interpretation, completing the work with their analysis. Viewers stop being spectators to engage with a reality that compromises their
intellectual, emotional and sensorial capacities. One of the greatest appeals of her work is that it invites viewers to take an active role
and to concentrate. The object is sacrificed in the process. This is a radical critique to the traditional system which conceives art as the
production of visible and beautiful forms (classic definition from the Greater Oxford Dictionary). The work is carried out in situ, rather
than in a studio, and it has its own timing, which is that of the exhibition. The work is assembled there; it is conceived for that place
and establishes a fundamental relationship with that spatial context. It is ephemeral, once it is completed it is taken away and the
artwork as such disappears. It contradicts traditional art destined to survive. From the solid we move to the fragile, there is a mutation
towards the ephemeral. Vulnerability is accepted. The principle of non-permanency prevails and so does the idea of a fluid image. The
aesthetics are those of fluidity.

Remote Substance (fragment)

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2016 Luca Pittaluga: SAYO / pblicas disrupciones, EAC, Montevideo
2014 2a Bienal de Montevideo 2013 Luca Pittaluga:Sustancia Remota,
MNAV, Montevideo 2010 Voces en Libertad, Bienal Internacional
del Cartel, Mxico y otros 2003 Luca Pittaluga: Travesas, Goethe,
Montevideo 2003 Luca Pittaluga:Intemperie, Galerie Pav dans la
mare, Besanon
2002 1er premio, Premio Paul Czanne, Embajada de Francia,
Montevideo 2000 1er premio, Premio United Airlines para arte joven,
MAM, Maldonado 2003 2o premio, Premio Something Special, Molino
de Prez, Montevideo 2001 Mencin honorfica, 49 Saln Nacional,
MNAV, Montevideo

1
296

1 Pachakutic, 2014, Vista de Instalacin, 2a Bienal de Montevideo, BROU 5 Sustancia remota, 2013, Medidas variables, Vista de instalacin, sitio
2 Pachakutic, 2014, Vista de Instalacin, 2a Bienal de Montevideo, BROU especfico, MNAV, Montevideo
3 SAYO: pblicas disrupciones, 2016, Prctica artstica, Plataforma 6 Sustancia remota, (mirilla), 2013, Medidas variables, Vista de
pedaggica, 6 meses, EAC, Montevideo instalacin, sitio especfico, MNAV, Montevideo
4 Sustancia remota, 2013, Medidas variables, Vista de instalacin, sitio
especfico, MNAV, Montevideo
4

6
298

Sergio Porro
1970, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

Una primera mirada a la trayectoria de Sergio Porro nos acerca a un cuerpo de obras que escenifica los valores morales de la tradicin
clsica. Este escenario de iconografas, mitos y dobles lecturas entabla un dilogo filoso entre el mundo del dibujito animado y el relato
hegemnico de la historia moderna. Las formas de representacin generan una dialctica vinculada primariamente al mundo infantil,
que inmediatamente se transforma en un escenario adulto; la mirada del espectador pervierte, en la lectura de la narrativa, toda
ingenuidad posible. Sergio Porro se aleja de lo autobiogrfico, de la referencia a su vida como artista, distinguindose de los artistas
que utilizan ese recurso para vehiculizar sus micro-narrativas. Por otro lado, la parafernalia del mundo del peluche, de la esttica del
neo-pop y de la superficialidad ayudan a enfatizar una mirada generacional que se aleja de la inocuidad, porque es una mirada irnica,
que desacomoda los principios del legado iconogrfico uruguayo. Una mirada politizada, crtica y muchas veces incomprendida por
las generaciones mayores. Este universo que versa sobre el mundo Disney plantea un criterio que activa la subversin a partir de lo
que no se nombra: el vaco contemporneo, la heroicidad decadente, la identidad fragmentada y la memoria como un obstculo. Las
obras de Sergio Porro se manejan en un espacio transterritorializado, sin referencia directa a los valores de la patria o a la memoria e
identidad uruguayas. El artista pertenece a una generacin que se educa durante la dictadura militar, y su produccin se encuadra,
en un principio, en la salida a la democracia. Las formulaciones que se refieren al perfil identitario de la nacin, a la memoria y la
identidad, comienzan por lo tanto a reformular situaciones que seguiran estando ligadas a la idiosincrasia uruguaya.

Fernando Lpez Lage

A first look into Sergio Porros career brings us closer to a body of works that uphold the moral values of the classic tradition. This
scenario of iconographies, myths and double entendres establishes a sharp dialogue between the world of cartoons and the hegemonic
narrative of modern history. The forms of representation generate a dialectic process that is initially related to the world of children,
which immediately turns into an adult scenario; the viewers gaze, in its reading of the narrative, perverts every possible naivety. Sergio
Porro moves away from the autobiographical, of the reference to his life as an artist, differentiating himself from artists who use this
resource to mediate their micro-narratives. On the other hand, the paraphernalia of the world of fluffy toys, of the aesthetics of neo-
pop and superficiality help underline a generational perspective that moves away from innocuousness, because it is an ironic regard
that disturbs Uruguayan iconographic legacy. It is a politicized stance, critical and often misunderstood by older generations. This
universe centered around the world of Disney proposes a criterion that activates subversion from what is not named: the contemporary
emptiness, decadent heroism, fragmented identity and memory as an obstacle. The works of Sergio Porro are inserted in a trans-
territorialized space, without direct reference to the values of the country or the memory and identity of Uruguay. The artist belongs
to a generation that was educated during the military dictatorship, and his production is framed, initially, in the return to democracy.
Those formulations that refer to the identity profile of the nation, to memory and identity, thus begin to reformulate situations that
would continue to be linked to Uruguayan idiosyncrasy.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2016 Desafueros, Subte, Montevideo 2015 Sergio Porro: Pinturas,
Museo J.M. Blanes, Montevideo 2014 Konkurso, Subte, Montevideo
2013 Bunny and betty, Harold Golen Gallery, Miami 2010 Sergio Porro:
Watashi, Subte, Montevideo 2006 Sergio Porro: Pinturas recientes,
Coleccin Engelman Ost, Montevideo
2001 Premio Codicen, 49 Saln Nacional, MNAV, Montevideo 2000 1er
Premio, Premio Philips, Galera Marta Traba Memorial Latinoamericano,
San Pablo 2000 2o Premio, Primer festival de muros de Montevideo,
IMM

1
300

1 Snoopy, 2006, Acrlico s/lienzo, 200 x 150 cm 4 S/T (Berenice), 2014, Acrlico s/lienzo, 300 x 200 cm
2 Alicia, 2009, Acrlico s/lienzo, 200 x 150 cm 5 Danae, 2006, Acrlico s/lienzo, 200 x 150 cm
3 S/T, 2016, Acrlico s/lienzo, 200 x 150 cm
5
302

Teresa Puppo
Montevideo, vive actualmente en Montevideo

En el marco de la exposicin colectiva Espectros del deseo, que tuvo lugar en el Centro de Exposiciones Subte a partir del 8 de
junio, me encontr con variaciones e insistencias en torno a la cuestin del deseo. Deseo sexual, amoroso, de objeto, deseo-condena,
deseo-falta, deseo-pregunta, deseo-inquietud, deseo-produccin, yoes deseantes, cuerpos deseantes Nos interesa la obra de
Teresa Puppo, Amar es urgente/accin potica en tanto no se detiene en las cristalizaciones o modulaciones del deseo y va al hueso
de la cosa. En la mesa que tuvo lugar el 12 de julio en el lugar de la exposicin, Teresa deca: Para m el deseo pasa por un tema de
deseo-creacin, deseo-potencia, deseo no pasa por un deseo posesivo sera como la versin ms fcil o de consumo, de algo que
se puede tener. El texto de la obra dice:

Amar es urgente. / Cuerpos. Relaciones que componen cuerpos. Relaciones de cuerpos. / Cuerpo de cuerpos. / Cuerpo deseante,
cuerpo amante. / Soy cuerpo. Ac, hoy, somos cuerpo. / Montevideo, Uruguay, ac Latinoamrica, mi lugar. / Donde estoy y donde
siento. [] Son cuerpos de cuerpos, cuerpos que fluyen. / Cuerpos polticos, cuerpos sociales. Conjuntos de cuerpos. / Cuerpos que
pueden. Qu podemos, nosotros?

El deseo es presentado como un ejercicio, singular y relacional a la vez, que atiende las condiciones de produccin: para hacer con
eso (incluso en la adversidad), para interrogarlas (desde un gesto afirmativo-creativo), para producirlas (accin potica). Como deca
en aquella misma mesa pens en decir que no, pero por otro lado me pareca poco frtil Interesa sealar tambin, que as como
no encontraremos a ningn politlogo hablando de poltica afectiva en el sentido que lo desarrolla A. Teles en su texto Poltica
afectiva, tampoco encontraremos a ningn economista hablando del deseo-potencia-productivo, y sin embargo es algo de este
solapamiento entre unos flujos y otros, unos transcurrires montados sobre otros transcurrires, lo que Teresa seala en esta accin
potica. Y al hablar de cuerpos, en un sentido spinoziano, cuerpo de cuerpos, cuerpos relacionales, instala la cuestin del deseo en un
plano que no soslaya la cuestin tico-poltica, y lo hace desde el lazo con la vida.

Cuerpos, produccin y deseo, Ariana Mira

In the context of the group exhibition Espectros del deseo (Specters of desire) held at the Centro de Exposiciones Subte (Subte
Exhibition Center) starting on June 8, I found variations and persistence around the issue of desire. Sexual desire, loving desire, desire
for an object, desire-condemnation, desire-absence, desire-question, desire-concern, desire-production, desiring selves, desiring
bodies We are interested in the work of Teresa Puppo, Amar es urgente/accin potica (To love is urgent/poetic action) because it
does not waste time on the crystallizations or modulations of desire and goes straight to the heart of the matter. On the conference
that took place on June 12 at the site of the exhibition, Teresa said: For me, desire has to do with the aspect of desire-creation, desire-
power, desire it doesnt have to do with a possessive form of desire it would be something like the easiest or consumer version of
something that can be owned. The text of the work reads:

To love is urgent. / Bodies. Relations that make up bodies. Body relations. / Body of bodies. / Desiring body, loving body. / I am body.
Here, today, we are body. / Montevideo, Uruguay, here Latin America, my place. / Where I am and where I feel. [] These are bodies of
bodies, bodies that flow. / Political bodies, social bodies. Groups of bodies. / Bodies that can. What can we, us?

Desire is presented as an exercise, both singular and relational, at the same time, that follows the conditions of production: to do with
that (even in adversity), to question them (from an affirmative-creative stance), to produce them (poetic action) As she said in the
same conference I thought of saying no, but, on the other hand, that didnt seem very fertile to me. It should also be noted that, just
like we wont find any political scientists discussing affective policy in the meaning discussed by A. Teles in her paper Poltica afectiva
(Affective politics), we wont find any economists speaking of desire-power-productive and yet, it is some of this overlap between
different flows, the passage of time over set other passages of time, which Teresa points to with this poetic action. And speaking of
bodies, in the sense of Spinoza, body of bodies, relational bodies, she brings forth the issue of desire on a plane that does not sidestep the
ethical-political issue and does so from the ties to life.

Bodies, production and desire

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2016 Entraable/ una lnea de mil seiscientos pasos, Oficina 2014 3er Premio, 56 Premio Nacional, MNAV, Montevideo 2001 1er
proyectista, Buenos Aires 2001 mvd 19:13:01 ago 04 01, Subte, Premio (compartido), 50 Saln Nacional, MNAV, Montevideo
Montevideo 1998 La Mujer del Ao, Museo H. Cabildo, Montevideo 1996
Puerta de la vida y de la muerte, Museo J.M. Blanes, Montevideo 2009
Indomitable Women, Barcelona Contemporary Art Festival, MACBA
2007 Nuevas vas de acceso II, MNAV, Montevideo
1
304

1 Apolo 11, 2010, Video, Fiva, Buenos Aires 5 Entraable, 2015, Medidas variables, Vista de instalacin, Museo
2 Crioterapia disciplinaria, Videoinstalacin, EAC, Montevideo Zorrilla, Montevideo
3 Identidades a la carta, 2004, Pintura sobre tela, fotocopias, 6 Retrato, 2002, 72 Impresiones digitales, medidas variables
180 x 180 cm
4 Emanaciones luminosas, 2014, Vista de Videoinstalacin, MNAV,
Montevideo
6
306

Ernesto Rizzo
1966, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

La obra de Ernesto Rizzo ltimamente se puede usar. Ropa, por ejemplo, en el 54 Premio Nacional de Artes Visuales, 2010, donde el
pblico puede ponerse dos trajes transparentes de PVC sin ninguna otra prenda debajo y realizar un desnudo pblico en las salas y
jardines del Museo Nacional de Artes Visuales Las Ropas Nuevas del Emperador estn listas! 099140389. La participacin de las
personas en este crowdsourced-art, o arte que se genera en la gente, cierra el crculo de muchas de sus obras. En DOGMA, ao 2013
curadura Jacqueline Lacasa, presenta en el CE Subte 40 cascos de motocicleta, dispuestos en crculo en el piso de la sala para
que la gente pueda hacer crowdsurfing, tirarse a una multitud desde un escenario, como lo hacen las estrellas del pop y rock en sus
conciertos. Propone una zona de inmersin, contacto y juego que inicia invirtiendo a nivel lingstico la palabra dogma - amgod. Ya
en Made in Cante en el ao 2009, el pblico participa activamente en talleres; todos los viernes, por dos meses, en el Centro MEC de
la calle San Jos se dictan clases de msica y baile del cante. Cumbia villera en el Ministerio, cuatro jvenes de zonas marginales
muestran y ensean su manera de bailar la cumbia de a dos. Como nmero en vivo, Tango Villero do musical: Andrs Toro, guitarra
y msica, Ernesto Rizzo, letra y voz combina el tango y la cumbia rioplatense con notas de pop y rock ingls. Estos talleres generan
un agitado debate pblico sobre la cultura plancha en los medios de prensa. En Un Carrito al Cielo 2010 - 2016 sugiere tomar otro
objeto icnico, como lo es un carro de supermercado, intervenirlo con un espejo en su parte superior y recorrer la ciudad. Se tiene
otra visin del entorno y la arquitectura mientras se pasea el carro: edificios emblemticos, paisajes urbanos, caras, desfilan en la
superficie del espejo. Junto a los fotgrafos G. Carella y F. Meneses forma parte de la exposicin About Change, en el Programa de Arte
del Banco Mundial, Washington DC, 2012. En este dilogo que establece con el pblico Yoga Mat 2015 - 2016, nos da en la 3. Bienal
de Montevideo instrucciones de uso: Tome una de estas alfombras de cuero de vaca y recorra el Saln de los Pasos Perdidos. Elija un
lugar, coloque la alfombra a nivel del piso y recustese. No haga nada.

E.R.

The work of Ernesto Rizzo may be worn of late. Ropa (Clothing), presented at the 54th National Prize for the Visual Arts 2010, let the
public wear 2 PVC transparent suits without any clothing underneath to perform public nudity in the exhibition halls and gardens of
the National Museum for the Visual Arts. Its title: Las Ropas Nuevas del Emperador estn listas! 099140389. (The new clothes of the
emperor are ready! 099140389). The participation of people in this type of crowdsourced-art, or art generated by the people, closes the
circle of many of his works. In DOGMA (2013) curated by Jacqueline Lacasa he presented at the Subte (Subte Municipal Exhibition
Center) 40 motorcycle helmets displayed in a circle on the floor of the exhibition room, so that the people could practice crowdsurfing
(jumping on a crowd from a stage, like pop and rock stars do in their concerts). He proposes a zone of immersion, contact and play
that he initiates by inverting at linguistic level the word dogma (dogma) amgod. Already in Made in Cante (2009) the public actively
participated of workshops held every Friday during two months at the MEC Center where music and dance lessons from the cante
(short form for cantegril, slum) were taught. In Cumbia villera en el Ministerio (Slums Cumbia at the Ministry), 4 youngsters from
marginal zones showed and taught their way of singing and dancing Cumbia in couples. As a live number, Tango villero (Slum Tango)
a musical duet: Andrs Toro in guitar and music and Ernesto Rizzo, lyrics and vocals combined Tango and River Plate Cumbia with
English pop and rock notes. These workshops generated a heated debate in the media about the plancha culture. Un Carrito al Cielo
(A little cart to the sky), 2010-2016, centered on an emblematic artifact like the shopping cart. The cart was sealed off by a gleaming
plate at its top. When moved through the streets of the city, it reflected emblematic buildings, urban landscapes and also the faces of
passersby. Together with photographers G. Carella and F. Meneses, he took part of the About Change Exhibition, in the Inter-American
Development Bank Art Program, Washington D.C., 2012. Finally, his Yoga Mat 2015-2016 exhibition at the 3rd Montevideo Biennial
came with the following instructions: Take one of these cowhide rugs and tour the Saln de los Pasos Perdidos (Central Atrium of the
Parliament Building). Choose a spot, place the mat at floor level and lie down on it. Do nothing.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2009 Ernesto Rizzo: Made in Cante, Subte, Montevideo 2012 2011 Mencin Honorfica, IX Bienal de Salto
Biombos transparentes, Subte, Montevideo 2012 Un Carrito al Cielo,
About Change en el World Bank, Washington 2013 DOGMA, Subte,
Montevideo 2016 Espectros del Deseo, Subte, Montevideo 2016 3
Bienal de Montevideo

1
308
1 Un Carrito al Cielo, 2010/16, Carro de supermercado con espejo
2 Yoga Mat, 2015/16, Accin sobre cuero de vaca, Museo de Arte
Moderno de Medelln
3 Made in Cante, 2009, Talleres de danza y msica, Centro Mec,
Montevideo
4 Tango Villero, 2006/16, Do musical
5 Las Ropas Nuevas del Emperador estn listas! 099140389, 2010, Dos
trajes transparentes de PVC (Performers: Valeria Priz y Martn Barea
Mattos)
 4

5
310

Fabio Rodrguez
1969, Flores, vive actualmente en Montevideo

En Fabio Rodrguez, el desplazamiento semntico tiene otras complejidades. A tal punto que instaura un relato singular, claramente
propio nada norteamericano, considerablemente uruguayo. No es apropiacin cruda. Es una requisa que trasiega adherencias
alusivas, que multiplica interpretaciones, que abre lecturas. En sus pinturas y objetos de notable ejecucin, corresponde subrayarlo,
utiliza cdigos icnicos facilitados por la publicidad, por la televisin, por juguetes infantiles, por el entorno cotidiano. Pero no los
hace participar de una sacralizacin mecnica. Un chicle estalla en un contexto fantstico, sobre una colina de pastillitas M&M, y
se convierte en una materia inquietante. As, la parcela publicitaria deja de ser lo que era y ofrece un paisaje de rara penumbra. Un
cereal chorreante de miel sobrevuela el cerro de Montevideo, elevacin identificadora del barrio donde vive el artista, casi como un
extrao objeto levitante. Sobre ese escenario se dibuja en rosa cursiln el rostro de Stephanie, personaje de Lazy Town, popular serie
para nios. Una gigantesca pistola de agua parece que se convierte en una colorida nave espacial. Sobrevuela otro lmpido cielo
montevideano. Una vez ms, la Villa del Cerro detrs. En este caso, el raro objeto exhala una bella, rara placidez. La cabeza del Gusano
Loco sonre emergiendo en otro cielo, ahora con algo de rayos exaltantes. Un medio tanque de barrio se vuelve juguete didctico. Un
tapn de termo tiene forma de Little Pony. Siempre, en una clara variante magrittiana, el absurdo como nica realidad.

Alfredo Torres

In Fabio Rodriguez, the semantic shift has different complexities. So much so that he sets up a singular story, clearly his own not at
all North American, considerably Uruguayan. It is not raw appropriation. It is a requisition that racks allusive adhesions, multiplying
interpretations, opening readings. In his paintings and objects it must be noted, notably executed he uses iconic codes borrowed
from advertising, television, childrens toys, from the everyday environment. But he does not engage them in a mechanical sacralization.
Chewing gum explodes in a fantastic context, on a mound of M&Ms, and it becomes disturbing matter. Thus, the advertising plot is
no longer what it was and it offers a landscape of rare gloom. Honey-dripping cereal flies over el Cerro (the hill) of Montevideo, an
orographic landmark of the neighborhood where the artist lives, almost like a strange levitating object. In this scenario, the face of
Stephanie, the character of the popular childrens series Lazy Town, is drawn in cheesy pink. A giant water gun becomes what seems
to be a colorful spacecraft. It flies over another limpid Montevidean sky. Again, the Villa del Cerro appears in the background. In this
case, the strange object exhales a beautiful, rare placidity. The smiling head of the Gusano Loco [Translators Note: the Crazy Worm,
an amusement park ride] emerges in another sky, now accompanied by some exhilarating rays. An improvised neighborhood barbecue
grill becomes an educational toy. A thermos bottle top is shaped like a Little Pony. And always, in a clear Magrittian variant, the absurd
appears as the only reality.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2009 Cursilera - Cursilada, Subte, Montevideo 2008 53 Saln
Nacional, MNAV, Montevideo 2008 Satlites de amor 2, MNAV,
Montevideo 2006 52 Saln Nacional, MNAV, Montevideo 2002 Lab
02 arte emergente Espaa / Uruguay, Coleccin Engelman Ost,
Montevideo 2001 50 Saln Nacional, MNAV, Montevideo
2001 Mencin, 50 Saln Nacional, MNAV, Montevideo 1998 1er Premio
Joven Plstico, Asamblea del Palacio Legislativo 1998 1er Premio,
Saln Florencio Snchez, IMM, Montevideo

1
312

1 Bubblegum, 2005, Acrlico s/lienzo, 170 x 130 cm 4 Mc Swing, 2006, Acrlico s/lienzo, 170 x 130 cm
2 Micaela Guyunusa en el parque, 2015, Acrlico s/lienzo, 180 x 180 cm 5 Vaca, 1998, Acrlico s/lienzo, 200 x 200 cm
3 Nido de hornero, 2004, Barro, 35 x 20 x 20 cm 6 Medio tanque, 2010, Madera policromada, 120 x 90 x 110 cm
4 5

6
314

Juan Manuel Rodrguez

1980, San Jos de Mayo, vive actualmente en Montevideo

Mientras antes la produccin artstica se situaba en linajes de convencin dentro de comunidades limitadas, hoy se extiende a la
arena global, atrayendo para s a actores de cada rincn del mundo, de cada tipo de sociedad, y de cada celdilla del enorme panal
de miel del mundo del arte. Y mientras el nfasis estuvo una vez en abstraerse de la superposicin de modernidad para descubrir
tradiciones artsticas incorruptas, la modernizacin se ve hoy situada en el corazn del asunto, proporcionando un trampoln para
explorar la creatividad cultural y la autoafirmacin.

Son los antroplogos ciegos frente al arte?, Sally Price

Cmo definimos el proceso de formacin del artista? Los caminos que recorre un artista para lograr el reconocimiento como tal son
cada vez ms diversos. Muchas son las instituciones capaces de instrumentar el proceso de legitimar la obra de arte, pero cmo
nos posicionamos nosotros los artistas a la hora de negociar este proceso con las instituciones? Qu podemos ofrecer nosotros
a cambio? Quin legitima a quin? Cules son los caminos que transitamos para permitir que un sistema cultural acepte una
expresin artstica? Qu rol juegan las instituciones, el mercado o la tradicin? Somos los artistas la primera institucin en este
proceso de legitimacin? Y finalmente Cmo podemos proponer una realidad simblica a los caminos que transitamos?

J.M.R.

While the site of artistic production was once located in lineages of convention within bounded communities, it now spreads into
the global arena, pulling in players from every corner of the world, from every kind of society, and from every chamber of the art
worlds vast honeycomb. And while the emphasis was once on abstracting back from an overlay of modernity to discover uncorrupted
artistic traditions, modernization is now seen as lying at the heart of the enterprise, providing a springboard for explorations of cultural
creativity and self-affirmation.

Primitive Art in Civilized Places

How do we define the formation process of the artist? The paths traveled by an artist to gain recognition as such are increasingly
diverse, there are many institutions that can put in place a process to legitimize works of art, but, what attitude do we, as artists, adopt
at the time of negotiating this process with institutions? What can we offer in return? Who legitimizes who? What processes do we
follow to let a cultural system accept an artistic expression? What are the roles of institutions, the market or tradition? Are we, the
artists, the first institution in this legitimation process? And finally, how can we propose a symbolic reality for the paths we take? (JMR)

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2016 La siesta de Leonor Carlota , Centro Cultural Kavlin , Punta del
Este 2015 Higos de abril , Galera SOA , Montevideo 2014 Apicultor
Mirando Cuadros , EAC , Montevideo 2013 Collective Fictions , Palais de
Tokyo , Pars 2013 SUR - SUL , Memorial do Rio Grande do Sul , Porto
Alegre 2010 Hablo solo , CCE , Montevideo
2012 1er Premio MEC , 55 Premio Nacional , MNAV , Montevideo 2011
1er premio , Premio Paul Czanne , Embajada de Francia , Montevideo
2010 Premio pintura joven , Concurso Nacional de Pintura Zonamerica,
Montevideo 2008 3er Premio , 53 Saln Nacional , MNAV , Montevideo
1
316

3 4

1 Herencia I, 2011, Medidas variables, Vista de instalacin, Espacio
Cultural de la Intendencia de San jos (ex Banco Comercial)
2 S/T (Un cuadro es un cuadro), 2012, Madera alambre y cera de abeja,
24 x 48 cm
3 S/T (Una alza ), 2012, Dorado a la hoja s/ madera, 41 x 51 x 24 cm
4 S/T (Media alza), 2012, Dorado a la hoja s/madera, 41 x 51 x 15 cm
5 S/T (La siesta de Leonor Carlota), 2014, Dorado a la hoja s/MDF,
72 x 100 cm
6 S/T (Herencia ), 2012, Dorado a la hoja s/madera, medidas variables,
Vista de instalacin
 5

6
318

Juliana Rosales
1944, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

Juliana Rosales se recibe de arquitecta en Universidad de la Repblica en Montevideo y hace su Masters Degree en SCI-Arc (Southern
Institute of Architecture) en Los Angeles, California. La mayora de su trabajo tiene que ver con la relacin entre arquitectura y
naturaleza, entre arte y tecnologa. Como artista, ha trabajado en diferentes medios: instalaciones sonoras, animaciones interactivas,
video, dibujo, fotografa, instalaciones con plantas nativas, impresiones, etc. Actualmente mi obra es sobre los territorios y el
paisaje: cmo lo recorremos, recordamos y representamos. Como consecuencia de esta variedad de proyectos, ha trabajado en
equipo con ingenieros de sonido, botnicos, programadores, msicos, bailarines, atletas, etc. Trabajos como RT_ OW y Santa Luca
son exploraciones en la traduccin de datos y las posibilidades que brinda la digitalizacin, abriendo nuevos territorios. Ha estado
trabajando en instalaciones con plantas nativas, algunas de ellas interactivas, como Natura Data en Montreal, otras en acciones
colectivas en el EAC, o Jardines Verticales en el CCE en Montevideo. Con la artista ngela Lpez Ruiz fundaron un proyecto curatorial
llamado FOCOS, acciones de arte colectivas donde en happenings simultneos enfocamos destacando temas como lmites, culturas
emergentes, el medioambiente, el territorio, todos elementos que se encuentran en el lmite de la disciplina. Su trabajo ms reciente
es Mapas de Escape; son pauelos y estandartes en tela. Mapas de lugares reales son alterados, modificados y combinados con
dibujos, textos, propios y ajenos, creando una topografa subjetiva de un paisaje personal.

J.R.

Juliana Rosales holds a degree in architecture from the University of the Republic in Montevideo and is currently enrolled in a masters
degree at SCI-Arc (Southern Institute of Architecture) in Los Angeles, California. Most of her work revolves around the relationship
between architecture and nature and between art and technology. As an artist, she has worked with different media: sound installations,
interactive animations, video, drawing, photography, installations with native plants, prints, etc. Currently my work is about territories
and landscapes: how we walk them, how we remember and represent them. As a result of this variety of projects, she has teamed up
with sound engineers, botanists, programmers, musicians, dancers, athletes, etc. Works like RT_OW and Santa Luca (St. Lucia) are
explorations in the translation of data and the possibilities offered by digitalization, opening up new territories. She has been working
on installations with native plants, some of them interactive, like Nature Data in Montreal, as well as on other collective actions at the
EAC, like her Vertical Gardens at the CCE (Cultural Center of Spain), in Montevideo. Together with artist Angela Lpez Ruiz she founded
a curatorial project called FOCOS (Foci): actions of collective art where simultaneous happenings focus on highlighting issues such as
boundaries, emerging cultures, the environment, territory, all the elements found at the edge of the discipline. Her latest work Mapas
de Escape (Escape maps) is made up of handkerchiefs and cloth banners. Maps of real places are altered, modified and combined with
drawings, texts, (her own and by others) thus creating a subjective topography of a personal landscape.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2016 Juliana Rosales: Estandartes, Coleccin Engelman Ost, 2015 Fondo Concursable para la Cultura (con Martn Pelenur), MEC,
Montevideo 2016 57 Premio Nacional Artes Visuales, MNAV, Montevideo 2009 Residencia Almost Perfect, Banff Center for the
Montevideo 2009 Inclemencia del Tiempo, Subte, Montevideo 2008 Arts, Banff 2008 Premio Fundacin Langlois, Oboro Centre, Montreal
Juliana Rosales: Nature Data, Oboro Centre, Montreal 2007 Juliana
Rosales: Jardines Verticales, CCE, Montevideo 2006 9a Bienal de la
Habana
1
320

1 Bastardos 1, 2016, Dptico, Impresin sobre tela, 160 x 160 cm 4 S/T, 2006, Fotografa, 160 x 80 cm
2 Opus Alfa, 2007, Fotografa, 60 x 130 cm 5 Creepy, 2014, Impresin por sublimacin sobre satin, 90 x 90 cm
3 Jardines Verticales, 2007, Claveles del aire, medidas variables, Vista 6 Pauelos de Escape, 2015, Vista de instalacin, Coleccin
de instalacin, CCE, Montevideo Engelman-Ost, Montevideo
 5

6
322

Mara Clara Rossi

1944, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

Las obras, que no tienen mayores atributos, son una metfora que toma como referencia la foto carnet, la del pasaporte, de
la credencial, donde la foto es un registro que nos simplifica, abarcndonos como un todo. Los modelos sirven de excusa para el
desarrollo de una idea. A veces no tienen esos piercing, ni algunos de esos peinados. El cuadro no es lo que a simple vista parece.
Es una idea que se abre en muchos caminos de sentido. Hay que ver a la obra como un todo, dirigido a reflejar el mundo interior de la
persona, que muchas veces es ella misma. Los piercing se pueden interpretar como un desafo generacional. Como un cdigo que
los representa, y se presentan as, como productores de identidad. Son un cdigo subversivo que establece a gritos la autoridad del
individuo sobre su cuerpo, retando al otro que intenta controlarlo. Es una forma de afirmar la posesin de su cuerpo y su identidad,
contra el caos que lo rodea. Se marca el cuerpo como forma de marcar los hechos, y as el cuerpo pasa a transmitir en forma criptica,
reflexiva y corporizada, lo que la persona es. El ser humano quiere alcanzar la libertad, ser uno mismo. El hombre libre es un guerrero,
pero ser libre no implica la soledad? Somos soledades compartidas, nos enfrentamos solos ante los acontecimientos de nuestras
vidas: el nacimiento, el amor, el dolor, la muerte. Solo nosotros sabemos de la intensidad de nuestras emociones. Los otros solo son
espectadores. Las obras de Mara Clara Rossi se pueden interpretar como una mirada permanente, que nos salva de la vorgine del
mundo que nos rodea, donde todo aparece y desaparece rpidamente. Es mentira que morimos de golpe, vamos muriendo lentamente,
con la muerte de esos seres con los que nos rozamos y ayudaron en la afirmacin de nuestro yo, hasta al fin morir definitivamente,
cuando aparece el olvido. La obra es un hipervnculo que nos conduce a muchas rutas de sentido, siendo una de ellas la que pregona
la no arrebatable identidad.

M.C.R y R.

The works, which do not have major attributes, are a metaphor that draws on the photo in the passport or the voter ID as a reference,
where the picture is a record that simplifies us while embracing us as a whole. The models serve as an excuse for the development
of an idea. Sometimes they do not have those piercings, or some of those hairstyles. The picture is not what it seems at first. It is
an idea that opens many paths of meaning. The work should be seen as a whole aimed to reflect the persons inner world, which is
often her real self. The piercings can be interpreted as a generational challenge. It is a code that represents them, and they present
themselves thus, as producers of their identity. It is a subversive code that loudly establishes the authority of the individual over their
body, challenging the other who is trying to control them. It is a way of affirming the possession of their body and identity, against
the chaos surrounding them. The body is marked as a way to mark the facts, and so the body goes on to convey in a cryptical, reflexive
and embodied manner what the person is. The human being wants to achieve freedom, to be their own self. The free human is a warrior,
but doesnt being free imply loneliness? We are shared solitudes, we face by ourselves the events of our lives: birth, love, pain, death.
Only we know the intensity of our emotions. Other people are just spectators. The works of Maria Clara Rossi can be interpreted as a
permanent gaze that saves them from the maelstrom of the world around us, where everything appears and disappears quickly. It is
not true that we die once; we go dying slowly, with the death of those beings that touched us and who helped us in affirming our self,
until finally, we definitely die, when oblivion appears. This work of art is a hyperlink that leads to many roads of meaning, with one of
them proclaiming the identity that cannot be snatched from us.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2015 Retratos contemporneos, Subte, Montevideo 2012 El Monitor
Plstico, Subte, Montevideo 2009 Proyecto Matriz, Museo H.
Cabildo, Montevideo 2008 Maria Clara Rossi: ZOOM. El retrato como
autorretrato, Discount Bank, Montevideo 2007 Maria Clara Rossi:
Retratos. El paisaje interior, CCE, Montevideo 2002 Maria Clara Rossi:
Retratos, Centro Cultural Pachamama, Montevideo
2016 Premio pintura, 57 Premio Nacional, MNAV, Montevideo 2011
Premio BSE, Bienal de Salto 2010 Premio ANCAP, 54 Premio Nacional,
MNAV, Montevideo 2000 Premio, XV Saln Artes Plsticas del SMU
Montevideo
1
324

3 4

1 Valentina, 2016, leo s/tela, 180 x 180 cm 4 Sebastin, 2013, leo s/tela, 180 x 180 cm
2 Luciana, 2014, leo s/tela, 180 x 180 cm 5 Agustn, 2007, leo s/tela, 180 x 180 cm
3 Federica, 2015, leo s/tela, 180 x 180 cm 6 Natalia, 2016, leo s/tela, 100 x 100 cm
 5

6
326

Federico Rubio
1977, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

Para esta serie de retratos arquitectnicos Federico Rubio juega conscientemente con el contraste entre representacin y sujeto
representado. La representacin se vale de una herramienta magnfica pero en desuso en esta regin: la cmara de fuelle, que
produce negativos con una densidad y claridad de informacin excepcional. Esa claridad se deriva del tamao del negativo, as
como de propiedades especficas de basculacin de la cmara, que permiten la correccin de convergentes, y un mayor control de
la profundidad de campo. A los atributos de la representacin (que tienen en comn el mtodo y el rigor) se opone lo representado
(lo que decide fotografiar y mostrar), que es ms libre e inclasificable, y de ms variable calidad. El artista no se concentra en obras
de un determinado perodo o de un cierto valor urbanstico. El ojo est atento a aquello que le interesa, y se interesa por cosas muy
diversas, incluso contradictorias. La prctica de captura involucra, entonces, una antittica combinacin de disciplina y volubilidad.
Fotografa lo inesperadamente armnico pero tambin la incongruencia o el error; lo primoroso; lo vagamente siniestro; lo hbrido; esa
suerte de moderado kitsch vernculo, extravagante pero cauto. Por otro lado, las fachadas elegidas no son moneda corriente, ms
all de que sus imgenes generen, entre los conocedores del Uruguay, reconocimiento o identificacin. A veces estn perdidas en un
mar de construcciones montono y gris, o ms frecuentemente en el desordenado pastiche de nuestras ciudades, al que contribuyen
y del que es difcil aislarlas. En toda fotografa hay una propaganda encubierta, disfrazada de verdad. La relacin de la imagen con el
original es fascinante pero complicada, y en la acumulacin de las mismas que llamamos serie se multiplica la subjetividad. Afirma
el artista: Era mi sospecha, cuando empec a sacar y a coleccionar estas fotos, que se ira configurando un cierto universo. Que no
fuera necesariamente real, pero que se asemejase a uno con esa cualidad.

F.R.

For this series of architectural portraits, Federico Rubio consciously plays with the contrast between representation and the represented
subject. The representation uses a great tool that has been neglected in this region: the bellows camera, which produces negatives
with exceptional density and clarity of information. That clarity is derived from the size of the negative and specific properties of
camera tilting, allowing the correction of converging verticals and greater control over the depth of field. The representation attributes
(which share both method and rigor) are contrasted with the represented subject (what he decides to photograph and portray), which
is freer and unclassifiable, and more variable in quality. The artist does not concentrate on works of a certain period or a specific urban
design value. The gaze focuses on what it finds interesting and it is interested in very different, even contradictory things. The capture
practice therefore involves an antithetical combination of discipline and volubility. He photographs the unexpectedly harmonious,
but also the inconsistency or the error; the lovely; the vaguely sinister; the hybrid: that sort of moderately vernacular, extravagant but
cautious kitsch. On the other hand, the faades chosen are not common, although their images may be recognized or identified by
people who know Uruguay. Sometimes they are lost in a sea of drab gray buildings, or more often in the messy pastiche of our cities,
to which they contribute and from which it is difficult to isolate them. In every photograph there is covert propaganda, disguised as
truth. The relation of the image with the original is fascinating but complicated, and in the accumulation we call a series, subjectivity
multiplies. The artist says: It was my suspicion, when I started taking and collecting these pictures, that a sort of universe would take
shape. It would not necessarily be real, but it would come close to one with that quality.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2016 Desafueros, Subte, Montevideo 2010 99 Dreams, Galera Ups!,
Buenos Aires 2010 Alegres Vacaciones, Lugar a Dudas, Cali 2009
Es posible no amar a Spinoza, MACRO, Rosario 2008 Monoscopio,
Coleccin Engelman Ost, Montevideo 2007 Nuevas vas de acceso II,
MNAV, Montevideo
2011 Premio Centro Comercial e industrial Salto, Bienal de Salto 2010
Residencia, Lugar a Dudas, Cali 2006 Mencin Honorfica, Premio Paul
Czanne, Montevideo
1
328

1 S/T, 2013, Fotografa 4 Curtina, 2014, Fotografa

2 Rivera, 2010, Fotografa 5 San Javier, 2013, Fotografa
3 Dolores, 2012, Fotografa 6 Polptico Oriental, 2014, Fotografas, Vista de instalacin, MNAV
 4 5

6
330

Agustn Sabella
1977, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

El ruido, caos, interferencia, niebla, ambigedad, deseo, la sumatoria del todo se transforma en nada, por absurdo el vaco es el
contenido que deja el exceso. Algo comparable a surfear en la web, hacer zapping entre 1.000 canales, caminar por la calle, entrar a un
centro comercial. Las capas de datos, al mismo tiempo que ocultan, muestran. Es un continuum, donde no est claro el principio ni el
fin, qu est por delante y qu por detrs.

A.S.

Sabella presenta pinturas donde texto e imagen se interponen. Un conjunto de frases que va encontrando y anotando en una pequea
libreta, sirven luego para generar un dilogo que no siempre desembarca en un sentido. El azar, la arbitrariedad o el capricho se ponen
en juego para mostrar dos mundos que no siempre confluyen de la forma ms amigable. Imagen y palabra pues, no logran una finalidad
premeditada y se exponen en la cruda soledad del significante. Los stencils que Sabella construye con refinada obsesin, logran
tcnicamente lo que generalmente se le pide a recursos mecanizados. El proceso de trabajo presenta una habilidad tcnica poco
usual, que luego se desvanece bajo el contrapunto iconogrfico y textual que presenta la obra. Este artista nos pone en la obligacin
de enfrentarnos a un trabajo interpretativo, a buscar relaciones entre lenguajes, a buscar un poco de sentido en lo que vemos. Si
sabemos que la publicidad es la encargada de usar ambos espacios para lograr un tipo de seduccin premeditada, orientada a la
compra de un objeto, entonces la postura del artista se pondr, de forma antagnica, en la posicin de reclamar una pausa perceptiva,
que podr lograr o no, la captura del sentido. En esto la funcin del artista ya no es comunicar o convencer, sino lograr la activacin de
una duda y de un trabajo de decodificacin.

Rulfo

Noise, chaos, interference, fog, ambiguity, desire, the summation of everything becomes nothing; absurdly, emptiness is the content
left by excess. It is something akin to surfing the web, zapping between 1,000channels, walking on the street, going into a mall.
The layers of data conceal, while also showing at the same time. It is a continuum, in which it isnt clear where it begins and where it
ends, what is in front and what is behind it.

Sabella presents paintings in which texts and images are interposed. A set of phrases that he writes down in a little notebook as he
finds them are then used to generate a dialog that doesnt always end up having meaning. Chance, randomness or whimsy is put in
play to show two worlds that do not always come together in the friendliest way. Image and word then, dont fulfill a premeditated
purpose and are exposed in the crude loneliness of the signifier. The stencils created by Sabella with a refined obsession achieve in a
technical manner what is usually requested of mechanized resources. The work process displays an unusual technical skill that then
fades under the iconographic and textual counterpoint presented in the artwork. This artist forces us to make an interpretive effort, to
look for relations between languages, to look for a little meaning in what we see. If we are aware of the fact that advertising uses both
spaces for achieving a sort of premeditated seduction, geared toward the sale of an object, then the artist will take an antagonistic
stance by asking for a perceptual pause which may or may not capture the meaning. Here the function of the artist is no longer to
communicate or convince, but rather to manage to activate a doubt and a decoding effort.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2007 Nuevas vas de acceso II, MNAV, Montevideo 2008 Monoscopio,
Coleccin Engelman Ost, Montevideo 2009 Es posible no amar a
Spinoza, MACRO, Rosario 2010 99 Dreams, Galera Ups!, Buenos
Aires 2010 Alegres Vacaciones, Lugar a Dudas, Cali 2016 Desafueros,
Subte, Montevideo
2006 Mencin Honorfica, Premio Paul Czanne, Montevideo 2010
Residencia, Lugar a Dudas, Cali 2011 Premio Centro Comercial e
industrial Salto, Bienal de Salto
1
332

1 Mstica de la pintura, 2011, Acrlico s/tela, 122.5 x 100 cm 3 Silencio!, 2016, Acrlico s/tela, 150 x 120 cm
2 El camino al infierno est plagado de buenas intenciones, 2016, 4 99 Dreams, 2010, Acrlico y esmalte s/tela, 164 x 164 cm
Acrlico y esmalte s/tela, 160 x 300 cm 5 S/T, 2015, Tcnica mixta, 200 x 550 cm
 4

5
334

Sebastin Sez
1974, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

En la tarde del da 5 de noviembre de 2015, el dique de la minera Samarco, prxima al pueblo de Bento Rodrigues, se rompi, vertiendo
sus residuos txicos en el Ro Doce y sus diversos afluentes, como el Ro Gualaxo do Norte, etc... El ro muri, matando toda la vida a
su paso, por quinientos kilmetros hasta desembocar en el ocano Atlntico. Esto fue catalogado como el mayor desastre ambiental
de Brasil. Cuando el artista se enter de este hecho, que lo impact profundamente, decidi tomarse un avin hasta el lugar y llegar a
la localidad de Bento Rodrigues para ver por s mismo lo que las desalentadoras imgenes de Internet mostraban. Al llegar a la ciudad
Mariana prxima a Bento Rodrigues se encuentra con personas del lugar que haban trabajado en la minera, que le relatan que Bento
Rodrigues ha sido arrasado y que actualmente nadie vive ah. Lo que lo deja consternado es un comentario que escucha: Gracias
a Dios que el accidente fue de da. Si hubiese sido de noche, las muertes hubiesen sido muchsimas ms, ya que los habitantes de
Bento Rodrigues no estaban en sus casas; estaban trabajando en la minera. Posteriormente se traslada al lugar de los hechos y se
encuentra con el rea cercada, luego que la minera comprara todo el terreno donde estaba Bento Rodrigues. Intenta meterse al otro
lado del alambrado pero se hunde en el fango txicolas imgenes deben ser tomadas sin bajar al gigantesco crter. Luego de este
viaje exploratorio, comienza a trabajar en una serie de pinturas y grabados, a partir de las imgenes tomadas, incursionando as en lo
que seran estos paisajes contemporneos.

S.S.

In the afternoon of November 5, 2015, the dam of the Samarco mine located near the town of Bento Rodrigues broke, dumping its toxic
waste in the Rio Doce and its various tributaries such as the River Gualaxo do Norte. The river died, killing all river life in its path for
five hundred kilometers before emptying into the Atlantic Ocean. This was billed as the largest environmental disaster in Brazil. When
Sebastin Sez learned about it, he was deeply shocked and he decided to fly to the place and reach the town of Bento Rodrigues to
see for himself what the daunting Internet images showed. When he arrived in the city of Mariana, close to Bento Rodrigues, he found
local people who used to work in the mine and who told him that Bento Rodrigues had been destroyed and it was now empty. He was
dismayed by a comment Thank God that the accident was during the daytime. If it had been at night, the deaths would have been
many more, as the people of Bento Rodrigues were not in their homes [at the time of the accident]; they were working in the mine.
Later he went to the scene and found the area fenced, since the mining company had bought all the land where Bento Rodrigues used
to be located. He tried to cross the fence but he got bogged down in the toxic mud... he had to take the images from outside the huge
crater. After this exploratory journey, he began to work on a series of paintings and prints based on the images he had taken, thus
venturing into what would become contemporary landscapes.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2016 Desafueros, Subte, Montevideo 2015 Montevideanos, Lindolfo, 2008 Mencin Honorfica, Premio Paul Czanne, Embajada de Francia,
Montevideo 2009 Es posible no amar a Spinoza?, MACRO, Rosario Montevideo 2004 Premio Bathus, MEC, Montevideo
2008 Graphias, se assim somos que assim sejamos, Fundacin
Memorial de Amrica Latina, San Pablo 2006 Cruce de esquinas,
Museo Zorrilla, Montevideo 2003 Bunkers de la indiferencia, Coleccin
Engelman Ost, Montevideo,
1
336

3 4

1 Iviel y Eliphas, 2010, Acrlico s/papel de embalaje, 150 x 100 cm 4 Ro muerto, nocturno, 2016, leo s/ lienzo, 18 x 25 cm
2 Ro Gualaxo do norte, ro morto, 2016, leo s/ lienzo, 90 x 120 cm 5 Bento Rodrigues, lava txica, 2016, leo s/ lienzo, 140 x 180 cm
3 Ro muerto 2, 2016, leo s/ lienzo, 18 x 25 cm 6 Nocturno, 2015, leo s/ lienzo, 180 x 230 cm
 5

6
338

Mario Sagradini
1946, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

La preocupacin formal est siempre presente, ya sea en su obra sobre papel, en sus instalaciones, en sus intervenciones en el
espacio o en sus proyectos museogrficos. En cualquiera de esos casos es posible transitar desde obras fuertemente estructuradas
(Rodel, Regional Este, Collecting fragments, Equis, etctera) a otras que ostentan una desarticulacin ordenada (Purple Land, Las
agendas del Sr. Ramos, Onda tras onda, etctera), dejndose entrever en ambos casos, por su escala y construccin del espacio, el
pasaje del artista por la Facultad de Arquitectura. Fue ya mencionado, respecto a la cuestin formal, el recurso de la autocita, que
aparece cuando ciertos materiales, mdulos temticos o formas expositivas son reiterados a lo largo del tiempo. Homenaje a Beuys
(1993) y Homenaje a Belloni (1987) se citan mutuamente en la reiteracin de la caja de madera con inscripciones para viaje. Algo
similar sucede con transmigra, La (Pontevedra, 2006) y Purple Land (Texas, 1998), debido al uso, en ambos casos, de mampuestos
de ladrillo presentados en forma escalonada. Del mismo modo Purple Land y Onda tras onda (Panam, 2013) son obras que replican
el recurso de los neumticos de goma negros en formatos expositivos similares. As tambin el formato-feria, por ejemplo, presente
en su montaje para la exposicin de dibujos de Hontou (1993), tiene un antecedente en la obra Homenaje a Belloni realizada seis aos
antes (sistema de papeles colgados), pero se pierde para adquirir nuevo sentido al abordar los objetos feriales desde el coleccionismo
en Arte feriado (1999).

El artista como etngrafo (fragmento), Gabriel Peluffo Linari

The concern for formal aspects is ever present, either in his work on paper, in his installations, in his interventions in space or in his
museum projects. His work ranges from highly structured works (rodelu, Regional Este, Collecting fragments, Equis, etc.) to others
bearing an orderly disarticulation (Purple Land, Las agendas del Sr. Ramos [Mr. Ramos agendas], Onda tras onda [Wave after Wave],
etc.), in both cases providing glimpses, by their scale and construction of space, of the artists studies at the School of Architecture.
With respect to the formal question, there is the use of self-citation, which appears when certain materials, thematic modules or
expository forms are repeated over time. Homenaje a Beuys (Tribute to Beuys) (1993) and Homenaje a Belloni (Tribute to Belloni) (1987)
quote each other in the reiteration of the wooden box with travelling inscriptions. Something similar happens with transmigra, La
(Pontevedra, 2006) and Purple Land (Texas, 1998), due to the use, in both cases, of staggered brick masonry. Similarly, Purple Land
and Onda tras onda (Panama, 2013) are artworks that replicate the use of black rubber tires in similar exhibition formats. Thus, the
stall format, for example, which appeared in the layout for the exhibition of Hontous drawings (1993), had a precedent in Homenaje a
Belloni made six years earlier (paper hanging system), but was then lost to later acquire a new meaning when addressing street market
objects from a collection standpoint in Arte feriado (1999).

The artist as ethnographer (fragment)

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2016 Mario Sagradini: Vademecun, MNAV, Montevideo 2001 Polticas
de la diferencia, MALBA, Buenos Aires 1997 33 libros orientales (ind),
Museo J.M. Blanes, Montevideo 1994 5 Bienal de La Habana 1994
Mario Sagradini: Frutos del pas, Subte, Montevideo 1992 Entretrpicos,
MACC, Caracas,
2015 Memorial desaparecidos, Monumento Histrico, IM, MEC,
Montevideo 2006 Premio Figari, Banco Central del Uruguay,
Montevideo 2003 1er Premio, Saln Municipal, Subte, Montevideo 2001
1er Premio, 49 Saln Nacional, MNAV, Montevideo
1
340

1 Embudo (exVademecum), 2016, Madera, 320 x 850 cm, Vista de
instalacin, MNAV, Montevideo
2 Frutos del pas, 1994, Luces y madera, medidas variables, Vista de
instalacin Subte, Montevideo
3 33 libros orientales, 1997, Libros, madera, Vista de instalacin,
Museo J.M. Blanes, Montevideo
4 Made in Uruguay, 1991, Medidas variables, Vista de instalacin,
Museo J.M. Blanes, Montevideo
5 Made in Uruguay, 1991, Medidas variables, Vista de instalacin,
Museo J.M. Blanes, Montevideo
6 Transmigra, La, 2007, Ladrillos y agendas, Vista de instalacin,
Bienal de Pontevedra
 5

6
342

Martn Sastre
1976, Montevideo, vive actualmente en Buenos Aires

Partiendo de una formacin marcada por la influencia del cine y los medios audiovisuales, la obra de Martn Sastre deconstruye los
diversos modelos, tpicos e iconos de la sociedad de consumo a travs de la posicin de Latinoamrica en el estado de la globalizacin.
Apropindose de las estrategias creativas y publicitarias generadas por sta, y desde una mirada sarcstica y rebosante de sentido
del humor, Sastre adopta un posicionamiento marcadamente crtico hacia los medios de comunicacin de masas, punto de partida y
catalizador de sus videos. Una actitud comprometida que se hace patente en el cuestionamiento de las pautas que, en el arte como en
la vida, estructuran un complejo entramado de relaciones que viene marcado por las diferencias impuestas por poderes econmicos
de distinta ndole. El conjunto de esta obra es un universo fruto de la fantasa del artista, que aparece interpretando extravagantes
personajes que se resisten a habitar en un mundo plagado de contradicciones. Personajes que encuentran su lugar en los diversos
mecanismos inventados para evadirse de una realidad a la que resulta difcil acostumbrarse, como el cine de Hollywood, los videojuegos
o las estrellas del pop. Sastre ironiza sobre la construccin de unos sueos compartidos en una sociedad drsticamente dividida.

Carlos Ordas / Musac

From a background characterized by the influence of cinema and audiovisual media, the work of Martin Sastre deconstructs the different
models, topics and icons of the consumer society through Latin Americas position in the state of globalization. By appropriating the
creative and advertising strategies generated by it, and adopting a sarcastic perspective with an overflowing sense of humor, Sastre
takes a markedly critical attitude toward mass media, the starting point and catalyst of his videos. A committed stance that becomes
clear in the questioning of the rules that, both in art and in life, give structure to a complex network of relationships marked by the
differences imposed by various kinds of economic powers. The whole of this work is a universe resulting from the imagination of the
artist, who embodies extravagant characters that refuse to inhabit a world that is riddled with contradictions. These characters find
their place in the different mechanisms invented to escape a reality that is difficult to accommodate, such as Hollywood movies,
videogames or pop stars. Sastre is sarcastic about the construction of shared dreams in a society that is drastically divided.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2016 Space to Dream, Auckland National Gallery 2015 I Bienal de
Performance de Buenos Aires 2014 Videoclub, Retrospectiva 2000 -
2014, Museo de Artes Visuales, Santiago 2013 55a Bienal de Venecia
2012 Unresolved Circumstances, MOLAA Museum, Los Angeles 2011
54 a Bienal de Venecia
2011 Premio ALMA, Sindicato de Guionistas de Espaa, Festival
de Cine de Mlaga 2008 Premio Faena de Arte Latinoamericano,
Faena Art Center, Buenos Aires 2004 Premio ARCO al mejor artista
joven, Ayuntamiento de Madrid 2002 Beca de postgrado en creacin
contempornea, Fundacin Carolina, Madrid
1
344

1 El perfume del Pepe, 2012, Video performance, perfume, 2:22 min 4 Madonna meets Sor Kitty, 2008, Video performance, 3:33 min
2 The E! True Hollywood Story, 2000, Video, 11 min 5 Videoart, The Iberoamerican Legend, 2002, Video, 11 min
3 Miss Tacuaremb, 2010, Largometraje, 101 min 6 Eva, Ill be back and Ill be, 2016, Performance, 101 min
 5

6
346

Alejandro Schmidt
1970, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

(...) lo que Alejandro Schmidt expone como parte de su obra, es su metodologa de trabajo, que se mueve entre discursos formales
distintos, nunca definidos y por lo tanto ambigos. (...) La ideologa utilizada para registrar el paisaje y los objetos que lo integran, no
viene de la esttica, ni de la historia del arte, sino del archivo, del fichero. El artista registra minuciosamente el paisaje siguiendo un
plan rector que no depende de un anlisis intelectual, sino institucional. Lo que intenta es armar un catlogo, donde cada imagen es
una ficha con determinada informacin. Las imgenes que recolecta sirven para completar ese archivo: no son tomadas con la mirada
sensible del artista, sino del archivista. Esa ambigedad formal, esa forma metodolgica que se muestra, apunta a generar una
ambigedad en la significacin. En su obra, Alejandro Schmidt se mueve entre las fronteras de lo puramente formal, de lo simblico,
y de una posible construccin metafrica. (...)

El paisaje hermtico (fragmento), Manuel Neves

(...) what Alejandro Schmidt exposes as part of his artwork is his work methodology, moving between different formal discourses,
never defined and therefore ambiguous. (...) The ideology used to depict the landscape and the objects that make it up does not
come from aesthetics, or from the history of art, but from the archive, the file. The artist minutely records the landscape following a
master plan that does not rely on an intellectual but an institutional analysis. What he tries to put together is a catalog, where each
image is a card with certain information. The images he collects serve to complete this file: they are not taken with the sensitive
view of the artist, but with that of the archivist. This formal ambiguity, the methodological form that is shown aims to generate an
ambiguity in meaning. In his work, Alejandro Schmidt moves between the frontiers of the purely formal, of the symbolic, and of a
possible metaphorical construction. (...)

The Hermetic Landscape, (fragment)

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2006 Alejandro Schmidt: El Paisaje hermtico, Galera Cirurgias
Urbanas, Porto 2005 Alejandro Schmidt: Conjuros, Academia,
Associao Cultural, Porto 2001 Alejandro Schmidt: Estoc, Galera
Lezlan Keplost, Montevideo 2000 Alejandro Schmidt: Fbulas, Subte,
Montevideo
2003 1er Premio Grfica, beca residencia Tamarind Institute,
Universidad de Nuevo Mxico, Saln Municipal, Subte, Montevideo
2002 Beca residencia Unesco-Aschberg en Artes Grficas, Fondo
Internacional para la Promocin de la Cultura, Projeto Bienal Vila Nova
de Cerveira 1992 Mencin honorfica, IV Bienal de Salto

1
348

1 Paisaje s/n III, 2016, Fotograbado s/papel, 55 x 45 cm 4 El paisaje hermtico III, 2008, Mesa, dibujos, fotografas y objetos
2 Achtung!, 2014, Fotografa color s/pared, sitio especfico, varios, medidas variables, Vista de instalacin, MEC, Montevideo
268 x 311 cm, Vista de instalacin, MAPI, Montevideo 5 El paisaje hermtico, 2003, Fotoserigrafa s/papel
3 Estoc, 2000, Fotografa, fotograbados y proyeccin sobre pared,
sitio especfico, medidas variables, Vista de instalacin, Galera
Lezlan Keplotz, Montevideo
5
350

Fidel Sclavo
1960, Tacuaremb, vive actualmente en Buenos Aires

La imagen, una despojada acuarela, no esconde nada. Predispuesta, con un silencio que llega a ser casi susurro, se muestra. Si
hay escondites, ellos estn en el contemplador. Las imgenes de Fidel Sclavo exhiben una clase de brillo muy especial. Sobre todo
porque se trata de brillos poco estridentes, nada eufricos, suavemente speros. Esos fulgores eligen circular por napas subyacentes,
refugiarse en un hondo e intenso goce un tanto egosta, reservado. Para decirlo de alguna manera, sus imgenes prefieren enviar
sus brillos hacia adentro. En lo exterior, se conforman con la insinuacin de huidizos destellos. La memoria ha sido y sigue siendo
una constante en toda la obra de Fidel Sclavo. Pero no es una memoria de tipo testimonial, ni una remembranza autorreferente
forjada mediante un relato minucioso, saturado de detalles. En realidad se trata de una clida, entraable, conmovedora potica de
la memoria. Cierto da en que el cielo pareci perder una algodonosa nube quizs evoca alguna resignada pena. Cuando se desama
o se es desamado, el cielo no puede seguir siendo el mismo. Algo deshabita el alma, algo debe deshabitar el cielo. La atmsfera de
las escenografas poticas que propone Fidel Sclavo, ms all de su singularidad autoral, de los rasgos identitarios que esgrime,
tambin se renueva constantemente. Aquellas se dejan estar, a veces casi se abandonan, entregadas a una afable melancola. A
veces, persiguen y alcanzan una ensimismada y fragilsima belleza. En ocasiones tienen un distanciamiento que, sin renunciar a
lo potico, parecen gestarlo en la austeridad expresiva, en el despojamiento formal. Como si la suavidad de la ternura se hubiese
transmutado en una rara y casi serena dimensin de la angustia. Una angustia que no acarrea agobios y desesperanzas. Una angustia
inquieta e inconforme. Al mismo tiempo, sobrellevada, intentando conservar el empeo que devuelva el perdido reposo, la anhelada
y dulce fragilidad de la esperanza.

Alfredo Torres

The image, a stripped watercolor, hides nothing. Predisposed, with a silence that becomes almost a whisper, it shows itself. If there
are hidden places, they are in the observer. The images of Fidel Sclavo show a very special kind of brightness. Especially since this
brightness is barely strident, not at all euphoric, softly rough. This brilliance chooses to travel through underlying layers, to take shelter
in a deep, intense and somewhat selfish, reserved enjoyment. To put it some way, his images prefer to send their brightness inside.
Outside they settle for hinting at fleeting sparkles. Memory has been and still is a constant throughout the work of Fidel Sclavo. But
it isnt a testimonial kind of memory or a self-referential evocation forged through a meticulous narrative saturated with details. It
is actually a warm, endearing, moving, poetry of memory. A certain day when the sky seemed to have lost a cottony cloud perhaps
conjures up a certain resigned sorrow. When one unloves or is unloved the sky cannot remain the same. Something leaves the soul,
something must leave the sky. The atmosphere in the poetic scenographies presented by Fidel Sclavo, aside from his singularity as an
author, from the identity features he displays, is also being constantly renewed. They let themselves go, sometimes nearly abandoning
themselves, surrendering to an affable melancholy. Sometimes they chase and reach an engrossed and super fragile beauty. On
occasion, they are so removed that, without giving up on poetry, they seem to be gestating it in the austerity of expression, in the
stripping down of formality. As if the softness of tenderness had been transmuted into a rare and almost serene dimension of anguish.
An anguish that is not burdened by oppression and despair. An anxious and nonconformist anguish. At the same time, it is endured
while trying to maintain the determination that will bring back the quietness that was lost, the coveted and sweet fragility of hope.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2011 Fidel Sclavo: Cartas no ledas, Galera Tiempos modernos, Madrid
2011 Fidel Sclavo: Obra reciente, CCE, Montevideo 2008 Fidel Sclavo:
After Ego, Jose Bienvenu Gallery, Nueva York 2006 Fidel Sclavo:
Mucha gente, Galera Jorge Mara- La Ruche, Buenos Aires 1989 Fidel
Sclavo: Historias de agua, IMM, Montevideo 1985 Fidel Sclavo: Obra
Discreta, Alianza Uruguay - EEUU, Montevideo
2002 1er Premio, 50 Saln Nacional, MNAV, Montevideo 1998 Gran
Premio, Saln Municipal, Subte, Montevideo 1987 Premio Jos Belloni,
Embajada de Suiza, Subte, Montevideo 1985 Premio Paul Czanne,
Embajada de Francia, Montevideo

1
352

3 4

1 Te escribo, 2016, Collage, lpiz, 30 x 22 cm 5 Naranjas para Salto, 2000, Fotografa, 13 x 13 cm

2 mapamundi, 2014, Collage, tinta china, 28 x 40 cm 6 Paradise lost, 2010, Collage, lpiz, 30 x 22 cm
3 Aqu no se dejan las llaves de su auto, 2001, Fotografa, 36 x 50 cm
4 Hospital, 2002, Fotografa, 30 x 42 cm
6
354

Carlos Seveso
1954, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

Desde el ao 2011 Seveso empieza a buscar y encuentra nuevos senderos en su incesante actitud de investigar y crear renovando su
lenguaje. Ya en algunas fotos de obras enviadas para la revista Arte El Pas mostraba esas creaciones. En los aos 2012 y 2013, se
centra en el tema bosques y parte de otros referentes. Un disparador son los pensamientos recurrentes sobre tiempos violentos de la
dictadura, suscitados en estos ltimos aos durante la etapa de la excavacin de las tumbas annimas donde los militares enterraron
a algunos de los desaparecidos. Otro disparador es una fotografa que tom Gerda Taro, la compaera del famoso fotgrafo Robert
Capa, que fue corresponsal grfica de guerra. A Seveso le llam la atencin la foto de esa mujer (annima) haciendo prctica de tiro
durante la Guerra Civil Espaola. Seveso explica que tambin es un estmulo el tema mitolgico de Diana cazadora. Para l este tema
es un pretexto temtico. Diana, diosa itlica y romana identificada con la diosa griega Artemis, era considerada diosa virgen de los
bosques, de los animales salvajes y de la caza. Muchos otros mitos se asocian con el personaje, entre ellos la oscuridad, la brujera y
la muerte. Arrogante y vengativa, de carcter impredecible, sedienta de sangre, esta diosa polifactica era considerada protectora de
las clases menos privilegiadas. Seveso sita en los bosques varios temas vinculados a la violencia y los entrelaza de manera oblicua.
Referido al escenario visual hay una vinculacin al bosque (como en lo mitolgico), creando un dilogo con otro u otros protagonistas
no visibles. En su mente y durante el proceso pictrico se relacionan de esta manera hechos de la historia social reciente uruguaya,
problemticas polticas an no aclaradas, como el tema de los desaparecidos en la dictadura uruguaya, la Guerra Civil Espaola y
acontecimientos luctuosos en los bosques durante el Holocausto, as como durante el perodo estalinista.

El paisaje como construccin: presencias, ausencias, memoria (fragmento), Alicia Haber

Since 2011, Seveso has been looking for and finding new paths with his unwavering attitude of researching and creating by renewing his
language. Some photos of works submitted for the of El Pas newspapers Arte magazine already showed those creations. In the years
2012 and 2013, he focused on the subject of forests and used other references. One trigger [for his work] is the presence of recurring
thoughts about the violent times of the dictatorship, activated in recent years by the digging of the unmarked graves where the military
buried some of the missing persons... Another trigger is a photograph taken by Gerda Taro, the companion of the famous photographer
Robert Capa and who was a war photographer. Sevesos attention was struck by the photo of an (anonymous) woman doing target
practice during the Spanish civil war. He explains that the mythological theme of Diana the huntress is also a stimulus. For him, this is
a thematic pretext. Diana, Roman and Italic goddess identified with the Greek goddess Artemis, was considered a virgin goddess of
the forests, wild animals and hunting. Many other myths are associated with this character, including darkness, witchcraft and death.
Arrogant and vindictive, with an unpredictable, bloodthirsty character, this multifaceted goddess was considered the protector of the
less privileged. Seveso locates in the woods several themes related to violence and he intertwines them obliquely. Concerning the
visual landscape, there is a link to the forest (as in mythology), creating a dialogue with one or more hidden characters. In his mind and
during the painting process, facts of recent Uruguayan social history are thus related; there are political issues which remain to be
clarified, such as the missing persons of the Uruguayan dictatorship or the Spanish civil war and tragic events in the forests during the
Holocaust and during the Stalinist period.

Landscape as Construction: presence, absence, memory (fragment)

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2013 Carlos Seveso/Carlos Musso, MNAV, Montevideo 2009 Carlos
Seveso: Apaisado, Centro Cultural Dodec, Montevideo 2005 Carlos
Seveso: Ro Abstracto, Coleccin Engelman Ost, Montevideo 2000
Musso - Seveso, Subte, Montevideo 2006 Seveso, Barea, Musso,
Amengual, Galera Vasari, Buenos Aires 1987 Animales, Galera de la
Ciudadela, Montevideo
2002 Prof. Invitado, Facultad de Bellas Artes de Barcelona 1998
Gran Premio dibujo, Saln del Banco Repblica, Museo del Gaucho,
Montevideo 1998 Beca AECI, Docentes de Pintura, Facultad de Bellas
Artes de Granada 1989 1er Premio, Saln Municipal, Subte, Montevideo
1
356

1 Mujer Azul, 2014, Acrlico s/tela, 120 x 100 cm 4 Tondo , de Libreta de Usuahia, 2015, Tcnica mixta s/tela, 30 x 30 cm
2 Luneto, 2015, Tcnica mixta s/tela, 220 x 100 cm 5 Tondo , de Libreta de Usuahia, 2015, Tcnica mixta s/tela, 30 x 30 cm
3 Tondo, de Libreta de Usuahia, 2015, Tcnica mixta s/tela, 30 x 30 cm
3 4

5
358

Jorge Francisco Soto

1960, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

Manifiesto, de Jorge Francisco Soto, propone una reflexin irnica al respecto de la posibilidad de ampliar la visin a nuevas formas
artsticas. Est protagonizada por una mujer muy expresiva que se dirige a la cmara hablando en lenguaje de seas para sordomudos.
Al final se revela que lo que comunica es el Manifiesto MADI (1946) de Carmelo Arden Quin, que presentaba en sociedad a una
vanguardia pionera en Latinoamrica. El video nos deja fuera de toda comprensin como espectadores; algo se explica al final pero el
contenido slo lo entendern los iniciados en el lenguaje de seas. De esa manera, Jorge Soto denuncia metafricamente la manera
como la sociedad de la poca hizo odos sordos a este movimiento, pero tambin insiste en que ha sido incomprendido inclusive hasta
el da de hoy, especialmente cuando se comprueba que estas manifestaciones no se han preservado en colecciones pblicas de
Latinoamrica, especialmente del Uruguay, y sus obras son vendidas a museos y colecciones extranjeras.

Genealogas y anti genealogas, Graciela Taquini

Esta exposicin rene por primera vez un conjunto de cinco instalaciones del artista uruguayo Jorge Francisco Soto, producidas en los
ltimos trece aos a partir de concursos abiertos e invitaciones para participar en bienales y salones nacionales y regionales. Forman
una antologa de obras que, reunidas, destacan la persistencia de temas relacionados a la historia del arte uruguayo y a la investigacin
acerca de sus procesos de construccin. Las instalaciones asumen la estructura de sistemas activadores de la percepcin, en los que
se requisita la intervencin del espectador para completar el circuito del sistema y por lo tanto, terminar de darle forma a la obra.
Esta interaccin-requisito de las obras pone en accin la mirada crtica, activando el cuestionamiento del espectador. Qu factores
polticos, administrativos, culturales, subjetivos determinan la construccin de un imaginario cultural local? Cmo estos factores
conducen simultneamente hacia la inclusin y exclusin de elementos formativos de nuestra historia? Cmo recuperar vnculos
perdidos desde la propia creacin artstica? Aludiendo a la esttica de un sistema, en esta muestra Soto investiga las posibilidades
de hacer crtica institucional, motivada tanto por la denuncia como por el impulso hacia la reconstruccin de los vnculos perdidos.

In/ Editas, Vernica Cordeiro

Jorge Francisco Sotos Manifesto poses an ironic reflection about the possibility of expanding our vision to new artistic forms. It
shows a very expressive woman who addresses the camera using sign language for the deaf. In the end, it becomes clear that what
she is communicating is the MADI manifesto (1946) by Carmelo Arden Quin, which debuted a pioneering vanguard in Latin America.
The video leaves us puzzled as spectators; it is somewhat explained towards the end, but the content will only be understood by
those with knowledge of sign language. Thus, Jorge Soto metaphorically denounces how the society of the time turned a deaf ear
to this movement, but he also insists that it continues to be misunderstood even to this day, especially when we consider that these
manifestations have not been preserved in public collections in Latin America, especially Uruguay, and the works are sold to foreign
museums and collections.

Genealogies and Anti-genealogies

This exhibition brings together for the first time a set of five installations by Uruguayan artist Jorge Francisco Soto, produced in the
last thirteen years for open competitions and entries in national and regional biennials and art competitions. They form an anthology
of works that highlight the persistence of themes related to the history of Uruguayan art and the research about its construction
processes. Installations take on the structure of perception triggering systems, where the intervention of the viewer is required to
complete the circuit of the system and therefore finish shaping the artwork. This requirement-interaction of the works triggers
a critical eye, activating the questioning of the beholder. What political, administrative, cultural and subjective factors determine
the construction of a local cultural imagery? How do these factors lead simultaneously to the inclusion and exclusion of formative
elements of our history? How can we recover lost links based on artistic creation itself? Alluding to the aesthetics of a system, in
this exhibition, Soto researches the possibilities of engaging in institutional criticism, motivated by denunciation and the impulse for
rebuilding the lost links.

In/ditas (Unreleased Artwork)

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2015 10 a Bienal del Mercosur 2014 Deus e sua obra no Sul da Amrica, 2011 Gran Premio El Azahar, IX Bienal de Salto 2007 62 Saln de
Museu dos Direitos Humanos, Porto Alegre 2013 A Geodsia Paranaense, Museo de Arte Contemporneo Curitiba 1992 1er Premio,
Museolgica, Museo de Arte Contemporneo, Curitiba 2011 1a Bienal del Premio Paul Czanne, Embajada de Francia, Montevideo 1990 1er
Sur en Panam 2009 X Bienal de Cuenca 1994 5a Bienal de La Habana Premio, Nuevas Propuestas Escultricas, Embajada Suiza, Montevideo

1
360

1 Pases sin tiempo para la memoria, 2014, Instalacin, Net Art,
medidas variables
2 Noche y Da. Live in your head?, 2014, Video Instalacin, medidas
variables
3 Sentado en el bote con su cmara escuchaba el sonido penetrante
de la sala de mquinas., 2004, Video Instalacin, 400 x 400 x 300
4 Manifiesto, 2011, Video Instalacin y texto, medidas variables
5 Control de personal, 2014, Instalacin, 175 x 300 x 50 cm
6 El Sitio de Lautre a - Mont, 1992, Instalacin, 80 x 130 x 90 cm
7 Sustento del Alma, 1994, Instalacin, tierra, pasto, medidas variables
5

6 7
362

Elin Stolarsky
1990, Montevideo, vive actualmente en Blgica y Montevideo

Elin Stolarsky es la consecuencia de una familia inmigrante. Creci escuchando historias de parientes que jams conoci en persona,
y aprendiendo a conservar una tradicin heredada. Su identidad est formada a partir de historias que nunca vivi pero que segn
ella se han vuelto suyas. Su obra indaga en los lmites que se encuentran entre la realidad y la ficcin. Con su trabajo busca entre sus
races, mezclando formas y tcnicas artsticas ms tradicionales (como lo es el grabado) con nuevos materiales e instalaciones, como
una forma de materializar su punto de vista acerca de la historia. Diferentes perodos histricos que se superponen, que se contienen,
de un presente, resultado de una superposicin de capas, de una historia no lineal que no avanza ni retrocede sino que muta, se
modifica. Una espiral, quiz. Fotografas intervenidas, punta seca sobre acrlico, palabras escritas en una vieja pared y canciones
que escuch en su niez, y que an continan sonando en su mente y en su creacin. Usa el grabado como metfora de la accin de
recordar. Los detalles obsesivos se vuelven fundamentales y construyen nuevos universos, como sucede con la memoria, con los
recuerdos. Una insistente pulsin para no olvidar, con el fin ltimo de lograr entender de dnde viene y hacia donde desea ir.

E.S. y R

Elian Stolarsky comes from an immigrant family. She grew up hearing stories of relatives whom she never met in person and learning
to maintain an inherited tradition. Her identity is shaped by stories that she never actually lived but which she says have become hers.
Her work explores the limits between reality and fiction. With it, she searches through her roots, mixing traditional artistic forms and
techniques (such as printmaking) with new materials and installations, as a way to actualize her views about history. Various historical
periods overlap, contain each other and the present, the result of a superposition of layers, a nonlinear story that does not advance
nor recede but mutates, gets modified. It is a spiral, perhaps. Intervened photographs, dry point on acrylic, words written on an old
wall and songs she heard in her childhood, and which continue to play in her mind and in her creations. She uses printmaking as a
metaphor for the action of remembering. Obsessive details become fundamental and build new universes, as it happens with memory,
with memories. An insistent impulse to remember, with the ultimate aim of achieving an understanding of where she comes from and
where she wants to go.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2016 Dies hat zur Folge, dass selbst der bewandertste Betrachter auf 2016 Fellowship Art Residency, KALA Institute, Berkeley 2014 Beca,
halbem Wege seinen Rundgang abbricht, Rundgang, Kunstakademie Institute Goethe, Berln 2013 1er Premio Paul Czanne, Embajada de
Mnster 2015 TRIO Biennal, MNBA, Ro de Janeiro 2015 Elin Stolarsky: Francia, Montevideo 2012 Beca FEFCA, MEC, Montevideo
Inventario 7+ Inventario Apocripha, Centro Cultural de la Embajada de
Mxico, Montevideo 2014 Elin Stolarsky: The Line and the Dots, Cit
internationale des arts, Pars 2011 Elin Stolarsky: Destino Uruguay,
Punto de Encuentro MEC, Montevideo 2014 La grfica uruguaya su
Historia, MACAY, Yucatn
1
364

1 Inventario 9 (detalle), 2014, Puntaseca sobre plexigls y tinta, 5 Inventario 45, 2015, Puntaseca sobre plexigls y led. Imagen
30 x 480 cm tridimensional realizada en capas, 44 x 34 x 6 cm
2 De la serie Berta, Dora, Judith y Fanny, 2015, Puntaseca sobre 6 Inventario la lnea y los puntos, 2014, Vista de instalacin, Cit
plexigls y tinta, 30 x 25 x 11 cm internacionale des Arts, Paris, 15 x 2000 cm
3 Inventario 4, 2013, Puntaseca sobre plexigls y tinta. Libro/objeto
instalacin, medidas variables (extendido: 40 x 600cm)
4 Bloque Errtico primer acontecimiento Proyecto Casamario, 2015,
Instalacin realizada con tallados a mano en azotea, como resultado
de la primera activacin del Colectivo Casamario, medidas variables
4

6
366

Gustavo Tabares
1968, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

Su trabajo se ha caracterizado por un desplazamiento en diferentes medios y en la bsqueda de generar un texto visual sobre
inquietudes personales basadas, en gran medida, en investigar las contradicciones en el concepto de civilizacin. Estas son llevadas
adelante como series y se centran en la representacin y en las tensiones producidas dentro de la sociedad de consumo, en el sistema
del arte, en las colecciones y archivos, en lo hereditario e identitario, en la memoria, en las adicciones, en las creencias y religiones
populares, en la cultura del sexo y en la taxonoma. Los desplazamientos se llevan a cabo en la diversidad formal, desde la pintura
hacia la fotografa, el dibujo, la escultura, el video, el grabado, libros de artista, objetos, el sonido, la performance y la literatura. Los
resultados visuales son presentados generalmente en el formato de instalaciones o intervenciones complejas.

G.T.

His work has been characterized by a movement through different media and the search to generate a visual text about personal
concerns focused, largely, on investigating the contradictions in the concept of civilization. These are carried forward as series and
focus on the representation and the tensions produced within the consumer society on the system of art, collections and archives,
heredity and identity, on memory, on addictions, on popular beliefs and religions, on the culture of sex and on taxonomy. The
displacements take place in the formal diversity, from painting to photography, drawing, sculpture, video, printmaking, artist books,
objects, sound, performance and literature. Visual results are generally presented in the form of installations or complex interventions.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2016 Gustavo Tabares: Charra, Museo Es Baluard de Mallorca 2015 1992 Premio artista joven, Saln Municipal, Subte, Montevideo 1992 2o
56 a Bienal de Venecia 2015 10 a Bienal del Mercosur, Porto Alegre 2006 Premio, Premio Paul Czanne, Montevideo
Mediation Biennale, Poznan 2006 Gustavo Tabares: Remix, Subte,
Montevideo 2003 Gustavo Tabares: La clnica, Coleccin Engelman-
Ost, Montevideo
1
368
1 Sacndole el cuero a alguien, 2016, Acrlico, acuarela y marcador s/
papel recortado, 83 x 143 cm
2 Cronico. La clnica, 2002, Acrlico y leo s/mdf, 300 x 200 cm
3 Paisaje accidental (dptico), 2016, Agua de mate, acrilico y lapiz s/
papel, 90 x 40 cm
4 Titanium expose. REMIX, 2006, Acrlico s/mdf, 150 x 70 cm
5 Liropeya. CHARRA, 2016, Mrmol, medidas variables
6 Boleadora y rompecabezas. Charra, 2016, Mrmol, medidas
variables
 4

6
370

Santiago Tavella
1961, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

La lnea consta de un nmero infinito de puntos; el plano, de un nmero infinito de lneas; el volumen, de un nmero infinito de planos;
el hipervolumen, de un nmero infinito de volmenes No, decididamente no es ste, more geomtrico, el mejor modo de iniciar mi
relato. Afirmar que es verdico es ahora una convencin de todo relato fantstico; el mo, sin embargo, es verdico.

El libro de arena, Jorge Luis Borges,1975.

The line consists of an infinite number of points; the plane, of an infinite number of lines; the volume, of an infinite number of planes;
the hypervolume, of an infinite number of volumes... No, this, more geometrico, is decidedly not the best way to start my tale. To say
the story is true is by now a convention of every fantastic tale; mine, nevertheless, is true. (Jorge Luis Borges, El libro de arena [The
book of sand], 1975.)

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2014 Santiago Tavella: Falsos estudios y verdaderos preludios, 2002 File Symposium, Pao das Artes & SESC, San Pablo
CCE, Montevideo 2013 Ftbol, el juego solo acaba cuando termina,
Itinerante, Montevideo, Buenos Aires, Ro de Janeiro, Berln y otros
2012 Santiago Tavella: Vivir el Plano, MNAV, Montevideo; CCR, Buenos
Aires 2007 VIII Bienal de video y nuevos medios de Santiago de Chile
2005 This is not an archive, CCs Bard, Nueva York 2000 Santiago
Tavella: Helarte de Santiago Tavella, Coleccin Engelman Ost,
Montevideo
1
372

1 En el escenario, en el balcon, 2016, leo y acrilico sobre tela, 53 x 31,
5 cm
2 Verdadero preludio N7, 2013, Acuarela s/papel, 22, 9 x 37 cm
3 Falso estudio N 6, 2013, Acuarela s/papel, 23 x 31 cm
4 La estola Holofrnica, 2015/6, leo y acrlico sobre tela y papel,
medidas variables, Vista de instalacin
5 Mies Tilo, 2012, Impresin de chorro de tinta, lapiz y acuarela sobre
papel Arches Aquarelle de 300g, 56 x 76 cm
6 Catastrofe Tautologica, 2012, Impresin de chorro de tinta, lapices de
color y acuarela sobre papel Fabriano Artistico de 300g, 56 x 76 cm
5

6
374

Alejandro Turell
1975, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

La obra de Alejandro Turell se sita en el cruce entre arte, ciencia y naturaleza, poetizando tal vez la mirada de un cientfico decimonnico
que descubre el Nuevo Mundo, revelando por otro lado la depredacin actual de nuestros ecosistemas. Las preocupaciones del
artista uruguayo van por el patrimonio cultural y el natural amenazados, los lenguajes tradicionales de las artes plsticas, hasta
investigaciones antropolgicas. A travs del dibujo, el grabado, fotografas, objetos e instalaciones, Turell recurre a operaciones que
implican sucesivamente el contacto directo con el entorno, el viaje incluso, la observacin, la recoleccin y la puesta en escena de
las especies seleccionadas, que luego son clasificadas y mostradas como objetos museales, como archivos sobre el muro, o como
elementos de estudio dentro de un laboratorio de ciencias o de investigacin arqueolgica. En el recorrido de imgenes de animales,
aves, insectos, de exoesqueletos que pueden parecer fsiles, de animales embalsamados o en los dioramas de paisajes generalmente
desoladores, lo humano est ausente. La postura del artista es ms bien de distanciamiento sublime: lo humano se sita maravillado
frente a la naturaleza, pero no sera parte de ella. Un halo de nostalgia recorre las imgenes: una zoologa reconocible y por momentos
creaciones de sus propios caprichos que nos llegan ms bien como si se tratara de recuerdos. Y, en esa ambigedad, una postura que
leemos como gesto poltico: el rescate de la naturaleza actual en su susceptibilidad de desaparecer. Similar actitud descubrimos
en la relacin del artista con el oficio. Hay experimentalidad en su despliegue, cruces de materialidades y estrategias eminentemente
contemporneas, dadas a lo minimalista o lo conceptual. Permanece sin embargo la necesidad de un vnculo ntimo con la obra,
del hacer con la mano y acaso minuciosamente representando lo que ve, porque no lo ve slo como artista sino tambin como un
cientfico melanclico.

El cientfico melanclico, Carolina Lara

Alejandro Turells work lies at the intersection between art, science and nature, poetizing perhaps the look of a nineteenth-century
scientist who discovers the New World, revealing on the other hand- the current depredation of our ecosystems. This Uruguayan
artists concerns range from the threatened cultural and natural heritage, and the traditional languages of visual arts to anthropological
research. Through drawing, printmaking, photographs, objects and installations, Turell uses operations that involve direct contact
with the environment, including traveling, observation, data collection and staging of selected species, which then are classified and
displayed as museal objects, like files on the wall, or as elements of study in a science lab or an archaeological research site. In the
spectrum of images of animals, birds, insects, exoskeletons that may seem fossils, embalmed animals or in the dioramas of generally
bleak landscapes, the human presence is absent. The artists stance is rather one of sublime detachment: the human being stands
in wonder before nature, but would not be part of it. A halo of nostalgia pervades the images: a recognizable zoology and, at times,
the creations of his own whims that come to us as if they were memories. And in this ambiguity, there is a position that we interpret
as a political gesture: the rescue of the current nature in its susceptibility of disappearance. A similar attitude we find in the artists
relationship with the discipline. There is experimentality in his deployment, crossings of materialities and eminently contemporary
strategies, with a minimalist or conceptual bent. However, there remains the need for a close link with the artwork, with making by
hand and carefully representing what he sees, because he sees it not only as an artist but also as a melancholy scientist.

The melancholy scientist

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2016 Tiempo (D) Espacio, Galera INNOVA, Altos de Punta Piedra
2011 Anecmene, MNAV, Montevideo 2008 Naturellart-Frankfurt,
Villa Mothesius, Frankfurt 2007 Rerum Thesauri, Alianza Francesa,
Montevideo 2006 C14, Museo H. Cabildo, Montevideo 2005 Trofs,
Centro Cultural Dodec, Montevideo
2015 Profesor/Artista Invitado, SACO4 Semana de Arte
Contemporneo, Antofagasta 2008 Profesor/Artista Invitado, DAAD,
Universidad J.W.Goethe, Frankfurt 2002 1er Premio 50 Saln Nacional
de Artes Visuales, MNAV, Montevideo 2001 2o premio 49 Saln
Nacional de Artes Visuales, MNAV, Montevideo
1
376

1 Entomologa, redes trficas y la luz, 2013, Vista de instalacin, 5 Naturellium skin diorama, 2010, 1000 x 500 x 300 cm, Vista de
Museo Macay instalacin, Mediations Biennale, Polonia
2 Frgiles acorazados, 2010, leo s/ lienzo, 153 x 102 cm 6 Hybreedization, 2012, Manifesta 9, Blgica, 500 x 300 cm
3 Serie: Museologa, 2011, MNAV, Anecmene MVD, 110 x 90 cm
4 Naturell diorama-homo ludens, 2010, Figuras en arcilla/obra
dinmica, 500 x 500 cm, Vista de instalacin, Museo Figari
5

6
378

Pedro Tyler
1975, Montevideo, vive actualmente en Santiago de Chile

La medida del dolor relacionada a una muerte cercana gener un corpus de obra a raz de una preocupacin personal; cmo analizar y
cmo razonar sobre la prdida, el amor y el miedo. Relaciono estos sentimientos a lo que creo es la belleza: la sutileza de la inestabilidad,
o cmo capturar la calma antes de la tormenta. Tratando de capturar esta fragilidad es que altero objetos de la vida diaria para darles
un nuevo sentido. Poniendo agua dentro de una lamparita, sta se convierte en una metfora del cuerpo. Cmo, gracias a ese frgil
lmite que es nuestra piel, desarrollamos todos nuestros sentimientos y pensamientos, y cmo irnicamente, una regla puede medir
este cuerpo, pero no los sentimientos contenidos en l.

P.T.

The measure of the pain related to a close death generated a body of work around a personal concern; how to analyze and reason
about loss, love and fear. I relate these feelings to what I believe is beauty: the subtlety of instability, or how to capture the calm before
the storm. It is in the attempt to capture this fragility that he alters ordinary objects to give them a new meaning. By putting water in a
bulb, it becomes a metaphor for the body. How, thanks to this fragile limit that is our skin, we develop all our feelings and thoughts, and
how ironically, a ruler can measure the body but not the feelings contained in it.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2016 Rompiendo el sonido, EAC, Montevideo 2015 Extensa, Sicardi
gallery, Houston 2013 Paisaje interior, CCR, Buenos Aires 2013 La
vida entera, Galera Lucia de la Puente, Lima 2012 Ms que nunca,
Galera del Paseo, Punta del Este 2011 Luz propia, Galera Isabel Aninat,
Santiago de Chile
2010 3er Premio, Bienal de Santa Cruz de la Sierra 2008 Premio
Plataforma, 53 Premio Nacional, MNAV, Montevideo 2004 1er Premio,
artista menor de 30 aos, Saln Municipal, Subte, Montevideo

1
380

1 Principio y fin, 2014, Cintas de medir de metal entrelazadas, 420 x 300 4 Oscureciendo la luz, 2012, Bajorrelieve sobre reglas de madera,
x 150 cm, Vista de instalacin, Galera Isabel Aninat, Santiago de Chile 400 x 190 x 2 cm
2 Dulce Compaa, 2011, Reglas de madera plegables, metal, luces y 5 La Aldea, 2012, Talla en plomo, Balas 44 Magnum y cargador de
motores elctricos, 400 x 600 x 800 cm, Fundacin CCU, Santiago revlver 8 x 4 x 4 cm
de Chile 6 100 inviernos, 2016, Reglas de plstico termo moldeadas, medidas
3 Veil II, 2011, Reglas de madera, metal, y focos de luz, medidas variables variables, Vista de instalacin, MAC, Bogot
4

6
382

Dani Umpi
1974, Tacuaremb, vive actualmente en Montevideo y Buenos Aires

En el principio fue la performance y luego las cosas. Esta frmula se aplica tanto a las vanguardias del siglo XX como a Dani Umpi,
performer promiscuo de smbolos paganos. En una combinacin sui generis Umpi crea personajes a la manera de Cindy Sherman,
explora conceptual y sensorialmente la participacin del pblico de forma similar a Lygia Clark y articula la vanguardia, el folk y la
cultura de masas del mismo modo que Hlio Oiticica. El mundo Umpi es un ensamble neo concreto y tropical, una creacin propia de
un conceptualista de purpurina. Umpi no solo usa la iconografa popular sino aspira al oxmoron de ser un vanguardista de masas,
una cruza gentica entre Yoko Ono y Cris Morena. Desde el cabaret hasta el collage su obra modula la industria cultural y la cultura
popular con la msica, la literatura y las artes visuales. A travs de la construccin de s como Pop Star compone canciones, con los
procedimientos del melodrama escribe novelas en una tradicin que se puede trazar desde Manuel Puig hasta Hebe Uhart, y con
tijera y papel disea sus cuadros e instalaciones. Pero estas artes no van por separado, no slo hay una potica que las entreteje
sino tambin una instalacin de parangols rgidos se convierte en el vestuario de un recital. Los conos de sus cuadros son parte de
la escenografa de sus videoclips. Sus libros tratan del amor, la amistad y la ridiculez pero, al mismo tiempo, son los argumentos de
las letras de sus canciones. El imaginario Umpi rebosa simbologa esotrica, referentes de la cultura de masas, arquetipos y formas
geomtricas. El procedimiento Umpi desarma el discurso ideolgico y lo reemplaza por escalas cromticas y lenguajes aleatorios. El
corte y confeccin de la materia y el contenido de las revistas glossy transmutan en colores las imgenes y los discursos vaciados de
figuracin y sentido. La opcin fcil es clasificar a este universo como pop, pero Umpi es sin duda un renacentista del pastiche glam-
trash, romntico y carioca, un Duchamp de la autoayuda artstica.

Syd Krochmalny

In the beginning was the performance and then there were things. This formula applies as much to the vanguards of the 20th century
as to Dani Umpi, a promiscuous performer of pagan symbols. In a sui generis combination, Umpi creates characters in the manner
of Cindy Sherman; he sensually and conceptually explores the participation of the audience in a similar manner to Lygia Clarks and
he articulates an avant-garde, folk and mass culture just as Hlio Oiticica. The Umpi world is a neo-concrete and tropical assembly,
the creation of a glitter conceptualist. Umpi not only uses popular iconography but he aspires to the oxymoron of being mass-avant-
garde, a genetic cross between Yoko Ono and Cris Morena. From cabaret to collage, his work modulates the cultural industry and
popular culture with music, literature and the visual arts. Through his creation of himself as a pop star he composes songs, with the
procedures of melodrama he writes novels in a tradition that can be traced from Manuel Puig to Hebe Uhart, and with scissors
and paper he designs his pictures and installations. But these arts are not separate; not only is there poetics interweaving them but
also an installation of rigid parangols becomes the wardrobe of a recital. The cones in his pictures are part of the scenography of his
video clips. His books deal with love, friendship and ridiculousness but at the same time, they are the stories in the lyrics of his songs.
The imaginary Umpi oozes esoteric symbolism, references of mass culture, archetypes and geometric shapes. The Umpi procedure
disarms ideological discourse and replaces it by chromatic scales and random languages. The tailoring of matter and the content of
glossy magazines transmute into color the images and the speeches emptied of figuration and meaning. The easy option is to classify
this universe as pop, but Umpi is certainly a Renaissance man of glam-trash, a romantic and carioca pastiche, a Duchamp of artistic
self-help.

Exposiciones Seleccionadas 2011 Eterna, Daniel Abate Galera, Buenos Aires 2010 Todo incluido,
2016 Lechiguana, Antipodes caf, Oslo 2014 Parangols rgidos, J. Karpio Galera, San Jos 2002-9 Superbacana, Plataforma MEC,
Xippas Galera, Pars 2013 Informtica, Xippas Galera, Montevideo Montevideo
1
384

1 Sambayn, 2011, Dibujo 4 North, 2001, CD de msica

2 Umpi fotografiado por Pablo Murillo, 2010, Performance, parangol 5 Informtica, 2013, Detalle de instalacin
de tela, fotografa 6 S/T, 2001, Collage sobre fotografa familiar
3 Parangols rgidos, 2014, Instalacin, medidas variables
 5

6
386

Juan Ura
1967, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

El caos y la ignorancia es el leit - motiv de la existencia de la humanidad. La necesidad de no sentirlo as y de explicarlo es

una tendencia muy humana. Yo trabajo desde el caos de la cultura, ordenando y desordenando, siempre prendido firmemente al
mamarracho y a la esttica; nada justifica una factura mediocre o un razonamiento pobre.

1
J.U.

Chaos and ignorance are the leitmotiv of the existence of mankind. The need not to feel that way and to explain it is a very human
tendency. I work from the chaos of culture, organizing and disorganizing, always firmly pinned to the mess and to aesthetics. Nothing
justifies mediocre execution or poor reasoning.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2007 Moneda de dos caras, Coleccin Engelman Ost 2006 Ura, 1995 Mencin Honorfica, 2o Saln Municipal, Subte, Montevideo
Centro Mec 2003 Cabezadema.Z, Molino de Prez 1995 1994 Kilmetro
94, Galera del Notariado Platero, Espacio Barradas, Museo J.M. Blanes
1993 Uria, Instituto del libro, Montevideo

2
388

1 Moneda de dos caras, 2007, Coleccin Engelman Ost 4 Caos acumulado Coleccin Engelman Ost
2 Moneda de dos caras, 2007, Coleccin Engelman Ost 5 S/T, Vista de mural, coleccin privada, Jos Ignacio
3 Perfiles polticos, 2015, Vista de instalacin, Subte, Montevideo 6 Perfiles polticos, 2014, Vista de instalacin, Subte, Montevideo
 5

6
390

Pablo Uribe
1962, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

De los dispositivos de Pablo Uribe se desprende una fuerte impresin de estar en presencia de una esttica del juego. Parece que
el artista se propone arrastrarnos a los meandros de la imitacin y de lo falso en una puesta en abismo de originales retomados,
reproducidos y reapropiados. Tapas de libros donde falsos Picassos nos miran (Mono), colecciones de reproducciones (Juan cree que
el sol es una estrella) ilustran el museo personal del artista con falsos cuadros de verdaderos genios y sonidos y gritos de una fauna
repetidos por un hombre de traje sombro en la oscuridad (Atardecer). Cada vez, Pablo Uribe destaca e instala un mundo en trompe-
loeil. El tema de lo falso es apreciado en el campo de la historia del arte y, como el llamado de la sirena, el tema de la simulacin es
tentador. Si la tentacin es grande, se tratar aqu de resistirla y de subvertir la mirada. Porque si aparece como legtima la pregunta de
si el artista del siglo XXI es un mono condenado a repetir, la prctica artstica de Pablo Uribe se nos aparece como un espejo engaoso
y malicioso. Con la reproduccin, el objeto original se desdobla y se redobla. En estas puestas en forma, Pablo Uribe nos propone una
mirada crtica sobre las prcticas artsticas y lo real, nos invita a considerar la prctica misma del artista como una manipulacin de
signos que no son solamente reproducidos sino tambin elaborados. Esto implica dar lugar a lo infinito de la reproduccin, sin lmites
y sin formas nicas. Cada uno puede percibirlo en la forma de los libros, en las lminas de los planos imaginarios, en la imposibilidad
de fijar un sonido, en la diferencia incluso nfima de lo falso.La imitacin tambin trae en su red la seduccin. En la manipulacin de
los signos hay tantas posibles transcripciones, interpretaciones, comentarios de la prctica artstica como de lo real. El carcter
crtico de esta propuesta se combina entonces con el potencial de la operacin de montaje. Quin es el autor? Hay un autor, o qu
significa ser un autor? Estas son las primeras preguntas que surgen al deambular frente a esta produccin. Ellas se ven reforzadas
por la demostracin de que el artista es mucho ms manipulador de signos que productor de objetos. Quizs el autor ha muerto, pero
si muri, Pablo Uribe nos lleva a comprender que el signo conlleva significados que nada puede agotar. La prctica se convierte tanto
en un arma como en un instrumento, produce el espacio para un espectador activo, depositario de las referencias y citas que el artista
pone en movimiento.

Luca Sagradini

Pablo Uribes devices convey the strong feeling of being in the presence of game aesthetics. It seems that the artist intends to drag us
into the meanders of imitation and the fake in the setting of an abyss of retaken, reproduced and reappropriated originals. There are
book covers where fake Picassos look at us (Mono) (Monkey); collections of reproductions: Juan cree que el sol es una estrella (John
believes that the sun is a star) that illustrate the personal museum of the artist with fake pictures of true geniuses; and sounds and
cries of fauna repeated by a grim man in a suit in the dark (Atardecer) (Sunset). Every time, Pablo Uribe highlights and sets up a world
in trompe-loeil. The theme of the fake is appreciated in the field of art history and, like the call of the siren, the issue of simulation
is tempting. If the temptation is great, here there will be an attempt to resist it and subvert the gaze. Because if the question of
whether the artist of the 21st century is a monkey doomed to repetition is legitimate, the artistic practice of Pablo Uribe appears
to us as a deceptive and malicious mirror. With reproduction, the original object is doubled and redoubled. In these embodiments,
Pablo Uribe proposes a critical look at artistic practices and the real world, he invites us to consider the practice of the artist itself
as a manipulation of signs that are not only reproduced but also elaborated. This involves giving rise to infinite reproduction, without
limits or unique forms. Each person can perceive it in the shape of the books, in the representations of the imaginary planes, in the
impossibility of fixing a sound, in the however tiny difference of the fake. Imitation also hides seduction in its web. In handling the signs
there are as many possible transcriptions, interpretations, and comments of the artistic practice as of reality. The critical nature of
this proposition is then combined with the potential of the assembly operation. Who is the author? Is there an author or what does it
mean to be an author? These are the initial questions that arise when wandering before this production. They are reinforced by the
demonstration that the artist is far more of a manipulator of signs than a producer of objects. Perhaps the author has perished, but if
that is the case, Pablo Uribe leads us to understand that the sign carries meanings that nothing can exhaust. The practice becomes
both a weapon and an instrument, it produces the space for an active beholder, a repository of references and citations that the artist
sets in motion.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2015 12a Bienal de Artes Mediales, Galera Machina, Santiago de Chile 2016 Premio Figari, Banco Central del Uruguay, Montevideo 2013
2013 33o Panorama del Arte Brasilero, MAM, San Pablo 2012 Air discurso, Gran Premio, Bienal de Salto 2002 1er Premio, Premio Paul Czanne,
Subte, Montevideo 2010 Carta de marear, MNAV, Montevideo 2009 53 Embajada de Francia, Montevideo 2001 Gran Premio, Premio Nacional
Bienal de Venecia 2006 Entre dos luces, Museo J.M. Blanes, Montevideo de Artes Visuales, Montevideo

1
392

1 Atardecer, 2009, Videoinstalacin (2 canales), 16 min 5 Superposio de quadrados, 2013, Intervencin site specific con
2 Juan cree que el sol es una estrella, 2011/16, Dibujos comprados, obras del acervo del Museo de Arte Moderno de San Pablo, Brasil,
Tcnica mixta, medidas variables medidas variables
3 Mono, 2011, Serigrafa sobre papel kraft, Instalacin, medidas variables 6 Entre dos luces, 2006, Intervencin site specific con obras del
4 Luna con dormilones, 2012, Video monocanal, 5:15 min acervo del Museo J.M. Blanes Montevideo, medidas variables
 4

5 6
394

Santiago Velazco
1976, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

La ltima serie de pinturas de Santiago Velazco se llama Paisajes Cercanos. Esta nace a partir de la observacin de sus anteriores
pinturas. Concentrndose en zonas o detalles de las mismas, abstrae aquellas partes que pueden llegar a configurar una nueva tela,
un nuevo paisaje. La bsqueda de signos viene a resolver un anlisis introspectivo sobre la accin creativa misma, buscando orden
a un caos que haba pasado a ser su marca de fbrica. Buscando una nueva formulacin de la dimensin iconogrfica, llega a una
reduccin casi minimalista, austera y simple, bordeando un trabajo de arqueologa personal, para poner en claro aquellos insumos
que empleaba anteriormente, pero de forma intuitiva. Esta bsqueda que racionaliza su propio proceso deviene mecanismo de
autodefensa hacia un exterior cada vez ms catico y disperso. A partir de ahora, el paisaje abordado, deconstruido, se configura
como principio equilibrante y mediador, guiado por aquellos rastros que la memoria devuelve y donde el afuera y el adentro pasan
a presentarse como un ahora esclarecedor, calmo y meditado. La frmula repite: rayas, crculos, tringulos, prismas, manchas,
nubes, humo, pastos, colores que vibran, paisajes urbanos aunque contradictoriamente selvticos. La serie en s es un campo de
investigacin en cuanto a sus posibilidades, dependiendo del contexto y del tiempo en el que el artista las produce, y por eso la
concibe como un trabajo progresivo de investigacin con mltiples horizontes.

S.V.

The latest set of paintings by Santiago Velazco is called Paisajes Cercanos (Close landscapes). It was created as a result of the
observation of his previous paintings. By focusing on detailed areas of those paintings, he has abstracted those parts which could
eventually give rise to a new picture, a new landscape. The search for signs solves an introspective analysis about the creative action
itself, in an attempt to bring order into the chaos that had become his trademark. By searching for a new formulation of the iconographic
dimension he carries out an austere, simple and almost minimalist reduction, bordering on an effort of personal archeology to bring
clarity to those components he was already using as input, only intuitively. This search which rationalizes his process becomes a
self-defense mechanism from an external environment that is increasingly chaotic and scattered. From now on, the approached,
deconstructed landscape takes shape as a balancing and mediating principle, guided by the traces that memory brings back, and
where the outside and the inside start to appear as an illuminating, calm and meditated now. The formula repeats itself: lines, circles,
triangles, prisms, stains, clouds, smoke, grass, vibrating colors; they are urban, though contradictorily jungle-like, landscapes. The
series itself is a research field in terms of its possibilities, depending on the context and time when the artist produced the pieces and,
for this reason, he sees it as a progressive research effort with multiple horizons.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2016 Desafueros, Subte, Montevideo 2016 Diego Velazco - Santiago 2016 3er Premio, 54 Saln Nacional, MNAV, Montevideo
Velazco, Galera del Paseo, Punta del Este 2012 Hotel de Inmigrantes
Cosmopolitan Stranger, Hasselt 2015 Alta Presin, Galera SOA,
Montevideo 2011 Paisajes Cercanos, Alianza Francesa, Montevideo
2011 Hell of Fame, La Pasionaria, Montevideo
1
396
1 S/T (serie Paisajes cercanos), 2015, Acrlico, leo y esmalte s/tela,
185 x 185 cm
2 (dptico)Con$tructor , Homesweetstreet, 2006, Acrlico y esmalte s/
tela, 310 x 200 cm
3 Recortes, Alta Presin, 2015, Composicin con pedazos de cuadros,
papel de 300 grs pintado con acrlico y esmalte pegado sobre papel
Epson Hot Press Natural 330 grs., 202 cm x 73 cm
4 S/T (serie Paisajes cercanos), 2011, Acrlico, leo y esmalte s/tela,
300 x 200 cm
5 Paisajes Cercanos, 2011, Polptico de 10 obras. Acrlico y esmalte
sobre tela, vista de instalacin, Alianza Francesa, Montevideo
750 x 300 cm
 4

5
398

Diego Velazco
1967, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

Para el artista Diego Velazco la realidad se revela como un factor sorprendente, cada imagen habilita al espectador a transitar la
imaginacin de la materia viva, a tomar como referencia bastiones antiguos, a poner la mirada en lo efmero. Velazco crea en sus
fotografas una potica visual a partir de una narrativa esencial y lumnica que surge de una larga investigacin sobre el Ro de la Plata.
Tal investigacin pone de manifiesto la lograda pretensin de mantener una rigurosa tcnica que no invalida la capacidad de fluir
entre la materia y la ensoacin, hasta lograr una imagen plagada de misterio y significacin. En varias de sus series fotogrficas, el
espectador puede advertir la presencia del agua que acta como elemento definitorio, su dinamismo evoca el precipitado inconsciente
del individuo cuando explora su paisaje prximo, su entorno cotidiano. En la serie Mar de Plata en alusin al Ro de la Plata que los
uruguayos suelen llamar mar, Velazco opera con el concepto plata potenciado como metal precioso a partir del tratamiento dado
por el revelado, que permite una personal gama de grises-plata, dada por los pigmentos o haluros en la emulsin fotogrfica y por el
tipo de papel, factores que juegan un rol fundamental para lograr el concepto final de la obra. Esta serie mantiene un equilibrio entre el
exquisito tratamiento de la imagen y el hallazgo de un espacio de contemplacin en la potencia del agua aparentemente ilimitada. El
artista logra un registro que coloca al espectador en un espacio de interrogacin, cuando los muelles se adentran en lneas, o cuando
el claroscuro del cielo y el ro dialogan en complicidad; aparece el silencio como instancia proyectiva, entre el mundo ocenico vivido
desde el goce y las singulares interrogantes sin respuesta que genera el yo real. En definitiva, la potica del agua a la que hacen
referencia las obras de Velazco, atraviesa las formas del ser en todas sus dimensiones. Son imgenes que capturan el silencio natural
del vrtigo, en el movimiento de completud y vaciamiento que transmite el mar como lugar de accin.

Sobre su serie Mar del Plata, Jacqueline Lacasa

For Diego Velazco, reality reveals itself as a surprising factor; each image allows spectators to travel through the imagination of living
matter, to take ancient bastions as reference, to set their sights on the ephemeral. In his photographs, Velazco creates a visual poetry
from an essential and luminous narrative that is the result of a long investigation about the Ro de la Plata. This research reveals the
successful intention of maintaining a rigorous technique which, however, does not invalidate the ability to flow between matter and
fantasy, until an image fraught with mystery and meaning is achieved. In several of his series of photographs, spectators can notice
the presence of water acting as a distinctive element, its dynamism evoking the hasty unconscious of the individual when exploring
the landscape around them, their daily environment. In the Mar de Plata (Sea of silver) series, which alludes to the Ro de la Plata (River
Plate, River of Silver), usually called sea by Uruguayans, Velazco works with the concept of silver. He enhances it as a precious
metal based on a treatment given in the development, which reveals a personal range of silver-greys caused by the pigments or silver
halide in the photographic emulsion and the type of paper, all of which play a key role in achieving the final notion of the work. This
series maintains a balance between the exquisite treatment of the image and the finding of a space for contemplation in the seemingly
unlimited power of the water. The artist achieves a result that sets the spectator in a space of questioning, when the piers stretch away
in lines, or when the chiaroscuro of the sky and the river establish a complicit dialog, silence appears as a projective instance, between
the oceanic world experienced from the enjoyment and the odd questions without answers generated by the real self. His photography
moves because it travels through that area mentioned by Gastn Bachelard in which, eventually, the being consecrated to water is
a being in vertigo. In essence, the poetics of water alluded to in the works of Velazco cut across all of the dimensions of the forms of
being. They are images that capture the natural silence of vertigo, in the motion of fulfillment and emptying transmitted by the sea as
the setting for the action.

On his Mar de Plata series

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2015 S/T, Galera Abierta, Montevideo 2014 2 Bienal de Montevideo,
Punto de encuentro, Montevideo 2014 Acutica, Galera del Paseo,
Punta del Este 2012 Los ltimos Cines, Centro Cultural del Bid,
Washington 2012 Los ltimos Cines, World Bank, Washington 2010 El
ojo cuadrado, Fundacin Atchugarry, Maldonado
2014 1er Premio, 56 Saln Nacional, MNAV, Montevideo 2013
Seleccionado por Uruguay para exponer en Fotoweek DC - USA
Washington 2010 1er Premio Mural, 25 aos Universidad Catlica del
Uruguay, Universidad Catlica, Montevideo
1
400

1 rboles dormidos (Anacahuita), 2015, Fotografia digital
2 Mar de Plata, 2011, Fotografa analgica negativo blanco y negro 6x6
3 Acutica, 2013, Fotografa analgica negativo blanco y negro 6x6
4 Cohete, 2014, Fotografa analgica negativo blanco y negro, doble
exposicin 6x6
5 Los ltimos Cines, 2000, Fotografa analgica negativo blanco y
negro 6x6
6 La Represa, 2014, Fotografa analgica negativo blanco y negro 6x6
5

6
402

Martn Verges
1975, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

Me considero un lector empedernido de imgenes y no de ideas. Desde esa patologa, sigo hace tiempo las bsquedas de Verges
como un detective ingls, sin apuro pero con mtodo. Nadie sigue algo si no le interesa, y sobre todo si no le inquieta. Descubr que
si las figuras humanas de V. tuvieran esqueletos seran inquietantes. Mi primera pregunta es: qu intenta decirnos construyendo
anatomas humanas aparentemente normales? La exposicin actual me sorprendi demasiado. V. siempre me encerr en su mundo
inclusivo, que yo acepto sin especular. Mi propsito ante su obra no fue nunca averiguar demasiado. Me gusta la incertidumbre que
produce. La segunda pregunta, quiz demasiado privada, es: de dnde sale esa incertidumbre que nos llevamos puesta luego de
detenernos ante su trabajo, de dnde sale esa descolocacin del lector ante la indeterminacin anatmica de su figuracin?
Me atrevera a decir descolocacin y miedo simblico. Mi nueva pregunta es: ese cierto miedo simblico, l tambin lo padece y lo
comparte con nosotros? La muestra que recoge su ltima produccin, no pude dejar de observarla como una gran mancha de aceite
que se extiende sin perder nunca sus lmites. La suma y diversidad de relatos e inventivas formales la compone con seales a maestros
de la pintura, a las que agrega gags visuales impecablemente realizados sobre distintos soportes, logrados siempre desde la misma
precisin grfica y el culto al dificilsimo oficio de la pintura. Mi ltima pregunta es: de dnde sale este chorro expresivo, dnde se
esconde el origen subterrneo de esa originalidad?

Ernesto Vila

I consider myself an inveterate reader of images, not ideas. With that pathology, I have been following Verges searches like a British
detective, without haste but methodically. Nobody follows anything unless they are interested, and especially, not unless they are
concerned. I discovered that if the human figures of V. had skeletons, they would be disturbing. My first question is: what is he trying
to tell us by building apparently normal human anatomies? The current exhibition surprised me greatly. V. has always enveloped me
in his inclusive world, which I accept without speculating. My purpose, when faced with his work, never was to find out too much. I like
the uncertainty it brings. The second question, perhaps too private, is where does that uncertainty come from, the one we take with
us after we look at his work... where does that uneasiness of the reader in the face of the anatomical indetermination of his figures
come from? I am tempted to say uneasiness and symbolic fear. My question is: does he experience that sort of symbolic fear and is
he sharing it with us? In the exhibition that features his latest work, I couldnt stop looking at it as a great oil slick spread out without
losing its edges. The summation and diversity of stories and formal inventiveness that make it up are reminiscent of painting masters,
to which the artist adds impeccably achieved visual gags on different media, always with the same graphic precision and the cult to
the very difficult discipline of painting. My last question is: where does this expressive stream come from..., where is the subterranean
origin of that originality hiding?

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2016 El Bosque Ensimismado, Galera del Paseo, Lima 2014 La
Nostalgia de los Materiales, MNAV, Montevideo 2012 TDUEPURC6,
Bienal de Montevideo, Montevideo 2012 Os Lzaros, Museu do
Trabalho, Porto Alegre 2009 Plan Fnix : 2 Los Medios, Plataforma MEC,
Montevideo 2007 Czzzanne, Cit Internationale des Arts, Pars
2010 Gran Premio, Premio Zonamrica, Montevideo 2006 Gran Premio,
Premio Paul Czanne, Embajada de Francia, Montevideo 2004 Premio,
Banco Repblica, 51 Saln Nacional, Montevideo 2002 Premio MEC,
50 Saln Nacional, MNAV, Montevideo
1
404

1 S/T, 2010, Pastel s/papel, 60 x 40 cm 5 Madera Nacional e Intercontinental, 2014, Carbn, nogalina, caobina,
2 The Pinochets, 2006, Pastel s/ papel, 74 x 142 cm yerba mate y pastel sobre papel, 150 x 225 cm
3 S/T, 2009, Impresin, MNAV, medidas variables 6 Los Tilochets segunda parte, 2014, Carbn y nogalina s/papel,
4 El hijo, 2006, Pastel s/papel, 29, 7 x 21 cm 150 x 220 cm
5

6
406

Ernesto Vila
1936, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

Mi pas es un pedazo de tierra encerrado entre dos fronteras y un ro ancho con una banderita. Pero mi lugar subjetivo y simblico,
donde vivimos y existimos, es una metfora, y mi trabajo una metfora de esa metfora. Abordo sobre-entendidos locales a partir
de una escritura visual, coloquial y cercana, mediante la utilizacin de deshechos que la ciudad descarta. Mi figuracin se detiene en
nombres propios e historias vividas que pertenecen a la urdimbre emblemtica del espacio simblico de mi mismo palo, que intento
rescatar entre la nada y algo, con la utopa de sintetizar lugar y lenguaje. Me gusta imaginar que si se consigue cubrir, en clave de arte,
ciertas etimologas, significados y cimientos intrnsecos que la sociedad que componemos, ac y aqu, ha sedimentado, habremos
comenzado a dejar de ser otros y a formatear el relato de nuestro propio identikit.

E.V.

My country is a piece of land locked between two borders and a wide river with a little flag. But my subjective and symbolic place, where
we live and exist, is a metaphor, and my work, a metaphor of that metaphor. I approach local assumptions from a visual, colloquial and
intimate writing, using the waste rejected by the city. My imagination delves at names and histories that belong to the emblematic
weft of the symbolic space of my kind, which I try to rescue from between nothing and something, with the utopia of synthesizing the
place and language. I like to imagine that if we manage to express through art certain etymologies, meanings and intrinsic foundations
of the society we make up here and now, we will have started to stop being others and to format the narrative of our own identikit.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2012 Sobras de Arte, CCE, Montevideo 2007 52 Bienal de Venecia 1960/2 Adquisicin acervo Museo J.M.Blanes 1987 1er Premio
1995 S/T, Fundacin Torres Garca, Montevideo 1992 S/T, Museo J.M. de Pintura, Saln Van Gogh, Montevideo 1998 Beca Fundacin
Blanes, Montevideo 1970 35 Bienal de Venecia 1969 6 Bienal de Guggenheim 2003 Premio Figari, Banco Central del Uruguay,
Jvenes, Pars Montevideo,

1
408

1 Dos palillos y cuatro Gardeles, 2003, Papel, madera, palillo de colgar
ropa, 50 x 40 cm
2 Desaparecidas/Desaparecidos, 2007, Botellas, agua, recortes de
peridico, fotografa de desaparecidos, 55 x 35 cm
3 Carlos Gonzlez y Torres Garca jugando, 2007, Tcnica mixta,
medidas variables
4 Posando para la foto, 2007, Vista de instalacin, Venecia
5 Imagen-ex, 2006/7, Tcnica mixta, medidas variables
6 Ana, Alfredo De Simone y To Rogelio caminando por la calle, 2007,
Accin, Bienal de Venecia
5

6
410

Margaret Whyte
1936, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

A lo largo de su carrera, Margaret Whyte ha incursionado en lenguajes como el dibujo, pintura, esculturas blandas, instalaciones e
intervenciones. A partir de distintos cdigos y medios, tomados de fuentes diversas y junto a un lenguaje que le es caracterstico, da
rumbo a un trabajo que busca esclarecer las complejidades del mundo contemporneo. Empleando los contrastes como estrategia,
explorando sistemticamente la ambivalencia, la atraccin y el rechazo simultneos, pone as su atencin en todo aquello que la
conmueve o impacta. Aborda siempre problemas como la violencia o la depredacin, e incita constantemente al espectador a
cuestionar todo, ms all de la obra en s. Entre presencias y ausencias, entre smbolos diversos, o ms all de lo intangible que tiene
todo proceso creativo, la artista nos invita a pensar cul es el rol, cual es la funcin que asume toda propuesta artstica.

M.W.

Throughout her career, Margaret Whyte has ventured into languages such as drawing, painting, soft sculptures, installations and
interventions. Based on different codes and meanings taken from different sources and together with a language that is her own,
she launches a production that seeks to elucidate the complexities of the contemporary world. By employing contrast as a strategy,
systematically exploring ambivalence, simultaneous attraction and rejection, she places her attention on all that moves or shocks
her. She always focuses on problems such as violence or depredation and is constantly inciting the spectator to question everything
beyond the work itself. Between presences and absences, among various symbols, or beyond the intangibility of every creative
process, the artist invites us to think about the role, the function undertaken by every artistic proposition.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2016 3 Bienal de Montevideo 2016 Esbozos intangibles, Subte, 2014 Premio Figari, Banco Central del Uruguay, Montevideo 1998
Montevideo 2014 Borde, Museo Figari, Montevideo 2009 Belleza Premio El Mundo Viajes, Bienal de Salto 1997 Mencin, Concurso
compulsiva, MNAV, Montevideo 2008 Kanga, CCE 2007 Pliegues, de pintura del Banco Hipotecario, Montevideo 1996 Premio, Saln
Subte, Montevideo Centenario del Banco Repblica, Montevideo
1
412

1 Belleza compulsiva (detalle), 2009, 200 x 100 cm
2 Belleza compulsiva, 2009, Medidas variables, Vista de instalacin,
MNAV, Montevideo
3 Lo que queda (detalle), 2012, Tcnica mixta, Vista de instalacin,
EAC, Montevideo
4 Hasta que duela, 2001, Gel y silicona, medidas variables
5 Espacios no convencionales, 2008, Intervencin textil en ascensor,
medidas variables, CCE, Montevideo
6 Hydra, 2016, Tcnica mixta, Vista de instalacin, 3 a Bienal de
Montevideo
4

6
414

Yudy Yudoyoko
1973, Jakarta, vive actualmente en Montevideo

Yudi Yudoyoko es un artista nacido en Indonesia, de nacionalidad uruguaya. Su carrera comenz en Indonesia con exposiciones y diseo
de arte. Continu en Uruguay desde 2003 con una serie de exposiciones de las varias lneas de su produccin. El video Fracturas
es sin duda una de las cumbres de su carrera; ana una presentacin en que el artista se retrata con mscaras, alternando pasajes
textuales de su autora. De hecho, Yudoyoko es tambin un autor literario; sus presentaciones plsticas suelen ir acompaadas de
textos que no intentan explicar la obra sino que funcionan en contrapunto con ella. Otro ejemplo notable que combina obra plstica
y texto es el panel de sus autorretratos queer interpretando figuras de El Bosco, expuesto en el Subte en 2016, que incluye un texto
potico acompaante de una fuerza extraordinaria, que debera ser admirado por derecho propio y al que no se ha prestado suficiente
atencin. Entre sus primeras obras a partir de su llegada a Uruguay se cuenta una serie de falsos paisajes, paisajes del alma, cifras
de gran fuerza evocativa a travs de la forma y el color, entre los que se encuentra la serie de casas, que ha prolongado hasta ahora;
esta serie ejerce un notorio impacto afectivo sobre los espectadores. La suya es una pintura de tradicin oriental que tendra tambin,
por el modo de aplicar el color, cierta afinidad con el planismo uruguayo de la escuela de Petrona Viera... A diferencia de ciertas
corrientes ms tradicionales o predecibles del arte nacional, Yudoyoko, en sus mltiples vertientes, presenta una sensibilidad extraa,
singular, queer, estrictamente contempornea y llena de sorpresas, con humor y poesa, que slo estamos empezando a vislumbrar
y digerir, por lo cual, en el plcido ambiente de Uruguay, y a pesar de los premios recibidos, la calidad extraordinaria de su obra no ha
obtenido an el reconocimiento cabal que merece.

Roberto Echavarren

Yudi Yudoyoko is an Uruguayan artist who was born in Indonesia. His career started in Indonesia with exhibitions and art design. He
has resumed it in Uruguay since 2003 with a series of exhibitions of his different production lines. The Fracturas (Fractures) video
is, without a doubt, one of the culminating points of his career; it combines a presentation in which the artist portrays himself with
masks, alternating with passages written by him. In fact, Yudoyoko is also a literary author; his visual art presentations are usually
accompanied with texts that do not attempt to explain the work, but rather work in counterpoint with it. Another notable example which
combines his visual work with texts is the panel of his queer self-portraits playing figures from El Bosco and which, as it was featured in
an exhibition in Subte in 2016, includes an accompanying poetic text that is worthy of admiration in its own right and has not received
enough attention. Among his first works after arriving in Uruguay there is a series of fake landscapes, landscapes of the soul, figures
of a great evocative potential through shape and color, among which we find the series of houses that he has maintained until now.
This series has a noticeable emotional impact on spectators. His painting is based on an Eastern tradition which would also have a
certain affinity to the Uruguayan planismo of the school of Petrona Viera... Unlike certain more traditional or predictable currents of
national art, Yudoyoko displays, through multiple aspects, a strange, singular, queer sensitivity that is strictly contemporaneous and
full of surprises, humor and poetry, that we are only now beginning to see and digest. This is why, in the placid environment of Uruguay
and despite the awards he has received, the extraordinary quality of his work has not yet garnered the full recognition it deserves.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2013 Exposicin Colectiva de Artistas Bolivianos, Merenko Art Gallery, 2012 Beca FEFCA, MEC, Montevideo 2011 Fondo Concursable para
Houston 2012 Yudi Yudoyoko: Yo Soy la Tierra (y otras series), Selasar la cultura, MEC, Montevideo 2010 Premio intervencin del espacio no
Sunaryo Art Space, Bandung 2012 Lucha Libre! Miradas al fabuloso convencional, CCE, Montevideo
mundo de la lucha libre mexicana, Palais de Glace, Buenos Aires 2010
Yudi Yudoyoko: Blow Up, CCE, Montevideo 2009 Yudi Yudoyoko: Club
obsolom, Vivi Yip Art Loft, Jakarta 2008 53 Premio Nacional de Artes
Visuales, MNAV, Montevideo

1
416

2 No soy quien se supone que sea, no soy quien s que piensan que 4 Karma (de la serie Bromavida), 2008, Lapicera y acrlico sobre tela,
soy(detalle de tres paneles), 2016, Autorretrato digital, texto potico, 100 x 80 cm
impresin sobre lona, medidas variables 5 Despellejado (del video Las fracturas), 2012/16, autorretrato
1 El mejor trabajo (de la serie Dress code), 2015, Ropa intervenida con performtico, textos, video de mscaras, 14 min
corte laser, 70 x 80 cm
3 El ro de la vida, 2012, Barro, recorte de papel y lpiz sobre pared,
530 x 620 cm
4

5
418

Guillermo Zabaleta
1965, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

Shangrila II se ensambla a partir de metforas visuales de material flmico personal, hurfano y encontrado, construyendo una partitura
visual fragmentada en un trptico en pantalla. Segn Jaques Derrida, el trabajo archivstico no consiste meramente en conservar o
preservar: La estructura tcnica del archivo archivador tambin determina la estructura de contenido archivable incluso en su propia
llegada a la experiencia y en su relacin con el futuro Este proyecto surge a partir de un archivo personal en 16 mm, que acciona como
disparador. Desencadena un ejercicio de anamnesis personal de un hecho ocurrido en 1975 en Shangril (Canelones). De nio, esto
haca referencia a un paraso terrenal, aislado del mundo exterior, un lugar de felicidad permanente. Cabe destacar aquel contexto
poltico, una dictadura militar (1973-1985). En su momento me generaba contradicciones, ya que cuando iba a la escuela, el mnibus
que nos transportaba era inspeccionado por las Fuerzas Conjuntas (aire, mar, tierra) para revisar personas y objetos personales, entre
ellos mi portafolio escolar, con mis cuadernos incluidos, etc. En ocasiones, se llevaban personas de sus casas y estas ya no volvan,
en el almacn, en la panadera, en el puesto, haciendo las compras, escuchaba voces que se llevaron, y no volvi tal, no lleg a su casa
el vecino aquel. Asimismo, en el bosque del Parque Roosevelt, la felicidad era plena con la fantasa de ver una de las tantas tatuceras
que comentaban en los comercios del barrio que existan ah, en ese lugar mgico. Pasaba horas camuflado entre hojas, tratando de
ver a esta horda de Robin Hood que habitaba el lugar. La contradiccin apareca nuevamente por el ruido de las detonaciones en las
dunas y en el mar, una turma ejercitando para la destruccin de la poblacin civil y especialistas en la desaparicin. Ahora me queda
todo eso como reflexin, al or esas voces pedir por verdad y justicia.

G.Z.

Shangrila II is assembled from visual metaphors of personal movie material, orphaned and found, building a fragmented visual score
in an on-screen tryptic. According to Jacques Derrida, archival work isnt just about conserving or preserving the technical structure
of the archiving archive also determines the structure of the archivable content even in its very coming into existence and in its
relationship to the future. This project is the result of a 16-mm personal archive that works as a trigger. It sets off an exercise of
personal anamnesis about a fact that took place in 1975 in Shangrila (Canelones). When I was a child, this evoked an earthly paradise,
isolated from the rest of the world, a place of permanent happiness. It is worth mentioning that the political context at the time was
a military dictatorship (1973-1985). This was also contradictory to me back then, since the bus that took me to school was inspected
by the [military] joint forces (air, sea, land) to search people and personal items, among them, my school briefcase, including my
notebooks, etc. On occasion, people would be taken from their homes and never come back; while shopping at the store, at the bakery,
at the produce stand, I would hear voices: so and so was taken and never came back, that neighbor did not come home. Likewise, in
the woods of the Roosevelt Park, happiness was complete with the fantasy of seeing one of the many tatuceras 1 that people in the
neighborhood would claim existed there, in that magical place. I would spend hours camouflaged with leaves trying to see this horde
of Robin Hoods who lived there. The contradiction came back with the noise of the explosions in the sand dunes and the sea, a Squad
practicing for the destruction of the civil population and specialized in disappearances. Now I have all of that to reflect on, when I hear
those voices clamoring for truth and justice.

1. Translators Note: Hideouts used by guerrilla members named after the lairs of armadillos (tat, in Uruguay).

Exposiciones Seleccionadas Parismental 9, Sala Point Ephemere, Pars 2014 Mex-Parismental

2016 3 Bienal de Montevideo 2016 Guillermo Zabaleta: Multiplexado/ 9, Sala Point Ephemere, Pars 2012 Cine a Contracorriente, CCCB,
Zabaleta, CCE, Montevideo 2015 12 Bienal de La Habana 2014 Mex- Barcelona
1
420

1 Compadre, 2012, Video digital (origen 16mm), 3:03 min 4 Trance, 2013, Video digital (origen 16mm), 2:46 min
2 Derrumbamiento II, 2014, Video digital (origen 16mm), 5:33 min 5 Shangrila II, 2016, Video digital (origen 16mm), 3:14 min
3 Elegbe, 2009, Video digital (origen 16mm), 2:47 min
4

5
422

lvaro Zinno
1958, Montevideo, vive actualmente en Montevideo

En la cultura popular es frecuente encontrar historias en las que los objetos inanimados cobran vida (como mnimo, vienen a mi mente
relatos del folklore japons y del ruso). Una lectura epidrmica del resultado visual de la fotografa de Zinno hablara de una bsqueda
instintiva, que en algn punto coquetea con una catica casualidad, pero a esta altura ya estamos lo suficientemente alertados de
que aqu las cosas no son lo que parecen como para dejarnos engaar con esta primera mirada, e intuimos que un trasfondo ms
profundo se impone al del supuesto accidente de la composicin. El inters del artista por los espacios semiabandonados del paraso
perdido de la infancia, la sensacin de desgaste social de un pas que no pudo seguir siendo, y en especial ese rastro humano sugerido,
pero no visto, sincroniza en esta instancia con una dimensin ms claramente personal de la fotografa interior. Somos testigos de
las imgenes del subconsciente de Zinno? O son ambos, objetivo y fotgrafo los que, como el rey del otro lado del espejo, sostienen
ese mundo de imposible cotidianidad del que es solo cuestin de tiempo nos daremos cuenta que formamos parte? En esta hora
silenciosa de tiempo detenido, los objetos dormidos y la luz que los saca de la nada nos enfrentan con urgencia a nuestros fantasmas
particulares.

Vernica Panella

It is common to find in popular culture that inanimate objects come to life (at the least, folk stories from Japan and Russia come to
mind). Skimming through the visual result of Zinnos photography would speak of an instinctive search which, at some point, flirts with
a chaotic coincidence, but by now we have been made aware that things are not what they seem, so we wont allow ourselves to be
deceived by that first look, and we sense that there is a deeper undercurrent in the supposed accident of composition.
The artists interest for the semi-abandoned spaces of childhoods lost paradise, the feeling of social deterioration of a country that
could no longer be and, especially, that human trace that is hinted at but not seen is synchronized in this instance with a more clearly
personal dimension of the internal photography. Are we witnessing the images of Zinnos subconscious? Or are they both, lens and
photographer, like the King at the other side of the mirror, supporting this world of impossible ordinariness, of which it is only a matter
of time before we realize we are a part? At this silent time when time has stopped, sleeping objects and the light that pulls them out of
nothingness force us to confront our personal ghosts with urgency.

Exposiciones Seleccionadas Distinciones Seleccionadas

2016 Donde duermen las cosas, SOA, Montevideo 2010 Centenario, 1991 500 Aos, ICI, Montevideo 1986 Cien Aos, Diario EL Da,
MNBA, Santiago de Chile 2009 Fotografas Mnimas, CCE, Montevideo Montevideo
2004 lvaro Zinno, Galera Principium, Buenos Aires 1989 lvaro Zinno,
Centro Cultural, Buenos Aires 1987 lvaro Zinno, Galera del Notariado,
Montevideo
1
424

1 Mano, 1986, Fotografa, 100 x 100 cm 4 MAPI, 2002, Fotografa, 110 x 240 cm
2 Malvones, 2009, Fotografa, 100 x 100 cm 5 Atlntica, 2000, Fotografa, 110 x 240 cm
3 Sillones, 2015, Fotografa, 70 x 100 cm 6 Che, 1998, Fotografa, 80 x 80 cm
4

6
426
CONTACTO

Javier Abreu soytuempleado.com Sebastin Alonso Bessonart sebastianalonso.com, facebook.com/proyectocasamario

Fernando lvarez Cozzi vimeo.com/alvarezcozzi, facozzi@gmail.com Claudia Anselmi claudiaanselmi.com, claudiaianselmi@
gmail.com Silvina Arismendi silvinaarismendi.com Federico Arnaud federicoarnaud.com.uy Javier Bassi javierbassi.blogspot.
com.uy Raquel Bessio raquel_bessio@hotmail.com Patricia Bentancur patriciabentancur.com Olga Bettas bettas@adinet.com.
uy, olgabettas.com Cecilia Bonilla ceciliabonilla.com Oscar Bonilla oscarbonilla.se, bonilla23@gmail.com Juan Burgos juanburgos.
org Luis Camnitzer camnitzer1@gmail.com Ana Campanella anacampanella.blogspot.com.uy, anacampanella@yahoo.com.ar
Carlos Capeln capelan.com Rimer Cardillo rimercardillo.com Cristina Casab cristinacasabo.com Alejandro Cesarco cesarco.
info Osvaldo Cibils osvaldocibils.com Tamara Cubas perrorabioso.com, tamaracubas@gmail.com Pau Delgado Iglesias facebook.
com/paudelgadoiglesias Liliana Farber lilianafarber.com Maria Agustina Fernndez Raggio mafr.uy Magela Ferrero magelaferrero.
blogspot.com, magela ferrero@gmail.com Andrea Finkelstein andreafinkelstein.com Rita Fischer ritafischer.org Florencia
Flanagan / florf florenciaflanagan.com, tejerelmanto@gmail.com Diego Focaccio d.focaccio@gmail.com Fernando Foglino
foglino.me, fernandofoglino.uy@gmail.com lvaro Gelabert alvarogelabert@gmail.com Alfredo Ghierra alfredoghierra.com.uy,
ghierraintendente.com.uy Haroldo Gonzlez haroldogonzalez.com Alejandra Gonzlez Soca alejandragonzalezsoca.com Eugenia
Gonzlez - Agustina Rodrguez agustinaeugenia.com, macmo.uy Carlos Guinovart carlosguinovart.com Ignacio Iturria iturria.com.
uy Oscar Larroca larrocaoscar.com, larroca1@adinet.com.uy Alberto Lastreto vimeo.com/user31682399, alberto.lastreto@gmail.
com Victor Lema Riqu victorlemarique@gmail.com, victorlemarique.com Brian Mackern bri.uy Marco Maggi webmarcomaggi.
org Diego Masi diegomasi.blogspot.com.uy Paola Monzillo paolamonzillo.com Vladimir Muhvich Meirelles vladimirmuhvich@gmail.
com Carlos Musso Rinaldi carlosmusso.com.uy Fermn Hontou (Omb) dibujosombu.blogspot.com Clemente Padn clementepadin.
blogspot.com, padinclemente@gmail.com Jos Luis Parodi joseluisparodi@wordpress.com Ricardo Pascale ricardopascaleart.com
Virginia Patrone virginiapatrone.com, virginiapatrone@gmail.com Martin Pelenur martinpelenur.com, martin@pelenur.com lvaro
Pemper alvaropemper.com Teresa Puppo teresapuppo.com, teresa.puppo@gmail.com Juan Manuel Rodrguez juanarnabal@gmail.
com Juliana Rosales julianarosales.weebly.com Maria Clara Rossi Malan chasque.net/carlos, rossi@chasque.net Federico Rubio
federicorubio.com Sebastin Sez sebastiansaezpintura.blogspot.com, sebastian10saez@gmail.com Mario Sagradini sagra@vera.
com.uy Martn Sastre martinsastre.com Alejandro Schmidt alejandroschmidt.com, a2.schmidt@gmail.com Carlos Francisco Soto
jfsotoobras.blogspot.com.uy Elian Stolarsky elian-stolarsky.com Gustavo Tabares gustavotabares.com Alejandro Turell naturellart.
blogspot.com Santiago Tavella Nazzari santiagotavella.com Pedro Tyler pedrotyler.com Dani Umpi facebook.com/daniumpi
Pablo Uribe pablouribe.net, uribe@monocromo.com.uy Diego Velazco diegovelazco.com Santiago Velazco santiagovelazco.com,
svelazco@gmail.com Margaret Whyte marga.whyte@gmail.com, margaretwhyte.com Yudi Yudoyoko yyudoyoko@gmail.com,
yyudoyoko-nudehead.blogspot.com Guillermo Zabaleta vimeo.com/user8903841 Alvaro Zinno zinno@adinet.com.uy-zinno.me
428
Crditos fotogrficos

Javier Abreu _ 1 Tali Kimelman _ 2 Federico Calzada _ 4, 3, 5 Javier Abreu _ 6 Mauricio Pizard Federico Aguirre _ Artista Sebastin
Alonso Bessonart _ Artista Fernando lvarez Cozzi _ 1-4, 6 Artista _ 5 Luis E. Sosa Claudia Anselmi 1-3 _ 5 Eduardo Baldizn _ 4, 6
Mariela Benitez Silvina Arismendi _ 1, 3, 4 Peana Projects _ 2, 5, 6 Berloni Galler Federico Arnaud _ 1 Rodrigo Arrillaga _ 3-6 Alejandro
Persichetti _ 2 Antonella de Ambroggi Enrique Badar Nadal _ 1-4 Sebastin Vidondo _ 5 Alejandro turell _ 6 Jos Pilone Javier Bassi
_ Artista Patricia Bentancur _ 1 Carolina Sobrino _ 2, 4, 5 Artista _ 3 Papina Di Palma _ 6 Ignacio Rodrguez Raquel Bessio _ 1-6 Ramn
Cervio Olga Bettas _ 1-6 Pablo Bielli Cecilia Bonilla _ Artista Oscar Bonilla _ Artista Juan Burgos _ 1-6 Luis Alonso Luis Camnitzer
_ 1-6 Alexander Gray Associates Ana Campanella _ Artista Yamand Canosa _ 1 Artista _ 2, 3, 5, 6 Marcelo Isarrualde _ 4 Peter Cox
Carlos Capeln _ Artista Rimer Cardillo _ Artista Eduardo Cardozo _ Artista Cristina Casab _ 1 Artista _ 2 Carolina Sobrino _ 3, 5
Sylvia Julber _ 4 Alberto Lastreto Alejandro Cesarco _ Artista Osvaldo Cibils _ Artista Pablo Conde _ 1-4, 6 Artista _ 5 Pablo Bielli
Alejandro Cruz _ Artista Tamara Cubas _ 1 Carlos Contreras _ 2, 5 Nacho Correa _ 3 Paola Nante _ 4 Francisco Lapetina Pau Delgado
Iglesias _ 1-4, 6 Artista _ 5 Rafael Lejtreger gueda Dicancro _ 1, 2, 5 Artista _ 3 Carlos Engelman _ 4 Marcelo Rodrguez Liliana Farber
_ 3 Interstitial Theatre _ 4 Dafna Gazit _ 2, 6 Artista Maria Agustina Fernndez Raggio _ Artista Magela Ferrero _ Artista Andrea
Finkelstein _ 1, 3-6 Diego Velazco _ 2 Artista Rita Fischer _ 1-6 Eduardo Baldizn Florencia Flanagan florf _ 1 Fernando Perdomo _ 5
Artista _ 6 Rafael Lejtreger _ 3, 4 Eduardo Baldizn _ 2 Nacho Seimanas e Ignacio Veliovich Diego Focaccio _ 1, 3, 4 Artista _ 2 Alejandro
Cabrera Fernando Foglino _ 1 Irina Raffo _ 2,6 Valentina Cardellino _ 3 Pablo Cazarr _ 4 Luca Chiquiar _ 5 Artista Daniel Gallo _ 1-6
Ral Valenti Brun lvaro Gelabert _ 1-6 Eduardo Baldizn Alfredo Ghierra _ 1 Ramiro Rodrguez Barilari _ 2 Artista _ 3 Juanma Barrios
_ 4, 5 Tali Kimelman Gerardo Goldwasser _ 1, 5 Gustavo Castagnello _ 2, 4 Artista _ 3 Saly Gonzlez _ 6 Rafael Lejtreger Haroldo
Gonzlez _ Artista Alejandra Gonzlez Soca _ 1, 2, 4 Artista _ 3, 5 Carlos Iglesias _ 6 Manuel Gianoni Eugenia Gonzlez y Agustina
Rodrguez _ 1,2, 4, 5 Artista _ 3 Antonella De Ambroggi Carlos Guinovart _ Artista Ignacio Iturria _ 1-6 Chiqui Iturria Jacqueline
Lacasa _ 1 Rafael Lejtreger _ 2-5 Artista Oscar Larroca _ 1-6 Trygve Rasmussen Alberto Lastreto _ Artista Marcelo Legrand _ Artista
Victor Lema Riqu _ 1, 4-6 Fernando Laszlo _ 2, 3 Artista Fernando Lpez Lage _ Natalia de Len Brian Mackern _ 1-3, 5, 6 Artista
_ 4 Gustavo Romano Marco Maggi _ 1, 2, 5 Ugo Carmeni _ 3, 4, 6 Artista Diego Masi _ Artista Paola Monzillo _ 1, 3, 4, 5 Juan Pablo
Landarn _ 2, 6 Artista Vladimir Muhvich Meirelles _ 1-3, 6 Martn De Rossa _ 5, 4 Eduardo Baldizn Carlos Musso Rinaldi _ Artista
Fermn Hontou (Omb) _ 1-6 lvaro Rodrguez Clemente Padn _ Artista Jos Luis Parodi _ 1-6 Saly Gonzlez Ricardo Pascale _ 1, 3
Rafael Lejtreger _ 4, 6 Artista _ 5 Testoni Studios Virginia Patrone _ 1, 3, 5 Luca Fernndez Cordano _ 2, 4, 6 Artista Martin Pelenur _
Artista lvaro Pemper _ Artista Diego Piriz _ Artista Luca Pittaluga _ 1,2,4-6 Luis Alonso _ 3 Artista Sergio Porro _ 1, 3, 5 Artista _ 2
Martn de Rosa _ 4 Eduardo Baldizn Teresa Puppo _ 1-3, 6 Artista _ 4 Alejandra Gonzlez Soca _ 5 Pablo Bielli Ernesto Rizzo _ 1,3-5
Federico Meneses _ 2 Artista Fabio Rodrguez _ 1,4,5 Beln Rivera _ 2, 3 Martin Da Rosa _ 6 Guillermo Sierra Juan Manuel Rodrguez
_ 1,3,4,6 Pancroma _ 2,5 Artista Maria Clara Rossi Maln _ 1,2,3,6 Pablo Bielli Roves _ 4,5 Artista Federico Rubio _ Artista Agustn
Sabella _ 1,5 Martn de Rossa _ 2,4 Artista _ 3 Luciana Damiani Sebastin Sez _ Artista Mario Sagradini _ 1 Gustavo Castagnello _
2-6 Artista Martn Sastre _ Artista Alejandro Schmidt 1,3,4,5 _ Artista _ 2 Diego Vidart Fidel Sclavo _ Artista Carlos Seveso _ 6 Saly
Gonzlez _ 1-5 Artista Carlos Francisco Soto _ 1 Alejandra Gonzlez Soca _ 2,5 Manuel Gianoni _ 3 Fbio del Re _ 6 Estudio Testoni _ 7
Anne Gold Elian Stolarsky _ 1 Diana Landim _ 2 Reinaldo Altamirano _ 3 Iahara Stolarsky _ 4 Proyecto CasaMario _ 5, 6 Artista Gustavo
Tabares _ 1 Carolina Sobrino _ 2,4 Antonella De Ambroggi _ 3 Saly Gonzlez _ 5, 6 Gustavo Tabares Santiago Tavella Nazzari _ 1 Artista
_ 2,3,5,6 Diego Velazco _ 4 Pablo Bielli Alejandro Turrell _ Artista Pedro Tyler _ Artista Dani Umpi _ 1,3-6 Artista _ 2 Nicols Raddatz
Juan Ura _ 1, 2, 4, 5 Artista _ 3, 6 Saly Gonzlez Pablo Uribe _ 1, 2, 6 Rafael Lejtreger _ 3 Pablo Abdala _ 5 Edouard Fraipont _ 4 Artista
Diego Velazco _ Artista Santiago Velazco _ 1-4 Martn De Rossa _ 5 Artista Martn Verges Rilla _ 2 Pablo Bielli _ 5, 6 Oscar Bonilla _
1,3, 4 Artista Ernesto Vila _ Artista Margaret Whyte _ 5 Alejandro Albertti _ 1, 2 Antonella De Ambroggi _ 3,4,6 Natalia de Len Yudi
Yudoyoko _ Artista Guillermo Zabaleta _ Artista lvaro Zinno _ Artista
430
Intendencia de Montevideo _ Intendente Montevideo Daniel Martnez _ Secretario General Fernando Nopitsch _ Dir. Departamento de
Cultura Mariana Percovich _ Dir. Artes y Ciencias Juan Canessa

Centro de Exposiciones Subte _ Coordinador / Curador Rulfo (Lic. Ral lvarez) _ Direccin Administrativa Adriana Escoto _
Registro fotogrfico y comunicacin Saly Gonzlez _ Registro Audiovisual Gabriel Cabrera _ Talleres Gonzlo Rodrguez _ Montaje y
Mantenimiento Alfredo Escobar, Javier Pereira _ Asistentes de sala Alejandra lvarez, Daniel Martinez _ Pasantes Alexandra Morn,
Patricia Villarmarzo

Catlogo _ Direccin editorial Rulfo (Lic. Ral lvarez) _ Colaboradores Enrique Aguerre, Patricia Bentancur, Jacqueline Lacasa, Manuel
Neves, Santiago Tavella _ Traduccin al ingls Adriana Butureira _ Correccin de estilo Sabela de Tezanos _ Realizacin grfica Estudio Grfico
_ Impresin y encuadernacin Empresa Grfica Mosca
Diciembre de 2016 _ Depsito Legal 370.957 _ ISBN 978-9974-716-31-5