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el otoo que tengo es el que he perdido


mireya martn larumbe

BilbaoArte

Mireya Martn Larumbe

De lo que no se puede hablar


Susana Blas

Toda obra de arte necesita ser entendida no slo como algo que nos han entregado, sino
tambin como una cierta manipulacin de lo inefable. En el gran arte, siempre somos
conscientes de cosas que no pueden decirse (reglas de decorum), de la contradiccin
entre la expresin y la presencia de lo inexpresable. Las invenciones estilsticas son
tambin tcnicas de esquivacin. Los elementos ms poderosos de una obra de arte son,
con frecuencia, sus silencios. Susan Sontag
Tengo el poder de seducir a quien quiera Iris Murdoch
La primera sensacin que tuve al adentrarme en el trabajo de Mireya Martn es la de despertar
en una casa a la que no recordaba haber entrado. Amanecer una maana en casa ajena y
deambular distrada por estancias rebosantes de intimidad sin sentirme incmoda, incluso
reconocindome en ciertos elementos en el desorden particular de una vida otra. Una emocin
que se torna rpido en atraccin, vrtigo y pudor.
Otro efecto recurrente cuando accedo a sus trabajos, y en particular a las animaciones, es el de
penetrar en el interior de la materia de un poema, o en el corazn de una cancin, y dejarme
envolver por la espesura de la msica, por los susurros de una letra que a la primera no se
entiende, y que terminas descifrando e inventando a tu manera.
Mireya elije el dibujo, la imagen videogrfica y la instalacin: tecnologas y materiales que
evitan a las obras solidificarse. Prefiere la fragilidad y la sugerencia como sustancia. La lnea, el
papel con sus texturas, y la imagen en movimiento, son medios idneos para no cerrar ni las
motivaciones ni los efectos de sus corrientes de pensamiento.
Al mismo tiempo, como ocurre con otras artistas de compromiso feminista, esta decisin
puede tambin comportar un cariz poltico, pues renunciar a los grandes gneros (la
pintura y la escultura) y potenciar los mrgenes de la prctica artstica, permite huir del
lastre de una Historia del Arte de la que las mujeres han sido excluidas como autoras. Esta
preferencia por medios hbridos ms fugaces que funden dibujo, animacin y vdeo, y que
se expanden en el espacio, conectara con el trabajo de creadoras como Pipilotti Rist, Susi
Jirkuff, o ShahziaSikander por citar algunas con las que comparte el inters por las narrativas
personales y por la msica.
Tienen los trabajos de Mireya un aire singular que los hace flotar en un territorio ambiguo entre
el dentro y el afuera. Dentro y fuera del sueo, dentro y fuera del pensamiento, dentro y fuera
del deseo, renunciando as a imponer sus propios descubrimientos al espectador, sus propias
narrativas, para que seamos nosotros los que aadamos otra visin. Dentro y fuera del cuerpo.
Un cuerpo sin lmites, fronterizo, que es y no es animal, flor, huesos, rgano interior. Pantesmo
suyo.
Las animaciones de la artista, que funden dibujo y fotografa, color y texturas, aluden a la
naturaleza, a la fragmentacin y a la memoria del cuerpo en su cadena de transformaciones en
animales (como el bho o la serpiente) frutas y paisajes. Pero como contrapunto a este buscado
desorden iconogrfico, los ttulos de las obras de la artista, son un elemento lingstico mas:

el otoo que tengo es el que he perdido

BilbaoArte

irnicos referentes literarios que ponen voz a lo en un primer momento nos pareci inefable,
inenarrable. Con sabores a hermosos titulares decadentes, a dilogos de pelculas de culto o a
sentencias filosficas, estas sentencias adjetivan y acotan las imgenes expuestas: El otoo que
tengo es el que he perdido, Yo ya no era yo, era otra, y precisamente por eso, otra vez yo, Me
pierdo por unos momentos de sentirme vivir, Yo me haba convertido en un interior, Sentir
es un pensamiento extravagante
En esa casa tomada a la que desde el misterio hemos entrado, la luz baa los muebles y las
montaas de ropa en algunas estancias, pero en otras, hay que penetrar a tientas y a oscuras,
haciendo malabarismos para no darnos con el pico de una mesa o tropezar con torres de libros.
Tratamos de no caer, pero inevitablemente a veces surgen colisiones, es el lado ms oscuro y
tenebroso de sus paisajes sonoros, aquel que remite al inconsciente. El cuerpo desmembrado
reflejo de pulsiones y auto-curaciones holsticas. La cadera, la cabeza o el corazn empiezan a
hablar de miedos de la fragilidad de la existencia, del paso del tiempo, de las negociaciones
que hace el artista entre hablar y silenciar. Un sentir que mezclara el sufrimiento interior de
Sylvia Plath con la evidencia/nostalgia de atrapar lo cotidiano de Jonas Mekas.
A pesar de la volatilidad de sus piezas, hay una bsqueda de formas y manchas, limpias de
todo exceso y una apuesta por la especificidad del dibujo autnomo, alejado de efectismos. En
la instalacin Yo me haba convertido en un interior seis piezas hbridas entre el dibujo y la
animacin prescinden de audio para remarcar su naturaleza dibujstica. La imagen se queda
muda, en silencio, con ecos a meditacin interior y aire taoista. Como si se buscara presentar
ms que comentar.
Este inters por dejar que las imgenes sean un flujo de conciencia e interacten y haga suyas
el visitante se hace an ms evidente en la instalacin Sentir es un pensamiento extravagante,
donde con referencias al cine experimental y al metraje domstico, se envuelve al espectador
en un remolino de proyecciones que van sobre varias capas consecutivas de tul entre las que se
puede deambular. Como la misma autora explica: El uso del tul como superficie de proyeccin,
que retiene la imagen y a la vez la deja pasar, hace las veces de velo, que de una forma sutil
modifica la forma en la que vemos lo que queda detrs. El audio de la pieza tambin supone
una convulsin incomoda que busca despertar al espectador del abandono onrico, y asumir el
presente.
Por otra parte, en su afn por presentar el ahora, se evita esconder los trucos escapistas poniendo
al descubierto los elementos que hacen posible la instalacin. Y el caso ms emblemtico de
esta decisin es la instalacin: La nieve que invade el centro de las cosas donde se disponen
de forma ordenada los fotogramas de las animaciones, los bocetos, los frascos de pigmentos.
Frente al collage de texturas de imgenes de las animaciones, aqu la mesa est deliberadamente
ordenada como si de un expositor de armas o de herramientas se tratara.
Visualizo para acabar los enormes rollos de papel sobre los que la artista dibuja, antes de
poner en marcha el motor de la animacin, y me sugiere el tambor de registro de un peculiar
sismgrafo de los terremotos del alma.

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Mireya Martn Larumbe

Ezin dena hizpidetzat hartu


Susana Blas

Edozein artelan ezin uler daiteke entregatu diguten zerbait bezala soilik, baizik eta
ezin azalduzkoaren nolabaiteko manipulazio bezala ere bai. Arte handian, beti egoten
gara jakitun ezin esan daitezkeen gauzez (decorumaren arauak), adierazpenaren eta
ezin adieraz daitekeenaren presentziaren arteko kontraesanaz. Asmakizun estilistikoak
saiheste-teknikak ere badira. Artelan baten elementu ahaltsuenak, sarritan, beraren
isiluneak dira Susan Sontag
Nahi dudana limurtzeko ahalmena dut Iris Murdoch
Mireya Martnen lanean barneratzean izan nuen lehenengo sentsazioa izan zen sartu izana
gogoratzen ez nuen etxe batean esnatzea. Goiz batean etxe arrotz batean esnatzea eta intimitatez
jositako geletatik arretagabe ibiltzea, batetik bestera, deseroso sentitu gabe; are gehiago,
neure burua elementu jakin batzuetan aurkituz beste bizitza bateko nahaspila partikularrean.
Erakargarritasun, zorabio eta lotsa berehala bihurtzen den emozio bat.
Beraren lanetan sartzen naizenean errepikatzen den beste efektu bat, batez ere animazioen
kasuan, poema baten gaiaren barnean sartzea da, edo abesti baten bihotzean sartzea, eta
musikaren trinkotasunari neu inguratzen uztea, lehenengo aldiz ulertzen ez den letraren xuxurlari
neu inguratzen uztea, gero, azkenean, zure modura deszifratu eta asmatzen baduzu ere.
Mireyak marrazkia, irudi bideografikoa eta instalazioa aukeratzen ditu: obren solidifikazioa
eragozten duten teknologia eta materialak. Hauskortasuna eta iradokizuna nahiago ditu gai
bezala. Marra, papera bere ehundurekin, eta mugimenduan dagoen irudia, bitarteko egokiak
dira bere pentsaera-korronteen motibazioak eta efektuak ez ixteko.
Aldi berean, konpromiso feminista hartuta duten beste artista batzuekin gertatzen den bezala,
erabaki horrek abardura politikoa ere izan dezake; izan ere, genero handiei (pintura eta
eskultura) uko egitea eta praktika artistikoaren ertzak bultzatzea lagungarria da emakumeak
autore gisa baztertu dituen Artearen Historiaren zamatik ihes egiteko. Marrazkia, animazioa
eta bideoa uztartzen dituzten eta espazioan hedatzen diren bitarteko hibrido iheskorrago
horien aldeko hautua Pipilotti Rist, Susi Jirkuff edo Shahzia Sikanderren lanarekin konektatuko
litzateke, narratiba pertsonalen eta musikaren aldeko interesa berarekin konpartitzen duten
autore batzuk aipatzearren.
Mireyaren lanek kutsu berezi bat dute, hots, lurralde anbiguo batean, kanpoaldearen eta
barnealdearen arten, flotatzera daramatzan kutsu berezi bat. Ametsaren barnean eta kanpoan,
pentsamenduaren barnean eta kanpoan, nahiaren kanpoan eta barnean; era horretan, uko egiten dio
bere aurkikuntza propioak eta bere narratibak ikusleari ezartzeari, geu izan gaitezen beste ikuspegi
bat gehitzen dugunok. Gorputzaren barnean eta kanpoan. Mugarik gabeko gorputz bat, mugaldean
artean jarrita, animalia, lorea, hezurrak, barneko organoa dena eta ez dena. Beraren panteismoa.
Artistaren animazioek, marrazkia eta argazkia, kolorea eta ehundurak uztartuta, natura dute aipagai,
gorputzaren haustura eta oroimena bere eraldaketen katean, animaliengan (hala nola hontza
edo sugea), frutetan eta paisaietan. Bilatutako nahaspila ikonografiko horren kontrapuntu
bezala, baina, artistaren obraren izenburuak hizkuntza-elementu erantsi bat dira: erreferente

el otoo que tengo es el que he perdido

BilbaoArte

literario ironikoak, hasieran ezin azalduzkoa eta ezin kontatuzkoa iruditu zitzaigunari ahotsa
jartzen diotenak. Izenburu dekadente ederren, kultu-filmen elkarrizketen edo esaera filosofikoen
zaporearekin, esaera horiek adjektibatu eta mugatzen dituzte ikusgai jarritako irudiak: El otoo
que tengo es el que he perdido, Yo ya no era yo, era otra, y precisamente por eso, otra vez yo,
Me pierdo por unos momentos de sentirme vivir, Yo me haba convertido en un interior,
Sentir es un pensamiento extravagante.
Misteriotik sartuta guretzat hartu dugun etxe horretan, argiak altzariak eta arropa pilak
bainatzen ditu gela batzuetan, baina beste batzuetara ilunpetan eta haztamuka sartu behar dugu,
malabarismoak eginez mahai bateko punta ez jotzeko edo liburu-dorreekin estropezu ez egiteko.
Ez erortzen saiatzen gara, baina batzuetan talkak sortzen dira ezinbestean, beraren soinu-paisaien
alderdi ilunena eta beltzena da, inkontzientera bidaltzen gaituena. Gorputz zatikatua, pultsio eta
auto-sendaketa holistikoen isla. Burua, aldaka edo bihotza beldurrei buruz mintzatzen hasten dira,
bizitzaren hauskortasunari buruz, denboraren joanari buruz, mintzatzean eta isiltzearen artean
artistak egiten dituen negoziazioei buruz. Sentitze horrek Sylvia Plathen barneko sufrimendua
nahastuko luke Jonas Mekasen egunerokoa atzemateko ebidentziarekin/nostalgiarekin.
Beraren piezen hegazkortasuna gorabehera, bada inolako gehiegikeriarik gabeko forma eta
orbanen bilaketa bat, eta efektismorik gabeko marrazki autonomoaren espezifikotasunaren
aldeko hautu bat. Yo me haba convertido en un interior instalazioan, animazioaren eta
marrazkiaren arteko sei pieza hibridok audioa baztertzen dute beren marrazketa-izaera
nabarmentzeko. Irudia mutu geratzen da, isilik, barneko meditazioaren eta kutsu taoistaren
oihartzunekin. Esan liteke asmoa aurkeztea dela, komentatzea baino gehiago.
Irudiak kontzientzia-fluxua izateko interes hori, bisitariak haiekin elkarreraginean aritu
eta bereganatzeko interes hori are agerikoagoa da Sentir es un pensamiento extravagante
instalazioan; izan ere, zinema esperimentalaren eta etxeko filmaketen erreferentziekin, ikuslea
proiekzio-zurrunbilo batean sartzen du, bata bestearen gainetik jarritako tul-geruza batzuen
gainean, zeinetatik ikuslea ibil baitaiteke noraezean. Autoreak berak azaltzen duenez: tula
proiekziorako azalera bezala erabiltzea, irudia atxiki eta aldi berean pasatzen uzten dion azalera
bezala, belo gisa erabiltzea da, modu sotilean aldatzen baitu atzean geratzen dena ikusteko
dugun modua. Piezaren audioa ere astindu deseroso bat da, ikuslea abandonu onirikotik esnatu
nahi duena, orainaldiaz jabetu dadin.
Beste alde batetik, oraina aurkezteko ahaleginagatik, iheserako trikimailuak ezkutatzen
saihesten da, instalazioa ahalbidetzen duten elementuak agerian jarriz. Bada, erabaki horren
kasu enblematikoena La nieve que invade el centro de las cosas instalazioa da, bertan modu
ordenatuan ipintzen baitira animazioen fotogramak, zirriborroak eta pigmentu-flaskoak.
Animazioen irudi-ehunduren collagearen aurrean, hemen mahaia apropos dago ordenatuta,
armen edo erreminten erakusmahai bat balitz bezala.
Bukatzeko, artistak bere marrazkietarako erabiltzen dituen paper-bilkariak bistaratzen ditut,
animazioaren motorra abiatu aurretik, eta sismografo bitxi baten erregistro-danborra dakarkit
gogora arimaren lurrikarena.

duermen como nios cansado de jugar

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BilbaoArte

Duermen como nios cansado de jugar


77 x 57 cm
Bost marrazkiz osatutako seriea; ikatz-ziria, grafikoa eta urre-xafla Archs paperaren gainean
Serie de 5 dibujos; Carboncillo, Grafito y pan de oro sobre papel Archs

Mireya Martn Larumbe

el otoo que tengo es el que he perdido

BilbaoArte

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la nieve que invade el centro de las cosas

La nieve que invade el centro de las cosas


Marrazki-instalazioa; teknika mistoa.Neurri aldakorrak
Instalacin de dibujos; Tcnica mixta.Dimensiones variables

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BilbaoArte

Mireya Martn Larumbe

el otoo que tengo es el que he perdido

BilbaoArte

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va fugandose el tiempo en sus ciclos


metdicos

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BilbaoArte

Yo me haba convertido en un interior


Ikus-entzunezko instalazioa (Fotogramak)
Instalacin audiovisual (Fotogramas)

Mireya Martn Larumbe

el otoo que tengo es el que he perdido

BilbaoArte

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BilbaoArte

Mireya Martn Larumbe

el otoo que tengo es el que he perdido

BilbaoArte

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yo ya no era yo, era otra, y precisamente


por eso otra vez yo

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BilbaoArte

Yo ya no era yo, era otra y precisamente por eso otra vez yo


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Animazio esperimentala
Animacin experimental

Mireya Martn Larumbe

el otoo que tengo es el que he perdido

BilbaoArte

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me pierdo por unos momentos


de sentirme vivir

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BilbaoArte

Me pierdo por momentos de sentirme vivir


3 23
Animazio esperimentala
Animacin experimental

Mireya Martn Larumbe

el otoo que tengo es el que he perdido

BilbaoArte

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sentir es un pensamiento extravagante

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BilbaoArte

Sentir es un pensamiento extravagante


Instalacin audiovisual
Ikus-entzunezko instalazioa

Mireya Martn Larumbe

el otoo que tengo es el que he perdido

BilbaoArte

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el otoo que tengo es el que he perdido

BilbaoArte

De qu habla una lnea?

(O de cmo explorar una pradera nevada)


Iker Andrs
Qu podemos hacer si queremos cartografiar una pradera cubierta de nieve? Parece que lo
ms evidente es dejar la hoja en blanco, inmaculada, rplica exacta del territorio que estamos
representando. Una superficie lisa y uniforme que se extiende ante nuestra vista contenida en
un papel en blanco entre nuestras manos. Tenemos el mapa perfecto. No podemos estar ms
equivocados.
Debajo de la nieve existe un universo de cosas dispuestas a ser sacadas a la luz, y eligiendo
cules de estos elementos vamos a incorporar a nuestro mapa estamos creando toda una serie
de relaciones imprevistas. Sin la nieve los elementos de la pradera se relacionan de forma
casi natural; por proximidad, por semejanza, por su origen Pero una vez cubierto todo y
convertido en una superficie blanca las relaciones desaparecen, las semejanzas devienen en
nada, y slo se hacen visibles en la medida en que el cartgrafo las reclama para la vista. Dos
rocas que antes estaban lejos ahora estarn ntimamente relacionadas si son los dos nicos
elementos que hemos rescatado en nuestro mapa.
De esta misma manera funcionan las obras de Mireya Martn Larumbe. Traza lneas que unen
sobre el papel elementos que pueden parecer ajenos, pero que existen bajo la capa de nieve
unificadora que es el papel en blanco y que es, al fin y al cabo, la mscara con la que nos
ocultamos cada uno de nosotros. Las lneas de Mireya se retuercen en el papel o en la pantalla
y se transforman en plantas, animales, elementos anatmicos un sin fin de referencias
simblicas tan abiertas que cada espectador las dota de un significado propio, reconociendo en
cada obra una parte de s mismo que hasta ahora le permaneca velada. Es por esto que resulta
difcil permanecer indiferente ante una de las obras de Mireya. Nos asombran por la belleza de
sus lneas y colores, por sus dimensiones, de lo diminuto a lo descomunal, por la sutileza de sus
transformaciones, pero por lo que nos fascinan es por el reconocimiento de nosotros mismos
que obtenemos en su contemplacin, por la forma en que estos dibujos y animaciones dirigen
hacia la introspeccin. No es extrao descubrirse a s mismo viendo una de las animaciones
que componen esta exposicin y darse cuenta que de que la pieza ha terminado y empezado
una y otra vez y que seguimos mirndola, incapaces de apartar la vista, descubriendo nuevos
detalles a cada vuelta de ciclo. Por estos motivos, y respondiendo a la pregunta que encabeza
estas palabras: De qu habla una lnea? tenemos que contestar que en el caso de Mireya las
lneas hablan de cada uno de nosotros contemplndose a s mismo.

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el otoo que tengo es el que he perdido

BilbaoArte

Zertaz hitz egiten du lerro batek?


(Edo elurtutako belardi bat nola esploratu)
Iker Andrs
Zer egin ote dezakegu elurrez estalitako belardi baten kartografia egiteko? Badirudi, nonbait,
logikoena dela orria zuriz uztea, orbangabe, irudikatzen ari garen lurraldearen erreplika
zehatza. Azalera leun eta uniforme bat, gure begien aurrean luzatzen dena, esku artean dugun
paper zuri batean gordeta. Mapa perfektua dugu. Ezin gara erratuago egon.
Elurraren azpian bada argitara ateratzeko dauden gauzen unibertso bat, eta aukeratzen
dugunean zer elementu gehituko diogun gure mapari, elementu horien guztien artean,
orduan aurreikusi gabeko lotura multzo oso bat eratzen ari gara. Elurrik gabe, belardiko
elementuak modu ia naturalean erlazionatzen dira; hurbiltasunagatik, antzekotasunagatik,
beren jatorriagatik Nolanahi ere, guztia estalita dagoenean eta azalera zuri bihurtu denean,
orduan loturak desagertu egiten dira, antzekotasunak ezerezean geratzen dira, eta bakarrik
bistaratzen dira kartografoak bistarako erreklamatzen dituen neurrian. Lehen urrun zeuden
bi harkaitz estu lotuta egongo dira baldin eta gure mapan erreskatatu ditugun bi elementu
bakarrak badira.
Horrelaxe funtzionatzen dute Mireya Martn Larumberen obrek. Itxuraz oso urrun dauden
elementuak paperaren gainean lotzen dituzten lerroak trazatzen ditu, hau da, itxuraz urrun egon
arren elur-geruza bateratzailearen azpian existitzen diren elementuak; elur-geruza hori paper
zuria da, eta bera da, azken batean, guretako bakoitzak ezkutalekutzat hartzen dugun mozorroa.
Mireyaren lerroak paperean edo pantailan bihurritzen dira eta landare, animalia, elementu
anatomiko bihurtzen dira, milaka erreferentzia sinboliko, hain irekiak non ikusle bakoitzak
esanahi propioa ematen dien, obra bakoitzean bere buruaren parte bat antzemanez, orain arte
ezkutatuta zuen parte bat, hain zuzen ere. Horregatik da zaila axolagabe egotea Mireyaren obren
aurrean. Haien lerro eta koloreen edertasunagatik harritzen gaituzte, haien dimentsioengatik,
neurri txikienetik erraldoira pasatzen baitira, beraren eraldaketen sotiltasunagatik, baina gehien
liluratzen gaituena da geure burua antzematen dugula obrak behatzean, gehien liluratzen
gaituena da nola bideratzen gaituzten introspekziora marrazki eta animazio horiek. Ez da
harrigarria geure burua deskubritzea erakusketa hau osatzen duten animazioetako bat ikustean,
eta konturatzea pieza behin eta berriz amaitu eta hasi dela eta begiratzen jarraitzen dugula, bista
kendu ezinik, xehetasun berriak deskubrituz zikloaren buelta bakoitzean. Arrazoi horiengatik,
eta hitz hauen hasieran planteatutako galderari -Zertaz hitz egiten du lerro batek?- erantzunez,
esan behar dugu ezen, Mireyaren kasuan, lerro horiek guretako bakoitzari buruz hitz egiten
dutela, nork bere burua behatzen ari delarik.

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BilbaoArte

Mireya Martn Larumbe

el otoo que tengo es el que he perdido

BilbaoArte

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Instalacin audiovisual
vista de la instalacin Puertas abiertas BilbaoArte 2012

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BilbaoArte

Yo ya no era yo, era otra, y precisamente por eso otra vez yo


113 x 100 cm
Marrazkia Archs paperaren gainean ()
Dibujo sobre papel Archs (detalles)

Mireya Martn Larumbe

el otoo que tengo es el que he perdido

BilbaoArte

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Me pierdo por unos momentos de sentirme vivir


113 x 100 cm
Marrazkia Archs paperaren gainean ()
Dibujo sobre papel Archs (detalles)

...As era todo para m antes de pensarlo. Hoy, si lo escribo, es porque lo


recuerdo. El otoo que tengo es el que he perdido...
Fernando Pessoa 29-1-1932

Yo ya no era yo, era otra, y precisamente por eso otra vez yo


113 x 100 cm
Marrazkia Archs paperaren gainean

Me pierdo por unos momentos de sentirme vivir


113 x 100 cm
Marrazkia Archs paperaren gainean
Dibujo sobre papel Archs

el otoo que tengo es el que he perdido

BilbaoArte

What does a line refer to?

(Or about how to explore a snow-covered prairie)


Iker Andrs
What can we do if we want to map a snow-covered prairie? It seems that the most obvious way
is to leave a sheet immaculately blank, an exact replica of the area that we are representing. A
smooth even surface that spreads out before our very eyes contained on a blank piece of paper
in our hands. We have the perfect map. We cannot be more wrong.
Under the snow there is a world of things ready to be brought to light, and by choosing which
of these items we are going to include in our map we are creating an entire series of unforeseen links. Without the snow the elements of the prairie are linked together almost naturally;
through proximity, through similarity, by their origins However once all this is covered over
and turned into a white surface the links disappear, the similarities turn to nothing and they
only become visible in so far as the mapmaker requires them for the view. Two rocks that were
previously far apart will now be closely linked if they are the only two items that we have reclaimed on our map.
Mireya Martn Larumbes pieces function in the same way as this. She draws lines that link
items on paper that may seem far apart, but which exist under the unifying layer of snow that
is the blank sheet of paper and which is, when alls said and done, the mask behind which each
of us hide ourselves. Mireyas lines get tangled up on the sheet of paper or the screen and are
transformed into plants, animals, anatomical items a great many symbolic references that
are so open that each viewer provides them with a meaning of their own, by recognising in
each piece a part of themselves that up to now remained masked. It is for this reason that it
is difficult to remain indifferent when faced with one of Mireyas pieces. We are amazed by
the beauty of their lines and colours, by their dimensions, ranging from the tiny to the colossal, and by the subtlety in their transformations. However what we are fascinated by is how
we recognise ourselves when we look at them, by the way that these drawings and animated
pieces tend towards introspection. It is not unusual to discover yourself when you see one of
the animated pieces that make up this exhibition and to realise that the piece has finished
and started over again and again and that we are still watching it, unable to look away, and
discovering new details each time. For these reasons, to answer the question that headed these
words: What does a line refer to? we have to reply that in Mireyas case the lines refer to each
one of us contemplating ourselves.

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BilbaoArte

Mireya Martn Larumbe

What cannot be talked about

Susana Blas

Every work of art needs to be understood not only as something rendered, but also as a
certain handling of the ineffable. In the greatest art, one is always aware of things that
cannot be said (rules of decorum), of the contradiction between expression and the presence of the inexpressible. Stylistic devices are also techniques of avoidance. The most
potent elements in a work of art are, often, its silence. Susan Sontag
I have the power to seduce anyone Iris Murdoch
The first feeling I had when I went into Mireya Martns work in depth is the feeling of waking
up in a house that I couldnt remember having entered. Waking up one morning in someone
elses house and wandering aimlessly around rooms packed with personal things without feeling uncomfortable, and even recognising myself in certain items in the personal disorder of
someone elses life: a feeling that quickly turns to attraction, vertigo and embarrassment.
Another recurring effect when I approach her work, particularly the animated pieces, is the sense of getting right inside the subject of a poem, or into the very heart of a song, and becoming
shrouded in the depths of the music, by the whispers of a lyric that you cant understand at first,
and that you end up deciphering and making it up in your own way.
Mireya chooses drawing, video images and installations: Technologies and materials that prevent pieces from solidifying. She prefers fragility and suggestiveness to be the substance of her
work. The line, the paper with its textures, and the moving image are ideal means of ensuring
that neither her motivations nor the effects of her thought patterns are closed off.
At the same time, as occurs with other artists with a feminist commitment, this decision may
also involve a political aspect, as abandoning the major genres (painting and sculpture) and
favouring the fringes of artistic practice allows her to shake off the burden of a History of Art
that women have been excluded from as authors. This preference for more fleeting hybrid
media that blend drawing, animation and video, that expand in space, link her with the work
of creative artists like Pipilotti Rist, Susi Jirkuff, or ShahziaSikander to mention just a few of
those who share her interest for personal narrative and music.
Mireyas pieces have a special feel that makes them float in an ambiguous area somewhere
between the inside and the outside. Inside and outside dreams, inside and outside thoughts,
inside and outside desire: in this way she desists from imposing her own discoveries and narratives on the viewer, so that we are the ones who add a different perspective. Inside and outside
the body; a body that is limitless, on the fringes, that is and yet isnt animal, flower, bones, or
internal organ. A kind of pantheism all of her own.
The artists animated work, that blends drawing and photography, colour and textures, alludes
to nature, fragmentation and the memory of the body in its chain of transformations into animals (such as the owl or snake) fruit and landscapes. However as a counterpoint to this deliberate iconographic disorder, the titles of the artists pieces are just another language item: ironic
literary reference points that articulate what we first thought was ineffable, inenarrable. With
hints of delightfully decadent headlines, of dialogue from cult films or philosophical quotes,

el otoo que tengo es el que he perdido

BilbaoArte

these sentences qualify and comment on the images on display: The autumn I have is the one
that Ive lost; I was no longer myself, I was someone else, and for this very reason, once again
I was myself, I got lost for a few moments from feeling I was alive; I had turned into an interior; Feeling is an extravagant thought
In the house taken over that we have mysteriously entered, light bathes the furniture and the
piles of clothes in some rooms, whereas in others, we need to go in and fumble around in the
dark, and perform a juggling act so we dont bump into the corner of a table or trip over piles of
books. We try not to fall over, but inevitably sometimes collisions occur: this is the darker, more
sinister side of her sound landscapes, the side that refers to the unconscious. The dismembered
body that reflects holistic self-healing and impulses; the hip, the head and the heart start to talk
about fears about the fragile nature of existence, about the passage of time, about how the
artist negotiates between talking and keeping silent. A feeling that may combine Sylvia Plaths
inner suffering with Jonas Mekass evidence/nostalgia of capturing the mundane.
Despite the volatile nature of her pieces, there is a search for shapes and markings, cleansed
of any kind of excess with a commitment to the specificity of autonomous drawing, devoid of
any sensationalism. In the installation, Yo me haba convertido en un interior, (I had turned
into an interior) six hybrid pieces, that are somewhere between drawings and animation, dispense with audio in order to stress their nature as drawings. The image remains silent, with
hints of Taoist-like inner meditation. It is as if it aimed to present something rather than to
comment.
This interest for letting the images be a stream of consciousness that interact with visitors
so they can make them their own becomes even more obvious in the installation Sentir es
un pensamiento extravagante(feeling is an extravagant thought), where with references to
experimental cinema and domestic footage, the viewer is engulfed in a whirlpool of screenings
that are shown on various consecutive layers of tulle that you can walk about among. As the
author herself explains: the use of tulle as a screening surface, that retains the image while at
the same time letting it pass through, acts as a veil that subtly modifies the way we see what
remains behind this. The audio for the piece also provides an uncomfortable kind of disturbance that aims to shake the viewer out of their dream-like indifference and make them accept
the present.
On the other hand, in her desire to present the here and now, she doesnt bother to hide the escapist tricks that reveal the features that make the installation possible. The most emblematic
case of this decision is the installation, Sin ttulo, (Untitled) where the animation stills, sketches and the bottles of pigments are neatly displayed. Compared to the collage of textures of
animated images, here the desk is quite deliberately tidy as if this was an exhibitor of weapons
or tools.
To finish, I can visualise the huge rolls of paper that the artist draws on, before starting the
animation motor, and the recording drum on an unusual seismograph comes to mind for
earthquakes of the soul.

69

70

BilbaoArte

Mireya Martn Larumbe

el otoo que tengo es el que he perdido

BilbaoArte

71

Agradecimientos:

Iker Andrs
Celia Martn Larumbe
Salvador Martn Cruz
Celia Larumbe
Marivi Pinilla
Javier Andrs
Susana Blas
Jordi Fortuny Esteban
Elisa Arteta
Leire Urbeltz
Araitz Urbeltz
Amaia Gracia
Iker Serrano
Ivn Arriazu
Amaia Ramrez de Arellano
David Hornback
Alfredo Zubiaur
Olatz Vilario
Juan Varela
Txente Arretxea
Jon Bilbao
Agurtzane Quincoces
Ana Canales
Pilar Valdivieso
Estibaliz Erauzkin
Juan Zapater

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