I.E.S. PABLO RUIZ PICASSO.

MÚSICA

4º E.S.O.

TEMA 1.- IDEAS MUSICALES BÁSICAS

Y PEQUEÑO RECORRIDO HISTÓRICO.

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1. ¿Qué es la música?.

1.1. Concepto tradicional de la música.

El concepto más tradicional de la música, que ha estado vigente desde los orígenes de
la música culta (allá por el siglo IX, en plena Edad Media) hasta el siglo XX, entiende que
la música es el arte de combinar los sonidos en el tiempo. Si nos ceñimos únicamente a lo
que hay en la partitura, este concepto es totalmente correcto: en la partitura se ordenan los
sonidos en función a un determinado ritmo, se colocan las diferentes alturas (sonidos graves
y agudos) con una determinada duración en el tiempo.
Ahora bien, ¿qué ocurre con todas aquellas músicas que introducen “ruidos” (sonidos
no organizados)? ¿y con los ruidos del ambiente? ¿acaso no intervienen éstos en la
producción y también en el resultado sonoro?. Esta definición implica una organización, de
modo que todo aquello que no está organizado, como son los ruidos o los sonidos del
ambiente no tienen cabida. Se deja de lado, por tanto, a gran parte de la música del siglo
XX, principalmente, además de olvidar que la música nunca puede ser totalmente ajena al
ambiente en que se produce, y que hay cosas que nunca se pueden expresar exactamente en
una partitura. Así, un compositor puede indicarnos un fragmento en “forte” o “piano” (más
fuerte o más débil), pero el que decidirá realmente “cuánto de fuerte” o “cuánto de débil”
será el propio intérprete e incluso el propio ambiente en que se produzca el sonido.

1.2. Concepto moderno de la música.

Mucho más amplio que el anterior, el concepto moderno de la música, muy extendido
durante el siglo XX, entiende que la música es un arte que se puede definir como cualquier
sonido utilizado con fines expresivos. De este modo, cualquier sonido, sea o no organizado,
sea del ambiente o de la partitura, dependa más del intérprete o del compositor, podrá ser
música en función a su capacidad expresiva. Es decir, todo “no es música”, pero “puede
ser” música. Por ejemplo, el ruido de una excavadora o incluso el canto de un pájaro no son
música “de por sí”, ya que se producen por finalidades que no son “hacer obras de arte” o
“expresar algo artísticamente”. Sin embargo, si utilizamos dichos sonidos como parte de
una composición (o como la composición misma), sí pueden considerarse música.

1.3. Concepción de la vanguardia americana de los años 50: John Cage y la

música aleatoria.

John Cage (compositor americano de mediados del siglo XX) y sus discípulos y
seguidores más directos propugnaban que todos los sonidos que nos rodean, incluyendo los
ruidos y el propio ambiente sonoro, además de las partituras y las creaciones de los
compositores, se deben considerar, de por sí, música. hay que destacar sobre todo que el
objetivo principal de todas las vanguardias del siglo XX es “romper” con lo anterior para
provocar una reflexión sobre la música existente. Independientemente de que estemos o no
de acuerdo con sus postulados, lo cierto es que al menos hacen que nos replanteemos gran
parte de nuestras ideas. Para John Cage, todos los sonidos que nos rodean forman parte de
la música. Para él, es absurdo intentar aislar la música en un auditorio, ya que el silencio
absoluto no existe (es físicamente imposible). Por lo tanto, decía el compositor: “abrid las
puertas y ventanas del auditorio. Dejad que el mundo entre en la música”. Cage inventó una

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partitura en la que, además de aparecer las notas musicales, aparecían distintos posibles
“ruidos” que ocurrían mientras que la música estaba sonando: un niño hablando, un
caramelo que se abre, un estornudo, una tos, una respiración profunda... Todo ello es tan
importante para Cage como la música misma, ya que siempre ha existido y existirá dentro
de la música. De aquí surge su idea de música “aleatoria”, música al azar, música en la que
intervienen los elementos del paisaje sonoro al azar.
Pero John Cage no se conforma con esta provocación a los ojos de los músicos más
tradicionalistas, sino que inventa una obra titulada 4´33´´ (para piano) en la que solo
aparece un silencio. Se trata de una pieza en la que el intérprete debe permanecer durante 4
´33´´ en silencio. En este punto, John Cage ha provocado la muerte del concepto de autor.
El autor no interviene. La obra la forman el propio paisaje sonoro y los ruidos que en ese
momento se produzcan en el auditorio o vengan del exterior. El autor se dedica
simplemente a poner unos límites de tiempo. Será, por tanto, una forma única e irrepetible,
ya que dependerá totalmente del azar, y cada uno podrá interpretar libremente los distintos
sonidos que le rodean cada vez que se “ejecute” esta obra. El compositor norteamericano
pretende con esto plantear lo siguiente: ¿quién es realmente el autor de una obra: el que la
escribe, el que la interpreta, o el que la escucha?. Está claro que su opción personal se
inclina hacia el oyente.
Y dándole una vuelta más de rosca al asunto, crea su obra 0´00´´. En esta pieza se
produce ya la muerte del concepto de obra. La obra ya no existe. Ahora Cage ni siquiera
nos deja un tiempo para que escuchemos. Sin embargo, podemos afirmar rotundamente que
0´00´´ es la obra más interesante que se ha escrito jamás. Cage parte de la idea de que la
música no la podemos “atrapar”. La música, en realidad, como hecho físico, no existe.
Existe sólo en nuestra mente. La música, tradicionalmente, ha existido por “lo que podemos
recordar de ella”, ya que en el momento en que se produce un sonido, automáticamente
deja de existir. Por lo tanto, dice Cage, si la música sólo existe en nuestra mente, démosle al
público la libertad de que elija la obra que desee recordar y en realidad incluso “escuchar”.
Y ahora también se plantea con la obra: ¿qué es la obra, lo que el compositor tiene en su
cabeza, lo que escribe después, lo que interpretan los músicos, o lo que entiende y recuerda
el público?. De nuevo, Cage decide tajantemente elegir al público.

2. Música “clásica” y música culta.

Aunque la expresión “música clásica” es muy común y está muy extendida en el

lenguaje coloquial, no es del todo correcta, ya que exactamente se refiere a la música del
clasicismo, una época que abarca todo el siglo XVIII y primeros años del XIX. Entonces...
¿cómo llamaremos a la música que se ha escrito antes del siglo XVIII y después del siglo
XIX?.
Pues la definición más correcta es la de Música Culta Occidental. “Culta”, porque su
característica principal es que, a diferencia de la música popular (que normalmente se
aprende “de oído”), es una música que se escribe. Al igual que el principio de la historia
general se sitúa en el final del neolítico, con la invención de la escritura, el principio de la
historia de la música está en el momento en que surge la notación musical, en el siglo IX.
La llamaremos también “Occidental” porque nos referiremos siempre a la música que se
elabora en Occidente, es decir, en Europa, América, y algunos otros países de cultura
occidental, como Japón. La razón es que ninguna de las otras “músicas del mundo” tienen
un sistema de escritura, y por este motivo la notación musical occidental es la más

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extendida por el mundo.
Así, de aquí en adelante, aunque utilicemos coloquialmente la expresión “música
clásica” (que siempre debe escribirse entre comillas), nos vamos a referir a la música culta
occidental.

3. Música popular y música de tradición oral.

La expresión "música popular" se suele aplicar a la llamada "música del pueblo", es

decir, a aquella música o, en concreto aquellas canciones que el pueblo ha cantado desde
siempre. Es fácil suponer que desde los tiempos más remotos, el pastor, el herrero, el ama
de casa, el agricultor... han cantado, a solo o en grupo. Tradicionalmente, se canta para
manifestar alegría y también en los momentos de tristeza, se canta en las fiestas y en el
trabajo. Pero, ¿quiénes son los autores de las canciones, de la música y de la letra?.
Generalmente, las canciones populares suelen ser anónimas. No hay autores. El pueblo es el
autor. Así, llamamos música popular o folclore a las canciones generalmente anónimas que
se cantan en celebraciones, fiestas, trabajo, corros de niños... y que se han transmitido por
tradición oral desde tiempos desconocidos.
La música de más de nueve décimas partes de la humanidad se basó y sigue basándose
en la actualidad en la tradición oral. Esto quiere decir que la música se aprende de memoria
y se va transmitiendo de generación en generación.
La música transmitida por tradición oral es casi siempre anónima, el artista es ante todo
un transmisor, no un inventor, y no existe la figura del compositor, sino que las obras,
transformándose continuamente, son de autoría colectiva.

3.1. Relaciones y diferencias entre la música popular y el pop.

Una vez aclarado el significado y la razón de ser de la música popular, es importante

también que sepamos diferenciar entre música popular y pop. La música popular es una
música que surge del pueblo, que no tiene autores, y que tiene una función de
entretenimiento, desahogo e incluso a veces como medio informativo (se transmiten
noticias). Sin embargo, el pop es un tipo de música que surge en el siglo XX, sobre todo a
partir de los Beatles, que pretende llegar al gran público, es decir, pretende que sus
canciones sean populares en el sentido de que las escuche y las aprenda todo el mundo. Sin
embargo, el pop no es algo que surja del pueblo, ni es algo que tenga ninguna función. La
única función o finalidad de la música pop es la de vender discos, la finalidad comercial.
Ésto no quiere decir que dentro de la música pop no existan canciones, grupos o artistas de
cierta calidad artística. Digamos que la música pop, a diferencia de la música popular, nos
es impuesta "desde fuera", mientras que la música popular se elabora "desde dentro" de una
determinada cultura o territorio.
En la actualidad hay una gran saturación de música. Miles de canciones se incorporan a
nuestros oidos anualmente. La radio y la televisión se encargan de repetirlas hasta que nos
las aprendemos de memoria. Ahora los jóvenes cantan las canciones de moda y en muchos
casos no conocen las canciones populares de su tierra. Por otra parte, las nuevas canciones
van quedando en la memoria de todos y nos parece que algunas de ellas son canciones
auténticas del folklore.

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 3.2. Folclore y música Folk.

La palabra "folklore" ha estado siempre relacionada, como ya hemos apuntado en el

apartado anterior, con las tradiciones, leyendas, costumbres, danzas y canciones que cada
pueblo crea y transmite anónimamente de generación en generación, definiendo así su
personalidad colectiva.
La música folklórica ha estado tradicionalmente ligada a un modelo de vida rural. A
partir de los años 50, con la emigración hacia las grandes ciudades y la presencia de los
medios de comunicación y el disco, la música folklórica está amenazada de muerte y corre
el riesgo de existir sólo para los estudiosos o como atracción turística o festiva.
La música y la danza popular son hoy día prácticamente universales, han terminado
con las barreras geográficas y de idioma para convertirse en un estilo internacional que ha
hecho que la gente joven olvide las danzas y canciones tradicionales de sus pueblos para
unirse a ese lenguaje común transmitido por el cine y los medios de comunicación. Los
movimientos de renovación reunidos bajo la etiqueta de "música folk", que nacieron con la
intención de poner al día la herencia folklórica y mantenerla viva, se han ido inclinando
progresivamente hacia el pop para no perder público, y en muchos casos son incapaces ya
de representar la naturaleza musical de cada Comunidad. Al igual que el pop no es más que
una música comercial con fines populares o "populistas" (es decir, llegar al máximo de
gente posible), el folk no es más que una comercialización muy maquillada del folklore. El
precio puede ser la muerte de la herencia folklórica.

3.2.1. La música Celta.

Entre los muchos estilos de folk establecidos, uno de los que más éxito están
encontrando en los últimos años es la llamada "música celta", escrita e interpretada por
músicos de paises o regiones como Irlanda, Escocia, la Bretaña francesa o Galicia.
La música celta se caracteriza por utilizar un conjunto común de melodías e
instrumentos tradicionales, entre los que destacan las gaitas, las flautas, las arpas y el violín,
que se mezclan con los modernos instrumentos del pop al tiempo que usan las técnicas de
amplificación y grabación más modernas. Con el tiempo, estos músicos han establecido un
estilo internacional en festivales de encuentro como el de Lorient, en la Bretaña francesa.

3.2.2. Flamenco fusión: ¿folklore o folk?.

El flamenco fusión es un tipo de música que está de moda desde hace unos años y que
consiste en la mezcla de algunas de las características principales del flamenco con todo
tipo de músicas: el pop, el rock, el jazz, el blues, etc...
Aunque nunca se suele hablar del flamenco fusión como música folk, lo cierto es que
tampoco es folklore, sobre todo si nos referimos a propuestas artísticas muy cercanas a la
música pop, elaboradas con la simple intención de vender. En este sentido, el flamenco
fusión muestra la misma problemática ya comentada de la peor música folk: se hace pasar
por folklore pero tiene muy poco que ver con éste.
Sin embargo, también hay algunas propuestas de flamenco fusión de gran interés
artístico, como es el caso del flamenco-jazz o el flamenco-blues, interpretado por artistas
como Jorge Pardo, Kiko Veneno, Pata Negra o Raimundo Amador.

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 3.2.3. Música étnica.

En Europa, la música clásica ha tomado ideas de las músicas no europeas desde

principios de siglo, alcanzando esa influencia su máxima intensidad en nuestros días. En la
música popular, la llamada "música étnica" o "world music" (que literalmente significa
"música del mundo") es uno de los fenómenos más importantes ocurridos desde los años
80. Se trata de un pop o rock mestizo, protagonizado por músicos de cultura no europea,
cuyo éxito se basa en la curiosidad por músicas que hasta ahora sólo eran conocidas por los
especialistas y resultado de las experiencias compartidas entre músicos de distintas culturas.

4. Grandes períodos de la historia de la música.

A modo de introducción, debéis conocer las grandes épocas de la historia de la música,

cuestión que desarrollaremos ampliamente a lo largo del curso. Sin embargo, desde este
momento es importante que podamos encuadrar históricamente cada estilo, pieza o
compositor que estudiemos:

• Edad Media: desde que surge la escritura (s. IX) hasta el s. XV. La música está
completamente ligada a la Iglesia Católica, mediante el canto gregoriano y la polifonía
vocal (piezas de coro). Algunos compositores importantes de este período son Philippe
de Vitry, Gillaume de Machaut, Hildegard von Bingen... Además, encontramos muchos
manuscritos importantes como el Codex Calixtinus (en Santiago de Compostela), el
Roman de Fauvel, las Cantigas de Alfonso X el Sabio (también en España)...
• Renacimiento: desde finales del s. XV hasta los primeros años del XVII (abarca todo el
siglo XVI). La música sigue estando muy relacionada con la religión, pero ahora
también se dará mucha importancia a lo que se percibe por los sentidos (cómo
percibimos la música). Se compone música vocal (para coro) principalmente. Además,
los reyes también tienen su grupo de músicos y compositores. Aproximadamente,
coincide con el Siglo de Oro español, siendo la época en que España ocupa el lugar más
destacado en todas las artes, y también en música. La mayoría de los compositores
importantes son españoles o están relacionados con España: Francisco Guerrero, Tomás
Luis de Victoria, Cristóbal de Morales, Orlando di Lasso, Luis de Narváez, Alonso
Mudarra, Luis de Milán...
• Barroco: siglo XVII y primer cuarto del s. XVIII. A partir de esta época se produce una
expansión cada vez mayor de la música instrumental. La música está relacionada con el
lenguaje hablado, intentando expresar lo mismo que si se tratara del lenguaje hablado:
es lo que llamamos la “retórica musical”. Algunos compositores importantes son
Monteverdi, Telemann, Glück, Purcell, y el más importante de todos: J. S. Bach.
• Clasicismo: siglo XVIII y primeros años del XIX. La música se entiende como
“lenguaje del corazón”, y como algo que no tiene demasiada importancia, ya que se
pone todo el énfasis en la razón, no en el corazón. La música es un mero
entretenimiento. Los compositores más importantes son C.P.E. Bach (hijo de J.S. Bach),
Haydn, Mozart, y las primeras obras de Beethoven.
• Romanticismo: siglo XIX. Ahora se da importancia sobre todo a la expresión de
sentimientos en la música, en una época en la que se deja de lado la razón para dejar
plena libertad al artista para que exprese su visión del mundo (y considerándola de gran

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 importancia). Hay ya un predominio de la música instrumental sobre la vocal. El
romanticismo comienza con Beethoven (a partir de su segundo período), y encontramos
otros nombres importantes como Beethoven, Schubert, Schumann, Wagner, Liszt,
Brahms, Albéniz, Granados, Turina...
• Época Contemporánea: siglo XX (aunque el romaticismo tardío llega hasta la década de
1920). El siglo XX, que acabamos de terminar, se ha caracterizado sobre todo por la
aparición de las “vanguardias”: distintas corrientes y “estilos” que han pretendido
romper continuamente con la tradición y con las normas establecidas. Es una época en
la que se otorga libertad total al compositor. Entre los compositores más importantes
debemos citar a Schönberg, Webern, Berg, Bàrtok, Stravinsky, Falla, Messiaen, John
Cage, Boulez...

Es importante señalar que, en la época de Grecia y Roma, y ya desde el siglo VIII antes de
Cristo, encontramos muchos escritos de los grandes filósofos (Pitágoras, Sócrates, Platón,
Aristóteles) que nos hablan de música, pero no podemos considerarlos dentro de la historia
“real” de la música porque aún no ha surgido la notación musical, que surgirá mucho
tiempo después (en el s. IX). Por los escritos de estos filósofos, intuimos cómo debió de ser
esta música, pero no lo sabemos realmente, al no quedar partituras de la época.

4. Esquema de análisis de estilos musicales.

Siempre que analicemos un estilo musical (sea perteneciente a la música “clásica” o a

la música “moderna”), seguiremos el siguiente esquema, tanto si lo hacemos a modo de
redacción como si lo hacemos a modo de esquema. Debemos tener en cuenta, en cualquier
caso, los siguientes aspectos:

I. Características Técnicas de la música.- Este punto se refiere a las

características propias de la música “en sí”, independiente de otra cosa que
no sea la propia música. Aquí incluiremos el análisis del ritmo (y a veces, el
pulso, el acento, el compás o el tempo), la melodía, los instrumentos que se
utilizan, las voces (si las hay), la letra (si se trata de una pieza vocal), quién
la realiza...
II. Características o Implicaciones sociales de la música.- Aquí se incluirá la
reflexión referida a todo “lo que rodea” a la música, que no forman parte de
la música propiamente dicha. Se analizarán cuestiones como a quién va
dirigida la música, dónde se realiza, en qué contexto de lugar o época se
lleva a cabo, quién la compone, por qué o para qué se compone, si cumple o
no una función social...
III. Cualidades expresivas.- Consiste en “poner adjetivos” a la música,
considerando si expresa movimiento, alegría, tristeza, melancolía, miedo,
ganas de divertirse, nostalgia, si se intenta imitar o evocar algún sonido de la
naturaleza o alguna imagen visual...

Una vez que se haya reflexionado acerca de los tres puntos señalados, estamos en
condiciones suficientes para emitir un juicio personal, bien fundamentado, sobre el estilo o
tipo de música del que estemos hablando. Ahora, y en función a unas determinadas

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técnicas, implicaciones sociales, o cualidades expresivas, podremos decir las verdaderas
razones por las que nos gusta o no un determinado tipo de música. Una música nos gusta
porque nos gusta alguna (o varias) de las características que hemos comentado a través del
esquema. por lo tanto, siempre seguiremos este esquema al opinar o hablar de cualquier
estilo o época de la historia de la música.
Por otra parte, aprenderemos a aplicarlo a la música que nos gusta; a las músicas que
trabajaremos en clase mediante debates y puestas en común; y a cualquier otro estilo que,
aunque no se haya trabajado, hayamos escuchado alguna vez (como la música pop, el rock,
el jazz o la música “clásica”).

ACTIVIDADES

1.- ¿Por qué podemos considerar que el concepto moderno de la música es mucho más
amplio que el tradicional?. Explica las ideas de “muerte del concepto de autor” y “muerte
del concepto de obra” de John Cage.

2.- ¿Cuál de las definiciones de la música que hemos estudiado te parece la más acertada?
¿por qué?.

3.- Define las expresiones “música clásica” y “música culta”. ¿Cuál de las dos es más
correcta para referirnos a la historia de la música occidental? ¿por qué?.

4.- Realiza un cuadro/resumen señalando la cronología, características técnicas principales

y compositores más destacados de cada época de la historia de la música.

5.- ¿Qué es la música popular? ¿por qué se dice que la música popular es un tipo de música
de tradición oral? ¿quiénes suelen ser los autores y cómo se transmiten estas canciones? ¿de
qué temas suelen tratar? ¿qué función suelen desempeñar?..

6.- Resume, a modo de esquema, las diferencias existentes entre la música pop y la música
popular. ¿Qué tienen en común ambas músicas? ¿cuál es el "peligro" o el problema que
presenta la música pop frente a la música popular?.

7.- Interpreta, con tu clase, la siguiente canción popular. Podemos interpretar también las
propuestas rítmicas que aparecen en la partitura en ostinato, es decir, repitiéndolas
contínuamente hasta el final.

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 La Tarara

- Ostinatos rítmicos:

8.- Explica con tus palabras cuál es el peligro de la expansión del folk y qué diferencias
presenta esta música respecto al folklore.

9.- ¿En qué zonas geográficas se suele interpretar música celta? ¿con qué instrumentos y
qué medios se suelen utilizar para su interpretación? ¿consideras que esta música puede
resultar interesante, o se trata simplemente de "música para vender"? ¿por qué?.

10.- ¿Con qué estilos musicales se suele mezclar actualmente el flamenco? ¿cuáles de estas
mezclas nos pueden aportar resultados interesantes? ¿qué ocurre cuando el flamenco se
mezcla con la música pop?.

11.- Después de todo lo que venimos comentando en esta unidad, ¿qué opinas de la música
étnica? ¿se trata de un estilo interesante o es un simple comercialismo? ¿qué puede tener de
positivo esta música?.

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12.- Indica si son verdaderas (v) o falsas (f) las siguientes afirmaciones:

1. La música popular podemos definirla como la música “del pueblo”, y es música

de tradición oral.

2. El pop es lo mismo que la música popular, ya que “pop” viene de popular.

3. El pop, por lo tanto, es música de tradición oral también.

4. La música popular surge del pueblo, pero el pop es un tipo de música comercial
que pretende ser popular.

5. El problema principal de la expansión de la música pop puede ser el olvido de la

música popular.

6. En el folclore (música popular), no hay compositores individuales, sino que es el

pueblo el que compone.

7. El folk, aunque tiene un nombre parecido al folklore, no tiene absolutamente

nada que ver.

8. El folk nació con la intención de mantener viva la herencia folklórica.

9. En la actualidad, el folk se ha vuelto muy comercial, con lo que corremos el

peligro de que se pierda el folclore.

10. La música celta es un tipo de música popular.

11. La música celta se interpreta en regiones como Irlanda, Escocia, la Bretaña

francesa o Galicia.

12. La música Celta es un tipo de música folk que utiliza gaitas, flautas, arpas y el
violín.

13. El flamenco fusión es un estilo musical que nunca nos aporta nada nuevo.

14. El problema del flamenco fusión es el mismo que el del pop o el folk, pero
también hay algunas propuestas interesantes.

13.- Aplica el esquema de análisis de estilos musicales al estilo que más te guste,
diferenciando entre cada uno de los distintos apartados y extrayendo una conclusión final
argumentando por qué te gusta dicho estilo.

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