P. 1
La importancia de la música para el hombre - Martín Pino Rodriguez

La importancia de la música para el hombre - Martín Pino Rodriguez

|Views: 5.256|Likes:
Publicado porBdr
Hablar o escribir acerca de este tema es tan amplio como apasionante y resulta casi imposible reducirlo a unas pocas líneas, sea como fuere les expondré mis divagaciones y mis experiencias en este campo, que ha capturado mi curiosidad desde la infancia y que jamás a dejado de asombrarme y maravillarme
Hablar o escribir acerca de este tema es tan amplio como apasionante y resulta casi imposible reducirlo a unas pocas líneas, sea como fuere les expondré mis divagaciones y mis experiencias en este campo, que ha capturado mi curiosidad desde la infancia y que jamás a dejado de asombrarme y maravillarme

More info:

Published by: Bdr on Aug 11, 2010
Copyright:Attribution Non-commercial

Availability:

Read on Scribd mobile: iPhone, iPad and Android.
download as DOC, PDF, TXT or read online from Scribd
See more
See less

08/15/2013

pdf

text

original

La Importancia de la Música para el Hombre - Martín Pino Rodríguez Hablar o escribir acerca de este tema es tan amplio como

apasionante y resulta casi imposible reducirlo a unas pocas líneas, sea como fuere les expondré mis divagaciones y mis experiencias en este campo, que ha capturado mi curiosidad desde la infancia y que jamás a dejado de asombrarme y maravillarme. La Música como arte temporal crea una correlación de conceptos que nos permite comprenderla como fenómeno inherente al hombre, es decir ver el espacio y la materia, orgánica e inorgánica desde distintas distancias. Ello nos permite de perspectivas diferentes, comprender en forma: global, equilibrada y profunda, el tiempo y espacio relativos, la vida y la muerte, la masa y la energía, la velocidad y la dirección, todo aquello es fundamental para nuestra madurez como seres humanos y proporciona a cada uno de nosotros una amplitud de miras, su orientación y su posibilidad de escapar de los prejuicios. Para abordar este argumento he reflexionado sobre cinco aspectos, que efectivamente son pinceladas generales pero que en su esencia se vinculan por el aporte al desarrollo de la música y su importancia en la vida del hombre y nos acercan a la comprensión de una de las actividades más sublimes de la experiencia humana. Ellos son: a. b. c. d. e. conceptos esenciales consideraciones filosóficas la música y los griegos sobre el desarrollo sensorial auditivo la música como expresión independiente

CONCEPTOS ESENCIALES Sonido y Ritmo son cuerpo y esqueleto de la música, Timbre el material con que se produce el sonido sea este: metal, madera, membrana etc. Intensidad es el agente externo, intención que regula el volumen y el peso. Altura la frecuencia de las ondas sonoras, lo que hace que un sonido sea mas grave o más agudo. Como sabemos el sonido son moléculas de aire que se mueven con determinada frecuencia, una demostración gráfica de ello puede ser los círculos concéntricos que se forman en el agua de un arroyo al caer una piedra; o la transmisión de la fuerza de una bola de billar lanzada en una fila de ellas, que repercute en la última rompiendo la inercia milagrosamente. Las múltiples combinaciones de éstas variable dan lugar al milagro musical, que ocurre en un tiempo definido, cuyo discurso está regulado por acentos cíclicos de: dar y alzar, como la sístole y diástole, el día y la noche o el bien y el mal, pero toda analogía entre música y realidad, no establece una relación enteramente mediata, pues jamás expresa el fenómeno, sino su esencia íntima, la raíz en si del fenómeno, la voluntad misma. No expresa tal o cual placer, tal o cual aflicción, dolor, esfuerzo, júbilo, alegría o tranquilidad de espíritu, pinta estos sentimientos en abstracto y por consecuencia sin sus motivos. Y sin embargo, la comprendemos perfectamente aunque nos ofrezca mas que esta quintaesencia, tan sutil. Es su característica profundamente esotérica. De ahí que la música excite tan fácilmente la imaginación, nuestra fantasía trata de dar figuras a ese mundo de espíritus, que siendo invisible es realmente, tan animado, tan activo y nos habla directamente.

1

CONSIDERACIONES FILOSÓFICAS Hemos considerado la música, con frecuencia una actividad por si sola y no nos preocupamos de sus vínculos con la naturaleza humana. Esta actitud deriva en parte de nociones vagas y aproximativas de los elementos constitutivos, sea de la música que de la naturaleza humana. Sin duda que un estudio objetivo de la naturaleza humana podría ayudarnos a comprender la naturaleza profunda y compleja de la música. En el mismo modo – y este es un aspecto más desconocido- el conocimiento profundo de la música nos puede iluminar sobre nuestra naturaleza, sea considerada su misma esencia material y espiritual, sea su triple expresión: física, afectiva y mental. En aquello concerniente al elemento material, el átomo no es más considerado como una fracción indivisible de la materia, ello abre al hombre de ciencia un nuevo mundo infra-atómico, el cual ya no puede fijar sus propios límites. Y el aspecto espiritual que deja todas las puertas abiertas a la evolución de las posibilidades superior del hombre, sin excluir aquellas artísticas de las que limites considerados en una época insuperable, a medida que transcurre la historia viene siendo superados. ¿Dónde nos lleva lo infinito de estas posibilidades? La naturaleza humana puede ser tomada en consideración según un triple aspecto. Decimos triple pero puede ser cuádruple o quíntuple, decimos triple porque la música nos empuja a hacerlo analizando sus tres elementos fundamentales: el ritmo, la melodía y la armonía. De este punto de vista la música nos presta un precioso servicio. Me explico: cuando los filósofos tratan la naturaleza humana lo hacen generalmente basados en datos de orden metafísico, que no se aplican de hecho a la realidad inmediata de la vida cotidiana. Nuestra época, con su orientación científica experimental desea y busca pruebas evidentes. La Música nos ayuda a considerar la naturaleza humana del punto de vista experimental. Podemos de hecho establecer relaciones directas entre: ritmo y la vida fisiológica, entre Melodía y la afectividad y entre La Armonía y la inteligencia humana. El Ritmo es el elemento primero de la música. Definir el ritmo es imposible, es como definir la vida misma. Podríamos concebirlo con Platón como: “el orden del movimiento” y con San Agustín como “un movimiento bello”. El Ritmo es como una corriente vital que se manifiesta gracias a nuestro sistema nervioso y muscular: es la propulsión fisiológica que está en la base de cada expresión artística. Pertenece, en orden de tiempo a la primera expresión vital, aquella física, sin vida física no hay ni inteligencia, sin ritmo no hay melodía ni menos armonía. Para hacer más evidente el carácter “físico” del ritmo diremos que mediante la inteligencia podemos comprender el ritmo, mediante la sensibilidad podemos sentirlo, pero solo podemos vivirlo mediante el dinamismo corporal. El segundo elemento musical, originado en gran parte por el primero es la melodía. Este, está en relación directa con la sensibilidad afectiva del ser humano. Puesto que esta nos permite traducir toda la gama de emociones: nuestras alegrías, nuestros dolores, nuestros temores, nuestras esperanzas y todas las variadas y sutiles expresiones de nuestro amor. Podríamos decir que la música más que la palabra o cualquier otro arte, permite expresar todas las diversas degradaciones de nuestros sentimientos. El tercer elemento constitutivo de la música es la armonía. Establezcamos a grandes líneas las relaciones existentes entre elemento armónico y la perspectiva, puesto que esta última es la base de las tres dimensiones, de la luz y sombra, en

2

definitiva de los distintos planos de una misma realidad y en la música esta representado por las diferentes voces que suenan simultáneamente pero a su vez pueden ser independientes. En el ser humano las emociones suscitan y crean pensamientos; por su diversidad estos estimulan comparaciones y de dichas contraposiciones nace el juicio, mediante las similitudes tiene origen, la síntesis y de su complejidad el análisis. Vemos entonces que el intelecto está continuamente fecundado por estados afectivos. Del mismo modo la melodía genera armonía que es: juicio, elección y síntesis. Por otra parte la armonía es la ciencia de la concatenación de acordes. Ahora el acorde es una simultaneidad de sonidos, esta simultaneidad puede ser realizada únicamente por el cerebro, en cuanto capaz de operar la síntesis. La armonía es entonces un tercer estado en la evolución, como la inteligencia lo es en el desarrollo humano. Lo que cuenta, como hemos visto, es no confundir el conocimiento intelectual de una cosa, con la cosa misma. Queda implícito que debiendo escribir y leer pera hacer una obra musical es necesaria la actividad intelectual. De todos modos un sujeto sensible puede perfectamente entrar en contacto con esta triple dimensión humana; física, afectiva y mental, esto nos lleva a comprender hasta que punto la música puede ser una actividad humana completa y profunda. En lo que concierne a la inteligencia como valor y facultad dominante en el ser humano, en el artista que crea –por ejemplo- la inteligencia y la sensibilidad interactuando adquieren una intensidad particular que complementándose estaría tentado en definirla como una facultad nueva. La intuición, en la acepción bergsoniana, comporta a la vez estos dos elementos unidos en una síntesis de orden superior. He aquí porque la educación artística del niño, la agudeza y discriminación sensorial y afectiva, ejercita un rol sin igual a otros sectores de la educación. Si admitimos todo esto es necesario insistir sobre su importancia pedagógica. Es una tarea lenta si se afronta con responsabilidad, sin concesiones de mercado e incorporándola al conocimiento por su real dignidad, en ese sentido hay que ayudar a los infantes a penetrar poco a poco como un juego, en los secretos y las leyes de la música y el arte. La contribución más importante que puede hacer la educación al desarrollo del niño es ayudarlo a acceder a un campo en el que sus talentos se desarrollen plenamente, donde se sienta satisfecho y capaz, si así fuera tuviésemos sin duda un mundo mejor(o menos infeliz). Hemos perdido de vista esa noción. En cambio sometemos a todos a una educación por la búsqueda de un llamado “éxito”, sin ayudar a los jóvenes a reconocer sus aptitudes y dones naturales y a cultivarlos. Es más probable alcanzar el verdadero éxito en el conocimiento de nuestras habilidades, muchas veces la pasión por una actividad puede llevarnos mas allá de la pericia, hacia la maestría. La Música puede ser: descriptiva, expresiva, conmovedora, comunicativa, o inspirada pero rara vez accidental, aun cuando recuerde los sonidos eternos del mar o la espontaneidad del canto de las aves, el estrépito del trueno, el rumor del viento en los trigales, el arrullo de las palomas, el sonar de los metales o el suave murmullo de pasos sobre las hojas secas. Sonidos naturales que estimulan parte de la creatividad del hombre. Con ellos hemos construido y seguiremos construyendo lenguajes sonoros de los más sutiles y refinadas texturas monódicas (melódicas) y rítmicas. Por cierto cada civilización ha hecho su aporte a nuestro arte, donde su presencia es casi símbolo de identidad. El Oriente con sus melodías milenarias que han penetrado Europa a través de los árabes. El África negra con sus ritmos inexorables fundiéndose en

3

América con el Jazz y la Bossa-nova con la fuerza de sus danzas rituales, presentes en muchas otras formas de nuestro continente. Y Occidente, la vieja Europa con la fuerza de la armonía (o sea la conjunción de varias voces) que ha desarrollado una sensibilidad auditiva por el poder sugestivo del intervalo (distancia entre dos o más notas) como profunda expresión cósmica, casi con la misma mística que se eleva una catedral gótica en cuanto plenitud espacial de proporción humana, así también el poder de la arquitectura polifónica de los grandes maestros de la música, que partiendo de un monocorde pitagórico llegan al acorde perfecto y a sus inagotables inversiones y combinaciones. Debo reconocer que, habiendo tenido experiencias musicales de diversos géneros, me deleitan particularmente algunas obras maestras de occidente, y repito la experiencia con frecuencia. No obstante no pretendo beatificarla ni ubicarla en una perspectiva falsa y distante, por el contrario lo terreno de la música (en instrumentos como la guitarra) está precisamente en el elemento pagano, porque el poder de la expresión nace de la fertilidad La Música y los griegos Los griegos supieron aceptar al hombre en su totalidad, concediendo el debido respeto a su naturaleza ambivalente, una mitad apolínea siempre en pos de la moderación y la claridad; y la otra dionisiaca que busca lo fantástico y lo orgiástico. A la par de otros pueblos de las civilizaciones mediterráneas o del oriente asiático, los griegos atribuyeron, primero en los mitos y luego en la experiencia histórica vocal e instrumental, una gran importancia a la música, ellos le otorgaron un valor formativo en el ánimo y las costumbres (ethos) que es propio de la música. Más que el resto de las civilizaciones ellos entendieron la música como un lenguaje artístico y como tal un medio de expresión. Podría decirse que el modelo en que se fundamenta una parte muy importante de su filosofía musical es un modelo musical. Arístides Quintiliano va a mostrar cómo detrás de la concepción tan genuinamente griega del mundo como armonía está la escala musical, el sistema de octava formado por un subsistema de cuarta y otro de quinta. La estructura tan perfectamente organizada que la matemática de la música presentaba, llevó a los pitagóricos a generalizarla como modelo ideal que debía estar detrás de la constitución del universo, físico y metafísico. El universo así entendido no era sino una organización estrictamente jerarquizada por las relaciones matemáticas. A partir de esta idea, el pensamiento pitagórico y con el platónico se esforzó por hallar las proporciones musicales en todos los ámbitos de la naturaleza y de la organización humana. Los griegos son los primeros que basaron su música en escalas heptafónicas de tipo diatónico, la organización de las escalas y de los intervalos constituyen el primer eslabón de una cadena que liga la música griega a la occidental de hoy a través del medioevo y la edad moderna. Los griegos practicaron el canto, sea como expresión solista, sea como manifestación coral. Monódico (es decir, solista) fue el canto de los poemas épicos (Homero) de la poesía mélica (en la que emergieron otros poetas: Arquiloco, Alceo, Safo y Anacreonte) y de las épocas alejandrina y romana. Las formas más usadas de la lírica coral fueron: el ditirambo (canto religioso en honor a Dionisio), él pean (canto religioso en honor a Apolo); el epitalamio y el himeneo (cantos nupciales); el partenio (canto de los jóvenes); el epinicio (canto dedicado a los vencedores de los juegos olímpicos); el treno (canto fúnebre); el escolio (canto de la convivencia) etc. etc. Los coros de las tragedias; párodo(parodia); stasimi (éxtasis); éxodo (retirada) era ejecutado coralmente. Los

4

mas destacados escritores de tragedias fueron: Esquilo, Sófocles y Eurípides, mientras que los mayores cultores de la lírica (musa de la danza y del canto) fueron: Alcmane, Stepsicore, Simónides, Baquílides y Píndaro. El instrumento más común entre los griegos era la cetra o chetra (cítara hindú o guitarra de hoy) a cuerdas pulsadas, de origen helénico y por lo tanto considerado instrumento nacional, sagrado e inherente a la figura de Apolo. Variedad de la cetra era: la lira, la formix, lapectis y la magadis. Entre los instrumentos de viento él más importante era el aulos, de doble embocadura, importado del oriente y sagrado en el culto de Dionisio, además de la –siringa- (flauta similar a la nuestra), la flauta de pan o policalamo, la salpix (tromba) y las percusiones: cimbales (platillos), crótalo y sistro. La música ocupaba un lugar importante en la educación de los ciudadanos y sobretodo de los jóvenes porque para ellos hacían una distinción en un fundamento ético y la capacidad de influir sobre la voluntad en la acción de los hombres. Por esta razón durante los siglos de mayor fulgor de la civilización griega la música estuvo al servicio de la religión y del estado, en Atenas, Esparta y Tebas (Tibas, hoy día). El pensamiento musical estaba basado en la observación de los efectos que la música podía producir en el ánimo del hombre. Ellos formularon una doctrina psicológica que agrupaba los elementos del lenguaje musical según el ethos, es decir según su eficacia psíquica y la calidad emotiva de cada uno de esos. Los tres ethos principales fueron: distaltico, que invita a la acción y al heroísmo, y era propio de la tragedia; sistáltico, que favorece el desarrollo de la voluntad y de las fuerzas subjetivas y era propio de la lírica monódica. (Una sola voz) y esicástico: Que llama al equilibrio como facultad del ánimo y era propio de la lírica religiosa. Platón expresó sus ideas sobre la música principalmente en la obra la República donde diseña la formación de un Estado ideal. Una de las tareas fundamentales es la educación de los jóvenes, donde la música tiene un lugar prominente en el proceso educativo, según Platón ella no debe mirar a la diversión, sino a formar armoniosamente la personalidad de los futuros ciudadanos temperando las pasiones. La concepción estética aristotélica es menos perentoria de aquella platónica, sin embargo está guiada por concepciones morales, pedagógicas y políticas, y admite que la música tiene un lugar no solo en la organización social de estado sino también en la vida individual. A tal propósito Aristóteles expone la teoría de la catarsis, es decir la liberación anímica de la opresión, y de los afanes que el arte y especialmente la música están en condiciones de lograr. Siendo la nuestra una cultura eminentemente greco-latina como modelo espiritual, podemos inferir en que modo gravita la influencia de la cultura clásica, entre otras, en las etapas posteriores de la humanidad. Un solo ejemplo: el tetracorde griego fue tomado por los cristianos y redoblado en extensión lo que dio lugar a los modos gregorianos, tocados en forma ascendente, y fue base de sustentación teórico musical por mas de mil años. Sobre el Desarrollo Sensorial Auditivo.La capacidad sensorial del hombre ha tenido un desarrollo cualitativo que va imponiendo nuevas estructuras sobre el plano de la forma y de la expresión, la voz por ejemplo es un instrumento indispensable para establecer contacto con los demás, los pulmones del ser humano están cargados de sonidos animales, pueden expresar, “aquí estoy” “este soy yo”, con esos sonidos se atrae la pareja, se

5

atemoriza al enemigo, se conducen rebaños y se consuelan mutuamente en los momentos difíciles. La voz es un instrumento básico de nuestra propia conservación. El llanto del recién nacido proclama su nueva independencia y quizá es un presagio de responsabilidad y esperanza, se ha hecho la experiencia de tranquilizar a los recién nacidos haciéndoles oír grabaciones de un corazón humano y, en algunos casos, los infantes se han olvidado de respirar. Los ejemplos son múltiples de como la percepción auditiva es elemento de supervivencia para los pueblos cazadores incluso, el arco y la flecha son parte de un ritual donde la presencia dela música surge al producir el arco un dulce sonido imitando un monocorde. La opinión generalizada de investigadores concuerda que, el arco y la flecha son antecesores del violín. Las primeras escalas que considera la historia son pentáfonas, es decir de cinco notas en el ámbito de una octava. En eso hay una curiosa coincidencia entre las civilizaciones orientales oceánicas y los pueblos precolombinos (lo que abriga la teoría que el hombre de estas latitudes vendría de Oceanía), su utilización esta ligada fundamentalmente a los aerófonos (o instrumentos de viento) flautas de hueso, cuernos y flautas de pan construidas de cañas verticales. Posteriormente la civilización griega crea los tetracordes (escalas de 4 sonidos) ello da inicio a la percepción del semitono con sus apelativos: dórico, frigio y lidio, hoy muy de moda en el jazz. Dichas escalas sobrepuestas constituían ya una escala de 8 sonidos en el ámbito de una octava, y da lugar a los modos: misolidio, ipofrigio, ipodórico etc. en forma descendente. Con el correr de la historia ya en la era cristiana se invierten los modos en forma ascendente y nacen los modos gregorianos y las primeras armonías con quintas paralelas para dar paso luego a la escala diatónica mayor y las diferencias entre los modos mayores y menores. Cabe señalar que el término modo era distinto para los griegos que para los cristianos, para los griegos tenía una diferencia de carácter moral mientras para los cristianos era mas bien una expresión de carácter anímico y esta en estrecha relación con las primeras armonías. Sin entrar en detalle quiero expresar que las escalas son decisivas en la estructura formal de una obra, pues determinan la tonalidad, el estilo y por ende la época e incluso hasta la armonía (es decir sus acordes). Entre muchos compositores Debussy construyó su propia escala y dio lugar a una corriente dentro de la música, J.S.Bach la suya y Schoemberg la suya (por citar algunos) abriendo camino en la dodecafonía, o sea usando los doce sonidos de la escala sin establecer un centro tonal y dando igual importancia a cada uno de ellos, constituyendo así las series dodecafónicas. También asistimos en la primera mitad del siglo XX a otras manifestaciones que deparan nuevos lenguajes, como la politonalidad o sea la sobreposición de 2 o más tonalidades y también la música electrónica que hoy abre paso a una espectacular producción de sofisticados instrumentos que almacenan y sintetizan cualquier sonido proporcionando una variedad enorme de posibilidades, aun cuando su uso y consumo muchas veces no va aparejada de una cabal preparación musical. El objeto de recorrer la historia de las escalas, demuestra como se va ampliando el espectro sonoro del oído humano, como partiendo de 5 sonidos, hemos logrado hacer música con 12 sonidos en el mismo espacio, y es mas como el concepto de altura a dado lugar a establecer 24 tonalidades (12 mayores y 12 menores) y relaciones concretas entre física y música con el sistema temperado, determinando el la universal entre los instrumentos.

6

Considero de extraordinaria importancia, el ejercicio de varias voces simultáneamente en el desarrollo auditivo superior, equivalente al manejo de la perspectiva para el dibujante en el dominio de las tres dimensiones y la luz y sombra, lo que durante el primer milenio fue patrimonio de la liturgia cristiana con coros en todos los registros (salmos) a los albores del Renacimiento y de la música profana el hombre sintetiza todas las voces en un instrumento con formas imitativas de carácter polifónico y contrapuntistico como; el Ricercare, la Fantasía, el Pasacalle (o Pasacaglia) y más tarde la Fuga, una de las formas más complejas en su arquitectura musical. Eso significa que el hombre puede manejar con su instrumento un nuevo elemento del saber musical como es la armonía (sin necesidad de sacar el coro de la iglesia y llevarlo a casa), este hecho abre además nuevos caminos en el maravilloso mundo del instrumento más todas las habilidades y destrezas que se funden en él. No quiero dejar pasar el hecho que el aumento lamentable de los decibeles en la música mas reciente, no determina necesariamente la calidad de ella, sino más bien el asedio comercial por imponer un producto con la prepotencia del volumen, que en gran medida deteriora la capacidad auditiva, y sobrepasa muchas veces los niveles de tolerancia fisiológica del oído. Ya en 1640 Comenio (músico y pedagogo checo) escribía: “No hay nada en la inteligencia que no haya pasado antes a través de los sentidos, que el alumno aprenda a conocer los sonidos que ejercite antes que nada, los sentidos”. Eso quiere decir que la adquisición sensorial es el punto de partida necesario para despertar otras facultades humanas. Toda una generación de científicos y pedagogos ha hablado de la importancia de la actividad sensorial y su gradual refinamiento. Cito entre otros a: J.J. Rousseau, Pestalozzi, Montesori, Itard, Herbart, Froebel, Séguin, Decrolý, Ferriere, Roumá y Decoudres. Es poco probable que el órgano en su estructura biológica pueda ser influenciado por la educación a menos que –sobre la base del principio según el cual “la función crea el órgano”- eso no se verifique después de varias generaciones. Sin embargo estudiando la evolución humana podríamos admitir que los órganos han experimentado una evolución. El oído y el ojo de los hombres primitivos no eran similares a los nuestros. La evolución de las artes, de la pintura y la música nos muestra una capacidad funcional creciente en dichos órganos en los que concierne a las facultades artísticas. Un hombre primitivo puede tener un oído muy fino y ser sin embargo incapaz de entender un intervalo armónico o un acorde. Mediante la educación nosotros podemos: despertar, orientar y desarrollar el funcionamiento del oído y eso asume una mayor importancia si se toma en cuenta que un oído abandonado a sí mismo corre el riesgo de atrofiarse. Es necesario entonces dado que se trata del mundo de los sonidos, desarrollar el sentido de: la intensidad, del timbre y la altura (la duración corresponde al ritmo). De estas tres cualidades la altura es sin lugar a dudas la más importante pues determina la entonación, quisiera precisar que no están en el mismo plano; la sensorialidad y la inteligencia, siendo esta ultima superior humanamente hablando, pero es indispensable que la sensorialidad proporcione a la inteligencia los datos y mensajes puros, exactos y no falseados de la intromisión del intelecto. La Música como expresión independiente.-

7

Si pensamos que antes de mediados del S.XVIII era prácticamente imposible concebir expresión artística que no estuviera vinculada de una u otra manera a la protección de la iglesia y cuyos temas generalmente apuntaban a –Laus Deo(glorificar a Dios). Podríamos decir que Mozart fué el primer músico occidental completamente independiente que trabaja por cuenta propia. No le agradaba trabajar para un solo patrón y no era muy afecto a granjearse el favor de los poderosos. Humilde servidor de la corte del arzobispo de Salzburgo luchó incesantemente por establecer su independencia y si hubiera vivido tanto como Haydn habría podido alcanzar finalmente su objetivo. Es importante señalar que Beethoven caminó por la misma senda, imprimiéndole un sello y una voluntad irreducible al significado de su obra, ajena a cualquier manipulación ideológica. Hasta la edad de 30 años compuso su obra siguiendo antiguos modelos, pero luego rompió con ellos abruptamente. Uno de los aspectos más sorprendente de Beethoven es el uso del silencio. Estos se cuentan entre los vacíos más significativos del universo; a semejanza de la vacuidad del espacio, estas pausas están cargadas con la fuerza de las tensiones magnéticas que como en el cosmos quedan determinadas por la masa de los cuerpos celestes. Esas pausas son fundamentales para la música, que luego se reanuda en forma maravillosa, su lapso es exacto sino perdería ese efecto mágico, la duración del silencio ha sido premeditada y es irrevocable. Su característica esencial reside en ser el primer compositor que reflejó en su obra los ideales de lucha y las derrotas que se desarrollaron en el mundo, acontecimientos que gravitaban en el espíritu del hombre. Su obra participaba activamente de los ideales que alimentaban un mundo que salía de los trastornos de la revolución francesa. Tal vez fuera una de las cumbres de la historia de la cultura, puesto que sus ideales de libertad Es la imagen del pensamiento filosófico consagrado en la obra de: Kant, Goethe y Schiller. Una gran fe en la humanidad, la aspiración a la libertad moral y a la fraternidad entre los hombres, la espera de la alegría, la lucha contra el destino y el dolor nutrieron sus composiciones. Estas exigencias morales e intelectuales encuentran un campo de batalla ideal, en el esquema formal de la sonata y al hablar de sonata por consecuencia nos referimos a la sinfonía y al cuarteto que son formalmente lo mismo. Esta se basa en la oposición entre el 1º y el 2º tema, en dicho contraste se subraya un carácter rítmico “masculino” al primero, y melódico, afectuosamente “femenino” al segundo. El drama se desencadena en el desarrollo del tercer episodio es mucho más extenso que en las sonatas y sinfonías de Haydn y Mozart, su extensión, su riqueza armónica y sus frecuentes modulaciones(cambio de tonalidad) están en función de este sentimiento, la música como proyección de lucha ideal. Paralelamente acrecentó las combinaciones instrumentales, la novedad de sus invenciones rítmicas, la variedad en el despliegue melódico obedece a la voluntad de expresar hasta los más ínfimos detalles del pensamiento y sentimiento beethoveniano. Me he referido a Beethoven pues su inmensa popularidad determinó una nueva orientación de la vida musical, ello significa que su imagen es el punto de partida para una organización autónoma de los conciertos en el mundo entero, esto mutó la condición social del músico, haciéndolo independiente de sus predecesores que fueron especies de allegados o clientes de cortes o casas gentilicias. Arrebata entonces la música de un ambiente “aristocrático” cerrado para divulgarla entre los burgueses, que aspiraban heredar las conductas del mundo pensante. Fue el propio Beethoven que creó una comunión entre la música y masas relativamente grandes de público, hecho que se prolongó hasta el romanticismo y que hoy nuevamente se ha perdido. Pero en estas complejas circunstancias de popularidad también han

8

dado lugar a una fastidiosa y adornada retórica beethoveniana, distorsionando la atención de la extraordinaria perfección de la arquitectura musical de su obra. Desde un punto de vista de la llamada “música pura”, su supremacía sería inquebrantable. Conclusiones.1) En primer lugar lo importante que es el despertar de las facultades sensoriales en los niños, sobre todo aquella auditiva como sujeto de revelación, no perder ocasión de sembrar para entender poco a poco los secretos del desarrollo humano. 2) Respetar la vida y estudiar sus leyes para colaborar con ella, estimular la creatividad en toda su amplitud, hasta en la vida cotidiana, como expresión auténtica del hombre libre. Pocos héroes han podido escapar a los tentáculos del poder proclamando su arte a principios éticos superiores, como los derechos de: igualdad, libertad y fraternidad. Usar la cultura no como un factor acumulativo sino mas bien como elemento instrumental y en ese sentido extraer los ejemplos de la civilización griega, donde los valores espirituales están ligados a quehaceres como la educación de la música y del arte, que no es solo distractiva de nuestras angustias existenciales, sino también que es una valiosa oportunidad de aprendizaje en el dominio de nuestra sensibilidad. 3) La música no es propiedad, sino patrimonio de todos y en consecuencia aproximarse a ella significa estudiarla en sus múltiples aspectos, como fenómeno físico, como lenguaje, o sea como síntesis de contenido y como fenómeno artístico en su aspecto sensible. 4) El rigor del silencio en la música, como lo fue en la escuela pitagórica de Crotone, Italia, contribuye a formar una verdadera disciplina espiritual mediante la audición atenta y la meditación, estos factores son la antesala para la adquisición de hábitos de concentración mental lo que capacita para una reflexión razonada. Sus alcances filosóficos con relación al concepto musical de “armonía”, aplicables además al universo, como equilibrio de relaciones que restablece la fuerza y la belleza, son el sustrato de serena sabiduría que contribuye a la formación del espíritu libre de dogmas y prejuicios. Sin embargo la música no es, a mi entender, solo la búsqueda de lo bello, también podemos decir que es un modo de buscar la verdad, una empresa que exige mucho de nosotros en el conocimiento del mundo sensible. Que como lenguaje es una condición de la existencia humana y no un objeto, en este sentido es parte de una ciencia total del hombre. 5) Hay quienes sostienen que el arte es superfluo en la vida, mientras otros sostienen que la vida no tendría sentido sin el arte. Yo estimo que la propia vida es arte y que vivirla en realidad es él más grande de todas las artes. A lo mejor los músicos tenemos una ventaja, por tener que escuchar a sí mismos antes de ser escuchados. En esta concepción de la vida como un arte no existe absolutos, pero si hay normas, y al constatar nuestros logros con ellas podemos encontrar nuestras mayores satisfacciones y nuestras mejores aspiraciones. Bibliografía: • Breve Storia de la Música- Massimo Mila- Enaudi Editori- Torino. • L´orecchio musicale- Edgar Willems. Edizioni Zanibon- Padova. • La cuerda floja- Margarita Schultz- Ediciones Hachette. • La Música y el Hombre- Yehudi Menuhin y Curtis W. Davis- Fondo Educativo Interamericano. S.A. • Sobre la Música- Arístides Quintiliano- Biblioteca Clásica- Gredos Madrid. • Storia de la Música- Riccardo Allorto- Edizioni Ricordi. Milano.

9

• •

El mundo como voluntad y representación- Arthur Schopenahuer. La Inteligencia Emocional- Daniel Coleman- Javier Vergara Editor.

http://www.uvipro.cl/revista/BrownNoise%20III/mpino.htm

10

You're Reading a Free Preview

Descarga
scribd
/*********** DO NOT ALTER ANYTHING BELOW THIS LINE ! ************/ var s_code=s.t();if(s_code)document.write(s_code)//-->