CUÁNDO UBICAMOS AL MANIERISMO???
MANIERISMO
• Estiloartístico que sigue al
Cinquecento y que ocupa las décadas
centrales y finales del siglo XVI.
Fechas significativas como las muertes QUÉ SIGNIFICA EL
de Leonardo (1519) y Rafael (1520), dos
de las grandes figuras del Cinquecento, TÉRMINO???
se toman como inicio de este nuevo
estilo.
• El nombre se tomó del
• Mientras que para algunos historiadores término italiano 'maniera' y se
del arte y críticos el manierismo es la
última etapa del renacimiento, para aplicó a algunos pintores que
otros se trata del inicio del barroco.
Hay incluso autores que lo dotan de una cultivaban una forma de pintar
personalidad propia. Y es que sin duda
el manierismo toma modelos y soluciones que exageraba algunos
del renacimiento, pero alterándolos en
una especie de búsqueda de una manera aspectos del clasicismo.
(maniera) personal, a imitación de los
grandes genios (Miguel Ángel, Leonardo
y Rafael). También es cierto que
muchas de las características del
manierismo estarán presentes en el
barroco.
Alessandro Allori, “Susana y los
viejos”. 1535 - 1607
CARACTERÍSTICAS DEL MANIERISMO
La primera y más importante de sus características es la
ruptura del equilibrio clásico, lo que se traduce en un
mayor dinamismo de sus composiciones, y a veces una
dislocación de las mismas, con lo que son frecuentes
los escorzos y las desproporciones.
En la pintura …
• Es una pintura elegante y refinada.
• La búsqueda de la tensión frente al equilibrio clásico.
• El agobio espacial frente a la amplitud.
• El cromatismo intenso frente al suave.
• El color amarillo se pone de moda.
• La inquietud frente al orden.
• El amor a lo curvo y ondulante.
• Impone la inestabilidad. Los pies se apoyan sobre las
puntas dando la impresión de que las figuras se
deslizan suavemente en el espacio.
• Los pintores utilizan una perspectiva ('anamorfosis')
donde los objetos se deforman.
Virgen del cuello
largo, de
Parmigianino.
CARACTERÍSTICAS continuación …
• Los pintores manieristas tienen obsesión por la profundidad, para que el
espectador pueda profundizar a través de todos los espacios de la pintura.
• La línea que predomina será la diagonal, pero a la vez esta línea cobrará
un movimiento curvilíneo que envuelve a las figuras.
• Podemos decir que hay dos corrientes: el manierismo académico y el
manierismo revolucionario; los métodos cambiaron también. Los
académicos seguían inspirando en la naturaleza, pero no directamente sino
a través de los grandes maestros, lo que condujo al virtuosismo. Es verdad
que se consiguió una generación de artífices casi perfectos, pero sin
creación original. En cambio, en el manierismo revolucionario, los artistas
fueron en parte excéntricos y atormentados.
• Las matemáticas, la perspectiva lineal o la relación figura y espacio fueron
abandonadas. Esta corriente convino al naturalismo y a la imaginación; el
espacio fue ocupado por multitud de figuras dentro de diferentes planos
pictóricos.
• El personaje principal de la pintura será difícil de distinguir, pues casi
todos tendrán la misma categoría, y a la vez el ojo pierde la situación por la
multiplicidad de líneas en desequilibrio.
• El claroscuro no modela ya la figura, pues la luz creará ilusiones ópticas,
colores intensos e iluminación teatral.
En la escultura …
• Dentro de esta ruptura del
equilibrio clásico que
supone el manierismo, se
observa en la escultura la
figura serpentinata.
Rapto de las Sabinas, del escultor de
Flandes Giambologna,
donde la composición se muestra en
movimiento de espiral.
Principales JACOBO PONTORMO (1494-1556)
Contemporáneo de Miguel Ángel, pinta:
"El descendimiento" (Capilla Capponi en Sant
pintores:
Felicitá. Florencia) Composición realizada
desde un punto de vista bajo. Todo el grupo
está dispuesto en un movimiento circular.
Enorme dinamicidad, actitudes 'serpentinatas',
inestables. Colores irreales, muy brillantes.
BRONZINO (1502-1572) Discípulo de
Pontormo y gran admirador de Miguel Ángel.
Fue pintor de los Médicis.
"Venus abrazada por Cupido" (National
Gallery. Londres) Obra de tema alegórico y de
compleja interpretación. En el centro de la
composición se representa a Venus abrazada
por Cupido, acompañados por el Placer, el
Engaño y los Celos. A los pies las máscaras
pueden ser la alegoría de la Tragedia y la
Comedia y encima de todo ello el Tiempo
(Tragedia + Tiempo= Comedia). La obra
destaca por el tratamiento marmóreo de los
cuerpos, de una delicadeza fría. Magistral
utilización del color, especialmente el azul.
PARMIGIANINO (1503-1540) Difunde el estilo
de Correggio.
"Madonna del largo cuello" (Galería Uffizi.
Florencia) Para alargar los cuerpos de los
personajes utilizó lentes aberrantes. Las
actitudes de las figuras son rebuscadas.
Movimiento deslizante, de caída,
especialmente el cuerpo del Niño.
Composición triangular.
•
RETRATOS:
"El emperador Carlos V a caballo, en Mühlberg" (Museo del Prado. Madrid) Retrato aúlico del emperador a
caballo, con el Toisón de oro, portando las armas y la coraza que llevaba el día de la batalla de Mühlberg en la que
derrotó a los protestantes. Situado en un paisaje con el río Elba al fondol La figura, en diagonal, es el centro de
interés máximo. Gran contraste luminoso. Color atenuado, los contornos fluctúan y se pierde toda precisión.
"Retrato de Isabel de Portugal" (Museo del Prado. Madrid) Capta en esta obra el carácter inteligente y la
personalidad de la emperatriz. Los detalles del vestido, con brocados, pedrería y encajes, son de altísima calidad. El
colorido es muy característico del pintor, empleando tonos rojizos y pardos muy destacados por la luz.
PAOLO VERONÉS (1528-1588) Su estilo es claro, luminoso , decorativo, mundano. Pintor por excelencia de la
mujer veneciana.
"Las bodas de Caná" (Museo del Louvre. París) Cuadro de enormes dimensiones pintado para el refectorio del
convento de San Jorge el Mayor de Venecia. Desarrolla una gran composición al aire libre que destaca por su
escenografía arquitectónica y en donde sitúa a más de cien figuras. Domina el gusto por el lujo y el detalle típico de
la escuela veneciana.
"Venus y Adonis" (Museo del Prado. Madrid) Escena mitológica en la que coloca una gran diagonal que divide en
dos triángulos el cuadro. Rico y vivo colorido, utiliza colores primarios matizados, no puros. Los personajes visten a
la moda veneciana y parecen sacadas de un salón. Otra de sus preocupaciones será mostrar las expresiones: el
gesto de Adonis, profundamente dormido, y Venus, atenta a lo que hace Cupido. La riqueza de las telas, con un
vibrante colorido, y el interés por la luz completan la obra.
JACOPO ROBUSTI "IL TINTORETTO" (1518-1594) Supo conjugar el gusto veneciano por el color, el paisaje, la luz
con difíciles actitudes anatómicas en sus figuras y predominio de escorzos. Es el gran perspectivista de la escuela.
• ESCUELA DE VENECIA (S. XVI)
Debido al auge económico de esta ciudad se desarrolla una gran actividad artística. Estuvo a la
altura de Roma y fue la primera escuela en utilizar la técnica del óleo durante el siglo XV
introducida por Antonello de Messina. Sienten verdadera pasión por el color y la luz por lo que
envuelven sus composiciones en una atmósfera especial que desdibuja los perfiles. La pincelada es
ancha y decidida. Esta escuela es iniciada por:
GIORGIONE (1478-1510) Discípulo de los Bellini y compañero de Tiziano. Muere antes de cumplir
los treinta años por lo que su obra fue escasa. Transforma el paisaje y el desnudo femenino.
"La Tempestad" (Academia de Bellas Artes. Venecia) Combinación de desnudo y paisaje. Las
figuras -un joven con una pica y una mujer, casi desnuda, amamantando a un niño- aparecen
apartadas para que el espectador se enfrente con la naturaleza. Gran belleza de colorido, contraste
entre luces y sombras, utiliza la técnica del sfumato y la instantaneidad.
"Concierto campestre" (Museo del Louvre. París) Representa a dos muchachos músicos sentados
en el suelo acompañados por dos jóvenes desnudas. Estos se integran perfectamente en el paisaje.
Las figuras reciben un potente foco de luz que crea efectos de claroscuro. Algunos críticos
atribuyen la obra a Tiziano. Influencia en "Le Déjeuner sur l'herbe" de Manet.
"Venus dormida" (Pinacoteca de Dresde) Con esta obra Giorgione inaugura el tipo de Venus en
reposo que adoptará Tiziano y tantos pintores posteriores. Composición equilibrada en la que
destacan la luz difusa que inunda el cuadro y las suaves formas del cuerpo de la diosa. La obra
queda inconclusa al morir Giorgione y la terminará Tiziano.
TIZIANO VECELLIO (1488?-1576) Se formó en el taller de los Bellini con Giorgine. Debido a su
longevidad pintó muchísimo evolucionando su estilo profundamente. Pintó para el emperador
Carlos V y su hijo Felipe II. Cultivó diferentes géneros: religioso, alegórico, mitológico, retrato
• .
TEMAS MITOLÓGICOS:
"Amor sagrado y amor profano" (Galería Borghese. Roma) Con motivo de la boda
entre el canciller ducal Nicolo Aurelio -cuyo blasón aparece en el sarcófago- y
Laura Bagarotto en la primavera de 1514, realizó este trabajo que se vincula con
las alegorías neoplatónicas. Reduce la gama de colores a dos tonalidades (rojo-
blanco). Composición horizontal a modo de friso clásico. Detallismo de las telas.
"Bacanal" (Museo del Prado. Madrid) Trata el tema de la llegada de Dionisos a la
isla de Andros. En el ángulo derecho aparece una figura desnuda y dormida que
nos remite a Ariadna, personaje de la mitología ligado a Baco, y que es una clara
referencia a la escultura clásica, frecuente en la pintura italiana de la época.
"Dánae recibiendo la lluvia de oro" (Museo del Prado. Madrid) Encargo de Felipe
II. La obra se define por la luz y el tramiento del color. Es una luz dorada
procedente del cielo que baña el cuerpo femenino desnudo, perfecto. La
sensualidad de la escena se intensifica con la aplicación del 'sfumato'.
"Venus de Urbino" (Galería Uffizi. Florencia) Inspirada en la Venus dormida de
Giorgione. Se interpreta como una alegoría del amor y la fidelidad conyugal -perro
dormido-. Destaca por sus texturas cálidas y por sus colores pastosos. La obra
sirvió de inspiración para otro cuadro excepcional 'Olimpia' de Manet.
