Re-conocimiento se refiere a examinar algo para conocer su contenido.

Se logra a partir del

análisis de las características propias

Claves de la escultura

 Concepto  El movimiento
 Las herramientas.  El acabado/ textura.
 Los materiales  La luz
 El lugar de la escultura  El tiempo
 El lugar del espectador  La expresión
 El volumen  Las formas
 El relieve  El tema
 Las proporciones

Se llama escultura al arte de modelar el barro, tallar en piedra, madera u otros materiales. Se
incluyen todas las artes de talla y cincel, junto con las de fundición y moldeado. Es la obra
artística realizada por el escultor. Fue en principio auxiliar de la arquitectura.

La funcionalidad de la escultura fue cambiando con la evolución histórica. Puede ser un

elemento duradero o efímero

Cada vez más la idea es la esencia de la escultura. Siempre la elección del material
condicionará el método de trabajo.

La escultura es el arte del volumen. Es necesario que el espectador se esfuerce en ver las obras
desde múltiples puntos de vista. La luz en algunos casos es la protagonista de la obra.

Concepto de fetiche: “Figura o imagen que representa a un ser sobrenatural al que se atribuye
poder, sobre las cosas o las personas, al que se adora y se rinde culto”. Tiene contenido
material e inmaterial o intangible

Jeff Koons produce y se promociona usando lo industrial y el marketing. Sus obras son
conceptuales, minimalistas y/o pop.

Arte Cinético

El escultor ha tratado de introducir el movimiento en su trabajo. Expresará el movimiento,

representándolo de manera real o virtual.

Se centra en la percepción: objetos cambiantes con movimiento real o virtual produciendo

ilusiones ópticas.

Usan técnicas ópticas que generan movilidad y recursos técnicos como luces y sombras,
contraste de colores, el tamaño y motores, que dan movimiento.

Arte Cinético. Tipos:

1. Obras con movimiento Real:

 A través de tecnología.
 Inducido por agentes atmosféricos (viento….)
2. Objetos Transformables con participación del Espectador: por cambio de posición o
manipulación.
 3. Obras que con ilusión óptica de movimiento.

Los Nuevos códigos del arte:

El arte, la obra de arte y el artista son construcciones de la sociedad moderna.

Lo importante era la perdurabilidad de la obra. Esto cambia con la revolución industrial.

Tras el agotamiento del liderazgo de la pintura y de la literatura, se ha convertido en la más

activa y revolucionaria de las artes.

La escala de la Escultura

Uso de proporción. Relación entre el objeto real y su re-presentación. Tres tipos:

1. De reducción.

2. De ampliación.

3. A escala real.

La indagación en la escultura.

La primera observación se llama Indagación. El trabajo va de lo macroscópico a lo

microscópico. De lo general a lo particular.

1. Técnicas. Relación con los materiales, dificultad, artesanal.

2. Materiales. Valor intrínseco, dificultades, expresión, texturas, luces y sombras

3. Escala. Relación con el entorno, espacio, relación con la luz, observación.

La autoría será decisiva.

Materiales de las esculturas.

 Cerámicas: terracota, gres, loza y porcelana.

 Metal (aleaciones) bronce, latón, peltre, plata, bañados.
 Maderas
 Piedras: duras, mármoles, granitos, alabastro.

Se distingue en escultura tradicional procesos de elaboracion:

1. La tallada o esculpida

2. Modelado o moldeado

3. La de fundición

4. Construcción y ensamblaje.

Se pueden agrupar en dos formas diferentes de trabajo:

1. aditiva

2. sustractiva
 Técnicas Escultóricas Tradicionales

• Técnicas Aditivas • Modelado

• Técnicas Sustractivas • Talla Directa

• Talla Indirecta (traslación)

• Cerámicas • Terracota

• Placas.

• Torneado.

• Reproducción y Producción en • Moldeado

serie
• Vaciado

• Fundición

• Constructivas y Ensamblajes. • En Papel

• En Metal

• En Otros Materiales.

El modelado es aditivo: Se utilizan materiales que se deforman

 Tema: retratos, desnudos, religiosos.

 Material.
 Tipología: aislada, en arquitectura exterior o interior, sobre peana…
 Composición: líneas, simetría, dinámica (fuerzas diagonales), escorzos, …
 Modelado: cóncava, convexa, hueco, vacío, lleno, ….

La escultura por vaciado se prestaba a la multiplicidad debido a la propia técnica. Fue proclive
a las copias fraudulentas.

El uso de diferentes combinaciones de materiales y medios ha originado un nuevo repertorio

de expresión artística. Como el constructivismo, las instalaciones, el assemblage.

Estatua: Una escultura es una obra artística elaborada por un escultor trabajando o labrando
un material en 3 dimensiones. Una estatua es una escultura que representa la forma humana

El boceto: Es un estudio preliminar. El escultor piensa dibujando. La rapidez y frescura del

boceto garantizan la idea.

El encaje: Reduce la forma a su expresión básica con proporciones y formas generales: “la
geometría es la madre de todas las formas”.

El acero corten: La oxidación superficial del Acero Corten crea una película
de óxido impermeable al agua y al vapor de agua. La oxidación del acero no ingresa a la pieza.
El óxido superficial protege de la corrosión atmosférica
La talla: La talla se puede hacer de dos modos:

1. Directa: El artista trabaja sobre la materia con las herramientas para ese material.

2. Indirecta: el artista se sirve de otros instrumentos de medición como el compas o la

máquina de sacar puntos o pantómetro y de un modelo realizado en yeso o terracota.
Con el sacado de puntos, un modelo puede repetirse.

Técnica: traslado de puntos

 de la cuadrícula,  el de jaulas,
 de la plomada,  el de la cruceta y
 el definitor de Alberti,  el del pantógrafo.
 el de los 3 compases,

La adicion: El modelado sintético es aquel que se trabaja de las partes al todo. Se hace cada
parte por separado para unirlas después.

El ensamblaje: Se basa en la unión y el acoplamiento de piezas usadas prolíferamente en los

años 60.

Arte ambiental o land art: Obras escultóricas que crean ambientes en los que el espectador
puede entrar. Se usa como llamado de atención a problemas ambientales o para obras de
grandes dimensiones que utiliza el entorno natural.

La instalación: Es un género de arte contemporáneo de los años 70. Puede incluir cualquier
medio: naturales, video, sonido, computadoras e internet, plasmas...

Happening: Manifestación artística de diferentes disciplinas surgida en los años 50. No se

focaliza en objetos sino en el evento a organizar y en la participación de los espectadores.
Son acciones en las cuales el público es protagonista para configurar el significado del acto
artístico. Suele ser efímero.

Performance: Es una muestra escénica con improvisación, en que la provocación, el asombro y

la estética, juegan un rol principal.

Mercado del arte

Según Thomas Hoving, historiador y ex director del Met Nueva York, el 40% del mercado del
arte se compone de falsificaciones.

Una obra es auténtica si todos sus elementos son consistentes. Se verifica: firma en una fecha;
vestimentas; temas típicos del artista; tipo de soporte.

Se incrementa el valor con información adicional

El atribucionismo

Lo peor es que la inmensa mayoría de las obras de arte llegadas hasta nuestros días no consta
en fuente o documento alguno. Bajo estas premisas, a finales del ochocientos, entró en escena
el atribucionismo

El valor y el precio de las obras dependerá de la opinión del connoisseur (conocedor). El

connoisseur determina métodos de evaluación para determinar autenticidad.
Las falsas atribuciones no constituyen falsos: la obra de un alumno de Rembrandt no lo
convierte en falso. No modifica su valor estético sino que cambia su lugar en la historia del
arte y en su valor.

Entidades que autentican y/o tasan obras de arte:

 El propio artista.
 Asociación Argentina de Galerías de Arte. (AAGA).
 Fundaciones
 Banco Ciudad.
 Herederos y derecho- habientes.
 Las subastadoras entregan un certificado de autenticidad.

Artistas más falsificados.

 Artistas más falsificados: los demandados, prolíferos y/o fallecidos.

 Artistas con técnicas poco detallistas.
 Sin herederos o derecho- habientes.
 Artistas sin su obra catalogada o sin fundaciones.

Técnicas empleadas para peritaje:

1. Exámenes de superficie no destructivo:

 Luz aplicada.
 Fotografías e imágenes digitales.
 Observados bajo diferentes radiaciones.
 Análisis forenses.

2. Análisis microquímicos y físico-químicos que son consideradas invasivas.

Métodos de luz aplicada

 Luz natural.
 Luz directa: forma frontal para observar o fotografiar.
 Luz tangencial, rasante u oblicua.
 Luz transmitida.
 Luz de sodio.

Análisis Forense:

 Huellas digitales Análisis Forense.

 Examen de documentación.
 Análisis forense de escritura.
 Lingüística forense.
 Examen forense de firmas.
 Plantillas y artículos de arte.
 Etiquetas.
 Timbres, sellos y marcas.
 Dimensiones del cuadro.
  Análisis Forense de Morelli: Permite identificar el trabajo de un pintor, definido por el
trazado de pinceladas y en rasgos típicos como ojos, manos, cuellos o plantas. Se
asemeja al análisis grafológico

Pruebas Científicas utilizadas en Investigación de Arte:

 Termoluminiscencia.
 Datación mediante carbono-14
 Dendrocronología (árboles).
 Pruebas de ADN (Orgánica).
 Fotografía con rayos UV.
 Fotografía con rayos X.
 Fotografía Infrarroja.
 Análisis de Pigmentos.

Restauración: Se debe tomar como excepcional. La conservación que debe ser permanente.
Las 3 leyes básicas de la restauración son:

1. Estabilidad.

2. Visualización de la obra.

3. Reversibilidad.

Métodos científicos s/material

 Termoluminiscencia. Es la técnica que cuantifica el paso del tiempo desde el último

proceso térmico.
 Carbono 14 convencional usado para indicar antigüedad de materiales orgánicos.
 AMS es la Espectrometría del acelerador de partículas igual que el C14 pero para
partículas pequeñas.
 Análisis pétreo. Para analizar piedras se recurre a los rayos “X” y al análisis por
Microscopia Electrónica de Barrido (superficie). Describe materiales.
 Difracción de Rayos “X”. Estudio a partir de la dispersión característica de cristales.
 Análisis metalográfico. Se distinguen materiales auténticos, aleaciones y no
auténticos.

Obtención de imágenes por fotografías:

 Fotografías con luz frontal.

 Microfotografía. Toma pequeñas secciones para archivar.
 Macrofotografía. El aumento no suele superar las diez veces.
 Microsonda electrónica de Castaing.

Distinguimos 3 tipos de obras falsas en escultura:

1. Las inventadas por artistas contemporáneos imitando el estilo de las antiguas con
elementos distintos.

2. Esculturas falsas obtenidas por molde fuese este antiguo o moderno.

3. Copias pastiches, piezas modernas obtenidas por conjunto de elementos de obras

distintas.
La imaginería: La imaginería románica y gótica se suele falsificar por los precios alcanzados en
la segunda mitad del siglo XX, repitiendo las facciones y tipos arquetípicos. A veces se
enriquecen y envejecen tallas mediocres de etapas posteriores.

El arte africano: En África existen objetos antiguos que en sus días fueron hechos para uso
ritual y su autoría es desconocida. El coleccionismo valora su “funcionalidad”. Son técnicas
transmitidas de generación a generación. Es difícil distinguir originales de las copias.

Falsificación de esculturas por vaciado: Son esencialmente de dos tipos:

1. Tiradas adicionales realizadas por los bronceros.

2. Moldes tomados de la escultura original.

Las obras coleccionables del siglo XIX son proclives a esto. Tanto uno como otro se consideran
por ley reproducciones ilegales.

Tipos de Escultura. Según su forma:

1. Exenta o de bulto redondo 3 dimensiones.

2. Relieve, adherida a plano de fondo:

 Altorrelieve
 Bajorrelieve
 Mediorrelieve
 Huecorrelieve

Cuando la escultura se destina a ornamentar un edificio, se llama monumental. Puede estar

subordinada a la arquitectura, ley del marco o concebirse para ser vista desde un punto de
vista, ley de frontalidad egipcia.

Ley de frontalidad egipcia consiste en la representación en línea recta de las caderas y

hombros.

Armonía de las proporciones. Los egipcios usaron proporciones basados en el puño humano. El
cuerpo humano, para ser perfecto debía medir 18 puños: 2 para rostro y cuello, 10 hasta las
rodillas y 6 para piernas y pies.

Se llama estatua a la representación estática de una persona, animal o de una situación

específica. La estatua se caracteriza por contar con un tamaño igual (completo) o mayor de lo
que representa.

Escultura pre-historica: Escultura Egipcia (hasta el 1000 ac) Tiene una función religiosa,
simbolista y mágica. Visión rectilínea, la armonía de las proporciones, el hieratismo y la rigidez.
Las figuras estaban compuestas a partir de 4 puntos de vista: 1 frontal, otro dorsal y 2
laterales.

Escultura griega: Periodos clásicos son:

1. Periodo Arcaico.

2. Escultura clásica.

3. El Helenismo.
Período Arcaico (VIII a V a.c.): En toda la escultura arcaica rige la ley de la frontalidad, hombros
rígidos y horizontales, ojos abultados y la típica sonrisa arcaica.

Griega Clásico (S V y IV a.c.):El periodo clásico comprende dos siglos: En el siglo V a.c. En el
siglo IV a. c.

Búsqueda de la Armonía y proporción.

1. Principio de Diartrosis (articulación movible) se acentúa la división entre el tronco y las

extremidades.

2. Marcan pectorales, cintura y pliegue inguinal. Postura de contraposto.

Contraposto: Oposición armónica de partes de la figura humana para dar movimiento y ayuda
a romper la ley de frontalidad. Rompe la simetría arcaica

Helenismo (323 a 146 a.c.): la ciudad más importante será Alejandría y luego Pérgamo. Se
sustituye la escultura individual por la composición en grupo. Aparece representaciones
populares. El autor ya no busca la idealización del cuerpo sino su miseria y realidad. El
Helenismo muestra 3 edades del hombre: frescura de la infancia, vigor juvenil y decrepitud del
anciano.

Roma: Surge el interés por el retrato. Dejan el globo ocular en blanco. Se acentúa la barba
bipartida y se hace una talla más profunda. Muestra los rasgos psicológicos. Mira de costado y
no de frente.

Paleocristiano: lo que cambia es la significación. Primero tuvo un carácter funerario. El

cristianismo sí representa a Dios con figura humana. Las representaciones se realizan de forma
libre, aislando las figuras y situándolas en el mundo inmaterial. Se usa el relieve

Arte Bizantino: La escultura se reduce a relieves de sarcófagos y pequeños relieves hechos en

marfil donde las figuras son frontales con la mirada fija y sentadas en sillas. Se reconocen dos
leyes:

 Ley del esquema. Tendencia anti naturalista

 Ley del Marco: según sea el marco se adapta la escena

Romanico: Tiene una función Catequética y didáctica, destinado a analfabetos. Figuras

hieráticas, rígidas e inexpresivas. Ausencia de perspectiva, uso de la jerárquía. Horror Vacuo.
Tendencia a la simetría y geometría de las formas. Ley del marco. Uso de policromía.

Gotico: El volumen, el movimiento y la expresividad constituyen las características de la

escultura gótica. Se prefiere el relieve y el bulto redondo. Las figuras adoptan actitudes y
gestos más naturales y realistas.

Renacimiento: El artista abandona el anonimato y tiene conciencia de creador. El hombre y la

naturaleza son los protagonistas. El cuerpo desnudo reaparece como portador de belleza.
Esquemas compositivos sencillos. Con la luz buscan la iluminación homogénea de toda la obra
y el color apenas aparece en la escultura. Se domina el volumen, dentro de un marco de
referencia y la perspectiva lineal consigue profundidad. El movimiento se da en el contraposto

Arte neo-clásico/ moderno: Prevalece dibujo escultórico, perspectiva, definición,… Prevalece

color, sombras y yuxtaposición. Psicología de los personajes.
El siglo XIX: Tres profundos procesos marcaron el siglo XIX en Europa:

1. Las revoluciones políticas.

2. La Revolución Francesa.

3. La Revolución Industrial.

Cambios en el Mercado: burguesía en ascenso. Su status social se vio necesitado de símbolos

artísticos que emulase a los palacetes de las clases aristocráticas.

Se creó una gran demanda de mobiliario, orfebrería, cristalería, pinturas, bronces, alfombras,
esculturas… Las nuevas actividades crearon un explosivo crecimiento urbano.

Se desarrolló el comercio y el transporte que facilitó el turismo. El telégrafo y el teléfono

facilitaron las comunicaciones.

Romanticismo: Surgió en oposición a la ilustración, privilegiando los sentimientos sobre la

razón. La estructura metálica que sostiene al edificio de la opera se encuentra oculta entre los
adornos y molduras: tecnología moderna disfraza de estilo barroco.

Realismo: La corriente realista reivindica la representación de lo cotidiano.Se interesaron por

la variación de la luz.

Impresionismo: Pintaban de acuerdo a la impresión que la luz produce a la vista

En 1851 los Ingenieros inician un camino racional que anuncia las vanguardias del siglo XX.
Nuevas necesidades de la sociedad: desarrollo del ferrocarril con sus estaciones y puentes.
Incremento del comercio internacional aparecen los grandes Pabellones para las “Ferias
Universales”.

Arts and crafts: Reinterpretación de estilos pasados y a las relaciones laborales medievales: el
trabajo artesanal. Resultaron muebles caros

Art Nouveau: Influencia de la naturaleza. Nuevos materiales como el hierro, vidrio,

iluminación. La decoración los acerca a una imagen escultórica.

Arte metalúrgico: En la Expo de 1851, se dio a conocer la producción británica de hierro

fundido.

Hierro fundido: Metal al que se da una determinada forma vertiéndolo, fundido, en un molde y
dejándolo enfriar (hierro colado). Las fundiciones de hierro son aleaciones de hierro y carbono.
Es un producto económico

Primera comunión entre arte e industria fiscalizada por los propios escultores. Avances
tecnológico para democratizar el arte. Los arquitectos, paisajistas y urbanistas franceses
trajeron América Latina su atracción por el Neo clasicismo y sus obras de hierro.

Se apeló a recursos técnicos de avanzada y al diseño y fiscalización de notables escultores. Ellos

armaron los catálogos, dirigieron las fundiciones y controlaron las obras.

La explosión demográfica producto de la Revolución Industrial exige una restructuración

urbana. Se imponen nuevos trazados de avenidas y de espacios verdes que demandaron
nuevos ornamentos. Hacia 1850 el plan lo continua el Barón Haussmann para Napoleón III.
Concibe una ciudad ideal, Museo al aire libre. Francia se abocó a la reproducción de esculturas,
mobiliario urbano y ornamentación pública.

Argentina incorpora la escultura francesa a partir de la Pirámide de Mayo de 1811. La

arquitectura francesa se incorpora con los festejos del centenario. Francia fue en materia de
arquitectura, decoración y urbanismo una referencia para Argentina. Se relaciona con la idea
de democratizar el arte en sintonía con la creación del MNBA.

La adquisición del arte metalúrgico francés coincidió con el fenómeno de la ampliación de los
derechos civiles, políticos y los comienzos de la movilidad social. Ayudó a crear su perfil
europeizado

En los 30 París atrajo las principales experiencias abstracto-constructivas, de distintas

latitudes:

1. Cercle et Carré –surgido de las vinculaciones de Joaquín Torres García y Piet

Mondrian–

2. Art Concret liderado por Theo van Doesburg.

3. Abstraction Création dirigido por Herbin y Vantongerloo, logró mayor proyección

internacional en tendencias de la no figuración.

Muchos argentinos que formaron parte del “Grupo de París” se expresaron a través de la
escultura. Alfredo Bigatti, Sesostris Vitullo y José Fioravanti fueron escultores y participaron del
grupo.

Década del 40: ruptura con respecto a los códigos de representación realista. Aparecen
propuestas abstractas.

Entre la abstracción y la búsqueda de nuevos materiales, se crea un período fecundo de la

escultura. Arranca con la generación de los ´20 con Vitullo, Bigatti, Curatela Manes y Cecilia
Marcovich. Se prolonga hasta los ´50 con Noemí Gerstein, Alicia Penalba y Martha Botto

Arte abstracto: Se concentra en elementos plásticos: la línea, el color, el plano y el espacio. En

1944 aparece el único número de Arturo revista de abstracción. Escriben Carmelo Ardén Quin,
Rhod Rothfus y Gyula Kósice. Arturo se dividen en Madí (Kósice, Arden Quin y Rothfuss) y Arte
Concreto- Invención (Maldonado)

Arte Concreto Invención, Madí y Perceptismo: necesidad creativa de artistas de objetivar

formas.

Desligándose totalmente de la idea de mímesis. Ponen en crisis los conceptos tradicionales de

cuadro y escultura. Coincidían en la abolición de la ficción representativa y en la experiencia
del marco recortado. El aporte más importante del arte Madí son las obras móviles,
articuladas y transformables. Al incorporar movimiento entra en crisis otro atributo de la
escultura como es la inmovilidad.

Los concretos invención proponen una reconciliación de la gente con su entorno; se

concentran en los elementos plásticos. Trabajan con el marco recortado. Introducen el
concepto de Coplanar: espacio como parte de la composición.
En 1947 Raúl Lozza crea el Perceptismo al separarse del grupo Concreto Invención. Profundiza
en el Coplanar. Se basa en un sistema científico (física y matemáticas). Tienen en cuenta el
contexto donde se instala la obra.

A fines de la década del 40 el arte abstracto geométrico se afirma en las nuevas generaciones.
Se reúnen en asociaciones como Grupo de artistas Modernos de la Argentina (1952) y Grupo
Joven (1949-1952) inclinados al arte generativo. Parten del punto y de la recta para generar
movimiento haciéndolos girar, vibrar, desplazarse, dándoles vida proyectiva”. La sugestión
óptica del movimiento lo relacionan con el op-art. Tuvo representantes importantes en
nuestro país como M. A. Vidal, Mc Entyre, Ary Brizzi.

Fines de los 50 y comienzo de los 60 aparece el Objeto Artístico: obra de 3 dimensiones que
difumina límites e/pintura, escultura y objeto cotidiano. El objeto artístico está hecho para ser
contemplado estéticamente. Comparte el espacio de la escultura pero al haber perdido la
lógica del monumento, no lleva pedestal y se instala en cualquier parte.

En Argentina el arte conceptual se desarrolla contemporáneamente al de otros centros

artísticos. R. Santantorín, Wells, A. Heredia, Marta Minujin, Paparella y León Ferrari exploran
en esto. El Objetualismo se inicia con Collages y Cosas de Santantorín. Son objetos amorfos
que suelen colgar del techo. “Son objetos para tocar no para mirar”