Contenido

..............................................................................................................................................................1
Guía de Animación: Técnicas de Animación de Trigger......................................................................6
Introducción......................................................................................................................................6
Objetivo............................................................................................................................................7
Marco teórico...................................................................................................................................9
La animación japonesa y sus inicios en la industria del anime........................................................9
La Animación como Proceso en Diversas Áreas............................................................................11
Ventajas y proceso de una animación.............................................................................................12
Habilidades de un Animador..........................................................................................................14
¿Qué se necesita para hacer una animación?..................................................................................16
Capitulo I............................................................................................................................................22
Introducción a los Estudios Trigger................................................................................................22
Capítulo 2...........................................................................................................................................30
Genga..................................................................................................................................................30
Introducción al Genga....................................................................................................................30
Líneas de colores en el Genga........................................................................................................31
Definición y Relevancia en la Animación Japonesa......................................................................33
El Proceso de Genga.......................................................................................................................33
El Proceso de Genga.......................................................................................................................36
Tipos de Genga...............................................................................................................................46
Impact Frames....................................................................................................................................52
Concepto de Impact Frames...........................................................................................................52
Creación y Estilos...............................................................................................................................55
Cómo diseñar y aplicar impact frames...........................................................................................55
Ejemplos en la Animación..............................................................................................................56
Muestra de animaciones con impact frames destacados................................................................56
Prácticas para Integrar Impact Frames...........................................................................................65
Yutapon Cubes....................................................................................................................................77
Introducción a Yutapon Cubes........................................................................................................77
Definición.......................................................................................................................................77
Cómo se Aplican en la Animación.................................................................................................77
Explicación de su uso en momentos específicos de escenas......................................................77
Ejemplos y Casos de Uso...............................................................................................................79
Diseño y Técnica............................................................................................................................85
 Cómo diseñar Yutapon Cubes....................................................................................................85
Efectos Visuales..................................................................................................................................94
Introducción a los Efectos Visuales en la Animación Japonesa.....................................................94
Definición de Efectos Visuales (VFX) en la Animación Japonesa............................................94
Importancia de los efectos especiales.............................................................................................95
Tipos de Efectos Visuales...............................................................................................................96
Ejemplos en Producciones de Trigger..........................................................................................100
Muestra de efectos visuales en animaciones de Trigger...............................................................100
Cómo Crear Efectos Visuales Impactantes...................................................................................104
Capitulo 3 Casos de Estudio.............................................................................................................106
Introducción a los Casos de Estudio.............................................................................................106
Análisis de escenas emblemáticas de animaciones de Trigger.....................................................106
Capítulo 4 Ejemplos Prácticos.........................................................................................................126
Creación de Pequeñas Animaciones con Técnicas de Trigger.....................................................126
Experimentación con Técnicas de Animación Japonesa..............................................................126
Capitulo 5 Recursos Adicionales......................................................................................................129
Libros Recomendados: Explorando las Profundidades de la Animación.....................................130
"Anime: A History" por Jonathan Clements y Helen McCarthy..............................................130
"The Anime Art of Hayao Miyazaki" por Dani Cavallaro.......................................................131
"Japanese Animation: Time Out of Mind" por Chris Robinson...............................................132
Videos y Contenido didáctico en YouTube..................................................................................133
La Importancia de los Recursos Audiovisuales........................................................................133
Enlaces a Producciones Destacadas de Trigger........................................................................138
Selección de Producciones Destacadas de Trigger...................................................................138
Capítulo VI. Conclusiones................................................................................................................143
Sugerencias para Proyectos Futuros.............................................................................................143
Inspiración y motivación para futuros animadores......................................................................144

Guía de Animación: Técnicas de Animación de Trigger

Resumen
Esta monografía presenta una guía exhaustiva sobre las técnicas de animación de los
renombrados Estudios Trigger y su influencia en la industria de la animación japonesa. A
través de un enfoque en la práctica y la aplicabilidad, la guía ofrece a animadores e
interesados una visión detallada de las técnicas clave utilizadas por Trigger en sus
producciones emblemáticas, como "Kill la Kill", "Little Witch Academia" y "Promare".
El trabajo comienza contextualizando la animación japonesa y la historia de Trigger,
seguido de un análisis profundo de las metodologías de los Estudios Trigger y su aplicación
práctica en la creación de animaciones. Se destacan conceptos esenciales como Genga,
Impact Frames, Yutapon Cubes y efectos visuales. Además, se presentan estudios de caso
detallados para ilustrar la aplicación de estas técnicas en escenas específicas de las
producciones de Trigger.
La monografía también proporciona valiosos recursos adicionales para los lectores
interesados en ampliar sus conocimientos y habilidades en animación. Esto incluye
recomendaciones de libros, videos y cursos relacionados, así como enlaces a producciones
destacadas de Trigger para un estudio más profundo.
En última instancia, esta guía pretende inspirar a futuros animadores a explorar nuevas
posibilidades creativas y a profundizar en las técnicas y métodos que han hecho de los
Estudios Trigger una referencia en la animación japonesa contemporánea.

Introducción

Bienvenido a la "Guía de Animación: Técnicas de Animación de los Estudios Trigger y

japonesa". En este apasionante viaje por el mundo de la animación, nos sumergiremos en la
riqueza de técnicas, estilos y métodos utilizados por los destacados Estudios Trigger,
conocidos por su innovación y creatividad sin límites. Además, exploraremos las variadas
técnicas que definen la animación japonesa en su totalidad, desentrañando la magia que
impulsa este fascinante arte visual.
La animación ha evolucionado de manera extraordinaria a lo largo de los años. Desde sus
humildes comienzos hasta la compleja e influyente forma de arte que conocemos hoy en
día, ha recorrido un camino notable. Y en esta travesía, los Estudios Trigger se han
destacado como verdaderos visionarios, elevando la animación a nuevas alturas. Conocer
sus técnicas nos brinda la oportunidad de descubrir cómo transforman ideas en imágenes
cautivadoras, cómo incorporan vida y emoción a personajes y cómo dan vida a historias
complejas y evocadoras.
Sin embargo, esta guía no se limita a explorar las técnicas específicas de los Estudios
Trigger. También busca sumergirse en las técnicas fundamentales de la animación japonesa,
que forman la base de la narrativa visual de esta forma de arte. Elementos como los
"genga", dibujos clave esenciales que definen la secuencia de animación, los "impact
frames", cuadros que resaltan la intensidad y dramatismo, los "yutapon cubes", una técnica
única para representar la deformación y efectos visuales impactantes, son solo algunos
ejemplos de la riqueza y variedad que encontrarás en esta guía.
Durante nuestro viaje, desglosaremos cada una de estas técnicas con profundidad.
Presentaremos ejemplos y estudios de caso, analizaremos las obras más destacadas y
proporcionaremos consejos prácticos para que puedas aplicar estas técnicas en tus propias
animaciones. Creemos firmemente en que comprender estas técnicas es un paso
fundamental para cualquier aspirante a animador o amante de la animación.

Esta guía pretende servir como tu compañero de confianza mientras exploras las maravillas
de la animación, desde los aspectos más técnicos hasta la magia creativa que define este
arte. Nos embarcaremos juntos en un viaje de aprendizaje, donde desentrañaremos los
misterios y secretos detrás de la animación que nos ha cautivado desde nuestra infancia.
Con cada página, te invitamos a descubrir, aprender y, sobre todo, a inspirarte para crear
animaciones impactantes que dejen huella en el corazón de quienes las experimenten.
Únete a nosotros mientras nos adentramos en este emocionante mundo de la animación,
lleno de color, movimiento y emoción. ¡Estamos listos para comenzar este viaje contigo!

Objetivo

Mi objetivo es poder crear una guía que pueda servir como referente y con un enfoque educativo
para enseñar técnicas de animación especificas este documento puede estar dirigido a estudiantes de
animación, personas que deseen aprender sobre el tema o estudios pequeños que estén buscando
conocimiento adicional para desarrollar nuevas capacidades y enfoques a la hora de tener que hacer
animaciones. Muchas veces tenemos que pasar por procesos como estudiantes en lo que sentimos
que tal vez no sabemos mucho o no sabemos cómo comenzar y a veces simplemente el
experimentar e ir aprendiendo con la experiencia nos hacemos entender los distintivos pasos y
técnicas, es por esto que con esta guía busco facilitar el proceso de mejorar las animaciones con
ciertas técnicas y métodos, utilizando elementos inspirados en los estudios Trigger cuyos proyectos
son visualmente impactantes y de gran éxito, adicionalmente con los conocimientos que yo he
podido adquirir al ir probando distintas cosas durante estos años de estudio y además reforzar esta
guía con otros conocimientos y tips adquiridos durante la investigación adicional.
Este estudio japonés tiene muchas metodologías muy especificas y rigurosas para cierto tipo de
situaciones y necesidades entre estas se complementan y se requieren conocimientos previos para
dar paso a la siguiente, explicarlas todas haría que se convirtiera en un documento demasiado
extenso por lo cuál en la investigación previa a este trabajo escogí técnicas que los animadores
pudieran aplicar sin la necesidad de todo este conocimiento y lograrán un cambio notable en sus
creaciones, el criterio utilizado para la decisión es para la facilitación del aprendizaje eso no
significa que unas sean mejores que otras sin embargo unas pueden lograr un impacto más notable
con menos inversión de tiempo.
Esta guía ha sido diseñada pensando en un público específico de animadores que buscan
perfeccionar sus habilidades y aplicar técnicas de animación de alta calidad en proyectos de
animación, como cortometrajes. La audiencia objetivo son individuos apasionados y
comprometidos con la animación que desean llevar sus proyectos al siguiente nivel.
Si bien algunos de los conceptos y técnicas discutidas en esta guía pueden ser aplicables a una
variedad de contextos, nuestro enfoque principal es proporcionar recursos y orientación a aquellos
que trabajan en proyectos de escala más pequeña. Ya sea que estés trabajando en un cortometraje
independiente, una producción estudiantil o simplemente desees mejorar tus habilidades en el
ámbito de la animación, encontrarás valiosa información y ejemplos que te ayudarán a alcanzar tus
objetivos.
El objetivo es proporcionarte las herramientas y conocimientos necesarios para enfrentar desafíos
creativos y técnicos en tu viaje como animador. Al centrarnos en un público más selecto, podemos
profundizar en detalles específicos y abordar las necesidades de aquellos que buscan excelencia en
su trabajo. Estamos emocionados de acompañarte en tu recorrido creativo y esperamos que
encuentres esta guía útil y motivadora para tus proyectos de animación.

Marco teórico

Metodología: Análisis Documental y Recursos en Línea

Análisis Documental:
 Revisión Bibliográfica: Se llevó a cabo una revisión exhaustiva de la literatura
especializada en animación japonesa y las técnicas de los Estudios Trigger. Esto
incluyó la consulta de libros clave, como "Anime: A History" de Jonathan Clements
y Helen McCarthy, "Japanese Animation: Time Out of Mind" de Chris Robinson, y
"The Anime Art of Hayao Miyazaki", que proporcionaron un marco histórico y
teórico sólido.
 Análisis Crítico: Se aplicó un enfoque crítico para evaluar y comparar las diversas
fuentes y teorías relacionadas con la animación japonesa y las técnicas específicas
de los Estudios Trigger. Esto permitió establecer conexiones y extraer conceptos
clave.
 Síntesis de Hallazgos: Los hallazgos de la revisión bibliográfica se sintetizaron
para construir una comprensión profunda de la animación japonesa y las técnicas de
los Estudios Trigger, sirviendo de base para el desarrollo de la guía.

Recursos en Línea:
 Entrevistas y Procesos Creativos: Se realizaron investigaciones en línea para
acceder a entrevistas, videos y documentación relacionada con los procesos
creativos de los Estudios Trigger. Estos recursos proporcionaron información
 valiosa sobre la aplicación práctica de las técnicas de animación en sus
producciones.
 Plataformas de Video y Página Web: Se utilizaron plataformas de video en línea y
la página web oficial de los Estudios Trigger para analizar escenas y ejemplos
específicos de su trabajo. Esto incluyó desgloses detallados de escenas
emblemáticas y ejemplos visuales de Genga, Impact Frames, Yutapon Cubes y
efectos visuales.

Capítulo 2

Genga

Introducción al Genga
El "genga" es un término utilizado en la industria de la animación japonesa (anime) que
hace referencia a los dibujos clave originales o bocetos clave que representan momentos
importantes y esenciales en una secuencia animada. Estos dibujos clave son creados por un
animador experimentado y establecen la base para la animación de un personaje o una
escena específica.
El proceso de animación en el anime implica varios pasos, y los "genga" son una parte
crucial de estos pasos. Primero, se crean los "genga", que son los dibujos clave que definen
el movimiento, la posición y la expresión facial de un personaje en momentos importantes
de la escena. Estos dibujos clave son detallados y muestran la esencia de la acción que se va
a animar.

Líneas de colores en el Genga

Las líneas de colores que se encuentran en los gengas son códigos de color utilizados para
indicar información específica sobre las diferentes partes de la animación y ayudar en el
proceso de producción. Estos códigos de color son útiles para coordinar y comunicar
detalles importantes a lo largo de la cadena de producción, desde el animador principal
hasta los pintores y los técnicos encargados del color y la composición.
Permíteme explicarte algunos de los colores comunes que se utilizan en los gengas y sus
significados:
Negro o Azul Oscuro:
Usualmente se utiliza para delinear los contornos principales y detalles del dibujo.
Rojo:
Puede indicar áreas de sombreado o zonas que requieren sombreado específico.
Azul Claro:
A menudo se utiliza para indicar áreas degradadas o sombreadas de manera más suave.
Verde:
A veces se usa para señalar ciertos efectos especiales, como brillos o destellos.
Amarillo:
Puede indicar áreas que deben recibir un tratamiento especial, como iluminación destacada.
Blanco:
Representa áreas que se dejarán en blanco, posiblemente para resaltar la luminosidad o para
indicar transparencias.
Estos códigos de color son esenciales para garantizar la consistencia y la precisión en la
animación y la coloración durante el proceso de producción. Ayudan a los animadores,
pintores y demás miembros del equipo a comprender de manera clara qué elementos
necesitan atención especial o cómo deben ser abordados en términos de color y sombreado.
Definición y Relevancia en la Animación Japonesa

En su esencia, los Genga son dibujos maestros, cuidadosamente elaborados por los
animadores clave (Key animators). Estos dibujos representan cuadros clave que encapsulan
momentos específicos y significativos de movimiento en la animación. Cada trazo de
Genga encierra la dirección artística y el estilo único de la producción, delineando la
experiencia visual que se busca transmitir. La relevancia de los Genga en la animación
japonesa es fundamental: son las huellas digitales artísticas que guían y mantienen la
cohesión de la animación. Son la voz visual de cada personaje y escena, su manera de
comunicarse y contar historias.
El Proceso de Genga
La creación de un "genga" (dibujo clave original) es un proceso esencial en la animación
japonesa (anime) que sigue un flujo de trabajo estructurado. Comienza con la planificación
y el guión gráfico, donde se desarrolla una narrativa detallada que servirá de base para los
gengas.
A continuación, se realizan diseños detallados de personajes y fondos para establecer su
apariencia y estilo visual. Estos diseños son esenciales para garantizar la coherencia visual
en toda la animación. Posteriormente, se crea un storyboard que representa visualmente la
secuencia, brindando una visión general de la composición y dirección de la escena. Es un
paso crucial para la planificación de la animación.
El animador clave, también conocido como "key animator," es el encargado de crear los
gengas. Estos dibujos clave original capturan momentos importantes y establecen la base de
la acción y el movimiento en la animación. Después de la creación de los gengas, el equipo
de producción revisa y ofrece retroalimentación para garantizar que la animación cumpla
con la visión del proyecto. Pueden sugerir ajustes, correcciones o mejoras en esta etapa.
Luego, los "inbetweeners" crean los dibujos intermedios que llenan las brechas entre los
gengas. Estos dibujos proporcionan la transición suave entre los dibujos clave.
Una vez completados los dibujos intermedios, se realiza una limpieza y pulido para
garantizar líneas y detalles limpios y coherentes en toda la secuencia. Este paso puede
incluir la corrección de líneas y la mejora de la calidad general del dibujo.
Después de la limpieza, los dibujos se escanean y se colorean digitalmente siguiendo un
esquema de color predefinido. Los colores se aplican cuidadosamente según las
indicaciones y pautas establecidas en los gengas.
La composición finaliza la creación de la secuencia, combinando elementos animados,
fondos y efectos especiales. Esto puede incluir ajustes de iluminación, sombreado y otros
efectos visuales.
Finalmente, la secuencia completa se revisa y se realizan ajustes finales según sea necesario
antes de ser integrada en la producción final. Este proceso es crucial para lograr una
animación fluida y de alta calidad en la industria del anime, asegurando que la visión
creativa se transmita de manera efectiva en la animación final.

¿Cómo se crean los Genga?

Antes de comenzar, me gustaría recordar que esta guía no es una de dibujo o ilustración, a
pesar de que se pueden tomar algunas recomendaciones o tips acerca del dibujo en general
no se va ser especifico, ya que es una guía para animadores se asumirá que estos ya tienen
conocimiento respecto a este tema, de no ser así puede entender el proceso pero en el
momento de aplicarlo puede tener ciertas dificultades, si después de ver esto siente que
requiere mejorar sus habilidades como artista, por favor, considere aprender algunos
conceptos necesarios como animador, hoy el día encontrar libros acerca de anatomía, luces
sombras y composición es relativamente sencillo, por favor considérelos

Ahora bien, dicho esto comenzaré a explicarte como puedes crear el genga.
Antes de comenzar con este proceso hay que planificar correctamente la escena, se debe
tener claro la intención detrás de esta, según lo que el animador busque se puede crear de
diferentes maneras, a pesar de ser los mismo dibujos asuntos como el color, sombras y
luces pueden afectar en el resultado debido al storytelling, los guiones gráficos suelen ser
útiles en cuanto a estos temas ya que se puede observar lo que se intenta trasmitir con
algunas escenas.

Después de tener una idea clara de lo que se busca transmitir al espectador desde la
animación, habrá una serie de dibujos, como es el primer vistazo a esto pueden ser
‘’Sketchs’’ o dibujos con un buen lineart. Deberías tener algo parecido a esto.

Sería apropiado estudiar los códigos de color que se nombran antes en este documento para
tener una idea de cómo puedes utilizarlos en tu animación de manera que al hacer el genga
puedes sacar el mayor provecho posible y lo más importante se pueda comunicar
correctamente lo que buscas con estas líneas, este proceso es importante debido a que
definirá como se verá tu animación en última estancia.
Empezaremos con el rojo, este se utiliza para simple guía, son líneas que delimitan zonas
que se rellenaran con colores específicos, estas líneas desaparecerán al final entonces es útil
en donde las líneas de colores negros no se utilizarán, para algunos efectos también es
apropiado; en este caso serán los ojos, brillos y parte de los accesorios de la chica, puede
utilizarlo en cabello o cualquier parte del personaje, también fondos según requiera, solo
debe de tener en cuenta las recomendaciones anteriores.

Recuerde aplicarlo según la necesidad de su dibujo, es esencial saber de dónde viene la luz
y en qué lugares se producen sombras además de saber que se quiere transmitir, esto es
relativo y depende de cada proyecto ya que estos todos son diferentes, no hay una formula
exacta que te diga dónde van y como hacerlas por lo que nuevamente, un guion y
storyboard sobre la iluminación será crucial en este paso.
También utilice la herramienta de la animación como una oportunidad, no todo tiene que
ser real y preciso, se pueden utilizar ciertos elementos como brillos y sombras falsas para
facilitar el proceso, se suele ver bien y nadie presta atención a esos detalles, sólo es buscar
que los frames se vean bien y la animación hará el resto, lo importante es el storytelling que
acompaña la pieza visual.
Le recomiendo mirar recursos sobre iluminación para poder tener un fuerte enfoque
narrativo en la intención en las escenas, porque según el planteamiento que decida utilizar
será lo que cambie drásticamente la escena además de que el proceso del genga resulte
diferente.
Mire unos ejemplos del tipo de elementos visuales que puede ver a través de internet que le
puedan brindar un mayor entendimiento de este tema.
Incluso sin ningún tipo de contexto puede inferir cierto tipo de situaciones según la
iluminación hecha en este dibujo qué a pesar de ser el mismo transmite cosas diferentes en
algo tan sencillo y sutil como un primer plano, imagine el potencial que podrá adquirir
haciendo uso de este recurso en toda una escena.

Con relación a lo anterior mire el siguiente ejemplo; en este se amplia la visión no solo de
la camera sino del storytelling, nuevamente cabe recalcar que lo único que cambia es la
iluminación sin embargo cambia completamente la atmosfera que desprende el personaje y
guía al espectador por una idea en concreto sin necesidad de explicarle ni mostrarle nada
más, lo que se muestra y no se muestra en pantalla de por sí cuenta una historia.
Habiendo hecho un pequeño paréntesis para poder mostrar un mejor entendimiento a la
planeación de la iluminación continuemos con el proceso del genga.
Al tener definido en qué lugares de su dibujo van las sombras y las luces podremos
continuar marcando estos lugares, pero ¿cómo se marcan?
Después se utilizará el color amarillo, recuerde que no es solo el color dentro de las líneas,
las líneas que están por fuera también comunican cosas, en este caso se agregaron dos como
ejemplo, las líneas de contorno de color rojo y fondo amarillo transmiten efectos especiales,
en este caso iluminación intensa entonces se utilizan para brillos y reflejos del cabello.
Por otro lado, las líneas de color azul con relleno amarillo significan sombreado fuerte
utilizado para el cuello del personaje en donde la mandíbula genera una sombra a diferencia
de las líneas de contorno azul con fondo morado que significan sombreado más suave y se
utiliza para ciertos lugares en donde el cabello produce sombra, si mira detalladamente se
puede observar dentro del cabello y detrás de este.
Esto dará un resultado interesante y muy comunicativo, al llegar a este punto puedes notar
una gran diferencia, el crear todos los frames de esta manera permite que puedas tener un
primer borrador de cómo se verá tu animación.

Lo siguiente es hacer un lineart consistente y limpio, al crear estas líneas según su código
de color permitirá rellenarlos con los colores que deseemos de una manera más sencilla,
puede llevar un poco más de tiempo al principio, pero al final se conseguirá ahorrar mucho
tiempo además de que influirá enormemente en el resultado.
Se utilizan los mismos colores si se fija, la única diferencia es que ya no es un sketch sino
un entintado más definido, pero siguen siendo los mismos principios.

Acá se agregan los colores faltantes como por ejemplo el verde en las pestañas, esto
significa que se hará un blur en general por esa zona, es una gran herramienta narrativa si se
sabe aplicar, en este caso se aplica a las pestañas que causa que el personaje tenga una
apariencia más tierna y el espectador se enfoque en los iris sin dejar de dar la sensación
agradable de color alrededor de ellos.
Como podrá observar ya un keyframe al estilo genga, y se puede ver claramente lo que
transmite y se busca con este dibujo en específico, sin ningún tipo de interpretación errónea
en cuanto a los lugares que se pueden utilizar ciertas herramientas narrativas como las
sombras, luces, efectos, colores etc.
Esto es resultando realmente limpio y profesional además de organizado, a diferencia de los
key frames hechos de una manera diferente que da rienda suelta a los significados y
posibilidades.

Acá se agrega algunas X en sitios específicos, estas dan a entender que esas zonas no van
coloreadas, esto con el fin de utilizar los colores detrás de este, como fondos por ejemplo en
el cual se le pueden dar más importancia, supongamos que es una escena de una pasajera
dentro de un tren en movimiento, esas líneas facilitaran relatar esa secuencia en específico
ya que se podrá mostrar en acción, mientras que al colorear esos lugares probablemente no
se llegue a un buen resultado; recuerde la clave está en la planificación.
El Genga es muy adaptable a todo tipo de escenarios e intenciones detrás de cada
animación, al no tener una situación en especifica permite utilizarla en muchas situaciones
diferentes, algunos proyectos requieren de más o menos diferentes tipos de líneas de
contorno y colores dentro de estos pero el aprender cómo utilizarlos es un gran valor
agregado. En el siguiente apartado podrá observarlos como ejemplos didácticos.
Tipos de Genga
Genga de Línea
El genga de línea se centra en definir los contornos y líneas clave de un personaje o
elemento en movimiento. Estos genga resaltan la forma y la posición del objeto en
diferentes fotogramas de la animación. Son esenciales para mantener la consistencia en la
apariencia de un personaje o elemento a lo largo de una secuencia animada.
Genga de Movimiento: El genga de movimiento se enfoca en capturar la dinámica del
movimiento en la animación. Estos dibujos clave describen la progresión del movimiento
de un personaje o elemento en diferentes fotogramas, lo que ayuda a crear una transición
suave y realista. Los genga de movimiento son fundamentales para lograr una animación
fluida y convincente.
Genga para Efectos Especiales: Los genga para efectos especiales se enfocan en la
creación de elementos visuales impactantes y efectos especiales en una animación. Estos
genga describen detalles como explosiones, rayos, destellos, magia, humo, chispas y otros
elementos que añaden dinamismo y emoción a una escena. Los artistas de genga para
efectos especiales utilizan técnicas detalladas y precisas para capturar la intensidad y la
estética de estos efectos, lo que contribuye significativamente a la atmósfera de la
animación y a la narrativa visual. Estos genga son esenciales para crear momentos
impresionantes y espectaculares en la animación japonesa.
Hemos explorado en profundidad uno de los componentes fundamentales de la animación
japonesa: los genga. Estas imágenes clave, cuidadosamente elaboradas por artistas
talentosos, son el corazón de cualquier producción animada y juegan un papel vital en la
creación de movimientos fluidos y emocionantes, expresiones auténticas y efectos
especiales impresionantes.
Hemos descubierto que los genga de línea enfatizan la precisión y la fluidez en la
animación, sirviendo como la base sobre la cual se construye todo el proceso de animación.
Los genga de movimiento añaden carácter y personalidad a los personajes, brindando vida a
sus acciones y comportamientos. Por último, los genga para efectos especiales dan vida a
las escenas más emocionantes y espectaculares, inyectando energía y dinamismo a la
animación.
Al comprender la importancia de los genga y las distintas categorías que los componen, los
futuros animadores pueden adentrarse en el mundo de la animación japonesa con una base
sólida. La práctica y el estudio de esto les permitirá perfeccionar sus habilidades,
desarrollar su estilo único y contribuir al asombroso legado de la animación.
A medida que avanzas en tu viaje de animación, recuerda que los genga son más que
simples dibujos; son la esencia de la animación, capturando la esencia de los personajes, la
narrativa y los momentos memorables que dan vida a tus historias.

Impact Frames

Los "impact frames" son elementos distintivos y poderosos en la animación japonesa,

utilizados para resaltar momentos de gran importancia, emoción o impacto en una escena.
Estos cuadros únicos o secuencias de cuadros se diseñan de manera especial para enfatizar
una acción crucial en la narrativa. Caracterizados por un estilo gráfico particularmente
llamativo, con líneas más gruesas, colores intensos y formas expresivas, los "impact
frames" se utilizan para acentuar acciones clave, como golpes, explosiones o
transformaciones, que requieren un énfasis visual.
Estos cuadros destacan por su mayor nivel de detalle y dramatismo en comparación con los
cuadros normales, presentando un estilo visual más impactante y expresivo. Su tamaño
suele ser más grande, llenando la pantalla para maximizar su efecto visual. La elección de
colores y líneas contribuye a transmitir una sensación de fuerza y poder, intensificando la
experiencia del espectador.
Un aspecto crucial de los impact frames es su capacidad para evocar emociones y transmitir
la magnitud de un momento en la narrativa. Estos cuadros pueden expresar sorpresa, enojo,
felicidad o cualquier emoción relacionada con la acción que se muestra. Además, guían la
narrativa, señalando cambios cruciales en la trama o la culminación de eventos importantes.
En algunos casos, los impact frames se animan rápidamente en secuencias de movimiento
rápido para crear un impacto visual dinámico.
Estos tipos de frames son esenciales para añadir impacto visual y emocional a la animación,
generando una experiencia más dinámica y cautivadora para el espectador en situaciones
específicas. Los impact frames resaltan momentos clave al presentarlos de manera
visualmente impactante y dramática. Utilizan colores vibrantes, líneas de velocidad, efectos
especiales y un mayor nivel de detalle para atraer la atención del espectador. Estos cuadros
rompen la secuencia habitual de animación, enfocándose en un evento crucial, generando
un efecto de sorpresa y acentuando la importancia del momento en la narrativa. Al hacerlo,
capturan la emoción y la intensidad de la escena, evocando una respuesta emocional más
fuerte de la audiencia y dejando una impresión duradera en la historia.

Cómo diseñar y aplicar impact frames.

La creación de Impact Frames implica un minucioso diseño artístico para asegurar que el
cuadro se integre de manera efectiva en la escena. Caracterizados por colores vibrantes,
líneas nítidas y una composición estratégica, estos cuadros destacan en la animación. Los
estilos pueden variar según el género de la animación, desde sutiles enfoques artísticos
hasta estallidos de color y formas enérgicas en escenas de acción.
A continuación, se detallan los pasos clave para la creación de Impact Frames
Identificación del Momento de Impacto: El primer paso es identificar el momento exacto
en la secuencia animada que requiere un impacto visual destacado. Esto suele relacionarse
con eventos clave como golpes, explosiones, transformaciones u otros momentos cruciales
en la narrativa.
Selección del Estilo Gráfico: Se elige un estilo gráfico específico para el Impact Frame que
lo haga resaltar en comparación con los cuadros normales. Esto puede implicar el uso de
líneas más gruesas, colores vibrantes y formas más expresivas, lo que añade un toque
distintivo.
Ajuste de Tamaño y Proporción: Los Impact Frames suelen ser más grandes que los
cuadros normales para asegurar que ocupen un espacio significativo en la pantalla y
maximicen su efecto visual. Un mayor tamaño contribuye a su impacto.
Colorización y Contraste: La elección de colores desempeña un papel crucial en los
"Impact Frames". Se utilizan colores vibrantes y contrastantes para resaltar aún más el
impacto de la escena. La colorización se lleva a cabo de manera cuidadosa y estratégica
para realzar la sensación de poder. Aunque también es común el uso de blanco y negro para
crear un fuerte contraste y énfasis.
Animación y Secuencia: Dependiendo de la escena, los Impact Frames pueden ser
animados rápidamente para lograr un efecto de movimiento dinámico. Esto implica mostrar
varios "Impact Frames" en rápida sucesión, lo que resalta la acción y la intensidad.
Integración en la Secuencia: Los Impact Frames se incorporan en la animación general
para asegurar que se ajusten de manera fluida y efectiva en la secuencia. Esto garantiza una
transición sin problemas entre los "Impact Frames" y el flujo de la narrativa.
La creación de "Impact Frames" requiere una combinación de habilidades artísticas,
experiencia y comprensión de la narrativa visual. El objetivo es lograr un efecto visual
impactante que enriquezca la experiencia del espectador en la animación japonesa.

Ejemplos en la Animación

Hay muchos estilos y formas de hacer impact frames, la forma de diseñarlos depende de la
intención y lo que se quiere transmitir, a pesar de son frames específicos para ciertos
momentos específicos pueden tener un nivel de complejidad diferente según el criterio del
artista y/o director, hay desde sencillos a mucho más complejos para resaltar cierta
intensidad de la escena; a continuación, mostraré unos cuantos ejemplos de frames sencillos
Recuerde que son los frames diferentes a la secuencia normal, son fáciles de identificar
debido a que generan ‘’contraste’’ en la secuencia.
Si es un buen observador podrá darse cuenta de que son unos pocos frames, y de hecho
tiene razón esa es la esencia de los impact frames, secuencias rápidas, sin embargo, esto se
puede extender un poco para hacer ‘’una pequeña animación’’ dentro de la animación
haciendo que esto genere una fluidez en estos frames, también se pueden hacer más largos
para reforzar esta intención

Sin necesidad de hacer un gif o un video corto, se puede observar la fluidez que hay en
estos frames además de una duración más extendida con respecto a los anteriores, es una
forma de diseñarlos y se hacen según lo que se busca, también tener en cuenta que al
implementar estos frames dentro de esta secuencia puede dejar frames de un solo color sin
formas dentro y causa un contraste dentro del contraste enriqueciendo la secuencia.
Ahora mostraré frames más complicados, unos que requieren más tiempo, planificación y
detalle, pero recompensan con creces la experiencia cautivadora del espectador.
Prácticas para Integrar Impact Frames
Para integrar Impact Frames de manera efectiva, es crucial comprender la escena y la
emoción que se quiere transmitir. La elección de colores, líneas y composición debe
armonizarse con el tono y la atmósfera de la narrativa. Además, se deben considerar los
tiempos de aparición y duración de estos cuadros para lograr el máximo impacto.

Identifica el Momento Clave

Antes de comenzar, analiza tu secuencia para identificar el momento o momentos clave que
requieren impact frames. Estos pueden ser situaciones de alta tensión, momentos de acción
intensa o cambios significativos en la narrativa.
Lo primero que se debe hacer es indicar el punto exacto donde se va a crear este fenómeno
de contraste, es decir, de donde proviene la luz de impacto.
Acá hay un ejemplo en donde un personaje está parado y el destello es a un lado de él
entonces de ahí surgirá el inicio para el impact frame y será el detonante para el resto de
estos, en la clasificación de esta sección del capítulo anterior se mostraron dos tipos de
impact frames, los sencillos y los detallados, en este momento estoy enseñándote a hacer
los segundos.

Entonces desde ese punto en específico de impacto es donde vamos a describir las formas de los
objetos utilizando líneas rectas que indiquen la dirección del destello, esto dará la sensación de
mucha energía proviniendo de allí. Intente imaginar este punto de los impact frames como
una área de luz muy intensa que aparece de la nada y afecta todo a su alrededor, entonces
ese objeto generará unas sombras en las cercanías, recuerde que no es únicamente las
siluetas sino cualquier superficie que tenga un volumen, con esta visión se le facilitará
notablemente la tarea de crearlos y diseñarlos.
Además, en los impact frames ya que son pocos frames y cambian tan drásticamente el
estilo no necesariamente necesita haber una sensación de movimiento, puede haberla sí
pero no tiene que ser una condición. Por esto tenga en mente el tipo de objeto que resulta de
dicho promovedor de luz, si es un personaje, un destello, un brillo, una explosión, un
choque, un inicio de un incendio etc. Comprenderlo hará que pueda crearlos con un criterio
lógico y atractivo. Con estas ideas ya es suficiente para que puedas imaginar algunas
posibilidades que se pueden hacer con esto, pero permíteme mostrarte algunos ejemplos de
cómo los puedes diseñar, puedes optar por una silueta, elementos visuales llamativos, o
formas.
Ahora creémoslos, este frame es uno donde el personaje está moviendo una vara mágica y
la moverá hacía adelante lanzando un hechizo, este puede ser un momento clave para ser
algunos frames de impacto.

Cuando haga la animación además de la idea base y la visualización que hay dentro de su
cabeza se necesitará ver los frames anteriores para poder saber como continuará con el
siguiente frame.
Primero identificaremos el punto de impacto que será este.
Así también se procederá entonces a hacer las líneas que indiquen la forma del personaje.
Agregue como adición líneas de movimiento que indiquen la posición de la fuente de luz a
lo largo de la pantalla, hará que llene más espacio de esta y sea más atractivo para
complementar la imagen.

Al mismo tiempo no olvide que los frames todos deben de ser diferentes, entonces los
siguientes también deben cambiar.
Busque siempre el contraste, esa es la razón principal del porqué la mayoría de los frames
son a blanco y negro porque en la escala de color son los más alejado uno del otro, alterne
ambos para cambiar constantemente de contraste.
Si los ponemos en una secuencia el resultado es el siguiente
De esta manera podemos diseñar interesantes impact frames para nuestras animaciones,
este es un estilo, pero hay muchos por los cuales puede optar según su creatividad e
intención, lo mostraré otros tipos que puede implementar, el proceso es el mismo con
ligeras variaciones el paso importante es definir la forma y trabajar alrededor de ella, es
parecido sin embargo las formas y el resultado completamente distinto.

Recuerda que los impact frames son una herramienta poderosa para realzar la narrativa y
añadir emoción a tu animación. A medida que practiques y experimentes, perfeccionarás tus
habilidades y desarrollarás tu estilo único en la creación de impact frames.
Yutapon Cubes
Definición

Los Yutapon Cubes son elementos de animación japonesa que aportan un toque distintivo a
las escenas. Se caracterizan por su apariencia de cubos o bloques que se utilizan para
representar expresiones, emociones y efectos visuales de manera creativa y estilizada. Estos
cubos, a pesar de su simplicidad, desempeñan un papel significativo en la animación, ya
que permiten a los animadores transmitir ideas de una manera única y artística. A lo largo
de esta sección, exploraremos en detalle cómo se aplican los Yutapon Cubes en la
animación, cómo se diseñan y cómo enriquecen las escenas animadas.
Aplicación en la Animación
Los Yutapon Cubes son elementos altamente versátiles en la animación japonesa. Se
utilizan para expresiones faciales altamente estilizadas en los personajes, cambiando su
forma, posición y colores para resaltar emociones. En efectos visuales, representan
explosiones, rayos, chispas u otros elementos de manera distintiva. También aportan
estilización artística a la animación, resaltando momentos clave o dando un giro creativo a
una escena. En la narrativa visual, enfatizan elementos importantes, atraen la atención o
subrayan la intensidad de una situación. En animaciones de comedia, añaden humor y
personalidad a los personajes mediante expresiones exageradas. A veces se sincronizan con
efectos de sonido para crear un impacto visual y auditivo simultáneo. Además, se utilizan
en transiciones entre escenas o secuencias, permitiendo transformaciones suaves de
personajes u objetos y creando un flujo visual atractivo entre diferentes momentos de la
narrativa. Los Yutapon Cubes son una herramienta altamente creativa y versátil en la
animación japonesa que puede ser aplicada de múltiples maneras para realzar la narrativa,
expresar emociones, crear efectos visuales impactantes y añadir estilo a la animación. Su
aplicación varía según el contexto de la escena y el estilo artístico del anime en cuestión.

Ejemplos y Casos de Uso

A continuación, mostraré algunos ejemplos gráficos de secuencias de animación en las

cuales se aplica esta técnica, como se vio anteriormente esto tiene muchos usos según las
necesidades narrativas y el enfoque que esté buscando el animador, así que comenzaremos
mostrando como se utilizan los yutapon cubes en secuencias de acción
En la siguiente secuencia es una gran evidencia sobre su aplicación, como uno de los
personajes corre hacía una dirección y se da cuenta de unos cortes que directamente llaman
su atención y aprovechan esa oportunidad de inmersión para utilizar la técnica de yutapon
cubes cambiando drásticamente la animación.
Ya que estas viendo que este recurso visual funciona como herramienta narrativa se abre
incontables posibilidades con respecto a su uso, observe los keyframes a continuación en
donde utilizan la técnica con este criterio, en esta escena uno de los personajes (la que está
montada en una escoba) hace una anticipación sobre un despegue y retrocede con gran
fuerza fragmentando el suelo y haciendo uso del suelo en este caso un cuadro para
impulsarse con mucha más fuerza, agregando acting interesante, complementa y ayuda
mucho a la acción principal haciendo dramática y atrayente, el segundo personaje (la que
está parada al lado del primer personaje) juega un roll parecido al del espectador actuando
con gran sorpresa y moviéndose para evitar la salida repentina.
Cómo diseñar Yutapon Cubes

La técnica de Yutapon Cubes involucra varias etapas y consideraciones. En primer lugar, se

debe definir el tipo de efecto que se desea crear, ya sea una explosión, una desintegración u
otro tipo de fragmentación de objetos. Luego, los animadores diseñan formas geométricas
como cubos, esferas o pirámides, que servirán de base para los Yutapon Cubes. Estas
formas se ajustan al objeto o personaje que se fragmentará.
A continuación, se crean elementos fragmentados que corresponden a las formas
geométricas diseñadas. Estos elementos actúan como piezas de un rompecabezas que
representan el objeto o personaje original. Durante la animación, se lleva a cabo la
fragmentación de manera fluida y controlada, separando los elementos fragmentados
siguiendo las formas geométricas previamente diseñadas. La precisión y habilidad de los
animadores son fundamentales para lograr un efecto convincente.
El timing y el ritmo de la fragmentación son aspectos críticos para que el efecto sea
efectivo. Los cubos, esferas u otras formas deben dispersarse en el momento adecuado para
lograr el impacto deseado. Además, en muchas ocasiones, los Yutapon Cubes se combinan
con otros efectos visuales, como luces brillantes o destellos, para realzar aún más la escena.

En cuanto al proceso empecemos con el storyboard, o animatic, en estos deberían aparecer

una orientación de cómo debería lucir, pero de forma vaga o muy simplista ya que ese es el
objetivo de ambos, a nosotros nos sirve para saber hacía donde vamos, entonces tenemos
una escena que requiere de una fragmentación ya sea con intenciones visuales y/o
narrativas. En este caso utilizaré esta imagen para la explicación y aplicación.

Acá tenemos a un personaje parado en medio del plano, busco hacer un efecto dramático de
fragmentación con los yutapon cubes debajo de éste que pueda mostrarlo como un
personaje imponente, lo primero que debemos hacer es marcar la zona que queremos que se
fragmente o la cantidad de espacio que queremos que cubra, esto es esencial porque según
la necesidad de la animación tendremos que hacer más o menos cuadros para después
darles movimiento, también es un elemento que puede variar pueden hacer muchos cuadros
grandes/pequeños o pocos cuadros grandes/pequeños. Acá os mostraré un ejemplo antes de
continuar.
La elección depende del estilo que le quieran dar, ninguna es mejor o peor simplemente
diferente sin embargo tener en cuenta que el resultado entre más hagan lucirá más atractivo,
pero requerirá más trabajo.
Utilizaré esta cantidad de espacio para fragmentar el suelo; recomiendo agregar este frame
a la animación final ya que al igual que al creador al espectador le dará una idea de dónde
surgirá el efecto como un tipo de preparación para lo que seguirá porque al tener una acción
muy repentina los confundirá un poco; después de tener una área determinada que
queramos aplicar la técnica quiero que tengas en cuenta la forma del impacto ¿Se rompió la
superficie o simplemente se partió? Piensa en las grietas que habría dejado el impacto, las
grietas son líneas entre piezas que se caen.
En el siguiente frame pueden agregar efectos sutiles para dar aun más preparación y riqueza
visual, no tienen que ser la gran cosa simplemente una pequeña pista sobre lo que sucederá.
Hagan los efectos teniendo presentes el espacio tridimensional de la escena, que estemos
haciendo 2D no significa que todo se comporte de esa manera, como el motivo de la
fragmentación es el personaje deben hacer los efectos alrededor de la forma de este, pueden
tener como guía la zona que delimitaron al principio y empezar desde el punto de inicio
hasta llegar a ella, háganlos gradualmente aumentando en intensidad mediante avanza.
En este punto ya los efectos no son tan sutiles y se volvieron llamativos además de
exagerados y ese debería ser su enfoque en el momento de que esté llegando al límite de la
zona, engrandecer estos efectos pondrán al espectador más atentos que los cuadros
anteriores además que se enfatiza mejor en la acción. Se siguen haciendo de la misma
manera solo que en mayor escala. Los frames son rápidos entonces busque que tengan gran
diferencia entre ellos para provocar una atención mayor a lo que está ocurriendo en pantalla

Aquí es donde sucede la magia, se sube el ‘’suelo’’ y aparecen los cubos, aquí es donde
puede tomar gran libertad creativa ya que el efecto deseado está a la vista solo hace falta
desarrollarlo, fragmente entre secciones cuadros de diferentes tamaños según lo que
estableció al principio, incluso puede tomarse esta etapa para experimentar el resultado que
más le llame la atención; el arte es subjetivo entonces puede componerlo cuando sienta que
se ve bien, entonces probablemente lo será.
Cree los cuadros teniendo en cuenta la perspectiva alrededor del personaje, por eso es tan
importante tener una sensación sólida del espacio tridimensional, intente la asimetría lo
máximo posible como el suelo se está fragmentando es común que unos escombros están
desnivelados y se acomoden en diferentes posiciones y alturas.

Los siguientes frames hágalos con referencia a los anteriores, en este punto ya son muchos
objetos para animar, pero la ventaja es que son sencillos son formas geométricas que son
fáciles de replicar, haga movimientos sutiles entre estos que indiquen desplazamiento según
la dirección que salieron disparados, como la secuencia es rápida este es un momento para
hacer que el espectador se ponga al día con lo que acaba de ocurrir puede hacer varios
frames que dejen paso a la comprensión.
Además, en un programa de edición puede implementar efectos como temblor para resaltar
más el efecto.

Si los ponemos en una secuencia se verán algo así.

Eso serían los pasos que requiere para hacer esta increíble técnica, como dije previamente
esto tiene muchas formas de utilizar y situaciones entonces todo lo que tiene que hacer es
adaptarla a sus necesidades, cambian los momentos no la forma en la que se hacen solo
tener en cuenta la escala en la que la piensa aplicar antes de hacerlo.
Para aprender a utilizar los Yutapon Cubes y perfeccionar esta técnica, es esencial la
práctica y la experimentación. Los animadores pueden estudiar las escenas de anime que
hacen un uso destacado de esta técnica y buscar referencias visuales para comprender mejor
cómo se logran los efectos deseados. Con el tiempo y la dedicación, podrán aplicar los
Yutapon Cubes de manera efectiva en sus propias animaciones.
Efectos Visuales en la Animación Japonesa

Los efectos visuales, comúnmente abreviados como VFX (Visual Effects), son un
componente fundamental en la industria de la animación, y su aplicación en la animación
japonesa no es una excepción. Los efectos visuales son elementos que enriquecen las
escenas animadas, añadiendo un toque de magia, realismo o fantasía a la narrativa visual.
En la animación japonesa, estos efectos se utilizan de manera creativa para transmitir
emociones, resaltar momentos clave y mejorar la experiencia visual.
Abarcan una amplia gama de elementos, desde explosiones espectaculares hasta destellos
sutiles de luz, pasando por humo, fuego, partículas y mucho más. Estos elementos pueden
transformar una escena corriente en algo extraordinario y, en ocasiones, llevar a la
audiencia a un mundo totalmente nuevo. Su aplicación es crucial no solo en la creación de
efectos impactantes, sino también en la expresión artística y la narrativa.
En el contexto de la animación japonesa, los efectos visuales se han convertido en una
herramienta poderosa para mejorar la inmersión del espectador y realzar la calidad de las
producciones. Desde las épicas batallas en series de anime hasta los momentos emotivos en
películas de animación, los VFX contribuyen a la atmósfera general de la obra y ayudan a
contar historias de manera más efectiva.
Los efectos visuales en la animación japonesa son esenciales para establecer emociones,
resaltar momentos clave, facilitar transiciones, representar poder y habilidad, añadir
simbolismo visual y ayudar a comprender conceptos abstractos en la narrativa. Su
importancia radica en enriquecer la experiencia visual y emocional de la audiencia.
En este capítulo, exploraremos los diferentes tipos de efectos visuales utilizados en la
animación japonesa, cómo se crean, su impacto en la narrativa y cómo diseñarlos para que
encajen en una escena de manera armoniosa. Además, brindaremos ejemplos de su
aplicación en obras icónicas de la animación japonesa y consejos prácticos para aquellos
que desean incorporar efectos visuales en sus propias creaciones.
Estos son algunos ejemplos de los tipos de efectos especiales utilizados en la animación
japonesa. Cada uno de ellos contribuye a enriquecer la narrativa y a crear una experiencia
visual cautivadora para el público. Los animadores tienen la flexibilidad de combinar estos
efectos de diversas maneras para lograr efectos visuales únicos que se adapten a la historia
que están contando. Abarcarlos todos en esta guía sería imposible, debido a la cantidad tan
amplia de efectos que hay que constan de situaciones, tipos, estilos etc., entonces se
mostrará algunos de ellos.
Cada una de estas categorías de efectos visuales desempeña un papel específico en la
narrativa y contribuye al estilo y la estética únicos de la animación japonesa. Los
animadores utilizan estas categorías de manera creativa para transmitir la versatilidad de
estos efectos que se manifiesta en su capacidad para intensificar la emoción, aportar
coherencia visual, y resaltar momentos cruciales en la narrativa.
Más allá de simples adornos visuales, estos efectos han demostrado ser una herramienta
narrativa poderosa que enriquece las historias y aporta una dimensión adicional a la
experiencia del espectador. En lugar de enumerar los distintos tipos de efectos visuales y
explicarlos uno por uno, exploraremos su impacto y relevancia en el contexto del anime.
Un claro ejemplo de esto es cómo la utilización de efectos visuales puede realzar la
atmósfera en una escena. La iluminación y las partículas en suspensión pueden cambiar
drásticamente el tono de una secuencia, creando desde una sensación de tranquilidad hasta
una tensión palpable. Estos efectos ayudan a sumergir al espectador en el mundo de la
historia y pueden influir significativamente en su percepción emocional.
Además, los efectos visuales también son esenciales para mantener la coherencia visual en
el anime. En un mundo lleno de colores vibrantes y estilos artísticos diversos, los efectos
visuales pueden actuar como unificador visual, asegurando que la animación se sienta como
una obra completa. Esto es especialmente relevante en series de larga duración, donde la
coherencia visual es esencial para mantener el interés de la audiencia a lo largo del tiempo.
Uno de los aspectos más impactantes de los efectos visuales es su capacidad para destacar
momentos críticos en la trama. La aparición de un efecto visual impactante puede señalar
un giro en la historia, un enfrentamiento épico o un momento de gran revelación. Esto
agrega un elemento sorpresa y asombro a la narrativa, manteniendo a los espectadores
comprometidos y emocionados.
El impacto y la relevancia de los efectos visuales en el anime son innegables. A través de su
uso creativo y estratégico, los animadores pueden intensificar las emociones, fortalecer la
coherencia visual y dar vida a momentos cruciales en la trama. Cada destello, cada
explosión y cada rastro de luz contribuyen a la riqueza y la profundidad de las historias que
hacen del anime un medio verdaderamente único y cautivador.
Muestra de efectos visuales en animaciones de Trigger
A continuación, verá algunas secuencias de imágenes de animaciones de Trigger en las
cuales se tiene como enfoque principal los efectos especiales y explicaré la intención detrás
de la escena para mayor entendimiento de este recurso visual

La intención detrás de esta escena en concepto es bastante sencilla, se revela un personaje

que resulta ser una maga en la historia y si observa atentamente la acción es simplista, pone
una mano en su sombrero y la alza haciendo aparecer magia a su alrededor; sin embargo, se
siente la potencia narrativa detrás de la escena y el objetivo queda muy claro para el
espectador y es debido a los efectos visuales, se utiliza las estrellas que complementan la
acción del personaje junto con las estelas que deja detrás y se siente como una escena
completamente nueva, enfatizan el hecho de que ella es una maga y causa una gran
impresión en el espectador, son solo diez dibujos y aun así se puede apreciar la intención
claramente, la atención de los efectos visuales no opaca al personaje sino que lo
complementa.

Esta escena es otro ejemplo interesante en el cual los efectos especiales tienen un papel
protagónico, en ella aparecen dos personajes que discuten y pasan a involucrar contacto
físico rompiendo un objeto con líquidos en él que causa una explosión; tiene similitud a la
escena anterior con respecto a que complementa la escena con las acciones de los
personajes, sin embargo estos pasan a segundo plano y se enfocan en los efectos especiales
para transmitir las consecuencias de la escena exagerándola, es fascinante como ampliando
la magnitud del líquido y de la explosión hace que la escena cobre un significado
completamente diferente además que los efectos en sí cuentan una historia por sí misma.
En esta escena se observa como utilizando solo los efectos especiales se puede contar una
historia, en este ejemplo en específico de forma implícita se llega a entender mediante una
secuencia de arena y unas gotas de agua que la historia se está desarrollando o lo que está
por suceder es debajo del agua, si es perspicaz habrá notado que mediante se avanzaba en
los ejemplos el énfasis en los efectos visuales iban aumentando gradualmente a tal punto
que sin necesidad de contexto, ni de personajes pueden crear una historia.
Capitulo 3 Casos de Estudio
Introducción a los Casos de Estudio
En el emocionante recorrido por las técnicas esenciales de animación de los estudios
Trigger, hemos explorado las bases teóricas y prácticas que sustentan esta forma única de
arte. Ahora, damos un paso adelante para sumergirnos en el corazón de la acción: los casos
de estudio. En este capítulo, nos adentraremos en animaciones emblemáticas producidas
por Trigger, desglosando escenas clave y revelando cómo estas técnicas se aplican en
situaciones reales.
Cada caso de estudio es una ventana hacia el innovador mundo de Trigger, donde la
creatividad y la maestría técnica se unen para crear experiencias visuales inolvidables. A lo
largo de este capítulo, exploraremos escenas de animaciones como "Kill la Kill," "Little
Witch Academia," "Promare," y ‘’Cyberpunk Edgerunners’’ desvelando cómo las técnicas
de animación influyen en la narrativa y la estética de estas obras.
Este análisis no solo ofrece una comprensión más profunda de las técnicas utilizadas por
Trigger, sino que también brinda inspiración para animadores y entusiastas que buscan
llevar su creatividad al siguiente nivel. Así que, sin más preámbulos, adentrémonos en estos
fascinantes casos de estudio y desentrañemos el misterio detrás de las escenas más
emblemáticas de los estudios Trigger.

Análisis de escenas emblemáticas de animaciones de Trigger.

A continuación, se escogerá algunas escenas de las producciones de Trigger en dónde se

puedan hacer análisis con fines didácticos y poder observar cómo logran enriquecer la
narrativa utilizando las técnicas mencionadas a lo largo del documento, los significados
detrás de estas, lo que aportan a las escenas y lo que logran transmitir con su uso.
Haré un pequeño paréntesis aquí para decir que el genga es una gran técnica que aporta
mucho a la planeación de una animación y aporta un gran detalle al resultado final, pero por
lo general como es un proceso de preproducción no se vuelve un material público y
depende mucho de los proyectos en los cuales se pueden observar, por lo tanto, a pesar de
que se nombrará en los análisis no se pueda ver material visual a excepción de Little Witch
Academia dicho esto, comencemos.

Empezaremos con una clásica de Little Witch Academia, Akko Kagari, la protagonista del
anime se enfrenta a un dragón en el episodio 8 de la serie. En este episodio titulado "Akko's
Adventure in Sucyworld", Akko y sus amigas se ven atrapadas en un mundo de ensueño
creado por Sucy, y en ese mundo mágico, Akko se encuentra con un dragón en una torre. La
lucha contra el dragón es una parte importante de la trama de ese episodio. (Le recomiendo
buscar la escena para mayor entendimiento, en YouTube puede encontrarla fácilmente o
cualquier plataforma que tenga la serie)

Acá está viendo un ejemplo de uno de los cortes de la escena con la técnica de genga en la
cual se muestra la secuencia de corrida de Akko demostrando un excelente acting del
personaje reflejando lo que siente y lo que piensa mediante sus acciones, más allá del
talento del artista como ilustrador se puede observar que mediante un buen control de la
técnica y su aplicación queda muy claro cómo se manifiesta la escena al marcar las zonas
en donde van las sombras, luces, colores, y efectos con gran planificación lo cual se
muestra en el resultado final. Recuerden que la luz en sí cuenta historias, en el storytelling
es un recurso visual muy potente y dependiendo de su manejo obtendrá resultados
diferentes incluso si es la misma animación o mismos dibujos.

Observe con ojo crítico el ejemplo de abajo, el uso adecuado del genga permite que el
personaje se sienta acorde con el entorno, formando parte de él además de que se siente el
movimiento del personaje de manera muy fluida con la combinación de colores, sombras y
luces; hace que todo en conjunto se sienta en armonía además de que se puede inferir por el
manejo que le dan que el proceso de post producción haya facilitado bastante la creación de
la escena completa.
Este es un corte en dónde se muestran los impact trames.

La intensidad de la secuencia se acentúa mediante el uso de impact frames. cuando Akko

lanza hechizos hacía el dragón, los impact frames realzan la fuerza y la emoción en esas
acciones. Por ejemplo, los impact frames se utilizan para mostrar chispas brillantes cuando
los hechizos se disparan, lo que añade dramatismo a la escena.
Asimismo, se puede ver como con la implementación se llega a una mayor impresión en la
explosión de la flecha mágica del personaje provocando un climax de la escena.
Ahora observe estos ejemplos de efectos especiales qué es lo que predomina a lo largo de la
animación, ayuda enormemente a complementar la escena además de que la hace
visualmente más atractiva para el espectador, la implementación de los diferentes tipos de
efectos visuales en momento específicos y distintos acentúa la acción enormemente, a tal
punto que imaginar un caso hipotético en dónde estos no estén causan una sensación de que
la escena no funciona.
La escena está repleta de efectos visuales impresionantes, especialmente en el uso de la
magia. Los hechizos de Akko, las llamas del aliento del dragón y las explosiones se
ejecutan con efectos visuales espectaculares. Estos efectos contribuyen a la sensación de
magia y emoción en la secuencia.
Este corte muestra la función de los Yutapon Cubes, con sentido narrativo, más que la
fragmentación también lo utilizan con conveniencia al animador facilitando el trabajo, el
lugar de hacer complicaciones con la roca que le lanzan al dragón hace un simple cubo con
detalles agregando dinamismo y estilización al objeto.
Aumento de la Emoción:
Los efectos visuales también cumplen una función emocional en la escena. Durante
momentos de alta tensión, como cuando los personajes principales se enfrentan de manera
intensa, los efectos visuales refuerzan esas emociones. Por ejemplo, los destellos y las
chispas pueden simbolizar la pasión y la determinación de los personajes. Los efectos
visuales evocan una respuesta emocional en la audiencia, ya sea emocionando, asombrando
o provocando una sensación de urgencia.
Otra intención detrás de un trabajo tan detallado en las animaciones es debido a que Trigger
es conocido por su estilo distintivo, y los efectos visuales son una parte importante de esa
estética única. La elección de efectos visuales específicos, como las chispas que salen de las
armas o los destellos mágicos, añade un toque de creatividad y originalidad a la animación.
Esto no solo refuerza la marca de Trigger como estudio de animación, sino que también
brinda a la escena un carácter distintivo que la diferencia de otras secuencias de lucha en el
anime; tener esto en cuenta es importante ya que al desarrollar su propio estilo como
animador puede ayudarle a diferenciar sus proyectos utilizando las mismas técnicas
Como conclusión se puede decir que los efectos visuales en la pelea entre Ryuko y Satsuki
en "Kill la Kill" no son meramente adornos visuales, sino que cumplen una función
narrativa crucial. Resaltan la magnitud de la batalla, comunican poderes especiales,
aumentan la emoción, realzan el dinamismo y añaden estilo y creatividad a la escena. Estos
efectos visuales son una parte integral de la narrativa visual de Trigger y contribuyen en
gran medida a la impactante calidad de su animación.
Pasemos a los impact frames, la escena de la pelea está repleta de impact frames, que son
cuadros clave utilizados para enfatizar momentos impactantes y dramáticos. En la lucha
entre Ryuko y Satsuki, los impact frames resaltan los golpes poderosos, las
transformaciones de uniformes y las revelaciones de personajes. Cada impact frame se
utiliza de manera estratégica para crear un efecto de sorpresa y énfasis. Los impact frames
también sirven como puntos de referencia para la audiencia, indicando cuándo deben estar
más atentos a momentos cruciales de la trama. En el caso de esta escena, los impact frames
añaden una dimensión extra de emoción a la batalla, y ayudan a los espectadores a sentir la
adrenalina de la lucha.
Por un lado sería adecuado detallar que a diferencia de los impact frames mostrados a lo
largo del documento, estos son diferentes con respecto a que no parecen consecuentes unos
con otros, cambian de forma en cada frame además del color y la posición, esto
normalmente sería un punto en contra de la animación debido a que en los frames es
importante la consistencia una imagen a la anterior o la siguiente, sin embargo es un
resultado realmente agradable y llamativo debido a que son frames demasiado rápidos,
dependiendo del contexto pueden funcionar de una manera con otra, no necesariamente es
un error.
Por último, pasemos a los yutapon cubes.
Aunque los Yutapon Cubes son menos evidentes en esta escena en particular, pueden estar
presentes en momentos específicos. Los Yutapon Cubes son pequeños cubos animados que
a menudo se utilizan en la animación de Trigger para añadir un toque distintivo.
los yutapon cubes añaden una estética única a la animación y se utilizan creativamente para
sorprender a la audiencia con ciertos impactos, en este ejemplo en específico a pesar de que
aportan visualmente bastante, la intención detrás de ellos no es muy complicada.
Por último, pero no menos importante analicemos una escena de Cyberpunk Edgenrunners,
el anime más reciente de Trigger que tiene elementos interesantes e innovadores que
pueden aportar un gran valor con respecto al aprendizaje con estudios de caso, dicho esto
comencemos.
En el capítulo cuatro de la serie donde los personajes principales de la serie se encuentran
con un cyberpsicopata, es una escena con un gran peligro implicado y emocional para el
espectador por los eventos que ocurren dentro de la misma en el desarrollo hay ciertos
elementos visuales llamativos.
Las técnicas vistas explicadas y las intenciones detrás de estas son de acuerdo con el orden
en el que aparecen para un mejor seguimiento y entendimiento, se utiliza una variedad de
técnicas de animación para crear una secuencia intensa y emocionante. Aquí hay un análisis
de esta escena
Para empezar, abarquemos los yutapon cubes. Observa la imagen debajo donde comienza
Utilizados en esta escena para simplificar la fragmentación de la construcción detrás del
personaje, empleados para animar los escombros de manera más dramática y cerca del
personaje connotando el peligro que ella corre al pasar tan cerca de ella.

Genga y Efectos Visuales

La utilización de genga en esta secuencia tiene la intención de capturar los momentos clave
de la acción. La ralentización del tiempo permite que los espectadores aprecien cada cuadro
en detalle, resaltando la agilidad de David al esquivar los disparos. La intención es
enfocarse en la destreza del personaje y destacar sus habilidades sobrehumanas.
Los efectos visuales en esta secuencia se emplean para transmitir la experiencia sensorial
intensa de David mientras usa el Sandevistan. La intención es crear una sobrecarga visual y
sensorial que sumerja a la audiencia en la vivencia del personaje. Distorsiones de colores y
formas se utilizan para expresar este estado alterado de percepción.
Acá es en donde se vuelve todo realmente interesante, porque es una manera diferente de
utilizar los gengas y combinar los efectos visuales de forma innovadora y creativa; por lo
general estos frames del personaje en una secuencia se desechan y se pasan al siguiente, en
este caso no, en los momentos en lo que el personaje utiliza su habilidad se aprovechan
todos los frames de la escena mientras recorre el escenario distorsionando los colores con
degradados para diferenciarlos, a pesar de la sobrecarga de colores se crea una armonía y se
hace una animación agradable, única visualmente y narrativamente también, es un gran
ejemplo de utilización de ambas técnicas.
Cabe recalcar que los efectos visuales son una herramienta poderosa para transmitir
emociones y crear un impacto visual en una animación. En esta escena, se utilizan efectos
visuales para enfatizar la experiencia de David.

También se utilizan otros tipos de efectos especiales a lo largo de la secuencia, como

electricidad, fuego, humo, partículas, líquidos que complementan los sucesos, pero pasan a
segundo plano por lo que solo se hará una pequeña mención y algunas capturas para
entendimiento.

En resumen, estas técnicas se aplican en la escena con el propósito de intensificar la

narrativa visual y sumergir a la audiencia en la acción. Las técnicas de genga, impact
frames, efectos visuales y la fragmentación sirven para enfocarse en la agilidad del
personaje, destacar la peligrosidad, transmitir una experiencia sensorial intensa y
representar la intensidad del conflicto. Su aplicación demuestra cómo las técnicas de
animación pueden ser utilizadas para fortalecer la narrativa visual y crear momentos de
gran impacto en una animación.