LA DESAPARICIÓN DE LA BELLEZA

La cuestión de definir el arte revisito de urgencia en el siglo XX, cuando

empezaron a surgir obras de arte que eran en todo iguales a objetos
ordinarios, como en el caso de sobra conocido de los ready mades de
Marcel Duchamp.

Igual que con las cajas Brillo de Andy Warhol y James Harvey, la estética se
mostraba aquí incapaz de explicar por qué uno era una gran obra de arte y
el otro no, siendo a todos los efectos prácticos estéticamente indiscernibles
entre sí: si uno era hermoso, el otro por fuerza debía serlo también, puesto
que eran idénticos.
Respecto a la Caja Brillo de Warhol y la caja de Brillo diseñada por James
Harvey, fue la estética de esta última la que hizo despertar tanto interés por la
primera, que no posee ninguna estética que se pueda comentar más allá de
aquella que hizo suya al apropiarse de los envases de Harvey. A su vez, las cajas
de Harvey no poseían ni un ápice de la profundidad filosófica de las de Warhol.

Por la misma razón que el urinario manufacturado por Mott Iron Works no
poseía ni gota del poder filosófico -¡y artístico!- de Fuente, que después de todo
contribuyó a transformar la historia del arte.
La estética de las obras de arte sí tiene algo que ver con el por
qué nos gustan, aunque su papel no sea muy distinto al modo
en que la estética funciona en las elecciones cotidianas.
La obra de arte como intersticio social

La posibilidad de un arte relacional – un arte que tomaría como

horizonte teórico la esfera de las interacciones humanas y su
contexto social, más que la afirmación de un espacio simbólico
autónomo y privado – da cuenta de un cambio radical de los
objetivos estéticos, culturales y políticos puestos en juego por el
arte moderno.

La obra se presenta ahora como una duración por

experimentar, como una apertura posible hacia un
intercambio ilimitado.
¿Sucede lo mismo con la estética de las obras artísticas?

¿Existe para hacerlas más atractivas a los coleccionistas?

¿O está llamada a desempeñar un papel más profundo

en el significado del arte?
La noción filosófica de la estética ha vivido en el pasado casi por entero
dominada por la idea de belleza, sobre todo en el siglo XVIII – la época de la
estética – cuando, aparte de lo sublime, lo bello era la única cualidad estética
que tenían en cuenta artistas y pensadores. En el siglo XX, en cambio, la belleza
desapareció casi por completo de la realidad estética.
La estética fue la sustancia misma de la experiencia artística en la cultura del
expresionismo abstracto. Pero lo que hacía que los cuadros “funcionaran” mal
podía describirse con la formulación clásica de la belleza, con sus alusiones al
equilibrio, la proporción y el orden. “¡Bello!”, pasó a ser una mera expresión de
aprobación generalizada, tan vacía de contenido descriptivo como el silbido que
alguien emite en presencia de algo que le despierta un particular entusiasmo.

Hablar de algo calificándolo de bello no era describirlo sino expresar una

admiración general.
La idea de belleza parecía cognitivamente vacía, lo cual explicaba en parte la
vacuidad como disciplina de la estética, que tanto se había apoyado en la
belleza como concepto central. En todo caso, la estética parecía tan poco
vinculada al devenir del arte de la última parte del siglo que todo el interés
filosófico que el arte pudiera seguir teniendo se podía abordar sin preocuparse
demasiado por ella, o sin preocuparse por ella en lo más mínimo.
Arthur Danto—El Arte Contemporáneo es el arte posthistórico
ya que no se puede identificar una identidad narrativa. En la
época posthistórica el artista hace lo que quiere y esto marca el
fin del arte y el principio de la pluralidad artística.
 ESTÉTICA ACTUAL
TODO LO BELLO ES ESTÉTICO, PERO TODO LO ESTÉTICO NO ES BELLO
Proviene del término griego AISTHESIS, que significa sensibilidad o
sensación y se separa del KALOS que es la belleza.
Es una disciplina que estudia la experiencia estética, no partiendo de la
sensación como lo dicta la etimología.
Cuestiona qué es lo bello, que es lo feo, que es el buen gusto, y que se
entiende por arte.
La estética como teoría del arte, se va a vincular con otras disciplinas o
ciencias que serán las que estimulan, completan y mejoran la comprensión
de la estética. Usa a las ciencias como instrumentos.
Para que exista la estética debe existir un creador y un
espectador/consumidor. Esto es la base de la experiencia estética que se
viene estudiando desde el siglo XVIII.
 EXPERIENCIA ESTÉTICA

Se puede explicar a traves del concepto de bloque de sensaciones de

Deleuze y Guatarri. El arte es lo unico que permanece porque se conserva ,
no el material del que está hecho, sino el bloque de sensaciones compuesto
de perceptos y afectos. El percepto es todo lo que se percibe y el afecto es la
emoción del momento. Esto se aplica a las obras contemplativas (pinturas y
esculturas), no a lo contemporáneo porque además presenta un problema a
resolver.
Hans Jauss dice que en el arte contemporáneo se pierde la distancia
reverencial. Hoy, el placer estético se ha convertido en placer estético
teórico. Es algo que nos obliga a investigar. Hay un receptor poético que se
vuelve cautor de la obra y un receptor crítico/creativo. El placer
contemplativo pasa a ser REFLEXIVO.
Placer de los sentidos: abandono inmediato de los sentidos y del yo
en un objeto. El yo se anula, el placer se basta a sí mismo mientras
dura y no tiene relación con el resto de la vida.
Placer estético: necesita un momento más, adoptar una postura, que
deja de lado la existencia del objeto, convirtiéndolo en un objeto
estético Es la autosatisfacción en la satisfacción ajena, disfrutar
entendiendo y entender disfrutando.
Hans Jauss
El espectador ahora es parte de la obra.
Hay 3 actividades que operan dentro de la experiencia
estética:
● Aspecto receptivo: es temporal y cumple una función
descubridora, mientras mas se la piense, mas
entendemos. La obra dice cada vez mas a lo largo del
tiempo, dependiendo de los contextos.
● Aspecto comunicativo: separa el rol del artista, de la obra
y del espectador, que transmite cada uno y que recibimos
del otro. Ubica y separa cada rol.
● Capacidad productiva: es el efecto catartico que se
produce en el artista, que descubrimos de nuestra obra?
que nos brinda el otro?
Theodor Adorno: Considera genuina sólo aquella
experiencia estética que deja atrás el placer y se
eleva al grado de reflexión estética. Y nos dice
además que:
El placer en el arte está al servicio de intereses del
poder.
Antecedentes en el campo de la lingüistica
Saussure

El significante es la
representación
acústica de las cosas
El significado es la
representación
psiquica de las cosas.
Son arbitrarias.
Wittgenstein: Filosofía del lenguaje. El estudio del lenguaje no es un sustituto
sino un método para llegar al conocimiento de la realidad.
El lenguaje es un juego, con reglas y leyes, y nosotros debemos decodificarlo.
Roland Barthes, rechaza la idea de considerar la satisfacción
estética como instrumento de la clase dominante y rescata el placer
estético. Ese algo que nos produce algo respecto a un objeto
específico. ¿De qué depende?
Desarrolla de qué manera los objetos contemporáneos pueden
significar y cómo se volvieron sistemas estructurales de signos.
Nada existe para nada, aún cuando las cosas finjen no tener un
significado, está cumpliendo con el significado de ser nada.
En la semántica del objeto, Barthes plantea que hay dos connotaciones de estos:
La primera es la connotación de existencia, es cuando el objeto se nos presenta en
apariencia y existencia, algo que no es humano y aún así tiene un sentido y existencia.
La segunda es la connotación tecnológica, es el fenómeno social, es el uso establecido que
se le da a los objetos.
Así mismo los objetos van a desarrollar coordenadas para ser entendidos:
La coordenada simbólica: el significado que le damos más allá de la connotación
tecnológica.
La coordenada de clasificación, todo objeto está clasificado en el orden social, relaciones
entre actividades y objetos.
Y para comprender la imagen, Barthes desarrolla la teoría de retórica de la imagen,
diciendonos que una imagen es una estructura de códigos y signos que hay que interpretar.
Esta estructura está compuesta por 3 mensajes:
El lingüistico: esos signos que nos guían.
El denotado: lo explícito e inmediato de la imagen.
El connotado: es el mensaje simbólico, es un proceso individual que depende de varios
factores, como de la cultura y nuestra educación. Son las relaciones y procesos cognitivos
que realizamos para entender algo.

Baumgarten
Es el primer filósofo que emplea el
término Estética como disciplina
independiente, en 1750. Sus
estudios nacen de la reflexión
filosófica del arte y del
descubrimiento de su vínculo con la
belleza. Resuelve la separación de la
sensibilidad y el entendimiento
como fuentes distintas de
conocimiento. Así la estética será la
ciencia del conocimiento sensible
cuyo objeto es la belleza. Muestra
que la institución sensible tiene su
propia lógica y que no es en ningún
caso una forma menos perfecta del
pensamiento, sino un modo de
conocimiento de carácter no lógico y
de componentes subjetivos.
DE LO BELLO A LO RELACIONAL
Nicolas Bourriaud
La estética relacional caracteriza y distingue el arte
de los años 90, sobre el modo en el que arte procesó
3 coyunturas: el nuevo contexto sociopolítico tras la
caída del muro de Berlín, el nuevo ambiente
tecnológico y la nueva tradición de las artes visuales
del s XX.
El propósito de Bourriaud es establecer un arte del
encuentro, de la proximidad y de resistencia al
formato social.
Sostiene que el arte es la organización de presencias
compartidas entre objetos, imágenes y gente. Dice
que la actividad artística es un juego que precisa de
la participación de un receptor para adquirir sentido
y para existir. El factor relacional en las prácticas
artísticas responde a una necesidad de animar la
recuperación y reconstrucción de los lazos sociales.
Cualquiera puede formar parte y el espectador pasa
a convertirse en agente.
Claire Bishop
Cuestiona la visión utópica del arte
relacional que propone Bourriaud.
Dice que su estructura es un tanto
errática. Hay que considerar que
todo el arte relacional es una
ramificación de las instalaciones,
performances y happenings. Y estos
son entendidos por espectadores
pertenecientes al círculo del arte.
Entonces, ¿ qué alcance tiene el
arte? es inclusivo en su totalidad? o
solo llega a la porción de población
que se dedica al arte? Que se puede
resolver para que esto sea puesto en
práctica?
Bishop propone hacer un estudio
desde las vías públicas y salir del
museo.
 Happening de Rirkrit Tiravanija.
Artista propuesto como ejemplo por Bourriaud

Las instalaciones de Tiravanija, son el paradigma de ese intento de “democratizar” la estructura de la obra de arte,
forzando la percepción de ésta únicamente mediante su uso como objeto ordinario o ready-made “invertido”,
confundiendo por tanto el habitar, el ver y el producir tanto de la obra de arte como del espacio extraño a ella.
Rirkrit Tiravanija produce happenings para que el público participe activamente en ellos. Son situaciones o ambientes que
cuestionan los límites entre el artista y el espectador, el arte y las actividades cotidianas.
Sirvió comida como arte en su
primera exposición individual en
1990, ofreciendo al público una
degustación de Pad Thai, un plato
típico de Tailandia, el país de su
familia. Trasladó el mismo concepto
a sus exposiciones posteriores, en
las que ha creado diferentes
instalaciones que se transforman
diariamente con los platos y
utensilios usados. Pero no sólo
comparte comida, también su
propio hogar (que reconstruyó con
contrachapado en un espacio
expositivo y lo dejó abierto las
veinticuatro horas del día para que
la gente lo habitara) y sus viajes. La
esencia de sus obras reside en la
colectividad, su interrelación, y en
la casualidad. Hace arte sin hacer
objetos, su fin es una denuncia
contra la posesión y la acumulación.
Monumentos de Thomas Hirschhorn.
Artista relacional propuesto por Claire Bishop.
La obra de Hirschhorn no es una forma meramente
participativa, sino una forma que nos invita a pensar como
sujetos activos.
Los monumentos de Hirschhorn tomarán la forma de un pabellón temporal, que será construido por los
residentes locales. El pabellón albergará un espacio de exhibición, acceso a Internet, un teatro, un quiosco de
comida e instalaciones para niños.
En un comunicado , el artista dijo que su monumento pretende "provocar encuentros, crear un
acontecimiento y pensar a los diversos personajes históricos en la actualidad, como el filósofo italiano
Antonio Gramsci o al filósofo frances Georges Bataille.
Es una actitud de cuidado y atención en relación con las cosas que hacemos, un deseo de significado; es
curiosidad y asombro; es lo opuesto a la indiferencia y al descuido, a la conformidad, a la ausencia de
participación y de sensibilidad.
Ciertamente, la dimensión estética no es sólo estas cosas. En el nivel de la educación, merece que se le
dedique un pensamiento profundo y su presencia, elevaría tanto la calidad de las relaciones con el mundo
como la de los procesos de aprendizaje en las escuelas y en la educación.
 ACTIVIDAD

Pensar en una instalación o intervención que pertenezca a la estética relacional, en la que la

obra solo exista con la participación de los espectadores y que pueda ser desarrollada en los
colegios o en un espacio público (como la calle o veredas).
Escribir la idea del proyecto, qué es lo que se espera que suceda, qué quieren lograr con la
obra, donde la harían y en el caso que puedan ir realizandola en estos días, llevar un registro
fotográfico o fílmico de los procesos de producción y desarrollo.
Señalar si estaría dentro del grupo de artistas que propone Bourriaud o dentro del grupo de
artistas que propone Bishop.
¿Está dirigido a una porción específica de la población o puede participar cualquiera?
¿Es para todas las edades?
¿La obra o proyecto se transforma con los espectadores, o es solo para contemplar?
¿Se realizaría en un establecimiento privado o público?
¿Es para interior o exterior?
¿Solo comprenderán la obra algunas personas, todas las personas que se acerquen, o cada
una/uno lo entenderá de maneras diferentes?