Edad moderna

El manierismo representa un estilo artístico que surgió en Italia en el siglo XVI, en el período comprendido
entre el Renacimiento y el Barroco (1520 a 1600). Durante este período, Europa sufrió diversas
transformaciones políticas, económicas y culturales, como el Renacimiento y la Contrarreforma, que dieron
lugar a una nueva estética que huyó de los moldes tradicionales y se extendió rápidamente por toda Europa.

Este movimiento artístico presentó un arte más exagerado y sofisticado. Además, los artistas del manierismo
rompieron los moldes renacentistas, inaugurados por figuras como Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Rafael.

Las principales características del manierismo son:

 Sofisticación del arte

 Estilo exagerado y asimétrico.
 Uso de proporciones, volúmenes y perspectivas intrigantes.
 Sombras y contrastes de luz.
 Figuras alargadas, deformadas y distorsionadas.
 Combinaciones de colores fuertes
 Ruptura con modelos clásicos (estilo anti-renacentista).

Al cuestionar el arte desarrollado en el Renacimiento, muchos lo vieron como un período de decadencia sobre
la perfección clásica, siendo una imitación distorsionada del período anterior, con pérdida de proporción y
equilibrio. Sin embargo, el manierismo hizo espacio para que los elementos clásicos se usaran con libertad,
alentando la creación y expresión individual.

Origen: Italia
Periodo: aprox. De 1515 a 1600 (entre el Alto Renacimiento y el Barroco).
Influenciado: primero la pintura y luego la escultura y la arquitectura.

Características del Manierismo:

Hay varias características, pero la principal es el cuestionamiento de los valores clásicos, comenzando a valorar
la originalidad, la complejidad de las formas y el detalle. Es un arte subjetivo y emocional.

La arquitectura manierista da prioridad a la construcción de iglesias de plano longitudinal, con espacios más
largos que anchos, con la cúpula principal en el crucero, dejando de lado los de plano centralizado, típicos del
renacimiento clásico.

En ricos palacios y casas de campo, encontramos formas convexas que permiten que el contraste entre la luz y
la sombra prevalezca sobre la plaza disciplinada del Renacimiento. La decoración interior ricamente adornada
expresa la necesidad de renovación.

Barroco

El arte Barroco se desarrolló durante los siglos XVII y XVIII, y tuvo su origen en Italia, concretamente en Roma.
La influencia romana se expandió por los países católicos como España, así como Nápoles y Flandes, que
estaban bajo su dominio. En Francia el Barroco fue un instrumento de propaganda de la monarquía. El
Barroco fue muy diferente en los países protestantes, como Holanda, con una pintura más burguesa. Un estilo
complejo y diverso, que buscó soluciones estéticas para una época de profunda transformación espiritual,
cultural y política
Los procesos históricos más destacados de los siglos XVII y XVIII fueron:

El conflicto religioso en Europa: la Reforma protestante se extendió por el norte y centro de Europa, mientras
el catolicismo se asentaba en el sur. La disputa teológica dio origen a una serie de conflictos bélicos que
ensangrentaron el continente durante los siglos XVI y XVII.

La Contrarreforma: fue la respuesta de la Iglesia católica a la Reforma protestante. El Concilio Ecuménico de

Trento (1545-1563), convocado por Pablo III y apoyado por Carlos V, tenía como objetivo renovar la Iglesia y
evitar el avance de las doctrinas protestantes. Algunas de las medidas tomadas en Trento tuvieron
importantes consecuencias en el arte. Por un lado, el deseo de hacer más atractivos los ritos católicos facilitó
el desarrollo del arte Barroco con toda su decoración y teatralidad, contrastando con los austeros templos
protestantes. La Iglesia Católica reforzó el papel de los santos y la Virgen como intermediarios ante Dios,
abundando sus representaciones en el arte, al contrario de lo que ocurría en la zona protestante.

La creación del Estado absolutista Francia, significó que todo el poder del reino recaía en la figura del
monarca, en palabras del propio Luis XIV “el Estado soy yo”. El arte Barroco sirvió al nuevo modelo de
monarquía para la propaganda y para plasmar su poder.

Los Estado Pontificios: Roma se había convertido durante el Renacimiento en la capital de la monarquía
terrena de los papas; sus territorios se extendían por el centro de la península Itálica. El Papa atrae a los
mejores artistas para continuar con la construcción de San Pedro y su plaza, centro de la ciudad y el mundo
católico. Roma apostó por un arte decorativo y exuberante que cumpliera con los objetivos de la
Contrarreforma, lo que le convirtió en la cuna del Barroco.

Francia ostentó la hegemonía durante el siglo XVII y el XVIII. La familia de los borbones sustituyó a los
Habsburgo en el trono español tras la Guerra de Sucesión. El poder de los monarcas franceses se fue
debilitando durante el siglo XVIII hasta el estallido de la Revolución Francesa en 1789.

Características del Barroco

Una de las características más importantes del Barroco es la interacción entre las disciplinas artísticas. La
arquitectura crea el espacio para la pintura y la escultura, integrándose en un todo que también incluye la
propia ceremonia (religiosa o política), la música o el teatro.
Los clientes del arte Barroco variaron según territorios generando manifestaciones artísticas diferentes según
cuál de ellos predominara:

La Iglesia católica: busca un arte que sirva a su doctrina, un arte deslumbrante y teatral que ciegue a los fieles
con su dorados y su complejidad visual.
La monarquía: el deslumbramiento de sus palacios y edificios de gobierno refuerza la estructura de poder.
La burguesía: destacó su importancia en Flandes y Holanda, enriquecidas por el comercio naval y las
manufacturas. La burguesía encargó un arte privado para sus casas y palacios, más intimista (con paisajes,
retratos y bodegones) sin caer en la ostentación de la nobleza.
La Guerra de los Treinta Años fue el más importante de estos enfrentamientos, se desarrolló entre los años
1618 y 1648.

René Descartes : Padre del racionalismo, autonomía de la razón respecto de la fé.

Galileo Galiley: El sol como centro del universo

Newton: teoría de la gravedad , movimiento de los cuerpos celestes.

Arquitectura: Comienza una preferencia por lo curvilíneo, se abandona el equilibrio del renacimiento. La luz es
un elemento fundamental. Se utiliza la columna salomónica. El color dorado es muy importante
La pintura y la escultura están en función del contexto arquitectónico
En el ambiente decorativo se agregan componentes más complejos que los del romanticismo.

Bernini: Escultor, arquitecto y pintor italiano. Bernini es el gran genio del barroco italiano, el heredero de la
fuerza escultórica de Miguel Ángel y principal modelo del Barroco arquitectónico en Europa. En 1629, Bernini
fue nombrado arquitecto de la basílica de San Pedro por el papa Urbano VIII. Desde entonces hasta su muerte
trabajó ininterrumpidamente para los sumos pontífices. Su mejor aportación a la basílica de San Pedro fue, sin
embargo, la columnata que rodea la plaza, justo delante del templo.

 Apolo y Dafne: Ambos personajes están corriendo, Apolo es quien persigue, y Dafne huye. Apolo tiene
apenas un pie en el suelo. Los ropajes de Apolo enfatizan el movimiento y el dinamismo. Estos vuelan
por los aires, al igual que los bucles de su cabello y la melena de la ninfa.

 Fontana di Trevi: El origen de la fuente data desde el año 1453, pero fue realmente en el año 1732 que
se dio inicio su construcción. Dicho eso, los bocetos originales de Salvi de la Fontana di Trevi contaban
con los diseños propuestos por Bernini en 1629, donde se encontraba representado a Neptuno como
figura principal y a los caballos, tritones y conchas como secundarios rodeado de piedras talladas que
simulaban a las reales.
La idea fue mejorada en el año 1629 por el Papa Urbano VIII, ya que consideraba que la actual de ese
entonces no contaba con una imagen ostentosa he impresionante que tenía en mente.
Por lo que dio el encargo de renovar la Fontana di Trevi al arquitecto Gian Lorenzo Bernini responsable
de mucho de los detalles de la fuente, destacando entre ellos la ubicación actual ya que en ese
entonces se hallaba al otro lado de la calle y Bernini quería que el Papa disfrutara de la vista desde el
palacio del Quirinal. Sin embargo, en el año 1644 el Papa muere y es abandonado el proyecto.

 Excitación de Santa Teresita: s un grupo escultórico en mármol obra del escultor y pintor Gian Lorenzo
Bernini, de estilo barroco. Fue realizada entre 1647 y 1651, por encargo del cardenal Cornaro, para ser
colocada donde iría su tumba, en la Iglesia de Santa María de la Victoria

Pintura:
Pintan la realidad de todos los días(grado de dramatismo). Punto de fuga y perspectiva aérea consolidada
Caravaggio fue un pintor italiano muy influyente en la creación y desarrollo del estilo barroco. Un artista
clásico especialmente conocido por el uso dramático del claroscuro en sus pinturas. (estilo tremendista).
Caravaggio aprende a manejar el color veneciano y la luz de Lombardia, manejando sensualidad y realismo
con maestría. Se decantó por la naturaleza como modelo alejándose de los preceptos renacentistas.
Trabajaba para la nobleza, a petición de los particulares, y fue la época en que sus pinturas se encontraban
llenas de mensajes en clave, de alegorías, bajo una apariencia inocente.
Obras más famosas de Caravaggio  La captura de Cristo (h. 1602)
 Niño con un cesto de frutas (h. 1593)

 David con la cabeza de Goliat (1609-1610)

 Narciso (1597-1599)

 San girola

 La cabeza de medusa:

 La vocación de San Mateo (1601)

 abstracto

Velázquez: Velázquez nace en 1599 en Sevilla y muere en Madrid en 1660, realizando sus obras en la primera
mitad del siglo XVII. En España todavía continúa reinando la Casa de los Austrias. De hecho, Velázquez será
pintor de cámara de Felipe IV.
Se trata de una época en la que el estilo artístico que reina es el Barroco, que ha llegado a España desde Italia.
Las características más peculiares y representativas de la pintura de Velázquez son:
  Empleo de la perspectiva aérea.
 Profundidad.
 Pintura sin realización de bocetos. Por ello, las correcciones las hacía sobre la marcha y se nota en los
numerosos "arrepentimientos" en sus cuadros.
 Ppintura religiosa y profana.
 La luz viene de arriba
 La obra de Diego Velázquez es divisible en dos etapas: la sevillana y la madrileña

Etapa Sevillana (1599-1623)

En esta fase, Velázquez tuvo como maestro a Pacheco. Con él aprendió a ser un gran dibujante y a organizar
las composiciones. Las primeras obras que realizó pertenecen al tenebrismo. Las características de esta
corriente son:
 Realismo.
 Contrastes de luz.
 Composición diagonal.
 Los temas que Velázquez pintó en esta primera etapa son religiosos y también populares, extraídos de
la vida cotidiana.

Las obras más importantes son:

 Adoración de los Reyes Magos
En esta pintura, gran parte del escenario está oscuro y sólo ilumina la parte del mismo que quiere destacar. Se
trata, por tanto, de un cuadro de estilo tenebrista, realista y composición diagonal.

El Aguador de Sevilla
Obra de nuevo muy tenebrista y de gran realismo, como se aprecia en las calidades de los objetos.
Bodegón a lo divino
Representa una escena de la vida cotidiana con gran realismo y en el fondo Marta y María con Cristo.

Con estas primeras obras alcanza un gran prestigio entre la nobleza sevillana lo que le permite catapultarse e
instalarse en el Madrid de los Austrias.

Etapa madrilena (1623- 1660)

Se trata de la etapa más amplia de la vida y obra de Velázquez que a su vez tiene distintas fases.
Inicialmente, desde 1623 a 1629 se emplea como pintor de cámara de Felipe IV y a medida que pasa el tiempo
consigue mejores trabajos.

Las obras de esta primera etapa son:

Los Borrachos
se trata de un tema mitológico protagonizado por el dios Bacco. En este cuadro, Velázquez abandona casi
totalmente el tenebrismo ya que distribuye la iluminación por todo el escenario.
En 1629 pasa una larga estancia en Italia, y en 1631 regresa a España permaneciendo hasta 1649. Se trata de
una fase prolífica en que realiza numerosas obras.

Retrato de Felipe IV
Pinta al rey teniendo como fondo la Sierra de Guadarrama. El caballo está en corbetta, levantando sus patas
delanteras y apoyado en las traseras. Emplea perspectiva aérea en el paisaje.
También hace retratos que hacen referencia al mundo clásico:
Cristo crucificado
Fue una donación real para el Convento de San Plácido. Es una excelente obra, de gran tenebrismo donde
aparece muy iluminado Cristo en contraste con la oscuridad del resto. Su cuerpo es bellísimo, idealizado, con
belleza clásica.

Velázquez realiza un segundo viaje a Italia en 1649 al encargarle el rey Felipe IV la adquisición de pinturas
italianas. Va a permanecer en el país trasalpino durante dos años. Allí realiza varias obras:
Retrato del Papa Inocencio X
Es un encargo del propio Papa donde además de la maestría en el tratamiento de la luz, destaca el estudio
psicológico del personaje.
En 1651 regresa de nuevo a España. Entre las obras que realiza en esta última etapa de su vida, están las más
importantes (sus tres grandes obras).

Venus del espejo

es un tema mitológico en que Velázquez pinta a la diosa Venus de espaldas y acostada sobre una cama o
diván, percibiéndose el peso de su cuerpo. Venus es representada mirándose en un espejo que sujeta Cupido.
Se trata de uno de los desnudos femeninos más bellos de la historia de la pintura.

Las Meninas
Las Meninas es la obra cumbre de Velázquez. Se trata del retrato de la Familia Real escenificado en el taller del
propio pintor. Se autorretrata pintando a los reyes, que se reflejan en el espejo. Representa a la Infanta
Margarita con sus meninas y bufones y el perro. Se autorretrata como pintor ennoblecido (lleva la cruz de
Santiago): como artista y no un mero artesano.
De nuevo es una pintura de gran realismo donde funde la perspectiva aérea y la perspectiva lineal central. Hay
dos focos luminosos que son tratados con maestría (puerta al fondo y ventana lateral). La sensación de
profundidad es magistral, gracias al tratamiento de la luz y a la pincelada suelta.
Rembrandt : 15 de julio de 1606 – 4 de octubre de 1669), pintor barroco. Nació en Holanda.
Rembrandt es uno de los pintores más famosos del mundo y exponente de la generación de artistas barrocos
del llamado Siglo de Oro holandés. Es conocido por su maestría pintando al óleo, un uso del claroscuro
característico, donde la luz sale del interior de la persona, el dominio del dibujo visible en sus grabados y la
serie de autorretratos en las que se pintó desde que era joven hasta poco antes de morir. Realizaba pinturas
profanas, ya que pintaba para la burguesía.

Obras más famosas de Rembrandt

 La ronda de noche (1642)

 El buey desollado (1643)

 Mujer bañándose (1654)

 La lección de anatomía del Doctor Tulp (1662)

 Serie de autorretratos a lo largo de su vida.

 Filosofo meditando

 Cristo tempestad
Rococó
El estilo Rococó nace en Francia a principios del siglo XVIII y se desarrolla durante los reinados de Luis XV y Luis
XVI. En este período sucede la Rev. Francesa.
Ha sido considerado como la culminación del Barroco, sin embargo, es un estilo independiente que surge
como reacción al barroco clásico impuesto por la corte de Luis XIV. El rococó a diferencia del barroco, se
caracteriza por la opulencia, la elegancia y por el empleo de colores vivos, que contrastan con el pesimismo y
la oscuridad del barroco.
Es un estilo aristocrático, revela el gusto por lo elegante, lo refinado, lo íntimo y lo delicado. Armoniza con la
vida despreocupada y agradable que la sociedad ansía y se desentiende de cuestiones religiosas. Es un arte
mundano, sin conexión con la religión, que trata temas de la vida diaria, no simboliza nada social ni espiritual,
sólo superficialidad. Por todo esto se considera al Rococó un arte frívolo, exclusivo de la aristocracia.
Se difundió rápidamente por otros países europeos, sobre todo en Alemania y Austria y se seguirá
desarrollando hasta la llegada del Neoclasicismo. Lo importante es la decoración, que es completamente libre
y asimétrica. Muestra su predilección por las formas onduladas e irregulares y predominan los elementos
naturales como las conchas, las piedras marinas y las formas vegetales.

En arquitectura, los edificios mantienen un trazado externo simple, sin embargo, en el interior la decoración
se desborda. El rococó impone la acumulación de elementos decorativos basados en líneas ondulantes y en la
asimetría. Utilizan colores pasteles. Importan los temas naturalistas, alegoría de las fiestas cortesanas y el
buen pasar.

En pintura, los temas más abundantes son las fiestas galantes y campestres, las historias pastoriles, las
aventuras amorosas y cortesanas. Las composiciones son sensuales, alegres y frescas, predominan los colores
pasteles, suaves y claros. La mujer se convierte en el foco de inspiración, ya que es la figura bella y sensual.

Boucher: Nació en París, el 29 de septiembre de 1703.

Fue quizás el pintor decorador más famoso del siglo XVIII, con sus pinturas idílicas y galantes, y uno de los
máximos exponentes del estilo rococó. En su obra plasmó escenas mitológicas, alegorías y retratos, entre ellos
varios de Madame de Pompadour.
Una de sus obras más famosas es el «Desnudo recostado», Boucher diseñó así mismo, trajes para teatros,
tapices, gobelinos y participó en la decoración de los palacios de Versalles.

 La presentación de vulcano a venus:

Fragonard es uno de los mayores representantes de la pintura del siglo XVIII; puede afirmarse que su obra
resume las aspiraciones del arte de su siglo, con sus contrastes y contradicciones. Su estilo fogoso, pleno de
desenvoltura, y su vivísima sensibilidad se expresan con la misma facilidad en las escenas galantes o morales
que en los retratos y en las composiciones o escenas de costumbres. La Revolución Francesa puso fin a la
demanda de obras del género galante, hasta el punto de que los últimos años de su vida transcurrieron en la
miseria.
 El columpio o the swing según el profe

 Beso robado
Goya: Francisco de Goya y Lucientes, artista plástico español del siglo XVIII, se dedicó principalmente a la
pintura al óleo, dibujo y grabados de aguafuerte. Prolífico, realizó en suma aproximadamente 2000 obras, de
las cuales muchas se conservan.
La colección más completa de Goya se encuentra actualmente en el Museo Nacional del Prado. Sus cuadros al
óleo se consideran hoy como máximos exponentes del romanticismo español.
La producción de cuadros que realizó Goya durante su carrera, viene caracterizada por la aplicación de
diferentes estilos pictóricos según su edad, de este modo se conocen obras que abarcan desde el Barroco
tardío que comenzó a estudiar a los 13 años, hasta romanticismo que conoció hacia el final de sus años.

Pinturas importantes:
 La Maja Desnuda-1790/1800-Museo del Prado, Madrid

 La Maja Vestida-1802/1808-Museo del Prado, Madrid

 Los Fusilamientos Del 3 De Mayo-1813/1814-Museo del Prado, Madrid

 Saturno Devorando a un Hijo-1819/1823-Museo del Padro, Madrid

 Duelo a garrotazos:
Edad contemporánea
Comprende el tiempo que va desde el comienzo de la Revolución Francesa, con la caída de la Bastilla el 14 de
julio de 1789, hasta la actualidad.
Es la etapa que viene después de la edad moderna, conocida también como la postmodernidad.
Desde entonces el mundo ha pasado por profundas transformaciones sociales, culturales, políticas y
económicas.
Es una fase caracterizada por el nacimiento de la industria, por los avances en las investigaciones científicas,
por el perfeccionamiento de la tecnología y por la constante evolución de los medios de comunicación y de
transportes.
Su inicio fue bastante marcado por la corriente filosófica iluminista o la ilustración como también es conocido
este pensamiento que dio origen a la revolución francesa, que destacaba la importancia de la razón y está
marcado de manera general.
También estuvo marcado Por el desarrollo y consolidación del régimen capitalista en el occidente y,
consecuentemente por las disputas de las grandes potencias europeas por territorios, materias primas y
mercados.
Fue una época de grandes revoluciones y grandes transformaciones.

Características de la edad Contemporánea

Con su surgimiento datado en el siglo XIX, la era Contemporánea tiene algunas características específicas que
la diferencian de las demás épocas ya vividas en el mundo.
 Consolidación del capitalismo como sistema económico.
 Desarrollo industrial.
 Ascensión política y económica de la burguesía industrial, principalmente en los países europeos.
 Consolidación del régimen democrático tras mediados del siglo XIX.
 Disputas entre las grandes potencias europeas que luchaban por los mercados consumidores, fuentes
de materias, y la conquista de territorios. La disputa dio origen a los movimientos conocidos como
Imperialismo y Neocolonialismo;
 Amplio desarrollo tecnológico, principalmente a partir de mediados del siglo XX.
 Cae Napoleón
 El siglo XX también fue configurado por los importantes descubrimientos y avances tecnológicos.

Las artes conocieron movimientos estéticos variados en sus diversos campos, resultando en producciones
artísticas geniales, como el cubismo, dadaísmo, surrealismo, futurismo, expresionismo.
Sin embargo, estos cambios no alcanzaron a toda la población del planeta. Hay todavía una intensa
desigualdad social tanto en el interior de los países como entre países de diversas localidades del globo.

Descubrimientos e inventos
Podemos decir que durante estos cuatro siglos es cuando más avances, inventos y descubrimientos se han
producido.
Está claro que unas las principales características de esta época han sido, el nacimiento de la industria, gracias
a la revolución industrial, por los avances en las investigaciones científicas, por el perfeccionamiento de la
tecnología y por la constante evolución de los medios de comunicación y de transportes.

La Industria y los Transportes

Inventaron la locomotora de vapor (1802), el barco de vapor (1807), el automóvil (1885) y el avión (1903). La
máquina de vapor cambió la forma de vivir de la humanidad.
Gracias a ella, los talleres artesanales se convirtieron en fábricas que podían elaborar muchos productos en
poco tiempo. También mejoró la agricultura, porque construyeron máquinas que hacían más fácil el trabajo en
el campo.

Las Comunicaciones
También en esta época se crearon el telégrafo (1837), el teléfono (1876), la radio (1895).

Romanticismo
El Romanticismo es un movimiento artístico y cultural que se inicia en los últimos años del siglo XVIII.Se
caracteriza por expresar estados de ánimo y sentimientos.
La razón ha dejado paso a los sentimientos, a la intensidad emocional. Este movimiento propugna un arte
onírico. Descubre los paisajes y disfruta e la exaltación del pueblo, de la libertad, del patriotismo, de la
nacionalidad.
El tema predilecto de los pintores románticos son los paisajes, en su aspecto más salvaje y misterioso. Reflejan
la lucha de la humanidad por la supervivencia frente a la naturaleza.
También se pintan cuadros con temática exótica, dramática, melancólica.
También hablan de temas políticos como revoluciones.
El retrato es el mejor género para representar el espíritu romántico. Los rostros están llenos de ternura,
dulzura, soledad...
El color predomina sobre el dibujo.
En Inglaterra y Alemania predominan los paisajes. Los pintores franceses se inspiran en acontecimientos
contemporáneos y en la literatura. En España los cuadros son costumbrista, históricos, retratos y también
paisajes.

Delacroix : Delacroix tiene un estilo de gran dinamismo y movimiento colorista. La acción se une al color como
elemento expresivo.
Muestra interés por temas literarios (La barca de Dante), históricos, contemporáneos, políticos de denuncia
(La libertad guiando al pueblo) y exóticos u orientales.
Su obra se caracteriza por la perfección de la línea y una composición evocadora de Miguel Ángel y Rubens. En
ella busca la brillantez de ejecución, la transparencia y fluidez del colorido, el brío pictórico y pastosidad, el
orientalismo exótico, la sensualidad y la violenta diagonal.

Corot: Paisajista francés del siglo XIX. La atmósfera, el ambiente, y en definitiva, el aire que existe y puede ser
pintado, es una de sus mayores aportaciones al Arte. Sus pequeños trucos visuales son la magia
y la calidad de su obra. Su arte es subjetivo.
Arquitectura del Hierro
La revolución industrial impulsa los principales cambios que sufre la arquitectura en la segunda mitad del S.
XIX. Trae consigo los nuevos materiales de construcción, como son el hierro, el acero laminado, el hormigón
armado o el vidrio. Con éstos se construirán lugares funcionales surgidos de las necesidades de la nueva
sociedad capitalista e industrial, lugares donde se necesiten grandes espacios diáfanos, invernaderos,
mercados, naves, fábricas, puentes, bibliotecas, etc.
Utilizan columnas de fuste liso y capitel jónico. La ornamentación es pobre.

La Biblioteca Nacional de Paris

Construida en 1868 por Henry Labrouste, compuesta por filas de columnas de hierro delgadas que soportan la
vidriera. Está formada por varias cúpulas, su iluminación natural es perfecta. Tiene un depósito para albergar
900.000 libros. Contiene óculos centrales y laterales más pequeños.

Las Exposiciones Universales

El empleo de los nuevos materiales arquitectónicos se difundió a través de las Exposiciones Universales, que
eran eventos que organizaban los distintos estados para mostrar los avances de la ciencia y la técnica propios
de su país. Para albergar las máquinas y los nuevos inventos se requerían pabellones de grandes dimensiones,
por eso se construyen con los medios técnicos más avanzados y buscando la máxima funcionalidad.
Es así como las exposiciones Universales ofrecen los mejores exponentes de la arquitectura del hierro. En 1851
fue la primera exposición importante internacional, allí las obras solían montarse para la muestra y luego
desmontarse. La torre Eifell nunca fue desmontada, quedó como un icono de Francia.

Realismo (1855)
El realismo surge después de la revolución francesa de 1848 y se extiende aproximadamente hasta 1870. El
desencanto por los fracasos revolucionarios hace que el arte abandone los temas políticos y se concentre en
temas sociales. Cronológicamente este movimiento sigue al Romanticismo, es reaccionario al romanticismo.
En este Estilo de arte se representan obras en las cuales sus contenidos pueden explicarse por causas
naturales y que no haya ningún tipo de participación divina o sobre natural. Es por esta razón por la cual al
arte realista se le considera una realidad muy objetiva tanto del artista como de la persona que observe dicha
obra y por lo tanto carece de cualquier conclusión idealista o cualquier forma de embellecimiento.
Este tipo de arte completamente realista se presentó como la oposición de las emociones excesivas que
representaba el romanticismo y con ello se reflejó en las obras realistas una búsqueda incansable de la
verdadera precisión. Los temas más destacados de este tipo de arte en la edad contemporánea no eran los
tipos temas como el medievalismo, sino que se representaban temas que hablaran de los conflictos que había
en esa época, de la vida cotidiana de las personas y sobre todo de las clases sociales que en esos momentos
había.
Gracias a los avances científicos y tecnológicos se pudieron introducir en este estilo de arte la fotografía como
una nueva disciplina, además también surgieron en el siglo XX otras disciplinas realistas como son el
hiperrealismo o el pop art.
Los principales fueron Colbert y Millet
Arte Colonial (Argentina XVI – XX )
Se da en América Latina por disposición de España hasta la independencia. La influencia española se impondrá
a la autóctona. Los artistas llegan desde España y forman talleres, enseñan a los nativos el arte Gótico, el
Manierismo, el Barroco y el Neoclasico. Realizan sus obras con una mezcla de diferentes estilos, adaptándose
y siguiendo los principios constructivos de la metrópoli, adaptándolo a condiciones del lugar y a su función en
un medio natural, social y económico diferente.
Las iglesias, con su lenguaje espacial de naves, capillas, bóvedas, cúpulas y campanario, continuaban la
tradición establecida desde los principios de la cristiandad, aplicando en la composición de estos elementos
los principios renacentistas y posteriormente barrocos vigentes en España.
Bs As fue fundada en 1536 y en 1776 nombrada Capital del Virreinato del Rio de La Plata, siendo el puerto la
llave para el desarrollo del país.

Periodos:
1536 – 1880
1810 – 1880
1880 – 1920
1920 – 1990

Arquitectura Colonial en Argentina : materiales ( adobe, teja, y ribetes en la decoración )

 Basílica Ntra. Señora del Pilar (1716) Altares estilo Barroco Germánico, Los altares laterales tienen un
estilo barroco germánico. Además, por mucho tiempo, la torre del frente fue el punto más alto de la
ciudad.
 La Recova vieja de Plaza de Mayo (1802 – 1804), demolida en 1883, obra neoclásica, con destino
comercial, dividía en dos la plaza.
 Arco de los virreyes, obra Neo Románica
 Ruinas Jesuíticas: Columnas adosadas, arco de medio punto, frontón partido, utilizaban piedra local en
la construcción.
 Manzana de las luces: es una manzana histórica de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, que se
encuentra rodeada por las calles Bolívar, Moreno, Alsina, Avenida Julio A. Roca (Diagonal Sur) y Perú
(esta última continuación de la peatonal calle Florida).
 Catedral de Cordoba (1590)
 Catedral Metropolitana de Buenos Aires: En el año 1880 fueron trasladados hasta la catedral
Metropolitana los restos del General Martín donde reposan sus restos y la catedral se convirtió en su
mausoleo.
 El contexto cultural correspondiente a la Revolución de Mayo fue neoclásico, cuyo primer monumento
fue un obelisco bautizado como "pirámide" de Mayo, que documenta la influencia del estilo "neo
egipcio" en boga al principio de la época bonapartista.
 En Buenos Aires el estilo es mayormente barroco rioplatense mientras que en el interior del país el
estilo era más barroco jesuiticomisionero, observable en muchas capillas pertenecientes a los jesuitas
que hacían allí sus labores, tales como las que encontramos en la provincia de Misiones, conocidas
como Las Ruinas de San Ignacio, hoy un atractivo turístico, o la de Loreto, en Santiago del Estero.
 Las ruinas más conocidas de la reducción de San Ignacio Miní, una misión jesuítica fundada a
comienzos del siglo XVII para evangelizar a los nativos guaraníes, por el padre jesuita, hoy San Roque
González de Santa Cruz , se encuentran en la actual localidad de San Ignacio, en la provincia argentina
de Misiones, distantes unos 60 km de la capital provincial, Posadas. Se empleó la piedra local, el
asperón rojo, en grandes piezas.
Los arquitectos que se han destacado son Antonio Masella, Andrea Blanqui y Juan Bautista Prímoli, quienes
son los responsables de la construcción de las iglesias de San Ignacio, la basílica de Nuestra Señora del Pilar, la
Catedral y el Cabildo.
Cuando Argentina se organizó como un país libre, sus obras empezaron a tener una visión más europea,
alejando un poco lo español, y basándose en obras italianas o francesas.
Las obras arquitectónicas coloniales empezaron a mezclarse con el estilo italiano, y esto empezó a verse a lo
largo y ancho del país
Una red de túneles surcaba gran parte del subsuelo de la antigua ciudad de Buenos Aires, la mayoría en
delicado estado de conservación debido a que son parte de la concepción arquitectónica fundacional de la
ciudad de 400 años de antigüedad.
Consistían en una red inteligentemente concebida formada por dos túneles que corrían de sur a norte y uno
de este a oeste. Originados en el siglo XVIII por ingenio de los sacerdotes jesuitas, su construcción fue
motivada por varias razones. Época de Inquisición, protección a los gobernadores, contrabando, etc.

Escuela Cuzqueña (pintura S XVII – XVIII )

Surgen artistas en Cuzco, utilizaban más que nada colores azules, rojos y dorados. En ella, se desarrollaron los
más relevantes resultados de la convergencia de tradiciones occidentales y locales indígenas. Los estudios en
esta materia por connotados investigadores peruanos y extranjeros, han dado luz a aspectos muy reveladores
de esta importantísima parcela del arte peruano colonial.
Las imágenes tenían forma piramidal, reflejaban a la Pacha Mama en rebelión a la Iglesia.

Romanticismo en Argentina

Literatura
 Juan Moreira , resignifica al gaucho es sus obras.
 Martin Fierro
 La Cautiva y el Matadero
 Facundo

Pintura (se formaron en Francia, eran gente de buena posición económica )

 Pueyrredón (un alto en la pulpería,
 Morel (payada en una pulpería,
 Malano
 De la Carcoma
 Schiaffino

Escultura
 Lola Mora
 Caferata
 Morales

2ª parte del Arte Argentino de la Primera mitad del Siglo XIX

A partir de la Revolución de Mayo y bajo el influjo de corriente de pensamiento tomadas de la Revolución
Francesa, la temática religiosa señalada en el periodo colonial, fue menos abundante. Esta vez la actividad
pictórica se desarrolló fundamentalmente en el retrato y las escenas de costumbres.
Un numerosos grupo artistas extranjeros visitaron, residieron por algún tiempo o se establecieron en la
argentina; captando en sus obras los tipos y costumbres de la región.
Paisajes. Pinturas costumbristas. Retratos y momentos históricos.
Lo suyo pasaba por captar la esencia de los ambientes. Calles porteñas, pulperías, postas y respectivos actores
en aquellos primeros años de patria libre fueron la carta de presentación de este romántico.
La gestualidad de sus personajes y el drama impreso en sus movimientos, así como el contraste de los colores
y los efectos lumínicos presentes en cada obra, le han abierto las puertas al club del Romanticismo. Sin
embargo, Carlos Morel ensayo otras técnicas y estilos.
La litografía fue otro de sus fuertes, técnica que comenzó a desarrollar a fines del los años ’30 y en la que
también alcanzó un gran reconocimiento
Pintura:
 Monvosin Raymond, soldado de la guardia de rosas
 Mauricio Rugendas: el rapto de la cautiva
 Palliere Jean León: idilio criollo
 Cándido Lopez: Despues de la Batalla de Curupaytí, desembarco del ejercito argentino frente a las
trincheras de Curuzú, ataque de la escuadra brasileña a las baterías de Curupayti, soldados paraguayos
heridos, batalla de Yataytí
1853:
Se funda la “sociedad Estímulo de Bellas Artes”, surge la academia de Bellas artes y se promueven
exposiciones d pinturas. Principales artistas: Eduardo sivorí, Ernesto de la Cárcova y Eduardo Schiaffino.
Los pintores argentinos se inspiran en Pintura francesa, Italiana, Machiauolli e Impresionismo francés a fin de
siglo.

El 21 de mayo 1903 se inauguró en Parque Colón La Fuente Monumental Las Nereidas realizada por la
escultora argentina Dolores Mora de Hernández. Despertó polémicas por estar representadas en ella figuras
desnudas. Fue la primera obra de arte realizada por una mujer que se inauguró en Buenos Aires. La audacia de
sus desnudos descubrió pacaterías, generó debates, provocó escándalos, pero también admiración. Su tema
mitológico fue un toque diferente dentro de la estatuaria porteña de comienzos de siglo, tan afecta a los
monumentos ecuestres y a las estatuas y bustos de próceres.
Es un paradigma de la libertad de la expresión artística, un ejemplo de la lucha de Lola Mora por imponer su
vocación frente a los rígidos mandatos sociales de su tiempo, y un símbolo de la belleza femenina.
Impresionismo (Siglo XIX) pintura y escultura
CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL IMPRESIONISMO

a. Captar lo efímero de la realidad. Pintan al aire libre para observar las variaciones de la luz y analizar su
incidencia sobre los objetos para ello tienen que ejecutar la obra con pinceladas rápidas y realizar series sobre
un mismo motivo para observar los cambios que provoca la diferente iluminación. Los temas más apropiados
para este fin son los paisajes

b- Buscan diversidad de encuadres y puntos de vista por influencia de la fotografía.

c. Gran importancia de los colores muchas veces de procedencia industrial y no de elaboración artesana sobre
el dibujo.

d- Utilizan colores puros e intensos utilizando las teorías sobre colores primarios, secundarios y
complementarios. No suelen usar el negro salvo Renoir y las sombras se realizan mediante colores
complementarios.
e- Toques sueltos y yuxtaposición de manchas de color que luego se fusionan en la retina del espectador que
debe observar la obra a cierta distancia y luego aproximarse para comprobar su ejecución

Los principales pintores impresionistas fueron: Manet, Monet, Degas, Renoir.

Monet : Uno de los propósitos de la pintura impresionista de Monet era captar objetivamente la expresión
etérea de la luz y el color. La preferencia por marinas de los alrededores de El Havre, la familiaridad de las
vistas y su costumbre por pintar al aire libre.
Monet aplicaba reglas propias tales como: perspectivas sin profundidad o primeros planos.
Monet pintó el cuadro titulado " Impresión Sol Naciente", que dió origen al nombre de la época del
Impresionismo. En sus obras, Monet recurría a un dramático contraste tonal que eliminaba los tonos
intermedios influenciado por la fotografía.
La característica común de todas las obras impresionista de Monet es el intento por captar la naturaleza tal y
como es en cada instante e infundir a cada pintura una sensación especial de la naturaleza.
Para que los paisajes resultaran visiblemente impresionistas debían pintarse desde el comienzo hasta el final
al aire libre, debiendo interrumpirse cuando cambiaran los efectos de la luz.

Principales obras: El estanque de las ninfeas

El sol naciente: con formas desdibujadas,
pinceladas , muy sueltas, tonos frios, colores
complementarios
 Estacion de San Lorenzo
La Grenouillere

Fiesta del 30 de junio en Saint Denis Colores primarios que

se realzan intercalando el blanco.

Las regatas

Renoir : Pese a ser considerado como un artista plenamente impresionista lo cierto es que la pintura de Renoir
fluctúa entre varias tendencias; plenamente impresionista podrían ser las obras realizadas entre 1870 y 1883,
con posterioridad el artista irá rescatando e incorporando en sus obras algunos dejes más clasicista que
hereda de un profundo estudio de la pintura de Ingres y su devoción por la figura femenina.
Para él lo importante era mostrar la alegría de vivir. Mientras otros del grupo mostraban los diferentes efectos
de la luz en un árbol, el bueno de Auguste lo que quería era los efectos de la luz en la vida.
Principales Obras:
El palco: Fondos claros sobre telas guesas, prefiere pintar personas,
fuertes contrastes entre colores cálidos y frios

El almuerzo de los remeros: preocupación por la naturaleza

muerta, hay una diagonmal que separa al dueño del
restaurante y a la futura mujer de Renoir del resto.

Las bañistas: vuelve al dibujo tradicional interesándole

especialmente el desnudo femenino, predominan ocres
claros y los azules.

Baile en el Moulin de La Galette: varios puntos de fuga, juego de

luces y sombras mulktitud de personajes en actitudes diversas,
escena de la vida cotidiana urbana que trasmite alegría de vivir. Los
elementos de primer término son más nítidos y el fondo mas
difuminado.
Degas: Dibujante, escultor y pintor historicista por formación, pero transformado al realismo contemporáneo
con ribetes de impresionismo. Virtuoso en la técnica académica clásica, pero moderno en su búsqueda de
imágenes. Degas es uno de esos pintores con un estilo único, especialista en captar el movimiento del cuerpo,
hasta un punto casi obsesivo: más de la mitad, unas 200, de todas sus obras están ambientadas en el Ballet, de
ellas el 80 lo muestra tras bambalinas.
Las obras de Edgar Degas son de gran calidad técnica y la personalidad del autor se caracteriza por su
incesante búsqueda de la belleza.

Principales Obras:
El desfile: contornos marcados, manchas de color dentro de las
líneas, abundancia de escorzos, pinceladas paralelas o
entrecruzadas.

En las carreras: sucesión de distintos planos, línea de azul en el

cielo muy estrecha, perspectiva oblicua, encuadres cortados Final
de un Arabesco, La tina , los bebedores de ajenjo, bailarinas azules,
etc.

La clase de Danza: blancos transparentes y vaporosos, para realzar

usa colores primarios o binarios, los tablones acentúan profundidad.

Final de un arabesco: efectos de luz especial,

escorzo intenso, captación del movimiento.
 Los bebedores de ajenjo: elquilibrio cromático, hombre y paredes
oscuras, mujer y mesa claro. Incidencia de la luz en los objetos.

Bailarinas azules: variedad de movimientos en el mismo tiempo, variedad de técnicas:

oleo, pastel, etc.

Rodin: Adopta la naturaleza como punto de partida, por eso se lo reconoce como la manifestación escultórica
de la pintura del impresionismo. A partir de la realidad que se percibe saca los estados anímicos del hombre,
que en ese momento están relacionados al pesimismo, la desesperación, la ansiedad. Además de interesarme
por el movimiento, se perfecciono en la profundidad , haciendo que sus figuras nazcan de adentro hacia
afuera. En sus obras , ya no se intenta copiar la realidad como en el pasado , aunque e ellas utilice las mismas
técnicas.

Principales Obras:
Las puertas del Infierno: inspiradas en la divina comedia de dante, no se concluyó pero algunas obras se
convirtieron en obras independientes, son ricas en contraste luz-sombra, el pensador(originariamente iba a
ser dante), personajes aislados y encerrados en su introspección, proyectada más de 180 figuras en varios
grados de relieve. Es una puerta de bronce para el futuro Musée des Arts Décoratifs, cuya decoración debía
versar sobre pasajes de la Divina comedia de Dante, una obra archipopular entre la intelectualidad francesa
del siglo XIX. El encargo se quedó solo en proyecto, pues el museo jamás se construyó, pero Rodin consagró el
resto de su vida a aquella obra, sin darla nunca por concluida. En La puerta del infierno, como se la apodó,
Rodin ensayó los hallazgos plásticos que se convertirían en sus famosas estatuas, como El Beso.

El beso:
Mutiplicidad de puntos de vista, captación del movimiento en distintas fases, contraste(superficie muy
lisa(mujer más pulida y el hombre de carnes más duras), utilizó técnicas del NON INFINITO rugosidad.
El Pensador: pensamiento reconcentrado, refleja intensidad del esfuerzo. Las extremidades están
sobredimensionadas, el cuerpo musculoso está en tensión. No esta pulimentada la superficie, lo que genera
claroscuros.

Los Burgueses de Calais: multiplicidad de puntos de vista, non infinito que acentúa los claroscuros, la
expresividad de manos, la tensión muscular, entre otras. Son individuos derrotados, aislados unos de otros y
avanzan en distitnas direcciones. Están sobre una baja plataforma.

Monumento a Balzac: está hecha en bronce tiene movimiento ascensional, ausencia de adornos, la figura está
envuelta en una bata, está sobre un pedestal bajo. Hay un contraste entre parte superior con formas muy
marcadas (fuerte expresionismo) y la zona inferior apenas desarrollada.

Se sitúa en el último tercio del siglo XIX, a partir 1875-1880 cuando se inicia la III República.
La burguesía una vez que ha conseguido el poder se transforma en conservadora, comienza la segunda fase de
la revolución industrial con los consiguientes avances científicos y técnicos (luz eléctrica, tranvía, metro,
teléfono, telégrafo, motor de explosión), carrera colonial (Francia es la segunda potencia colonial) y por tanto
contacto y valoración de otras culturas exóticas, en especial la estampa japonesa, con colores claros y
luminosos y un espacio plano.

Por otra parte, los avances tecnológicos impulsan nuevas salidas para las artes plásticas:
- la fotografía y la fijación del movimiento, de la instantánea, que introdujo múltiples puntos de vista en los
encuadres.
- la luz artificial, vinculada a la electricidad, que contribuirá a exaltar más el papel de la luz y la búsqueda de
nuevos tipos de perspectiva.
Paris se convierte en centro artístico es la época de la bohemia y de la belle epoque. Es la cuna de los grandes
movimientos artísticos: impresionismo, postimpresionismo y de las primeras vanguardias.
Postimpresionismo:
En 1880, un grupo de pintores que se encuentran insatisfechos por la máxima descomposición formal a la que
se ha llegado quieren superar a los impresionistas, aunque conservando su color intenso.
Su propósito es reconstruir nuevamente la realidad, pero sin copiarla servilmente. Abandonan París y van a
lugares y relevantes para otros artistas y así realizar aportaciones decisivas para el arte del siglo XX, aunque
cada uno sigue su propio camino.
Con Cezanne, Van Gogh y Gauguin se sustituye la dinámica tradicional de los estilos históricos por las
Vanguardias, que destruyen todos los conceptos con los que hasta ahora se había comprendido la obra de
arte. Ahora el arte es un objeto en sí mismo.

Características comunes:
• Todas las vanguardias nacen bajo directrices ideológicas en las cuales se definen las intenciones
artísticas.
• creencia en la técnica y en el progreso ilimitado.
• ruptura con el pasado artístico
• poética de la originalidad: afán de continua renovación, incorporando nuevos materiales o
experimentado nuevos discursos al lenguaje artístico.
• planteamientos de intenciones a través de manifiestos.

"Neo impresionismo" o "Post impresionismo" es un movimiento artístico que nace en Francia, es representado
como continuación y contraposición al Impresionismo, toma elementos de este, pero a la vez rechaza de las
limitaciones que supone.
Por ello para entender el post- impresionismo se debe saber que a éste se le debe la libertad artística en su
conjunto.
El post- impresionismo es la base de los estilos modernos y contemporáneos.

Características del Postimpresionismo

- Pinceladas cortas y precisas, reflejo de los cambios rápidos que se desarrollan en la época.
- Los colores puros evocan la radicalidad que se vive en la sociedad. La naturaleza ya no se ve de forma
subjetiva, si no que se observa como un conjunto.
- El movimiento de las imágenes junto con la textura, reflejan el dinamismo cultural que se acelera
gracias a los nuevos medios de transporte y la importación de objetos exóticos, especialmente de
oriente.
- El "japonismo", sub-estilo del cual Vincent van Gogh fue uno de los principales exponentes, por
ejemplo con obras como: "Un cangrejo de espaldas".
En conclusión, el postimpresionismo consiste en una liberación de las formas clásicas, los colores y texturas se
transforman a la par con el cambio social de finales del 1800. Las barreras de la razón se destapan por
completo y dan lugar a una cultura inclusión e igualdad que hasta hoy perdura.

Contexto Social
En el siglo XIX tiene lugar el colapso de los imperios Español, Francés, Chino, Romano y Mogol de la India. La
Revolución Industrial aparece y permite la evolución y el rápido crecimiento de las ciudades.
En esta época aparecen las ciudades modernas que se conocen hoy en día, se producen nuevos inventos,
cambios que causaron una transformación en la sociedad y potenciaron el crecimiento de la clase social
burguesa, la cual a su vez favoreció la masificación de formas artísticas tradicionalmente ligadas a clases altas,
como la ópera y el ballet. El arte pictórico por su parte experimentó un fenómeno diferente, comenzaron
aparecer artistas que de una forma reivindicativa tomaban los cánones existentes y los transformaban a su
gusto, de una manera sumamente personalista.
Plasman los ideales de individualismo y objetivismo, que propugnan las corrientes intelectuales del momento.
Paul Cezanne
Su objetivo es captar rápidamente la sensación visual, sino pensar, para elaborar la realidad, lo que no
significa evitarla.
Crea formas geométricas elementales como con los esferas y cilindros pues según él la naturaleza se basan en
ellas. Influirá en el cubismo.
El volumen se consigue gracias a las sombras ya no basadas en el negro y el gris sino en simple contrastes de
colores, Los jugadores de Cartas, al mismo tiempo la profundidad se deriva del juego entre los tonos cálidos y
fríos algo especialmente importante cuando aborda el paisaje donde pretende desde la perspectiva lineal,
como la de la aérea, que implica una degradación tonal.

Tiene una composición equilibrada, pero con ligera asimetría, la

botella es el eje central, el de la iz está de cuerpo entero y el derecho
aparece cortado. Predominio de colores cálidos. Claridad geométrica:
Se reducen las formas a conos, cilindros y esferas. Líneas de contorno
muy marcadas, delimitan figuras, dotándolas de protagonismo al
margen del espacio (aíslan del entorno). Protagonismo de la mesa y
manos enfrentadas.

serie la montaña:
contornos escarpados angulosos en la montaña, zonas de blanco que
dejan ver la tela aumentando la luminosidad y potencia de los tonos.
Mosaico formado por paisajes coloreados que definen formas y
espacio. Escalona planos sucesivos graduando tonos en pinceladas
verticales, horizontales u oblicuas.

arquitectura cromática: ocres y verdes (más intensos cuanto más

próximos) del valle frente a cielo y montaña con predominio de azul.
Pinceladas anchas, geometrizadas (cuadradas) y muy densas . hay
más de sesenta versiones.
 Mujer de la cafetera:
Contrastes cromáticos tonos cálidos y fríos. Vestidos con pliegues a base de
planos geometrizados. La taza y la cafetera tienen protagonismo propio.

Las grandes bañistas: las pinceladas son planas, tiene contrastos con
tonos cálidos en las mujeres y fríos en el cielo., tiene estructura
piramidal. Los arboles tienen movimientos ascensionales. Hay partes
blancas en la tela para potenciar las tonalidades.

Gauguin: Gauguin, entiende el arte como una actividad religiosa que le impulsa a buscar la sinceridad de la
gente sencilla.
Se traslada a Tahití donde aprende de la gente del lugar, su intención de recuperar el sentimiento y la manera
espontánea de manifestarlo sus temas, preferentemente son los indígenas de los que realza su pureza a través
de gestos simples, de miradas profundas y de una vida retirada en plena naturaleza, (Dos mujeres tahitianas
en la playa).

Visión después del sermón: colores lisos y formas simples. Contornos

delimitados por gruesas líneas. Colores arbitarios, ya que no
correspondes con la realidad. Contraste de colores: calidos(rojos) con
frios(vestido de las mujeres bretonas) realzado por el blanco de las
cofias. Desproporción entre primer plano excesivamente ampliado
respecto al segundo término muy reducido. La visión tras el sermón,
también llamado La lucha de Jacob con el ángel. Está realizado en óleo
sobre lienzo. Paul Gauguin rehúsa manejar la perspectiva tradicional,
por lo que consigue un efecto de figuras planas.

El mercado: Contraste de colores, visión rectilínea del mundo

egipcio(partes de frente y otras de perfil) primitivismo. Figuras planas de
vivos colores recortadas sobre fondo gris.
 EL cristo amarillo: Composición equilibrada con cierta asimetría. Tiene un espacio
libre hacia la derecha para mirar el paisaje. Deja al descubierto algunas zonas de la
tela para mayor luminosidad. Contrastes cromáticos.

Tahitianas con mango: fondo a base de mancha pierde su referencia espacial

(abstracción).
Predominio de trazos curvos (actitudes relajadas, reflejo de felicidad) importancia de
regazo con flores de mango.

Dos mujeres tahitianas en la playa: predominio de colores cálidos y

luminosos que contrastan con tonos más apagados y fríos de parte superior.
El primer plano ocupa buena parte del cuadro.

De dónde venimos? ¿Qué somos?

¿A dónde vamos?: composición equilibrada.
Pirámide lateral derecha, en cuya cúspide hay dos
figuras tristes (posiblemente tras tomar la fruta del
árbol de la ciencia)
Figura central algo desplazada (cogiendo la
manzana del árbol de la ciencia).
Pirámide lateral izquierda en la cúpide está un ídolo.

Vincent Van Gogh:

Recibe una formación autodidactica que consiste en copiar a los antiguos maestros y sobre todo a Miller del
que lo atrae su mensaje social.
Se instala en Provenza, concretamente en Arlés, donde desarrolla la pintura al aire libre y se centra en el
paisaje.
Aunque de un modo muy distinto a Cézanne, prefiere la inestabilidad. Sus desavenencias con Gauguin, lo
llevan a una fuerte crisis que lo lleva a su ingreso en un manicomio en1889, en el que se suicida en 1890.
Hace del color el auténtico protagonista, reconstruye el volumen y la profundidad, expresa sentimientos
humanos razón por la cual constituye la raíz del expresionismo.
Primera etapa:
Denuncia social: el reloj marca las 7, pobreza de alimentos,
personajes abatidos en silencio y tristes. Contornos agitados,
deformados y casi caricaturescos. Pinceladas gruesas, fuerte
claroscuro, entre la lámpara y el resto.

Segunda etapa:

La llanura de Crau: colores vivos y luminosos, intensos sin

gradaciones. El punto de vista es elevado. Las pinceladas van en
distintas direcciones. La línea del horizonte está muy elevada. La
carreta ocupa el centro. Hay armonía cromática.

Autorretrato: pinceladas yuxtapuestas y superpuestas con distintas tonalidades

que provocan fuertes contrastes cromáticos.
Utiliza la técnica divisionista con pinceladas densas directamente sacadas de los
tubos industriales de pintura.

Autorretrato con la oreja cortada

 Café de noche interior: desarrollo de la perspectiva diagonal.
Plano del suelo muy desarrollado. LoS personajes están aislados
y no tienen comunicación. Punto de vista elevado. Combinación
cromática de colores complementarios (ej: rojo de la pared con
el verde del billar). Estudio de la luz nocturna, aureolas a base
de pinceladas concéntricas.

Café de noche exterior: macha amarilla rodeada de trazos blancos en un fondo

de variados azules son el cielo estrellado. Lineas de perspectiva hacia el
centro(lineas amarillas). Pibnceladas no mezcladas de trazo curvo conforman
adoquines.

Naturaleza muerta: búsqueda de combinaciones cromáticas de amarillos y

naranjas. Los girasoles simbolizan el sol de Arlés. Doce girasoles.

14 girasoles con pincelada continua de ejecución rápida.

 MI habitación en Arlés: Combinaciones cromáticas de tonos puros y
complementarios. Colores planos muy saturados. Ventana semicerrada significa
que el estado de ánimo era deprimido.
Los cuadros son objetos con valor simbólico. Punto de vista elevado(privilegia
plano del suelo).

Los cipreses: Las pinceladas se arremolinan reflejando su alterado estado de

ánimo. Se inclina por el tema de los cipreses con desarrollo flamígero. Los colores
cada vez más saturados, utiliza la espátula junto al pincel.

Noche estrellada: Cipreses flamígeros dan verticalidad que equilibra

horizontalidad de cielo. Espirales de color acentúan agitación. Pinceladas
enérgicas, sinuosas y argadas de color puro que contrastan de modo
violento. Estrellas y luna representadas por torbellinos amarillos rodeadas
de pinceladas blancas en dinámica relación con cielo azul.
Resplandeciente banda aumenta contraste entre espacio terrenal y
celestial. Contornos muy marcados con líneas oscuras. Contraste entre
formas rectas del pueblo muy empequeñecido y la profusión de curvas y
contracurvas del cielo y la vegetación.

Iglesia de Auvers: la divisoria de caminos significa encrucijada en su vida.

Campo de trigo con cuervo: utiliza un cuchillo para impregnar

espesas capas de pintura. El dibujo desaparece. Los caminos
son tortuosos. Presencia de cuervos volando en diagonal.
Cielo encrespado por colores oscuros y por torbellinos. Línea
de horizonte ondulada. Contraste cromáticos intensos.
Edad Contemporánea (S. XX)

Modernismo (contexto)
El siglo XX se presenta tempranamente, marcado por una época de grandes conflictos bélicos. La primera
guerra mundial (1914-1918) sume a Europa en un gran declive económico y político y como consecuencia, en
una profunda crisis de conciencia ante la incapacidad de resolver sus problemas de manera pacífica. Al mismo
tiempo, en Rusia, surge una nueva forma política, el socialismo. Europa conoce un cierto despegue industrial,
aunque la crisis de 1929 en Estados Unidos termina afectándole. Finalizada la primera guerra mundial en
Alemania con Adolf Hitler y en Italia con Benito Mussolini se impone el fascismo y aliándose a Japón irán en
contra del comunismo lo que dará origen a la segunda guerra mundial (1939-1945).
Tras la derrota nazi, el mundo se divide en dos bloques donde Estados Unidos de un lado y la Unión Soviética
del otro protagonizaran la denominada guerra fría (1845-1959) caracterizada por una tensión constante

Freud: Sigmund Freud descubre el psicoanálisis, poniendo el centro de atención en el inconsciente como
región donde se registran todas las represiones

Sartre: El existencialismo de Jean Paul Sartre, resalta la falta de lógica de la vida, la que conduce
inevitablemente a la angustia y a la desesperación, pues el hombre no tiene otra opción que elegir entre
soluciones imperfectas.

Nietsche: Friedrich Nietzsche critica la filosofía dogmática, por poner su acento en la otra vida y no en esta,
por lo que niega a Dios y enaltece al superhombre.

Eistein: En el campo científico Albert Einstein inaugura la era atómica al afirmar que no existe un tiempo
único, pues depende de la velocidad del observador (teoría de la relatividad) .

Arquitectura
La situación creada por la revolución industrial genero una multiplicidad de nuevos temas edilicios. Pierden
importancias las iglesias y el palacio reemplazados por el monumento, el museo, palacio de exposiciones y
edificios de oficinas
Estas nuevas edificaciones representaban los valores económicos de la nueva sociedad capitalista, manifestad
por la creación de edificios destinados a fábricas, oficinas y viviendas. La eficiencia y la rentabilidad son la
prioridad insoslayable.
En cuanto a los materiales tradicionales (piedra, ladrillo, madera), se trabajan en forma mas rentable. Los
progresos en las ciencias permiten utilizar estos materiales de modo mas conveniente y medir su resistencia
La utilización del hierro colado se extiende en la construcción de columnas y vigas que son las que forman el
armazón de muchos edificios industriales, pudiendo cubrir grandes espacios con estructuras relativamente
ligeras y a prueba de fuego.

Art Noveau:
Este arte logra una renovación , dejando atrás los métodos antiguos e implementando nuevos métodos. En
esta época aparece el diseño grafico. Tambien, hace referencia a la intención de crear un arte nuevo, joven,
libre y moderno.
Predomina la inspiración en la naturaleza e incorpora novedades de la revolución industrial (acero, cristal)
superando la pobre estética de la arquitectura del hierro.

Arte total: toma las bases de la arquitectura del hierro y lo perfecciona, haciendo que todo tenga que ver con
todo, que cada detalle constructivo y decorativo esté relacionado entre sí.
Características
 Uso de líneas curvas y asimetría (tanto en edificios como decorados)
 Tendencia a la estilización. Inspiración en la naturaleza, utilización de formas redondas.
 Uso de imágenes femeninas en actitudes delicadas, ondas en los cabellos, pliegues en las vestimentas
(drapeado), actitudes sensuales llegando a lo erótico solo en algunos casos.
 Libertad en el uso de temas eróticos ( Fantasias, estampas japonesas )
 Reaparece el Vitreax, pero con nuevas formas y mas trabajado
 Se utiliza la técnica de Tyfany, para hacer lámparas decorativas

Gaudí ( 1852/1926 )
Fue el máximo representante del modernismo catalán, de gran capacidad imaginativa y sentido geométrico de
volumen. Concebía sus edificios en forma global, tanto su estructura como los aspectos funcionales y
decorativos. Integraba a la arquitectura la vidriería, la forja de hierro, carpintería y la cerámica
Influido por el Neo gótico, desembarco en el modernismo creando un estilo propio basado en la observación
de la naturaleza con un fuerte sello personal.
Su principal inspiración fue la naturaleza. Utilizo formas geométricas regladas: paraboloide hiperbólico, el
helicoide y el conoide. Eliminó así los contrafuertes y los arbotantes. Utilizó tambien el arco de medio punto y
el apuntado, pero fucionados. En sus construcciones se utilizaron materiales baratos (ladrillos, trencadís).
Tras su muerte fue relativamente olvidado y criticado por el resultado fantasioso de sus obras. Recién en 1950
fue reivindicado por Dalí. Trencadis ( azulejo partido de descarte )

Obras:
Casa Mila (1906-1910) Conocida como la pedrera, fue realizada en la plenitud artística de Gaudí en una etapa
naturalista con amplia libertad creativa. Posee una fachada en piedra calcárea, ondulada, sinuosa y sin
esquinas estructura de pilares de piedra ladrillo y hierro colado (evoca a una montaña nevada)

Sagrada familia Llamada la catedral de los pobres, 1883-1926. Desde 1915 solo se dedico a esta obra siendo la
última y la que supone la síntesis de su obra. Planta en cruz latina
con cinco naves y 170 ms. de altura. Concebida como si fuese la estructura de un bosque, con un conjunto de
columnas arborescentes que evitan el uso de contrafuertes (como en el Gótico). Con este esquema
geométrico reglado supera al utilizado en el periodo Gótico.
Pese a su trascendencia y a tener un gran numero de colaboradores y discípulos, no creo una escuela propia.
Nunca se dedicó a la docencia ni deja casi ningún escrito. Pero si dejo una profunda huella en la arquitectura
del siglo XX Su obra es de difícil clasificación.
Racionalismo: ( 1925-1965)
El racionalismo o movimiento Moderno, busca una arquitectura fundamentada en la razón, de líneas sencillas
y funcionales. Basada en formas geométricas simples y materiales de orden industrial, al tiempo que renuncia
a la ornamentación excesiva y otorga una gran importancia al diseño igualmente sencillo y funcional.
La arquitectura racionalista tuvo una estrecha relación con los adelantos tecnológicos y la Producción
industrial, elementos pre fabricados y módulos desmontables, con un lenguaje geométrico de líneas simples
como: cubos, conos, cilindros y esferas.
La principal premisa era el Funcionalismo. Fue un movimiento preocupado por ofrecer mejoras a la sociedad,
por mejorar la vida de la gente a través de un lenguaje constructivo innovador buscando una nueva forma de
construir e interpretando la realidad del ser humano con su entorno, atendiendo la problemática del aumento
de la población en las grandes ciudades, valiéndose de las nuevas formas de concebir los espacios y de utilizar
el diseño como herramienta para aunar funcionalidad y estética, utilizando los adelantos técnicos e
industriales como así también , nuevos materiales.

Bauhaus
Primera escuela de diseño del siglo XX (1919-1933) Alemania – Weisman- Dessau. Fue un movimiento artístico
internacional de arquitectura arte y diseño. Surge de la unión de la escuela de Bellas Artes, con la escuela de
artes y oficios. Tuvo como objetivos reformar la enseñanza de las artes para lograr una transformación en la
sociedad burguesa, recuperando los métodos artesanales en la actividad constructiva
Su contenido critico y el compromiso con ideas de izquierda, causaría su cierre en 1933.

Principios establecidos: “La forma sigue a la función”. En arquitectura los diferentes espacios eran diseñados
con formas geométricas según la función para la que fueron concebidas. La obra de Bauhaus fue nombrada
patrimonio de la humanidad por la Unesco en 1996.

Características arquitectónicas
 Empleo de nuevos materiales, hierro y hormigón premoldaedos y vidrio.
 Amplios ventanales con cuadros de listones de hierro con delgadas columnas de acero como elemento
portante.
 Sustitución de pilares en esquinas por ventanas, brindando ligereza a la fachada flotante.
 Línea geométrica pura, líneas rectas.
 Ruptura con cualquier referencia a estilos pasados.
 Adaptación del edificio a su función
 Eliminación de elementos decorativos
 Esqueleto interno: permite la sustitución del muro con función de sustento por muros cortina (planta
libre).
 Los cristales funcionan simultáneamente como cierre y acceso al exterior.
 Equilibrio, proporción y ritmo armónico.

Lecarbousier
 De procedencia suizo-francesa, fue arquitecto, diseñador, pintor urbanista y escritor, considerado el
más claro exponente de la arquitectura moderna.
 Conocido por su definición de la vivienda como “la maquina para habitar” poniendo énfasis no solo en
el concepto funcional de la vivienda, sino que esta funcionalidad debe estar destinada al vivir.
 Plantea la Arquitectura en cinco características principales.
 Planta baja con pilotis (sector de servicios y estacionamiento de vehículos)
 Planta libre. Con la tecnología del hormigón, genero una estructura de pilares en donde se apoyan
lozas permitiendo la libre disposición de los cerramientos.
  Fachada libre, independiente de la estructura.
 Ventanas alargadas, ubicadas en forma corrida a lo ancho de la construcción para ofrecer una mayor
luminosidad.
 Terraza jardín, crea un ambiente aprovechable para el esparcimiento.

Villa Saboya 1929 Casa de campo francesa

Características
 Uso de pilotis que aíslan al edificio del suelo. Efecto de claroscuro de la planta baja.
 Techo plano, permite terraza jardín.
 Estructura de hormigón y hierro.
 Contraste entre formas cubicas de la primera planta y paredes onduladas de la azotea.
 Multiplicación de ventanas corridas horizontalmente.
 Cuatro lados similares. Se rompe la organización jerárquica en torno a una fachada principal.
 Situada en el centro del jardín, se puede contemplar por las ventanas deslizantes los cuatro ángulos.

Casa Curuchet (1949-1953)

Diseñada por Le Corbusier y construida en la ciudad de La Plata por el arquitecto Amancio Williams (diseñador
y constructor de la casa del puente en la ciudad de Mar del Plata). Declarado patrimonio arquitectónico de la
humanidad por la Unesco.
La Casa Curuchet fue utilizada para la filmación de la película “El hombre de al lado “en el año 2010.

Mies van der Rohe

Arquitecto Alemán egresado y posteriormente director de la Bauhaus, diseña y construye el edificio Seagram
building (1954-1958) de 39 pisos y 157 metros de altura en Park Avenue, Nueva York. Fue una obra muy
influyente ya que su estructura combina acero con un núcleo de hormigón armado para resistir los empujes
laterales del viento y un esqueleto sustentante de pilares de hierro con divisiones y cerramientos de muros
mamparas y muros cortinas (aluminio y vidrio) denominado estructura de hueso y piel.
En arquitectura, este tipo de edificios se los clasificaba como Arte total, en donde cada parte del mismo esta
diseñada para complementar a otros dentro de un todo. De carácter innovador este tipo de construcción se
diferenciaba de los edificios de la época con estructuras retranqueadas, utilizadas especialmente con sentido
estético y para disminuir la superficie a medida que aumentaba la altura.

Francisco Salamone
De origen italiano se radica en Argentina a temprana edad y completa su formación académica en la Escuela
Oto Kraus, Universidad de la Plata y Universidad Nacional de Córdoba con los títulos de Arquitecto e Ingeniero.
Se vincula a la administración de Manuel Fresco, gobierno nombrado en forma fraudulenta (1936-1940). Un
gobierno de características autoritarias y fascistas.
Manuel Fresco, contrata a Salamone para construir edificios públicos con la idea de fomentar el crecimiento
de pequeños pueblos del sudoeste de la provincia de Buenos Aires con la idea de consolidar urbanísticamente
todos los humildes asentamientos que, hasta la década del 30, conservaban el aspecto de fortines defensivos.
Llega a construir mas de 60 monumentales obras en solo 40 meses. A lo largo de la ruta Salamone, se
reconoce una impronta industrial de una época signada por la gran crisis. Torres estilizadas, relojes gigantes en
las fachadas, proporcional a un nuevo encuadre en el contexto que quiebra el llano horizonte pampeano.
Involucro a ciudades como Guamaní, coronel Pringles, Chascomús, Balcarce, Azul, Tornquist, Carhue entre
otras.
El repertorio fabril se tradujo en una arquitectura descomunal donde el hormigón visto fue el material
insignia.
Tipología
De tipología comunal, casi toda obra pública. Se oriento hacia la construcción de Mataderos, municipalidades,
plazas y cementerios. En lo que respecta al gobierno de Fresco, el principal objetivo era que el municipio se
convirtiera en el corazón urbano del pueblo, para lo que otorgo amplias facultades a Salamone.
Las características de sus obras fue el diseño de la totalidad del edificio y sus componentes, herrajes,
artefactos de iluminación y mobiliario, formaron parte de su actividad proyectual. De carácter racionalista,
pero con marcada tendencia al art deco de la mano del hormigón, promovió un mix de estilos que aun hoy
torna inclasificable su producción
Construyo seis cementerios con quienes recupero los iconos cristianos a escala monumental.

Laprida: una cruz de 35 metros casi surrealista. El camino interno hacia la cruz, logra un efecto dramático.

Saldungaray: diseño circular de 20 metros que enmarca la cruz de la entrada, rayos celestiales del disco y la
cabeza de un cristo doliente en el centro de la cruz, remata con un cielo con cerámica vitrificada detrás de la
cruz.

Azul: agrupamiento prismático. Propuesta iconográfica con la representación del vía crucis y el arcángel San
Miguel, una escultura de cinco metros de altura.

Los mataderos fueron mas que un símbolo. Sumo imágenes y representaciones de lo que ocurre puertas
adentro de estas instalaciones industriales dedicadas a la faena. Plasma la actividad en formato de cuchillo sin
metáfora.
En el año 1940 Manuel Fresco es desplazado del cargo lo que significa el final del desempeño publico de
Salamone

Salamone, también llamado el arquitecto de la piedra liquida, fue considerado un diseñador maldito por estar
asociado a la década infame, a Manuel Fresco y al fascismo. Pero en realidad, estéticamente era un
seleccionador del menú internacional tomando elementos constructivos y estéticos de todos lados. No es un
art deco tradicional, pero tiene su dinámica.

Diferencias entre Art Nouveau y art deco

Representan dos estilos decorativos de características diferentes, pero, sin embargo, se confunden con cierta
frecuencia.
Mientras que el art Nouveau tiene que ver con las curvas, es decir se basa en lo ágil, lo fluido, en el
movimiento que aportan curvas y en la asimetría, buscando gran parte de su inspiración en la naturaleza y
donde los componentes se adaptan perfectamente al conjunto creando un equilibrio; el art deco en cambio,
hace jugar un papel importante a la geometría: rectas, ángulos y simetrías son sus valores constantes. Tiene
mayor carácter industrial, elimina la estética centrada en la naturaleza. Se inspira en las primeras vanguardias
y tiene influencia en los descubrimientos arqueológicos del antiguo Egipto.
Encontramos en el art deco, patrones geométricos, cuadrados, rectangulares y circulares con frecuencia,
todos basados en la simetría. El art deco es el arte que se desarrolla en el periodo entre guerras.
Fauvismo y expresionismo alemán:

FAUVISMO
Valora el color y el objeto. Es la variante francesa del Expresionismo presentada en 1905 en el Salón de Otoño
en París y que se caracterizan por su violencia cromática. El color es el elemento fundamental del cuadro y se
aplica directamente del tubo, sin mezclar o en la paleta. El color se independiza del objeto y se aplica de
manera arbitraria, la línea recupera su energía y potencia expresiva con trazos gruesos. Los temas son
paisajes, personajes en habitaciones, naturalezas muertas.
Su máximo representante es Matisse: exalta el valor emocional del color y su juego con la línea. Frente al arte
sensorial del impresionismo, el de Matisse se vuelve intelectual. Con los años abandona la agresividad del
color. Su pintura es de tintas planas.
El arte Fauvista o Fovista recibe su nombre de la palabra Fauve o fiera en español, haciendo referencia a la
fiereza de sus tonalidades.
Ese apodo despectivo fue dado por el crítico Louis Vauxcelles durante la exposición en la que el grupo de
artistas que encabezaba Matisse presentó sus obras. Esta exposición recibió el nombre de Salón de Otoño,
celebrado en París en 1905. El repudio de la crítica convirtió al fovismo en el grupo de vanguardia en París.

Lujo, calma y voluptuosidad: es del género del

puntillismo. Utilización del color puro en gamas
luminosas e intensas. Equilibrio: horizontal del horizonte
con vertical del tronco y del palo de la vela. La diagonal
de la plaza conecta la oposición vertical-horizontal.

La raya verde: busto de su esposa con cabeza ligeramente girada. Las

zonas con colores cálidos representan zonas iluminadas, mientras que
la gama de tonos fríos se emplea para las sombras. la raya verde que
divide la cara a la mitad separa la zona de luz y acentúa el contraste.
Las pinceladas siguen una dirección. Colores densos con gran cantidad
de pigmentos. Escasos contornos. En la pintura predominan los colores
primarios.
 Mantel: armonía en rojo: Empleo de colores puros, luminosos,
contrastados, arbitrarios para producir sensaciones intensas.
Utilización de arabescos como elemento decorativo por su capacidad
sintética.

La danza: enormes dimensiones de la obra aprisionan al espectador en baile cromático. Los colores son
planos, intensos por grandes superficies. Movimiento circular continuos ascensos y descensos como si
estuvieran bailando. Fuertes contrastes. Simplificación de formas en un dibujo en arabesco.

Expresionimo alemán:
Erns Ludwig Kirchner

Postdamerplatz: trazos nerviosos, bruscos cambios de perspectivas y puntos de vista.

Formas angulosas abruptas y ondulantes que provocan inquietud y miedo

Mujeres pasando: figuras alargadas, simplificadas a veces de manera

grosera, se apelmazan pero no tienen conexión unas con otras. Utilización
arbitraria de colores fuertes, intensos, puros.
Franz Marc:
El jinete azul: colores luminosos y arbitrarios. Superposición de
planos. Figurativo y abstracto.

Movimientos más estéticos. Formas, líneas y color adquieren independencia

gradualmente de la realidad. Composición con ritmos diagonales. Aparecen
algunos elementos reconocibles. Equilibrio entre colores alegres y formas.

VANGUARDIAS ABSTRACTAS
En 1910 llegan varios artistas por diferentes caminos a la abstracción. Para conseguirla hay dos vías:
Una intuitiva- la forma surge por un gesto motor: Kandisky.
En 1912 hace sus Improvisaciones, expresiones inconscientes de su interior, con asociaciones de formas y
colores que buscan provocar diferentes sensaciones. Creen que la tarea del artista es representar la belleza
como experiencia espiritual.
Wassily Kandinsky (1886–1944), padre del arte abstracto y músico cualificado, estableció fuertes lazos entre la
música y el arte.
Tituló algunos de sus trabajos con términos musicales, veía colores cuando escuchaba música y pensaba que el
color podía plasmar visualmente el timbre, el tono y el volumen de la música.
Su carrera artística comenzó a los 30 años tras abandonar una carrera como jurista e iniciar sus estudios
artísticos después de contemplar la obra de Monet “Almiares de heno”.
Kandinsky, que sentía apasionadamente la urgencia de crear, creía que la pureza de este deseo se transmitiría
por sí misma a los espectadores de su obra.
Paralelismo entre pintura y música. Vincula tonalidades
cálidas-frías con notas musicales. Pintura se independiza de
los objetos materiales
Dadaísmo (1916 -1922) reacción a la Primera Guerra Mundial.
Surge en Suiza, concretamente en Zurich, lugar de encuentro de quienes huyen de la guerra iniciada en 1914.
El poeta rumano Tristán Tzara (1886-1963) se convierte en su portavoz para protestar contra la sociedad del
momento, responsable del mal que se padece.
No poseen un programa, pero comparte su actitud negativa hacia todos los valores establecidos, también
hacia el arte e incluso hacia ellos mismos.
Producto de esta postura anárquica es el mismo nombre de Dadá que eligen para identificarse, que alude al
balbuceo infantil. No respetan nada del sistema vigente, al que quieren poner en crisis realizando
intervenciones absurdas que llegan a escandalizar.
Su finalidad era, en efecto, dar a entender al público en general que todos los valores consagrados, morales y
estéticos, habían perdido su razón de ser por la acción de la catástrofe originada por la guerra.

Dadaísmo y Surrealismo
Ambos movimientos se centran en una crítica a la razón. Lo absurdo, lo ilógico, lo arbitrario, lo ridículo cobran
protagonismo en sus obras.
Son movimientos que se desarrollan en el mundo de entreguerras en momentos en los que la crítica al mundo
occidental, y al racionalismo que lo caracteriza, es común en artistas e intelectuales.

Dadaísmo y Surrealismo
Ambos movimientos se centran en una crítica a la razón. Lo absurdo, lo ilógico, lo arbitrario, lo ridículo cobran
protagonismo en sus obras.
Son movimientos que se desarrollan en el mundo de entreguerras en momentos en los que la crítica al mundo
occidental, y al racionalismo que lo caracteriza, es común en artistas e intelectuales.
Hay grandes diferencias entre dadaísmo y surrealismo, en el primer "-ismo" nos encontramos con el nihilismo
como protagonista.
Crítica a todos los elementos sobre los que se sustenta la vida y la moral burguesas.
Superan las fronteras de la artístico llegando al "todo vale" –cualquier cosa, un trapo encontrado en la calle- es
objeto de arte.
El surrealismo tiene unos objetivos mucho más artísticos y literarios, lo buscará es liberar al hombre mediante
el arte, éste es un método adecuado para liberar el subconsciente del hombre.

Marcel Duchamp:
Utiliza objetos encontrados y los presenta como obras de arte. Su finalidad es la ironia, acabar con los tópicos,
impactar a la sociedad burguesa vigente. A la Gioconda de Da vinci la retoca agregándole barba y bigotes. El
nombre de la obra es L.H.O.O.Q. traduciéndolo quedaría como ella tiene el culo caliente, explicándolo de otra
manera ella está excitada.
Surrealismo
El Surrealismo es automatismo puro. Se intenta expresar el funcionamiento real del pensamiento, sin control
de la razón, libremente frente a preocupaciones morales o estéticas. Fue una auténtica actitud vital.
Pensaban que la tradición grecolatina que ha configurado la cultura occidental ha mutilado al ser humano al
dar primacía a su componente racional y lógico.
Orientan su actuación hacia el subconsciente, el azar, la locura, los estados alucinatorios y los fenómenos
parapsicológicos.
Recursos comunes son: introducir máquinas fantásticas, aislar fragmentos anatómicos, la animación de lo
inanimado, las metamorfosis, las perspectivas vacías, la confrontación de objetos incongruentes, las temáticas
eróticas y los sueños.
Salvador Dalí El gran masturbador: contraste de colores
luminosos, muy brillantes y contrapuestos (amarillos y
azules). Personajes solitarios diminutos perdidos en la
inmensidad.
Símbolo por excelencia de sus obsesiones sexuales
El Rostro del Gran Masturbador es un autobiográfico:
La gran cabeza del masturbador es una de las
personificaciones del propio artista, que aparece en la
pintura protagonizando varias escenas simultáneas, como
reflejo de la transformación anímica y erótica que Dalí
acababa de experimentar a causa de la aparición de Gala en
su vida.
Por otra parte, en esta inquietante composición, las fantasías dalinianas alcanzan su cénit, en especial por lo
que respecta al motivo del saltamontes que succiona el cuerpo de la gran figura metamorfoseada, ya que,
según refiere Dawn Ades, este insecto le aterrorizó siempre de forma especial, incluso ya desde los días de su
infancia.

La persistencia en la memoria: líneas puras, se muestra

muy académico. Perfección técnica, profundas
perspectivas. Paisajes inmensos y solitarios. Contraste
lumínico: foco de luz que ilumina suavemente los objetos
y otra fuertemente iluminada al fondo, con luz blanca e
irreal retrato de relojes derretidos, intenta reflejar la
irrelevancia del tiempo. Bronce pintura al aceite.

Retrato de mae West: anamorfosis: pelo=cortinas, Ojos=cuadros,

Nariz=chimenea, boca= escaleras.
 Canibalismo de otoño: vibrante contraste de colores (de anaranjads del suelo a
azules del cielo)

Sueño provocado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada: escorzo un pez regurgita dos tigres. Los
elefantes tiene las patas como insectos. Luminosidad trasparente en el cielo. Los elementos levitan.

El enigma sin fin: anamorfismo

gala viendo el mediterraneo y el rostro de Abraham Lincol: juegos ópticos.

Óleo sobre fotografía sobre tablero de madera contrachapado.
Presenta de manera novedosa su concepto de doble imagen. El rostro de Lincoln se ve en formato pequeño en
la parte inferior izquierda de la obra, donde también se repite la figura, en una pose cambiada, de Gala

Galatea de las Esferas: respeto a las leyes de perspectiva lineal

renacentista. La figura se descompone.
Es fruto de un Dalí apasionado por la ciencia y por las teorías de la
desintegración del átomo.

La tentación de San Antonio: patas de insecto en mamíferos, llanuras

infinitas. Representa la dimensión entre el cielo y la tierra con la
creación de sus elefantes de patas largas.

Jirafas ardiendo: descontextualización: cuerpos salen de cajones. Mujeres sin rostro y con
muletas. Sombras alargadas. . La mujer lleva un movimiento sonámbulo, perdida en la
dimensión del sueño que no sabe por dónde seguir su camino.
Corpus hipercubicus: la cruz está formada por cubos pefectos que flotan y no se
tocan entre ellos ni con cristo, que no tiene heridas ni sangre. Intensidad luminosa
sobre cristo acentuando el drmatismo. Tiene espacio de gran profundidad ajedrezado
de baldosas.

Cristo de San Juan de la Luz: reflejo de sombra en madera, profundo escorzo en

picado, efectos claroscuros. Vista de costa gerundense abajo.
Cubismo ( S XX )

Es la aportación mas revolucionaria de las vanguardias, reaccionan al abuso del color. Rompen con el sistema
representativo del Renacimiento.
En este estilo se renuncia a la perspectiva tradicional, a los colores reales y a ver a las figuras desde un punto
de vista único. Buscan figuras cotidianas como el tren, el automóvil , se exalta el plano y se rescatan escenas
interiores.
Se rompe con los tabúes del arte occidental, no se pinta con normas, se elimina la profundidad y es una
representación dimensional.

Cubismo Puro: Dentro del Cubismo hay dos fases, el Cubismo analítico y el Cubismo Sintético.

Cubismo analítico: Hace irreconocible a las figuras, fragmenta las imágenes en multitud de planos, utiliza
pinceladas de clarosocuro y hay muchos puntos de vista. Este arte no pretende recrear la realidad.

Cubismo sintético: Utiliza planos más amplios, representa al objeto con imágenes únicas.

Picasso: El mayor exponente de este período y junto a Braque son los creadores del Cubismo.

Las señoritas de Avignon: Utiliza varios puntos de vista, las líneas son muy
marcadas, la luz ilumina de manera uniforme la superficie, no hay relación
entre los personajes, las figuras son geométricas. Gran innovación: cuerpo
de espalda y cara de frente.

El viejo Guitarrista ciego :

Pertenece al período azul de Picasso, él retrata la melancolía y expresividad de mendigos denunciando la
pobreza y la miseria de la época.
Tonos fríos, personales marginales, cierto estatismo, formas algulosas , dibujo muy marcado son algunas de
las características.

Los Saltimbanquis ( Etapa Rosa )

Pertenece a la etapa rosa, son personajes del mundo del circo

ambulante. En este período recupera la alegría de vivir, en la pintura las
formas se suavizan y son menos angulosas, mientras que la luz es irreal.
El fondo tiene colores frios, y sobre ellos se destacan las figuras con
colores vivos.
 Período de transición , Cubismo analítico ( Fabrica de Horta de
Ebro )

Descompone la figura en planos y los distribuye en superficies

pequeñas limitadas por líneas rectas a las que aplica color.
Plasma el mismo plano desde diferentes puntos de vista.

Retrato de Ambrose Vollard

El color y la luz pierden importancia frente a la forma, la imagen se

descompone en multiples planos , se abandona el color y se tiende a
lo monocromático. Arma la estructura a través de líneas Horizontales,
verticales y diagonales. Hay ausencia de movimiento, y la incedencia
de la luz varia en cada plano.

Naturaleza muerta con asiento de rejilla

 Los tres músicos

Jovenes corriendo por la playa

El Guernica: pintura al aceite

Su titulo alude al bombardeo de Guernica, ocurrido el
26/4/1937 durante la guerra civil Española. Realizado
como denuncia de la guerra civil española. No se ven
los verdugos, solo las víctimas

Las Meninas
Serie de 56 cuadros, reinterpreto y recreando varias
veces las meninas de Diego Velazquez. Costa de 45
interpretaciones de la obra, nueve escenas de una
palomar , tres paisakes y un retrato de Jaqueline
( anda a saber quien carajo era esa bastarda)