El Arte RenacentistaEn

Bolivia y
Internacional
Histori
a
El concepto de renacimiento se aplica a la época artística que da comienzo a la Edad Moderna. El término procede
de la obra de Giorgio Vasari Vidas de pintores, escultores y arquitectos famosos, publicada en 1570, pero hasta el
siglo XIX este concepto no recibió una amplia interpretación histórico artística.
Sin embargo, Vasari había formulado una idea determinante, el nuevo nacimiento del arte antiguo, que presuponía
una marcada conciencia histórica individual, fenómeno completamente nuevo en la actitud espiritual del artista.
De hecho el Renacimiento rompe, conscientemente, con la tradición artística de la Edad Media, a la que califica,
con pleno desprecio, como un estilo de bárbaros o de godos. Y con la misma conciencia se opone al arte
contemporáneo del norte de Europa.
El renacimiento es un período de renovación cultural, artística, literaria y científica, que se lleva a cabo entre los
siglos XIV y XV en Europa. No existe un evento que podamos considerar como desencadenante principal del
movimiento renacentista, a pesar de que los siglos XV y XVI fueron testigos de grandes eventos. Como fueron: la
caída de Constantinopla, la conquista del sureste europeo por los turcos, el descubrimiento de nuevos mundos
Aunque no hay un inicio claramente definido, los diferentes autores están de acuerdo en que el renacimiento se
hace patente, en el momento en que la gente empieza a darse cuenta de que ya no vive en la edad media.
Sus propios intereses son diferentes y tiene mayor conciencia de sí mismo y de su desempeño sociocultural. En
contraste con la gente de la edad media que no tenía claridad sobre su existencia en una época diferente de la
época clásica antigua. El Renacimiento supone una nueva forma de comprender el arte, las artes liberales ya no
están controladas por los gremios, sino bajo la protección de los muchos príncipes y la burguesía. Nacen, así, los
mecenas, como las familias Medici, Rucelli, Tornabuoni o Pazzi. La figura del artista es engrandecida y admirada,
por lo que se abandona definitivamente el anonimato. Sin embargo, surge el taller del maestro, que controla el
acceso a la profesión de los oficiales y aprendices, y que es quien recibe los encargos de los clientes. Además de la
burguesía, la Iglesia y la monarquía serán protectores de los artistas, ya que se descubre el valor propagandístico
del arte. Se establecen tres tipos de relación entre el artista y el cliente: el sistema doméstico, en el que el mecenas
acoge en su casa al artista para que trabaje; el mercado, en el que el artista simplemente vende las obras que crea
por encargo, y la academia, en el que el artista trabaja para el Estado
Diferentes etapas históricas marcan el desarrollo del Renacimiento: Quattrocento
De forma genérica se pueden establecer las características del RenacimientoCinquecento
en:
Surgimiento de una nueva relación con la Naturaleza
El Renacimiento hace al ser humano medida de todas las

En las llanuras orientales de Bolivia tuvo lugar uno de los más profundos y significativos experimentos sociales del
tiempo de la colonia, en el que se quisieron materializar todas las ideas utópicas de los filósofos del Renacimiento.
 En esta zona los jesuitas levantaron diez reducciones,
diez agrupamientos de indígenas para evangelizarlos.
Éstos, ante la alternativa de ser tratados como
esclavos por los encomenderos, aceptaron de buena
gana participar.
En 1691 se construyó la misión de San Xavier, a la que
seguirían otras nueve. Las seis que se conservan en la
actualidad (Concepción, San Miguel, San Rafael, Santa
Ana y San José de Chiquitos, además de la de San Xavier) están consideradas por la Unesco Patrimonio Mundial.
Desde 1691 hasta su expulsión en 1767, los jesuitas no sólo enseñaron el Evangelio, también arquitectura,
agricultura, ganadería, etc. Y sobre todo música y canto.

Pintura

La pintura renacentista abarca el período de la historia del arte europeo entre el arte de la Edad Media y el
barroco. Como todo el arte del Renacimiento, la pintura de esta época está relacionada con la idea de volver a la
antigüedad clásica, el impacto que tuvo el humanismo sobre artistas y sus patronos, gracias a la adquisición de
nuevas sensibilidades y técnicas artísticas. Se considera a Italia la cuna de la pintura renacentista al confluir allí
las nuevas técnicas (como el descubrimiento de la perspectiva) con una nueva ideología humanista. Allí se
conservaban a la vista los monumentos de la Antigüedad a la que se quería hacer renacer, buscando modelos de
armonía y belleza.
Los pintores del Renacimiento dieron paso de la tabla al lienzo, y sustituyeron la técnica tradicional del temple por
el óleo, que permitía mayores posibilidades plásticas y que ya se estaba utilizando en los Países Bajos por los
maestros flamencos de la pintura gótica. Aun así, durante el Renacimiento los maestros italianos también
trabajaron el fresco, creando grandes conjuntos murales.
Durante el Renacimiento la pintura vivió una época de predominio de la línea sobre el color: el dibujo fue
concebido como el padre de las artes visuales, y tanto en Florencia (Quattrocento) como en Roma (Cinquecento).

Se considera a Italia la cuna de la pintura renacentista al confluir allí las nuevas técnicas (como el descubrimiento
de la perspectiva) con una nueva ideología humanista. Allí se conservaban a la vista los monumentos de la
Antigüedad a la que se quería hacer renacer, buscando modelos de armonía y belleza.

La pintura renacentista abarca el período de la historia del arte europeo entre el arte de la Edad Media y el
barroco. Como todo el arte del Renacimiento, la pintura de esta época está relacionada con la idea de volver a la
antigüedad clásica, el impacto que tuvo el humanismo sobre artistas y sus patronos, gracias a la adquisición de
nuevas sensibilidades y técnicas artísticas.
Pinturas de Países
Pintura renacentista italiana
El Renacimiento italiano creó una verdadera revolución en la pintura. Italia
fue el foco primero y principal del Renacimiento en todas sus
manifestaciones, del siglo XV al XVI. Un directo antecesor de esta nueva
sensibilidad fue Giotto, maestro que rompió con el estilo bizantino.
Sustituyó el típico fondo dorado por escenarios naturales.
La pintura del Quattrocento se desarrolló primero con la obra de Fra
Angelico y sobre todo de Masaccio (1401-1428), que creó una nueva
sensibilidad, totalmente ajena al gótico. Logra la sensación de espacio a
través del uso metódico de la perspectiva lineal, como puede verse en la
Trinidad de Santa María Novella (h. 1420-1425). Con el Humanismo, el
hombre se sitúa en el centro de todas las cosas, y es la medida de
referencia. La perspectiva debe entonces respetar las leyes físicas del
mundo, y la relación entre luz y sombra en los cuerpos. Masaccio quiere
representar en sus cuadros la realidad «objectiva». Tradicionalmente es considerado el primer pintor moderno.
Introdujo en el arte occidental la noción de verdad óptica, de perspectiva y de volumen..
Pintura holandesa
Las escuelas holandesas empiezan con Lucas van Leyden (1494-1533) quien se formó en el estilo de los flamencos
italianistas como lo revelan sus cuadros del Sermón en el Museo de
Ámsterdam y el San Jerónimo y la Virgen con el Niño en el de Berlín. Muy
pronto la invasión del protestantismo disipó el verdadero ideal en la pintura
holandesa y aunque sigue italianizante en el siglo XVI se limitan los asuntos
a pintar las costumbres y paisajes del país.
Martin van Heemskerck fue uno de los principales retratistas, aunque
también se dedicó a la pintura de historia. En Utrecht nació el retratista
Antonio Moro (h. 1519 - h. 1576-78), considerado creador de un tipo de
retrato cortesano que se difundió por toda Europa.
La organización democrática de Holanda dio lugar a que se realizaran los
primeros retratos colectivos, en los que se destacará Frans Hals (1580-
1666), de la ciudad de Haarlem.
Pintura española
En España, por proximidad geográfica y lazos de todo tipo (históricos, comerciales, etc.), los modelos del
Renacimiento italiano llegaron por la Corona de Aragón, difundiéndose más tardíamente en Castilla, donde
prevalecía la influencia del gótico flamenco. Lafuente Ferrari habla de cierta resistencia española al estilo
renacentista, que explica por la fidelidad a la pintura hispanoflamenca, los escasos pintores españoles que
realmente viajaron a Italia y cierta desconfianza hacia unos modelos que se percibían como paganizantes.
Los mecenas del Renacimiento español fueron la Corte, la Iglesia y la nobleza.7 Siendo la iglesia católica uno de los
principales, si no el más importante, de los mecenas, los temas fueran predominantemente religiosos.
 No es fácil determinar, en España, cuándo las formas del gótico
internacional dieron paso a las formas renacentistas. No hay una
ruptura clara. Autores como Jaime Huguet (1414-95) ya habían
sentido la influencia italiana, pero el italianismo y el alejamiento de los
modelos flamencos no se produjo hasta el siglo XVI.

Pintura alemana
En Alemania existía una poderosa escuela gótica de gran patetismo, violencia
y expresionismo. Las formas del Renacimiento italiano llegan a principios del
siglo XVI.
El pintor más destacado del Renacimiento alemán, y uno de los grandes
maestros de la Pintura occidental fue Alberto Durero (1471-1528). Visitó
Venecia donde conoció la obra de autores como Bellini; este autor, junto con
Mantegna fueron sus influencias más directas. Tras un viaje por los Países
Bajos, adoptó ciertos rasgos de la pintura flamenca como el plegado de los
paños. Inclinado al dibujo y a una realista representación de la naturaleza,
destacó como grabador, uno de los mejores de todos los tiempos, usando la
técnica de la xilografía y también la calcografía (grabados en cobre).20 Destaca
toda su serie de autorretratos y el estudio de desnudo que hace en los muy clásicos Adán y Eva (1507) que se
conservan en el Museo del Prado

Pintura francesa

En Francia se inicia el renacimiento con autores de clara influencia

flamenca, como Jean Bellegambe (1470-1534),
que se inspira en los artistas de Amberes. En torno a las cortes de Francisco
I y Enrique IV se dan dos escuelas llamadas de Fontainebleau, que siguen
modelos italianizantes.
Francisco I llamó a su corte a Leonardo da Vinci y Andrea del Sarto. Pero
fueron artistas italianos posteriores los que dominaron la primera escuela
de Fontainebleau. En el palacio de Fontainebleau trabajaron decoradores
italianos como Rosso, Primaticcio y Niccolò dell'Abbate. Muchas de estas
decoraciones de Fontainebleau se divulgaron gracias a la labor de diversos
grabadores, como el francés Jean Mignon.
En esta época alcanza gran esplendor el género del retrato, con Jean Clouet y su hijo François. El primero realiza
Escultura
lienzos mitológicos y retratos dibujados o a lápiz. François busca la caracterización social de sus modelos,
aproximándose más a los modelos italianos y flamencos.
 La escultura del Renacimiento se entiende como un proceso de recuperación de la escultura de la Antigüedad
clásica. Los escultores encontraron en los restos artísticos y en los descubrimientos de yacimientos de esa época
pasada la inspiración perfecta para sus obras. También se inspiraron en la naturaleza. En este contexto hay que
tener en cuenta la excepción de los artistas flamencos en el norte de Europa, los cuales además de superar el estilo
figurativo del gótico promovieron un Renacimiento ajeno al italiano, sobre todo en el apartado de la pintura.

La escultura parte del estudio directo de los modelos clásicos y del naturalismo de la gótica italiana, inspirada a su
vez en la antigua clásica. Distingue a la escultura del Quattrocento un acento realista, que se eleva al máximo en los
bustos-retratos, frente al Cinquecento, que se deja llevar por un deseo de idealización y grandiosidad. Se advierte
también el gusto por el desnudo, enteramente clásico. Los materiales preferidos son el mármol y el bronce, los
materiales nobles de la antigüedad. La técnica de la fundición del bronce alcanza una extraordinaria perfección. La
labra en mármol consigue efectos de sutil refinamiento, especialmente en el relieve. En Florencia se generaliza un
material de barro cocido, que a veces se pinta o se vidria.

En el caso de la escultura de bulto redondo una primera referencia es el completo conjunto del retablo de la iglesia
de Santiago de Jumilla, de los hermanos Ayala, contratada en 1582, uno de los pocos retablos que el renacimiento
obró en Murcia y que se pueden admirar
Escultura de Países
Escultura francesa

El interés político de los reyes de Francia por asentar sus dominios en tierras
italianas tuvo consecuencias culturales, ya que fueron varios los artistas italianos
que a partir de la segunda mitad del siglo XV se establecieron en la corte
francesa, siendo Francisco I el principal mecenas de estos artistas, entre los que
se encontraba Leonardo da Vinci. Hacia 1460 se estableció en Provenza el
escultor Francesco Laurana, al que se considera el introductor del Renacimiento
en Francia, que trabajó sobre todo en la parte sur del país. Una de sus esculturas
más conocidas es el sepulcro de Carlos IV de Anjou en la catedral de Le Mans.

Escultura española
Las ideas y formas escultóricas del Renacimiento italiano penetraron en España con los artistas florentinos que
fueron a trabajar a la corte española durante el siglo XV, y siguieron extendiéndose con la obra de artistas de varias
nacionalidades y de algunos españoles que aprendieron en Italia desde
los últimos años de dicho siglo. Sin embargo, el nuevo estilo no logró
implantarse con firmeza hasta el advenimiento del Rey Carlos I de España
al trono, a principios del siglo XVI.
Ya en 1339 había llegado a Cataluña el arte de los pisanos con el sepulcro
de Santa Eulalia en la catedral de Barcelona, labrado por Lupo di
Francesco, aparte de algunas otras influencias arriba descritas. Casi un siglo después se labraron en el trascoro de
la catedral de Valencia algunos relieves por el florentino Giuliano, discípulo de Ghiberti, junto con otros de mano
española. Pero estos ensayos y tentativas quedaron aislados hasta la llegada de otros maestros de la escuela
florentina a finales del siglo XV y principios del siguiente.
Escultura en los Países Bajos
En los Países Bajos se habían desarrollado y consolidado
completamente las actividades artísticas durante el período gótico a
niveles muy altos, lo que hace comprensible que fueran reacios a
admitir otros criterios. Así pues, fue tardía la aceptación del nuevo
estilo que venía de Italia y las decoraciones góticas se mantuvieron
aún durante largo tiempo. En la realización de retablos, sillerías de
coro y mobiliario religioso con escultura incluida, se utilizó la talla en
madera, en los que se elaboraron los elementos renacentistas al estilo
de los realizados en la parte lombarda de Italia

Escultura inglesa
La escultura inglesa del siglo XVI se deriva de la italiana, siendo de este
último país los más notables artistas que trabajaron en Inglaterra. Los
monarcas, para animar la vida artística, ejercieron una función muy
importante a la hora de desarrollar este movimiento artístico. Entre los
primeros y principales escultores italianos figuró Pietro Torrigiano, a
quien se debe el sepulcro de Enrique VII e Isabel de York. Está realizado
en mármol y bronce dorado, con las figuras yacentes de los monarcas y
en cada ángulo del sepulcro unos ángeles que sostienen los escudos de
armas; se encuentra en una capilla de la abadía de Westminster en
Londres. En 1511 esculpió el sepulcro de Margarita Beaufort, madre de
Enrique VII. De 1516 data el sepulcro del archivero real, John Young, a
quien también representó en un busto conservado en la National Portrait Gallery de Londres.
También le fue encargada por Enrique VIII su propia sepultura y la de su esposa Catalina de Aragón en
1518. A pesar del viaje del escultor a Italia para contratar ayudantes, se desconocen los motivos por los
cuales no llegó a realizar la obra y abandonó la corte inglesa para instalarse en España en 1525. Este
sepulcro se realizó finalmente entre 1524 y 1528 por el escultor italiano Benedetto da Rovezzano.

Escultura portuguesa
 En las postrimerías del siglo XV, Andrea Sansovino fue a trabajar
para el rey Juan II de Portugal; parece que se tenía la sensación
de que los italianos, con su monopolio casi exclusivo del arte
antiguo, poseían también el don de lo que era correcto dentro
del arte.
Se creó alrededor de la corte de Juan III un foco de humanismo
según el modelo de las cortes italianas. El Renacimiento se
impuso en las ciudades de Coímbra, Tomar y Évora con tanta
fuerza que en esta región del Alentejo costó bastante la posterior implantación del Barroco. La escultura
portuguesa se manifestó asimismo italianista en su primer Renacimiento, siendo sus principales obras
tres hermosos relieves en el claustro de la iglesia de Santa Cruz en Coímbra, labrados por artistas
portugueses:

Cristo ante Pilatos

Paso de la cruz a cuestas
Misa de San Gregorio
Arquitectura

Arquitectura del Renacimiento o renacentista es aquella diseñada y construida durante el período

artístico del Renacimiento europeo, que abarcó los siglos XV y XVI. Se caracteriza por ser un momento de
ruptura en la historia de la arquitectura, en especial con respecto al estilo arquitectónico previo: el
gótico; mientras que, por el contrario, busca su inspiración en una interpretación propia del arte clásico,
en particular en su vertiente arquitectónica, que se consideraba modelo perfecto de las Bellas Artes.
Produjo innovaciones en diferentes esferas: tanto en los medios de producción (técnicas de construcción
y materiales constructivos) como en el lenguaje arquitectónico, que se plasmaron en una adecuada y
completa teorización.
Otra de las notas que caracteriza este movimiento es la nueva actitud de los arquitectos, que pasaron del
anonimato del artesano a una nueva concepción de la profesionalidad, marcando en cada obra su estilo
personal: se consideraban a sí mismos, y acabaron por conseguir esa consideración social, como artistas
interdisciplinares y humanistas, como correspondía a la concepción integral del humanismo renacentista.
Conocemos poco de los maestros de obras románicos y de los atrevidos arquitectos de las grandes
catedrales góticas; mientras que no solo las grandes obras renacentistas, sino muchos pequeños edificios
o incluso meros proyectos, fueron cuidadosamente documentados desde sus orígenes, y objeto del
estudio de tratadistas contemporáneos.
Arquitectura de Países
Europa
Arquitectura de Europa
El lenguaje arquitectónico propio del Renacimiento italiano no desplazó a las formas tardogóticas
predominantes en el resto de Europa hasta bien entrado el siglo XVI. Los contactos internacionales en las
esferas económica, política y militar, intensificados a partir de los ya abundantes desde la Baja Edad
Media, los viajes de los artistas demandados por las diversas cortes, así como la decisiva difusión de
documentos e imágenes gracias a la imprenta y al grabado permitieron un intercambio de información
decisivo.

Arquitectura en Francia
La arquitectura renacentista francesa es la denominación
historiográfica con la que se designa la producción arquitectónica
de principios de la Edad Moderna en lo que hoy es Francia
(entonces principalmente el reino de Francia, aunque también
partes de Flandes, Lorena, Alsacia, Franco Condado, Saboya,
Cerdaña, Bretaña y Provenza).

Corresponde a la arquitectura francesa en la época del

Renacimiento —que sustituyó progresivamente a la arquitectura
gótica, que había nacido en el país en el siglo XII— a partir de la importación y adaptación de los modelos
del Renacimiento italiano. Apareció a comienzos del siglo XVI, más de medio siglo más tarde que en
Italia,3 en diferentes regiones francesas, en especial en el valle del Loira y en la Isla de Francia. Continuó
hasta principios del XVII, cuando fue sucedida por la arquitectura barroca o clasicismo francés.

Arquitectura en Portugal
En Portugal el estilo manuelino es la contribución portuguesa al
Renacimiento; aunque su estética, que aúna elementos renacentistas
y tardogóticos de un modo semejante al plateresco isabelino
castellano, es muy distante del clasicismo. Un motivo decorativo muy
repetido, la retorcida maroma de barco, se interpreta como una
referencia explícita a las proezas de los navegantes portugueses, que
estaban protagonizando la Era de los Descubrimientos y permitieron
la extraordinaria expansión política y económica que convirtió al
reino en una potencia mundial.

rquitectura en Alemania
 El Renacimiento en Alemania fue inspirado por filósofos y artistas alemanes
como Johannes Reuchlin y Alberto Durero, que había visitado Italia. La
arquitectura más destacada de este período son la Residencia Landshut, el
castillo de Heidelberg, el castillo Johannisburg en Aschaffenburg y el
Ayuntamiento de Augsburg. En julio de 1567 el consejo de la ciudad de
Colonia aprobó un diseño de estilo renacentista realizado por Wilhelm
Vernukken para el Ayuntamiento, con una loggia de dos pisos. La iglesia de
San Miguel, en Múnich, es la iglesia renacentista más grande localizada al
norte de los Alpes. Fue construida por el duque Guillermo V de Baviera entre
1583 y 1597 como centro espiritual de la Contrarreforma y se inspiró en la
iglesia de Il Gesù en Roma. El arquitecto es desconocido.