Forma musical

En música, forma musical en su sentido genérico designa tanto una estructura musical como
una tradición de escritura que permite situar la obra musical en la historia de la evolución de la
creación musical. Añadidas a un título de una obra, las diferentes formas musicales como
sinfonía, concierto, preludio, fantasía, etc., designan entonces, tanto una estructura que se ha
construido a lo largo del tiempo, como un género musical particular, una composición musical
que ha evolucionado durante siglos: ópera, danza, etc. En ambos casos, el concepto de forma
alude a la pertenencia a una categoría de obra que posee uno o varios criterios más o menos
estrictos propios de una estructura ―número de movimientos, estructura general, proporciones,
etc.― que a lo largo de la historia se han convertido en prototipos, lo que no ha impedido que
hayan seguido evolucionando y olvidando a veces los moldes del principio, ya que los
compositores trabajan, además de los temas, el ritmo, la melodía y la armonía.

Se habla también de formalismo cuando se hace uso de una cierta técnica de composición o de
una categoría de obra que respeta un cierto número de usos, teóricos o históricamente
inducidos.

Pero si el contenido de la música es inefable, inmanente, su inscripción en la trama temporal de

nuestro presente le imprime a la vez una estructura y una forma, que operan en nosotros
transformaciones incontrolables por la consciencia. La organización de la música no es de orden
intelectual salvo si se la considera como una estructuración consciente que la teoría podría
paralizar.

Índice
Forma musical, estructura y género
Forma y estructura
Forma y género
La forma musical como creadora de la unicidad de la obra
Unidad de tiempo
Unidad de la obra
Gestalt
Procedimiento y procesos
Música contemporánea y formas musicales
Funcionalidades
Listado de formas musicales
Véase también
Referencias
Enlaces externos

Forma musical, estructura y género

El concepto de forma no puede aprenderse directamente. Solo la escucha de la obra, su
desarrollo en el tiempo, permite la percepción. Históricamente, el compositor que titulaba una
obra relacionándola con una forma precisa, podía indistintamente hacer referencia a sus
aspectos genéricos (es decir, a su destino), o a su estructura musical (es decir, a su
arquitectura), o incluso a los dos a la vez, aspectos genéricos y aspectos estructurales, ya que
están a menudo imbricados. Es lo que de modo natural ha producido un deslizamiento
semántico, y que numerosos términos que designan diferentes formas ―motete, fuga, aria,
rondó, etc.― se hayan revestido de sentidos distintos, unas veces cercanos al concepto de género
musical, otras veces cercanos al de estructura musical.

Un ejemplo notorio es el del término «sonata» que, según el contexto, puede designar el
«género sonata», o bien la «forma sonata» presente en diversos géneros, por ejemplo la sonata
clásico-romántica, el cuarteto o la sinfonía, que la emplean en algunos de sus movimientos, y
por lo que son conocidos como "géneros sonato-sinfónicos".[cita requerida]

Forma y estructura
La forma se distingue incluso de la estructura musical, en el sentido de que una misma forma
puede de hecho ―según la obra proyectada, según el compositor, según los usos de la época,
etc.― adoptar tal o cual estructura.

Así, el «preludio», cuando designa la forma introductoria de una ópera: el preludio de

Carmen de Bizet reviste la «estructura» de un rondó (ABACAD), mientras que el de El
oro del Rin de Wagner teje libremente un «decorado sonoro» adecuado, sin seguir una
«estructura» particular. En su sentido original, el preludio indicaba solamente lo que
precedía a la parte más importante de una obra ―cf. los preludios y fugas de Bach―.

Los aspectos estructurales asociados a una forma, deben ser considerados como
constituyendo un simple esquema no constriñente. El no respeto de las reglas no excluye
forzosamente una obra de la forma tomada como modelo.

Por ejemplo, la «sinfonía», forma característica de los periodos clásico y romántico, es

tradicionalmente descrita como la sucesión de los cuatro movimientos siguientes: allegro,
lento, menuet y rondó. Ahora bien, es muy fácil encontrar sinfonías en que el marco se
aleja poco o mucho de este «plan ideal» ―por ejemplo, la Sinfonía n° 34 en do mayor K.
338 de Mozart no tiene más que tres movimientos, mientras que la Sinfonía Pastoral de
Beethoven tiene cinco―: a pesar de estas excepciones estructurales, tales obras deben
evidentemente ser consideradas como pertenecientes claramente a la forma «sinfonía».

Desgraciadamente, es necesario señalar que el término de «forma» es a menudo

empleado como sinónimo de «estructura», lo que entraña fatalmente algunas nuevas
confusiones: por ejemplo, «forma binaria» por «estructura binaria».

Por ejemplo, si se dice que el segundo movimiento de tal sinfonía está escrito en «forma
de lied», esto no significa de ningún modo que se trata de la «forma lied» ―que es una
muestra a las claras de música vocal y no de música sinfónica―, sino más bien que «su
arquitectura sigue la estructura musical habitualmente asociada a esta forma vocal», a
saber: A B A'. Se aprecia que una expresión tal que «forma lied» puede, según el
contexto, aludir a una verdadera forma, o bien a una simple estructura.

Si el término forma es utilizada como un puro sinónimo de «estructura musical», alude de

 hecho a la definición misma de la estructura, organización de los elementos constitutivos de
una obra: su arquitectura compositiva, su desarrollo, la disposición de las ideas musicales,
sus imitaciones, sus reexposiciones, etc.

De hecho, la célebre teoría de las formas musicales, elaborada en el siglo XVIII por J.
Mattheson, J.A. Scheibe, Joseph Riepel y Heinrich Christoph Koch, es de hecho una
«teoría de las estructuras musicales».

Para evitar confusiones, parecería preferible utilizar el término de «estructura», más bien que
hablar de «forma lied», de «forma binaria», de «forma sonata», etc. Se hablaría así de
«estructura lied», de «estructura binaria», de «estructura sonata», etc. En este momento, el
término «forma», tomado en el sentido de «estructura», es empleado todavía de forma muy
frecuente.

Forma y género
La forma se distingue igualmente del género musical. Sin embargo, se le aproxima, con la
condición de admitir que el concepto de «género» puede desplegarse de manera arborescente.

Por ejemplo, el género «música instrumental» se divide en varias ramas: el género música de
cámara, el género música concertante, el género música sinfónica, etc. Este último género se
subdivide a su vez en varias sub-ramas: el género sinfonía, el género obertura, el género poema
sinfónico, el género ballet, etc. Son estas sub-ramas ―sinfonía, obertura, poema sinfónico,
ballet, etc.― las que son tradicionalmente consideradas como formas.

Se observa que según el contexto, varios términos que sirven para designar diferentes formas
musicales, pueden igualmente aludir al género musical asociado.

Por ejemplo, si se dice «Richard Wagner ha compuesto trece óperas», «Ayer tarde, Juan ha
escuchado una ópera», «Don Giovanni es mi ópera preferida», las tres menciones del término
«ópera» aluden a la forma musical, es decir a la «unidad» ―una obra musical precisa, incluso
no identificada― pudiendo ser contabilizada y distinguida dentro de un conjunto.

Por otro lado, si se dice «Johann Sebastian Bach no ha escrito jamás para la ópera», «Juan
escucha a menudo ópera», «Las cantantes de ópera son casi siempre divas», las tres
menciones de la palabra «ópera» aluden esta vez al género musical, es decir a una
«multiplicidad» de obras de la misma naturaleza, constituyendo por tanto elementos no
contabilizables.

Por el contrario, no se puede decir «Ayer tarde, Juan ha escuchado un bel canto»: el término
«bel canto» designa aquí exclusivamente un género musical, y no una forma. De la misma
manera, no se dirá nunca: «Juan escucha a menudo concierto» ―sino más bien «Juan
escucha a menudo de la música concertante»― : el término «concierto» designa aquí
exclusivamente una forma musical, y no un género.

De manera esquemática, el «género» designa el conjunto, mientras que la «forma» designa un

elemento de este conjunto: el «género» corresponde a la rama del árbol, la «forma»
corresponde al fruto; o dicho de otra manera, «la forma es el elemento terminal del género».
Sin embargo la diferencia entre los dos conceptos es extremadamente tenue.

La forma musical como creadora de la unicidad de la

obra

Unidad de tiempo
La forma musical nos es revelada al tiempo y a medida que sucede el desarrollo de la obra
musical: cada instante es en potencia un momento del porvenir, una proyección en lo
desconocido. Este es el sentido del muy bello título de una obra de Henri Dutilleux que propone
sumergirnos en el misterio del instante. El teólogo suizo Hans Urs von Balthasar, para
recordarnos la importancia del tiempo, concibe esta metáfora juiciosamente musical de la
condición humana:

«Demos confianza al tiempo. El tiempo es la música; y el dominio de donde ella

emana, es el porvenir. Compás tras compás, la sinfonía se engendra ella misma,
naciendo milagrosamente de una reserva de duración inagotable». («Faites donc
confiance au temps. Le temps c’est de la música; et le domaine d’où elle émane, c’est
l’avenir. Mesure après mesure, la sinfonía s’engendre elle-même, naissant
miraculeusement d’una réserve de durée inépuisable»).

El tiempo se inscribe en la dirección de la flecha del tiempo conceptualizada por Ilya Prigogine.
El orden que el compositor pone en lugar constituye un sistema abierto, basado tanto en la
proporción como en la aleatoriedad, tanto en lo racional como en lo indescriptible. La música
crea sus propias reglas de adaptación a la evolución.

Unidad de la obra
Inscrita en el tiempo, la forma musical no puede, por su esencia, compararse a las otras formas
artísticas, pictóricas, arquitectónicas u otras. La formalización musical es de hecho ante todo
una puesta en relieve. Forma y estructura son incluso difíciles de distinguir. La intervención
estructurante de la audición construye, de una parte, una escucha interior en el compositor y, de
otra, una escucha activa del oyente. Esta percepción está circunscrita a la duración, lo que
permite darle una unidad formal a la obra musical. La unidad es la condición primera, pero no
se elabora más que porque hay redundancias, oposiciones, comparaciones, conflictos... La
estructuración previa del material por el compositor precede en el tiempo la etapa de la
formalización. Es un peldaño metodológico de la creación ya que ella procede a la vez del
espíritu y de la poesía. La forma musical revelará entonces en su desarrollo una estructuración
de la percepción estética, que puede efectuarse a partir de modelos teóricos (forma sonata, etc.)
o a partir del material mismo, imponiéndose a las intuiciones inmediatas del compositor.

Gestalt
Según Boris de Schlœzer, teórico inspirado por la Gestaltpsychologie, solo esta cohesión formal
de la obra, la totalidad globalizante de su organización, le proporciona un sentido intrínseco e
inmanente, en que la música significa ella-misma y procura una cierta sensación comunicativa a
aquellos que la escuchan. En realidad, la música se inscribe en un tiempo “vivido” que da su
sentido a la obra musical. Si el contenido de la música es inefable, inmanente, su inscripción en
la trama temporal de nuestro presente le imprime una estructura y una forma.
Haciendo primar su concepción gestaltista crítica, de Schlœzer viene a distinguir estructura y
forma de la manera siguiente: la estructura reside en la disposición de las partes concebida en
orden a constituir un todo, una unidad. La forma, es este todo en tanto que tal, es decir la
manera en que la obra llega a la unidad. Por esencia y por necesidad, la obra musical sería así
casi perpetuamente reenviada del todo a sus partes y de las partes al todo. Pero solo la unidad
formal, la armoniosa cohesión de los elementos constitutivos opera este excedente de expresión
que manifiesta la esencia misma de la obra, su unicidad. Esta aproximación permite situar la
creación musical en la psicología de la percepción, subrayando la importancia de esta influencia
recíproca del todo sobre las partes.

El pensamiento consciente que encierra al hombre en los límites de su propia identidad, es

sobrepasado por este todo constituido de relaciones que conservan todos los instantes, todas las
facetas ―conscientes e inconscientes― que forman la cualidad de una obra musical. Así, esta se
distingue por dos rasgos de su creación formal que son, de una parte, el proceso y de otra parte
su estructuración. Ningún compositor puede a sabiendas congelar su expresión en un proceso
declaratorio previamente fijado, sin limitarse a sí mismo. A partir del contenido, de un material
construido, la estructura de la obra musical evoluciona de la percepción hacia la recepción.

Procedimiento y procesos
La creación musical adopta estrategias teóricas (genéricas), que han evolucionado en la historia
de la música, estrategias destinadas a impulsar el cambio, el movimiento, a partir de bases
colectivas. Estas reglas, estos sistemas, pueden acercarse a una ley de organización ―como se
entiende el término inglés «procedure»― o de una semántica procesual, es decir no tanto
aquello que concierne al procedimiento mismo, a la estrategia de cambio, sino más bien a las
fases de ese cambio, en realidad el proceso. Esta noción de proceso ha directamente suplantado
a otras nociones de estructuración de la música, tales como aquellas que creaban los objetos
musicales, elementos arquitectónicos de una estructura a definir. De una dualidad
objeto/estructura, se pasó en los años sesenta a una dualidad material/proceso.

¿Cómo se ha pasado sensiblemente de la visión procedimental ―en que la forma es

preestablecida, confinada por la teoría― a una visión que representa un proceso? Se ha pasado
por un juego de experiencias sobre lo sonoro y sobre la vida, y por un análisis de las relaciones
del todo con las partes. La observación del material tradicional y de las representaciones
nuevas prueba que la música se sitúa siempre en un movimiento estructurado que fija el grado
de estabilidad de tal o tal momento, y la aparta de sus puntos de anclaje con el conjunto de la
obra.

Música contemporánea y formas musicales

En la música contemporánea, el compositor se enfrenta a un material sonoro rico de su propia
expresividad, de su poder de inmanencia, es únicamente llevada a coordinar la necesidad de
una formalización de los procesos y la obligación de las relaciones que desbloquean las leyes de
la percepción de los estratos informales de lo musical. La relación función-forma no tiene
verdaderamente importancia a nivel de una creación que sin cesar toma el riesgo de lo nuevo.
Solo la relación entre el material ―modelo acústico, transposición musical― y la función
inducida ―por naturaleza o por destino― proporciona los criterios de una posible integración
formal. Crear nuevas organizaciones de las funciones musicales que se dirigirán menos
directamente a la organización jerárquica de la forma desarrollada que al interés del oyente que
en ella atrae su recepción, se ha convertido en una nueva noción traducida por la idea de
material musical. Todos estos conceptos que dirigen esta búsqueda de una historia de la
recepción se han transformado en poco tiempo en conceptos modernos básicos para participar
en la evolución de las formas.

Esta integración de un nuevo material ha suscitado una nueva dinámica de búsqueda, basada a
la vez en las propiedades intrínsecas y extrínsecas del material, y en las condiciones de la
percepción de lo musical. Es decir que ello ha desmultiplicado las características formales del
material e incluso los márgenes de maniobra de la representación han aumentado. A la vez
nuevo en su visión y en la posibilidad de su organización, este material interroga a la
consciencia artística de los compositores (todo lo que expresa virtualmente la teoría y que la
práctica busca realizar). La poética musical busca hacer corresponder las verdades de la
representación con las profundidades de lo imaginario. No puede acomodarse a los límites
psicosensoriales, sino que es conducida a invitar a la diversidad de las relaciones mantenidas al
interior de lo sonoro, a la construcción de funciones perceptivas nuevas, y musicales.

Alejándose así de la jerarquía polarizada alrededor de la función tonal, y sobrepasando las

combinaciones paramétricas del serialismo de los años 1960, una dialéctica de la forma y del
fondo, de lo consciente y de lo natural, se está así estableciendo y está destinada a forjar nuevas
dimensiones de la representación, a construir una expresión atípica, desprovista de relaciones
funcionales estrictas. El sentido musical y el ordenamiento de la forma se encuentran todavía
más solidarizados; como explica Lev Koblyakov:

“La unidad indisociable del material y de la organización significa que ambos son
generados juntos y que el menor cambio en el material afecta también a la
organización.” (“L'unité indissociable du material et de l'organisation signifie que tous
deux sont générés ensemble et que le moindre changement dans le material affecte
aussi l'organisation.”)
Lev Koblyakov

Funcionalidades
El equilibrio formal consigue así mantenerse gracias a un equilibrio funcional anticipado por el
compositor. El análisis de las funciones perceptivas macroscópicas y microscópicas
―percepción de la variación y de las repeticiones, haces de índices remanentes, control de la
disonancia…― y de la memoria ―motivada por las articulaciones que actúan como los
recuerdos― permite intervenir pertinentemente sobre la percepción de la estructura global.
Microestructura y macroestructura poseen el mismo nivel de ductilidad que la composición
musical ha sabido explotar. El fenómeno nuevo, y esencial en la intuición estética
contemporánea, es que esta puesta en relación puede encontrarse en la naturaleza inmanente
de cada sonido, al mismo tiempo que en la estructura global de la obra. Ello permite la toma en
cuenta de esta totalidad de reencuentros o de oposiciones de los fenómenos ―armonicidad o
inarmonicidad, textura, equilibrio…―. Esta ambivalencia del material musical impone dos
lógicas: una local, y otra global. En tanto que esta prerrogativa dualista puede ser objeto de
organización, se intenta preservar las figuras inconscientes de la intuición, a las que reenvían
todos los formalismos musicales. Estos formalismos, tributarios de ciertos aspectos materiales
de la música, se apoyan en las leyes acústicas y los elementos constitutivos del sonido tales
como las duraciones, las alturas, las intensidades o el timbre que se convierten así en atributos
formales. Las relaciones entre estos parámetros precisa una atención particular y a fondo de los
[atributos de la percepción de la forma.
Listado de formas musicales
Véase también: Formas musicales por periodo, línea de tiempo

Lista de formas musicales

Forma
Época Definición
musical

Canto llano Canto litúrgico monódico y a capella, que representa una

Medieval (Canto oración o plegaria. Uno de los cantos llanos más
gregoriano) representativos es el Canto gregoriano, que se canta en latín

Forma musical y litúrgica propia de todas las tradiciones

litúrgicas cristianas. Consiste en una melodía generalmente
corta y sencilla, de estilo silábico, utilizada como estribillo que
Medieval Antífona
se canta antes y después de los versículos de un cántico,
himno o salmo, normalmente en latín, en varios servicios
religiosos del Oficio y de la Misa, como las Vísperas.

Forma poética muy antigua. En un principio fue una

composición coral en honor a un dios. Posteriormente fue una
composición musical revestida de solemnidad usada para
Medieval Himno transmitir sentimientos como el patriotismo, la religión o la
superioridad de unos países frente a otros o, incluso, las
gestas realizadas contra otros, si fueron escritos en los
momentos inmediatos a la independencia.

Elegante baile musical originario del siglo XII. Su característica

Medieval Vals
más significativa es que sus compases son de 3/4.

En música medieval, conductus es un tipo de composición

vocal de una a cuatro voces en verso latino, usado en su
Medieval Conductus
forma inicial, monódica, en la liturgia cristiana. Se componía
para celebrar actos históricos religiosos o profanos.

Canto propio de la Liturgia hispánica que se cantaban

después del Psallendum en algunas solemnidades, formando
Medieval Clamores un todo con él. Constaba de una primera sección que
concluía con la aclamación Deo gratias y un versículo.
Después se repetía el estribillo del Psallendum.

Término utilizado originalmente para designar los cantos

monódicos que tenían lugar en la liturgia de la Iglesia
Occidental. En el siglo XIV se distinguía entre los cantos
corales o eclesiásticos y los cantos figurales. A partir del
siglo XV se empezó a usar el término coral para referirse al
Medieval Coral
himno eclesiástico de la Iglesia Luterana, y ya en el siglo XVIII,
se llamó corales a los cantos de la Iglesia Protestante en
general. Desde el siglo XIX se utiliza el término para designar
piezas homofónicas, con melodías principalmente diatónicas y
ritmos sencillos.

Composición musical formada por más de una frase melódica

Medieval Secuencia que se repiten dos veces, al menos una debe repetirse; el
texto si existe, siempre es independiente de la melodía.

En la época medieval, se denominó tropo a una forma musical

que prolongaba y embellecía la liturgia añadiéndole texto,
Medieval Tropo
música o ambos; mientras que en el canto gregoriano el tropo
consiste en añadir palabras en los melismas.

Danza medieval, originaria de la Provenza, muy en boga

Medieval Estampie
desde el siglo XII.
 El órganum es una forma de polifonía occidental primitiva, que
Medieval Órganum está basada en la repetición paralela de la misma melodía,
nota por nota, pero generalmente a una distancia de cinco
notas (una quinta justa) más agudas.

Danza alegre que se desarrolló a partir de la gaillarde de

Medieval Saltarello
Nápoles, en el XIII en Italia.

Composición musical para una sola voz, una sola melodía,

que tuvo un gran desarrollo durante los siglos VIII y XIII (canto
gregoriano). Cuando cantaban varias voces lo hacían al
Medieval Monodia
unísono o con una octava de intervalo. Generalmente, el
término se refiere a toda melodía para una sola voz, y se
opone a polifonía.

Término italiano que significa literalmente canción. En la

época trovadoresca, se le conocía así al poema lírico de 4 o 5
estrofas, de 8 versos cada una. En la Italia de los siglos XV y
XVI se encuentra un género monódico, parecido a la frottola y
Medieval Canzona al strambotto, precursor de la villanella y del madrigal, llamado
canzona. Posteriormente se convierte en canción polifónica
derivada de la canción franco-flamenca de Josquin des Prés,
Clément Janequin, Thomas Crecquillon y otros, con el nombre
de canzona francese.

Forma de composición musical de carácter polifónico basada

Medieval Canon en la imitación estricta entre dos o más voces separadas por
un intervalo temporal.

Forma poética medieval, frecuentemente musicada. Es una

de las tres 'formes fixes' y fue una de las métricas más
Medieval Virelay
comunes en Europa desde la segunda mitad del siglo XIII
hasta finales del XV.

Forma musical tradicional de la Gran Colombia (Panamá,

Venezuela, Colombia, Ecuador y Perú) en la época de la
Medieval y renacentista Pasillo
conquista y colonia española. Variante y descendiente del
Vals vienés.

La más importante forma vernácula de música sacra en Italia

en la baja Edad Media y en el Renacimiento. Originalmente la
lauda fue música solista y monofónica, pero a partir del
siglo XIV se desarrolló una forma polifónica. De ritmo regular y
Medieval y renacentista Lauda
estructura armónica sencilla, recibió la influencia de los
trovadores, ya que los primeros ejemplos muestran similitudes
rítmicas, en su estilo melódico y especialmente en su
notación.

Comúnmente es una composición para tres o cuatro voces,

con la voz más aguda conteniendo la melodía. La frottola
Medieval y renacentista Frottola evita la complejidad del contrapunto, prefiriendo texturas
homófonas, ritmos claros y repetidos, y un rango melódico
estrecho.

Término francés, que en español se refiere a cualquier

canción con letra en francés y, más específicamente, a piezas
vocales de tema amoroso, y también a las de crítica social y
política, en particular las pertenecientes al estilo de los
cabarets. En este contexto se llama chansonnier al intérprete
Medieval y renacentista Chanson de canciones de carácter humorístico o satírico. En un modo
más especializado, chanson es una pieza musical polifónica
de la Baja Edad Media y Renacimiento. Las chansons
antiguas tendieron a presentar una forma fija como balada,
rondó o virelay, aunque posteriormente muchos compositores
usaron la poesía popular en variedad de formas musicales.

Medieval y renacentista Composición musical nacida en el siglo XIII para cantar en las
 Motete iglesias, de texto comúnmente bíblico.

Composición musical para la voz humana (comúnmente

Medieval, renacentista, barroca, acompañada por otros instrumentos musicales) y con letra.
Canción
clásica y romántica Típicamente es para un solo vocalista, aunque puede también
ser para un dueto, trío, o para más voces (música coral).

Composición musical para dos ejecutantes, instrumentales o

vocales. Cuando se trata de dos instrumentistas se suele
hablar de dúo (Dúo de violines), reservándose el término
Medieval, renacentista, barroca,
Dúo dueto (diminutivo de dúo) para las composiciones de dos
clásica y romántica
cantantes. Además de ser una composición musical, se
conoce por este nombre a la formación musical de dos
intérpretes.

Pieza musical para ser cantada por una voz solista,

Renacentista Aria habitualmente con acompañamiento orquestal y como parte
de una ópera o de una zarzuela.

Género musical polifónico emparentado con el Quodlibet. Fue

muy popular en la península ibérica durante el Renacimiento,
especialmente en el siglo XVI. Su estilo es madrigalesco y está
Renacentista Ensalada
formada por elementos heterogéneos. La ensalada fue
concebida para diversión de los cortesanos y alcanzó gran
fama en las fiestas palaciegas.

Estilo de danza y forma musical del siglo XVI originario de

Renacentista Branle Francia en el que el movimiento principal es lateral, y se
bailaba en parejas o en un grupo formando líneas o círculos.

Un tipo de ajuste musical de la poesía francesa común en los

siglos XIV y XV. Ofrecía típicamente una voz superior
prominente, que era cantada, y dos voces más bajas que
Renacentista Balada
pudieron haber sido vocalizadas o se realizaron con
instrumentos. Guillaume de Machaut es el compositor más
famoso de baladas polifónicas.

Himno cantado de alabanza religiosa. Utilizado desde mitad

Renacentista Cántico
del XVI, es corto, sencillo y popular.

Danza de pareja de tres tiempos aparecida en Lombardía

hacia 1480. Frente a su solemnidad inicial, en seguida gana
Renacentista Gallarda popularidad y se convierte en una danza de baile muy
apreciada en el XVI, siguiendo habitualmente a la pavana en
las suites de danza.

Composición para varias voces, sin acompañamiento, que

Renacentista Madrigal
intenta traducir las más delicadas inflexiones de un poema.

Renacentista Pavana Danza procesional común en Europa durante el siglo XVI.

También llamada "corrente", "coranto" o "corant" es el nombre

Renacentista y barroca Courante dado a una familia de danzas ternarias de finales del
Renacimiento y principios del período Barroco.

Pieza de música que combina diferentes melodías en

Renacentista y barroca
contrapunto, usualmente temas populares, y a menudo en
forma sencilla. Un ejemplo muy conocido se encuentra en el
Quodlibet final de las Variaciones Goldberg, Variación N.º 30, de Bach.
Otro ejemplo es Galimathias Musicum (KV 32), un quodlíbet a
17 partes compuesto por Wolfgang Amadeus Mozart cuando
tenía alrededor de diez años de edad.

Pieza de música clásica para teclado, que generalmente

Renacentista y barroca Toccata enfatiza la destreza del practicante. Menos frecuentemente,
se utiliza para referirse a trabajos para múltiples instrumentos.
Renacentista, barroca, clásica y Misa La Misa, una forma musical sacra, es una composición coral
romántica que traslada a la música secciones fijas de la liturgia
eucarística.

Género de música teatral en el que una acción escénica es

Renacentista, barroca, clásica y
Ópera armonizada, cantada y tiene acompañamiento instrumental,
romántica
donde los actores utilizan estilos poco comunes al cantar.

Danza alemana barroca (siglo XVIII) de compás cuaternario o

binario y simple. Término que también es usado para
Barroca Alemanda denominar un elemento estándar de la suite, normalmente el
primer o segundo movimiento. También se puede denominar
Allemanda, Almán o Almaín.

Desde la época barroca, la cantata es una composición para

Barroca Cantata
una o más voces solistas que se acompañan de instrumentos.

Popular forma de música barroca usada por un conjunto

Concerto musical que generalmente tenía de cuatro a seis
Barroca
grosso movimientos, en los cuales el material musical era pasado
entre un pequeño grupo de solistas y una orquesta completa.

Tipo de Aria que aparece en la música barroca que se

caracteriza por su forma ternaria, es decir en tres partes.
Aria da
Barroca Como las de las, también son interpretadas por un solista
capo
acompañado por instrumentos, normalmente en una orquesta
pequeña.

Antigua forma musical (barroco alto) basada en el

procedimiento de la imitación. Forma contrapuntística menos
elaborada que la fuga, que es más tardía y explota un tema
Barroca Ricercare
generador de forma sistemática, mientras que el ricercare
encadena episodios diferentes que pueden no tener ligazón
temática.

Composición polifónica basada en el contrapunto entre varias

Barroca Fuga
voces. (siglo XVII).

Una de las muchas piezas básicas para componer una suite.

Es una danza francesa de los siglos XVII y XVIII, pastoril, que
tomó el nombre del instrumento con el cual se ejecutaba:
Barroca Musette
musette o cornamusa. También se refiere a un estilo musical
predominante en París, donde el acordeón era el instrumento
principal.

Forma musical tradicional del sur Italia. Conocida desde el

XVII, particularmente vivaz, acompañada de una danza
desenfrenada, era tocada en ceremonias qui podían durar
jornadas enteras, para curar a quienes se creía víctimas de
Barroca Tarantela
mordedura de una araña legendaria, la tarántula. Las
cualidades terapéuticas que se le pretendían eran un pretexto
a fin de perpetuar las danzas paganas en la Italia católica
rigorista del XVII.

Danza popular francesa, muy popular en la corte de Luis XIV

Barroca Gavota de Francia, donde Jean-Baptiste Lully era el principal
compositor.

Danza rápida o muy rápida, de origen probablemente inglés

(jig). Cronológicamente, fue la última danza en ser integrada
como elemento básico de la suite baroque. Se toca en último
Barroca Giga
lugar, después de la zarabanda, pero con la posibilidad de
intercalar entre ellas algunas danzas opcionales, como el
minueto, gavotta, bourrée, passepied, rigaudon, etc.

Danza en tres tiempos de origen hispanoamericano que, a

través de España, se difundió por Europa. Durante el
 siglo XVII, la Chacona desarrolla un tema melódico al que se
Barroca Chacona aplicaba variaciones en el bajo (basso ostinato). Monteverdi y
Frescobaldi utilizaron ritmos más lentos del tipo zarabanda,
muy del gusto de Couperin y Lully, que la utilizaban en sus
obras escénicas.

Antigua danza tradicional de la música barroca originaria de la

región francesa de Poitou que alcanzó su desarrollo entre
Barroca Minueto 1670 y 1750. Fue introducida en la corte francesa por Jean-
Baptiste Lully (1673) que la incluyó en sus óperas y, a partir
de ese momento, formó parte de óperas y ballets.

Pequeña composición litúrgica para órgano que usa una

melodía de un coral como base. Fue una forma predominante
Preludio
Barroca del barroco alemán y tuvo su culminación en la obra de J.S.
coral
Bach, que escribió 47 (el n.º 47, inconcluso) ejemplos de esta
forma en su Orgelbüchlein.

Pieza musical breve, usualmente sin una forma interna

particular, que puede servir como introducción a los siguientes
movimientos de una obra, usualmente más grandes y
complejos. Muchos preludíos tienen un continuo ostinato
Barroca Preludio
debajo, usualmente de tipo rítmico o melódico. También hay
algunos de improvisación. El preludio también puede referirse
a una obertura, particularmente a aquellos de una ópera,
oratorio o ballet.

Danza lenta, originaria de América Central, que se popularizó

en las colonias españolas, antes de cruzar el Atlántico para
Barroca Zarabanda
llegar a España. Posteriormente, se convirtió en un
movimiento tradicional en la suite durante el Barroco.

Pieza musical compuesta por varios movimientos breves cuyo

origen son distintos tipos de danzas barrocas. La suite está
considerada como de las primeras manifestaciones
Barroca Suite orquestales de tipo moderno. Otras veces se presentaba un
tema musical en diferentes danzas. Por ello se ha
considerado este género un antecedente de la forma sonata
que se origina en el siglo XVII.

Composición musical de corta extensión (normalmente para

Barroca Invención
teclado) con una estructura contrapuntística a dos voces.

Danza tradicional de parejas, de origen francés, siglo XVI. La

bourrée es una danza rápida que se utilizó en la suite barroca
Barroca Bourrée
y en los ballets y las óperas francesas del siglo XVII y el
siglo XVIII.

Canción folclórica cantada por los gondoleros venecianos, o

una obra musical escrita en aquel estilo. En la música clásica,
Barroca, clásica y romántica Barcarola las dos más famosas son la de la ópera Los cuentos de
Hoffmann de Jacques Offenbach, y la Barcarola en fa
sostenido mayor, para piano, Opus 60 de Frédéric Chopin.

Introducción instrumental de una ópera u otra obra dramática,

Barroca, clásica y romántica Obertura
musical o no.

Tipo de concierto donde los instrumentos de teclado (piano,

órgano, clavicémbalo, entre otros) son los solistas. Es uno de
Concierto los conciertos más importantes de la música académica,
Barroca, clásica y romántica
para teclado especialmente a partir de la segunda mitad del siglo XVIII,
donde es ampliamente cultivado entre los grandes
compositores hasta nuestros días.

Forma musical en la que se compone una obra para un

instrumento solista, o en algunos casos también con orquesta
Barroca, clásica y romántica Concierto incluida, que usualmente es de tres movimientos siguiendo un

Barroca, clásica y romántica
Barroca, clásica y romántica
Barroca, clásica y romántica
Barroca, clásica y romántica
Barroca, clásica y romántica
Clásica y romántica
Clásica y romántica
Clásica y romántica
Clásica y romántica
Clásica y romántica
Clásica y romántica
Clásica y romántica
patrón de rápido - lento - rápido.
Obra para orquesta, de ordinario dividida en cuatro
Sinfonía
movimientos, cada uno con un tiempo y estructura diferente.
Obra lírica de carácter narrativo, sin representación escénica,
formalmente bastante próxima a la ópera, destinada en
principio a ser interpretada en una iglesia o (en nuestros días)
Oratorio
en concierto. Sus temas eran a menudo religiosos: episodios
sacados de la Biblía, de la vida de Jesús o más raramente, de
la vida de los santos.
Forma musical que fue muy popular durante el siglo XX,
compuesta para un reducido número de instrumentos. De
Divertimento forma similar a la suite, y al igual que esta, estaba formada
por movimientos de danza, aunque más cortos y simples, y
más libres en su conjunto.
Obra musical que entra dentro de las composiciones definidas
Marcha
por el movimiento o por el ritmo.
Forma musical libre que se distingue por su carácter
improvisatorio e imaginativo, más que por una estructuración
rígida de los temas, que permite al compositor una mayor
Fantasía
expresividad musical relajando las restricciones inherentes a
otras formas tradicionales más rígidas, como la sonata o la
fuga.
Canción o composición musical relacionada, de
acompañamiento o evocando al atardecer. Otra manera de
Alborada
definirla es como un tipo de música matinal interpretada al
aire libre para festejar a alguien, en oposición a la serenata.
Género dramático cuya acción es representada por medio de
pantomimas y danzas. El ballet cortesano francés, es
contemporáneo de los primeros ensayos de la monodía
dramática de Florencia (los intermedios, de finales del
siglo XVI). De las representaciones de los ballets de la corte
Ballet
nacen la ópera-ballet y la comedia-ballet de Lully y de Molière.
El ballet intercalado, insertado en una ópera, es específico del
arte lírico francés, como se refleja en las representaciones de
las tragedias líricas de Lully y de Rameau. La reforma de
Noverre (ballet de acción) e incluso las de Gluck.
Himno (estrictamente excluye a los Salmos) tomado de la
Biblia. El término es a veces usado para incluir a los antiguos
Cántico
himnos no bíblicos como el Te Deum y ciertos salmos usados
en la liturgia.
Étude o Breve composición hecha para practicar una destreza técnica
Estudio particular en la ejecución de un instrumento solista.
Pieza, tradicionalmente pianística, que se caracteriza por la
continua improvisación. Se estructura normalmente en tres
Impromptu
partes ABA (forma tripartita). Fue cultivada por autores como
Schubert, Chopin y Fauré.
Composición que cabe entre otras entidades musicales o
Intermezzo dramáticas, como por ejemplo, actos de una obra teatral o
movimientos de una obra musical más extensa.
Término que se refiere a una composición, típica de los
países germánicos, escrita para un cantante con
acompañamiento de piano. Es característico la brevedad de la
Lied
forma, la renuncia al virtuosismo belcantistico, la estrecha
relación con el poema y la fuerte influencia de la canción
popular alemana.
 Danza animada de pareja, tradicional de Polonia, del siglo XVI,
algo más rápida que la polonesa. Originalmente un baile de
salón, se convirtió en una danza popular. Se dio a conocer por
toda Europa, junto con la polca (de estructura similar), durante
Clásica y romántica Mazurca la segunda mitad del siglo XIX. Se parece al vals y al minué
(de origen francés, la más famosa danza durante el siglo XVIII)
en cuanto a su estructura y a su movimiento moderado.
Especialmente fue Frédéric Chopin el precursor de esta forma
musical en la música clásica y de concierto.

Pieza de música vocal o instrumental, de melodía dulce y

estructura libre. Originalmente se le daba esta denominación
a una pieza tocada a momentos, generalmente en fiestas de
noche y después dejadas a un lado. Posteriormente, estas
Clásica y romántica Nocturno
piezas no estaban necesariamente inspiradas en la noche, ni
hacían evocación alguna a ella, pero habían sido escritas
para ser tocadas en la noche, como sucede con las
serenatas.

Danza polaca de movimiento moderado y en compás de 3/4.

En su origen (siglo XVI) era una marcha solemne que daba
principio y fin a las fiestas de la nobleza; las parejas, tomadas
de las manos y guiadas por el dueño de la casa, atravesaban
Clásica y romántica Polonesa salas, galerías y jardines, haciendo los más extravagantes
movimientos. Durante el siglo XVIII se produjo la estilización de
la polonesa. Es en esta época donde la polonesa se entronca
dentro de la Suite, tomando la forma de Zarabanda o de
Rondó.

Formación camerística constituida por cuatro instrumentos.

Habitualmente se refieren a cuartetos de cuerda ―aunque
existen también de otras instrumentaciones― formados por
Clásica y romántica Cuarteto
dos violines, una viola, y un violonchelo. Por extensión, el
término también se puede aplicar a las composiciones para
estas formaciones.

El Réquiem o Misa de réquiem es un servicio litúrgico de la

Iglesia católica. Esta misa es un ruego por las almas de los
Clásica y romántica Réquiem
difuntos y tiene lugar justo antes del entierro o en las
ceremonias de conmemoración o recuerdo.

Forma musical basada en la repetición de un tema musical. El

tema principal (A) suele desarrollarse tres veces o más. Era
Rondó o
Clásica y romántica una forma muy atractiva para los compositores y los
Rondeau.
clavecinistas barrocos del siglo XVII y principios del siglo XVIII,
como Couperin.

Grupo de canciones diseñadas para ser ejecutadas

secuencialmente como una sola entidad. Usualmente todas
Ciclo de
Clásica y romántica las canciones son del mismo compositor y utilizan versos del
canciones
mismo poeta. Un ciclo de canciones mantiene su unidad al
referirse al mismo tema o al contar una historia.

Se desarrolló a partir del minueto, y gradualmente lo fue

sustituyendo en el tercer (o a veces segundo) movimiento de
Clásica y romántica Scherzo la sonata, el cuarteto de cuerdas y la sinfonía.
Tradicionalmente conserva la forma ternaria del minueto, pero
es más rápido y casi siempre de naturaleza alegre.

Forma musical concebida para orquesta de cuerda, de viento,

mixta o conjunto de cámara. Fue un divertimento que alcanzó
enorme popularidad durante el siglo XVIII: La serenata se
Clásica y romántica Serenata
tocaba por la tarde, al anochecer, y cuyo origen está en las
baladas que los enamorados cantaban frente a las ventanas
de la amada al atardecer.

La sonata clásica, la forma más difundida de esta forma

 musical, es una obra que consta de tres o cuatro
movimientos, escrita para uno o más instrumentos.
Clásica y romántica Sonata Inicialmente predominaron las formas de tres movimientos,
especialmente en la época clásica, pero a medida que
aumentaban tanto su complejidad como duración se
popularizaron las de cuatro movimientos.

Composición musical ágil y corta originaria del movimiento

Romántica Bagatela romántico. Su forma suele ser ABA, con Coda final, y
normalmente se interpreta al piano.

Obra de origen musical, de carácter poético literario, cuya

Poema
Romántica finalidad es mover sentimientos y despertar sensaciones, o
sinfónico
describir una escena mediante la música.

Pieza musical característica del romanticismo compuesta por

diferentes partes temáticas unidas libremente y sin relación
alguna entre ellas. Es frecuente que estén divididas en dos
Romántica Rapsodia
secciones, una dramática y lenta y otra más rápida y
dinámica, consiguiendo así una composición de efecto
brillante.

El género es identificable por algunos elementos rítmicos y

nuevas formas de composición que surgieron en el quehacer
musical en la isla de Cuba durante el siglo XIX. Aunque
Romántica Bolero comparte el nombre con el bolero español, que es una danza
que surgió en el siglo XVIII y se ejecuta en compás ternario de
3/4, el género cubano desarrolló una célula rítmica y melodía
diferente, en compás de 4/4.

Pieza corta, originaria del romanticismo, compuesta

Momento generalmente con forma de Lied A-B-A. Su estilo no es
Romántica
musical concreto, y suele adoptar formas muy diversas. Son célebres
los Momentos musicales de Schubert para piano.

Danza popular aparecida en Bohemia hacia 1830. Su forma

deriva directamente del minué, con una instrucción que
Romántica Polka
prepara la entrada del tema y una coda que sirve de final a la
obra.

Véase también
Análisis musical
Armonía
Categoría:Géneros y formas musicales
Composición musical
Funciones Tonales
Música concreta
Textura musical

Referencias
Copland, Aaron: What to Listen for in Music (https://books.google.es/books?id=xRI18t1I6xE
C). Penguin, 2011 [1957]. Cómo escuchar la música (http://books.google.es/books?id=YJOt
nY52LFIC). Fondo de Cultura Económica, 2008.
Kühn, Clemens: Tratado de la forma musical (https://books.google.es/books?id=ATQ-AAAA
CAAJ). Idea Books, 2003.
 Schönberg, Arnold: Fundamentals of Musical Composition (https://books.google.es/books?i
d=KDLwnQEACAAJ). Faber & Faber, 1967. Fundamentos de la composición musical (https:
//books.google.es/books?id=gO8UAAAACAAJ). Real Musical, 1994.
Toch, Ernst: Elementos constitutivos de la música (https://books.google.es/books?id=Dg3O
AAAACAAJ). Idea, 2001.
Wennerstrom, Mary: «Form in Twentieth Century Music». Aspects of Twentieth-Century
Music (https://books.google.es/books?id=ZGQXAQAAIAAJ). Prentice-Hall, 1975.
Saavedra, Rafael (https://ula.academia.edu/RafaelSaavedra), Arquitectura de la Música: Un
tratado de análisis de formas musicales, Mérida (Venezuela): Ediciones Actual, 2013, 208
p. ISBN 978-980-11-1624-0
Saavedra, Rafael (https://ula.academia.edu/RafaelSaavedra), Arquitectura de la Música: Un
tratado de análisis de formas musicales, 2.ª edición, Saarbrücken (Alemania), Editorial
Académica Española, 2017, 188 p. ISBN 978-620-2-24203-5

Enlaces externos
Wikimedia Commons alberga una categoría multimedia sobre formas musicales.
«A Practical Guide to Musical Composition» (https://web.archive.org/web/20120510174107/
https://www.webdepot.umontreal.ca/Usagers/belkina/MonDepotPublic/bk/F.pdf) Alan Belkin
«Study Guide for Musical Form» (http://www.robertkelleyphd.com/form.htm) Robert T. Kelley

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