LOS LENGUAJES ARTÍSTICOS EN LAS BELLAS ARTES

En las bellas artes, los lenguajes artísticos se refieren a las diferentes formas de expresión
utilizadas por los artistas para comunicar ideas, emociones y conceptos a través de su trabajo.
Estos lenguajes pueden variar según la disciplina artística, pero aquí hay algunos ejemplos
comunes de lenguajes artísticos en las bellas artes:

Pintura: La pintura es una de las expresiones artísticas más antiguas y una de las siete Bellas
Artes. En estética o teoría del arte, la pintura está considerada como una categoría universal
que comprende todas las creaciones artísticas hechas sobre superficies.

La pintura utiliza principalmente el lenguaje visual a través del color, la forma, la textura
y la composición. Los artistas pueden utilizar diferentes técnicas como el óleo, la
acuarela, el acrílico o la pintura al pastel para crear imágenes que transmitan su visión
artística.

Escultura: El concepto de escultura en las bellas artes, puede definirse como una forma de
expresión artística, en la que el artista da riendas sueltas a sus ideas y las exterioriza usando
sus habilidades a través del trabajo que hace sobre uno o varios materiales y es una de las
disciplinas de las bellas artes de hoy.

La escultura emplea el lenguaje tridimensional y táctil para crear formas y figuras. Los
artistas pueden utilizar materiales como piedra, madera, metal, arcilla o resina para
moldear y esculpir sus obras.
Fotografía: La fotografía artística es la fotografía creada de acuerdo con la visión del artista
como fotógrafo. Usar la fotografía como medio para dar vida a algo que solo vive en la
mente del artista. Capturar lo que ve de manera artística es el arte de la fotografía y no crear
arte.

La fotografía utiliza el lenguaje visual y la captura de imágenes a través de una cámara. Los
fotógrafos utilizan elementos como la composición, la iluminación, el enfoque y la
perspectiva para transmitir mensajes y contar historias a través de sus fotografías.

Cine: Dada su capacidad de narrar historias empleando ilusiones y efectos especiales, el

cine es considerado una de las bellas artes: el séptimo arte. Por otro lado, a veces se lo
considera como un punto de encuentro de las artes: la fotografía (cámara), la escritura
literaria (guion), la música, etc.

El cine combina múltiples lenguajes artísticos, como la narrativa, la cinematografía,

la actuación, la música y el diseño de sonido, para crear una experiencia audiovisual
completa. Los cineastas utilizan la secuencia de imágenes en movimiento, el montaje y la
edición para contar historias y evocar emociones en el espectador.

Música: La música es una de las llamadas Bellas Artes, es decir, a un género artístico, que
consiste en conseguir efectos estéticos a través de la manipulación de sonidos vocales o
instrumentales, conforme a estándares culturales de ritmo, armonía y melodía.
La música es un lenguaje artístico que se basa en el sonido y el ritmo. Los compositores
utilizan elementos como la melodía, la armonía, el ritmo, la estructura y la instrumentación
para crear composiciones musicales que evocan diferentes emociones y estados de ánimo.

Danza: La danza o el baile, es una forma de arte en donde se utiliza el movimiento del
cuerpo, usualmente con música, como una forma de expresión, de interacción social, con
fines de entretenimiento, artísticos o religiosos. La danza, también es una forma de
comunicación, ya que se usa el lenguaje no verbal entre los seres humanos, donde el
bailarín o bailarina expresa sentimientos y emociones a través de sus movimientos y gestos.
Se realiza mayormente con música, ya sea una canción, pieza musical o sonidos y que no
tiene una duración específica, ya que puede durar segundos.

La danza es un lenguaje artístico basado en el movimiento corporal. Los bailarines utilizan

el cuerpo y el espacio para expresar ideas, emociones y narrativas a través de coreografías y
secuencias de movimientos.
 LAS CARACTERISTICAS PRINCIPALES DEL SER HUMANO Y SU
CAPACIDAD DE COMUNICARSE A TRAVES DEL LENGUAJE
ARTISTICO

El ser humano se distingue por su capacidad única de comunicarse a través del

lenguaje. Si bien el lenguaje verbal es fundamental en nuestra interacción cotidiana, también
existe otro lenguaje igualmente poderoso y expresivo: el lenguaje artístico. A través de
diversas formas de expresión artística, el ser humano encuentra una vía para transmitir
emociones, pensamientos y experiencias de una manera no verbal. Este ensayo explorará las
características principales del ser humano y su capacidad de comunicarse a través del
lenguaje artístico, analizando cómo esta forma de comunicación enriquece nuestra existencia
y nos conecta de manera profunda.

1. La imaginación creativa:
Una de las características principales del ser humano es su capacidad para
imaginar y crear. A través del lenguaje artístico, esta imaginación se materializa en formas
visuales, auditivas o táctiles. Las artes plásticas, como la pintura o la escultura, permiten
que la imaginación cobre vida en colores, formas y texturas. La música, por su parte,
transporta emociones a través de melodías y ritmos. Estas expresiones artísticas amplían
nuestros horizontes y nos permiten explorar nuevos mundos y perspectivas.
Estas expresiones artísticas, ya sea en las artes plásticas o en la música, tienen la capacidad
de ampliar nuestros horizontes y abrirnos a nuevos mundos y perspectivas. A través de
ellas, podemos explorar lo desconocido, traspasar los
límites de la realidad cotidiana y adentrarnos en un universo imaginario y subjetivo. El arte
nos invita a desafiar lo establecido, a cuestionar las convenciones y a ver el mundo desde
diferentes ángulos. Nos despierta la curiosidad y nos impulsa a explorar y descubrir nuevas
posibilidades.
La imaginación creativa, manifestada a través del lenguaje artístico, nos permite escapar de
las limitaciones de la realidad tangible y adentrarnos en un espacio donde la creatividad y la
originalidad pueden florecer. Es una forma de expresión única que nos conecta con nuestra
esencia humana y nos invita a explorar y descubrir nuestra propia individualidad. A través
del arte, somos capaces de transmitir nuestras ideas, pensamientos y emociones de una
manera que trasciende las barreras del lenguaje verbal, alcanzando una comunicación más
profunda y universal.
 2. La comunicación emocional:
El lenguaje artístico es especialmente efectivo para transmitir emociones de una manera
profunda y directa. A menudo, las palabras son insuficientes para expresar ciertos estados
emocionales, pero la música, la danza, la pintura y otras formas artísticas nos permiten
comunicar y compartir sentimientos de una manera más universal. El arte puede despertar
emociones intensas en el espectador o el oyente, creando un puente emocional entre el
creador y el receptor.
La música, por ejemplo, tiene la capacidad de evocar emociones intensas y transportarnos a
estados de ánimo específicos.

A través de melodías y armonías cuidadosamente seleccionadas, los músicos son capaces de

crear composiciones que despiertan alegría, tristeza, euforia, melancolía o incluso asombro
en el oyente. La música puede ser una experiencia compartida, que nos conecta en un nivel
emocional profundo y nos permite comunicarnos sin la necesidad de palabras.

El arte, en todas sus formas, tiene el poder de crear un puente emocional entre el creador y
el receptor. A través de la comunicación emocional, el arte nos permite compartir nuestras
experiencias más íntimas y conectarnos con otros en un nivel profundo y empático. El
espectador se convierte en testigo de la expresión emocional del artista y puede verse

reflejado en esas emociones, generando un sentido de conexión y comprensión mutua.

3. La reflexión y la crítica social:

El lenguaje artístico también juega un papel fundamental en la reflexión y la crítica social.

A través de la literatura, el cine o el teatro, los artistas abordan temas relevantes de la
sociedad, planteando cuestionamientos y desafiando las normas establecidas. El arte puede
ser una poderosa herramienta para concienciar sobre problemáticas sociales, políticas o
culturales, generando debates y promoviendo el cambio.
La literatura, por ejemplo, es un medio que permite a los escritores explorar de manera
profunda y detallada una amplia variedad de temas sociales y políticos.
A través de narrativas complejas y personajes convincentes, los autores pueden presentar
perspectivas diversas y desafiar las convenciones sociales existentes.

Las obras literarias pueden abordar cuestiones de justicia, igualdad, derechos humanos,
discriminación o cualquier otra problemática que afecte a la sociedad en su conjunto. Al leer
estas obras, los lectores son llevados a reflexionar sobre los temas presentados y pueden
desarrollar una mayor conciencia de la realidad social que les rodea.

A través de la reflexión y la crítica social en el lenguaje artístico, se generan debates y se

amplían los horizontes de la sociedad. El arte puede desafiar las narrativas dominantes,
romper estereotipos y fomentar la empatía y la comprensión entre los
individuos. Además, puede actuar como una llamada a la acción, motivando a las personas a tomar
medidas y promover cambios positivos en su entorno.

4. La conexión humana:
El lenguaje artístico tiene la capacidad de unir a las personas más allá de las barreras
lingüísticas o culturales. La música, por ejemplo, es un lenguaje universal que trasciende
fronteras y conecta a individuos de diferentes orígenes. Además, el arte puede generar un
sentido de comunidad y pertenencia al fomentar la participación y el diálogo entre los
espectadores y los artistas. A través del lenguaje artístico, nos relacionamos, nos
identificamos y nos entendemos mutuamente.

La música, al ser un lenguaje universal, puede transmitir emociones de manera directa y

conmovedora, llegando a los corazones y las mentes de las personas sin
importar su idioma o cultura. Una canción puede evocar sentimientos compartidos y crear un
sentido de conexión entre las personas que la escuchan, generando un espacio de empatía y
comprensión mutua. Es a través de la música que podemos encontrar consuelo en momentos
difíciles, celebrar la alegría en momentos de felicidad y compartir experiencias emocionales
que nos hacen sentir parte de algo más grande.

Pero el arte no se limita solo a la música en su capacidad para unir a las personas. Las
diferentes formas de expresión artística, como la pintura, la danza, el cine o la literatura,
también juegan un papel fundamental en la conexión humana.
Estas formas de arte pueden generar un sentido de comunidad y pertenencia al fomentar
la participación y el diálogo entre los espectadores y los artistas.

5. La libertad de expresión:
El lenguaje artístico proporciona una plataforma para la libertad de expresión. Los artistas
tienen la posibilidad de manifestar su creatividad sin restricciones, explorando ideas
controvertidas o desafiando las convenciones establecidas. El arte despierta el pensamiento
crítico y estimula la diversidad de perspectivas, enriqueciendo así el panorama cultural y
social.

Los artistas tienen la capacidad única de utilizar su imaginación y su visión personal para
crear obras que reflejen sus experiencias, emociones y puntos de vista sobre el mundo que les
rodea. A través de la pintura, la escultura, la música, el cine o cualquier otra forma de arte,
los artistas pueden abordar temas sensibles, plantear preguntas difíciles y cuestionar las
normas establecidas. El arte se convierte en una herramienta poderosa para la crítica social, la
reflexión y la representación de diversas realidades.

La libertad de expresión en el arte es esencial para el desarrollo de una sociedad

libre y democrática. Al permitir que los artistas se expresen libremente, se fomenta la
creatividad, la innovación y el intercambio de ideas. El arte despierta la
imaginación y el pensamiento crítico en el espectador, invitándolo a reflexionar sobre su
propia realidad y a cuestionar las normas establecidas. Al apreciar y valorar la diversidad
de expresiones artísticas, se promueve un ambiente en el que las diferencias son celebradas
y se fomenta la tolerancia y el respeto mutuo.
 LA PERCEPCIÓN SUBJETIVA DEL ARTE
La percepción se constituye como un procedimiento fundamental para comprender las
configuraciones artísticas. Es una mediación que establece relaciones entre las
construcciones específicas de los materiales, sus transformaciones históricas relacionadas
con las operaciones y las instrumentalizaciones. Asimismo, con las técnicas, las tramas
sociales, la historicidad y los aspectos sensibles. Es una operación de conocimiento
artístico, o de aproximación a un conocimiento que posee restos objetivos y subjetivos,
ambos establecen relaciones con el obrar del arte.

Las relaciones son múltiples y se establecen en los cruces entre la realidad y la abstracción
de esa realidad. La abstracción, lo abstracto, la figuración y lo figurable son conceptos que
señalan que hay una estructura o sistema que crea una forma. Ésta une los aspectos
señalados y los disuelve para concluir en una totalidad.

La percepción establece vínculos con las obras y se acerca a la comprensión del asunto
artístico.

La estética idealista consideraba que el arte era el vehículo adecuado de expresión del yo en
sus aspectos más privados, tales como la memoria experiencial o la emoción. Sin embargo,
la consideración del carácter lingüístico, público y culturalmente mediado de toda expresión
ha conducido al escepticismo sobre la posibilidad de una comunicación de la subjetividad ni
aunque sea a través del arte. Al relativismo cultural en la relación entre productos de
diferentes grupos le corresponde dentro del grupo una determinación cultural de toda
producción
individual.

El objetivo es tratar de superar el escepticismo respecto a la posibilidad de una expresión de

la subjetividad, partiendo del carácter lingüístico de las obras de arte, y evitando, por tanto,
la consideración de la expresión artística como natural y espontánea manifestación del
sujeto o del artista.

Para ello se propone avanzar en tres direcciones: primero, proponiendo un modelo de

emoción, memoria experiencial y otros fenómenos mentales que den cuenta tanto de sus
aspectos
intencionales, objetivos, como de la subjetividad de su fenomenología, el cómo es
encontrarse en ese estado.

En segundo lugar, trabajar en un modelo de expresión artística que reconozca el valor

genuino de la expresión en el arte.

A partir de la idea de que el contenido expresivo es inseparable del medio de la

representación, analizar los modos de expresividad propios de distintos lenguajes
artísticos. Por último, se propone un modelo interpretativo que dé cuenta de la
interpretación y la comunicación expresivas en términos de imaginación y
colaboración imaginativa.
 LA PINTURA Y SUS GÉNEROS

La pintura es el arte de la representación gráfica utilizando pigmentos mezclados con otras

sustancias aglutinantes, orgánicas o sintéticas. En este arte se emplean técnicas de pintura,
conocimientos de teoría del color y de composición pictórica, y el dibujo. La práctica del
arte de pintar consiste en aplicar, en una superficie determinada una hoja de papel, un
lienzo, un muro, una madera, fragmentos de tejido, etc. Una técnica determinada, para
obtener una composición de formas, colores, texturas, dibujos, etc. dando lugar a una obra
de arte según algunos principios estéticos.
La pintura es una de las expresiones artísticas más antiguas y una de las siete Bellas
Artes. En estética o teoría del arte, la pintura está considerada como una categoría
universal que comprende todas las creaciones artísticas hechas sobre superficies. Una
categoría aplicable a cualquier técnica o tipo de soporte físico o
material, incluidos los soportes o las técnicas efímeras así como los soportes o las técnicas
digitales.
Una parte de la historia de la pintura en el arte oriental y occidental está dominada por el
arte religioso. Los ejemplos de este tipo de pintura van desde obras de arte que representan
figuras mitológicas en cerámica.
La palabra pintura se aplica también al color preparado para pintar, asociado o no a una
técnica de pintura; en este sentido es empleado en la clasificación de la pintura atendiendo a
las técnicas de pintar, por ejemplo: pintura al fresco o pintura al óleo.

La clasificación de la pintura puede atender a criterios temáticos (como la pintura histórica o

la pintura de género) o a criterios históricos basados en los periodos de la Historia del Arte
(como la pintura prehistórica, la pintura gótica) y en general de cualquier período de la
historia de la pintura.
La historia de la pintura comprende desde la prehistoria hasta la Edad
Contemporánea, e incluye todas las representaciones realizadas con las diferentes técnicas y
cambios, que coincide con la historia del arte en su contexto histórico y cultural.
El llamado arte parietal de pintura mural en cuevas, se concentra fundamentalmente en
algunas regiones pirenaicas pertenecientes a Francia y España y en la costa mediterránea en
el arte levantino, y en otras muestras inferiores que se encuentran en Portugal, Norte de
África, Italia y Europa oriental. Las pinturas rupestres más antiguas conocidas se encuentran
en la Cueva de Chauvet, en Francia, fechadas por algunos historiadores en unos 32.000 años.
Fueron realizadas con ocre de arcilla, rojo de óxido de hierro y negro de dióxido de
manganeso. También destacan las cuevas de Lascaux y Altamira. Se encuentran dibujados
rinocerontes, leones, búfalos, mamuts, caballos o seres humanos a menudo en actitud de
caza.
Las imágenes que se observan en papiros o las paredes de las tumbas egipcias, desde hace
unos 5.000 años, son escenas de la vida cotidiana y mitológicas, simbolizadas con los
rasgos característicos de perfil y utilizando el tamaño de las figuras como rango social.
 GÉNEROS DE LA PINTURA
1. Bodegones.
También llamado "naturaleza muerta", es un género pictórico caracterizado por mostrar
objetos inanimados en entornos caseros, normalmente: vegetales de la cocina, animales
recién cazados, vajilla y flores. La técnica con la que se realice la pintura es libre, sin
embargo el bodegón requiere un mínimo de realismo para que las figuras sean reconocibles.

2. Costumbrismo.

La pintura costumbrista, también conocida como "pintura de género", es aquella que recoge
el comportamiento social y/o estético, que caracteriza a un grupo humano perteneciente a una
época, lugar y cultura determinada. De este modo, cuadros heterogéneos pueden pertenecer a
este género, ya que no hay requisitos sobre temática, composición y estilo.
 3. Alegoría.

Es una figura literaria o tema artístico, que busca representar una idea valiéndose de formas
humanas, de animales u objetos cotidianos. La alegoría pretende dar una imagen a lo que no
tiene imagen, para que pueda ser mejor entendido por la generalidad.

4. Pintura ecuestre.

Es la identificación perfecta entre el jinete y su caballo. Es la armonía que permite al caballo

trabajar sin ninguna contracción en sus articulaciones o en sus músculos, que le permite
efectuar todos los movimientos con un placer físico, mental y con flexibilidad y ritmo.
 5. Retrato.
Es una pintura o efigie principalmente de una persona. También se entiende por retrato
la descripción de la figura o carácter, o sea, de las cualidades físicas o morales de una
persona.

6. Paisaje.
Es el nombre del dibujo de lugares que el estudio de la historia del arte da al género pictórico
que representa escenas de la naturaleza, tales como montañas, valles, árboles, ríos y bosques.
Casi siempre se incluye el cielo, y las condiciones atmosféricas pueden ser un elemento
importante de la composición.
 7. Pintura abstracta.

Es el arte abstracto en pintura. La no utilización de la pintura figurativa es un fenómeno

artístico propio, pero no generalizable, de lo que estéticamente se define como arte moderno
y cronológicamente como contemporáneo en los siglos XX y
XXI.

8. Pintura histórica.

La pintura de historia, o pintura histórica, es un género pictórico que se inspira en escenas

con eventos de la historia cristiana, de la historia antigua, de la mitología o de los
acontecimientos históricos recientes.

9. Pintura mitológica.

Es un género pictórico, subgénero de la pintura de historia, cuyo tema artístico son

personajes o escenas de la mitología, pero no usados con fines religiosos, sino como
pintura profana.
 10. Pintura religiosa.

Es aquella que tiene como tema las representaciones de los textos sagrados,
especialmente dentro de los tres monoteísmos.
 LA ARQUITECTURA ANTIGUA Y MODERNA

Combinar la arquitectura antigua y moderna no es algo nuevo. A lo largo de la historia

ya sea por herencia o adquisición la gente ha adaptado los edificios e
incorporado objetos de generaciones pasadas y de diferentes culturas con el fin de crear
espacios confortables, individuales y a veces a la moda.
La coexistencia y balance de lo antiguo y moderno es un tema importante en nuestra cultura
y en la actualidad.

Las formas y conceptos antiguos son aparentes en arquitectura, diseño y moda; de un domo o
arco a un par de vaqueros de denim. Dichas formas aparecen como modelos recurrentes o
pueden inspirar reinvenciones por ejemplo el taburete para magistrados de la antigua Roma,
fue la inspiración de
la silla Barcelona de Mies van der Rohe.
A principios del siglo XX, lo moderno fue un concepto de quiebre, de corte. Lo moderno
significaba un rechazo a todo lo relacionado a centurias pasadas, por esto surgió un
movimiento denominado arquitectura moderna. En términos de diseño, la primera máquina
comenzó cerca de 1910 y en los siguientes 20 años el concepto de casa contemporánea ha
cambiado significativamente.

Por ejemplo, hacia la década del ’40 los bienes de consumo como refrigeradores o
aspiradoras eran normales a lo largo de Estados Unidos y Europa occidental.
Durante el siglo 20 el diseño progresa de una visión radical del movimiento modernista en
los ’30 a la revolución del consumo masivo doméstico del hábitat con sus sofás coloridos de
los ’60 y finalmente con las casas contemporáneas minimalistas creadas al final de la
centuria.

Hoy en día la combinación de antiguo y moderno se ha convertido en importante desde

el punto de vista ecológico, como la regeneración y la reinvención de los edificios
existentes para ayudar a preservar recursos valiosos.
Las dinámicas de lo antiguo y lo moderno se han utilizado edificios de alto perfil como el
Tate Modern, diseñado por Jacques Herzog y Pierre de Meuron, donde se
inventaron un gran edificio industrial para crear un espacio para exposiciones a gran escala.
En París, la pirámide del Louvre diseñada por I.M.Pei, se levanta en el centro del Louvre
y es un símbolo de valentía creativa. La estructura transparente, con una fuente y tres
pirámides más pequeñas en la corte, subraya la simetría del antiguo palacio del siglo 13.
En Japón, siguiendo la moda de construcción revolucionaria de Rei Kawakubo de Comme
des Garçon, la tecnología de los tejidos de Issey Miyake, diseña a partir de una nueva
generación que está tratando de volver a conectar con las antiguas tradiciones incluyendo
camisetas contemporáneas con bolsillos a base de fragmentos de kimonos de seda antiguos.

Todos estos desarrollos culturales son ejemplos inspiradores de cómo es y cómo se puede
interpretar lo antiguo y lo nuevo. Esto demuestra la fuerza y relevancia de una estética
antigua y moderna como una respuesta a la gran cuestión del siglo 21. El mejor uso posible
de los recursos disponibles y valiosos; y, posiblemente, el mayor problema de todos, la
creación de una estética y ambientes ricos culturalmente.
La arquitectura antigua u occidental hereda sus formas básicas de la griega. La
inspiración para crear edificios con estilo proviene del esplendor de la cultura helénica.
A partir del siglo quinto antes de Cristo y durante seiscientos años, Grecia alcanza un nivel
de diseño y calidad arquitectónica que conmueve a toda Europa.
Constructores y artistas vecinos admiran las creaciones de sus pares griegos y adoptan
de ellos un punto común para concebir la estética de sus edificios.
Los constructores del pueblo griego fueron los protagonistas del mundo antiguo
europeo. La arquitectura griega clásica desarrolla su forma a partir del año 500 antes de
Cristo. Científicos famosos de la época levantan construcciones
imponentes, los cuales se pueden reconocer a simple vista por su peculiar estilo. La mayoría
de estas obras se edifican con un propósito cívico de uso público como teatros, templos
religiosos y también viviendas. Cada tipo emplea una técnica constructiva diferente.
Arquitectura moderna es un término muy amplio que designa el conjunto de corrientes o
estilos de la arquitectura que se han desarrollado a lo largo del siglo XX en todo el mundo.1
A pesar de lo ambiguo del término (similar al de arte moderno o arte contemporáneo), se
refiere a las producciones arquitectónicas contemporáneas o arquitectura contemporánea, no
a la arquitectura de la Edad Moderna (siglos XV al XVIII -véase Arte de la Edad Moderna-),
ni siquiera a la arquitectura del siglo XIX (que pertenece a la Edad Contemporánea) o a la de
otros periodos de la historia de la arquitectura.
A pesar de la similitud en la denominación, ni arquitectura moderna ni arquitectura
contemporánea deben confundirse con la arquitectura modernista, expresión arquitectónica
del movimiento modernista o Art nouveau que se desarrolló en las últimas décadas del siglo
XIX y primeras del XX. Tampoco puede confundirse con el Art decó que se desarrolló en el
período de entreguerras (1918-1939), simultáneamente a la renovación estética del arte de
vanguardia.
Esta verdadera revolución en el mundo del arte, en el campo de la arquitectura tuvo sus
principales desarrollos en la Escuela de la Bauhaus y el denominado Movimiento Moderno
vinculado al Congreso Internacional de Arquitectura Moderna (1928-1959), no sin
diferencias, marcadas por la oposición entre un funcionalismo racionalista y otro organicista
(racionalismo arquitectónico y organicismo arquitectónico).
 FOTOGRAFÍA DEL CINE

Una grabación no es más que una serie de imágenes en movimiento y para decidir cómo y
qué grabar previamente alguien ha tenido que dar el visto bueno. Ahí es donde entra la
figura del director de fotografía, la persona que selecciona la parte del escenario concreto,
que decide la distancia de cámara, el encuadre de la
imagen, la altura, dónde deben colocarse los personajes y hacia dónde deben dirigirse,
en qué sentido debe moverse la cámara, etc.
Pero también cuida otros aspectos técnicos como la iluminación, el tratamiento del color o
incluso las sensaciones que deben transmitir a los espectadores cada plano. Estos elementos
deben ir en concordancia con el vestuario y maquillaje de los personajes, así como el atrezzo
del escenario.

Director de fotografía

El encargado de la fotografía en un rodaje es el director de fotografía que tiene que estar

presente en diferentes fases de la producción. Desde el proceso de preproducción se debe
analizar el guión e ir perfilando la estética que va a mantenerse a lo largo de la grabación.
Es imprescindible que dedique tiempo a
investigar escenarios, tener en cuenta la climatología de los escenarios que se utilizarán e
incluso las horas de luz que habrá en ellos así como las zonas en las que habrá más
luminosidad y sombra (a los mapas de dirección del sol se los conoce como «sun path»).

Pero no sólo ha de tenerse en cuenta la iluminación en exteriores sino también la de interior y

por eso el director de fotografía debe saber el material técnico necesario para las escenas en
el set. Y otra de sus funciones es coordinar con el equipo de atrezzo y vestuario, la paleta de
colores que se van a utilizar.
Cuando llega la temporada de premios de la industria del cine, hay una categoría que llama
la atención: Mejor fotografía. Este reconocimiento goza de gran peso dentro del valor de
una película, y esto es porque la fotografía en el cine es mucho más importante de lo que se
suele pensar.

Cuando se dice que una producción audiovisual tiene «una buena fotografía», se está
alabando la parte plástica de la imagen, la calidad de las imágenes por encima de todo lo
demás. Dentro de un filme, la fotografía es uno de los elementos del cine más importantes,
pero ha de servir al mensaje que se quiere transmitir, como parte de un todo
cinematográfico. Y es que de poco sirve una fotografía espectacular, si una película luego no
está bien contada.

En el cine, la fotografía es básicamente la representación visual de la narración. Puesto

que el propio arte cinematográfico deriva del fotográfico, se podría afirmar que el cine es
«fotografía en movimiento», a 24 fotogramas por segundo, concretamente. De esta forma,
la foto en el cine no sería más que el arte de convertir cada uno de esos fotogramas en una
composición única.

Para componer la fotografía en el cine, el director trabaja estrechamente con el director

de fotografía, el cual toma las decisiones pertinentes sobre iluminación, ópticas y
cámaras de cine. El objetivo es llevar a cabo la visión del director, mediante el uso
creativo de estos recursos.

Esta sería una forma de definir qué es la fotografía en el cine, pero no sería la única, puesto
que el trabajo de un director de fotografía no siempre será el mismo. Por ejemplo, para una
producción de bajo coste o para televisión, con iluminar correctamente y elegir encuadres
sencillos, bastaría; mientras que para una superproducción de Hollywood, se establece el uso
de la luz, las ópticas y los planos con mucho más esmero.
 LA MUSICA Y SUS GENEROS

La música es una forma de expresión artística que ha evolucionado a lo largo de la historia y

ha dado origen a una amplia variedad de géneros musicales. Cada género tiene características
distintivas en términos de estilo, instrumentación, ritmo, estructura y temáticas líricas.
algunos de los géneros musicales más populares:

Pop: Es un género musical ampliamente conocido y popular. Se caracteriza por su

accesibilidad, melodías pegadizas y letras generalmente relacionadas con el amor, la
felicidad y la vida cotidiana.

Rock: Es un género musical con raíces en el rock and roll de los años 50. Se caracteriza
por el uso de guitarras eléctricas, batería y bajo, y a menudo presenta una actitud enérgica
y rebelde. Hay subgéneros como el rock clásico, rock alternativo, hard rock, entre otros.

Hip Hop: Originario de la cultura afroamericana, el hip hop se basa en ritmos rítmicos y
la rima hablada. Incluye elementos como el rap (vocalización rítmica), el DJing (mezcla de
música), el breakdancing y el graffiti.
Electrónica: Este género se basa en el uso de instrumentos electrónicos y tecnología
de producción musical. Incluye subgéneros como el house, techno, trance, EDM
(Electronic Dance Music) y dubstep, entre otros.

R&B (Rhythm and Blues): Es un género musical afroamericano que combina

elementos del jazz, el gospel y el blues. Se caracteriza por su ritmo distintivo,
melodías suaves y letras que suelen tratar sobre el amor, el desamor y las relaciones
personales.

Jazz: Es un género musical originado en Estados Unidos, con raíces en la música

afroamericana y la improvisación. El jazz se caracteriza por su enfoque en la creatividad y
la interacción entre los músicos, con elementos de swing,
improvisación y armonías complejas.
Clásica: Se refiere a la música compuesta durante el período clásico, barroco, romántico y
contemporáneo. Incluye obras de compositores famosos como Bach, Mozart, Beethoven y
Tchaikovsky. Se caracteriza por su notación musical precisa y estructuras formales.

Blues: Íntimamente conectado con el jazz, (algunos lo consideran su predecesor) el blues

hunde sus raíces en la música africana que trajeron consigo los esclavos
llevados a Estados Unidos. Aquellas tristes canciones fusionadas con otros ritmos
americanos y occidentales, hicieron del blues un género musical de gran influencia en la
música posterior. Han destacado figuras como B. B. King o Eric Clapton.

Góspel: El góspel está dentro de la música religiosa (un género propio), pero poco tiene
que ver con los cantos gregorianos de un convento. Esta música espiritual y afroamericana,
alcanza su máxima expresión a mediados del siglo XX, de la mano de los coros de las
iglesias protestantes o evangélicas. Son cánticos de alabanza a Dios en los que, con
sorprendente ritmo y vitalidad, combinan melodías africanas con los himnos y salmos
evangélicos.
Soul: El soul (alma en inglés) es un género musical que ha influido de manera notable en
corrientes musicales posteriores. Tiene su origen en los años 50 y se caracteriza por las
melodías pausadas y las letras cargadas de sentimiento y nostalgia. Tiene puntos en común
con el góspel, pero su ritmo es mucho más lento.

Reggae: Los acordes del reggae son fácilmente reconocibles por su sencillez y porque se
repiten una y otra vez, dándole a cualquier melodía una cadencia constante. Es un género
musical originario de Jamaica con importantes reminiscencias africanas, también de la
cultura rastafari. La dio a conocer al mundo el mítico Bob Marley.

Salsa: Es uno de los ritmos latinos más populares en todo el mundo por sus pegadizas
melodías que invitan a bailar (salsa, por supuesto). La salsa, música
ligada a la cultura cubana, es una mezcla del propio son cubano y de otras melodías caribeñas
y latinoamericanas.
Flamenco: El flamenco es un género que se encuadra dentro de la música tradicional
española. Sus orígenes se remontan siglos atrás y surge principalmente en Andalucía, fruto
de la mezcla de las culturas: musulmana, castellana y judía. En el flamenco, íntimamente
ligado también a la cultura gitana, la guitarra española y
las voces de los cantaores forman un tándem perfecto a la hora de transmitir una música
llena de emociones y sentimientos. Es uno de los mejores tipos de música española.

Metal: El metal y su expresión más extrema, el heavy metal, es una evolución de la música
rockera que alcanza su apogeo en los años 80, especialmente en los países occidentales. Es
un tipo de música potente, con gran fuerza instrumental y máxima presencia de guitarras
eléctricas con punteos "imposibles" acompañados de voces
intensas, de fuertes agudos o graves profundos. Iron Maiden o Metallica son algunos
de los grupos más representativos.
Funk: De la fusión de distintos géneros musicales, como el jazz, el soul y los ritmos
latinos, unidos a algunos elementos propios del rock, el funk surge con fuerza a finales de
los 60 en Estados Unidos, evolucionando conrapidez al incorporar acordes propios de la
incipiente música electrónica. Se considera la "semilla" de lo que sería la música disco.

Bossa Nova: La suave y pegadiza bossa nova forma parte de la tradición musical brasileña.
Su armoniosa melodía es una delicada evolución de los ritmos de la samba combinados con
el jazz. Canciones tan populares como La chica de Ipanema son un claro ejemplo de este
género musical atemporal.
 LAS ARTES ESCÉNICAS

Las artes escénicas son una forma de expresión artística que se desarrolla en un escenario o
espacio escénico y combina elementos como la actuación, la música, la danza y el diseño
escenográfico.

Teatro: El teatro es una forma de arte que combina la actuación, la dramaturgia y la puesta
en escena. Los actores interpretan personajes y presentan una historia frente a un público.
El teatro puede abarcar una amplia variedad de estilos y géneros, desde el teatro clásico
hasta el teatro experimental y contemporáneo.

Ópera: La ópera es un género teatral que combina música clásica, canto y actuación. Se
caracteriza por sus elaborados decorados, vestuarios y producción escénica. Las óperas
suelen contar historias emocionales y dramáticas, y los cantantes interpretan los roles
principales acompañados por una orquesta.
Ballet: El ballet es una forma de danza que se desarrolla en un escenario y se basa en
movimientos técnicos y elegantes. Combina la música clásica con la expresión corporal y la
interpretación emocional. El ballet se caracteriza por su gracia, precisión y disciplina
técnica.

Danza contemporánea: La danza contemporánea es un género de danza que se

desarrolla a partir de técnicas clásicas, pero incorpora movimientos y estilos más libres y
experimentales. Se enfoca en la expresión personal y la exploración del cuerpo y el
espacio.
Circo: El circo es una forma de entretenimiento que combina habilidades acrobáticas,
malabarismo, equilibrismo, contorsionismo y actuación cómica. Los artistas circenses
realizan actos impresionantes y a menudo se presentan en carpas o teatros especiales.

Performance: La performance es una forma de arte en la que el artista crea una experiencia
o presenta una acción en vivo frente al público. Puede incluir elementos de teatro, danza,
música, instalación y otras formas de expresión artística. La performance a menudo busca
cuestionar y desafiar las convenciones del arte tradicional.

Improvisación: La improvisación es una forma de actuación en la que los actores crean

diálogos, escenas y personajes en el momento, sin un guion preestablecido. Es espontánea y
se basa en la creatividad y la capacidad de respuesta rápida de los actores.
Teatro musical: El teatro musical combina elementos del teatro, la música y la danza.
Incluye números musicales y canciones que ayudan a contar la historia. Los actores en el
teatro musical deben tener habilidades tanto en actuación como en canto y baile.

Marionetas: Las marionetas son muñecos o figuras manipuladas por titiriteros para contar
una historia. Pueden ser de diferentes tipos, como marionetas de hilo, títeres de guante,
marionetas de sombras y marionetas de varilla. Las marionetas pueden ser utilizadas tanto
en teatros especializados como en producciones teatrales.
OPINIONES

NICOL: los lenguajes artísticos en las bellas artes son poderosas formas de expresión que permiten a los artistas
comunicarse de manera única y profunda. A través del lenguaje artístico, el ser humano puede explorar su
imaginación, transmitir emociones, etc.

reflexionar sobre la condición humana y cuestionar el mundo que nos rodea. Estos lenguajes artísticos se convierten
en vehículos para compartir experiencias, perspectivas y visiones del mundo.

ASHLEY: La percepción subjetiva del arte, incluyendo la pintura, nos permite tener una experiencia personal e
íntima con las obras, estableciendo una conexión única y enriquecedora. A través de nuestra percepción,
interpretación y diálogo con el arte, podemos expandir nuestra visión del mundo, explorar diferentes perspectivas y
profundizar nuestra comprensión de la condición humana. La subjetividad en el arte nos invita a abrazar la
diversidad de opiniones y a valorar la multiplicidad de significados que cada obra puede tener para cada individuo.