RESUMEN FINAL HISTORIA 2

GAVITO 2019 (PLAN VIEJO)

FECHAS IMPORTANTES
PGM: 1914 - 1918
ENTRE GUERRAS: 1918 - 1939
SGM: 1939 - 1945

1ERA REV INDUSTRIAL: 1750 - 1820

2DA REV INDUSTRIAL: 1870 - 1914

SIGLO XIX
Revolución industrial (año 1800)

La rev industrial instala el desafío de definir el objeto moderno. Cómo deben ser los objetos con el nuevo paradigma de fabricación. Cuál es el rol del
artesano en esta nueva realidad. Muchas cosas quedan libradas a lo que la máquina puede hacer y no a las decisiones del humano. Surgimiento de
nuevos materiales. Nueva clase social: La burguesía.

Siglo XIX: predominan los clasicismos. Estéticas ya conocidas sin sentido del buen gusto. Arte vs técnica.
El problema está dado por los productos. El objeto no es una pieza única, se busca q sea producido industrialmente. Producción en serie. Grandes
cantidades. Se piensa el objeto de diseño (ferrocarril) con una lógica universal, que sirviera en cualquier lugar.

MODERNIDAD
Inicia en 1440

- Pasaje de creencia en Dios al racionalismo

- Conocimiento del mundo a través de los sentidos y la razón
- Avances: Guttenberg (tipos móviles 1440)
Rev industrial
Descartes (pienso, luego existo)
Newton

1) CONTEXTO

- 2DA rev industrial: invención electricidad y petróleo

división del trabajo y trabajo en serie
creencia en el rol del hombre para crear un mundo mejor (tecnología)

POLÍTICA: se pasa de la monarquía a la democracia

SOCIEDAD: movimiento del proletariado a la ciudad (artesanos y obreros)
ECONOMÍA: capitalismo y burguesía. El objeto pasa de ser elitista a ser para la masa
FILOSOFÍA: marx

OBJETO INDUSTRIAL
- se redefine el objeto (idea de lo bello)
- mayor importancia de lo funcional
- racionalización y optimización de los tiempos de producción
- cadena de montaje (Ford)

QUIEBRES
- exposición de Londres 1851
- Crystal Palace
- Torre Eiffel

- mirada del ser humano hacia el progreso

- nuevo concepto de belleza y simplicidad de las formas

CONSECUENCIAS
- objetos de artesanos imitados
- resultados feos pero baratos
- máquina para diseños y no diseños para máquina

«Todo se fundamenta en la razón»

2) ARTS AND CRAFTS
WILLIAM MORRIS
- Inglaterra (1890) precursor de la modernidad
- crea Arts and Crafts (consecuencia de la industrialización)
- propone el retorno a la artesanía
- critica el maquinismo x el empobrecimiento de la calidad
- pensamiento romántico del objeto
- arte inclusivo
- contradicción porque los productos se vuelven muy caros (elitistas)

INFLUENCIÓ: 1) ART NOUVEAU Francia

2) JUGENDSTIL Alemania
3) LIBERTY Italia
4) SECESIÓN VIENESA Austria
5) MODERNISMO CATALÁN España

- a favor de los detalles y el arte medieval

- «el arte debe ser hecho x y para el pueblo»
- crea Kelmscott Press (el libro ideal: márgenes, espaciado, tipografía)

-KELMSCOTT PRESS:
- las paginas deben ser claras y fáciles de leer
- tipo bien diseñada
- márgenes proporcionales a la caja tipográfica
-el papel impreso debería estar hecho a mano porque es el de mejor calidad, pero si se usa papel de maquina que no aparente ser artesanal.
-son mas cómodos los formatos grandes.
-utilizar el ornamento con cuidado, ya que tiene que formar parte de la pagina. Todo está integrado no hay q pensar los elementos por separado.

Pensaba que las personas tenían el derecho a tener acceso a un mobiliario sólido y decoroso, y como el mercado no lo ofrecía, decidió hacerlo él con un
grupo de trabajo.
1861: Crea la Morris, Marshall and Faulkner (influencia prerrafaelista), en donde trabajan artistas de diferentes campos.
El concepto que Morris tiene del arte surge de los conocimientos derivados del arte medieval y se entrega en el historicismo, en donde el arte gótico y los
oficios van a tomar protagonismo. La máquina es el principal enemigo de Morris ya que afirma que es perjudicial y hasta quiere que sean destruidas. Sin
embargo, llega a decir que en vez de que la máquina nos domine, hay que utilizarla como herramienta de trabajo.

MODERNISMOS
Pre proyecto moderno

Fueron las primeras respuestas de la sociedad artística frente a la Revolución Industrial, lo cual genero una caída fuerte del trabajo artesanal. Recuperar
el buen diseño pero sin volver al pasado, a través de un nuevo estilo. Los modernismos se tienen q adaptar a la producción industrial.

Surgimiento de nuevos materiales como el hierro, el acero, el aluminio, etc por la madera. Máquinas como locomotoras, máquinas de vapor, máquinas
de guerra, de hilar, innovaciones de la metalurgia.etc : aumento de la producción, lo cual demandó una creciente mano de obra y un aumento de la
población en las ciudades.

1) ECLECTICISMO
- reformula el diseño en base a la industria
- funcionalidad, seriación, acceso para todos
- diseñador integral
- belleza: objeto universal
- 3 aspectos de la revolución industrial: liberalismo, naturalismo y democracia

2) ESCUELA DE GLASGOW - ESCOCIA

MACKINTOSH
- defiende la postura de Morris
- objetos hechos a mano pero con elementos industriales
- lenguaje geométrico
- objetos pensados para lugares particulares
- obj mas económicos, mas rápidos, más fáciles, no seriados
- no hay funcionalidad correcta, es muy incómodo sentarse.
- imágenes simples
- composición geométrica combinando elementos florales y curvilíneos con
fuertes estructuras rectilíneas
3) SECESIÓN VIENESA - AUSTRIA (1897)
- a cada tiempo su arte y al arte su libertad
- figuras planas con mayor simplicidad
- tipografías legibles (sans serif) cualidad orgánica
- geometría (no rígida, sino orgánica)
- construcción modular del diseño
- objetivo de su creación: instaurar el arte verdadero y libre de carácter
comercial

GUSTAV KLIMT

- pintor simbolista
- murales con estilo ornamentado
- nuevo lenguaje donde lo plano convive con lo orgánico
- fue uno de los jefes de la secesión vienesa
- puso en jaque la problemática entre lo tradicional y el nuevo estilo
- mirada desafiante de la mujer uso de collage y planos

KOLOMAN MOSER

- poster con diseño geométrico

JOSEPH OLBLICH
HOFFMAN JOSEF

- cubiertas geométricas pero lo funcional no ayuda

- aspecto personal de un pensamiento artesanal

4) ART NOUVEAU - FRANCIA, BÉLGICA, INGLATERRA, ALEMANIA, EEUU

- estilo decorativo influenciado por las artes y oficios (arts and crafts) y por los grabados japoneses. Se usaron flores, pájaros y la presencia femenina.
- arte como forma de vida
- forma gráfica: el cartel
- texto subordinado a la imagen
- cartel: entorno / calle

/////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////FRANCIA
CHERET

- figuras en sus carteles expresan energía y movimiento

- unifica palabrás e imágenes
- aplicación del color en la litografía
- mujeres bailando y fumando

TOULOUSE - LAUTREC

- afiches para el moulin rouge

- mostrar a las bailarinas bailando o charlando con caballeros

//////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////BÉLGICA
VAN DE VELDE

- postula el arte ornamental basado casi en leyes científicas de atracción y repulsión, poco arbitrario pero acá
se ve su admiración por la máquina y por este estilo artístico más abstracto.
- formas florales
- simbología

ALPHONSE MUCHA
//////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////INGLATERRA
AUDREY BEADERSLY

- su única preocupación es la decoración: un gran virtuosismo gráfico en donde se pueden

ver formas ondulantes con ornamentos delicados. En muchas de sus obras, muestra una
gran claridad en términos de composición de figuras, en donde se pueden ver las curvas,
la esbeltez de las proporciones, la delicadeza floral, y perfiles oblicuos.

//////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////INGLATERRA
MACKMURDO

- fue pionero de Morris y fundó la Coporlación del Siglo en 1882 y tuvo una gran influencia de
los prerrafaelistas.

/////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////ALEMANIA (JUGENDSTIL)
OTTO ECKMANN

- diseñó páginas de libros con las características gráficas del art nouveau, mediante el uso de
hojas y tallos
- menos abrstacto que Van de Velde

/////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////ALEMANIA (JUGENDSTIL)
HERMANN OBRIST
//////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////INGLATERRA
LUIS RHEAD

//////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////////INGLATERRA
WILLIAM BRADLEY

5) WERKBUND - ALEMANIA
- antecedente de Bauhaus
- proto-relacionista
- buscan hacer objetos seriados
- no es extremadamente geométrico
- MUTHESIUS crea el Werkbund
- objetivo: liga de talleres para resolver confilcto entre el artesano y el industrial
- lograr productos industriales de calidad
- elevar cualidades funcionales y estéticas de la producción en masa
- surgimiento de estética basada en formas puras y simples
- artistas mas artesanos mas industriales
- creado para reconstruir Alemania industrialmente
- construir objeto funcional sin adornos que entorpecen
- funcionalismo temprano
- concepto de BUENA FORMA (GUTE FORM): calidad, practicidad y funcionalidad
- diferencia con Morris: el objeto es bello x ser accesible y funcional

MUTHESIUS

- la forma está determinada x la función

- quiere eliminar todo ornamento
- simplicidad y exactitud

ADOLF LOOS

- libro ornamento y crimen

- rol del artesano queda en el pasado
- defiende al objeto industrial

PETER BEHRENS

- desarrolla la imagen total de marca

- defensor de la tipografía de palo seco
- sistema de retículas (composición)
- diseñador integral
- estandarización de piezas
- AEG (programa global de identificación visual (identidad, packaging y cartelería)
PROYECTO MODERNO
- movimiento intelectual que busca desarrollar un lenguaje universal que todos puedan comprender
- inicia con las vanguardias
- finaliza con el cierre de la ULM
- buscan funcionalidad (racionalismo)
- UTOPÍA a través de la tecnología
- hombre diseñador integral
- geometrización y nuevos materiales
- ornamentación NO
- arte universal
- progreso social a través de la ciencia y la técnica
- problemática del objeto

Materialización de las ideas modernistas en un proyecto concreto. Fuerte ideología. Fuerte compromiso social. No es solo una propuesta estética. Miran
hacia adelante. Sociedad integrada. Lenguaje universal. Pensamiento integral. La racionalidad como ideología.
Ej. Peter Berehns. Piensa el diseño desde un lugar abarcativo. Soluciones integrales. Intención de abarcarlo todo.

- búsqueda de un orden/objetividad
- idea de comunicación eficaz
- historia lineal
- al llegar al objeto racional, sistemático y universal se llega un mundo mejor

VANGUARDIAS
¿CUÁNDO SE CONSIDERA VANGUARDIA?
Cuando hay un acuerdo explícito del lenguaje y un manifiesto.

CONTEXTO: racionalismo
nuevo actor: la masa
nuevos materiales
arte fundamentalmente utilitario
PGM
fotografía
Revolución rusa
no existe belleza permanente
arte para el pueblo/universal

- las vanguardias pintan/representan la crisis, la sociedad europea en decadencia, la muerte, la destrucción, realidad cruda y dura
- nuevo lenguaje
- ruptura con lo académico (bellas artes)
- se crean MANIFIESTOS
- compromiso con lo político y social

El arte de vanguardia va a provocar, va a romper, a quebrar en su representación de la realidad, las buenas conciencias y sus expectativas estéticas.

Movimientos de ruptura + situación de quiebre + rechazo a la tradición.

No hay un gusto estético universal, sino que cada época, cada país tiene su forma de expresarse.

1) CUBISMO - FRANCIA 1907

- artista no encerrado en su taller
- infuencias:

PAUL CEZZANE Él planteaba que todo lo que se observa se encuentra dentro del cono/esfera/cilindro. Muestra distintos puntos de
observación/ perspectivas de cada objeto para poder entender su funcionamiento. La perspectiva es una mentira.

EINSTEIN Se necesita tiempo para recorrer un espacio. El tiempo es una variable.

- antes:

PICASSO Era academicista (usaba perspectiva, claro-oscuro).

- despues:

PICASSO Utiliza los 3 cuerpos geométricos y la percepción. Pinta calles y bares. Luego resalta la importancia de usar prismas (pirámides y
cuadrados) en vez de conos, esferas y cilindros. Picasso también recibe la influencia de las máscaras africanas, que incorporan la
idea de síntesis.

LEGADO:
- síntesis
- multiplicidad de planos
- geometría
- mostrar al objeto desde el lado más representativo
CEZZANE

PICASSO

- cuadro «Las señoritas de Avignon»

- facetado geométrico
- lo veo en distintos tipos de ángulos
- simultaneidad de las imágenes
- NO hay figura/fondo

- cuadro «Tres Músicos»

- revalorización de campo de vista
- síntesis, a través de la geometría
- distintas texturas
- espacialidad dada por las texturas

GEORGE BRAQUÉ

- revalorización del campo visual

- con Picasso fueron los iniciadores
- rompe con la lineatura de las líneas
- introduce textos en las pinturas y empieza a
explorar con el collage
JUAN GRIS

- figura y fondo se dan en simultáneo

2) FUTURISMO - ITALIA 1909

CONTEXTO:
fascismo en Italia

- belleza de la velocidad, máquinas y tecnología

- glorificación de la guerra y la violencia
- composición dinámica no lineal
- 3 o 4 colores de tinta
- más de 20 tipografías si hace falta
- tipografía como imagen (semantización)
- palabras sin cadena de sintaxis
- rápida lectura. comunicación urgente
- tipografía y dinamismo
- la tipo genera formas y movimiento
- en contra de la armonía tipográfica
- estilo explosivo, violento y rápido de la vida moderna

Un movimiento estético violento, agresivo, ideológicamente situado como un ismo (tendencia innovadora) modernizador.
Idea del cambio permanente y constante. Nada permanece quieto. Todo se va transformando. Lo heredado y el presente se tira a la basura.
Contra los academicismos tradicionales, contra la moral cristiana. El futurismo es seducido por las nuevas variables de la vida moderna: la ciudad, la
técnica, la fábrica. Todo lo que para el expresionista es duda frente al mundo, el futurista lo revindica. Aún así, ambos están en contra de las tradiciones
estéticas, los cánones de lo bello, la necesidad de nuevas formas expresivas.

El manifiesto, el panfleto, el documento de protesta, es un arma que acompaña con gran importancia al futurismo. Algunos de estos manifiestos están
cargados de humor negro, humor sangriento. Para el futurismo hay una modernidad arcaica que debe morir y una nueva escena, la de la metrópoli, la de
la velocidad comunicacional. Palabras símbolo que van a usar permanentemente y remiten al maquinismo, a la industria avanzada. Reverencian la
técnica y la sociedad productiva a gran escala. Aman el progreso del sistema capitalista.

MARINETTI
fue el autor del primer himno futurista a la velocidad, el dinamismo, la guerra y el fin de la tradición. Su mayor Aporte fue su teoría sobre las Palabras en
libertad. Su principal preocupación era el libre potencial expresivo del lenguaje, y todas sus investigaciones tipográficas orientaban a este fin.

Para Marinetti resulta una obsesión destruir los canales de sintaxis y crear una nueva poesía a partir de la ruptura y la transgresión del sistema
lingüístico. Pretende romper con la gramática, la sintaxis y la métrica tradicional, frente al nuevo estilo explosivo, violento y rápido de la vida moderna.
Configura composiciones desordenadas con letras de tamaños dispares en un desequilibrio en el que el orden sintáctico desaparece.

“Mi revolución se dirige contra lo que se llama armonía tipográfica de la página” Saltos y estallidos de estilo que recorran la página. Tres o cuatro colores
de tinta. Muchas variables.

Idealizan un mundo dominado por la máquina.

La guerra es lo mejor que le puede suceder a un mundo sin ideales. Revindican la guerra, la muerte como purificadora.

-velocidad + dinamismo + guerra + fin de la tradición

-collages de letras que conformaban une estado de estado de violencia agitación que las palabras se movían con la rapidez de los trenes, los aviones, los
autos, los átomos, las olas, etc , que inspiraban a los futuristas.
-el lenguaje verbal se desmaterializa- uso de onomatopeyas.
-dejar de lado lo académico.
-destruir la sintaxis del discurso, ya no hay tiempo de armar oraciones, sino que hay q arremeter contra los nervios de los demás con sensaciones
visuales, auditivas, olfativas, etc.
-puñado de palabras esenciales sin orden convencional.
-lo único que hay que hacer es transmitir cada una de las vibraciones de su ser.
-usar la intuición.
MARINETTI

UMBERTO BOCCIONI

- dinamismo de un ciclista
- gran saturación / dinamismo de los objetos y los espacios

FORTUNATO DEPPERO

- energía dinámica

CARLOS CARRA

- experimentación con el collage

- idea del cambio constante y permanente
- idea del brillo como energía
LUIGI RUSSOLO

legado al diseño:

- el blanco da potencia a la obra

- uso del collage
- uso visual de la tipo
- imágenes dinámicas, varios planos para generar movimiento
- uso de fotografía
- sonidos (HOOOLA) sonidos de la ciudad

3) DADAÍSMO - SUIZA 1915

- el migitorio de Duchamp: cualquier cosa puede ser arte
- resignifican objetos de la vida cotidiana
- lo importante es el significado de la obra y no la obra en sí
- lo bello es lo feo
- espectador activo
- en contra del expresionismo
- comunicación visual para elevar la conciencia pública y promover el cambio social

Para el dadaísta el arte estaba agotado. Había que ponerle una bomba y hacerlo estallar con el resto del mundo y los valores burgueses. Dadá es
extremista, disonante, cargado de humor. Su discurso llama a dejar atrás al arte y saltar hacia la vida, a romper con las escuelas y con las propias
vanguardias, porque las mismas creen en el arte. Para hablar de la muerte del arte, necesita del arte, de la expresión artística. – IRONÍA – Las
vanguardias hacen uso extremo del libre albedrío del arte, de que el arte no debe darle cuentas a nadie.

La repetición es la muerte de dadá.

Una indisposición de los estados de ánimo, donde el arte juega un elemento revolucionador.

Impresiones tipográficas: la cuadrícula se encuentra de-construida.

Fragmentan la composición ortogonalmente y evidencian la rígida estructura de la página tipográfica tradicional, al tener que mantener cada letra y cada
ornamento encajado entre elementos espaciadores y espacios en blanco. La tipografía quiso presentar una nueva forma de lectura. No pretendían
destruir las reglas tipográficas.

La tipografía dadá era totalmente inutilizable con fines de información y publicidad pero la libertad de formas que tenía es todavía muy estimulante como
experimento individual de diseño
- tendencia anarquista
- hacer un lenguaje de una fuerte crítica de una sociedad europea en decadencia (PGM)
- toma objetos y los resignifica de manera ridícula. Llama a dejar de lado el arte y saltar hacia la vida, romper con las escuelas, estilos, legajos, y con las
propias vanguardias
- no debe rendirle cuantas a nadie, se burla de lo académico y critica el monopolio del arte. Se expresan a través del fotomontaje y el collage

LEGADO AL DISEÑO:

- aparente caos
- utilización de viñetas
- liberación del espacio a utilizar
- búsqueda de nuevo lenguaje
- imagen final puede ser reconstruida x el espectador
- uso de ironía y humor
- collage
- expresión muy pregnante
- cambio de escalas en la tipo
- superposición de tintas
- Man Ray: fotografía
- Heartfield: contra el nacismo
KURT SCHWITTERS

- falta de respeto por lo convencional, amor por lo absurdo y la espontaneidad

- 1919: revista Merz. Crítica al capitalismo

Su estilo evoluciona del futurismo, al dadaísmo y al constructivismo

MARCEL DUCHAMP

MAN RAY
TRISTAN TZARA
- exploración fonética, colocación al azar, títulos absurdos

JOHN HEARTFIELD

- critica a la república de Weimar

- uso del fotomontaje para transmitir ese mensaje de protesta
- crítica al gobierno del Tercer Reich

4) EXPRESIONISMO - ALEMANIA 1911

- lo real viene del interior
- búsqueda de lo esencial
- Kandinsky: vista y oido
- abstracción: representación simbólica
- formas: círculo azul --- perfección
triángulo amarillo --- espíritu
cuadrado rojo --- hombre en la tierra

A) el puente: vida en la ciudad, miseria, hombre solo, Alemania post guerra

B) jinete azul: perspectiva más espiritualizada, no física ni violenta (kandinsky, paul clee)

Mov. Literario, plástico y cinematográfico fundamentalmente. Su momento más consistente es en Alemania. Básicamente un arte de oposición a lo que
era esa Alemania.

Plantea que lo real no es fundamentalmente aquello que vemos en el exterior, sino aquello que se genera en nuestro interior cuando vemos, percibimos o
producimos algo.

Dos grupos importantes:

- El Puente: Transmite de la manera más violenta. Se plantea la vida (o anti-vida) en la ciudad, la violencia propia de la misma, la vida artificial, la
soledad del hombre, que es representado como figuras fantasmales, espectros. El Puente va a trabajar los lugares que rechaza el buen burgués: Las
tabernas, los prostíbulos; lugares donde es mejor no ir. Lugares miserables, olvidados de la ciudad. Buscan la expresión de una realidad caída, oscura.
Frente a lo bello que promete el arte, aparece lo feo, lo desagradable, lo irónico.

- El Jinete azul: Figuras como Kandinsky, Paul Klee. Tratan otra perspectiva más espiritualizada, no violenta, que va a hacer eje en la necesidad que
tiene el arte de hacer un pasaje de lo material a lo espiritual. La vanguardia está en la ciénaga del materialismo del mundo, del consumo, el egoísmo. En
la espiritualidad se busca la esencia de lo real. Para Kandinsky es un momento muy espiritual, absolutamente abstracto, de borrar el mundo. Líneas
colores, trazos sueltos que no tienen sentido para el burgués. Plantea una nueva idea de color, una estructura de rojo, azul y amarillo, son una música que
produce sensaciones. Los colores cálidos se expanden, avanzan y los fríos retroceden. Abandona la figuración, paisaje de colores. Surrealismo Busca la
libertad individual y colectiva
EDVUARD MUNCH

- cuadro «El grito»

- transmite disconformidad
- composición fluida

SCHULZ NEUDAMM

- obra «Metrópolis»

ERNEST LUDWIG KIRCHNER

KANDINSKY

PAUL KLEE

5) SUPREMATISMO - RUSIA 1915

- fue un movimiento artístico creado por Malevich
- enfocado en formas geométricas fundamentales (cuadrado y círculo)
- estuvo influenciado por Kandinsky, pero Malevich agregó los valores de blanco y negro
- luz / pureza vs negativo / lo estático
- creó una abstracción geométrica

MALEVICH
6) DSTIJL - HOLANDA 1917 (NEOPLASTICISMO)
- fundado por Theo Van Doesburg
- defensa de lo plástico sobre lo narrativo
- defensa de lo universal por sobre lo individual
- sentimiento es mayor que significado
- estilo geométrico abstracto
- tratan de purificar el arte
- vanguardia abstracta, funcional y racional
- participa de la ciudad activamente
- belleza: pureza absoluta de la obra
- grilla hortogonal y colores primarios con blanco
- el color negro se usa para figuras: líneas rectas, cuadrados y rectángulos
- composiciones con absoluta armonía

- revista de Stijl: se suprimen líneas curvas, tipo de palo seco, bloques rectangulares apretados de tipo y GRILLA ORDENADORA

- lenguaje universal: abolir subjetividades

- diferencia con el suprematismo: se agregan las líneas horizontales y verticales

“El artista verdaderamente moderno debe crear la obra puramente plástica; debe encaminar al público a la compresión de una estética de arte plástico
puro. Cuando los artistas de diversas artes plásticas hayan comprendido que deben hablar un lenguaje universal, ya no se aferrarán a su propia
individualidad.”

Tipografía era entendida similar al constructivismo: como vehículo de conformación plástica del texto, centrado en la re-significación de la palabra
mediante la creación de una nueva poesía. Tendieron a utilizar el palo seco y se interesaron por las tipografías modulares que se adaptasen mejor al
nuevo espíritu. Había que eliminar los modos de manifestarse de lo sentimental o individualista. Eliminar la línea curva.

Va a ser una vanguardia que se adapte a lo industrial por lo ortogonal. LEGADO AL DISEÑO: - tipo san serif
- blanco activo
- Depuración de las formas para llegar a las formas fundamentales. - fotografía experimental
- Estructuración armónica - diagonales
- Lenguaje objetivo y universal - geometría como orden
- Uso de pocos colores del espacio
- Idea de lo modular y de la construcción - contrastes
- Sans serif palo seco - uso de escalas para la
jerarquización

THEO VAN DOESBURG

MONDRIAN

- echa a Theo por querer agregar

diagonales

- crea la lectura «Z» de izq a der, de

arriba para abajo, de izq a der

- el blanco genera contraforma

- trabaja con lo asimétrico

6) CONSTRUCTIVISMO - RUSIA 1917
CONTEXTO:
- rev rusa
- termina la monarquía del zar
- necesidad de adoctrinar a las masas al nuevo sistema comunista

SISTEMA DE COMUNICACIÓN:
- fotografía e imagen en movimiento
- tipo de palo seco y mayúscula
- tipo grande (vía pública)
- letra: gran grado de visibilidad y utilitarista (facilita la comprensión popular)
- uso del collage
- barras que delimitan espacios
- signos de ? / ! para ayudar a la lectura
- flechas para marcar lo importante
- modelos: personas del pueblo
- fondos planos y uniformes
- paleta de colores: ROJO (revolución) y colores primarios y negro
- geometría como lenguaje universal
- equilibrio asimétrico
- uso hábil del espacio en blanco
- el arte es social
- lector activo: diagonales invitan a entender

LEGADO AL DISEÑO:
- tipo san serif mayus
- blanco activo
- fotografía experimental (moholy nagy)
- diagonales
- geometría como ordenadora del espacio
- contrastes
- distintas escalas para la jerarquización
- simplificación

Recibió influencias estéticas del futurismo. En los planteamientos de Tatlín (creador) se ve la influencia del Futurismo en la aceptación de la estética de la
máquina como perfectamente válida y adecuada al mundo moderno. Buscaban la organización del mundo y de la sociedad a partir de los materiales del
presente. Los constructivistas querían un arte puramente lúdico y experimental como fuente expresiva de la verdad revolucionaria. El arte debía ser
abolido como tal, pues su función era meramente estética y símbolo de decadencia burguesa. Animaban a los artistas a realizar actividades que fuesen
de utilidad directa para la sociedad.

RODCHENKO
_Alexander Rodchenko fue uno de los primeros artistas que apoyaron a los bolcheviques después de la rev. Rusa de 1917. Se concentró en el diseño, la
fotografía y la tipografía. El programa constructivista de Rodchenko (presentado en el primer Grupo de Trabajo de Constructivistas) propone una base
para trabajar al servicio del “comunismo científico” que se opone a la forma del DG comercial de USA. Buscan la expresión comunista de las estructuras
materiales.
- Establecen tres disciplinas: Tectónica, Faktura y Construcción.
• Tectónica: Relación entre lo ideológico y lo formal. Otorga unidad al diseño práctico. Formada con las propiedades del comunismo y el uso
conveniente del material industrial.
• Faktura: El material trabajado conscientemente y utilizado convincentemente.
• La construcción: La función organizacional. Es el proceso de la estructuración.

El tipografísmo constructivista es utilitarista. Sirve para facilitar la comunicación y la comprensión popular. Está ligado a la publicidad. Quieren que el
lector participe de forma activa. Crean oposición entre las disposiciones horizontales y verticales de los caracteres (esto obliga al lector a involucrarse en
la búsqueda del sentido de lectura). El efecto es más importante que la significación.

EL LISITSKI
_El Lisitski exploró la plasticidad de la letra. Considera el material alfabético como una base para descomponer formas elementales y realizar con ellas
nuevas estructuras expresivas en función a los valores plásticos y espaciales, donde el papel es el campo de juego. La legibilidad no parece preocuparle.
Lisitsky saca fotografías sin cámara e incorpora la tipo en la fotografía. Escribe “La topografía de la tipografía”, donde describe como se debe utilizar la
tipografía: uso del blanco como forma indispensable en la página, tiene peso propio, porque le da un descanso al ojo.

EXPANSIÓN
En Hungría, Checoslovaquia, Polonia y Yugoslavia hubo importantes corrientes constructivistas. Asimismo, en Alemania se manifestó en la Bahuaus una
sólida orientación constructivista tras un inicio más bien místico.
RODCHENKO

- producción gráfica de gran peso

geométrico

- grandes áreas de color

- tipografía de palo seco

- composiciones estáticas

- grandes contrastes

- uso del fotomontaje

EL LISSITSKY

- introdujo ilusiones tridimensionales

- experimentó con el fotomontaje,

la pintura, el diseño gráfico, la impre-
sión

- uso de contrastes

- uso de una grilla

- uso de blancos y pesos

8) SURREALISMO - FRANCIA 1924

BRETON
- escribe el manifiesto surrealista
- influencia de Freud y los sueños

- proponen metáforas, revelación del inconsciente

LEGADO:
- retórica
- metáfora

SALVADOR DALÍ
RENE MAGGRITE

BAUHAUS
ETAPAS POR DIRECTOR
1 1919 - 1928 GROPIUS (etapa mas fructífera)
2 1928 - 1930 MAYER (pensamiento comunista)
3 1930 - 1933 VAN DER ROHE (arquitecto, anti política)

ETAPAS POR CIUDADES

1 1919 - 1925 WEIMAR (arte, técnica, industria - influencia del dadaísmo y constructivismo)
2 1925 - 1932 DASSAU (ciudad industrial - se construye el edificio que diseña Groppius - se recortan los fondos)
3 1932 - 1933 BERLÍN (pocos alumnos - edificio abandonado)

CONTEXTO
- post PGM
- reconstrucción de Alemania
- objetivo: unir a la industria con el arte y los artesanos

PENSAMIENTO
- trabajo artesanal tiene igual nivel que la arquitectura
- formación de alumnos teórica y prácticamente
- taller de teatro: entender las partes del cuerpo
- concepto de buena forma: cada objeto individual cumple una función

INFLUENCIAS
- de Morris: el arte responde a necesidades de la sociedad
- del Werkbund: artistas e industria

- Morris: Influencia en Gropius: el arte debe responder a las necesidades de la sociedad. Interrelación entre función y forma. Integración del
arte en la vida cotidiana.
- Werkbund: reconocer tanto la artesanía como la producción mecánica. Unidad de artistas y artesanos con la industria, para elevar las
cualidades estéticas de la producción en masa. Behrens, la nueva objetividad.
- La Jugendstil: producción de materiales industriales
- Constructivismo: Moholy Nagy utilitarismo, funcionalismo y abstracción. Accesibilidad y comprensión al ciudadano común.
- De Stijl: logo de Schlemmer

CREACIÓN
- Van de Velde (ex escuela de artes y oficios) le propone a Gropius unir bellas artes con artesanos
- crean BAUHAUS e invitan a grandes artistas
- WG pertenecía a la liga de talleres (creada en el Werkbund)
- la crean para mejorar la calidad del trabajo, llevar hegemonía de Alemania al mundo y para enoblecer las artes.

Se crea la Bauhaus en 1919 con Gropius como director. Es un proyecto político de reconstrucción de Alemania a través del diseño. Estaba vinculado con
un proyecto pedagógico de entender el arte y la técnica en su totalidad adaptándose continuamente a los cambios externos de la realidad política y
social. Deseaba sustituir el dominio de lo viejo por nuevos impulsos de esperanza, juventud y utopía. Apostaba por la unión humana. La Bauhaus creo los
modelos y estableció las normas del diseño industrial vigentes, aportó en el progreso hacia la arquitectura moderna, alteró la imagen de todo.
ETAPAS
1__ solución mas romántica e idealista - más influencia de Morris - «Menos es más»

- 1919 a 1923 tiene un perfil romántico expresionista (arte+artesanía). “Todos tenemos que volver a la artesanía”. Proclamaba la humanización de
la técnica. Para la Bauhaus, lo realmente importante no son las habilidades del maestro sino la aplicabilidad de sus conceptos.

• Johannes Itten: místico opuesto a la visión materialista del mundo y de creencia pseudo religiosas. Decía que todos somos creativos natos.
• Paul Klee: consideraba el arte en un contexto político y sociológico. Arte acentuado en los oficios.
• Kandinsky: clases obligatorias sobre color y forma.
• Van Doesburg: en 1922, condenaba a la Bauhaus de improductividad y de no crear nada novedoso. Inspirado por las máquinas llega a Weimar.
• Schlemmer: crea el nuevo sello oficial, influencia De Stijl.

2__ aportes de Moholy Nagy y Van Doensburg más planteos de alumnos - industria, lenguaje geométrico, tipo palo seco, nuevos materiales - tipos
móviles san serif (taller de imprenta), fotografía.

- De 1923 a 1933 perfil racionalista (arte + tecnología).

• Lazló Moholy Nagy: en 1923 sustituye a Itten como director del curso preliminar. Era constructivista, por lo tanto rechazaba lo subjetivo del arte y
despreciaba al artista como creador de obras únicas. Pinturas abstractas con el empleo de la geometría. Arte que represente a la sociedad. “Hay que
darle uso a la máquina”.
• Josef Albers: en 1925, en el traslado de la escuela a Dessau, fue nombrado responsable del curso preliminar. Le interesaban las propiedades de
los materiales y su potencial al recibir formas. Pensamiento constructivo.

OBJETIVOS
- diseño universal, económico, bajos costos
- artículos para la producción industrial
- diseñador integral
- profesionales para reconstruir Alemania
- hombre poderno que pueda resolver todo

Tuvo 3 objetivos fundamentales:

1. Rescatar a todas las artes del aislamiento y educar a pintores, artesanos y escultores para integrarlos a proyectos cooperativos.
2. Elevar a la artesanía al mismo nivel que las bellas artes.
3. Establecer contacto entre los oficios y la industria del país.

CÓMO
- utilización de nuevos materiales
- grilla
- asimetría
- fotografía
- racionalidad
- funcionalidad

WALTER GROPIUS
- funcionalidad del objeto
- estética industrial
- fachada asimétrica
- no hay ornamentación
- «a diseñar se aprende»
- «hay que tomar de los artesanos el conocimiento de los elementos y materiales»
- preguntarse cómo se comporta el material cuando queremos cambiar su forma
- «el buen diseño tiene que cumplir»
- quiere crear super hombres
- cada alumno tiene que que tener todos los saberes
- disñadores integrales
- no es diseño, son proyectos
- piensa a partir de Nieztche: «la muerte de Dios» el «superhombre»

ESPÍRITU BAUHAUS
- diseño como estilo de vida
- se estudia y se duerme ahí

ESTRUCTURA PEDAGÓGICA
1__ 6 meses de Vorkus (talleres)

El vorkus (curso preliminar) fue fundamento de la Bauhaus. Tenía como misión familiarizar al alumno en la experimentación con proporción y escala,
ritmo y luz, sombra y color. En este lugar experimentaban con todo tipo de materiales para encontrar el lugar en el que se movían más cómodos.
(Básicamente elegían una orientación). Esta formación duraba seis meses y proponía desplegar y madurar la inteligencia, la sensibilidad de cada uno y
pretendía desenvolver un hombre integral.

Johannes Itten místico opuesto a la visión materialista del mundo y de creencia pseudo religiosas. Decía que todos somos creativos natos. Fue el
director de este curso preliminar. Quería librar de convenciones al futuro miembro de la institución, despertar sus dotes personales y orientarle
espiritualmente para la posterior formación. Le interesaba tocar en la totalidad de la personalidad individual. Provocarla. Prácticas de reforma de la vida,
prácticas neo-budistas, servían para resucitar al hombre original y puro.
En 1923, Itten es despedido. “Muerte al expresionismo”- Gropius.
Lazlo Moholy-nagy y Albers tomaron el control del curso. Eliminaron las tendencias subjetivo-expresionistas de Itten. Mediante el juego de diversos
materiales y el examen de sus posibilidades estéticas, se estimulaba el pensamiento constructivo y el espíritu de invención. En estos talleres aprendían
las constantes tareas de la industria.
2__ 3 años de formación en artesanía y proyecto

Una vez terminado con el curso preliminar, serían 3 años de trabajar en el taller elegido. Aquí se instruía al alumno con dos maestros. Uno práctico y otro
teórico. Luego de estos 3 años, había un examen y obtenían un título intermedio.

3__ obtención del diploma MAESTRO con cooperación en obras

1919: fundación
1920: Itten director de la Vorkurs
1923: Itten renuncia por presionado por gropius para ascender a Lazlo Moholy Naggy + kandisnky + Paul Klee+ Josef albers
1925: Traslado a Dessau Helber Bayer y Joost Schmidt se unen. Curso de “arte tipográfico” con Bayer como profesor.
1928: Helbert Meyer es el nuevo director . promueve un funcionalismo mas dogmático y tanto Bayer como Moholy se encargan del vorkurs.
1030: Mies van der rohe es el nuevo director
1932: traslado a Berlin
1933: cierre

ETAPAS POR CIUDADES

WEIMAR 1919 - 1925

- director: WALTER GROPIUS
- personajes: KANDINSKY, ITTEN, KLEE

La idea de gropius no era una escuela rígida sino una institución en la que todos participen y renueve constantemente con la productividad de los talleres.
Los alumnos no solo aprendían las tareas artesanales sino también las tareas de la industria, para la cual proyectaban prototipos para su fabricación en
masa. Muchos alumnos luego se convirtieron en maestros como Josef Albers, Herbert Mayer, Marcel Breuer,etc. A partir de estos talleres surgieron
objetos para la vivienda, tipografía, textiles, papeles pintados, iluminación etc.

Kandinsky: triangulo, rectángulo y el círculo + colores primarios

Itten: vorkurs basado en la meditación
Klee: y otros: no enfocados en el avance industrial, estaban más inclinados al pensamiento de William morris

DESSAU 1925 - 1930

- director: WALTER GROPIUS hasta 1928
HANNES MAYER1928 hasta 1930

Gropius pretende recuperar artistas para que estén en frente de la escuela.

Introducción del metal como material novedoso y económico. La escuela de va transformando de una escuela de diseño a uno que apoya la industria.
En 1928 Gropius renuncia y Mayer sube al frente de la escuela. Tiene una mirada más política y comunista y varios artistas se van.
Sin embargo, introduce nuevas materias como sociología/ economía/ política para trabajar y proyectar para la sociedad, entender la problemática y su
funcionalidad. Empieza a comercializar con lo que se diseña, lo cual es un ingreso mayor para la escuela. La fotografía experimental y las orientadas a los
artístico se sacan para dar lugar a otros que orienten a una producción económica.
En 1930 hay elecciones en Dessau y lo sacan del puesto a Mayer y lo sustituye Van der Rohe.

BERLÍN 1932 - 1933

- director: VAN DER ROHE

Van Der Rohe saca la sociología, las ideas comunistas y el centro de estudiantes para girar en torno a la arquitectura.

PERSONAJES
JOHANES ITTEN

- actitud frente al diseño

- experimentación con tinta
- curso preliminar
- teoría del color
- investigación de materialidad
- vorkus
- collage con fines pedagógicos y juego de la tipo
- uso de la intuición
KANDINSKY

- teoría del color (triángulo amarillo, cuadrado rojo, círculo azul)

- formas geométricas y abrstracción
- en 1921 lo llaman para enseñar en Bauhaus
- en 1923 propone una mirada universal, a través del uso de las 3 formas básicas
y los 3 colores primarios
- obras irracionales y subjetivas le dan al lector la posibilidad de interpretar

ALBERS

- 1er profesor formado en la Bauhaus

- emigró a EEUU y sembró el diseño
- diseñó la tipografía TESLA basado en lo elemental pero no tenía legibilidad

MOHOLY NAGY

- crea taller de fotografía

- incorpora el lenguaje constructivista
- principal objetivo: comunicación directa, pregnante, precisa
- 1eras fotografías de vanguardia
- maquetas, esculturas
- incorpora tecnología moderna
- enseña el fotograma

Es el creador de TIPOFOTO. El ojo humano percibe una unidad. Se fusionan la tipografía

y la imagen. No son más cosas separadas. Absolutamente alineado con la industria.
Fotografía y fotogramas.
Propone utilizar nuevos materiales, menos costosos.
En 1923 se hace cargo del curso preliminar de Johannes Itten. Rechaza toda
irracionalidad y cambia el curso preliminar drásticamente. Introduce a los alumnos en las
técnicas y materiales básicos y en su uso racional.

El vanguardismo de Moholy-Nagy se evidencia en la fotografía a través de sus

innovadores «fotogramas», la gráfica de los catorce libros del Bauhaus, de sus
fotomontajes, de sus collages gráficos y de su particular y pionera comprensión de los
cambios que introduce la tecnología en el concepto del diseño y la comunicación.

Abandona Bauhaus en 1928, Josef Albers lo sustituye.

HERBERT BAYER

- alumno y profesor
- taller de fotografía
- diseño para la TIPO UNIVERSAL (moderna, geométrica)
- todo minúscula o todo mayúscula
- economía de las letras: san serif
- círculo compone a la letra
- diseño para todo el mundo
- reduzco tiempo de producción: reduzco el costo
- menos es más
- mejorar la calidad x el diseño
- profesor del taller de tipografía
- composición dinámica con horizontales y verticales

Austríaco, pintor y artista gráfico, fotógrafo y diseñador. En Weimar empieza a realizar sus estudios sobre la tipografía universal. Su diseño prescindía de
mayúsculas. La caja baja era más económica desde la legibilidad, la comprensión y la impresión. Se necesita un solo alfabeto, no dos. Reduce el alfabeto
a formas claras, simples y racionales.

Graduado en Weimar, se convierte en profesor de tipografía de la Bauhaus en Dessau. Aquí se encarga del taller de impresión y publicidad en el que
trabajó como tipógrafo. Cambia lo que en Weimar era un taller manual de litografías y xilografías por una empresa moderna con tipos móviles y formas
mecánicas. Bayer fue el pionero de la estandarización en el taller de impresión y publicidad.

La fotografía suprimió la dependencia a la pintura. El autoretrato se convirtió en la iconografía moderna y los alumnos de la Bauhaus se pusieron a su
servicio. La cámara se convirtió en su vehículo para reflejar la escuela.
THEO VAN DOESBURG

- de stijl
- influencia en la arquitectura, el orden
- dejar de lado el expresionismo
- obras simétricas y ordenadas
- equilibrio y admiración
- los alumnos admiraron el trabajo de Theo, a pesar de ser rechazado en la Bauhaus

PAUL KLEE

- enseñó forma y color

- importancia de la idea de color y relación con la percepción
- yuxtaposición

OTTO LINDIG

- redefinición de cada una de sus partes

- diseño de tapiz
- incorporación de planos

MARIANNE BRANDT

- pavas
- objetos hechos de metal llevados a la industrialización

HANNES MAYER

- director de Bauhaus después de Gropius

- mirada mas política y comunista. Varios artistas se van
- introduce materias como sociología, economía política para trabajar para la sociedad
- Empieza a comercializar con lo que se diseña, genera ingreso para la Bauhaus

VAN DER ROHE

- director de Bauhaus después de Mayer

- Saca la sociología, las ideas comunistas y el centro de estudiantes
- Gira en torno a la arquitectura
- decide mudarse a Berlín
- cuando gana el nazismo se termina la Bauhaus
JOOST SCHMIDT

- anuncios tridimencionales
- diseño del cartel de exposición de la bauhaus en Weimar
- trabajos publicitarios
- contribuyó en los movimientos y desplazamientos para el taller
de teatro
- debates que ponen en jaque al alumno

IWAO YAMAWAKI

- collage golpe al Bauhaus

DISEÑO GRÁFICO DE ENTRE GUERRAS

DG persuasivo

CONTEXTO
Final de la PGM. Alemania es vencida. Imperios austrohúngaro y otomano se disuelven. Auge del consumo, se reactiva la industria. El público puede
volver a consumir. Se abre el mercado al afiche comercial.

1__política: totalitarismos, dictaduras. Totalitarismos, dictaduras. Va ganando lugar el fascismo de ultra derecha en Italia, de la mano de Mussolini, junto
al futurismo. Alemania con un panorama nada alentador, bajo depresión social, da lugar a un Hitler que promete recuperar lo que se le había quitado a
Alemania.
En las potencias ganadoras, el panorama cambiaba: espíritu alegre de expansión, consumo exacerbado, sobre todo en Estados Unidos y Francia (Art
Decó) que experimenta un cambio profundo desde lo productivo, incorporando innovaciones tecnológicas de la industria.
Expansión económica basada en la confianza en el capitalismo. Hay una euforia positiva que moviliza el mercado del consumo.

2__cultura: nuevas corrientes musicales como el jazz, el blues, el charlestón, espectáculos masivos como el teatro, el cabaret, el cine. Moda glamorosa
exótica y sofisticada conformando un nuevo mercado con mujeres que compran artículos de lujo, pieles, plumas.

3__arquitectura: aparecen los grandes rascacielos, arquitectura racionalista.

4__sociedad: Después de la Primera Guerra Mundial, las naciones de Europa y Los Estados Unidos buscaron el regreso a la normalidad.
La economía de Europa estaba devastada. El uso de la maquinaria bélica se orientó hacia otras necesidades, las de los tiempos de paz, y una década de
prosperidad sin precedentes empezó para los aliados victoriosos.

Las condiciones del mercado cambian, instaurándose un clima por demás complejo presentado por la nueva variante: la competencia y la incipiente
diversificación del mercado. Los empresarios comprendieron rápidamente el valor de establecer una comunicación efectiva, clara, pregnante,
diferenciadora.

La sociedad empieza a consumir productos de 2da o 3ra necesidad y por eso se necesitan diseñadores gráficos. Hay una urgencia por comunicar.
Velocidad (futurismo).

OBJETIVOS
- comunicación rápida y urgente
- comunicación recordable
- diferencias entre marcas

CÓMO
- uso de metáforas y mascotas (genera cariño e identificación). utilización de la mujer (sinónimo de belleza)
- carteles llamativos (alto impacto)
- marca y empatía
- slogan
- tipo comprensible
ANTECEDENTES

BERNHARD

- Berlín
- afichismo
- mostraba el producto pero no de forma persuasiva, el
enfoque no está tan definido
- presentación del producto
- ilustración
- objeto y marca
- búsqueda de una comunicación simple

La línea de diseño que inaugura Bernhard, que se conoció como “Estilo del cartel” en Alemania, tiene que ver con un estilo de simplificación que reduce la
comunicación publicitaria en el menor número de elementos: dos fósforos, un zapato. Presentación de la marca y una síntesis del objeto: mensaje
simple y pregnante. Fue un renovador en la comunicación gráfica. Estableció el método del cartel con formas de colores planos, el nombre del producto
y su imagen y repitió este método una y otra vez a lo largo de las dos décadas. Bernhard vende la marca-producto.

DÉCADA DEL 20
El diseño gráfico comercial se convierte en una actividad seria. La burguesía dejó de producir mensajes publicitarios, las decisiones comenzó a tomarlas
el departamento publicitario. Los cambios políticos y económicos de la época obligan a rever el concepto de comunicación.

DÉCADA DEL 30
Quiebre de la bolsa de NY (1929). Consolidación de las vanguardias artísticas.

1) ART DECO - FRANCIA AÑOS 20

- estilo artístico/decorativo predominante durante esta época
- influencias del Art Nouveau
- estilo más geométrico y simétrico
- estilo puramente decorativo
- absorve de Egipto el descubrimiento de Tutankamón

Es la expresión, no de un movimiento, sino de una sensibilidad estética general de la década. No tenía compromiso social.
Una geometría aerodinámica, moderna y decorativa, términos que expresaban los deseos simultáneos de interpretar la era moderna de las máquinas, y
al mismo tiempo satisfacer la pasión por la decoración.
Líneas definidas, contornos nítidos y formas elegantes y simétricas. También se asocian a este estilo los colores primarios brillantes, la utilización de
cromados, esmaltes, y los diseños de inspiración egipcia y griega. Se utilizó en mobiliario, joyería, vestimenta, cerámica y diseño de interiores.

Francia postguerra, optimismo e ilusión en esta etapa de reconstrucción económica y social.

• Nuevo canon femenino de la moda, perfumería y peluquería, todo concluyó en un clima propicio para el consumo masivo, en el cual, el diseño gráfico
participó con una presencia compartida por el grueso de la población.
• Dos factores influyen en el prestigio que adquiere la publicidad en Francia post guerra: la adopción de medidas metodológicas y científicas de la
publicidad de Estados Unidos, y la difusión de la publicidad luminosa (neón).

El neón se volvió icónico de la vida nocturna gracias al trabajo de Georges Claude, revolucionando la vida nocturna de Francia y Estados Unidos
principalmente. La legibilidad de la tipografía se vuelve imprescindible para la trasmisión del mensaje.
La radio aceleró la trasmisión de publicidad, porque la inoculó en los hogares de las familias y la volvió cotidiana. La publicidad penetraba por los carteles
y el neón, en los cines y revistas (vista); a través de la radio (oído), y en el caso de los perfumes las estrategias publicitarias apelaban al olfato. La
publicidad se presenta así como un imperio de los sentidos.

PAUL COLIN

- influencia del futurismo en el afiche de peugeot

- uso del slogan para diferenciarse de otras marcas
- idea de movimiento
- vida nocturna, diversión
- recurso del aerógrafo
- vuelve la figura humana
- nuevo rol de la mujer
- juega con transparencias
- crea una doble imagen con diferentes técnicas de
dibujo
CHARLES LOUPOT
- 1930: funda un estudio con Cassandre
- st Raphael: planteamiento de imagen de identidad
- fuerte grafismo basado en el logotipo de la marca
- colores tradicionales: rojo, blanco y negro
- geometría

Como cartelista consigue un rápido y duradero prestigio a través de sus primeras obras realizadas para firmas tales como las pinturas Valentine, la
fábrica de muebles Barbés, el licor Cointreau, los cafés Martin, etc.
En 1930 funda el estudio Alliance Graphique junto con Cassandre y Moyrand. Trabaja como director artístico para la firma St. Raphaël, empresa de
aperitivos. En 1937 empieza a rediseñar el logotipo para el St. Raphael de aperitivo.

LEONETTO CAPPIELLO

Se estableció en París en 1898.

• En sus trabajos se ven claramente las características del cartel
moderno.
• Sus afiches: figura con tratamiento pictórico, colores brillantes,
fondo plano. Texto breve y legible.
• Especialmente hacía personajes; Thermogéne, duene Campari,
Jinete Cinzano.

- caricaturista de «la Rie»

- composiciones simples
- marcadas por la ironía
- vende el símbolo-relación con la marca
- utilización de una figura extraña y diabólica para llamar la atención
- figura surrealista cargada de humor

JEAN CARLÚ
- importancia en EEUU
- el cartel debe ser recordado y memorizado, esto llevará al consumo

Como Cassandre, Carlú comprendió los movimientos modernos y aplicó esos conocimientos a la comunicación visual. Realizó formas y estructuras
geométricas poderosas con conjunto de imágenes simbólicas. Para estudiar la efectividad de la comunicación en un ambiente urbano, condujo
experimentos en los que los carteles pasaban frente a los espectadores a diferentes velocidades. De esta manera podía comprobar la legibilidad y el
impacto.

CASSANDRE

- diferencia al diseñador del artista

- 1925 L´intransigent
- horizonte más abajo
- idea del barco más grande
- empieza a despertar el deseo del consumidor
- perspectivas
- recorridos infinitos
- recurso de mascotas
- tipo palo seco, gran legibilidad, simple, mayúscula, entidad plástica a
la tipo
- perfil griego: estilismo
- Dubbonet: secuencia muy pregnante
- incorpora dinamismo futurista, síntesis cubista con figuras
geométricas, monumentalismo del surrealismo, etc.
- arma persuasiva: figuras retóricas

Afiche L´intransigent: perfil griego. No es un diario para todos, corta la palabra, solo lo entiende quien lo conoce.
Sobrecargado de info, tanto que tiene que gritar. Perfil griego: da a superioridad.

Afiche Dubo, Dubon, Dubonnet: futurismo (secuencia) constructivismo (tipo palo seco) stihl (ortogonalidad) surrealismo (el hombre se va llenando)
dadaismo (nada)

Era ruso y huyendo de la revolución se quedo en Francia con su familia.

-1925 Francia le intrasigeant (periódico) en donde juega con lenguajes plásticos de las vanguardias artísticas en un estilo. Su espontaneidad consiguió
sintetizar ideas en unas imágenes modernas, directas y de gran impacto visual que seducen no solo a la gente sino también a comerciantes y
industriales. Las noticias llegan más rápido, uso de cables de comunicación (telégrafo)
-Logra que las imágenes hablen por si solas.
-1934: nueva estrategia, información secuencial: la secuencia de dubonet (duno…dubon…dubonnet) esparcido estratégicamente en la ciudad y en el
metro de parís. Potencia visual y valor didáctico.
-“Létoile de nord,” y L´atlantique ferrocarril, en donde se ven solo las vías de tren hacia un horizonte (punto de fuga) dando las sensación de infinito y de
dinamismo en la pieza. expresos privados relacionados con el entretenimiento. Recorrer otras ciudades + turismo. La gente tiene recursos en gastos de
ocio
-“Normandie”, en donde se ve desde un pto de vista de abajo para arriba , la majestuosidad del barco, y tiene el detalle de unas gaviotas volando,
haciendo una comparación de proporciones enorme.
-formidable poder de los elementos ferroviarios, navales.
-era necesario generar sorpresa, violentar la sensibilidad y que fuera inolvidable.
-el cartel es un medio de comunicación y por ello el artista debe renunciar a la personalidad propia, ya que el cartel trasmite un mensaje que tiene que
ser entendido rápidamente.
-Con tres fotogramas como una sucesión cinematográfica, donde se ven tres faces del movimiento del personaje en que se toma el aperitivo y vuelve a
llenar la copa. Gran potencia visual permitiendo una memorización de la marca.
-investigación tipográfica: yves saint Laurent. Creación del logotipo y la anagrama
-despertar en el consumidor el consumo de manera inconsciente
-“Wagon bar”

2) INGLATERRA
MCKNIGHT KAUFFER

- gran organización compositiva

- buena aplicación del color
Incorporó el cubismo y el art decó a su obra. A los 16 años viajó a San Francisco y en 1912 se trasladó a Nueva York. Hacia 1914 viajó a Londres.
Durante el siguiente cuarto de siglo realizó una gran cantidad de carteles y otros encargos de diseño gráfico. Diseñó 140 carteles para el Transporte
Subterráneo de Londres.

Sus principales trabajos son las campañas publicitarias para eventos culturales en museos, para el metro londinense y la gráfica para las oficinas de
turismo, en donde su cliente es el Estado. Los trabajos de McKnight Kauffer presentan una sensata política informativa y tienen un respeto cívico hacia la
sociedad consumidora.

Tiene un estilo de ilustración de formas planas a partir de las cuales extrae la esencia del tema. Su anuncio para el Daily Herald de 1918 es un magnífico
ejemplo de cómo el lenguaje del art decó, el cubismo y el futurismo puede ser utilizado en el diseño gráfico con un fuerte impacto comunicativo.

El más celebrado cartelista de UK. “El Cassandre inglés”. Le acercó a la sociedad inglesa el nuevo lenguaje de la modernidad. Elevadas cualidades
humanas. Admiración por Cassandre. Tenía una gran sensibilidad artística y su vocación más firme fue la pintura, sin embargo se dedicó a la publicidad.

AUSTIN COOPER

Utilizó formas geométricas elementales y colores puros para el Ferrocarril eléctrico de Londres. Un cartel de invierno proclamaba “es más cálido allá
abajo” y su contraparte de verano prometía “es más fresco allá abajo”. Los colores cálidos o fríos planos simbolizan los diferentes climas.

3) HOLANDA
- búsqueda de universalidad
- no trabajan con lo persuasivo
- comunicación eficaz

INFLUENCIAS
- se alejan del Art Deco
- Stihl: mayor influencia. Asimetría y colores primarios
- Dadá: misceláneas, jerarquización del texto, diagonales, imágenes dinámicas
- Constructivismo: formas puras, uso fuerte de fotografía, blanco activo

Holanda, por su ubicación geográfica, recibió influencias de los países limítrofes: Inglaterra, Francia y Alemania.
Holanda va a esta entre dos puntos:
• Conservar sus tradiciones
• Recibir las influencias de los países industrializados.

Las voces independientes de la nueva tipografía en Holanda serán Piet Zwart, Paul Schuitema y Hendrik Werkman.

PIET ZWART

- se dice que es el primer DG

- transparencias
- 1ero que se autohace un logo
- cortes transversales / vistas
- diseñador integral
- misceláneas y diagonales del dadaísmo
- asimetría (neoplasticismo/stihl)
- san serif y fotografía (constructivismo)
- catálogo NKF, empresa de cables (constructivismo) superposición
de tintas, geometría, blanco
- lenguaje novedoso, collage
- tridimensionalidad de la imagen y bidimensionalidad de la tipo
(composición activa)
- dinamismo y ritmo
- tipo san serif
Multifacético, reúne en su persona casi todas las disciplinas del arte aplicado: arquitecto, diseñador industrial, gráfico, fotógrafo, tipógrafo, educador.

Zwart rechazaba la grisura apagada de la tipografía convencional y creaba diseños dinámicos y deslumbrantes. Le preocupaba que la tipografía
estuviera en armonía con su época y los métodos de producción disponibles. Tenía en cuenta, para planificar sus diseños que el ciudadano no podía leer
grandes cantidades de texto, utilizaba eslóganes breves con letras grandes y en diagonal para llamar la atención del lector.

Estableció niveles de lectura. La imagen de receptor pasivo es revertida por Zwart que procura a partir de sus composiciones laberínticas estimular la
búsqueda del mensaje por parte del lector, que es guiado por signos de admiración, variables tipográficas que jerarquizan la información, cambios de
dirección a través de barras, filetes, etc.

Superposición de tintas y transparencias, colores primarios (De Stijl). La fotografía es publicitaria con uso de detalle, panorámicas, objetiva de producto.
Uso de diagonales y formas geométrica. Legibilidad absoluta de la sans serif.

Cuestión constructivista de organizar el plano, equilibrio visual. La solución al problema de diseño siempre es diferente. Su trabajo para la empresa de
cables NKF es una muestra de ello. Cada pieza gráfica responde a una necesidad de comunicación racional desarrollada a partir del uso de la tipografía
sans serif, una disposición organizada con criterio funcional que hace muy original cada página del catálogo de productos donde la fotografía es la gran
protagonista.

PAUL SCHUITEMA

- unión imagen - texto

- tipo sintética casi geométrica
- diagonales
- interviene tipográficamente la imagen
- influenciado por el constructivismo y stihl
- tipo sans serif
- fotomontaje
- sin ornamentación
- sobreimpresión de la tipografía
- tipofoto
- uso de la fotografía para comunicar algo real, concreto e internacional
- uso de colores primarios y tipo san serif palo seco condensado y
espaciado

Se educó como pintor durante la primera guerra mundial y después como diseñador gráfico a principios de 1920. Se ve en su trabajo la influencia de
Mondrián. Utilizaba mucho la sobreimpresión y organizaba su espacio con movimientos horizontales, verticales y diagonales rigurosos. La fotografía
objetiva se integraba con la tipografía como parte de una estructura total. Hizo gran uso de la sobreimpresión y la fotografía objetiva integradas con la
tipografía en sus trabajos. Al principio sus trabajos son muy controlados y contenidos por la geometría, así es que se ven elementos que se pueden
atribuir a algunas vanguardias. Considera las transparencias en la imagen, algo totalmente innovador para esa época. Inició en avisos para la Cía. Berkel
de balanzas (sobreimpresión, fotografía objetiva, integradas con su trabajo). Trabajó muy cercanamente con Moholy Nagy, Bayer, Tschichold (Bauhaus +
Nueva Tipografía). Se destaca como influencia principal el constructivismo. Uso de los blancos y la tipofoto, integración de la tipografía y la fotografía
para generar una buena estructura del plano.
HENDRIK WERKMAN

- tipo como forma

- «the next call» utiliza texturas
- lenguajes de la modernidad
- expresionista
- juega entre lo artístico y lo seriado
- trabajos imprenteros / imprenta manual
- influencias de stihl, constructivismo, expresionismo alemán
- sus trabajos tienen una carga sensible y sutil
- exploración de texturas
- cuidado en la elección de la tinta y el papel
- su producción era limitada
- hot printing: obras en blanco y negro
- rechazo al nazismo

Se destaca por sus experimentos con tipografía, tinta y rodillos como medio de expresión artístico. Su proceso de construcción de un diseño a partir de
componentes previos se puede comparar con el proceso creativo dadaísta del collage. Como El Lizzitzky, Werkman exploró la tipografía como una forma
visual concreta además de como comunicación alfabética.

Desde muy joven descubre su pasión por la impresión lo que lo lleva a construir una de las más prósperas imprentas de Holanda antes de la Primera
Guerra Mundial. Fuerte tendencia expresionista. En 1917 comienza a pintar y en 1920 se une a la asociación de artistas De Ploeg, cuyo objetivo era
estimular y promocionar el arte local. La muerte de su mujer y su derrumbe económico lo lleva a perder todo y sólo quedarse con una imprenta chica.

Cambia su visión del arte y fundamentalmente su actividad como impresor y diseñador.

Surge «The Next Call» una nueva revista, que es para Werkman la plataforma de experimentaciones gráficas.

Sus innovadores procedimientos de impresión: como su original técnica que consistía en colocar el papel en la base de la imprenta manual y el tipo con
la tinta boca abajo sobre él. De esta manera podía combinar el proceso creativo y de impresión en una sola fase. El rodillo mojado en tinta y deslizado
sobre la hoja antes de imprimir para generar extrañas texturas. Trabajaba con número limitado de colores ya que no tenía plata para comprar muchas
tintas. Su obra se puede catalogar en años según su croma.

Entre 1940 y 1945 realizó una serie de 40 panfletos subversivos contra los nazis a través de la imprenta clandestina De blauwe Schuit. Todas las
publicaciones fueron diseñadas e ilustradas por Werkman. Se representaron en los panfletos historias jasídicas y se hicieron comentarios en contra de la
ocupación nazi, llamando a una resistencia espiritual.
• Werkman fue arrestado por los nazis y ejecutado en el año 1945, tres días antes de que las tropas aliadas alcanzaran Holanda.

4) ALEMANIA
BERNHARD

• Representante de la modernización del cartel publicitario alemán.

• Su primer cartel fue diseñado para un concurso patrocinado por los cerillos Priestner. Redujo la comunicación a la palabra Priester y el producto (dos
cerillos), por lo que llevó al cartel visual a un proceso de simplificación impresionante.
• Su fama excede las fronteras de su país recibiendo encargos del extranjero, como por ejemplo un cartel realizado para una industria de calzados rusa y
otro para una firma finlandesa de lámparas.
• En sus carteles aparece la imagen del producto y la marca, tratando de lograr una asociación directa entre ambos. Firma sus carteles como si fuesen
cuadros.
• No utiliza la fotografía y en sus dibujos emplea colores planos intensos.
• El producto aparece en una marcoescala contrastando generalmente con el color liso de fondo. Tipografía grande. Síntesis visual del producto.
LUDWIG HOHLWEIN

Diseñó una serie de carteles para la Primera Guerra Mundial, en los que combinó formas poderosas y sencillas con una serie de imágenes más
naturales.
• Después de la guerra, Hohlwein era muy solicitado por firmas comerciales que buscaban su estilo.
• El partido nazi encargó a Hohlwein una multiplicidad de carteles, los cuales adoptaron un estilo militar e imperialista de formas sólidas, pesadas y de
fuertes contrastes tonales.
• Al igual que Bernhard, logra una síntesis formal a partir de colores planos. Va a representar los sombreados reduciéndolos a dos o tres colores lisos de
diferentes tonos; en algunos casos utilizará más de tres colores para generar las sombras y acercará a sus figuras a una representación más real.

JOHN HEARTFIELD

No era su verdadero nombre, sino uno que adquirió avergonzado de los horrores de la guerra, y a modo de protesta de su identidad alemana.
• Fundador del grupo dadaísta de Berlín en el año 1919. Se aparta de la vanguardia, y sigue una línea personal, pero utilizando el tema del ridículo, el
cambio de contexto, utilizando el humor para mostrar cosas terribles. Diseñador gráfico comprometido socialmente y
políticamente. Es uno de los primeros en darse cuenta del impacto de la fotografía (asociación directa con la realidad, no tan vinculado a la mano del
artista como en la ilustración).
• La república de Weimar y la expansión del partido nazi eran el blanco de sus ataques en los carteles, portadas de libros, ilustraciones políticas y
caricaturas.
• Críticas contra Hitler, con mensajes metafóricos. No tomaba fotografías ni retocaba imágenes, trabajaba directamente con impresiones obtenidas de
revistas y periódicos.
• Usaba la foto como elemento que tiene simbología. Expresaba a través de sus trabajos una actitud crítica y social. Utilizaba metáforas y convierte las
piezas en elementos de comunicación. Realizó fotomontajes para protestar ante la guerra de Vietnam y llamar a la paz mundial.

5) DISEÑO SUIZO (ESTILO TIPOGRÁFICO INTERNACIONAL Y NUEVA TIPOGRAFÍA)

HISTORIA DE LA TIPOGRAFÍA (HASTA LLEGAR A SUIZA)

TIPOGRAFÍA EN EL SIGLO XX

ANTECEDENTES

VANGUARDIAS Futurismo: Marinetti (1909): romper con lo ortogonal. Escribir las tipos en diagonales. Repetición de sonidos.

Dadaísmo: Scwitters (1916) «revista Merz»: revista cultural e impresión de panfletos para transimitir su ideología. Su aporte
tipográfico fue la mezcla de tipografías, viñetas, superposición de tipos sin pérdida de legibilidad.

Neoplasticismo: (1917) revista de Stijl en manos de Theo Van Doesburg que plantea las bases de la matemática y la
ortogonal. Tipografías de palo seco, mayúsculas y equilibrio de las formas.

Constructivismo: El Lissitsky (1917) estudia la tipografía desde el punto de vista científico y propone el uso de la tipo de palo
seco. Socialmente, había mucho analfabetismo, por lo cual se impulsó el progreso educativo mediante recursos gráficos. La
tipo de palo seco permite impacto visual y no se empasta. Uso de los blancos como un todo y uso de la fotografía como
elemento novedoseo. Se unen tipo e imagen.

BAUHAUS: Schmidt crea el nuevo logo y utiliza diagonales y espacios en blanco para que formen parte de la obra. Nuevo
lenguaje universal y geométrico.
LA NUEVA TIPOGRAFÍA

CONTEXTO
- mayor demanda de cultura x mayor acceso de gente a la escritura

PLANTEA
- uso de tecnologías modernas (fotografía, impresión a máquina, tipos de fundición)
- tipo legible, efectiva, geométrica

Plantea características del proyecto moderno. Es una presentación objetiva e impersonal, desprovista de individualidad. Un único deber: ser objetivos y
típicos. El fin es la legibilidad y que todo el mundo pueda descifrar con rapidez el mensaje. El mensaje debe ser claro, objetivo y corto.

La buena tipografía transmite equilibrio y armonía independientemente del contenido. Siempre es posible destacar la información más importante
dejando a su alrededor tanto espacio como sea posible. Líneas espaciadas. Los decorados obstaculizan la legibilidad.

El objetivo es el diseño: ordenamiento armonioso y creativo con fines prácticos.

La tipografía debía encontrar una forma constructiva más simple y fácil de poner en práctica y también hacer que esa forma fuera atractiva y variada. Se
prefiere la composición a máquina, el papel hecho a maquina, las fotografías (que reemplazan la ilustración), la estandarización. Es necesario el uso de
un formato estandarizado. Se inclina por las grotescas. La superficie blanca es un elemento activo. Se prefiere el rojo ya que es el contraste más eficaz
con el negro.

JAN TSCHICHOLD
- fotografía en afiches (collage)
- dinamismo
- líneas
- figuras geométricas
- mínima info
- involucrar al espectador
- la tipografía estructura
- formas simples
- importancia del orden jerárquico
- propone un recorrido de lectura
- minusculismo (porque ocupa menos lugar)
- lenguaje universal
- buena tipografía: buena forma
- tipo grotesque o block
- omisión a todo elemento decorativo
- superposición de tintas y control del color

Fue un tipógrafo alemán, autor de la obra Die neue Typographie (La nueva tipografía) que sentó las bases de la tipografía actual.
En Múnich hizo varios carteles para cine y en el año de 1928 diseñó y publicó su primer libro llamado Die neue Typographie. Este libro era principalmente
dirigido hacia los diseñadores tipográficos y en él se exponían algunos de los principales principios del movimiento moderno en relación con la tipografía.

Tschichold huye de los nazis, llega Suiza e ingresa a trabajar en la escuela de Basilea. Plantea lo que se había planteado en Bauhaus “menos es más”,
haciendo referencia a menos utilización de material, menor cantidad de recursos en la producción industrial del objeto, menor costo final del producto,
para la mayor cantidad de gente.

Tschichold trabaja una gráfica con una sintaxis diferente que podemos encontrar en el constructivismo, en el Bauhaus. El equilibrio asimétrico para
ordenar la pieza y su estructura, utilizando el blanco como elemento constitutivo. Uso del minusculismo de Bayer en Bauhaus y una máxima abstracción.
Utiliza la fotografía, influenciado por el constructivismo y Moholy Nagy.
• Carácter funcional de la tipografía: para comunicar. En palo seco y minúscula (Bauhaus).
• Composición interna: interletrado, negrita, cursiva.
• Composición externa: grises en el interlineado,
importancia al blanco.
• Fotografía como nueva forma de ilustración
• Blanco, rojo y negro, geometría (constructivismo)
• Estructura: De Stijl. Anclaje visual de la información
abajo a la derecha
• Normas DIN: sistematizar los formatos de papeles
en lo estético y lo técnico.
• La Nueva Tipografía propone un diseño racional. Clara comunicación
con equilibrio de proporciones y el uso de medios
tecnológicos.
• Fue uno de los
diseñadores que conectó la Alemania del Bauhaus, la Alemania del diseño moderno y las escuelas suizas.
Busca la estandarización para la consecución de un estilo universal, de acuerdo con los tiempos modernos. En Alemania el problema de la imprenta era
que no todos tenían el mismo papel/tipografías/ formatos. Había problemas con las necesidades del comunicador. El q necesitaba imprimir no podía.
Tschichold busca resolver este problema con la estandarización. Que todos trabajen con los mismos formatos/tipos/etc.

El manifiesto de la nueva tipografía es utópico por el concepto de universalidad. Pretende normalizar una forma de trabajo internacionalmente. Buscan
soluciones en distintos países. Idiomas, culturas. La decisión de un lenguaje universal y de basarlo en lo matemático y geométrico tiene sentido.
(matemática idioma universal) Ya que el lenguaje exacto es el que se puede aplicar en cualquier situación. Todos entendemos qué es un circulo o un
cuadrado. Es una relación lógica entre la universalidad, racionalidad y las proporciones geométricas. Un movimiento que quiere trascender a las barreras
culturales es sumamente pretencioso. Los proyectos universalistas son utópicos porque quieren abarcarlo todo.

El manifiesto de la Nt es ideológico. No se acota solo a lo tipográfico. Toma sus fuentes del constructivismo. Hay una postura ideológica en cuanto al
alcance del diseño que parte de las bases del constructivismo. Los artistas que se suman al proyecto revolucionario dejan el arte por el arte en pos del
arte por la causa. Por la comunicación en necesidades de la revolución.

HERBERT BAYER

- reemplazo del alfabeto nacional por letras góticas simplificadas

- en contra de las serifs y de las letras mayúsculas, argumentando a
favor de la eficacia de las minúsculas y la economía de un alfabeto sans
serif, basada en formas geométricas
- tipo sans serif como la gill sans
- tipo romana como punto de partida y la geometría nos da la forma
más exacta
- ser fieles a la forma básica y de ahí seguir desarrolladola
- cuanto más simple, mas legible
- simplificación de la forma permitiendo su impresión
- abandono de todo carácter manuscrito
- escribir con minúscula: se escribe más rapido, ahorro de lugar (abarata
las máquinas de escribir)

Influido por el movimiento De Stijl, plantea la economía del alfabeto sans serif. En su articulo tipografía universal explica las conveniencias prácticas de
un sistema tipográfico que refleje los requerimientos funcionales de la vida moderna.

Renuncia al contraste de trazos finos y gruesos y busca la forma geométrica que da formas mas exactas. Las letras tienen que ser visibles desde una
distancia considerable. Cuanto más simple el contorno de la letra, más fácil es de ver. Las mayúsculas en la época clásica se daban por las herramientas
con las que se trazaban (cincel), las minúsculas se dan cuando se comienza a usar la pluma.

El nuevo alfabeto requiere, geometría, abandono de lo manuscrito, uniformidad de grosor, renunciamiento a los trazos ascendentes y descendentes.
Simplificación de la forma en pos de la legibilidad.

Con las minúsculas se busca economizar. Puede escribirse más rápido, en especial a máquina (éstas bajarían su costo al tener un solo alfabeto
minúsculo).

WALTER DEXCEL

- pintor constructivista y diseñador publicitario

- qué es la nueva tipografía? la meta de la nt es una presentación objetiva e impersonal sin embargo ninguna de las escrituras existentes cumplen con el
objetivo. Nuestro fin es la legibilidad que se pueda descifrar rápidamente (si se utiliza minúsculas que sea funcional), ya que nuestro gusto estético no le
importa al público.
- el mensaje debe ser objetivo, claro y muy corto, para poder comunicarnos con precisión, lo cual genera buena calidad.
- diseñar en conciencia con el orden de lectura
- es suficiente con una distribución adecuada del espacio y una amplia variedad de tamaños de tipos
- lo que obstaculiza con la legibilidad no hay que ponerlo y diseñar bien la puesta en página
- todas las técnicas fotográficas y las producciones mecánicas de imágenes son positivas
NACIONALISMOS Y PAUL RENNER
Las tipografías mas allá de cumplir con los estándares de Tschichold, tienen su característica local. Cada país dentro de lo q es el movimiento de la NT,
generó su familia con matices locales e impronta de su cultura.

Futura (1924 - 1926): Paul Renner no tiene demasiado éxito como artista y comienza a trabajar en una imprenta. Se contacta con Tschichold.
La modernidad tiene dos posturas: la universalidad, desde la geometría, desde el diseño, lenguaje común a cualquier sociedad. También está el
nacionalismo, que intenta vender productos con un sello propio, como Alemania con Paul Renner, demostrando tecnología, industria calidad y diseño.

Renner observa que las tipografías que utilizaba tanto Tschichold, como los dadaístas, futuristas, eran extranjeras y diseñó la Futura que resume lo
nacional Alemán y lo universal tecnológico. Basada en una tipografía con serif clásicas alemanas, y basándose en las tipografías de palo seco de la
época, es una tipografía pensada para leer. Hitler toma la futura y la utiliza para difundir el nazismo.

PAUL RENNER

- futura
- a diferencia de Tschithold que buscaba una tipo más universal,
Renner buscaba una nacionalista y creó la futura.
- la futura rompía con lo tradicional del gótico alemán y los nazis
- basada en la geometría
- generó admiración en otros países

LUDWIG HOHLWEIN

- fotografía plástica, parecían ilustraciones

- a pesar de estar en contra de lo nuevo, adoptaron
la tipo futura para mostrar que iban avanzados.

JOSSEPH GOBBELS

- publicidad externa: no muestra su grandeza sino que es

arte degradado: burla, música (jazz) ya que rompe con lo
clásico
- jefe de publicidad del nazismo
ARTHUR ERIC ROWTON GILL
(UK)

- tipografía gill sans basándose en la tipo inglesa clásica

STANLEY MORRISON
(UK)

- rediseño del diario «the times» en donde saca el punto al final

- tipografía times: gran repercusión

MAX MIEDINGER
(SUIZA)

- rediseño de la tipografía has grotesque

- tipografía helvética (antes Suiza se llamaba así)

THOMAS GOND
(ULM)

- cambió la helvética - Lufthansa

SAUL BASS
(EE.UU)

- «the man with the golden arm»

-geometría no perfecta y mezcla de foto con ilustración
VÍCTOR MOSCOSSO

- guerra de Vietnam 60
- gama de colores extremos (hippie e influencia del art nouveau)
- uso del acrílico
- tipografías de fantasía
- no es legible, busca que el usuario descifre el mensaje oculto

HERB LUBALIN

- uso de cualquiera tipografía

- semantiza la palabra y no pierde legibilidad
- refuerza la bandera EE.UU y recupera la tipografía antigua
nacional de los cowboys
- experimentación de espaciados

WOLFGANG WEINGART

- mezcla de positivo y negativo

- rompe con la legibilidad

PAUL RAND

- signo e imagen son uno solo

MILTON GRASSER

- i love ny

NEVILLE BRODY

- punk
- ilegibilidad

CARSON

- resaltar algunas tipos

- complejidad de lectura
- impacto visual

SEGMEISTER
(AUSTRIA)

- uso del cuerpo como soporte

- letras manuscritas
- impacto visual

5) DISEÑO SUIZO
- Suiza es un país con muchos idiomas y necesitan crear un lenguaje que todos entiendan: estudio de los pictogramas
- el estilo tipográfico internacional o tipografía suiza evolucionó tras la influencia de la Bauhaus y se instauró rápidamente después de la SGM. Fue un
movimiento progresista que usaba la grilla como base clara y eficiente.
- arte no figurativo

Antecedentes:
- la nueva tipografía de Tchichold
- constructivismo, pregnancia visual, fotografía
- bauhaus, grilla, dstijl, simpleza de la forma
PENSADORES: Max Bill (pensamiento racional)

SEDES: 1) BASILEA (Tschichold)

2) ZURICH (Brockmann)

Suiza. No había participado de las guerras mundiales, por lo que tenía un contexto propicio para el desarrollo del diseño en cuanto a lo político, social y
económico.
El constructivismo influyó en la idea eficaz de la comunicación a través del cine, la fotografía y la tipografía como elementos visuales. Todo el
planteamiento de la nueva tipografía y Tschichold es absorbido por la Escuela Suiza. Las multinacionales les dan la posibilidad a los suizos de crear el
lenguaje internacional.
En 1950 las empresas farmacéuticas invierten en diseñadores gráficos para realizar packagings, etiquetas, prospectos. Los suizos eran objetivos en la
información y tenían eficacia comunicacional. El lenguaje internacional empieza a ser utilizado no sólo por productos químicos, sino para todo tipo de
producto. El lenguaje es enriquecido por isologos, isotipos, tipografías de palo seco equilibrando la Helvética y Frutiger.

Tras el paréntesis que significó la II Guerra Mundial, un nuevo estilo de diseño gráfico emerge en Suiza en los años 50 y llegará a ser el predominante
hasta los años 70 y una referencia imprescindible en la época actual, de hecho sus teorías sobre la forma tipográfica siguen estando en base de las
enseñanzas que se imparten en la escuelas de diseño.
Este movimiento es conocido como “Estilo Tipográfico Internacional” o más a menudo llamado “Diseño Suizo”.

Cualidades gráficas y conceptuales

• El nuevo estilo se funda sobre las innovaciones previas de los constructivistas (Tschichold) y especialmente de la “tipografía elemental” (Herbert Beyer) y
tiene en cuenta a su vez la necesidad de comunicación internacional y el desarrollo de la fotografía.
Estas influencias se dieron por las características que el país tenía a su favor. Por un lado, en Suiza se hablaban 4 idiomas. Muchísimo intercambio
cultural con extranjeros. Y por otro lado, se refugiaban en este país muchísimos artistas (Tschichold, Breuer, El Lissitzky) y diseñadores que escapaban a
la guerra y sus consecuencias.
Además, Suiza había sido ajena a las dos guerras, económica y políticamente, no había tenido los decaimientos que habían sufrido países como
Alemania.
Había necesidad de claridad comunicativa, de formatos multilingües para trascender las barreras del idioma y pictogramas elementales.

El nuevo diseño gráfico desarrollado en Suiza ayudó a satisfacer estas necesidades. Los conceptos fundamentales y el enfoque desarrollados en Suiza
comenzaron a difundirse por todo el mundo.
La Escuela Suiza
• El método utilizado era plantear el problema y buscar una solución. Esto implica ordenar, determinar variables que ordenan al objeto que se quiere
diseñar.
• Escuela Suiza: planteamiento pedagógico del Bauhaus + enseñaban con teoría y práctica. A través de la experiencia y la investigación se construye el
pensamiento proyectual.
• Formación de un profesional integral, involucrado tanto en lo ético como en lo estético. Los diseñadores tenían una visión político social y una visión
integrada del diseño.
• Aprovechaban las nuevas tecnologías para encontrar la imagen moderna. Es por esto que los planteamientos soviéticos (en el uso de la fotografía y la
tipografía) fueron asimilados en Suiza.
• Otro aspecto importante es la investigación. Estos trabajos de investigación van a generar libros, manuales del buen diseño, que van a dar al diseño
gráfico un marco teórico y conceptual. Ya no se va a tratar del diseño experimental que se daba en Bauhaus, sino que el diseño se va a acercar a lo
proyectual, a las formas de proceder en este proceso.

1) BASILEA (JAN TSCHICHOLD, EMIL RUDER, ARMIN HOFMANN, KARL GERSTNER Y THEO BALLMER

EMIL RUDER

Fue un mentor intelectual del movimiento cartelista del estilo Suizo,

trabajó como maestro de tipografía tanto en Zurich como en Basilea.

Su pensamiento:
• La tipografía para ordenar los objetos
• La relación entre función y forma. La forma
sigue a la función que tiene la puesta tipográfica.
• Diseño de los espacios en blanco.
• Diseño global: las piezas editoriales con más de una página tienen que ser sistémicas, ya que el lector no puede estar descubriendo sistemas de lectura
cada vez que ve una doble página.
• Grilla: es necesaria para lograr unicidad en el diseño. Más necesaria aun cuando se trata de una pieza que posee variaciones de texto, epígrafes y
diferentes niveles.
• Unión entre tipografía e imagen: son un todo indivisible.
ARMIN HOFFMAN

Fue conocido principalmente por sus carteles característicos en los que predomina la falta de color y el uso principalmente de la tipografía como
elemento base, creando carteles auteros pero fácilmente reconocibles que iban en contra en contra de lo que él mismo denominó “la trivialización del
color”.

KARL GERTSNER

Fue uno de los suizos más metodológicos en cuanto a la sistematización. Tenía una postura en la que sostenía que no hay que
buscar una solución para cada problema individual, sino que hay que diseñar programas que se puedan aplicar a cualquier solución.

THEO BALLMER

En 1928, los diseños de Ballmer alcanzaron un alto grado de armonía formal, ya que empleaba una red matemática para construir las formas visuales.
Se plantea una gráfica ligada a una grilla como la gráfica perfecta. Aparece una estructura geométrica sumamente rígida. Observamos en sus diseños
una síntesis formal y una economía de los elementos, obteniendo como resultado una gráfica objetiva, clara y directa.
En el cartel para büro, de 1928, los rastros de los cuadrados de la red usados para construir el cartel permanecen como líneas
blancas delgadas entre las letras. El rótulo muestra una comprensión de los experimentos de Van Doesburg (De Stijl) con letras geométricas. Los colores
rojo, blanco y negro son influencias del constructivismo.
TSCHICHOLD (LA NUEVA TIPOGRAFÍA)

Tschichold huye de los nazis, llega Suiza e ingresa a trabajar en la escuela de Basilea. Plantea lo que se había planteado en Bauhaus “menos es más”,
haciendo referencia a menos utilización de material, menor cantidad de recursos en la producción industrial del objeto, menor costo final del producto,
para la mayor cantidad de gente.
Tschichold trabaja una gráfica con una sintaxis diferente que podemos encontrar en el constructivismo, en el Bauhaus. El equilibrio asimétrico para
ordenar la pieza y su estructura, utilizando el blanco como elemento constitutivo. Uso del minusculismo de Bayer en Bauhaus y una máxima abstracción.
Utiliza la fotografía, influenciado por el constructivismo y Moholy Nagy.
• Carácter funcional de la tipografía: para comunicar. En palo seco y minúscula (Bauhaus).
• Composición interna: interletrado, negrita, cursiva.
• Composición externa: grises en el interlineado, importancia al blanco.
• Fotografía como nueva forma de ilustración
• Blanco, rojo y negro, geometría (constructivismo)
• Estructura: De Stijl. Anclaje visual de la información abajo a la derecha
• Normas DIN: sistematizar los formatos de papeles en lo estético y lo técnico.
• La Nueva Tipografía propone un diseño racional. Clara comunicación con equilibrio de proporciones y el uso de medios tecnológicos.
• Fue uno de los diseñadores que conectó la Alemania del Bauhaus, la Alemania del diseño moderno y las escuelas suizas.

2) ZURICH (EMST KELLER, MAX HUBER, MAX BILL, HERBERT MATTER, RICHARD LOHSE Y JOSEPH
MULLER BROCKMAN)

MAX BILL

Max Bill. Fue alumno del Bauhaus, se escapa de Alemania. En Suiza, empieza a investigar las percepciones fotográficas. Síntesis en la cantidad de
información: imagen fotográfica, marca y producto.
La estética del arte concreto puede ser aplicada a los problemas del diseño gráfico. Sus composiciones están construidas con elementos geométricos
esenciales, organizados con un orden absoluto. Bill jugó un papel importante al aplicar un ideal constructivista en el diseño gráfico. La proporción
matemática y la división espacial geométrica son aspectos de su trabajo de los años 30.
RICHARD PAUL LOHSE

- redactor de la revista Bauen + Wohnen defendiendo

la arquitectura racional «estilo internacional»
- uso de diagonales
- fotomontaje
- estructuración horizontal, vertical
- la disposición de las formas y los colores permite obtener
una composición que ocupa el campo pictórico en su totalidad
de un modo homogéneo y uniforme.
- superposición de imágenes
- diseño sistematizado, ordenamiento, retícula
- catálogo de productos, interacción entre fotografía, ilustración, etc
- interacción entre los colores

Richard-Paul-Lohse. Suiza es un país que tiene un gran desarrollo industrial que se basaba en la exportación. Fue necesario el catálogo de productos de
confort para mostrar las nuevas tecnologías. Se empleó la fotografía para mostrar el acero y equilibrio de asimetrías en la puesta en página.

HERBERT MATTER

- uso de la fotografía
- primeros planos: lo fundamental es invitar y persuadir a que viajen
- influencia del francés persuasivo
- emigra a EE.UU. y trabaja en Vogue (marca tendencia)

El diseño suizo no es sólo la grilla. Trabaja en Suiza y luego emigra a los EEUU. El estado Suizo le pide gráficas para proponer el turismo y los deportes de
invierno en Suiza. Diseñador y fotógrafo, contribuyó de forma importante en la utilización de la fotografía como instrumento de comunicación gráfica.
Utilización del aerógrafo para generar esfumados que realcen la fotografía en primeros planos (para mostrar el producto y sus cualidades notables) y
mayores contrastes, sobretodo en el paisaje urbano.
JOSEPH MULLER BROCKMANN

- sistema de retículas
- uso de la geometría y semantización
- neue graphik
- contratado por el estado para ejercer concientización especialmente
en la vía urbana y tráfico. Respetar leyes y valores
- piezas gráficas fotográficas
- fotografía objetiva
- mostrar la consecuencia o lo que puede pasar
- fotocomposición

Joseph Muller Brockmann. Tipografía palo seco en primer plano. Hizo imágenes para una campaña de seguridad vial. Buscaba una expresión gráfica
absoluta por medio de una presentación objetiva, sin interferencia de los sentimientos del diseñador y desprovisto de técnicas de persuasión.
Sus carteles fotográficos tratan la imagen como un símbolo. El lenguaje del constructivismo crea una equivalencia visual de la armonía estructural.
La armonía visual del diseño también es lograda por la división espacial matemática.

ERNST KELLER

Ernst Keller opinaba que la solución a los problemas de diseño debía surgir del contenido. Su cartel del año 1931 para una exposición de arquitectura de
Walter Gropius, muestra una mano de contornos geométricos sujetando una llana de albañil. El cartel para una exposición de 1948 es bastante distinto,
con alusiones medievales y un equilibrio simétrico riguroso.

MAX HUBER

- fotografía
- deformación de la foto para más dinamismo
- piezas gráficas para la vía pública
- impacto cromático
- diversidad de manejo gráfico

Nacido en Suiza, su carrera comienza en 1935 en Zurich trabajando para una agencia de publicidad. Con el comienzo de la SGM, Huber (para evitar
entrar al ejército suizo) se muda a Milan para entrar al Estudio Boggeri. En 1941 Italia entra a la guerra y Huber se ve forzado a volver a Suiza.

En Boggeri diseña el catálogo del estudio, utilizando recursos como el minusculismo (Bauhaus). Se hace cargo de la tienda Rinascente donde vendían
productos de calidad. Genera un módulo con elementos tipográficos en una trama para el papel que envolvía los productos. Utiliza fotografías. Hizo la
gráfica para un congreso de arquitectura moderna, CIAM, trabajando tipografía y donde entraba el orden geométrico, grillado. Sobre el papel fotográfico
el elemento es atravesado por diferentes rayos de luz, generando la idea de movimiento y velocidad.
OTTO BAUMBERGER

- no estoy segura a qué escuela perteneció

- diseñó más de 200 afiches publicitarios
- impacto visual y dinamismo
- síntesis de los recursos y uso de tipografía
- utilizó la LITOGRAFÍA
- poster designer

6) ITALIA
Hay una influencia de la gráfica fascista, el Art Decó, la geometría y el futurismo.
En 1933, Boggeri abre su estudio e invita a trabajar a alemanes y suizos, existe una integración en el grupo de diseño. La metodología proyectual de
servicio integral. Aparece el rol de director creativo. El estilo italiano nace de una integración a su propia sensibilidad de expresiones extranjeras que da
origen a un diseño con una gran vitalidad, variedad y audacia. Genera una imagen multiforme con capacidad para el cambio y la diversidad.

• La prosperidad y el desarrollo tecnológico estaban ligados estrechamente a las corporaciones más grandes, y estas organizaciones industriales y
comerciales se daban cuenta de la necesidad de desarrollar una imagen y una identidad corporativa entre varios sectores del público.

• El diseño era visto como una de las principales formas para crear una reputación basada en la calidad y la confianza.

Los sistemas de identificación visual que se iniciaron durante los años ’50 fueron mucho más allá de la marca de la fábrica o del símbolo. Al unificar
todas las comunicaciones a partir de una organización y traducirlas a un sistema de diseño consistente, la corporación podía establecer una imagen
coherente para realizar metas específicas.

En el medio italiano se da un sentido formal distinto. La forma adquiere un nuevo significado dado por la transmisión de nuevas sensaciones visuales y
táctiles como así también por el sentido de renovada originalidad. En el período “entre guerras” de política proteccionista, Italia debe resurgir y modernizar
su diseño (Futurismo - muy patriótico, nacionalista).

Después aparece el Art Decó y queda relegado. Esta política fascista (Mussolini) generó mucho trabajo (‘30) y obligó a la gráfica a despegar. Se podía
experimentar y se le da oportunidad de trabajo a los gráficos.

Antecedentes: en 1931, Marinetti, fundador del futurismo, habla de la Revolución Tipográfica y Fortunato Depero sostiene que el futurismo había llegado
a un callejón sin salida y había que guiarlo a la gráfica publicitaria. Paralelamente surgen revistas de diseño, sobretodo de arquitectura, que fueron el
soporte de la gráfica italiana donde los diseñadores pudieron trabajar e incorporar el lenguaje moderno de la comunicación.

XANTI SCHAWINSKY

- en 1933 entra al estudio Boggeri

- alumno de Bauhaus
- se convierte en un empleado fundamental «director de arte»

DIRECTOR DE ARTE: encargado y responsable de atender cuentas

de pequeñas o grandes empresas que quieran invertir en publicidad
o gráfica comercial. El director de arte tiene la posibilidad de dar
su impronta personal a cada trabajo. Es la cabeza del equipo y debe
darle una solución integral a cada cliente.

Olivetti se acerca al Estudio Boggeri y solicita sus servicios. No solo

para gráfica de producto sino para instalar a Olivetti como una
marca líder en el mercado. Solicita trabajos de gráfica para vender
sus productos a todo el mundo. Schawinsky se hace cargo de la
cuenta de Olivetti utilizando la fotografía mostrando marca y
producto.
GIOVANNI PINTORI

- Se hace cargo de la cuenta de Olivetti.

- Pensó la gráfica como sistema, no como elementos aislados.
- El diseño se apoya sobre un concepto que representa el producto,
acompañado sólo por el nombre de la marca y el producto.
- Utiliza el concepto del paso del tiempo utilizando tipografía antigua
y un Olivetti actual, renovado, el pasado y el presente conviven.

ARMANDO TESTA

- influencia surrealista
- personificación de la marca
- Pirelli

BOB NOORDA

- influencia de BAUHAUS y esc Suiza

- UNIMARK: plataforma de diseño internacional (se desdibuja
la localidad)
- programa de subtes NY
- impacto visual
- síntesis conceptual
- desarrollo de marca y nuevas tecnologías
- tipografía legible

ULM
- fundada en 1953 por Aicher-Scholl, Otl Aicher y Max Bill (con plata de EE.UU)
- post SGM (Alemania destruida)
- momento cúlmine de la modernidad
- continuación de la Bauhaus
- agrega lo proyectual
- pico máximo del proyecto moderno
- lo geométrico/matemático es más recordable
- objetivo: unir diseño y ciencia
- diseño (decisiones previas proyectuales) y ciencia (razón, búsqueda de leyes que rigen la forma)
- se hacen estudios de los materiales
- responsabilidad crítica: función
- diseñadores integrales
- buscan transformar la vida cotidiana
- utópicos
- desarrollo de un diseño integral (ejemplo Lufthansa: ropa y vajilla)
- crean el MANUAL DE USO
- plantean objetos de fácil comprensión
- única institución que planteaba un modelo de enseñanza aplicado a la industria
- modelo de plan de estudio para muchas universidades
- pensada totalmente para la industria
- idea: matematizar el diseño (ciencias duras y ciencias humanas)
- responsabilidad crítica: entrenar al usuario
- búsqueda de lo minimalista
- ARTE CONCRETO: sin carga emocional. La forma es la forma.
- DIFERENCIA CON BAUHAUS: tienen clientes, venden sus productos
- problema de la ulm: diseñaban objetos que no se rompían (el anticapitalismo), desfinancian la escuela
- BRAUN (la marca): era cliente de la escuela

10 mandamientos
1__ el buen diseño es innovador
2__ el buen diseño debe ser un producto útil
3__ el buen diseño es estético (objeto bello y funcional)
4__ el buen diseño es comprensible
5__ el buen diseño es honest
6__ el buen diseño tiene larga vida
7__ el buen diseño es consecuente en todos sus detalles
8__ el buen diseño respeta el medio ambiente
9__ el buen diseño es diseño en su mínima expresión

GUTE FORM
- idea rectora de la ULM
- contraposición con el STYLING
- surge en «ornamento y crimen», lo retoma Max Bill
- funcionalidad, formas nobles, atemporales, responsabilidad social y moral, objetos perdurables y de buena calidad, la forma sigue a la función,
economía de recursos, «menos es más», funcionalidad ante todo, cuanto más sintético, más recordable

Se ha de diferenciar por un lado la función o finalidad del producto y por el otro las necesidades del consumidor.

-1945: fin de la segunda guerra mundial

-Alemania es un país totalmente quebrado y derrotado que debe volver a empezar.

Desarrollo de la industria racional, dejando de lado los pensamientos del pasado., crecimiento de la automatización y la expansión de los medios
comunicacionales.

OBJETIVO: desarrollar propuestas innovadoras y colaborar con la industria creando productos útiles para la sociedad. Asumir un compromiso para
enriquecer la vida cotidiana.

-1954: Max Bill es el primer director de la Ulm (alumno de la bauhaus)

En una exposición conoce a varios artistas, entre ellos Tomas Maldonado

-1956: Consejo de rectores: Max Bill, Otl Aicher, Tomas Maldonado, Hans Gugelot y Friedrich Gildewart. Maldonado organiza un plan de estudios hacia
una racionalización del diseño. Los cursos abarcan desde la ergonomía, la matemática, la economía, la física, la teoría de la ciencia, etc.

-1956: renuncia Max Bill

-1962: Maldonado, Herbert Ohl, Aicher, Doernach y staub (nuevo consejo)

-1964: Tomas Maldonado es el nuevo director (reorientación pedagógica)

-1966: Helbert Ohl es el director .

-1967:quita de subsidios (política sin proyección, una opinión publica desinteresada y una profunda crisis interna)

-1972: cierre definitivo

PRIMER ETAPA – 1953-1957

Hacia el año 1953 se iniciaron los cursos en edificios provisionales en la ciudad de Ulm. Johannes Itten, Josef Albers, Walter Peterhans y Helenne
Nonné-Schmidt (antiguos profesores de la Bauhaus) impartieron clases a los primeros estudiantes.
En 1953 comenzó a construirse el edificio de la HfG, diseñado por Max Bill, uno de los primeros en Alemania construidos en hormigón armado con
estructura reforzada. En 1954, Max Bill fue nombrado primer rector del centro y en 1955 se produjo la inauguración del nuevo edificio.
Los primeros docentes convocados fueron Otl Aicher, Hans Gugelot y Tomás Maldonado (que se unió a la escuela en 1954). Max Bill insistió desde
temprano en invitar docentes extranjeros (tales como Mies Van der Rohe), lo que otorgó a la HfG de Ulm un carácter internacional.

• La enseñanza continuaba con la tradición de Bauhaus y Dessau (aunque en el programa no había clases de pintura, escultura o artes plásticas).

• Para Bill el diseñador cumplía un papel esencial en el producto como dador de forma.

• Otros docentes buscaban hacer énfasis en la tecnología de los materiales y en los métodos de producción. Según ellos, el diseñador debía tener un
perfil más científico que artístico.

• Los productos debían estar determinados por su finalidad, por el método de fabricación, por el material y por el uso, y no únicamente por principios
geométricos derivados del arte.

SEGUNDA ETAPA – 1957-1966

Tras la partida de Bill la escuela fue dirigida por un rectorado colegiado que incluía a Otl Aicher, Hans Gugelot y Tomás Maldonado. Maldonado era un
arquitecto formado en bellas artes que participó del movimiento de arte concreto e Argentina.
Así, en este período se va a fusionar el diseño a un concepto científico. Este pensamiento científico orienta a la escuela a un pensamiento metodológico,
proyectual, a partir del cual el desarrollo de un diseño va a tener un proceso.

Estilo
• Hay puntos en común con la producción visual de la Bauhaus, como la simetría, la síntesis, los colores.

• El lenguaje es heredero de la Escuela Suiza, con el uso de fotografía en blanco y negro y de alto contraste, objetiva, blanco como elemento activo de la
composición y tipografía de palo seco en minúsculas.

En Ulm, la comunicación no estaba enfocada en lo persuasivo, sino orientado a la comunicación social, los nuevos medios de comunicación, los nuevos
medios audiovisuales, campañas de organización urbana, campañas culturales. Siempre intentaron despegarse de lo absolutamente comercial.
En Ulm el resultado de un proyecto debía ser congruente con su propósito, criterios de uso, su confección o materialización. No opera sobre objetos sino
sobre un conjunto de productos o sistemas buscando unidad y coherencia en la imagen.

A contramano de lo que es la industria y de la filosofía del mercado capitalista, van a poner énfasis en el valor de uso de un producto industrial,
cuestionando el valor de recambio, cuestión que les va a jugar en contra, ya que la Ulm pensaba en productos que duren para toda la vida y lo que marca
el ritmo de consumo es el valor de recambio.

FIN DE LA ESCUELA – 1966-1968

Este período se caracteriza por disputas sobre los contenidos y el plan de estudios. Luego de la afiliación de la HfG a la escuela de ingeniería las
subvenciones federales fueron suprimidas y la situación financiera se volvió insostenible. La Escuela Superior de Diseño de Ulm se cerró en 1968 por una
resolución del Consejo de Baden-Württemberg. Este centro fracasó debido a que en este mismo período entraba en crisis la cuestión del diseño y la
ciencia mancomunados al diseño de objetos perdurables en el tiempo.

PERSONAJES

MAX BILL

- estética de las fábricas

- defensor de la nueva tipografía
- estudió en Bauhaus
- diseña el edificio de la ULM
- propuestas orientadas a la geometría, el orden, la asimetría y la armonía

OTL AICHER

- pictogramas, gráfica universal, sintética, basada en

figuras geométricas
pensamiento proyectual
- crítica a la abstracción
- crea catálogos de implementación de diseño
- uso de retícula, claridad para lograr mensaje universal y efectivo
- pictogramas juegos olímpicos de Munich
- dg y tipógrafo
- tipo legible y funcional
- busca diseñar para resolver los problemas del hombre
- Lufthansa: transformar la imagen del avión en una síntesis técnica.
Diseño sistemático es aplicado en sentido amplio.
- uso de transparencias
OTL AICHER

DIETER RAMS

- radio para Braun

- producto 100% comprensible

TOMÁS GONDA

Es un húngaro que huye de la guerra. En los sesenta va a Ulm y trabaja en la Escuela. También se une a la gráfica italiana de la posguerra. Trabajó como
asistente de Aicher en el desarrollo de la imagen corporativa de Lufthansa.

HANS GUGELOT

Fue un reconocido arquitecto y diseñador industrial que se destacó en el diseño de mobiliario y productos para la firma Braun, y en su labor como
docente en la escuela de diseño HfG de Ulm.
En Braun ayudó a crear un estilo de gran identidad visual basado en el esencialismo y el funcionalismo. Los aparatos fueron diseñados en un estilo
basado en formas geométricas, con una paleta de colores reducida y una completa ausencia decorativa.

HANS ROEHRICHT

Diseñador alemán
TOMÁS MALDONADO

- el objeto tiene que responder a la razón

- reemplaza a Bill
- incluye materias como ergonometría, proyectual
- diseño proyectual
- funcionalidad

Nació en la ciudad de Buenos Aires en 1922 y se formó en una Escuela de Bellas Artes.

• En 1945 creó la Asociación de Arte Concreto-Invención junto con Alfredo Hlito, Manual Espinoza, Raúl Loza, Enio Iommi y Oscar Nuñez, entre otros.

• Colaboró con la revista Arturo (1944) a través de la cual se veían reflejadas las ideas este grupo de artistas concretos en la máxima: El arte concreto va
a propugnar un arte no imitativo, no representativo, no expresivo, sino un arte de pura invención.

En 1948, Maldonado regresó de su primer viaje a Europa, donde estableció contacto en Italia con Max Huber y Bruno Munari; en Suiza, con Max Bill y
Richard Lohse. De regreso a Buenos Aires, su actividad artística empezó a tener una gran influencia de los concretos suizos.

En 1954 se fue a Alemania en donde fue profesor de Ulm. Entre 1956 y 1966 fue parte de la junta de directores de la institución. Definió el nuevo plan de
estudios a través de un pensamiento científico, sistematizando el diseño. Trabajó en temas como el rol social del diseñador, la comunicación, la
semiótica, la importancia del cuidado del medio ambiente.

Entre 1964 y 1967, en colaboración con el alemán Gui Bonsiepe desarrolló el sistema de íconos para la empresa italiana Olivetti y la imagen corporativa
de los grandes almacenes italianos La Rinascente. En 1967 se radicó en Milán continuando en Italia su labor docente, siendo profesor en la Facultad de
Filosofía y Letras de la Universidad de Bolonia, volcado ya prácticamente a la filosofía y a la crítica con influencias de la semiótica.

REVISTA: La revista Ulm School for Design se publicó durante el periodo comprendido entre 1958-1968, en 14 entregas que compilaban 21 números. En
ella se proporciona una relación completa de los planes de estudio teóricos y prácticos llevados a cabo en una de las escuelas de diseño más influyentes
de Europa desde la Bauhaus: Hochschule für Gestaltung (HfG - ‘School of Design’). Nombres como Tomás Maldonado, Hanno Kesting, Gui Bonsiepe and
Renate Kietzmann fueron referentes del equipo editorial.

STYLING
- filosofía de diseño que surge en EE.UU luego de 1929
- promotor principal: General Motors (nuevo automóvil: cambios SOLO estéticos)
- desde el diseño se puede reactivar la industria de un país
- idea de aerodinamia
- dar movimiento a objetos estáticos
- color más materialidad es importante
- «lo feo no se vende»
- resignifican constantemente al mismo objeto/producto
- cambia solo la estética
- el consumidor compra solo porque el producto es novedoso
- la forma NO sigue a la función

RAYMOND LOEWY

- nunca dejar las cosas como estaban

- ej: paquete de lucky strike, cambio de imagen

HENRY DREIFFUS

- para mirar para adelante hay que saber mirar para atrás
- aerodinamia en la plancha
POS-MODERNISMO

PARADIGMA MODERNIDAD/ POSMODERNIDAD

Ulm se va a convertir en el último estandarte de la modernidad, pensando el diseño desde el punto de vista de las ciencias, desde las matemáticas y las
ciencias exactas para asegurar la belleza y el desarrollo de los objetos.

MODERNIDAD
- comunicación unívoca y unidireccional
- funcionalismo

POSMODERNIDAD

- chiste posmoderno denota la necesidad de un código comunicacional

- aparece una complejidad en la imagen
- la funcionalidad no es lo más importante
- se exageran las estructuras
- dejar lo dogmático, nuevas reglas, caída de los grandes relatos, universalidad y racionalismo caen
- la obra es la idea
- pluralidad de interpretaciones
- todos codificamos de manera diferente
- el mensaje no es unívoco y masivo

GLOBALIZACIÓN / UNIVERSALIDAD

GLOBALIZACIÓN
- no se habla de funcionalidad
- deseo de algo que existe y lo queremos/necesitamos para ser mejores
- COSTA dice que el producto tiene un valor intangible: ¿por qué compramos intangibles (serían experiencias)? Porque lo material ya se resolvío, quedaría
resolver lo inmaterial.
La ULM llega al máximo de funcionalidad. Las casas y objetos se vuelven impersonales, inexpresivos.
- hay un deseo y una necesidad de satisfacción instantánea
- el sistema define los consumos
- la globalización define patrones de consumo
- hay un cambio en la comunicación: polisemia

Posmodernidad
• De los sesenta en adelante, a partir de lo sucedido en la Segunda Guerra Mundial y en la Guerra de Vietnam, empieza a ponerse en crisis el paradigma
de la modernidad.

• La modernidad cree en el progreso humano a través de la razón y la ciencia.

• Paradoja: este progreso tecnológico también ayudó a la matanza de miles de personas en los campos de concentración.

• Es en este momento en que emerge el pop art y los famosos carteles psicodélicos, tanto en Inglaterra como en Estados Unidos.

La posmodernidad acepta el mundo como es.

Deja de creer en términos absolutos, en una sola verdad para todos, deja de creer en soluciones que se pueden aplicar universalmente (característico de
las vanguardias y la modernidad, búsqueda de la respuesta universal).

Contexto histórico-social: las grandes instituciones, como la Iglesia, pierden influencia; se produce un cambio en el orden económico capitalista, pasando
de una economía de producción hacia una economía de consumo; los medios de comunicación y el marketing se convierten en centros de poder.

Características socio-psicológicas: hay una búsqueda de lo inmediato, se hace culto al cuerpo y a lo superficial, y una desaparición de los idealismos.

Características visuales del diseño posmoderno

Ya no se tratará de buscar un lenguaje ideal para comunicar universalmente al hombre. El objeto de diseño va a adquirir nuevas características:
Fragmentación
El nuevo orden ya no es la geometría perfecta. El objeto es roto, fragmentado, formado por infinita cantidad de partes y planteará al observador la tarea
de reconstrucción, la cual se podrá realizar de diferentes formas. Abrir las posibilidades interpretativas.
Falta de profundidad
Otra característica importante es la falta de profundidad. Se podría decir que pasa a ser más importante lo visual que lo funcional, porque la sociedad se
va a empezar a regir por la imagen.
Complejización del significado
El panorama de pluralidad, eclecticismo y mezcla de valores y códigos se reflejará en la gráfica, complejizando el significado de la imagen. Ya no hay un
único recurso válido para comunicar, sino que habrá una mezcla de recursos y lenguajes al mismo tiempo.

1) ESTADOS UNIDOS

Hollywood 40/50
Importancia sobre las estrellas del cine
Uso del cine como medio de comunicación masiva
Libertad de expresión

1940. diseño básicos

1950: sueño americano

consolidación del consumo
electrodomésticos que invadan las casas + compra de cosas + autos
gráficamente: no tiene la riqueza grafica: ilustraciones + tipografía no hay un orden

ingreso de artistas exiliados por los conflicto belicos + influencia del diseño + surgimiento de agencias de publicidad:
Hacia los años 50 y 60, se va a dar la consolidación de las grandes agencias de publicidad, sobre todo en nueva York. Las agencias aparecen
gracias a dos acontecimientos: por un lado, el exilio europeo, Estados Unidos recibe a la mayoría de los diseñadores del Bauhaus, de Alemania,
que era mucho más avanzados en cuanto a lo tecnológico y en cuanto a la estructuración de la pieza de diseño; y por otro lado, el capitalismo que
iba en alza, convertía a las empresas nacionales en grandes multinacionales, necesitando otro tipo de plataforma donde ya un diseñador no
realizaba toda la identidad sino que un grupo de diseñadores trabajaban y se complementaban las agencias. Comienza un interés por conocer al
comprador y por consiguiente al mercado. Con los años donde surge el marketing, el estudio de mercado, la psicología aplicada al mercado. Por
otro lado las agencias empiezan a especializarse: director de arte, redactor publicitario, fotógrafo.

ESTADOS UNIDOS: COMUNICACIÓN PERSUASIVA

• Terminada la Segunda Guerra Mundial, en 1945, Estados Unidos pone en marcha el plan Marshall, un plan de préstamos a bajo costo e
inversiones públicas en una Europa devastada por la guerra.
Estados Unidos quiere contener esta situación de miseria con un motivo oculto: desterrar el comunismo. La guerra fría (término de la IIGM 1945 –
disolución de la Unión Soviética 1991) fue un período de gran tensión entre dos bloques completamente antagónicos con ideologías contrarias
queriéndose imponer en el resto del mundo: un bloque occidental capitalista liderado por Estados Unidos y un bloque oriental comunista liderado
por la Unión soviética.
Carrera armamentista: ambas potencias habían generado suficiente arsenal durante las dos guerras, pero llamaban la atención las armas no
convencionales como la bomba nuclear. Fue una temática principal para el cine y los afiches, despertando a debates, siendo propaganda masiva.
La carrera espacial comenzó como una pantalla para esconder las bases militares y la investigación en misiles, pero por otro lado las potencias
tenían en cuenta que era una propaganda internacional.
Sueño Americano: concepto antiguo del 1600 (cuando los ingleses enviaban a su gente a las colonias en Estados Unidos con promesas de
abundancia) que se populariza en 1950 más aferrado a los bienes de consumo. Explota el capitalismo, tras ganar la guerra, Estados Unidos
prosperaba.
Hacia los años 50 y 60, se va a dar la consolidación de las grandes agencias de publicidad, sobre todo en nueva York. Las agencias aparecen
gracias a dos acontecimientos: por un lado, el exilio europeo, Estados Unidos recibe a la mayoría de los diseñadores del Bauhaus, de Alemania,
que era mucho más avanzados en cuanto a lo tecnológico y en cuanto a la estructuración de la pieza de diseño; y por otro lado, el capitalismo que
iba en alza, convertía a las empresas nacionales en grandes multinacionales, necesitando otro tipo de plataforma donde ya un diseñador no
realizaba toda la identidad sino que un grupo de diseñadores trabajaban y se complementaban las agencias.
Comienza un interés por conocer al comprador y por consiguiente al mercado. Con los años donde surge el marketing, el estudio de mercado, la
psicología aplicada al mercado. Por otro lado las agencias empiezan a especializarse: director de arte, redactor publicitario, fotógrafo.
ESCUELA DE NUEVA YORK
Se conoce como Escuela de Nueva York a un grupo de diseñadores independientes norteamericanos que, por su trabajo en las décadas del
cuarenta, cincuenta y sesenta, caracterizaron un estilo de diseño muy particular. Este movimiento cuenta entre sus exponentes con Paul Rand,
Saul Bass, Milton Glaser, y Herb Lubalin. De la mano de estos diseñadores, el diseño estadounidense llegó a ser intuitivo, pragmático e informal.
En esta sociedad altamente competitiva, tanto la novedad de la técnica como la originalidad del concepto eran muy apreciadas.
LAS AGENCIAS DE PUBLICIDAD
Finalizada la Segunda Guerra Mundial, las agencias de publicidad norteamericanas comienzan a desarrollarse y a ganar posiciones
internacionalmente, respaldadas por una incomparable arma de difusión: la televisión. En 1941 se inició la primera transmisión regular por
televisión y, luego de la Segunda Guerra, comenzó su espectacular crecimiento como un medio masivo publicitario. Para comienzos de los años
sesenta se convirtió en el segundo medio más grande (luego de los periódicos) en términos de renta publicitaria. Los directores artísticos de las
agencias comenzaron volver los ojos hacia el diseño de comerciales para televisión.

En Nueva York, Madison Avenue se transforma en la avenida de la publicidad, ya que allí se establecen durante la década del cuarenta y cincuenta
casi todas las grandes agencias.
DDB – Doyle Dane Bernbach
Absorbe la estructura del estilo
suizo, el uso del blanco, el
reemplazo de la ilustración por la
fotografía, uso de la tipografía de
palo seco. Lo que lo diferencia con los suizos es el uso del humor y el ingenio. Bernbach no quiere engañar al espectador, cuando en esa época
estaban de moda los autos grandes, él opta por reforzar el concepto de Volkswagen, un auto pequeño y enumerando sus beneficios.
Logra ingresar al mercado estadounidense la empresa alemana (que en ese momento todo era visto como nazi) a través de la nueva idea de
campaña, donde ya no se trabajan graficas independientes, sino conceptos que rigen la
marca.

DOYLE DANE BERNBACH

-estudio publicitario
-Desafío de vender in auto alemán y pequeño.
-gran campaña publicitaria
-integrado con un estilo suizo
-uso del blanco
-palo seco
-fotografía
-diseño suizo
-autos pensados en grandes, mostrar que lo pequeño es mejor
Leo Burnett Company
Marlboro era la línea sin filtro de Philip Morris, era un cigarrillo femenino. Con la globalización, caía el mercado y Marlboro necesitaba abarcar
mercados mayores y para lograrlo se debía cambiar la imagen de lo que representaba la marca. Leo Burnett realiza la campaña, que fue influyente
hasta estos días: utiliza íconos masculinos, apelando a métodos tradicionales, pero con pocos elementos.

Pentagram
Estos estudios que nacen y se desarrollan a partir de la década
del ‘60, producen diseño gráfico resolviendo imagen corporativa
y publicidad. Todos tienen la gran virtud de procesar el llamado
«estilo suizo » y el ingenio americano, dando como resultado
una gráfica de síntesis espectacular. Pentagram, estabilizado a
mediados de los ‘60 y bajo la dirección de A. Fletcher, C.
Forbes y T. Crosby, trabajan utilizando la creatividad y la
inteligencia. Es una organización de grandes profesionales
experimentados en el mundo del diseño y gente joven con gran
vocación y espíritu de hacer y crecer profesionalmente. Para
Pentagram, el diseño es un plan para determinar el objeto.
Demuestra como utilizando una estructura altamente
organizada, y un nivel de creatividad dirigido a través de la inteligencia, se puede lograr un nivel de diseño extraordinario de características
internacionales.
PAUL RAND

-diseñador editorial, cuyas portadas rompieron con publicaciones tradicionales estadounidenses.

-herramienta de comunicación visual usando formas inventadas (kandinsky.)
-manipulación de las formas visuales
-contraste visual y simbólico
-utilización de collage y fotomontaje como medios para cohesionar conceptos, imágenes, texturas etc
-Apropiación de los signos universales para resignificarlos. + reinterpretación del mensaje
-definición del diseño como una integración de forma y función para lograr una comunicación eficaz.
-en los 40 logro integrar palabras y frases de una manera mas libre + organización mas libre + metáforas visuales y juegos de palabras

Paul Rand (1914-1996)

Un conocimiento profundo del movimiento moderno, particularmente de las obras de Klee, Kandinsky y los cubistas, condujo a Rand a comprender
que las formas inventadas libremente podían tener vida autónoma como instrumento visual en la comunicación. Lo lúdico, lo dinámico y lo
inesperado a menudo aparecen en su obra. También se apoderó del collage y del montaje para introducir imágenes y texturas en un todo
coherente.
Los contrastes visuales caracterizan su obra. El juego del color rojo contra el fondo verde, de la figura orgánica contra el tipo geométrico, del tono
fotográfico contra el color plano son algunos de los contrastes usuales de Paul Rand.
En las década del cincuenta y sesenta, Rand se convirtió en diseñador independiente y su trabajo se centró en el diseño de identidad corporativa
para grandes empresas norteamericanas como IBM, Westinghouse o ABC. Rand se dio cuenta de que para que una marca o logitpo fuera
funcional, debía reducirse a formas elementales únicas y sencillas.
La marca de fábrica que diseñó para IBM está desarrollada a partir de un tipo de letra diseñado en el año 1930 y llamado City Medium. Este es un
tipo de letra slab-serif construido geométricamente como los estilos sans serif geométricos. La literatura corporativa diseñada por Rand para IBM a
finales de los años cincuenta sentó el estilo para la literatura corporativa por muchos años.
La sensibilidad de la Escuela de Nueva York fue llevada a Los Ángeles por Saul Bass.
Mientras las composiciones de Rand utilizaban contrastes complejos de figura, color y textura, Bass frecuentemente redujo el diseño gráfico a una
imagen dominante sencilla, usualmente centrada en el espacio. Tenía una gran habilidad para identificar el núcleo del problema de diseño y
expresarlo con imágenes pictográficas sencillas poseedoras de una gran fuerza gráfica.
El primer programa completo de diseño para una película fue el
programa de diseño del año 1955 para The Man with the Golden Arm. Para esta película acerca de la drogadicción, Bass construyó un brazo
pictográfico grueso que empuja hacia abajo sobre un rectángulo compuesto por barras y rodeado por el título de la película. Los títulos animados
de la película abrieron nuevos caminos en este campo. Se trata de una secuencia cinética de barras y tipografía en perfecta sincronización con el
lamento de la música de jazz. Finalmente las forman el brazo pictográfico del logotipo.
Saul Bass se convirtió en un maestro reconocido de los títulos de películas.
En sus trabajos el concepto y la forma visual están ligados en una unidad indivisible que ha sido llamada tipograma.
Durante la época del tipo de metal, las matrices tenían que ser fabricadas para cada tamaño y variable tipográfica. Para fines de la década del
sesenta el tipo de metal era cosa del pasado. La fototipografía permitía usar lentes especiales para agrandar, condensar o inclinar letras, lo que
redujo el costo para introducir estilos de tipos nuevos. Más que cualquier otro diseñador, Lubalin exploró al máximo el potencial de la fototipografía.
En los sistemas de fototipo, el espaciado entre
las letras podía ser comprimido hasta desaparecer, y las formas podían ser sobrepuestas. Muchas veces Lubalin transgredió la legibilidad del tipo
para ganar impacto visual.
PUSH PIN STUDIO

Los artistas de The Push Pin incorporaron en sus trabajos multiplicidad de influencias, las cuales fueron combinadas con nuevas e inesperadas
formas. A finales de los años cincuenta, inspirado por el dibujo oriental de pinceladas caligráficas, Glaser realizó siluetas gestuales, sugiriendo al
espectador el tema e invitándolo a usar su propia imaginación. Un ejemplo de esto es el cartel para el Shadowlight Theatre del año de 1964, donde
sobre el fondo oscuro las figuras de aguatinta oscilaban del verde amarillento al rojo o café. Durante los años sesenta, Glaser creó imágenes de
figuras planas formadas con líneas a tinta negra, adicionando el color con película adhesiva. Este estilo de dibujo curvilíneo hizo eco de las revistas
de tiras cómicas, de los arabescos de Persia, del Art Nouveau y del color uniforme de las estampas japonesas.
En los diseños gráficos para la música, Glaser logró combinar su visión personal con la esencia del contenido. El cartel que realizó para Bob Dylan
en 1967 consiste en una silueta en negro con configuraciones de cabello en brillantes colores, donde se observan las influencias del diseño
islámico y del Art Nouveau.
POP
ARTE POP
• Al finalizar la Segunda Guerra, queda consolidada la cultura norteamericana.
• Estados Unidos propone el sueño americano y se genera un gran consumismo.
• Los soldados vuelven de la guerra. Los hijos de los soldados serán después los
que formarán parte del movimiento hippie de la década del sesenta.
El mundo queda dividido en dos bloques: el capitalismo y el comunismo. Cada polo pretende dominar el mundo y así comienza la Guerra Fría y el
espíritu de un momento de tensión en el mundo. Lo positivo es que no llegó a mayores y los presidentes tomaron una postura pacifista. Por otro
lado, URSS y Estados Unidos también estaban cabeza a cabeza en la carrera espacial.
Vietnam: La década del sesenta se caracteriza por el movimiento de los derechos civiles, la protesta pública contra la guerra de Vietnam y las
primeras agitaciones del movimiento de liberación de la mujer. En la Guerra de Vietman se quebraron los códigos de guerra en cuanto a ataques a
población civil. Fue una guerra muy documentada por la televisión, lo que provocaba el horror de la población.
En San Francisco a finales de los años cincuenta se forma un movimiento contracultural de escritores y poetas llamado the beat generation.
Algunos de los elementos definitorios del grupo son el rechazo al consumismo, el uso de drogas y una gran libertad sexual.
Es en este contexto, a finales de los años cincuenta, se inició un movimiento artístico y cívico de enormes proporciones e influencia social y
política, que en algunos aspectos recordaba al dadaísmo de los años veinte en su intención de cuestionar la tradición artística anterior. De este
movimiento nacieron dos corrientes fuertemente emparentadas: el arte pop y la psicodelia. A partir de ellas comienza el proceso de transición de la
modernidad a la posmodernidad, en la que va a entrar en crisis la el paradigma de que a través del progreso tecnológico la humanidad puede ser
mejor.
• El arte pop surge de una reacción contra el expresionismo abstracto de Estados Unidos, pues se lo considera un arte elitista que para ser
comprendido requiere de muchas competencias.
• Se contrapone al arte abstracto y busca volver a lo local (en contra del internacionalismo), extrayendo sus temas y técnicas de objetos cotidianos,
de elementos de la sociedad de consumo y del mundo del espectáculo.
Se desacralizó el arte académico introduciendo objetos que no son artísticos, proponiendo un arte no elitista, pero sacándole la carga negativa,
destructiva y anárquica del dadaísmo. Además de utilizar imágenes populares en oposición a la cultura elitista existente en el arte, el arte pop
buscaba enfatizar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultura, a menudo a través del uso de la ironía.
Fue un artista plástico, ilustrador comercial y cineasta estadounidense que jugó un papel crucial en el desarrollo del pop art. A diferencia del pop
inglés, el acento de Warhol está puesto en el consumo, no en el debate de la sociedad de consumo,

afirmando el arte de la vulgaridad. Andy Warhol logró lo que pretendió Duchamp, desacralizar el arte introduciendo objetos cotidianos.
En el año 1949, Andy Warhol se trasladó a Nueva York, lo que constituyó el punto de partida de su exitosa carrera. Trabajó para revistas como
Glamour, Vogue, Seventeen, The New Yorker y Harper's Bazaar. En 1952 celebró su primera
exposición individual, "Andy Warhol: Cincuenta Dibujos basados en los escritos de Truman Capote", en una galería de Nueva York.
Durante los años 60, Warhol descubrió las posibilidades plásticas de las imágenes comerciales, que empezó a reproducir: las latas de Sopa
Campbell o brillo, botellas de Coca-Cola, billetes de dólar. Estos objetos eran para él íconos culturales estadounidenses. Los retratos de Elvis y
Marilyn son también de esta época; en ellos experimenta con técnicas serigráficas. Es conocido sobre todo por estas series serigráficas de
elementos de consumo de la cultura norteamericana, donde repite el elemento a partir de cambios de color.
En 1963, su estudio empezará a ser conocido como “The Factory”. En 1965, Warhol conoció al grupo de música “The Velvet Underground” y en
poco tiempo se volvió en su manager.
Roy Lichtenstein (1923-1997)
Es conocido sobre todo por sus interpretaciones a gran escala del arte del cómic. Sus historietas de cómics, como Good Morning, Darling (1964)
son ampliaciones de los personajes de los dibujos animados, reproducidas a mano, con la misma técnica de puntos y los mismos colores primarios
y brillantes que se utilizan para imprimirlos. También sus esculturas recrean los efectos de los cómics.

POP
-Freud Nietzche: nuevos pensadores de la postmodernidad
-ruptura de lo académico
-1960: cambios radicales + reflejo de las corrientes artísticas
-contexto: transición entre la modernidad a la postmodernidad

1-el mundo de la posguerra 1945.

Estados unidos : plan Marschall (prestamos de bajo costo y Europa estaba devastado) le prestan dinero a los países europeos + evitar que se
extienda el hambre + evitar al comunismo

2-Guerra Fría : bloque capitalista vs comunista

mercado competitivo
carrera armamentista
carrera espacial
investigación de misiles y bombas + propaganda para verse superior frente a los enemigos
a través de Hollywood se crean películas de la guerra fría, dejando a los americanos como los buenos. Va a ver un crecimiento cinematográfico-
avance en las telecomunicaciones
1969 llega Estados Unidos a la luna (interés social)

3- 1950: sueño americano

consolidación del consumo + grandeza económica
tecnología en los hogares
sociedad consumista
styling por sobre la gute form
grafica: ilustración sin ninguna estructura
esto cambio con las inmigraciones europeas para escapar de la guerra, que traerán a varios artistas que tienen conocimientos artístico muchos
avanzados + conocimientos tecnológicos + empresas multinacionales + crecimiento económico
-Bernbach (wolksvagen)
-Bunnet (marlboro)
respuestas: fuertes criticas al consumismo

4-movimiento hippie: flower power

manifestaciones pasificas
cambios en la revolución sexual
píldora anticonceptivas
la mujer va ganando lugar

5-Guerra de Vietnam
sur vs norte
contención comunista
la guerra es mostrada por los medios: fuerte critica
hippies
bomba atomica

6- Marthin Luther King

lucha por los derechos de los negros
cambiar el pensamiento social
apoyo hippie

7-escuela de nueva york (1940-1990)

movimiento artístico genuino
influencia vanguardista europea
lenguaje no figurativa pero no se termina de asimilar en la época

8-arte pop (movimiento artístico como contraparte de los abstracto)

plantea una representación novedosa de texturas
propuesta moderna de la época
raíces. Dadaísmo
complejización de la obra:
sacarlas de contexto
se volvieron masivos
iconos de arte de estados unidos

9-pop art
Toma los intereses populares del pueblo

uk
el pop surge como una ironía a esta burguesía que tenia ese poder. Es una critica social pero que carece de gusto que abría el debate. Gira en
torno a un debate de independent groop que destaca que es popular, joven, sexy etc
PSICODELIA
La psicodelia tiene que ver con la divulgación de drogas como elementos de consumo, lúdicos o creativos. La LSD, el cannabis y la mescalina se
introdujeron en la sociedad modificando hábitos y actitudes. Se conjuga el consumo masivo de drogas con la música y el diseño y se empiezan a
representar estos viajes.
El movimiento de los gráficos que expresaba este clima cultural (música del rock, experimentación con drogas y oposición a los valores
norteamericanos establecidos) combinó las fluidas curvas sinuosas del art Nouveau con la intensa vibración óptica del color asociada con el breve
movimiento del arte óptico (colores fuertes y como el fucsia, el verde manzana, el naranja conjugados.
Se utilizaron símbolos como el amor, la paz, la flor y la revolución. Las letras muchas veces resultaban difíciles de descifrar, se las deformaba,
convertía en texturas, adquiriendo importancia como parte de la realidad visual total.

La psicodelia también toma referencias de culturas exóticas como la India, a diferencia del pop art que defiende el nacionalismo.
Tiene un estilo ilustrativo, volviendo a criterios antiguos como la línea orgánica fluida del art Nouveau. Se realizan afiches cuyas letras son difíciles
de descifrar, con tipografías deformadas, convertidas en texturas.

Tras completar sus estudios, abrió un estudio de diseño y comenzó a ganar

premios, mas de 60, en el campo de la moda, alimentación, diseño de
pósters y libros. Desde 1972 y hasta 1976, estuvo en un período de retiro,
para "reaparecer" con un libro de 50 pinturas, conmemorando cada Estado
de Estados Unidos y dedicado al Bicentenario de dicho país.
Otro exponente del arte psicodélico y pósters de concierto es Víctor
Moscoso.
En Inglaterra, fue el ilustrador de la estética beatle, utilizando
ambigüedades (símbolo de la paz + revolución), lo floral, natural,
el colorido, rescate de tipografías del siglo XXIX, alejándose de la tipografía
de palo seco. Gran cargas metafórica (surrealismo).
ARGENTINA
-bauhaus: influencia mística + problemas políticos y sociales + influencia de la werkbund (behrens) + orientación estético formal + formas puras y
dominio sobre la maquina y lo racional + creaciones industriales+ función x economía + funcionalidad + el salto fuera del arte no se llego a dar.
-Ulm: pensar desde lo sistemático+ gute forme + producto-funcionalidad + introducción de métodos proyectuales + planificación del orden de los
elementos. Definición del problema hasta el producto final en el mercado (fundamento científico)

1958: viene a argentina

popuesta de una búsqueda artística mas alla de la forma
grupos interesados en la geometría
eliminar el limite entre escultura/pintura
introducción a la cuarta dimensión

-arte óptico
patrones geométricos cerrados /opticos
blaco y negro

-arte cinético
incorporación de nuevos materiales
luces de neon

son obras en el espacio y en el tiempo

-incorporacion del tiempo en la obra de arte
-obras abiertas (van cambiando continuamente)

la estética del rock

rock: nueva industria
la psicodelia y el arte óptico son similares. Búsqueda continua del movimiento
antecedente: Josef albers
búsqueda orientada al art noveau
estilo que va a generar un gran impacto
-consumo de pepe/droga/lsd
-rock psicodélico como fenómeno que repercute en la generación joven
-amor/flower power
-búsqueda de reproducción sistemática
-camino hacia la postmodernidad
CARTEL POLACO

Cartel polaco
• Polonia estaba devastada desde septiembre de 1939, con la invasión de Hitler y posteriormente las tropas soviéticas.
• Enormes pérdidas humanas, industrias y agricultura debilitada.
• La pintura y el diseño gráfico, como muchos otros aspectos de la cultura
y sociedad, habían dejado de existir.
• De esta devastación surgió la escuela polaca de carteles artísticos, reconocida internacionalmente.
• Tras la sociedad comunista establecida después de la guerra, los clientes son industrias e instituciones controladas por el estado.
• Los diseñadores gráficos se unen con los productos de películas, escritores y artistas en La Unión Polaca de Artistas, allí se fijan las normas y los
honorarios.
El cartel ha llegado a ser un gran orgullo nacional en Polonia. Las radiodifusiones electrónicas no eran su fuerte por la devastación de la guerra y
por estar bajo la esfera comunista. Por lo tanto los carteles se consideraban muy importantes comunicadores de los eventos destacados:
culturales, circos, cines, política. Durante 1950 el cartel polaco comenzó a reconocerse en todo el mundo. El agradable estilo estético era un
escape del mundo sombrío de la tragedia a un mundo radiante, decorado con formas y colores
Tadeusz Trepkowski durante la primera década después de la devastación, expresó las trágicas aspiraciones y los recuerdos que estaban
profundamente fijados en el alma nacional. Involucraba la reducción de imágenes y palabras hasta que el contenido era sublimado a su más simple
presentación. Unas cuantas formas sencillas para simbolizar una ciudad devastada. El famoso cartel antiguerra de 1953 contiene solo la palabra
“NO”.
También famoso por sus películas animadas experimentales, Jan Lenica (1928) impulsó el estilo de montaje hacia una comunicación menos
inofensiva y más amenazante. Culminó con un estilo de carteles utilizando curvas de nivel fluidas y estilizadas que se entrelazaban en el espacio y
lo dividían en zonas de color con forma e imagen.

Lenica y Staroweijski se unieron a una nueva generación de diseñadores, los cuales anunciaron el peligro de que el cartel polaco podía quedar
solo como estilo nacional académico.
Es allí cuando aparecen diseñadores, que incluyen a Waldemar Swierzy (1931), que plasmaron visiones únicas y personales, donde el diseñador al
igual que el pintor debía buscar su inspiración. Swiertzy recurre tanto al arte del siglo veinte como al arte popular, utiliza una gran variedad de
medios. Es
famoso su cartel de Jimi Hendrix, el cual animó con turbulentos gestos, de gran calidad espontánea.
Un artista exiliado y radicado en Paris desde 1930, fue Roman Cieslewicz (1930), quien toma el cartel y lo transforma en un medio metafísico para
expresar ideas profundas difíciles de expresar verbalmente. Incluye en sus trabajos: collage, montaje e imágenes de medio tono amplificadas a una
escala que transforma los puntos en texturas tangibles. La máxima expresión de los carteles polacos se encontró en sus manos
Henryk Tomaszewski realizó alegres e ingeniosos carteles para el cine, el circo y el teatro inspiraron al peculiar estilo de la escuela cartelista
polaca de posguerra.
Introdujo la sensibilidad sorprendentemente lúdica y cautivadoramente abstracta que caracterizaría el cartelismo polaco. Este determinante
enfoque estilístico dominó el género durante décadas y, entre los años ‘60 y ‘80 del pasado siglo, influyó en diseñadores de carteles culturales y
políticos de Francia, Inglaterra y Estados Unidos.
Al contrario que el realismo socialista practicado en la Unión Soviética y en otros países del bloque del Este, el cartel polaco de los años cincuenta
era sorprendentemente colorista, con frecuencia de un humor surrealista y libre de todo simbolismo ideológico.
Después de sobrevivir a la ocupación nazi, Tomaszewski, que nunca se afilió al Partido Comunista, se negó a seguir las pautas artísticas oficiales.
“La política es como la meteorología”, dijo en una ocasión, “tienes que vivir con ella”. Su arte se benefició de esta resistencia, ya que su obra se vio
obligada a ofrecer disimuladas imágenes satíricas.
Se mantuvo al margen de temáticas abiertamente políticas y se centró por completo en el diseño de carteles para instituciones y acontecimientos
culturales. Bajo el influjo de George Grosz y John Heartfeild, dos satíricos viñetistas alemanes en el exilio, Tomaszewski aprendió por su cuenta
diseño gráfico y realizó ilustraciones satíricas y caricaturas cargadas de ironía. Durante la ocupación nazi se ganó la vida pintando, dibujando y
haciendo grabados, todos ellos destruidos durante el levantamiento de Varsovia. En 1947, junto con otros diseñadores afines, entre ellos Tadeusz
Trepkowski y

Tadeusz Gronowski, fue contratado para realizar carteles para la distribuidora cinematográfica estatal Central Wynajmu Filmow. Él y sus amigos
aceptaron el empleo a condición de que sus imágenes no fueran censuradas.
La grave escasez dificultaba las condiciones laborales en Polonia: faltaban pinceles y pinturas, y la edición y el papel eran deficientes. Esas
limitaciones hicieron que Tomaszewski se replanteara las convenciones del póster cinematográfico. En lugar de hacer sensuales retratos de los
personajes, para conseguir el impacto gráfico eliminó toda referencia a los actores, sustituyéndolos por atrevidos colores y perfiles abstractos. Se
incluían montajes fotográficos, perspectivas forzadas y recortes extraños. Sorprendentemente, mientras los directores cinematográficos criticaban
este enfoque, considerándolo demasiado alejado de sus ideas, Tomaszewski contó con el apoyo de las autoridades comunistas que dirigían la
industria.
Sus carteles para el famoso Cyrk (circo) polaco combinaban el collage abstracto con una expresiva rotulación que, sustituyendo a los caracteres
tipográficos habituales, se convirtió en una especie de firma personal.
Entre 1952 y 1985 el diseñador fue codirector de la Academia de Bellas Artes de Varsovia, donde también fue docente. A sus estudiantes polacos
se unieron muchos diseñadores de Inglaterra, Francia y EEUU, entre ellos miembros del colectivo francés de cartel político Grapus, de la década
de 1990, a los que atraía su esquematismo expresionista y su capacidad para comunicarse salvando las barreras lingüísticas.
Tomaszewski solía dejar que les hablara el arte, ya que sólo sabía polaco. Después de jubilarse siguió diseñando carteles y haciendo viñetas hasta
1996, cuando la enfermedad le privó del control de las manos.
Zelek. Conocido por sus técnicas de estratificación gráfico, entrelazando el texto con imágenes para crear un diseño coherente.
Imagen conceptual: Sacaba inspiración de los avances de los movimientos artísticos del siglo XX. Fue el resultado de una búsqueda de nuevas
imágenes después de la segunda guerra. Las imágenes
ya no se limitaban a transmitir información narrativa, sino ideas y conceptos.
TIPOGRAFÍA POSMODERNA
Tipografía posmoderna
La tipografía posmoderna se va a convertir en imagen pura, quedando relegada su función verbal a un plano muy lejano, sacrificando la legibilidad.
Ya no se usará la tipografía palo seco como una única verdad, sino que se experimentará con diversidad de tipografías. Aparecerán tipografías
manuscritas (dejando ver la mano del diseñador), tipografías antiguas de grabados en madera, tipografías prácticamente ilegibles que pasan a ser
sólo textura, etc.