RENACIMIENTO
CARACTERÍSTICAS: ORQUESTACIÓN:
 Tema como lo más importante
y en base a él, se construye toda
la obra.
 Empiezan a aparecer los
conjuntos instrumentales.
 Inicio de polifonía con división
horizontal y no vertical
 Contrapunto imitativo
 Es muy matemático
 Instrumentalmente: No juega
con los timbres, los pone todos
juntos.
MELODÍA
 Melodías modales
 Evolución de la polifonía.
 La melodía pasa a no ser la única
preocupación de los
compositores, deberán tener en
cuenta todo lo relacionado con
las combinaciones sonoras.
 Independencia melódica: todas
las líneas melódicas tienen la
misma importancia
 Práctica madrigalística = la
melodía debe reflejar lo que dice
el texto.
ARMONÍA
 Se considera pretonal.
 Las primeras armonizaciones
son de la E.M. a base de
unísonos, 8ª y 4ª
 Siglo XV, se introducen las 3ª y
6ª provenientes del fabordón
inglés.
 Siglo XVI, se define el acorde de
tríada.
RITMO
 El sistema de relaciones binarias
y ternarias de la E.M. se
mantuvo estable hasta la mitad
del XVI, momento en que la
práctica impone la relación
binaria.
 Desaparecen figuras de máxima
duración.
Dunstable, Dufay, Ockeghem,
Busnois, Obrecht, Josquin de Prez,
Willaert, Jannequin, Orlando di
Lasso, Palestrina, Senfl, Lutero,
Byrd, John Dowland, Juan de la
Encina, Cristóbal Morales, Francisco
Guerrero, Tomas Luis de Victoria,
Fco. Salinas, Antonio de Cabezón
BARROCO
 Voz virtuosa, muchos melismas
 Abunda la cuerda
 Bajo Continuo con clave, tiorbas (=laúdes grandes)
 Se empiezan a utilizar agrupaciones instrumentales
 Los oratorios suelen tener una orquesta muy potente.
 Mucha presencia rítmica (contrasta con recitativos de
ópera, que son libres)
 La orquesta es un bloque
TRATAMIENTO VOCAL
 Las arias de los oratorios no tienen muchos adornos (es
más sobrio por ser religioso).
 Aria da capo.
 Disonancias, Cromatismos, Coloraturas
 Contrastes en ritmos, tempos, melodías y sonidos
(policoralismo y estilo concertato)
ARMONÍA
 Se consolida definitivamente la tonalidad.
 Abandono progresivo del temperamento natural y
adopción del temperamento igual.
 Nace una “nueva armonía” (práctica común). El lugar
donde se muestra es en el bajo continuo que utiliza el bajo
cifrado que muestra las claves de la armonía implícita.
 La creación de una textura completa a partir del bajo se le
llama realización.
 Introducción de la disonancia = uso de la 7ª.
 Monodia acompañada
 Cuando modula, lo hace a tonalidades cercanas.
 Empleo de adornos, apoyaturas, trinos, ostinatos,
concitatos.
 Ritmo armónico va más rápido.
 Arias de ópera: muy adornadas.
MELODÍA
 Dos tendencias: partidarios del contrapunto y sus
detractores = la melodía debía ser lo principal (y el canto lo
más puro y natural).
 El nacimiento de la ópera potencia el sentimiento
melódico.
 La aparición de forma instrumental con acompañamiento
= jerarquización hacia aquellos instrumentos que realizan
la melodía.
RITMO
 Aparición de dos polos opuestos: ritmo libre (en óperas,
cantatas, oratorios y pasiones) y ritmo mecánico (en el
Barroco tardío, en música instrumental).
Monteverdi, Peri, Caccini, Landi, Rossi, Cavalli, Lully, Purcell,
Zeno, Scarlatti, Pergolessi, Willaert, Merulo, Gabrieli, Schütz,
Carissimi, J.S. Bach, Telemann, Girolamo, Frescobaldi,
Arcangelo Corelli, Torelli, Antonio Vivaldi, Domenico Scarlatti,
Denis Gaultier, Francois Couperin, Jean Philippe Rameau,
Scheidt, Johann Sebastian Bach, Henry Purcell, Haendel,
PRECLASICISMO
ESTILO GALANTE O ROCOCÓ
Surge en contraposición al contrapunto y busca distraer, recrear y
entretener evitando todas las emociones fuertes. Se considera fácil de
oír, frívolo y delicado, por eso se producen las repeticiones: en óperas se
hacen cientos de representaciones, mientras que el resto se representan
una vez y ya.
Características:
Textura ligera: vertical, homofónica.
Línea del bajo actúa como un simple soporte armónico para la voz
superior.
Melodías y temas diminutos se repiten mucho.
Obras de corta duración.
Cadencias frecuentes
Abundancia de adornos.
Armonía sencilla y pobre (I-IV-V).
Busca la belleza.
Lenguaje natural, amable, buen gusto.
Instrumento característico: el clavicémbalo
EMPFINDSAMER STIL O EMPFINDSAMKEIT
Mediados del XVIII en Alemania. Estilo de la sensibilidad o estilo
sensitivo. En él, la emoción se valora por encima de cualquier otra
consideración. Aspira al clima sentimental, a la atmósfera y a la emoción.
Se asocia a la burguesía y a las clases medias y supone la búsqueda de
expresión directa, natural y subjetiva de las emociones
Características:
 Textura más clara y con melodías periódicas, más estructuradas y
cuadriculadas, con repeticiones.
 Abundante cromatismo tanto melódico como armónico.
 Lenguaje refinado, adornado, expresivo.
 Tono amable y de aspecto ceremonioso.
 Utilizaron procedimientos contrapuntísticos del Barroco, de manera
desenfadada.
 Melodías más largas. Cadencia final, con doble apoyatura.
 En sus sonatas: estilo vocal y recitativo instrumental.
 Movimientos lentos en las sonatas que reclaman matices:
tranquilamente, inocentemente, con tenerezza, amoroso.
 Normalmente para teclado (Clavicordio)
STURM UND DRANG (PROTORROMANTICISMO)
Relacionado con el anterior, pero más contundente.
Corresponde al movimiento literario alemán entre 1770 – 1780.
Se rebela contra el racionalismo a las imposiciones personales.
Busca que el espectador sienta la emoción.
Suele ser para música instrumental.
Las características provienen del rechazo que marca Gluck: pulso rápido,
excitación, extravagancia inventiva, tonalidad menor y virtuosismo.
Autores: Haydn (Sinfonías 44 y 45), Bocherini , Mozart, Clementi..
ESCUELAS ORQUESTALES: MANNHEIM y MILÁN
Ambas escuelas son muy parecidas, pero la de Mannheim es más
atrevida. Características de las dos:
Dominio de la melodía, Ordenación de compases, Temática, variable
contrastante (afectos), reexposiciones, Orquesta clásica.
Características de Mannheim:
La intensidad exagerada, Crescendo contrastante, escritura
independiente de instrumentos de viento pero no como solistas, La
búsqueda del color, adición del Minuetto en el tercer lugar de la
Sinfonía, presencia del Clarinete.
C.P.E. Bach, Stamitz e Hijos, Monn, Wagenseil, Sammartini, Scarlatti,
Platti, Paradisi, Gallupi, Rutini, Schobert, J.C. Bach, Hasse, Graun, Piccini,
Paisiello, Philidor, Grétry, Cherubini, Rameau, Pergolesi, Hasse, Gluck,
Sacchini, Salieri, Hiller, Dittesdorf, Arne, Ramón de la Cruz.
CLASICISMO
ORQUESTACIÓN:
 Consonancias, todos los timbres unificados.
 Los violines, por ejemplo, tocan las mismas melodías
que las flautas.
 El viento suele doblar a las cuerdas (Beethoven
empieza a utilizar los vientos como independientes).
 Poco viento: no metal.
TRATAMIENTO VOCAL
 Gluck: tras reforma (con Alceste), se posiciona con el
texto (éste se tiene que entender= más silábico): no
hay ornamentaciones ni florituras → vuelve a lo
antiguo. Los coros homofónicos.
 Mozart: más virtuosismo en las voces. Utiliza los
crescendos de Mannheim; Sturm und Drang en La
Flauta Mágica; más recursos orquestales que Gluck.
Para Mozart, la música es más importante
ARMONÍA
 Desaparece la técnica del bajo continuo.
 La armonía se integra en la textura, rigiendo la
composición.
 Las modulaciones preferidas fueron tónica-dominante
y relativo menor-mayor (en la base de la forma
sonata).
 Mucha presencia armónica. Es la época de la 7ª de
dominante.
 Relación entre tonalidades
 Melodía acompañada
 Tema expuesto en 8 compases (cuadratura)
 Lo más importante: estructuración melódica
guardando proporciones y simetría.
 Melodías sencillas, claras, bonitas.
 El ritmo armónico va más lento.
MELODÍA
 Abandono de la posibilidad de riqueza melódica que
implicaba el uso de los modos gregorianos.

Época de la frase clásica y su estructuración en grupos
de ocho compases, equilibrada y en ámbito medio.
Mozart, Haydn, Beethoven
Pianoforte: el clave fue el preferido hasta 1770; pero el
pianoforte = más volumen, más posibilidades de cambios
dinámicos (el clave proporcionaba claridad
contrapuntística, el piano, sutileza dinámica). Había dos
tipos: vieneses e ingleses → base del sonido percusivo y
aterciopelado del piano.
Desarrollo de la Orquesta: proceso de estandarización
que afecta a diversos tipos de instrumentos: el grupo del
violín → núcleo de la orquesta en el Barroco. En el
Clasicismo → importancia hacia flautas y oboes. La
sección de la cuerda aumenta: 6v1, 6v2, 2 violas, 2 chelos,
1 contrabajo; también por influencia de mecenas que
mantienen la orquesta. Respecto a percusión → timbales.
Agrupaciones de cámara: el cuarteto de cuerda, que
surge a partir de la sonata-trío del Barroco.
ROMANTICISMO
ORQUESTACIÓN
 Abunda el viento.
 Orquesta más rica = más instrumentos tocando a la
vez 2 melodías distintas.
 Mayor independencia de instrumentos de viento.
 En piano se toca en todo el registro.
 Surge música programática → poemas sinfónicos.
 Uso del flautín
TRATAMIENTO VOCAL
 Hay más voces.
 Cambia la interpretación → en función del
sentimiento y expresión.
 Coros + dúos indica que es un final.
 Coros: vuelta a E.M.
ARMONÍA
. Conexión de acordes anteriormente considerados
poco relacionados unos con otros.
. Añadido de notas extrañas durante la mayor parte
de la duración del acorde.
. Empleo más habitual de acordes disonantes que
tríadas.
. Uso de notas cromáticas con mayor frecuencia.
. Movimiento rápido de una tonalidad a otra sin
establecer con firmeza ninguna de las tonalidades
de paso.
. Interés primordial en conseguir efectos armónicos
inauditos.
. El cromatismo fue una importante aportación.
. Temas más largos, melodías más extensas.
. Estructuración similar al Clasicismo pero con
melodías más largas.
. No se resuelve tanto, no tiene cadencias
constantes, no hay casi cadencias perfectas.
. Disonancias sin resolver
MELODÍA
 Melodías virtuosísticas, muy adornadas.
 Sigue el concepto clásico pero el contrapunto
cobra interés.
 Diversidad tímbrica permite que las melodías
del XIX tengan mayor variedad.
 Melodías con mayor ámbito y de larga duración.
 Con modulaciones constantes que derivarán
hacia la atonalidad.
 Se buscará la originalidad: se busca la ruptura
con lo anterior.
 Surgen conceptos como melodía infinita o
melodías difusas.
Beethoven, Schubert, Chopin, Mendelssohn, Liszt,
Schumann, Brahms, Bruckner, Mahler, Strauss,
Rossini, Bellini, Donizetti, Verdi, Puccini, Meyerbeer,
Berlioz, Gounod, Bizet, Offenbach, Weber, Wagner,
Wolf, Mahler, Strauss
 SIGLO XX
 Abunda la percusión de todo tipo. ARMONÍA percusión → gran impulso, se convierten en solistas (timbales, cajas, platillo, celesta, claves...); cuerdas: perdió papel de “alma de la
 Tratamiento individualizado de los instrumentos. Cada uno tiene entidad . Uso de escalas modales y armonía modal. orquesta”, preferencia por viento pero los menos emblemáticos (como la trompeta). Nuevos recursos orquestales: exploración →
propia. . Relaciones tonales lejanas. investigando registros extremos, nuevos efectos (sul ponticelo, glissandos del trombón, frullatos de la flauta, cluster del piano, trémolos,
 La música orquestal de esta época → destacan los rusos. . Revalorización del contrapunto. susurros... → años 60 = eclecticismo musical; cualquier instrumento se podía integrar; instrumentos eléctricos → música concreta y
 Orquestación muy rica: tratamiento solístico de instrumentos. . Sonoridades verticales independientes. electrónica (= sonidos producidos por generadores electroacústicos); agrupaciones instrumentales (muy diversas; no se ajusta a moldes
 Cuando el sólo del piano parece improvisado. . Nuevas definiciones de tonalidad: pantonalidad o tonalidad de notas establecidos).
 Trompeta con sordina (parece una gaita). Uso de trombones blancas.
 . Politonalidad: utilización simultánea de dos o más tonalidades.
ESTILOS DE FINALES DEL XIX Y PRINCIPIOS DEL XX
POSTROMANTICISMO EXPRESIONISMO NACIONALISMO IMPRESIONISMO
Continuación postulados planteados  Parte del Romanticismo  Se desarrolla generalmente en la ópera  Disolución de la melodía (melodía poco nítida).
por Wagner = cromatismo y  Ausencia de formas definidas  Basada en melodías, ritmos y armonías lejanas a sensibilidad culta occidental.  Al romper con desarrollo temático: las células se repiten (ABA)
alejamiento de polos tonales.  Uso continuo de disonancia  Incorpora colorido instrumental rico y exótico  Orquesta con arpas que hacen glissandos evocadores, arpegios.
Punto de agotamiento del  Melodía con muchos saltos, hiperexpresiva y ajena a lógica de la Rusia: Glinka, Dargomizsky, Balakirev, Cui, Borodin, Rimsky-Korsakov, Mussorgski,  Pedal para prolongar y mezclar
Romanticismo → conducción hacia armonía Tchaikovski, Glazunov, Stravinsky, Scriabin, Rachmaninov.  Flautas con pasajes de gran virtuosismo
atonalidad.  Registros extremos de los instrumentos. Bohemia: Smetana, Dvorák, Janácek  Los acordes = unidades sonoras dentro de una frase.
Melodías infinitas.  Rechazo de sentido romántico de belleza. Hungría: Bela Bartók, Kodály
Más percusión.  Gusto por efectos violentos. Noruega: Grieg
 Parte de cromatismos de Tristán e Isolda. Finlandia: Sibelius Gabriel Fauré, Claude Debussy, Maurice Ravel, Paul Dukas, Karol Zymanowski, Janaceck,
Inglaterra: Vaughan Williams Falla y Turina
Mahler, Strauss, Bruckner. Schoenberg EEUU: Charles Ives, Gershwing, Copland

MÚSICA EN EL SIGLO XX HASTA LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL

LA SEGUNDA ESCUELA DE VIENA: DODECAFONISMO NEOCLASICISMO FUTURISMO
Atonalidad: niega → atracción y supremacía de la tónica; diferenciación y jerarquización de grados; dualismo  Supone una reacción contra el lirismo: rechazo a la emoción, al cromatismo, a la  Ruidos, Sirenas, Motor
consonancia-disonancia; leyes cadenciales y relación de acordes. escritura de Wagner.  Escalas microtonales y combinaciones polirrítmicas, atonalidad, enarmonía y ritmo
Antonalidad: postula → abolición de polaridad tonal; equivalencia de 12 semitonos de escala cromática; rechazo  Gusto marcado por la jovialidad, gracia, música pura. libre, introducción de los sonidos de la multitud, de sus grandes fábricas, de los trenes,
del dualismo; abolición de cadencias, autonomía de acordes.  Regreso a las formas antiguas: fugas, danzas, concertó grosso. coches, aviones.
Schoenberg, Alban Berg y Anton Webern, Wellesz, Skalkkotas, Gerhard, Krenek, Apostel, Jelinek, Stravinsky.  Se toman modelos de obras de otros autores como Bach, Haendel, Pergolessi o
REALISMO SOCIALISTA LOS NUEVOS NACIONALISMOS (SXX) Vivaldi. EXPERIMENTALISMO
. Música debe tener contenido, . Nacionalismo más intenso y radical que el del XIX.  Escritura simple y desnuda: disonancias y discreto cromatismo.  Ausencia de elementos convencionales de la música.
retratar la realidad.  Supone un lenguaje moderno con moldes clásicos.  Experimentos sobre el 4º de tono.
. Recopilación folclore.
. Condena formalismo burgués y  Parece clasicismo pero la orquesta es como del XX. Uso de corneta  Cita musical =mezcla de materiales musicales conocidos; distorsionados.
. Etnomusicología = estudio música popular tomándola tal como es.
occidental.  Influencias de futurismo: presencia de espíritu urbano.
Shostakovich, Profofiev, Béla Bartok, Zoltan Kodaly, Villalobos, Carlos Chavez Stravinsky, El Grupo de los Seis: Honegger, Milhaud, Durey, Poulenc, Tailleferre, Auric, Charles Ives (cita musical), Henry Cowell (racimo de notas, elemento acumulativo), Edgar
Katchaturian Hindemith, Dallapicola, Malipiero, Casella, Britten, Bela Bartok, Falla, Prokofiev Varése (sirenas, motor, no melodía)
LA MÚSICA DESPUÉS DE LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL
MÚSICA CONCRETA SERIALISMO MÚSICA ELECTROACÚSTICA
 nace con voluntad provocadora, buscando escándalo y denuncia de la realidad; sustituye instrumentos artísticos  Genera sus propios materiales sonoros . Sintetizador (Moog)=máquina que combina sonidos puramente electrónicos.. Dos tipos
por objetos de la vida cotidiana.  génesis de los sonidos electrónicos más compleja que la manipulación, los primeros procedimientos: 1. Síntesis permite crear sonidos complejos a partir de sonidos simples o
 Usa cinta magnetofónica para grabar y recomponer sonidos extraídos de fuentes extramusicales (naturaleza, estudios no disponían de medios para la síntesis del sonido (se solucionará con el sinusoidales. Análisis menos complejo, mediante filtración. Se requiere de aparatos:
industria, ciudad) sintetizador); el campo de la génesis y síntesis de sonidos era muy vasto. sintetizador= laboratorio de sonido pequeño, permite poner en juego todas las técnicas
 Se manipulan en un laboratorio dando lugar a nuevos sonidos mediante superposición de cintas o grabándose  Se usaban alturas expresadas en Hz. También se indicaban otros parámetros como de elaboración de sonido; ordenador= no instrumento productor pero muy útil para la
simultáneamente. duración, volumen, ataque. Proceso muy laborioso. síntesis del sonido. Permite especificar los parámetros de un sonido de forma digital.
 2 formas de tratamiento: Manipulación de cintas (cambiar la velocidad, invertir la dirección de la cinta, cortar y
combinar cintas ocasionando sonidos nuevos, anillos de cintas que produce que el sonido resultante suene El primer estudio fundado por Eimer en Radio de Colonia. Stockhausen Más tarde Fundación del Instituto Electroacústico de Gravesano. También Columbia Princeton
como bajo ostinato, superposición de sonidos, grabación en muchas pistas llevándolos a cinta maestra que dé Estudio de Fonología en Milán: Luciano Berio. También en este estudio John Cage y Music Center de NY → Babbit (Composición para sintetizador y Philomel); Berio
equilibrio definitivo, esteorofonía = reproduce el sonido mediante altavoces dirigidos al oyente; cuadrafonía = 4 Maderna. También Estudios en Londres, Tokio y Estocolmo; también vinculados a la (Momenti). Ligeti (Pieza electrónica I, II y III) y Nono (La fabrica iluminata)
altavoces, con 4 canales de sonido); Modificaciones electróniccas (filtración, reverberación y modulación en Universidad o Privados: en NY John Cage
anillas).
MÚSICA ALEATORIA MÚSICA ESTOCÁSTICA MÚSICA TEXTURAL
Shaeffer y Pierre Henry En 1951 se constituyó formalmente el estudio en el Grupo de Música Concreta (Messiaen,
Uso intencionado del azar en Xenaquis mostró preferencia por bloques de Finales de 50: abandono serialismo renovándose el interés por aspectos sensuales del
Varése, Stockhausen Boulez). Americanos prefirieron la manipulación de sonidos procedentes de instrumentos
composición e interpretación. sonidos. Ayudante de Le Corbusier: acopló sonido: textura, color y efectos dramáticos.
convencionales y voz humana; los europeos sonidos procedentes de otras fuentes.
Década de los 50. ciertos tipos de cálculos matemáticos a diseños Se evolucionó desde el puntillismo que desplegaba la obra desde la nota individual a la
visuales para sus proyectos. Se interesó por composición en grupo que daba más importancia a segmentos musicales más amplios
SERIALISMO INTEGRAL
John Cage, Feldman, Earle analogías entre música y arquitectura; buscó (conjuntos).
. Manera de componer basándose en permutación de elementos de un grupo colocados en cierto orden o serie
Brown, Stockhausen, Lutoslawski causa apropiada en efectos sonoros → ley de los
(dodecafonismo = serialismo de 12 sonidos de la escala cromática); pero también series con menos notas, cuartos
números largos = música estocástica= música que
de tono, otros parámetros como intensidad, duración, timbre. Cuando es simultánea = serialismo integral. Las
se dirige a un fin determinado pero que es Stockhausen, Penderecki, Ligeti
diferentes series pueden concebirse independientemente o derivarse de una única. Se debe acudir a criterios
indeterminada en sus detalles.
racionales; la sensación de casualidad puede ocasionarse porque la obra es atemática, carece de sentido de
progresión de ritmo o hacia un clímax.
Oliver messiaen, Pierre Boulez, Stockhausen, Babbit, Stravinsky