CULTURA AUDIOVISUAL II
INTRODUCCIÓN
Al abordar la composición
atendemos al modo en que se
organizan los distintos
elementos visuales de la imagen,
para provocar un determinado
efecto y un sentido determinado
de conjunto.
En la publicidad tenemos
imágenes compuestas,
construidas y no accidentales. En
estas imágenes construidas los
elementos visuales y su
disposición guardan relaciones
precisas y diferenciadas entre sí.
De este modo, los límites de la
imagen están cerrados. No llevan
nuestra mirada, como hacen las
imágenes accidéntales, más allá
de los límites de la imagen.
CLARIDAD
SIMPLICIDAD
A nivel compositivo una imagen
clara o simple huye de la
ambigüedad y de la confusión
en la disposición de los
elementos visuales.
La simplicidad impone su carácter
directo y simple de la forma
elemental. Libre de
complicaciones o elaboraciones
secundarias.
La complejidad implica una
complicación visual debido a la
presencia de numerosos
elementos que dan lugar a un
difícil proceso de organización
del significado.
PESO
El peso visual hace referencia a la
fuerza, a la capacidad de
atracción de un elemento en la
composición.
La posición de los elementos
determinará su peso. La
superficie de una imagen está
jerarquizada, existiendo unas
zonas de más peso visual que
otras. La parte superior de una
imagen pesa más que la inferior,
lo mismo sucede con la derecha
respecto a la izquierda. Por eso
tanto las zonas superiores como
las de la derecha necesitan
menores dimensiones reales para
ser percibidos como semejantes
y transmitir la sensación de
equilibrio.
También, a mayor tamaño del
objeto, mayor peso visual (los
objetos pequeños pueden pasar
desapercibidos, especialmente
en imágenes en movimiento. De
ahí que se utilicen planos detalle
para presentar objetos que tienen
importancia para la comprensión
de la narración visual.
REGULARIDAD
IRREGULARIDAD
La regularidad en la composición
consiste en favorecer la
uniformidad de elementos, el
desarrollo de un orden preciso.
Elementos visuales ordenados,
en ocasiones que se repiten
alineados o siguiendo un patrón.
La irregularidad realza lo
inesperado.
ANÁLISIS DE IMAGEN COMPOSICIÓN
DIRECCIÓN
Entre los diferentes elementos
que conforman la composición
se generan lineas de lectura.
Priman los elementos con
mayor pesos visual en la
generación de esas lineas y en
la prioridad de unas sobre otras.
Las líneas que convergen en un
motivo le dotan de peso,
especialmente si el motivo está
situado a la izquierda de la
imagen, ya que la atención se
detiene con más facilidad
mientras que si se sitúa a la
derecha del cuadro, la
tendencia es a continuar la
exploración saliendo del cuadro
por la derecha.
Un objeto de gran tamaño
centrado puede ser
contrapesado por otros más
pequeños descentrados.
Un objeto grande de tono claro
es contrapesado por un objeto
pequeño de tono oscuro y más
si éste se sitúa en la
parte superior del encuadre, a
la derecha y en profundidad. 
UNIDAD
FRAGMENTACIÓN
La unidad es un conjunto
equilibrado de elementos
visuales perceptibles como un
todo. Mientras la
fragmentación es la
descomposición de los
elementos en piezas separadas
que se relacionan entre sí pero
que conservan su carácter
individual.
EQUILIBRIO
El equilibrio puede
conseguirse con una
composición estática
caracterizada por la simetría,
la repetición de elementos o
series, o la organización del
espacio en unidades
regulares. El equilibrio no
siempre significa simetría
perfecta. Al contrario se
puede generar equilibrio en
una composición dinámica a
través de contrapesos y
reglas. Muchas de las reglas
de la composición existen
para generar equilibrio – la
regla de los tercios, el
triángulo de oro/rectángulo/
espiral. Pueden ser usados
para generar un equilibrio
mayor que utilizando una
composición centrada -y
alguna veces funciona mejor…
Frente al equilibrio
encontramos la inestabilidad
que da lugar a formulaciones
visuales más inquietantes.
PROFUNDIDAD
PLANA
La profundidad recurre al uso
de la perspectiva, mientras
una imagen plana prescinde
de ella.
TERCIOS
Uno de los métodos más
empleados para crear
composiciones dinámicas es
el llamado Rectángulo de
Tercios. Las zonas de mayor
atracción o peso visual,
manteniendo el equilibrio
dinámico de la composición,
se situarían sobre estas líneas
y en especial sobre los puntos
centrales de la intersección,
llamados puntos de fuerza.
El Rectángulo de Tercios, que
divide en tercios los lados de
un rectángulo. Las zonas de
mayor atracción o peso visual,
manteniendo el equilibrio
dinámico de la composición,
se situarían sobre estas líneas
y en especial sobre los puntos
centrales de la intersección,
llamados puntos de fuerza.
ARMONÍA
CONTRASTE
Atendiendo a la relación que
se establece entre los
elementos de una
composición, ésta puede
responder a la armonía o al
contraste. Imágenes
equilibradas, con elementos
que tienen correspondencia
frente a elementos que
contrastas.
SIMETRÍA
La simetría en una imagen
crea equilibrio. Las simetría
trabaja con formulaciones
totalmente resueltas en las
que cada elemento que se
sitúa a un lado del eje de
simetría o punto corresponde
exactamente con otro del lado
contrario. La composición
simétrica puede ser aburrida,
así que para el creador es un
problema ya que tiene que
encontrar la manera de
remediar esto haciendo
imágenes más dinámicas.
El equilibrio asimétrico es más
difícil de conseguir porque
requiere el ajuste de muchas
fuerzas y pesos visuales.
Resulta interesante y rico en
su variedad y dinamismo.
CIERRE
Recuerda introducir en el
desarrollo connotativo un
apartado específico sobre
cómo interviene la
composición en la creación
del significado de la imagen
(Por ejemplo, el elemento con
mayor peso visual es el
significante clave, ente este y
el legan que ancla ese
significado se abre una linea
de lectura).
CULTURA AUDIOVISUAL II
Las imágenes pueden tener un significado claro y preciso que puede señalarse en una lectura denotativa pero, sobre todo, una lectura connotativa nos permite desvelar la
dimensión más profunda y compleja de sus posibles significados.
VALORES DE SIGNIFICADO
Descubrir connotaciones
significativas y valores simbólicos
requiere un tiempo prolongado
de observación y meditación para
sopesar qué pretenden los
dispositivos formales y los valores
expresivos (por ejemplo, las
imágenes que pretenden
concienciar de una situación
injusta o peligrosa parece lógico
que presenten una expresividad
dramática o unas que sólo
quieren entretener de forma
divertida presenten una
expresividad alegre) y estéticos
de las imágenes (podemos decir
de una imagen que tiene una
belleza clásica o que resulta
original por su rareza. También
se puede hablar de estética
realista, estética picassiana o
estética expresionista, tres de los
muchos ejemplos que pueden
darse).
Señalar los valores de significado
implica descubrir el tema o los
temas principales y secundarios y
en qué sentido se exponen.
PRESUNCIÓN DE
RELEVANCIA
La publicidad nos habla de la
importancia de unos productos
que tienen poca importancia. Los
anuncios aplican la “presunción
de relevancia” que les permite
hablar de la necesidad de los
productos como un factor clave
para cambiar nuestra vida. La
“presunción de relevancia”
también se extiende a los
variados elementos que se
conectan en un anuncio. Por
ejemplo se utiliza la equivalencia,
así, personajes como Picasso son
utilizados para vender cualquier
producto de consumo.
Identificando la creatividad y el
talento del artista con el bien de
consumo.
ESTEREOTIPOS
Con estereotipo designamos la
idea simplificada y comúnmente
admitida que se tiene acerca e
alguien o algo, presentándolo
como modelo de comportamiento
o interpretación de la realidad.
Los medios de comunicación, y
particularmente la publicidad,
hacen uso abundante de los
mismos, contribuyendo a su
difusión entre la sociedad. ¿Por
qué? Sencillamente: les facilita las
cosas; informar, vender,
convencer, entretener,… Da lo
mismo. Las consecuencias
negativas de esta práctica son
innumerables: desinformación,
visión simplista de la sociedad y
sus problemas, degradación de
los más indefensos,…
En ocasiones los estereotipos
asociados a determinados
productos son tan fuertes que
aquellas marcas que quedan
fuera de lo establecido por los
estereotipos dominantes tienen
que hacerse un sitio recurriendo
a la crítica de los mismos para
conseguirlo.
DIFERENCIAS
De la misma forma que los
anuncios construyen una
equivalencia entre objetos,
figuras y calidades, también
indican relaciones de diferencia y
oposición de otros productos. Las
compañías diferencian sus
productos de los de sus
competidores. Coca Cola y Pepsi
han gastado millones para
diferenciarse una de otra marca.
ANÁLISIS DE IMAGEN CONNOTACIÓN
SUBJETIVACIÓN
En una sociedad de consumo,
nuestras subjetividades están
mediadas y construidas en
parte a través de nuestro
consumo y uso de mercancías.
La publicidad anima a los
consumidores a pensar en las
mercancías como medios a
través de los que se construyen
nuestras personalidades. Si
bien se puede pensar que la
función de la publicidad es la de
vender productos, esto es, el
consumidor ve un anuncio y es
persuadido a comprar el
producto, la publicidad va más
allá, se esfuerza en particular en
un camino más indirecto, el de
vender estilos de vida e
identificación con las marcas.
Las imágenes publicitarias
interpelan al espectador de
modo particular. Nos habla
directamente a través de la
interpelación a un “tu”,
intentando convencer a cada
individuo de que es único y
distinto. La cultura de consumo
vende una forma de
homogeneización mientras
proclama que producirá
individualidad.
TEXTO E IMAGEN
Los textos tienen un importante
efecto al establecer el
significado de un anuncio
pueden cambiar el significado
de la imagen presentada. Esto
es particularmente efectivo en
anuncios que intentan
sorprender y en anuncios de
servicio público.
LA VIDA MODERNA
El nacimiento de la
experiencia de la vida urbana
fue caracterizado por una
nueva sensación, la de
permanecer en medio de una
multitud, la de estar rodeado
por extraños que nunca
conocerán. En ese contexto
moderno podemos subrayar
un importante aspecto de las
sociedades de consumo: la
fuente de conceptos como el
de identidad, están
constituidos en escenarios
más amplios de los que solían.
En este sentido, algunos
teóricos han llegado a
argumentar que la publicidad
ha devenido en fuente
principal de valores culturales.
La publicidad vende a la par
conceptos de pertenencia (a
una comunidad, nación,
familia, clase, etc.) y diferencia
(de otros). Cuando la
publicidad nos invita a
consumir signos, enlazan sus
productos a conceptos como
nación, familia, comunidad,
juventud, etc.
DESEO
Todos los anuncios hablan el
lenguaje de la transformación.
Dicen a los consumidores que
sus productos cambiarán sus
vidas para bien, si los
compras. Al hablar al público
sobre cambios, siempre se
interpela al espectador como
si éste estuviera insatisfecho y
se muestran productos que
pueden aliviar esa
insatisfacción.
Frecuentemente hacen esto
presentando figuras que el
consumidor puede envidiar o
desear emular. Esta idea es
central en la publicidad, así en
el uso de celebridades o en el
uso de modelos que parecen
felices y satisfechos.
TIEMPO FUTURO
La publicidad habla a menudo
“el lenguaje del futuro”. A
menudo, los anuncios nos
presentan imágenes sobre
“cosas deseadas”, gente
envidiada, y de cómo la vida
que podría ser “tras la
compra”. Una de las
estrategias centrales de los
publicistas consiste en invitar
a los espectadores/
consumidores a imaginarse
ellos mismos dentro del
mundo del anuncio. Un mundo
que funciona en un lugar
potencial situado no en el
presente sino en un futuro
imaginario, relacionado con la
promesa al consumidor de las
cosas que va a tener, el estilo
de vida del que va a tomar
parte. Cuando John Berger
escribió que la publicidad está
siempre situada en el futuro,
se refería al modo en que el
presente es representado en
la publicidad está siempre
situada en el futuro, se refería
al modo en que el presente es
representado en la publicidad
como una “carencia” de algún
tipo, un “vacío” que el público
tiene que llenar.
IMÁGENES CONSTRUIDAS
El mundo envidiable de la
publicidad es presentado
como una fantasía de los que
sus vidas podrían ser, una vez
transformadas por el
consumo. Muchos cuerpos
que aparecen en la publicidad
parecen perfectos, y la
publicidad nos dice que se
pueden conseguir a través del
consumo, cuando son el
resultado de la construcción
digital de esas imágenes. Sin
embargo esas imágenes
retienen el poder de la
fotografía de trasmitir la idea
de que representan con
verdad.
SOCIEDAD DE CONSUMO
La publicidad es un elemento
fundamental de las
sociedades de consumo. En
nuestro sistema económico, la
publicidad desempeña su
papel, por ejemplo,
promoviendo el intercambio
de todo tipo de productos.
Recuerda como las
sociedades de consumo
emergieron en el contexto de
la modernidad en el tránsito
del siglo XIX al XX, con el
crecimiento de la producción
de masas, con el desarrollo
industrial, con la consolidación
de la población agrupada en
grandes núcleos urbanos, etc.
Una sociedad de consumo es
una en que los individuos se
enfrentan a una enorme
cantidad de mercancías, y en
la que las características de
esos bienes cambian
constantemente. En una
sociedad de consumo hay una
demanda constante de
nuevos productos y una
necesidad de re-empaquetar
constantemente los viejos
productos con nuevos slogan
y campañas.
MARCAS
El papel de las marcas en la
cultura de consumo es
fundamental. Las marcas y
logos construyen la identidad
no solo de los bienes y las
corporaciones, también de la
gente que se apropia de esos
significados de los productos
para un estilo o aspecto de
ellos mismos o de su cultura.
Un ejemplo el signo de Nike
como marca significa no sólo
de porte si no también un tipo
de cultura juvenil urbana a la
que otros distantes de sus tipo
de cultura querían verse
asociados.
CULTURA AUDIOVISUAL II
DESARROLLO
- IDEA Y DESARROLLO (INICIO DEL
PROCESO CREATIVO CON LA IDEA Y
BÚSQUEDA DE FINANCIACIÓN)
- IDEA (DE MÚLTIPLES ORÍGENES) Y
DESARROLLO DEL GUIÓN
- PRESUPUESTO PREVENTIVO Y PLAN
DE FINANCIACIÓN
- LUZ VERDE (CONSEGUIDA LA
FINANCIACIÓN EL PRODUCTOR
IMPLEMENTA EL PROYECTO)
Esta primera etapa es una de las más
importantes, pues es sobre la que se
asienta el resto del proyecto. Por decirlo
de alguna forma, son los cimientos de la
casa. Si no son firmes y llevan un buen
trabajo detrás, es posible que todo el
proyecto posterior se tambalee. Dentro
de esta fase se engloba la búsqueda y
creación de ideas, la documentación y la
redacción del guion. El guión, aunque no
sea el definitivo, sirve como esbozo del
resultado final esperado.
A la par que se desarrolla la idea se
busca financiación para el proyecto. Se
realiza un presupuesto preventivo y el
plan de financiación, Este documento,
además de presentar una relación de las
fuentes con el importe de cada una de
ellas sirve además para determinar la
inversión del productor.
En esta fase, a pesar del trabajo y los
gastos realizados alrededor del proyecto,
no siempre hay una decisión firme de
rodar una película. Las cantidades
gastadas son escasas en comparación
con las inversiones necesarias para la
producción.
El verdadero arranque es la luz verde
dada por el máximo responsable de la
productora: el Productor, el Presidente
del Estudio …
FASES DE PRODUCCIÓN DE UN AUDIOVISUAL
PREPRODUCCIÓN
- PREPRODUCCIÓN (TRAS LA LUZ
VERDE COMIENZA LA
PREPRODUCCIÓN PROPIAMENTE
DICHA)
- FINALIZACIÓN DEL GUIÓN
LITERARIO
- GUIÓN TÉCNICO, STORY BOARD,
DESGLOSES
- FORMACIÓN DE EQUIPOS Y
CASTING
- LOCALIZACIÓNES
- PLAN DE TRABAJO (DETALLE DE
TODAS LAS ACTIVIDADES QUE SE
REALIZARÁN DURANTE EL RODAJE)
En esta segunda etapa de la
producción se prepara todo aquello
necesario para comenzar con la
fil m a c i ó n : p e r s o n a l , a c t o r e s ,
escenarios, set de grabación, etcétera.
Este proceso puede ser largo y
costoso, ya que se deben realizar
varios castings, conseguir permisos de
filmación y contratar a mucho personal,
entre otras actividades necesarias.
Se culmina el guión literario, este se
traslada a un guión técnico y a un
guión gráfico o storyboard. Se realizan
los desgloses con todos os
preparativos de cada equipo en la
producción. Finalmente se prepara el
plan de trabajo en el que figurará el
detalle de todo lo que se va a
desarrollar en el rodaje.
Otras actividades de este periodo,
pasan por cerrar localizaciones,
preparar escenarios, atrezo, vestuarios,
realizar lecturas de guión y ensayos, o
coordinar equipos.
PRODUCCIÓN
- RODAJE (FILMACIÓN CON TODOS - POSTPRODUCCIÓN DE IMAGEN
LOS EQUIPOS DESARROLLANDO
EL PLAN DE TRABAJO)
- PREPARACIÓN DEL SET DE
RODAJE CON CADA EQUIPO EN
SUS FUNCIONES
- FILMACIÓN DE LAS TOMAS
- VISIONADO DE LAS TOMAS
FILMADAS.
En esta tercera fase ya se empieza a
filmar el largometraje que verás
después; es lo que conocemos
popularmente como rodaje. Aquí
todo el equipo debe trabajar al 100%
y poner su esfuerzo y coordinación
para que la grabación salga bien. Es
también una de las etapas más
importantes y costosas porque,
realmente, es cuando todo empieza a
volverse realidad y tangible. Supone
emplear muchísimas horas de
trabajo, tomas y esfuerzo dedicado,
pues es donde se combinan los
elementos y se ponen en acción, de
modo que todo el trabajo hecho con
anterioridad empieza a tomar forma.
Después de la jornada de rodaje
diaria es habitual acudir al laboratorio
para visionar los rushes o tomas
buenas filmadas el día anterior, en
algunos casos con sonido
sincronizado. Un decorado no se
deshace hasta que no se ha
comprobado que las tomas son
válidas.
POSTPRODUCCIÓN
(MONTAJE, EFECTOS VISUALES,
ETALONAJE, CREACIÓN DE
TÍTULOS)
- POSTPRODUCCIÓN DE SONIDO
(MÚSICA INCIDENTAL, EFECTOS
DE SONIDO, FOLEY, GRABACIÓN
DE VOCES, SUMA DE PISTAS,
ECUALIZACIÓN)
- COPIA 0 (JUICIO DE LOS
RESPONSABLES DE EQUIPOS)
- INTERNEGATIVO (PARA REALIZAR
LAS COPIAS DE DISTRIBUCIÓN)
Esta etapa, casi llegando al final del
proceso, es en la que se pulen todos
los detalles. Se realiza la edición del
material en bruto obtenido en las
filmaciones. Se realiza el montaje, se
recortan, se escogen escenas, se
editan, etcétera. También puede ser
una etapa larga y laboriosa, en la que
se dedican muchas horas y se deben
tomar variadas decisiones.
En la etapa de postproducción se
edita la película, los diálogos y el
sonido; se componen y se graban las
pistas de música y las canciones y se
crean y graban los efectos de
sonido, etcétera. Los efectos
visuales digitales también se añaden
en esta etapa. Se realiza el etalonaje.
Finalmente, se integra el sonido a la
imagen, y se completa la película.
COMERCIALIZACIÓN
- DISTRIBUCIÓN
- PUBLICIDAD
- EXHIBICIÓN EN SALAS
CINEMATOGRÁFICAS Y
PLATAFORMAS DE STREAMING
La quinta y última fase es la
d i s t r i b u c i ó n d e l p r o y e c t o, y a
finalizado. Una vez se tiene el trabajo
en limpio y el largometraje acabado,
es momento de lanzarlo al mundo y
dejar que la gente lo vea y opine
sobre él. Lo normal es que se
distribuya en salas de cine o que se
suba a plataformas in streaming. Sea
como sea, es una fase crucial y debe
hacerse bien, para que el film reciba
la atención que merece y llegue a ti
como espectador.
Dentro de esta fase también se
incluye la publicidad y el marketing
que se haga de la obra, esencial para
que llegue al público. Como ya
sabrás, es necesario tener en cuenta
a la empresa productora que esté
detrás o a los productores que
financian el proyecto. Cuanto más
peso y dinero tengan, más detallada
y masiva será la publicidad, por lo
que la película llegará a muchas más
personas.
CULTURA AUDIOVISUAL II
PROFESIÓN
PROFESIONALES INDEPENDIENTES
GUIONISTA
PROFESIONALES INDEPENDIENTES
MÚSICO/COMPOSITOR DE BANDAS
SONORAS
EQUIPO DE PRODUCCIÓN
PRODUCTOR
PROFESIONALES AUDIOVISUAL
DESCRIPCIÓN
Realiza el guión de la película o serie de TV,
en España los guionistas suelen trabajar por
encargo. Colabora con el director para
amoldar el guión a la visión del director del
audiovisual. Si es necesario realizará
cambios en el guión dependiendo de
necesidades de producción. Se les llama
para un proyecto. Se pueden dividir en
argumentistas, biblistas, escaletistas,
dialoguistas, según se dediquen a alguna de
las partes del proceso de escritura de un
g u i o n . Ta m b i é n p o d e m o s h a b l a r d e
adaptadores y guionistas originales.
Hay compositores que realizan su trabajo a
partir del guion técnico y tras un cambio de
impresiones con el director y otros
comienzan a componer una vez que la
película está ya montada tomando como
base el copión, en ambos casos la música se
hará coincidir con exactitud con los
momentos establecidos en cada secuencia
en la fase de postproducción.
Es el propietario de la película. El empresario.
El que asume el riesgo económico. Pone el
dinero o busca la financiación y responde de
devolverlo. Fuentes del dinero:
subvenciones, coproducciones con otros
países, adelantos de distribución y exhibición
de TV. En la gala de entrega de los Oscar, el
premio a la mejor película siempre lo recoge
el productor o algún representante de la
productora.
1 de 4
FUNCIONES
- Editor de guión: En una producción audiovisual en la que trabajan varios guionistas de forma independiente, el
editor de guion es la persona que los coordina para que el trabajo tenga coherencia unitaria y ejerce como jefe
de todo el equipo de guionista, velando por que los guiones se ajusten a lo establecido en la Biblia de la
producción o en la Memoria del proyecto según sea el caso.
- Argumentista: Guionista especializado en escribir argumentos. Se da más frecuentemente en las series
televisivas, donde en ocasiones se diferencian los guionistas que acometen el argumento, las tramas y las
escaletas de los que escriben los diálogos.
- Biblista: Es el encargado de confeccionar el libreto que contiene toda la información respecto de los personajes
y el desarrollo de las tramas principales y secundarias desde el primer al último capítulo previsto en la
guionización de toda clase de serie. En este documento se basan los demás guionistas (escaletistas y
dialoguistas) para hacer su trabajo. Suele ser elaborado por los argumentistas.
- Escaletista: Es el profesional con la capacidad para escribir la escaleta de una producción, siendo esta una
relación ordenada de todos los puntos que debe incluir el guion en caso de programa de no ficción, o de las
secuencias de una producción de ficción.
- Dialoguista: Es el profesional con la capacidad para escribir los diálogos de una producción de ficción o las
intervenciones de presentadores y personajes en una producción de no ficción.
- Guionista de gag (One liner): Es el profesional especializado en la escritura de gag.
- Guionista de sketch: Es el profesional especializado en la escritura de sketch.
- Analista: Es un profesional que estudia y analiza un guion escrito por un guionista para elaborar un informe
sobre el guion. Este informe puede ser para varios fines: a) Detectar los posibles errores en la escritura del
guion. b) Detectar el grado de adecuación del guion al proyecto inicial. c) Detectar las posibilidades de
comercialización del guion. d) Detectar las posibilidades de éxito de una producción.
- Desarrolla la idea de la composición recopilando información sobre el tema, el tono y otros aspectos del
encargo y define la composición a realizar.
- Trabaja conjuntamente con el/la director/a y el/la productor/a para definir la composición.
- Elige cuál será el formato de la música: si estará compuesta solo por elementos digitales, si tendrá coros, si
contará con vocalista, si será una sinfonía, etc.
- Define el tipo de instrumentos que tendrán que ser presentes en la composición en función del efecto que se
quiera conseguir.
- Construye la composición musical y coordina los trabajos de realización.
- Adapta la música para orquesta o banda y la registra.
- Determina con el director donde ha de aparecer en cada una de las partes de la composición en relación al
producto audiovisual final (montaje).
- Colabora en la post-producción y en la integración del producto final.
- Elaborar presupuestos.
- Gestionar la contratación de personal: de nuevo interviene la gestión del dinero. En esta ocasión, para definir
los trabajadores que participarán en el proyecto audiovisual.
- Coordinar la parte de creación artística: el productor tendrá la última palabra después de escuchar la
propuesta creativa de los diferentes departamentos.
- Toma de decisiones que afecten a la ejecución de la película con el director
- Conseguir convenios de financiación. Dependiendo de la temática o de los escenarios donde se grabe una
película, el productor puede conseguir ayudas por parte de diferentes organismos públicos y privados.
- Supervisar todo el personal técnico y determinar el tratamiento, alcance y programación de la producción.
CULTURA AUDIOVISUAL II PROFESIONALES AUDIOVISUAL
PROFESIÓN DESCRIPCIÓN
EQUIPO DE PRODUCCIÓN Es el responsable de la producción en la fase
de rodaje. Debe resolver todos los
JEFE DE PRODUCCIÓN problemas en rodaje y conseguir que éste
nunca se pare. Es el responsable de
mantener los plazos y el dinero asignado al
rodaje. Suele ser contratado para cada
película. Él contrata al equipo de
responsabilidades medias-bajas: ayudantes,
asistentes, etc.
En el rodaje es el supervisor del trabajo de
todos. Tiene la capacidad de despedir a los
que considere que no trabajan bien, aunque
no sobre los jefes de equipo (que tratan
directamente con los directores de
producción). Es el que “parece que no
trabaja, pero lo controla todo”.
EQUIPO DE DIRECCIÓN El responsable de la calidad desde el punto
de vista artístico y narrativo. También de
DIRECTOR decidir el tono de la película, con todo lo que
ello conlleva: el tipo de interpretación, el
ritmo, los colores, la fotografía, la puesta en
escena, etc. Tiene mucha fuerza en la
elección final de los actores y en posibles
correcciones del guion.
Colabora en la realización del plan de rodaje
y postproducción y en la elección de
localizaciones. Colabora también en el
montaje. Diseña la planificación de la
película. Dirige la interpretación de los
actores.
EQUIPO DE DIRECCIÓN Su trabajo es organizar el set de rodaje.
Tiene que controlarlo todo y ser consciente
AYUDANTE DE DIRECCIÓN de todas las necesidades en cada momento.
Distribuye el tiempo y los recursos.
EQUIPO DE DIRECCIÓN Se encarga de llevar los partes de rodaje y
de mantener la continuidad o racord de
SCRIPT movimiento, posición, mirada y también el
racord escenográfico en cuanto al atrezo,
maquillaje, vestuario e iluminación, en
colaboración estrecha con los jefes de cada
equipo. Nombra y numera los planos y
cronometra el tiempo útil de cada uno de
ellos. Si la película se rueda sin sonido
directo debe anotar los diálogos para
repetirlos en el doblaje.
2 de 4
FUNCIONES
- Representar al director y coordinar el departamento de producción de rodaje.
- Coordinar y contratar la logística de localización y rodaje, y, en caso de ser requerido, también gestiona y
contrata recursos humanos, materiales y logísticos.
- Elabora la orden de trabajo diaria junto al ayudante de dirección, que es el profesional encargado de ayudarle.
- Ejecuta y cumple el plan de prevención de riesgos laborales.
- Cumple y hace cumplir las normas de contratación, conservación y civismo de los lugares de trabajo.
- Debe asistir a los lugares de rodaje.
- Analizar el guion propuesto para la película y transformarlo en un guion técnico. A estos efectos, el director
debe planificar el rodaje de las secuencias, determinando los movimientos de cámara, tipos de lentes, etc. De
hecho, en algunas ocasiones, el propio director es también el guionista (suele ser el caso, por ejemplo, de Pedro
Almodóvar).
- Participar en la elección y búsqueda de localizaciones, guiar el estilo en cuanto a vestuario, arte y
decorados, etc.
- Suele supervisar la selección de los actores y actrices en el casting, así como dirigir los ensayos previos al
rodaje.
- Durante el rodaje, debe coordinar a todos los equipos que participan en la producción. Entre otras
cuestiones, debe asegurarse de que se cumple el plan de rodaje y que se hace un uso eficiente de los recursos
(en coordinación con el equipo de producción).
- Una de las tareas más importantes del director es supervisar la ubicación y los movimientos de cámara y
dirigir a los actores durante el rodaje. En este sentido, tiene la última palabra para decidir cuándo una
secuencia es satisfactoria o si debe repetirse.
- Finalmente, le corresponde supervisar el montaje de la película y tomar las decisiones que correspondan
durante ese proceso, en coordinador con el editor o montador. Así mismo, puede participar en todo lo relativo a
los efectos visuales y diseño de sonido, incluyendo la incorporación de la banda sonora.
- Supervisar el rodaje, supervisar el transporte y llegada de los actores al set.
- Organiza los ensayos junto al director, gestiona las tareas pendientes de la preproducción o puede llegar a
dirigir escenas de la segunda unidad si no hay un director asignado para tal efecto.
- Informa a los equipos de qué se va a hacer en cada momento.
- Marca los tiempos necesarios por escena y plano para que se cumpla el plan de rodaje.
- Es el encargado de decir “silencio” antes de comenzar a rodar en set.
- Supervisar el raccord, o continuidad.
- Llevar un diario de rodaje.
- El famoso crono. Cronometrar las secuencias en la preproducción y en el rodaje.
- Realizar los partes de montaje.
- Controlar, junto con el ayudante de dirección, que se graba todo lo que estaba previsto en el plan.
CULTURA AUDIOVISUAL II PROFESIONALES AUDIOVISUAL
PROFESIÓN DESCRIPCIÓN
EQUIPO DE CÁMARA El director de fotografía es el encargado de la
imagen y el look visual de una película o
DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA producción audiovisual. Junto con el director
la persona con más peso y responsabilidad
en la película. Es el responsable de crear las
imágenes: la plástica. Ha de llegar a un
consenso estético general con el Director de
la película y con el Director Artístico. Trabaja
íntimamente relacionado con los equipos de
maquillaje, vestuario y arte, estos equipos
suele elegirlos él y generalmente trabaja con
los mismos.
- Preparar el look final de la película junto al colorista (etalonaje y corrección de color).
La fotografía tiene que expresar ideas. La - Revisar las copias finales.
idea de la película que el director de
fotografía tiene que conocer por sus
conversaciones con el director. La forma de
expresar esas ideas, sentimientos y
emociones tiene que ver con la psicología de
la percepción visual, la intuición y basándose
en el bagaje artístico y cultural del
espectador al que la película va dirigida.
Tiene bajo sus órdenes directas a los
eléctricos. Elige la cámara con la que se va
rodar, las emulsiones fotográficas cuando se
trata de rodar con celuloide, los objetivos, los
filtros, los aparatos de iluminación, etc.
Posiciona los focos, mide la luz y puede
elegir la hora en que se va a rodar cada
plano si se rueda en exteriores. En
posproducción trabaja dirigiendo el trabajo
del etalonador, con el que suele tener una
relación muy personal y suele trabajar
siempre con el mismo.
EQUIPO DE POSTPRODUCCIÓN Seleccionar, cortar, unir y editar son las
labores básicas del montador y tiene una
MONTADOR importancia trascendental en la película
porque un simple cambio de orden puede
dar un sentido totalmente diferente al filme. A
lo largo de la historia del cine, el montador ha
subido en importancia entre los miembros de
la producción, llegando a ser una de las
figuras más importantes junto con el director.
De hecho es la persona que más tiempo
pasa con el director, y es durante el montaje
y la edición del material.
3 de 4
FUNCIONES
- Decidir junto al director la estética de la obra audiovisual, tras hacer un análisis del guion.
- Visitar las posibles localizaciones del rodaje junto al director.
- Hacer un presupuesto de los medios técnicos que necesita para conseguir esta estética: óptica, material
adicional, maquinaria…
- Elegir un equipo humano de cámara con el que trabajará durante el rodaje.
- Coordinarse con los equipos de dirección, arte, vestuario y maquillaje, para lograr esa estética trabajando en
equipo, y organizar el orden de rodaje.
- Decidir los ajustes de la cámara y tener claro el flujo de trabajo que habrá con el montador.
- Decidir los encuadres junto al director, eligiendo la óptica más adecuada.
- Coordinar al equipo de cámara y de luces para que lleven a cabo su esquema de luz y los planos que tengan
movimientos de cámara. Para ello, se apoya en el gaffer (jefe de eléctricos) y en el key grip (jefe de
maquinistas), y en el ayudante y el auxiliar de cámara.
- Realizar el montaje integrando herramientas de postproducción, según las indicaciones del director y
aportando criterios propios.
- Realiza la captura de las grabaciones al equipo de montaje
- Selecciona imágenes y secuencias a partir del material grabado por el director/a durante el rodaje. En
colaboración con el director/a, escoge las mejores imágenes y secuencias que, además de explicar cada
escena, confieren al producto audiovisual coherencia y unidad, a la vez que reflejan la interpretación original
que el director ha hecho del guión.
- Selecciona los cambios de cámara más adecuados para dar ritmo y expresividad a las escenas.
- Trabaja con el editor/a de sonido y el o la directora musical para conseguir sincronía y armonía entre
imágenes, sonidos y banda sonora.
- Coopera con el director o directora de fotografía para elegir los planos más acordes con el look final que debe
tener el producto audiovisual.
- Coordina con el equipo de efectos especiales la edición de la película en tecnología digital. Con el supervisor
/a de efectos visuales, se encarga de asegurar la calidad del soporte digital de la película. Supervisa el montaje
de aquellas secuencias que contienen los efectos especiales que han sido realizadas por el productor o
supervisor de efectos visuales. Supervisa el tratamiento digital del material seleccionado.
- Se encarga de la supervisión final y de la puesta a punto del producto audiovisual para la primera exhibición
con el director y el productor.
- Aporta su criterio sobre las modificaciones y retoques finales antes de la presentación del producto al público.
CULTURA AUDIOVISUAL II PROFESIONALES AUDIOVISUAL 4 de 4

PROFESIÓN DESCRIPCIÓN FUNCIONES

EQUIPO ARTÍSTICO Los/las actores/actrices dan vida a los - Interpreta los papeles adjudicados al actor/actriz.
personajes en el cine y la televisión. Un/a - Busca, investiga su papel, a diferentes niveles, conceptual, histórico, biográfico, etc., en función de las
ACTRIZ/ACTOR actor/actriz debe utilizar la palabra, el características del personaje y del espectáculo.
movimiento, la expresión para interpretar un - Memoriza y repite los textos o movimientos establecidos, incorporando elementos emocionales y de
guión o improvisar un papel de manera comunicación.
creíble y natural. A veces, también se - Ensaya e interpreta a las ordenes del director.
necesitan habilidades como el canto o el - Hace colaboraciones en el ámbito de la publicidad del audiovisual.
baile para interpretar algunos papeles (teatro - Establece contactos con agentes del sector, para obtener nuevos papeles.
musical). Un/a actor/actriz debe promover sus - Asiste a audiciones y castings.
capacidades mediante la interacción con
otros/as profesionales, así como mejorar
continuamente sus habilidades
interpretativas. Estos/as profesionales deben
estar dispuestos/as a probar nuevas
funciones en la permanente búsqueda de
nuevas opciones que les ayuden a hacerse
un lugar dentro de esta profesión.
CULTURA AUDIOVISUAL II PROFESIONALES TELEVISIÓN
PROFESIÓN DESCRIPCIÓN
REALIZADOR Es el responsable del producto final que se
emite. Se ocupa de coordinar y ejecutar
todos los procesos que confluyen en la
emisión o grabación, responsabilizándose del
correcto acabado del programa.
Normalmente el realizador sustituye a la
figura del director en cine o serie de ficción.
En el caso de que existan ambas figuras, el
director sería el responsable de los
contenidos y de la línea ideológica del
programa.
AYUDANTE DE REALIZACIÓN Apoya al realizador previendo las actividades
que deben sucederse para la que se logre el
producto final ya sea una grabación o
emisión en directo, pudiendo sustituirle si es
preciso.
El regidor (término de origen teatral),
actualmente designado como ayudante de
realización en estudio, controla el plató, es
"los ojos y los oídos del realizador", con el
cual está en permanente comunicación
mediante cascos y micrófono inalámbricos.
PERIODISTA / REDACTOR Es el que provee de contenido a los
programas, sean del género que sean.
EQUIPO DE DOCUMENTACIÓN Se ocupa de diseñar la base de datos con
todo el fondo documental de la cadena,
clasificando, catalogando, registrando y
accediendo a todo tipo de documentos en
cualquier soporte audiovisual o escrito.
Son "la memoria" de la cadena.
1 de 2
FUNCIONES
- Dirige las actividades del staff técnico en grabaciones o emisiones al aire.
- Su principal meta es entregar el programa, desde el punto de vista técnico, en tiempo, forma y calidad.
- Se reúne con el equipo de producción para acordar y asignar las actividades, tiempos y ritmo en que
realizará la grabación o emisión al aire.
- A partir de la versión final del guion realiza el guion técnico en el que asienta los planos a grabar, la técnica a
utilizar, el equipo, staff y demás condiciones que son necesarias para la grabación o emisión de los
programas.
- Propone el reparto y presencia las pruebas de actores y voces (casting).
Debate con el productor y staff técnico el plan de trabajo y la intención en cada fase del
- mismo.
- Determina y supervisa, junto con el iluminador, la iluminación, emplazamiento de cámaras, escenografía,
ambientación y caracterización durante la grabación en estudio o locación sin perder de vista el propósito de
cada una de estas áreas atendiendo a la totalidad de la obra.
- Previamente a la transmisión o grabación ensaya con el elenco y el día del evento o un día antes,
dependiendo de las exigencias del programa, realiza ensayos parciales o generales para prever los tiempos,
movimientos y contingencias posibles.
- Supervisa con el editor la edición, doblaje y mezclas tanto de audio como de imagen.
- Responsable de que todos los equipos estén listos para el momento del evento.
- Que todo el staff técnico, de servicios a la producción y el elenco estén en sus puestos en el momento de los
ensayos, grabación y transmisión.
- Elabora la bitácora de registro de los tiempos de grabación, duración de los planos, número y clave de las
cintas utilizadas para la grabación y/o emisión; staff y ponentes que participaron en las diferentes
grabaciones y las incidencias sobre el trabajo cotidiano: bitácoras de grabación, continuidad.
- Apoya en la edición y postproducción del programa facilitándole toda la información al editor o al director de
cámaras según sea el caso.
- Buscan las materias primas, los temas que se van a tratar en el programa.
- Desarrollan esos temas de manera que llegue al público determinado, les llame la atención y la mantenga.
- Organizan el orden de emisión de ellos.
- Contactan con las personas que van a estar presentes en el programa, bien en directo o en remoto.
- Realizan la descripción y desarrollo de los contenidos.
- Asignan unos códigos a los diferentes documentos utilizados que permiten la recuperación
y préstamo de ellos en cualquier tipo de soporte.
- Diseña, organiza y custodia el archivo del centro documental.
- Realiza los trabajos de búsqueda y recopilación de diverso material en cualquier sistema, soporte y formato.
- Maneja los medios técnicos necesarios para su tratamiento.
- Elabora las fichas descriptivas del material, controla la cesión a terceros y la recuperación de
los materiales prestados.
CULTURA AUDIOVISUAL II PROFESIONALES TELEVISIÓN
PROFESIÓN DESCRIPCIÓN
ILUMINADOR El rol del director de fotografía
cinematográfico es cubierto en televisión por
el iluminador, profesional que tiene a su
cargo la creación de los ambientes lumínicos,
distribuyendo, dirigiendo y controlando las
fuentes de luz. En íntima colaboración con el
realizador, el decorador y el figurinista,
interpreta el guion y da a la escenografía el
aspecto requerido por la historia.
AMBIENTADOR MUSICAL Responsable de la música del programa, bien
componiendo o, más comúnmente,
localizando música o efectos de archivo para
enriquecer la banda sonora.
ESCENÓGRAFO Equivalente al director artístico en cine.
Responsable de la creación de los espacios
donde se desarrolla la acción y los ambientes
que definen a los personajes.
2 de 2
FUNCIONES
- Es el responsable de que la imagen que es captada por la cámara aparente ser estereoscópica y tenga la
calidad técnica e intención emocional requerida por el mensaje que se transmitirá a través del video.
- Planea, controla y distribuye las cargas eléctricas, las fuentes de luz y los elementos luminotécnicos.
- Coordina, y en ocasiones ejecuta, la instalación, montaje y conexión de fuentes luminosas. ▪Dirige a los
asistentes de iluminación para emplazar los elementos necesarios de acuerdo con la intención o propósito
del programa.
- Observa y estudia las incidencias de sus técnicas para crear de modo más adecuado las condiciones
cromáticas y de ambientación de la puesta en escena.
- Se encarga de la operación de la consola de iluminación durante la emisión o grabación de los programas. A
través de la consola el iluminador controla cada una de las fuentes de iluminación dispuestas en el estudio.
- Regula la intensidad de iluminación en el momento oportuno o cuando así lo indique el realizador.
- Lleva un control del inventario de focos, consumibles y tiempos de utilización de los equipos para dar
mantenimiento preventivo a sus instrumentos de trabajo.
- Coordina o realiza la ambientación musical de nuevas sintonías, ráfagas, cortinillas y programas que se van
renovando, junto con el realizador.
- Realiza la ambientación musical en cada programa (directos o grabados). ▪Trabaja con el realizador,
seleccionando y aportando la estética del programa.
- Enriquece el programa mediante fondos musicales, realizando el montaje de los cortes, la sincronización y
las mezclas.
- Planea y diseña los escenarios, su ambientación, construcción y montaje atendiendo las características
indicadas en el guion y de común acuerdo con el productor.
- Coordina los servicios a la producción como decorado, montaje de sets, atrezzo o utilería, efectos especiales
físicos, maquillaje, diseño gráfico, vestuario y peluquería.
- Investiga en el mercado cuales son los materiales más adecuados por su calidad, utilidad y precio.
- Lleva el control de los bienes que se utilizan y mantiene siempre disponible el inventario básico para las
producciones.
CULTURA AUDIOVISUAL II
PROFESIÓN DESCRIPCIÓN
DIRECTOR DE PROGRAMAS El director de programas es el encargado de
coordinar todos los espacios que se
producen en la emisora. De él dependerán
los directores de los servicios informativos,
de los espacios musicales y de los
deportivos.
DIRECTOR El director es el principal responsable de los
contenidos del programa. Es quien tiene la
última palabra a la hora de determinar las
secciones y los temas que se tratarán en
cada una de ellas. Habitualmente, el puesto
suele implicar también tareas administrativas
e incluso legales. El director del programa
debe tener capacidad de liderazgo, visión
estratégica global, empatía y grandes
conocimientos del medio.
PRODUCTOR El productor es quien toma la iniciativa a la
hora de proponer contenidos en el programa.
En las reuniones de equipo, que suelen tener
la misma periodicidad que las emisiones, los
productores ponen sobre la mesa los asuntos
que consideran relevantes para ser tratados
en el programa. Después, el equipo
enriquece la propuesta y decide cómo se
tratará esa información (entrevista, crónica,
reportaje, etc.). Una vez aprobados los
contenidos, la gestión de la entrevista o
planificación de la grabación corresponde al
productor o al redactor. El productor de radio
es una persona resolutiva, creativa y con
capacidad de observación y análisis.
PROFESIONALES RADIO 1 de 3
FUNCIONES
- Evaluar la viabilidad de los programas de radio, desde diversos puntos de vista: económico, interés de la
audiencia, congruencia con la imagen de la emisora.
- Decidir la parrilla de programación.
- Supervisar, delegar y coordinar las actividades que se desarrollan en las distintas áreas de la
emisora: informativos, deporte, entretenimiento, musicales.
- Obtener las licencias pertinentes para la emisión de los distintos programas, en el caso de ser necesario.
- Analizar los datos de audiencia, particularmente los del EGM.
- Decide los temas a tratar en el programa.
- Selecciona las fuentes de información, colaboradores e invitados.
- Selecciona la música adecuada, con ayuda del operador de sonido.
- Ordena, selecciona y marca el material grabado.
- Encargado de estructurar todo el programa, tomando en cuenta guion, contenidos, información, tecnicismos,
invitados, etc.
- El productor reúne a todos los diferentes elementos necesarios para un programa: equipo, invitados, etc.
- Puesto que un productor suele trabajar para varios programas, muchas veces desarrollan ideas de
contenidos y programas que reflejan el espíritu de la emisora.
- Elaborar las grabaciones de los anuncios, ya sean comerciales o institucionales, para su posterior emisión en
antena.
- Debe tener comprensión completa de los derechos y obligaciones legales, pues es necesario que todos los
programas sean compatibles con las leyes aplicables a los medios.
- Cuando el programa está al aire, coordina con el operador de audio lo que se debe hacer; según lo vea
necesario puede hacer cambios de última hora.
CULTURA AUDIOVISUAL II
PROFESIÓN DESCRIPCIÓN
PRESENTADOR/LOCUTOR Los locutores son la voz del programa de
radio. Así pues, el presentador es el locutor
principal pero también están los
copresentadores y los redactores-locutores,
capaces de regular la voz para mantenerse
en un tono neutro, adaptando la entonación
al tipo de contenido. El presentador tiene que
ser carismático, extrovertido y capaz de
cambiar de registro según los contenidos. Es
conveniente que vocalice y module a la
perfección. Un buen locutor es aquel que
consigue ser mero transmisor y logra que el
oyente se centre únicamente en el mensaje y
nunca en la voz que lo está transmitiendo. A
veces siguen un guion predefinido, otras
veces pueden improvisar el contenido del
programa. En muchas ocasiones el locutor
es el director del programa, por lo que asume
las funciones de ambos roles.
PERIODISTA/REDACTOR El redactor se encarga de preparar los
contenidos que después se emitirán. Aunque
siempre hay lugar a la improvisación, los
redactores suelen preparar una entradilla o
introducción a cada entrevista y también
algunas preguntas para guiar al presentador
en sus funciones. Los redactores también
preparan los reportajes que después se
emitirán correctamente musicalizados. El
redactor debe escribir bien, tener curiosidad
por el conocimiento y una amplia cultura
general.
EQUIPO DE DOCUMENTACIÓN Se ocupa de diseñar la base de datos con
todo el fondo documental de la cadena,
clasificando, catalogando, registrando y
accediendo a todo tipo de documentos en
cualquier soporte audiovisual o escrito.
Son "la memoria" de la cadena.
PROFESIONALES RADIO 2 de 3
FUNCIONES
- Presentar los diferentes programas y anunciar las partes que los integran, presentar y efectuar el enlace de
continuidad de los informativos de radio y de los noticieros de televisión.
- Conducir o animar en forma oral la continuidad de cualquier programa que se emita por medio de la
radiodifusión.
- Propagar los diferentes anuncios comerciales, mensajes publicitarios o de propaganda, de cualquier
naturaleza que sea necesaria, ya sean anuncios promocionales, institucionales y / o comunicados.
- Publicar boletines, noticieros, noticias aisladas o agrupadas.
- Realizar la locución y/o doblajes publicitarios fílmicos.
- Difundir relatos y manifestaciones artísticas.
- Realizar diferentes entrevistas y reportajes.
- Buscan las materias primas, los temas que se van a tratar en el programa.
- Desarrollan esos temas de manera que llegue al público determinado, les llame la atención y la mantenga.
- Organizan el orden de emisión de ellos.
- Contactan con las personas que van a estar presentes en el programa, bien en directo o en
remoto.
- Realizan la descripción y desarrollo de los contenidos.
- Asignan unos códigos a los diferentes documentos utilizados que permiten la recuperación
y préstamo de ellos en cualquier tipo de soporte.
- Diseña, organiza y custodia el archivo del centro documental.
- Realiza los trabajos de búsqueda y recopilación de diverso material en cualquier sistema, soporte y formato.
- Maneja los medios técnicos necesarios para su tratamiento.
- Elabora las fichas descriptivas del material, controla la cesión a terceros y la recuperación de
los materiales prestados.
CULTURA AUDIOVISUAL II PROFESIONALES RADIO 3 de 3

PROFESIÓN DESCRIPCIÓN FUNCIONES

TÉCNICO DE SONIDO/OPERADOR El operador de audio o técnico de sonido es - Controla la mesa de mezclas de sonido que, además de enviar al control de realización la señal que recogen
el responsable de la parte técnica del los micrófonos de estudio, también añade música y efectos de sonido pre-grabados.
programa de radio y de la construcción de la - Supervisa previamente que todas las músicas, sintonías, cortinillas y efectos de sonido estén correctamente
banda sonora de un programa, uniendo grabados e indentificados.
voces, músicas y efectos de sonido. De él - Supervisa el funcionamiento de los micrófonos y demás equipo técnico del estudio.
depende la calidad de las conexiones que se - Abre y cierra micrófonos en el estudio de radio durante la emisión en directo.
hagan (por teléfono, RDSI o cualquier otro - Además de seleccionar los distintos canales de audio, regula su intensidad y su calidad.
medio). En directo, se ocupa de tratar las
voces de locutores y presentadores para que
el sonido sea limpio y nítido. Un buen técnico
de sonido debe tener conocimientos de
electrónica, telecomunicaciones, informática
y un amplio conocimiento de cultura musical,
puesto que también suele encargarse de la
musicalización del programa y los contenidos
que se emiten en él.
CULTURA AUDIOVISUAL II CINE
(3 puntos) Explique las principales transformaciones que se produjeron en el lenguaje cinematográfico con el cambio de cine mudo al sonoro (1,5 puntos).
Mencione un filme del cine mudo y otro de comienzos de cine sonoro para explicar las diferencias de lenguaje entre ambos (1,5 puntos).
DESCRIPCIÓN
Probablemente la etapa de más intensa creatividad e inventiva de la historia del cine se produjo
en el período 1927-1933, en el traumático tránsito el cine mudo al cine sonoro. A finales de los
años veinte del pasado siglo el cine mudo había alcanzado su máxima perfección estética. Por una
parte, el arte de la fotogenia y el lenguaje de las luces, las sombras y los claroscuros habían
convertido al cine en una arte plástica de gran madurez. Por otra, la agilidad en la combinación de
los planos –la sintaxis de su montaje- había adquirido una gran sofisticación, especialmente gracias a
los cineastas soviéticos, que los utilizaban para construir metáforas y alegorías de gran aliento
poético.
Tras diversos ensayos técnicos infructuosos, y debido en parte a la competencia comercial de la
radio, la Warner Bros consiguió imponer el éxito del cine sonoro con la película musical El cantor de
jazz, estrenada en Nueva York en octubre de 1927 con acompañamiento de discos de gramófono
sincrónicos con la imagen. Este éxito comercial supuso una revolución para la industria
cinematográfica, acompañada de bastante desconcierto. Los estudios debieron transformar sus
modo de trabajo y su tecnología, tuvieron que insonorizar sus paredes y equiparse con nueva
tecnología acústica. También las salas de exhibición tuvieron que adaptarse y añadir amplificadores
sonoros y altavoces. Hollywood se enfrentó a los múltiples retos que suponía la introducción del
sonoro. De la dificultad que planteaba que en la mayor parte de sus mercados el público no entendía
el inglés, a que actores con voz poco “fonogénica” tuvieran que abandonar los estudios.
Inicialmente, estos cambios traumáticos supusieron una grave regresión estética –muy bien evocada
en el film retrospectivo Cantando bajo la lluvia (1952)-, pues la cámara tuvo que encerrarse en un
pesado blindaje insonoro que impidió su movilidad y la anterior libertad del montaje de los planos
tuvo que subordinarse a la longitud de los diálogos. El resultado de todo ello se tradujo en un primer
momento en la predominancia de un estático y chato “teatro filmado”.
Pero de inmediato algunos directores de talento –como René Clair, King Vidor, Fritz Lang, Josef von
Sternberg, Carl Dreyer- supieron descubrir la “poesía del sonido”, no como mero acompañamiento o
ilustración de las imágenes. Si al principio asombraba al público que un actor abriera la boca y se
oyera su voz, pasada la sorpresa inicial los directores de talento descubrieron el dramatismo o la
poesía de los ruidos –el chirriar de los neumáticos en una persecución, el chapoteo de los pies en
las aguas de un pantano, los chillidos de las gaviotas- y, en el plano humano, desvelaron el
dramatismo de unos sonidos que no existían en el teatro: el suspiro, el susurro y el gemido. Y
también se descubrió, por contraste, el dramatismo del silencio.
En los primeros años del cine sonoro se asistió, en cierto modo, a una reinvención estética del cine,
convertido en un laboratorio experimental. Hubo que aprender nuevas técnicas y nuevas estrategias
para narrar historias. Y hubo que hacer compatible la creatividad del montaje y las longitudes de los
diálogos. Y como reacción contra el chato estatismo y verbosidad del “teatro filmado” surgieron
incluso películas sonoras de protesta, que reprodujeron música y ruidos, pero prescindieron
voluntariamente de los diálogos.
(2 puntos) Defina brevemente el “slapstick” (1 punto), cite a su creador, así como a los dos actores más destacados (1 punto).
DESCRIPCIÓN EJEMPLOS
1 de 5
EJEMPLOS
Como ejemplo de cine mudo he elegido Suspense, 1913 de Lois Weber. Gran parte del ingenio del
cine en EEUU antes de 1920 surgía de su lado femenino. Hollywood lo construyeron mujeres,
inmigrantes y judíos, gente que no era aceptada en otras profesiones. En su origen, Hollywood se
convirtió en un imán para gente diversa con muchas ganas, creativa, que no era aceptada en otras
profesiones. La mitad de las películas anteriores a 1925 fueron escritas por mujeres. Una de las
directoras más innovadoras del momento fue Lois Weber. Aquí también protagoniza su obra,
Suspense. Una mujer está en casa con su hijo. Oye a un intruso, mira por la ventana y lo ve en un
fantástico plano subjetivo ladeado. Llama a su marido. Weber divide la pantalla para mostrarlos a los
tres al mismo tiempo. El marido sube a un coche y acude a salvar a su esposa. Lo persigue la policía,
algo que Weber muestra en un ingenioso plano con el reflejo del retrovisor. El intruso sube las
escaleras. De nuevo, la posición de la cámara subraya el movimiento, la amenaza. Al final, llegan la
policía y el marido a rescatarla. La película muestra todos los avances que el cine estaba realizando
antes del sonoro en la construcción de su lenguaje visual. Así por ejemplo, el salto conceptual que
supuso la edición en las primeras décadas del cine se muestra aquí ya en un nivel sobresaliente tan
sólo 10 años después de Vida de un bombero americano. La película Suspense fue atribuida durante
años a D.W. Griffith.
Es cierto que al principio de la era del sonido, el cine era menos “cinemático” y parecieron
desdibujarse los avances anteriores. Pero el cine siempre ha contado con gente ingeniosa que
aporta ideas para superar las limitaciones que en principio planteó la introducción del sonido. Así por
ejemplo el director Rouben Mamoulian, que había dirigido montajes operísticos y no toleraba el cine
estático. En 1932, trabajó en un musical tan original que superó ampliamente cualquiera de las
limitaciones con las que a la fecha peleaban los cineastas tras la plena implementación del sonoro.
Su film Ámame esta noche, es un cuento situado en París y protagonizado por el gran Maurice
Chevalier. Al contrario que muchos directores en la transición mudo/sonoro, Mamoulian estaba tan
emocionado con las posibilidades del sonido que retrató el amanecer en la ciudad como una sinfonía
de sonidos cotidianos. Del silencio al bullicio urbano, rítmicamente se van sumando los sonidos. Tras
esa escena, combinación perfecta de imagen y sonido, conocemos al protagonista: Chevalier
interpretando a un sastre valiente enamorado de una princesa que vive en un castillo. El sastre canta
el tema Isn't it Romantic. El cliente del sastre la oye ya la reproduce. La escucha un taxista que la
canta, un compositor la escucha. Escribe la partitura. Y unos soldados que la oyen al compositor en
un tren la convierten en marcha militar. Más tarde, música para violín de unos nómadas alrededor de
la hoguera. Y finalmente llega a oídos de la princesa, el amor del sastre. El sonido unificaba una
secuencia, era la metáfora de un viaje. La canción se convierte en el elemento narrativo fundamental,
pero la imagen sigue desplegando toda su potencia. A pesar del protagonismo de la canción,
observamos movimientos de cámara, variedad de planos, incluso juegos visuales con reflejos,
movimientos de cámara. El cine seguía su desarrollo. Al contrario de lo que algunos agoreros
anunciaron tras el éxito de El cantor de Jazz, en tan solo 5 años el cien demostraba poder seguir
creciendo, al contar con el sonido como un nuevo aliado en la articulación de su lenguaje.
CULTURA AUDIOVISUAL II
El slapstick (bufonada, payasada o golpe y porrazo), también llamado humor/
comedia físico/a, es un subgénero de la comedia que se caracteriza por
presentar acciones exageradas de violencia física que no derivan en
consecuencias reales de dolor. La comedia física es una forma bulliciosa de
comedia que basa su atractivo en el dolor, la farsa, los golpes y las bromas
prácticas del humor crudo para crear un efecto cómico en el espectador,
excediendo los límites del sentido común. El humor slapstick es un enfoque
de la comedia que recurre a bromas exageradas de humor físico junto a un
argumento sencillo.
La escandalosa violencia indolora del slapstick, ha sido siempre una
atracción clave de la comedia bufonesca y, apropiadamente, el género tomó
su nombre de una de sus armas favoritas. El slapstick era originalmente una
paleta de madera compuesta de dos piezas de madera que chocaban entre
sí para producir un golpe resonante cuando la paleta golpeaba a alguien. El
slapstick comienza a desarrollarse en el siglo XVI, cuando Arlequín, uno de
los personajes principales de la commedia dell'arte italiana, comenzó a usarlo
en las nalgas de sus víctimas cómicas.
CINE 2 de 5
Mack Sennett fue el gran motor inicial de la comedia cinematográfica slapstick. A lo largo de su vida fue a menudo
reconocido como el "Rey de la Comedia". Sus comedias eran famosas por sus disparatadas carreras de coches y sus batallas
de pasteles. Por sus Keystone Estudios pasaron todas las grandes estrellas del género.
La era del cine mudo estuvo dominada por las comedias slapstick. Muchos de los artistas más populares de la época del cine
mudo eran comediantes de este género. El más conocido hasta el día de hoy es Charlie Chaplin, quien protagonizó y dirigió
más de 70 películas a lo largo de su carrera, a menudo interpretando a su personaje más famoso, Charlot que venía a
continuar el personaje de la estrella francesa del slapstick, Max Linder.
Otra figura enormemente influyente de la era del cine mudo fue Buster Keaton. Los ejemplos de comedia slapstick en las
películas de Keaton con frecuencia traspasaron los límites de lo que era físicamente posible. El elemento de peligro jugó un
papel importante en las películas slapstick de Keaton. Gran parte del humor y la emoción de las actuaciones de Keaton
provienen de lo peligrosas y desafiantes que eran las acrobacias de sus gags.
Aunque Charlie Chaplin y Buster Keaton fueron las dos estrellas más grandes de la era del cine mudo, no fueron las únicas.
Innumerables artistas exploraron el campo del slapstick en los primeros días del cine, como Harold Lloyd, Larry Semon,
Laurel & Hardy (el gordo y el flaco) y Harry Langdon, junto con muchos otros. El advenimiento del sonido no borró por
completo las películas de comedia slapstick, pero sí condujo a una disminución de la prominencia de este humor físico en las
décadas siguientes aunque continuará desarrollándose con cómicos Jerry Lewis o, más recientemente, Jim Carrey y
especialmente en la animación.

(3 puntos) Explique el concepto de “gag” y las diferencias entre “gag sonoro” y “gag visual” (2,0 puntos). Cite dos películas del director de cine Charlie Chaplin y
explique brevemente sus características y aplicación del “gag” (1,0 puntos).

GAG VISUAL/GAG SONORO CHAPLIN

Un gag es un elemento cómico visual y/o sonoro que hace gracia al espectador. Los gags pueden
ser sonoros, descritos por ejemplo a través de diálogos ingeniosos (como los escritos por directores
como Billy Wilder) o visuales, donde una imagen vale más que mil palabras (Buster Keaton, Chaplin,
Mr. Bean). El gag visual surge en el cine con el slapstick (continuador de los populares números del
vodevil). Acciones improvisadas, exageradas donde se simula la violencia física, persecuciones
frenéticas, caídas, batallas de tartas, peleas a mamporros... También sátira social en la que se
ridiculiza aquello que representa el orden establecido: la policía, alcaldes, jueces,... aparecen
caricaturizados. Con la llegada del sonido cambian las técnicas de filmación y de expresión de los
actores, y se introducen nuevas formas de construir gags que atienden al sonido con frases, chistes
y juegos de palabras ingeniosas, ruidos sorprendentes o determinadas músicas que generen
momentos divertidos.
Existen los gags repetitivos, donde el guionista o director presenta una situación repetida a lo largo
de la película, pero con ligeras variaciones. Estos gags son muy agradecidos por el espectador, ya
que cuando los descubre cada vez que vuelven a aparecer le resulta sumamente divertido. También
están los gags fuera de campo, mientras vemos en primer término una escena con un “diálogo serio”
vemos algo divertido por detrás.
En la comedia perteneciente al cine mudo se dará sobretodo el gag físico, es decir, la comicidad
producida por acciones físicas erróneas o inusuales. No necesita ser trabajada previamente, ni
necesariamente debe tener relación con la trama. Abundan los despliegues de torpeza por parte de
los personajes.
El gag verbal se dará en la comedia sonora, este tipo de gag tampoco necesita mucho trabajo
previo. Es decir, nace, se desarrolla y muere en pocas líneas. Hace referencia a aquellos diálogos
que pronuncian los personajes, que tienden a generar comicidad debido a la irracionalidad que
transmiten, o la confusión de ideas que provocan. Un ejemplo sería las comedias de los hermanos
Marx.
El cómico más popular del cine y uno de los artistas más geniales e importantes de toda la historia
del séptimo arte es Charles Chaplin. Creador de un personaje mítico, Charlot, Chaplin poseía unas
capacidades para la comedia física sin comparación (sólo Buster Keaton puede aguantar la
comparación). A esas capacidades supo sumarles sentimientos, muchas veces agridulces, derivados
de una mirada social crítica y poética. Esa característica combinación de comedia y sentimientos está
en la base de sus numerosas obras maestras.
Chaplin venía de una pobreza extrema, tuvo una infancia terrible. Esto queda patente en su cine.
Sobre todo, en su primera obra, El chico, que recreaba el ambiente de la infancia de Chaplin.
Mañanas frías. Mantas raídas. La vida en una buhardilla de Londres con un barreño colgado de la
pared. Chaplin encarna una versión de su famoso personaje: un vagabundo sin un centavo con aires
de gentleman. Encuentra a un huérfano y lo acoge a su lado. El chico trabaja para su “padre”. Rompe
ventanas para que él pueda arreglarlas. Entonces, se llevan al niño a un orfanato. Chaplin consigue
desarrollar unos perfectos gags visuales junto a una actuación conmovedora en las escenas con el
chico. La película humanizó el cine cómico. Lo acercó a la obra de Griffith. Mostró la empatía de
Chaplin. Fue un éxito mundial. Chaplin se convirtió en el Charles Dickens del cine.
Decía el mago del musical Stanley Donen que una gran coreografía necesita una idea que empape
toda la producción, el baile o lo que sea. Eso es lo más difícil de encontrar. Una gran idea que
englobe todo el número musical. Las ideas en los gagas físicos de Chaplin, en sus coreografías, eran
insuperables. Por ejemplo en El gran dictador un tirano dándole una patada al globo soñando con su
poder y conquistas, una gran metáfora. ¿Quién más podría imaginar una escena así? Nadie en el cine
ha sabido combinar entretenimiento, ideas, movimiento, improvisación, sentimiento y política
como Chaplin.

(3 puntos) Explique qué es la comedia coral y analice su complejidad técnica (1,5 puntos). Mencione dos filmes que correspondan a dicho género y analice en
ellos dicha complejidad (0,75 puntos cada ejemplo).

DESCRIPCIÓN COMPLEJIDAD TÉCNICA EJEMPLOS

CULTURA AUDIOVISUAL II
El género de la comedia existe desde las representaciones del
teatro griego. Con la llegada de la cinematografía, el humor se
convirtió en un elemento fundamental para una gran parte de las
películas. Esto comenzó con el humor visual de actores como
Chaplin o Keaton pero, con la llegada del sonido, la comedia (en
su mayoría) se convirtió en un juego de situaciones y diálogos
ingeniosos entre los personajes.
Uno de los subgéneros del humor es la comedia coral, que se
desarrolla a partir de las relaciones entre un conjunto de
personajes de protagonismo parejo que mantienen continuas
conversaciones entre ellos durante el transcurso de la acción,
llenando la pantalla de actores. Esta es su característica
fundamental, incluir muchos personajes en su trama, todos con
importancia en el desarrollo de cuanto sucede a lo largo de la
película. Se trata de un tipo de películas en las que se
representan, simultáneamente, una o varias historias
protagonizadas por personajes igual de importantes (como en un
coro). De esta forma, la comedia coral no sigue la estructura
clásica de las narraciones fílmicas: personajes principales y
secundarios. En muchas ocasiones las distintas historias de los
personajes se entrecruzan en un punto de la película (clímax). A
menudo son comedias de enredo y satíricas (románticas, de
humor negro, con tono social, musicales).
CINE
La complejidad técnica esencial deriva del manejo de los
extensos elencos y su organización. Los actores deben conocer
sus líneas y las de los demás, ya que el juego se produce en la
sucesión encadenada de diálogos en ambientes donde se debe
colocar la cámara. Esto requiere una rigurosa (en general) práctica
previa al rodaje, así como conocer las posiciones de cada actor y
sus siguientes acciones, ya que la cámara debe seguir los
movimientos de éstos. Directores como Luis García Berlanga
solucionan este problema técnico con el empleo del plano
secuencia, siguiendo a los personajes sin cortes ni montaje de
plano/contraplano. Otros elementos de complejidad serían:
Diálogos que no avanzan la acción. Al insertar demasiados
personajes haciendo que no se puede profundizar en los mismos.
La organización de las escenas con los numerosos personajes. Lo
azaroso del cruce de los personajes. En ocasiones se presta
demasiada atención a uno de los personajes en perjuicio de los
otros. Por último, estructurar la narración de la película a partir de
numerosas historias
3 de 5
El citado Berlanga es un gran ejemplo de la comedia coral, género
perfeccionado durante su filmografía. Estos son algunos de sus
ejemplos:
“¡Bienvenido, Mister Marshall!”: Esta película de un entonces
joven Berlanga, muestra a un pueblo español que organiza el
recibimiento a los estadounidenses y su plan Marshall, tras la
Segunda Guerra Mundial. En ella, el colectivo de los personajes
realizan una interpretación musical en un punto concreto de la
cinta, donde los actores, en multitud, cantan el icónico tema. Para
ello, la cámara muestra un gran número de intérpretes al tiempo,
quienes han debido tener un proceso de preparación para la
escena, así como para la colocación de las cámaras.
“Plácido”: La película navideña de Berlanga es otro gran ejemplo
de comedia coral. En este caso, al amplio plantel de personajes
que intervienen en el diálogo se le suma la situación d ellas
localizaciones en las que transcurre la acción, en interiores. Aquí,
la organización se suma a los espacios reducidos llenos de
actores que dificultan el paso de las cámaras, requiriendo gran
planificación y encuadre.

(3 puntos) ¿Qué es la comedia dialogada? Indica y desarrolla sus rasgos principales (1,5 puntos). Cita dos comedias de Woody Allen argumentando por qué
pertenecen al género (0,75 puntos).

DESCRIPCIÓN EJEMPLOS

Con la llegada del cine sonoro en 1927, aparece un nuevo género, la comedia
dialogada que aprovecha al máximo la introducción y desarrollas de la bandas
sonoras y específicamente de los dialogos. Al tratarse de un género teatral con
una larguísima tradición, la comedia se adaptó rápidamente al abanico de
preferencias de los espectadores cinematográficos. Al igual que sucede con su
vertiente escénica, la comedia acredita en el cine una cualidad satírica, bromista,
burlesca, con una propensión más o menos marcada hacia el reflejo grotesco de
las costumbres sociales. De hecho, la comedia proyecta el despropósito de ciertas
convenciones, y en esta línea se fomenta en ella una línea carnavalesca, que logra
la comicidad por medio de una interrupción del orden establecido, poniendo del
revés las normas y desintegrando los criterios de urbanidad para, al final del
espectáculo, restituir el orden que antes fue alterado.
Pese a recurrir con frecuencia a los estereotipos, la comedia dialogada incide en la
singularidad psicológica de sus personajes, con frecuencia derrotados por un
cúmulo de situaciones que, por azar, logran superar. A imagen de su contrapartida
teatral, también el cine de comedia asume diversas tendencias, como la farsa, el
vodevil, el sainete y la comedia sentimental, que se adapta a las convenciones del
lenguaje fílmico. Frente a la fisicidad, dinamismo e impulso circense del cine
mudo, la comedia cinematográfica posterior opta por el diálogo ágil y el juego
de los equívocos.
En el desarrollo de la comedia dialogada desempeñaron una función destacada,
por ejemplo, el alemán Ernst Lubitsch autor de Ser o no ser y el austríaco Billy
Wilder, director entre los más grandes, con excelentes títulos como Sabrina, Con
faldas y a lo loco o El apartamento, que llevaron al cine estadounidense el ritmo
incansable del vodevil centroeuropeo.
Woody Allen es uno de los directores más prolíficos de la historia, ha realizado una película al año desde 1982 (y en
más de una ocasión hizo dos películas en un año). Conocido por su estilo de dirección “minimal”, prefiriendo capturar
escenas de diálogo en planos generales (registradas con toda la acción de la secuencia de principio a fin sin cortes).
Se le considera un director de actores. Comenzó con el stand-up y el teatro, pero pasó con bastante rapidez a la
pantalla grande. Allen comenzó su carrera con películas cómicas, con muchos gags e incluso slapstick como Coge el
dinero y corre, El Dormilón o Bananas. Desde estos títulos el público se familiarizó con el neurótico "personaje de
Woody Allen" por el que sus comedias son famosas.
Más tarde llegaría Annie Hall, 1977 que marca un hito en la carrera de Woody Allen. El comienzo del desarrollo pleno
de su cinematografía con los diálogos como elemento esencial. Con esta película Allen rompe con esas comedia
anteriores, enlace continuo de de gags, muchas veces visuales, para introducirse en un un tipo de comedia agridulce,
llena de diálogos ingeniosos. Alvy Singer, un cuarentón bastante neurótico, trabaja como humorista en clubs nocturnos.
Tras romper con Annie, reflexiona sobre su vida, rememorando sus amores, sus matrimonios, pero sobre todo su
relación con Annie. Al final, llega a la conclusión de que son sus manías y obsesiones las que siempre acaban
arruinando su relación con las mujeres. Todas las obsesiones (posteriormente profundizadas) del realizador judío
coinciden, por primera vez, en pantalla, el amor, el sexo, la muerte, la religión... Esta es la película que hizo que los
críticos lo tomaran en serio como cineasta, no solo como comediante. Es posible que Annie Hall contenga todos los
recursos narrativos imaginables. Lo realmente asombroso es lo bien que funciona todo junto. Supone un salto a la
madurez cómica y dramática.
En Misterioso asesinato en Manhattan, 1993 Allen vuelve a encontrarse con Diane Keaton. Esta vez la actriz
representa a una aburrida ama de casa de Manhattan, que empieza a sospechar que su vecino ha asesinado a su
mujer. El marido de Keaton, el personaje interpretado pos Woody Allen la tacha de paranoica y trata de quitarle de la
cabeza esa descabellada idea, pero ella se empeña en investigar y empieza a seguir a su vecino con la ayuda de su
amigo, que siempre se ha sentido atraído por ella. El personaje de Allen, espoleado por los celos y por una seductora
escritora (Anjelica Huston), también interesada en el caso, se une de mala gana a la investigación. Todo este enredo,
lleno de diálogos hilarantes, es una mezcla incatalogable de comedia y thriller y que, con fórmulas de aquella y de este,
resulta un híbrido raro y sin antecedentes, en el que une hilos muy dispares, pero que, pese a esta disparidad, funciona
a la perfección en escenas excelentes, de entramado ágil y divertidísimo, al mismo tiempo por su precisión y por su
espontaneidad. Así por ejemplo, la escena de la claustrofobia de Woody en un ascensor (“el colmo de un neurótico
claustrofobia y un cadaver”), o la del barullo de la grabación en una llamada telefónica, que entran en cualquier
selección de grandes momentos del humor hecho imagen
CULTURA AUDIOVISUAL II CINE 4 de 5
(3 puntos) Analice qué es la diégesis y establezca las diferencias entre música diegética y música extradiegética. Mencione y explique un ejemplo de cada una de
ellas (2,0 puntos cada ejemplo).

QUÉ ES LA MÚSICA MÚSICA DIEGÉTICA EJEMPLO EXTRADIEGÉTICA EJEMPLO DIEGÉTICA

DIÉGESIS EXTRADIEGÉTICA

El término diégesis De este modo, se Al contrario la música A lo largo de la historia del cine existen multitud de Un muy famoso ejemplo de música intradiegética o diegética
deriva del vocablo conoce como música intradiegética o diegética es la ejemplos perfectamente válidos para poner de sería el caso de la escena del “Tócala, Sam”, de Casablanca
griego διήγησις extradiégetica a la que que pertenece al mundo donde manifiesto las características de la música (Casablanca, Michael Curtiz, 1942), con una gran carga
(relato, exposición, suena mientras ocurren ocurren los acontecimientos extradiegética canónica, señalamos al compositor narrativa y emocional depositada en ese fragmento de música
explicación), y se los acontecimientos de narrados: los espectadores cinematográfico más laureado de la historia, John diegética. En Haz lo que debas (Do the Right Thing, Spike Lee,
refiere al mundo la película, si bien solo la escuchan lo mismo que los Williams. Citamos el ejemplo del score de Indiana 1989) el uso de la música pretende ser diegético durante todo
(ficticio) en el que escuchan los personajes. La traslación Jones en Busca del Arca Perdida (Raiders of the Lost el metraje (si bien no está completamente claro a oidos del
ocurren las espectadores y no los dramática de la música, esto es, Ark, Steven Spielberg, 1981), en la famosa escena del espectador), sin embargo, en el fragmento final en la pizzería y
situaciones y personajes. Esto es, no su componente emocional deriva combate a espada: en apenas 30 segundos, y la posterior revuelta, Spike Lee hace un uso sensacional de la
acontecimientos forma parte de ese tanto de la propia música (en su siempre dentro de un tono arabesco u orientalista, la música (esta vez sí, claramente diegética) como detonador de
narrados; mundo (ficticio), la escucha por parte del música va de la ligereza humorística, cambia a un tono acontecimientos. Solo suena los primeros 40 segundos, y es
diégesis, donde los espectador) como de la menor con un acorde disonante para presentar al su empleo, su importancia como personaje y, eventualmente,
La expresión acontecimientos y las percepción emocional que tienen enemigo (aquí, la característica emocional de la su fin, el generador fundamental de la narración, dejando el
diégesis se emplea situaciones ocurren. los personajes al experimentarla. música, el tono menor y el acorde disonante, enfatiza resto del fragmento sin música de ningún tipo.
sobre todo para el peligro al que se enfrenta el protagonista), y vuelve
referirse a la La mayoría de las bandas al ligero tono mayor armónico con la ‘resolución’ del Desde luego, la música para el cine no puede únicamente
música asociada al sonoras realizadas para el combate. discriminarse en estos dos términos dentro de la misma
cine. Aplicado a los audiovisual son o bien clasificación. Existen desde siempre las componentes híbridas,
elementos de una exclusivamente no diegéticas o La música extradiegética es la base de la mayoría de siendo la más clásica (y conocida) la relativa al género musical.
banda sonora, este básicamente no diegéticas. La las bandas sonoras que conocemos, puesto que de Esto es, la música instrumental es extradiegética, pero
concepto se música no afecta a la narración hecho, nace de la propia musicalización de las funciona como acompañamiento a la voz, que es diegética y
emplea sobre todo del argumento o la historia, sino primeras películas mudas, que se realizaba con un parte ineludible del diálogo. Lo que viene a ser una ópera
en relación con la que se adapta, se añade a ella. piano en directo, en la propia sala de proyección. clásica. Cualquier ejemplo es bueno. En Cantando Bajo la
música. Usualmente este añadido es real, Lluvia (Singin’ in the Rain, Stanley Donen, Gene Kelly, 1952) se
puesto que la banda sonora casi En la música diegética no siempre vemos la fuente de puede apreciar como el cuerpo instrumental enlaza muy
siempre se compone después de manera directa, pero está dentro del film, es parte de suavemente desde el propio score al acompañamiento de la
la finalización del rodaje y se la escena y los personajes interactúan con ella, y voz de Gene Kelly.
añade a la grabación final una aunque no se muestre la fuente sonora se sabe su
vez terminada la edición de la procedencia.
misma.

(2 puntos) ¿Qué es una banda sonora? Describe los tipos de sonidos que la integran (1 punto). Menciona dos compositores extranjeros de bandas sonoras y un
filme de cada uno de ellos (0,5 puntos).

BANDA SONORA ELEMENTOS/TIPOS DE SONIDO EJEMPLOS

El concepto de banda sonora abarca todos los La banda sonora está integrada por varias pistas de sonido que John Williams (Tiburon, Star Wars, Superman, Indiana Jones, E.T., Jurassic Park, Harry
sonidos que escuchamos en una obra audiovisual, pueden presentarse mezcladas o por separado y que son: los Potter...) Ennio Morricone (Novecento, Érase una vez en América, La misión, Cinema
sea una película, un programa de televisión o diálogos, la voz en off o voz superpuesta, la música, el sonido Paradiso…).
incluso un videojuego. También se aplica esta ambiente y los efectos de sonido.
denominación a la música, entendida como obra
artística independiente y que en muchas
ocasiones llega a caracterizar e incluso a hacerse
más famosa que la obra audiovisual de la que
proviene.

(3 puntos) Explique las funciones de los elementos que componen la banda sonora de una pieza audiovisual (0,75 puntos cada elemento):

― Palabra ― Música ― Sonidos / efectos ― Diálogos

CULTURA AUDIOVISUAL II CINE 5 de 5

Palabra. Diálogos: La función principal del diálogo cinematográfico es proporcionar la información que no se consigue mostrar con la acción propiamente dicha. Lo importante del diálogo cinematográfico o
televisivo es que sea dinámico y verosímil. El espectador debe captarlo como si fuera natural. Los diálogos se pueden registrar de dos formas, en sonido directo durante el rodaje o posteriormente en un
estudio de sonido con el doblaje de las voces, bien por los mismos actores de las imágenes o por otros actores especialistas en doblaje.
Palabra. Voz en off: La voz en off o voz superpuesta, es una técnica de producción donde se retransmite la voz de un individuo que no está visualmente delante de la cámara durante una producción
audiovisual.
Sonidos. Efectos: Los efectos sonoros, también llamados ruidos, son utilizados en paralelo a las imágenes o como contrapunto y se convierten en elementos de importancia expresiva, creando ambientes y
emociones, y dando fluidez a la narración. A estos efectos se les conoce con el nombre de efectos de sala o Foley, el término foley debe su nombre al neoyorquino Jack Foley, el cual desarrolló muchas de
las técnicas que ahora se llevan a cabo en esta fase de la producción sonora.
Música: Tiene diferentes cometidos.
Ambientar las épocas y los lugares en los que transcurre la película. Crear el tono y la atmósfera de la película.
Acelerar o retardar el ritmo según la acción que acontezca.
Sustituir diálogos innecesarios.
Mediante la técnica del leitmotiv se atribuye a cada personaje o acción un tema musical que se repite cada vez que aparece.

(2 puntos) ¿Qué es el diseño universal? Explique dos herramientas para intentar lograrlo en la edición industrial de un DVD o un Blu Ray de una película. 

DISEÑO UNIVERSAL SUBTITULADO AUDIODESCRIPCIÓN

El diseño universal es un paradigma del diseño
relativamente nuevo, que dirige sus acciones al
desarrollo de productos y entornos de fácil
acceso para el mayor número de personas
posible, sin la necesidad de adaptarlos o
rediseñarlos de una forma especial.
“Accesibilidad Universal es la condición que
deben cumplir los entornos, procesos, bienes,
productos y servicios así como instrumentos,
herramientas y dispositivos, para ser
comprensibles, utilizables y practicables por todas
las personas en condiciones de seguridad,
comodidad y de la forma más autónoma y natural
posible”
Para hacer accesible un material audiovisual
contamos con los siguientes métodos:
- El subtitulado y el signado, para las personas
posición en la pantalla.
con discapacidad auditiva
- La audiodescripción y la audionavegación
para las personas con discapacidad visual.
Subtitulado para personas con discapacidad auditiva
El subtitulado para sordos consiste en la proyección de texto escrito en
pantalla simultáneamente a las imágenes, ese texto refleja los diálogos y
efectos sonoros (risas, truenos, sonidos de sirenas, etc.) que permiten
transmitir la información sonora a las personas que no pueden oírla. Para
facilitar la identificación de los personajes se emplean colores (amarillo,
verde, cyan, magenta, por orden de protagonismo o mayor número de
intervenciones y blanco, para el resto de personajes) y guiones (para
indicar a veces cambio de personaje).
Un buen subtitulado para personas con discapacidad auditiva tiene que
cumplir los siguientes requisitos:
- Que los diferentes personajes que intervienen en la obra audiovisual
estén claramente identificados.
- Que la tipografía corresponda a criterios de máxima legibilidad. Igual que
la elección de color, tamaño y
- Que se hayan descrito los efectos sonoros de la obra haciendo evidente
su diferenciación del resto del diálogo.
- Que al realizar la división de un subtítulo en líneas se han aprovechado
las pausas del discurso de forma que no sea excesivo el número de
caracteres por línea.
- Que se haya descrito la información tonal relevante de manera que se
transmita el mensaje de la manera
más completa posible obra.
- Que la velocidad de exposición del subtítulo permita leerlo sin dificultad.
- Que los subtítulos estén bien sincronizados con la información sonora y
visual de la
- Que los subtítulos sean correctos ortográfica y gramaticalmente.
Audiodescripción para personas con discapacidad visual
La audiodescripción, consiste en aprovechar las pausas en los diálogos de
los personajes de la película (o material audiovisual) para describir aquellos
aspectos visuales que facilitan la comprensión a aquellas personas con
ceguera o algún tipo de discapacidad visual grave.
Los requisitos que debe cumplir una buena audiodescripción son:
- Que la información de la audiodescripción se encuentra contenida en los
silencios de audio apropiados y con la cantidad de información adecuada
para no provocar el cansancio del oyente.
- Que la audiodescripción está realizada en el mismo idioma que la banda
sonora de la película.
- Que utiliza un vocabulario adecuado teniendo en cuenta la trama de la
acción dramática, los ambientes y
datos plásticos contenidos en la imagen.
- Que se adecúa al tipo de obra y a las necesidades del público al que se
dirige. Que evita describir lo que se deduce fácilmente de la obra.
- Que no se descubren ni adelantan sucesos de la trama y no rompe
situaciones de tensión dramática, misterio o suspense ni transmite puntos
de vista subjetivos.
- Que la selección del locutor y el tono de la locución son adecuados para
la obra Integración de los elementos de accesibilidad en el cine.
CULTURA AUDIOVISUAL II EFECTOS 1 de 2
(2 puntos) ¿Qué es el efecto denominado “doble exposición” (1,5 puntos). Cita algún ejemplo en la historia del cine o de la fotografía actual (0,5 puntos).

DESCRIPCIÓN EJEMPLO

La doble exposición, ya empleada por Méliès, es un efecto especial que consiste en que el negativo
queda expuesto en dos ocasiones (o más). El resultado consiste en una imagen doble o
sobreimpuesta que produce un efecto muy interesante.
Antiguamente esta técnica era llevada a cabo mediante el uso del sistema analógico. Usando el
analógico se trataba de no pasar el carrete para que la segunda imagen quedara grabada al
negativo ya expuesto. O volver a exponer la película para conseguir la superposición de imágenes.
En la actualidad se emplean técnicas digitales para conseguir el efecto.
Ejemplo: La brillante escena del proyeccionista en “El moderno Sherlock Holmes” de Buster Keaton.
El genio cómico grabó una escena superponiendo dos imágenes que nos acerca al cine como
maquina de sueños. Keaton interpreta a un proyeccionista. Se queda dormido, sueña con el cine y
entra en una película. De repente, ¡pam!, un corte. El mundo que lo rodea se convierte en otro mundo
de forma instantánea y mágica. Keaton además de mostrarnos el efecto de la doble exposición daba
cuenta del enorme salto conceptual que supuso la edición, 21 años después de Vida de un bombero
americano.

(2 puntos) ¿Qué es el efecto denominado “noche americana” (1,5 puntos). Cita algún ejemplo en la historia del cine o de la fotografía actual (0,5 puntos).

DESCRIPCIÓN EJEMPLO

La noche americana es una técnica utilizada para simular una ambientación nocturna en una escena
rodada a la luz del día. Consiste en filmar escenas durante el día utilizando un filtro en cámara, de
color azul si se filma en color, o bien de color rojo si se utiliza película en blanco y negro, y
subexponiendo la imagen, a modo de conseguir una imagen oscurecida y azulina, en su caso. De
esta forma, se simula la noche y la luz de la luna.
Ejemplos: “Lawrence de Arabia”, de David Lean en 1962. El efecto de noche americana fue quizá el
único recurso de David Lean para rodar las escenas nocturnas de la película en el desierto. Ya en el
siglo XXI en “Mad Max: Furia en la carretera”, George Miller actualiza digitalmente el efecto para
transformar los amarillos brillantes del desierto diurno en azules intensos propios de un océano en
las escenas nocturnas de la última entrega de la saga de road movie posapocalíptica. Un último
ejemplo “Tiburón”, 1975 de Steven Spielberg. Por ejemplo el primer ataque del Tiburón que abre la
película se rueda con el efecto noche americana, con los destellos de la luz del sol sobre el agua se
muestran como si fueran los de la luna, aunque no necesariamente sean muy creíbles.

(2 puntos) ¿Qué es la técnica denominada “Stop motion”? (1,5 puntos). Mencione algún ejemplo cinematográfico (0,5 puntos).

DESCRIPCIÓN EJEMPLO

Stop motion es una técnica que utiliza métodos fotográficos como medio de captura y reproduce
secuencias de fotografías para producir un movimiento continuo en la pantalla. En términos simples,
el stop motion es una técnica de realización de películas fotográficas en la que un objeto se mueve
frente a una cámara y se fotografía muchas veces. Esto es, se crea la totalidad de lo rodado
fotograma a fotograma. Un experto pionero fue el español Segundo de Chomón en “El hotel
eléctrico” 1908.
Uno de los animadores más famosos empleando esta técnica es el legendario Willis O’Brien. Su
trabajo en la película "El mundo perdido” (1925) fue asombroso para su época. Más tarde produjo la
animación para una de las mayores producciones cinematográficas de su época “King Kong” (1933).
Esto lo impulsó al súper estrellato y a la influencia masiva en generaciones posteriores.

(2 puntos) ¿Qué es la técnica denominada “Croma”? (1,5 puntos). Mencione algún ejemplo cinematográfico (0,5 puntos).

DESCRIPCIÓN EJEMPLO

Croma. La sustitución de fondos es uno de los efectos más utilizados en el cine y en el audiovisual Ejemplo de desarrollo del croma la adaptación de Alicia en el país de las maravillas de Tim Burton,
en general. En la era analógica se usaba el Blue hacking, que consistía en insertaron medios rodada íntegramente con ese procedimiento. En todo caso los ejemplos de empleo del croma son
fotográficos en el laboratorio, una imagen en el fondo azul sobre el que se había filmado la escena. innumerables.
La tecnología digital ha aportado el chroma key, que se basa en el mismo principio de sustitución de
un color base en el fondo por una imagen que pasa a ser el fondo de la acción en primer término,
pero con mucha mayor calidad ya que se realiza electrónicamente.
CULTURA AUDIOVISUAL II
(2 puntos) Explique qué son los efectos de sonido (1,5 puntos). Mencione dos tipos de efectos de sonido y contextualícelos en un filme y en una serie de televisión
(0,75 puntos cada ejemplo).
DESCRIPCIÓN
Por efectos de sonido entendemos sonidos producidos por la acción de distintos artefactos,
vehículos, personajes fantásticos o reales y elementos de la naturaleza.
Disparos, explosiones, truenos, aparatos, automóviles, animales, movimientos de cámara, etc. Dan
realismo, dramatismo o espectacularidad.
Se incluye a los sonidos diseñados especialmente, son sonidos incidentales comúnmente conocidos
como Foley.
Sonidos producidos por la acción de los personajes, pasos, ropas, ruidos de manipulación. Expresan
corporalidad o presencia física, en consecuencia contribuyen al realismo de la escena.
Se registran con el sonido directo, pero adicionalmente suelen grabarse en el estudio para lograr el
efecto deseado.
Son narrativamente redundantes con la imagen, pero pueden tener valor narrativo propio.
(3 puntos) Describa un efecto especial y un efecto digital (2 puntos). Mencione algún ejemplo cinematográfico de cada uno de los efectos (0,5 puntos cada
ejemplo).
EFECTO ESPECIAL
La noche americana es una técnica utilizada para simular una ambientación nocturna en una escena
rodada a la luz del día. Consiste en filmar escenas durante el día utilizando un filtro en cámara, de
color azul si se filma en color, o bien de color rojo si se utiliza película en blanco y negro, y
subexponiendo la imagen, a modo de conseguir una imagen oscurecida y azulina, en su caso. De
esta forma, se simula la noche y la luz de la luna. Mientras se filma con esta técnica, se evita filmar el
cielo. Ejemplo de este efecto pude ser Tiburón,1975, en la escena que abre la película, con el primer
ataque del tiburón, consigue un efecto estético muy bonito, con los destellos de la luz del sol sobre
el agua como si fueran los de la luna, aunque no necesariamente sean muy creíbles.
EFECTOS 2 de 2
EJEMPLO
Ejemplos de realización de efectos Foley:
- El efecto de huesos al romperse se hace con apio recién sacado del congelador, al partirse esta
suena como si estuvieran rompiéndose todos los huesos del cuerpo.
- Para el sonido del fuego se utiliza un papel de celofán o papel de burbuja y dependerá de la
intensidad que queramos darle a la fogata habremos de moverlo más o menos
- Para el sonido de un pájaro levantando el vuelo solo son necesarios dos guantes de piel que
sacudiremos juntos
- Para el sonido de unas puertas rechinando solo necesitaremos inflar un globo y dejar escapar el aire
tirando de la boquilla
Ben Burtt, reconocido efectista, fue capaz de crear más de 800 sonidos para “La Guerra de las
Galaxias” logrando algo inédito. Entre ellos se encuentra la conocida distorsión de los sables láser,
que se daba al usar un cable de audio sin aislante sobre una televisión de tubo.
En televisión, el sonido que producen las puertas correderas del Enterprise, la nave de la serie de
ciencia ficción "Star Trek", se hizo simplemente deslizando un papel dentro de un sobre.
EFECTO DIGITAL
CGI: es el acrónimo de Computer Generated Imagery, es decir, imágenes generadas por ordenador,
técnica en la que no interviene la cámara, siendo la imagen creada totalmente por medios
informáticos. Películas pioneras en el uso de imágenes enteramente generadas por ordenador fueron
Tron, 1982 y El secreto de la pirámide, 1985. Disney se anticipó en el uso de la tecnología digital con
Tron. Esta película de fantasía, incluyó por primera vez un uso intensivo de imágenes generadas por
ordenador, que llegaron a ocupar más de 15 minutos del metraje total del filme. Pixar entró en escena
para crear un plano que hizo historia para la película El secreto de la pirámide, en la que Barry
Levinson fantaseaba sobre la juventud del mítico investigador Sherlock Holmes. El ya popular
caballero de la vidriera se convirtió en el primer personaje de ficción enteramente creado mediante
imágenes generadas por ordenador.
CULTURA AUDIOVISUAL II SONIDO 1 de 2
(3 puntos) Explique qué son los efectos de sonido y para qué sirven (1,5 puntos). Mencione dos tipos de efecto de sonido y contextualícelos en un filme (0,75
puntos cada ejemplo).

QUÉ SON PARA QUÉ SIRVEN EJEMPLOS

El creador de los efectos sonoros en el cine fue Jack Donovan
Foley, más conocido como Jack Foley. Se le atribuye la invención
de añadir a las películas efectos de sonido naturales y cotidianos
de las personas y objetos tales como pasos, aleteo de pájaros u
objetos moviéndose en superficies, entre otros ejemplos. Estas
creaciones de sonido se realizan de acuerdo a la imagen que se
está emitiendo para darle un toque más realista. Los efectos de
sonido tienen que grabarse paralelamente a la película porque no
pudieron ser grabados en el momento de la filmación.
Reproducir sonidos cotidianos no es nada sencillo si hay que
hacerlo de forma artificial. Las personas encargadas de esta parte
(Foley Artist) suelen ser grandes olvidados de la industria
cinematográfica. Sin embargo, tienen un papel fundamental ya que
han de estudiar y conocer a la perfección los sonidos y los
materiales, e incluso seguir innovando constantemente, para
encontrar nuevos sonidos que puedan innovar, mejorar o ensalzar
los que ya conocían.
El sonido foley es fundamental para hacer mucho más rico el
sonido de una película. Tanto si es de ficción como si es
documental, cualquier producción cinematográfica profesional
tiene sonido foley.
Esto es así porque a veces el sonido real que se produce al
recoger el sonido directo no es tan verosímil como el que puede
crear un foley artist en su estudio. Pensad en el aleteo de un pájaro
a cámara lenta, por ejemplo.
Además, este tipo de sonidos ayudan muchísimo a contar la
historia. El desarrollo del sonido foley hoy día es tan meticuloso,
que si estamos en el cine y cerramos los ojos, seremos capaz de
apreciar muchísimos detalles de lo que está pasando en la escena,
expandiendo nuestros sentidos más allá de la imagen. E incluso
podremos entender todo lo que está sucediendo, y transportarnos
hasta ese lugar.
Pongamos unos ejemplos: El efecto de huesos al romperse se
hace habitualmente con una mata de apio recién sacada del
congelador, al partirse esta suena como si estuvieran
rompiéndose todos los huesos del cuerpo. En Terminator el
artista de Foley usó pistachos para recrear el sonido de
cráneos aplastados. En El Club de la Lucha se experimentó
con todo tipo de cosas diferentes para recrear los golpes y
lesiones en el cuerpo durante las peleas. Algunos de ellos
incluían cascar nueces, golpear trozos de carne con cerdos y
destrozar cadáveres de pollo con bates de béisbol. Para el
sonido del fuego se suele emplear un papel de celofán o papel
de burbuja y dependerá de la intensidad que queramos darle a
la fogata habremos de moverlo más o menos. Para el sonido de
unas puertas rechinando solo necesitaremos inflar un globo y
dejar escapar el aire tirando de la boquilla. Algunos sonidos son
más particulares, por ejemplo en la película de Pixar Inside Out
se debía crear el sonido del mundo dentro de la mente de la
niña protagonista, para ello grabaron cangrejos caminando en
la arena.

(2 puntos) Explique la diferencia entre el sistema de sonido estereofónico y el sistema de sonido 5.1.

ESTEREOFÓNICO 5.1

El sonido estéreo o estereofónico es creado por dos canales de audio o altavoces independientes y
proporciona un sentido de direccionalidad porque los sonidos emanan de diferentes direcciones.
El sonido estéreo puede reproducir sonidos y música de varias direcciones o posiciones de la forma
en que oímos las cosas naturalmente, de ahí el término sonido sólido. El sonido estéreo es una forma
común de reproducción del sonido.
El sonido multicanal, también conocido como sonido envolvente, se crea mediante al menos cuatro y
hasta siete canales de audio independientes o altavoces colocados delante y detrás del oyente que
rodea al oyente en sonido.
Uno de estos sonidos multicanal es el 5.1. El sonido de 5.1 canales es un formato de sonido estándar
de la industria para películas y música con cinco canales principales de sonido y un sexto canal de
subwoofer (llamado el canal de punto uno) utilizado para efectos especiales de películas y bajos para
música. Un sistema de 5.1 canales consiste en un par de altavoces estéreo, un altavoz de canal
central situado entre los altavoces estéreo y dos altavoces de sonido envolvente situados detrás del
oyente. El sonido de 5.1 canales se encuentra en los discos DVD de películas y música y en algunos
CDs.

(2 puntos) Señale tipos de micrófonos según directividad indicando ejemplos de sus uso.

BIDIRECCIONALES OMNIDIRECCIONALES DIRECCIONALES

CULTURA AUDIOVISUAL II SONIDO 2 de 2

Bidireccionales: está diseñado para captar el audio tanto desde la
parte delantera como de la trasera del micrófono, sin captar en los
laterales. Se suelen utilizar para grabar entrevistas de radio o
podcasts.
Omnidireccionales: son los micrófonos que captan el audio con la
misma sensibilidad en todas las direcciones. Normalmente estos
micrófonos omnidireccionales se utilizan cuando no puedes
controlar del todo la grabación de audio, como en una conferencia
de prensa, un sujeto en movimiento, sonido ambiente.
Direccionales (Unidireccionales o cardioides e Hipercardioides):
toda la parte frontal. Los micrófonos unidireccionales se utilizan
en aplicaciones en las que la fuente de sonido objetivo que se
va a grabar está directamente delante del micrófono, y todos los
demás sonidos en la habitación que pueden estar en los
laterales y en la parte trasera no quieren ser grabados. Por
ejemplo, voz de un locutor de radio.

(2 puntos) Defina qué es el sonido y analice sus características (0,5 puntos cada definición).

- Sonido - Timbre - Tono - Intensidad

SONIDO TIMBRE TONO INTENSIDAD

El sonido es la sensación producida por las
variaciones de presión que, generadas por el
movimiento vibratorio de un cuerpo (la fuente), se
propagan en forma de ondas a través de un
medio elástico, bien sea gaseoso, líquido o solido.
El timbre. Son las frecuencias secundarias. En la
vida cotidiana no existe ningún sonido puro, de
manera que la onda principal tienen acompañadas
de otras frecuencias secundarias que son
múltiples de la principal y se llaman armónicos.
Por eso distinguimos una misma nota (misma
frecuencia) emitida por distintos instrumentos. El
número en intensidad de sus armónicos les
diferencia.
El tono. Es la frecuencia de la onda y gracias a
él distinguimos entre sonidos graves y agudos.
Los primeros son las frecuencias bajas y los
agudos, las altas. Se mide en ciclos/seg o
hercios (Hz).
Intensidad. Es la cantidad de energía acústica
que contiene un sonido. Determinada por la
amplitud de la onda, se traducen el volumen
con que lo escuchamos. Atendiendo a esta
cualidad podemos distinguir los sonidos fuertes
de los débiles o suaves. La intensidad del
sonido se representa en partituras mediante
matices o indicaciones dinámicas. Se mide en
decibelios (dB)

(2 puntos) Defina y explique la diferencia entre los conceptos de amplitud y frecuencia de una onda sonora.

AMPLITUD FRECUENCIA

La amplitud es la máxima altura que alcanza la onda. La amplitud indica la magnitud de las
variaciones de presión. Se mide en metros (m). Cuanto mayor sea este valor más fuerte será la
sensación de sonido que percibimos. Debido a que el rango de amplitudes que el oído es capaz de
detectar es muy amplio, se utiliza una escala cuya unidad es el decibelio (dB) para facilitar su
valoración.
La frecuencia indica la velocidad de las variaciones de presión por segundo. Se mide en Herzios
(Hz), que es el número de variaciones por segundo. El rango de frecuencias que es capaz de percibir
el oído humano es muy amplio y se subdivide en tres zonas: Graves, medios y agudos.
A mayor frecuencia, menor es la longitud de onda y cuando la frecuencia es menor, mayor es la
longitud de onda.

(2 puntos) Cite los elementos que presenta el sonido como movimiento ondulatorio.

AMPLITUD

En el estudio de los movimientos ondulatorios es importante conocer:

Amplitud (A): Es la máxima distancia que separa un punto de su posición de equilibrio.
Longitud de onda (λ): Es la distancia que hay entre dos puntos consecutivos en concordancia de fase.
Período (T): Es el tiempo que tarda en propagarse la perturbación una distancia equivalente a su longitud de onda.
Velocidad de propagación (v): es la velocidad con que se transmite la perturbación. Frecuencia (ν) (letra griega que se pronuncia “nu”): Es el número de oscilaciones por segundo.
CULTURA AUDIOVISUAL II SERIES 1 de 6
Tabla fundamental para las preguntas sobre formatos de series.

TIPOS DE SERIES DESCRIPCIÓN ARTICULACIÓN PRODUCCIÓN ESTILO NARRATIVO EJEMPLOS

SERIES La serie es el modelo de ficción más específicamente televisivo. Podríamos definirla como narrativa de carácter audiovisual que se difunde por televisión, en entregas
periódicas, manteniendo cada una de ellas una unidad y continuidad argumental o al menos temática con los episodios anteriores y posteriores. Puede constar de una o
más temporadas. Esta consecución episódica de relatos en su esquema más usual contiene un número de  personajes fijos  relacionados por  unas tramas  que: a)
se continúan durante varios episodios o durante una temporada o en toda la serie, como las telenovelas; o b) se concluyen en cada episodio, como las procedimentales.

En cuanto a géneros podemos señalar, entre otros, los siguientes: Thriller e intriga. Dentro de él podemos encontrar el thriller psicológico, el suspense o las series policíacas.
Algunos ejemplos son Breaking Bad, Sons of Anarchy. o La Casa de Papel. Ciencia ficción. Ejemplos: Black Mirror, El Mandaloriano, The Leftovers o Stranger Things.
Fantásticas. Juego de tronos o El Ministerio del Tiempo. Históricas o biográficas. The Crown, Peaky Blinders o Narcos. Dramas políticos o sociales. Chernobyl, The Good
Wife o House of Cards. Médicas. The good doctor o Anatomía de Grey. Comedia. Dentro de ésta, comedias de situación, comedias dramáticas o comedias irreverentes. The
Big Bang Theory, Orange Is The New Black o Sex Education. Terror. American Horror Story, Outsider o The Haunting of Hill House. Telenovelas. Dinastía o La Rosa de
Guadalupe. Animación. Rick y Morty o Bojack Horseman. Juveniles e infantiles. Merlí, Pippi Calzaslargas, Misfits, Skins, Documentales. Cosmos o El hombre y la tierra.

MINISERIES La miniserie es un tipo de serie
televisiva de corta duración. Se
diferencia de otras series
principalmente por tener un
número de episodios previamente
estipulado y cerrado, y por seguir
una línea argumental con
desenlace a lo largo del conjunto
de episodios. Esto es, los
episodios no son unitarios.
Normalmente su programación es
semanal, aunque también se
prodiga la continuidad en dos, tres
o cuatro días en la televisión lineal.
En todo caso, en la actualidad, su
distribución más frecuente en
plataformas de televisión en
streaming, hace que habitualmente
se estrenen al tiempo todos los
episodios de la miniserie.
Su público se ha reconfigurado,
conformando audiencias
diferenciadas, dispuestas a
establecer un “pacto de lectura”
con la serie, y destinar el tiempo
necesario para el abordaje de
contenidos profundos y mensajes
de larga duración, lo que se ha
visto favorecido por la multiplicidad
de soportes y medios para acceder
a las series. Esto permite una
identificación importante con los
personajes y sus estilos de vida.
Debemos diferenciar entre los
términos de “limited series” y
“miniseries”, que en algunos
casos son equivalentes, pero
puede tener sutiles diferencias.
Los dos tienden a ser dramas
desarrollados en un número
limitado de episodios, pero
incluyen un tiempo limitado
particular. Las “limited series”
tienden a durar más, usualmente
de 6 a 12 episodios, mientras que
las miniseries típicamente son de
4 a 6 episodios, a veces son
transmitidas en bloques de dos.  Los movimientos de cámara
Cada una de estas opciones es
una gran oportunidad para un
guionista que quiere escribir una
idea que necesita contar con
más tiempo que en una
película. En algunos casos una
serie limited exitosa tendrá una
segunda temporada. En ambos
tipos, todos los episodios
poseen una única
trama principal que va
resolviéndose, episodio tras
episodio, como si de un extenso
film se tratase. Los episodios
suelen cerrarse con un
clímax que genere una
expectativa en el espectador
para engancharle al próximo
episodio.
Tradicionalmente se identifica
con una producción ambiciosa
desde el punto de vista formal
(ambientación, decorados,
exteriores, muchos extras...),
reparto con actores y actrices
famosos. El tratamiento
estético es similar al del cine.
La calidad de Imagen tiene la
nitidez de una película. Esto se
debe a los tratamientos y
adiciones de filtros en
posproducción.
son los característicos de cine,
entre ellos el travelling sobre
rieles, grúas, steadycam, entre
otros. El tratamiento de Arte y
Fotografía es muy detallado, y
difiere en todo aspecto con el
de una telenovela. El manejo
de la iluminación, escenografía,
vestuario, maquillaje denotan
un gran trabajo que enriquece
el producto final, hasta puntos
nunca antes pensados para la
televisión. Además, utilizan
muchos escenarios naturales,
que generan una alta
credibilidad y verosimilitud en
los televidentes. El tratamiento
del sonido, la musicalización y
los efectos sonoros, demostró
en los telefilmes que la música
es una buena generadora de
sensaciones, que hasta en
algún punto puede llegar a
generar más sensaciones que
un diálogo.
Históricamente, este formato ha
desarrollado la adaptación de
obras literarias ('Fortunata y Jacina',
'La regenta'...), la recreación de
acontecimientos históricos o
biográficos, o acontecimientos o
sucesos ocurridos o no, en la vida
real de personajes anónimos. La
nueva generación de series
televisivas, presenta historias con
estructuras dramáticas complejas,
cuyas temáticas y tratamientos
buscan ser innovadores.
Es posible identificar una estructura
del relato en sus tres componentes:
la confrontación (unidad funcional
originada por el nudo o problema
que ha de enfrentar el protagonista),
el desarrollo (en el que se
presentan las subtramas y el arco
dramático de los personajes) y el
desenlace, cuando las acciones
revelan una mejoría o un deterioro
de la situación inicial. Estos tres
segmentos pueden ser reconocidos
como “actos”, siguiendo el modelo
del guion dramático. Es posible el
reconocimiento de los tres actos en
un capítulo, o en toda la miniserie.
Las series actuales tienden a la
explotación del antihéroe
humanizado. Los rasgos más
característicos de lo que se conoce
como antihéroe en la actualidad
aluden una mezcla de héroe y
villano caracterizada por la
ambigüedad moral para alcanzar
determinados fines y la
contradicción entre los ideales (si
existen) y las acciones. Mezclan
rasgos admirables (profesionalidad,
inteligencia, valentía) con otras
características despreciables
(violencia, mezquindad, engaño,
crueldad)”.
“Gambito de dama” es una
historia ficticia que sigue la vida
de una huérfana prodigio del
ajedrez, Beth Harmon (Anya
Taylor-Joy), durante su
búsqueda para convertirse en
la mejor jugadora de ajedrez
del mundo mientras lucha con
problemas emocionales y
dependencia de las drogas y el
alcohol. La historia comienza a
mediados de la década de
1950 y continúa hasta la de
1960.
Cuenta con una dirección de
arte tan potente como la trama.
Perfectamente ambientada en
los años 60, la casa de la
protagonista y los hoteles de
los torneos se llenan de flores
color pastel y patrones en
diamante en las paredes.
Decoraciones de figuras
geométricas y abstractas que
remiten al funcionamiento del
cerebro de Beth Harmon al
jugar al ajedrez. La dirección es
excelente y nos remite al
desarrollo más estético del
lenguaje cinematográfico
clásico.
La miniserie “Gámbito de
dama" se desarrolla en 7
episodios de unos 65 minutos
de duración cada uno.
CULTURA AUDIOVISUAL II
TIPOS DE SERIES DESCRIPCIÓN
SITCOM Una telecomedia o comedia de
situación/es, conocida en inglés
como sitcom (acrónimo
de situation comedy), es un tipo
de serie televisiva de comedia
cuyos episodios se desarrollan
regularmente en los mismos
lugares y con los mismos
personajes. Se suelen incluir risas
grabadas o en vivo. Tiene sus
orígenes en los Estados Unidos de
la década de 1950, coincidiendo
con la posguerra y con el auge y
difusión por los hogares de la
televisión como electrodoméstico
para el entretenimiento, con series
emblemáticas de mundos felices
como “I love you, Lucy”.
A pesar de que se trata de un
formato diseñado en origen para
audiencias de todos los públicos, a
modo de entretenimiento familiar,
especialmente gracias a la
aparición y consolidación de
canales temáticos comienzan a
producirse cada vez más comedias
de situación dirigidos a públicos y
edades específicos. Programas en
las que la comedia de situación se
reinventa a sí misma (por ejemplo,
la risa enlatada puede aparecer en
escenas de parodia de los
cánones clásicos).
Desde su origen se desarrolló
como una propuesta muy cercana
al teatro (número definido y
relativamente escaso de
personajes y de decorados, es
rodada en interiores y, muy
habitualmente, cuenta o bien con
las llamadas risas enlatadas que
interrumpen y señalan
convenientemente aquellas
escenas de marcado carácter
cómico, o bien con la presencia de
público durante las grabaciones en
directo.
SERIES
ARTICULACIÓN
La duración típica de un episodio
de comedia de situación no
supera los 30 minutos,
reservando habitualmente como
mínimo un espacio intermedio,
en el que se interrumpe la trama
del episodio, para el corte
publicitario. Esta característica
convierte a la comedia de
situación en un formato de
televisión lineal adecuado para el
llamado access prime time o la
sobremesa.
La acción que se narra es
autoconclusiva, es decir,
presentan historias que
comienzan y finalizan dentro del
mismo capítulo. Además de estas
historias, se desarrollan tramas
secundarias y paralelas, saltando
de una a otra.
Así, series sitcom como
“Friends”, “Two and a half Men” o
“The Big Bang Theory",
desarrollan sus episodios
autoconclusivos en tres actos.
No obstante hay ciertas líneas
argumentales que se extienden
hacia otros capítulos y
temporadas. En todo caso, la
progresión de los personajes es
lenta y el espectador puede
comprender la trama de un
episodio aun sin haber visto la
totalidad de la serie.
A pesar ello, debe recalcarse
que cada vez con mayor
insistencia este formato recurre a
establecer ciertos elementos de
continuidad (romances o
disputas entre los personajes, y
nuevas situaciones y contextos,
principalmente), como estrategia
de éxito contrastado en otros
formatos, para la fidelización de
las audiencias.
PRODUCCIÓN
Este tipo de series cómicas de
media hora pueden ser
Formatos de una sola Cámara
o Formatos Multicámara.
FORMATOS DE UNA SOLA
CAMARA (SINGLE CAMERA
FORMAT)
Las series a una sola cámara
tienen un look más
cinematográfico. Generalmente
no son piezas grabadas en
estudio. Por ende son más
complejos a la hora de rodar y
por lo tanto tienen costes de
producción más elevados que
los de multi-cámara.  departamento de dirección
Ejemplos: “Modern Family” o
“Schitt’s Creek”.
MULTI-CAMERA FORMAT
Shows que usan multicámaras
a veces son grabados frente a
una audiencia. Se graban
además en un conjunto limitado
de sets. Los actores desarrollan
escenas que son capturadas
desde varios ángulos al tiempo
lo que hace que el look sea el
clásico de las sitcom. Estos
shows en la mayoría de veces
tienen el típico track de risas
pregrabadas.  Habitualmente
tienen costos de producción
menores que los "single
camera". Y también son muy
rápidos de grabar.
Ejemplos: “Friends” o “Big Bang
Theory”.
ESTILO NARRATIVO
Parámetros habituales de estas
comedias:
Un grupo reducido de
personajes fijos. A pesar que
en muchas ocasiones cuentan
con un apariencia formal coral,
tiene un número limitado de
personajes principales, una
familia, una pareja, o un
reducido grupo de amigos.
Pocos decorados: Tener un
número reducido de decorados
donde centrar la acción permite
un ahorro notable en el
artística, una de las partidas de
producción que exigen mayor
inversión. Un café, el Central
Perk, y el salón de un par de
casas han sido los decorados
recurrentes de la
supercélebre “Friends”. Todos
ellos están realizados en
Estudio, lo que conlleva un
absoluto control de los efectos,
la iluminación o el
posicionamiento de las
cámaras.
La estructura de las tramas se
amolda a los cortes
publicitarios. Mientras en
Estados Unidos las líneas
dramáticas están claramente
definidas para que al introducir
los cortes se mantenga en vilo
al espectador tras los
comerciales, en nuestro país es
muy habitual que los cortes de
las series extranjeras se hagan
arbitrariamente, en ocasiones
incluso pisando frases de los
personajes.
2 de 6
EJEMPLOS
La plataforma Disney + estrenó
“Bruja Escarlata y Visión” en
2021 una serie del universo
Marvel que de forma
sorprendente se inspiraba en
las sitcom clásicas
desarrollando todas su
características.
“Wandavision” nos sitúa en
una sitcom típica de los años
50 con la Bruja Escarlata
(Elizabeth Olsen) y Visión (Paul
Bettany), dos miembros de los
Vengadores, como
protagonistas de una feliz y
próspera vida llena de amor,
casi como si vivieran
prácticamente en un cuento.
Conocen a sus vecinos, hacen
la compra, Visión trabaja,
Wanda es una típica ama de
casa de esa época y viven
como una familia normal.
Cada capítulo de la serie
avanza 10 años, por lo que la
cabecera y el estilo de la serie
va cambiando por décadas
adaptándose a la versión de
delas comedias de situación se
implementaba en cada periodo.
La primera parte en blanco y
negro de la serie fue filmada
frente a un público en vivo, al
modo de los originales “I love
Lucy” o “El show de Dick Van
Dyke”. En el segundo la
referencia es “Embrujada”, con
un opening animado al estilo
del que presentaba esa popular
serie de los años 60. Más tarde
llegarán citas a “La tribu de los
Brady” o “Enredos de familia”.
Finalmente, series más frías y
cínicas, del estilo de “Modern
Family” o “Malcolm in the
Middle”. Con un estilo de
actuación adaptado en cada
episodio.
CULTURA AUDIOVISUAL II
TIPOS DE SERIES DESCRIPCIÓN
TELENOVELA Formato de teleserie de drama de
CULEBRÓN emisión regular en capítulos de
35-50 minutos, destinado a su
consumo por audiencias adultas
en horarios de sobremesa, tarde e
incluso prime time. Consta de
repartos fijos y de tramas
cerradas en las que se narran
complejas y extensas historias de
amor, no necesariamente realistas
y generalmente de argumento
melodramático a lo largo de
numerosos capítulos, y que
normalmente tienen un final feliz
para los protagonistas.
Rebautizado con cierto desdén
como ‘culebrón', es la gran
aportación de Latinoamérica al
mundo de la ficción: la primera
telenovela se grabó en 1957.
SERIES
ARTICULACIÓN
Tienen una gran cantidad de
episodios. Hay telenovelas
conocidas como seriales abiertos
que tienen un número ilimitado
de capítulos y seriales cerrados
que tienen entre 150 a 200
capítulos.  exportaciones (tanto entre los
A nivel de contenidos, debemos
destacar que el amor romántico
desempeña en la telenovela el
papel más importante, hasta el
punto de apelar muy
habitualmente al juego de la
relación amorosa de la pareja o
parejas protagonistas como
principal motor de la trama
principal. El triunfo del amor al
final de la narración se vive como
recompensa siempre merecida,
siendo recurrentes los finales de
boda en los que el amor triunfa
por encima de todos aquellos
impedimentos factuales (disputas
familiares, conflictos de clase,
intereses perversos de terceras
personas...) que hacen
serpentear y culebrear la trama
(de ahí su acepción popular:
“culebrón”), siendo este final
expresión del triunfo del bien
sobre el mal.
Habitualmente la suma de los
capítulos desarrolla las
siguientes etapas: Prólogo.
Desarrollo de la relación. Etapa
oscura. Etapa culminante,
cumbre o decisiva. La etapa final.
Capítulos finales. Semana final.
PRODUCCIÓN
La telenovela ha sido el
principal motor de la industria
televisiva del continente
latinoamericano, tanto a nivel
de producción y consumo
domésticos, como de
propios países
latinoamericanos como al resto
del globo, especialmente a
EE.UU., España y Portugal,
países en los que se elimina la
barrera económica de los
costes de traducción). En la
actualidad ese rol de motor de
la producción del audiovisual
en un país se da en Turquía.
Los títulos de estos
productores señeros reflejan
una gran inversión para esas
industrias en la puesta en
escena, con gran despliege de
mansiones, grandes casas,
haciendas, ranchos y grandes
fincas.
En España suelen utilizarse
extensos repartos corales.
Vestuarios y escenografía de
época o contemporáneos. Se
ruedan en interior, en grandes
estudios que acogen el grupo
de escenarios necesarios para
el desarrollo de la narración.
3 de 6
ESTILO NARRATIVO EJEMPLOS
A nivel formal, las principales “Pasión de Gavilanes” es una
características de la telenovela telenovela colombiana de 2003
las encontramos en relación a que tuvo 188 episodios de
su estructura narrativa. Emplea entre 40 y 50 minutos cada
en la mayoría de los casos una uno. La historia comienza con
trama principal, en torno a la tres hermanos, los Reyes
cual gira el hilo argumental de Guerrero, que buscan vengar la
la historia, cuyo final está muerte de un ser querido. Sin
siempre determinado de embargo, en plena búsqueda
antemano. Se trata por tanto de de venganza, los tres hermanos
un producto de fácil acabarán protagonizando todo
comercialización enlatada, tipo de historias de amor y
pues se sabe desde el desamor con las hermanas
comienzo el número de horas Elizondo.
de emisión que podrá rellenar.
Este hecho afecta a todo el Telenovela llena de drama,
proceso de producción, puesto amor, desamor, romance, celos,
que desde el principio es venganza y conflictos
posible presupuestar los gastos familiares. Se trata de un
en escenografía, guión, reparto, culebrón que ha sido un gran
etc. éxito mundial.
Entre sus señas de identidad
destacan la sublimación de las
grandes pulsiones humanas
hasta limites insospechados (el
amor, la traición, la pasión, la
ambición, la lealtad... aliñado
todo con raptos, fugas, duelos,
envenenamientos...), el
marcado dualismo entre
buenos y malos, los primeros
'buenísimos' y los segundo
'malísimos'; el físico de los
protagonistas. Otros elementos
característicos de la telenovela
son la orfandad de uno de de
los protagonistas y la relación
joven pobre/chica rica o joven
rico/chica pobre. Este género
audiovisual se ha convertido
por derecho propio en el
heredero heredero de los
folletines literarios de finales
del siglo XIX.
CULTURA AUDIOVISUAL II SERIES 4 de 6

TIPOS DE SERIES DESCRIPCIÓN ARTICULACIÓN PRODUCCIÓN ESTILO NARRATIVO EJEMPLOS

SERIE (ARCO Una serie es una obra narrativa
NARRATIVO DE de carácter audiovisual que se
difunde por televisión, en
TEMPORADA) entregas periódicas, manteniendo
cada una de ellas una unidad y
continuidad argumental a largo
de cada una de las diferentes
temporadas que la componen.
Las nuevas tecnologías y las
nuevas plataformas de distribución
como Netflix modifican los hábitos
de producción y consumo. Por el
lado de la producción, las
narrativas se organizan sin la
necesidad de atenerse a las
duraciones fijas de los segmentos
y a la imposición de cortes
publicitarios. Por el lado del
consumo, exacerbando la
tendencia nacida en tiempos del
desarrollo de los DVD, desaparece
el ritual de la cita semanal o diaria,
mediante modalidades antes
impensadas, como las “maratones”
o “atracones” (binge-watching),
que para Netflix se han convertido
en un concepto estructural. De
todos modos, las estrategias
globales de la narrativa serial se
mantienen por encima de las
modalidades de distribución: es
diferente la experiencia de
recepción de un largometraje de
120 minutos que la de tres
capítulos seguidos de cuarenta
minutos de una serie.
Se articula en un número variable
de segmentos, denominados
capítulos, sin cierre,
narrativamente no
autosuficientes; los capítulos se
organizan en temporadas.
Habitualmente cada temporada
tiene 10 episodios, de poco más
de 50 minutos cada uno.
En el contexto de la serialidad,
cada capítulos ocupa un lugar
preciso en la concatenación con
los precedentes y los sucesivos;
sólo pueden ser consumidos en
un orden determinado. Su origen
se remonta al folletín y a los
radioteatros, que desarrollan
peculiares estrategias de
escritura, como la redundancia y
el cliffhanger: la primera,
mediante repeticiones o
recapitulaciones, permite llenar
vacíos y transmitir información
que algunos receptores pueden
haber olvidado o perdido al
saltearse un capítulo; el segundo
consiste en la interrupción
estratégica de la narración, “en
un punto crucial de la trama”
para mantener vivo el interés del
receptor y estimular el consumo
del segmento sucesivo.
El tratamiento estético es
similar al del cine. La calidad
de Imagen tiene la nitidez de
una película. Esto se debe a los
tratamientos y adiciones de
filtros en posproducción.
Los movimientos de cámara
son los característicos de cine,
entre ellos el travelling sobre
rieles, grúas, steadycam, entre
otros. El tratamiento de Arte y
Fotografía es muy detallado, y
difiere en todo aspecto con el
de una telenovela. El manejo
de la iluminación, escenografía,
vestuario, maquillaje denotan
un gran trabajo que enriquece
el producto final, hasta puntos
nunca antes pensados para la
televisión. Además, utilizan
muchos escenarios naturales,
que generan una alta
credibilidad y verosimilitud en
los televidentes. El tratamiento
del sonido, la musicalización y
los efectos sonoros, demostró
en los telefilmes que la música
es una buena generadora de
sensaciones, que hasta en
algún punto puede llegar a
generar más sensaciones que
un diálogo.
La serialidad televisiva más
reciente ya no suele ajustarse a
los dispositivos narrativos
“clásicos”, sino que emplea
diversas formas de ruptura,
como flashback, narradores y,
en especial, alternancias,
paralelismos e intercalados, es
decir, un tipo de construcción
multitrama, basada tanto en la
pluralidad de espacios y
personajes como en las
diferentes subtramas de cada
uno de estos. A la vez, en lo
que respecta a la dimensión
estructural, la articulación de
las subtramas produce el
fenómeno más característico
de las series televisivas
actuales, esto es, la
convivencia en un mismo
segmento narrativo de tramas
sin continuidad y de tramas con
continuidad. En el caso de las
series de arco narrativo de
temporada, unas accesorias se
desarrollan exclusivamente en
un único capítulo; mientras las
tramas principales comienzan
en un capítulo, pero tienen
parte de su desarrollo y
desenlace en otros, y
atraviesan la temporada.
“The Crown”, es una serie de
televisión estrenada en 2016.
Desde su estreno se han
desarrollado 4 temporadas. con
10 episodios de unos 55
minutos cada una.
Basada en la exitosa obra de
teatro de Peter Morgan, "The
Audience", cuenta la historia de
la actual reina de Inglaterra,
Isabel II, y de la relación entre
dos de los gobiernos más
célebres del mundo: el Palacio
de Buckingham y el número 10
de Downing Street, con las
intrigas, amores y
maquinaciones detrás de los
eventos que forjaron la
segunda mitad del siglo XX.
Dos casas, dos cortes, una
corona. Cada temporada trata
las rivalidades políticas e
intrigas personales durante una
década del reinado de Isabel II
y explora el delicado equilibrio
entre su vida privada y la vida
pública.
Producida por Netflix. Se trata
de una superproducción, una
serie apabullante, con
extraordinarias dirección de
arte, fotografía, las
interpretaciones de su reparto…
Todo resalta aún más gracias a
un guion y una dirección
magníficas.
CULTURA AUDIOVISUAL II SERIES 5 de 6

TIPOS DE SERIES DESCRIPCIÓN ARTICULACIÓN PRODUCCIÓN ESTILO NARRATIVO EJEMPLOS

SERIE Una serie es una obra narrativa
PROCEDIMENTAL de carácter audiovisual que se
difunde por televisión, en
entregas periódicas. El
procedimental o unitario sigue un
narración completa cada episodio
y los personajes tienden a ser
arquetípicos. Un espectador
puede ver un capítulo aislado de la
serie y se hace una idea general
de que trata. El arco principal de
un procedimental se da en el
mismo capítulo. Los personajes
invitados por capítulo en muchos
de los casos llegan a ser los
protagonistas o personajes que
llevan la trama del episodio.
En estas series generalmente se
introduce un problema, se
investiga y se resuelve en el
mismo episodio, es decir no se
proyecta un caso a lo largo de una
temporada. En muchos de los
casos estas series son thriller
policíacos. Un crimen se presenta
al principio del episodio.
Los arcos dramáticos de los
personajes no llegan a ser muy
pronunciados, es más, a veces
estos personajes sólo están al
servicio del caso.
Una serie procedimental es
aquella cuyos episodios se
caracterizan por ser
autoconclusivos e
independientes entre sí, esto es,
al comienzo de cada capítulo se
plantea un determinado “caso de
la semana” que se resuelve
habitualmente durante el resto
del episodio. Normalmente
suelen carecer de una historia
común a toda la temporada o, si
la tienen, tan sólo se trata de
forma superficial en la mayoría
de los episodios (véanse ‘El
Mentalista’ o ‘Life’).
La principal ventaja de los
dramas procedimentales es lo
atractivos que resultan a los
espectadores casuales o que se
han perdido varias entregas
anteriores, ya que pueden ver
perfectamente un episodio
aislado y disfrutarlo igualmente
sin haber visto el resto, pese a
que se puedan perder algunos
detalles de continuidad. Además,
suelen funcionar mejor a la hora
de ser emitidos como
reposiciones, puesto que no es
necesario llevar un orden
determinado para que la historia
tenga sentido.
Normalmente son obras
audiovisuales que no tienen
numerosos decorados donde
centrar la acción, lo que facilita
las grabaciones y suponen un
ahorro notable en los costes. Es
cierto que a lo largo de los
últimos años y, aún a costa de
encarecer el producto, ha
aumentado notablemente la
grabación en exteriores ( que
generan una alta credibilidad y
verosimilitud en los
televidentes) y en general el
nivel de estas producciones.
Los movimientos de cámara
son los característicos de cine,
entre ellos el travelling sobre
rieles, grúas, steadycam, entre
otros. El tratamiento de Arte y
Fotografía es muy detallado, y
difiere en todo aspecto con el
de una telenovela. El manejo
de la iluminación, escenografía,
vestuario, maquillaje denotan
un gran trabajo que enriquece
el producto final. El tratamiento
del sonido, la musicalización y
los efectos sonoros, demostró
en los telefilmes que la música
es una buena generadora de
sensaciones, que hasta en
algún punto puede llegar a
generar más sensaciones que
un diálogo.
Según lo establecido, son
claros ejemplos de dramas
procedimentales series como
las tres franquicias de ‘CSI’,
‘Bones’, ‘Mentes Criminales’,
‘Numb3rs’, ‘Sin Rastro’, ’El
Mentalista’, ‘Lie to me’ o ‘La
Hora 11’. Aunque se suele
asociar el término
procedimental con las series
policiacas, también puede hay
un amplio desarrollo médico,
como la serie procedimental
‘House’ que mantiene la misma
estructura en casi todos los
capítulos, con el planteamiento
del caso médico y la resolución
del mismo.
En cada episodio es fácil
identificar una estructura del
relato en sus tres
componentes: la confrontación
(unidad funcional originada por
el nudo o problema que ha de
enfrentar el protagonista), el
desarrollo (en el que se
presentan las subtramas y el
arco dramático de los
personajes) y el desenlace,
cuando las acciones revelan
una mejoría o un deterioro de
la situación inicial. Estos tres
segmentos pueden ser
reconocidos como “actos”,
siguiendo el modelo del guion
dramático.
Suelen tener personajes cuya
construcción es sólida lo cual
brinda la información necesaria
para que el espectador pueda
asumir de manera
relativamente sencilla la forma
como el personaje enfrentará el
conflicto y reaccionará ante las
circunstancias. En este tipo de
estructura no hay progresión
de los personajes, parecen no
tener historia y la trama se
circunscribe al tiempo
presente.
“El Mentalista” es una serie
norteamericana estrenada
2008. Contó con 7
temporadas, sumando 151
episodios. Patrick Jane es un
hombre que trabaja como
médium televisivo hasta que su
mujer e hija son asesinadas. A
partir de entonces, decide usar
sus habilidades para ayudar a
resolver casos de asesinato,
trabajando como detective con
la policía de California.
Si analizamos,‘El Mentalista’,
podemos ver que siempre se
repite la misma estructura: se
produce un crimen, Patrick
Jane y los agentes del CBI se
personan en el lugar, investigan
y lo resuelven. Siempre se
utiliza la misma plantilla a la
hora de plantear el argumento.
Por otro lado, la serie también
cuenta con una subtrama
secundaria en la que Jane
intenta encontrar información
sobre Red John, un asesino
que acabó con su familia hace
años. En cambio, merece la
pena destacar que esta parte
de la historia tan sólo suele
ocupar, cuando lo hace, unos
minutos en cada episodio,
recayendo todo el
protagonismo del capítulo en el
“caso de la semana”
anteriormente mencionado. Por
eso se considera una serie
procedimental.
CULTURA AUDIOVISUAL II
TIPOS DE SERIES DESCRIPCIÓN
TV MOVIE Una TV MOVIE, telefilme o
telepelícula es un formato
televisivo de ficción consistente
en la emisión de un relato
autoconclusivo, salvo secuelas.
Hacemos referencia a películas
confeccionadas específicamente
para su programación en
televisión. Cuenta con una
duración de metraje y con unos
presupuestos generalmente
menores que los de las películas
destinadas al cine, una hora y
media aproximadamente.
SERIES
ARTICULACIÓN
En ocasiones los telefilmes se
conciben como episodios
especiales de series de
televisión en curso con la
intención de atraer más
audiencia, o bien como secuelas
de largometrajes de cine.
También con frecuencia, se
ruedan como telefilmes los
episodios piloto de las series de
televisión.
PRODUCCIÓN
Los telefilmes suelen contar
con un presupuesto más
escueto que las películas
realizadas para cine, pero
cuentan con un número de
géneros y temas tan amplios
como los trabajos
cinematográficas. De esta
forma, se diferencia de un film
pensado para la gran pantalla
en aspectos estéticos, técnicos
y de producción que se
desarrollan en esa escasez
presupuestaria en comparación
con el cine. Está realizada
con pocos planos generales y
un marcado abuso del primer
plano. A nivel de
producción los plazos de
rodaje son mucho más
breves oscilando entre dos o
tres semanas frente a las de
seis a ocho semanas de un film
de largometraje para cine; y
desde luego poseen
un número reducido de
personajes, contados
decorados y tramas de gran
sencillez y muy directas. Los
temas suelen sacarse de la
realidad (de ahí el célebre
cartel de 'basado en hechos
reales'), siendo el género más
frecuentado el melodrama.
ESTILO NARRATIVO
Como toda película, propone
un relato que, salvo secuelas,
se agota en sí mismo.
La ficción es la base para la
construcción de un telefilme.
Pueden ser historias creadas
por un guionista, o basadas en
algún hecho verídico, pero en
ambos casos, mostrados como
situaciones ficcionalizadas.
Además de todas las
características extraídas del
cine, el telefilme tiene ciertos
detalles televisivos. Así por
ejemplo, la creación del guion
es distinta: está pensada para
los cortes publicitarios. Esto
hace que el guionista deba
colocar en los momentos
justos, antes de cada corte
publicitario, un punto de
tensión o atracción para que el
televidente no cambie de canal.
6 de 6
EJEMPLOS
Ejemplo de telefilme, las
películas producidas por los
estudios Disney para su canal
Disney Chanel, ahora en su
plataforma de streaming Disney
+. Quizá la más exitosa sea
“High School Musical” película
para televisión producida en
2006, de hora y media de
duración.
El argumento es el siguiente:
Durante unas vacaciones de
Navidad, los jóvenes Troy y
Gabriella (dos adolescentes en
principio con pocas cosas en
común) se conocen. Ambos
descubren su interés mutuo por
la música durante un concurso
de karaoke, y deciden
presentarse al casting del
musical del instituto.
Su enorme éxito la llevó a tener
dos secuelas en forma de otros
telefilms. Cuenta con todas las
características de una película
para televisión (estructura
adaptada a cortes publicitarios,
trama sencilla, o escenarios
reducidos) , con la
particularidad de ser un
musical.
CULTURA AUDIOVISUAL II LOS GÉNEROS Y FORMATOS DE PROGRAMAS DE RADIO
GÉNEROS RADIOFÓNICOS DESCRIPCIÓN RITMO LOCUCIÓN ESTRUCTURA RECURSOS

INFORMATIVOS LA NOTICIA Concebida como un hecho novedoso de interés general, difundido sonoramente con inmediatez y claridad, debe responder al qué, quién,
cuándo, cómo, dónde y por qué con un lenguaje conciso y sencillo.
El informador comunica con formas verbales en presente, subrayando la actualidad de la noticia y desechando los pretéritos hasta donde el sentido
común recomiende. Emplea estructuras gramaticales sencillas renunciando a las que dificulten la comprensión de los mensajes radiofónicos.

En cuanto al contenido, se evitará el excesivo volumen de datos. Se tendrá especial cuidado de no ser prolijos en cifras, siglas o nombres poco
conocidos. Si la magnitud de una cifra dificulta la comprensión de una noticia, se valorará el uso de comparaciones que faciliten su comprensión.

BOLETÍN Pequeño bloque de noticias
que presenta con brevedad
las novedades más
importantes y recientes de
la actualidad informativa.
Duración de entre 3 y 5
minutos y se emite cada
hora.
Recopilación de historias
cortas, pero significativas.
Mensajes concretos,
verbos en forma activa y
presente. Discurso
mediante frases breves
que aseguren
comprensión.
Claridad, naturalidad y fluidez,
pero procurando no caer en
una excesiva afabilidad.
Neutralidad. Curva melódica
atractiva. Discurso equilibrado
y sostenido, pero no lineal.
Resaltar, mediante una ligera
agudización del tono y una
subida de la intensidad,
algunas palabras clave. Debe
cuidar las pausas.
Responde a la finalidad Un boletín de noticias se
de recopilar las noticias hace mucho más atractivo
más importantes, ofrecer para el público si incluye
noticias de última hora y sonidos que ilustren las
avanzar los aspectos noticias. Esto puede ser un
noticiosos que son objeto clip de audio de 5 o 10
del interés informativo. segundos de una
Algunos ofrecen una entrevista o sonidos de la
selección de noticias. escena de un incidente.
Otros, además hacen uso
de conexiones.

DIARIO HABLADO El informativo principal
desarrolla las noticias más
importantes avanzadas en
los boletines. Equivaldría a
los telediarios televisivos.
entra en el análisis y la
interpretación, por lo que
suele ser habitual que
aparezcan informaciones
con las voces de sus
protagonistas, así como
reportajes y entrevistas.
Evitan piezas demasiado La duración de este Se usan cuando va a
largas, de modo que se programa suele ser entre comenzar el programa
garantice el ritmo del media hora y una hora. sintonías características
espacio informativo y se Este género suele estar para que todo el mundo
promueva el interés del conformado por 3 entienda que es un
oyente. La entrada tiene grandes partes. La noticiario. También en
un ritmo más acelerado e primera de ellas es un algunas noticias pueden
incluye, tras un saludo del tramo que actúa de usar otros recursos para
locutor, los titulares de las entrada y en el que, a enfatizar la gravedad de la
noticias a desarrollar. modo de batería de noticia o para introducir
Cuando se comienza a titulares o sumario, se distintas secciones
hablar en profundidad avanzan las noticias que (cultura, deportes…).

sobre las noticias, el ritmo de inmediato serán También si se habla de una

es mas calmado para que ampliadas. La segunda noticia de la que hay
no haya dificultad en es el cuerpo del declaraciones, testimonios
entender la información. informativo propiamente sonoros, grabaciones de
En general el ritmo dicho, donde se los sucesos, se pueden
narrativo es estándar ya desarrollan todos los retransmitir.
que no destaca por ser temas. Finalmente, la
excesivamente rápido ni tercera es el cierre del
por ser excesivamente informativo, una suerte
lento. de recordatorio muy
similar al sumario de
entrada.
CULTURA AUDIOVISUAL II
GÉNEROS RADIOFÓNICOS
REPORTAJE
intereses contrapuestos,
LOS GÉNEROS Y FORMATOS DE PROGRAMAS DE RADIO
DESCRIPCIÓN
El Reportaje persigue, sobre
todo, poder informar sobre
un hecho, una acción o una
declaración de interés para
el oyente, proporcionándole
un contexto de
interpretación amplio en los
contenidos y con el uso de
fuentes variado y creativo.
El Reportaje es un género
durante la preparación y la
que se caracteriza por tratar
en profundidad un hecho
noticioso de mayor o menor
actualidad. Se trata de un
relato monotemático, cuya
riqueza reside precisamente
en aportar distintas visiones
sobre el asunto tratado,
incorporando la voz de los
protagonistas del hecho, los
antecedentes, las
consecuencias, etc. Las
temáticas y enfoques no
estarán estrictamente
vinculados con la
inmediatez.
RITMO
Para producir un ritmo
narrativo es necesario
contar con un narrador
que delimite las partes del
reportaje. Se recurrirá a
sumarios, listas,
recuentos, pero no
demasiado extensos para
no alargar la duración de
dicho reportaje.
El locutor desarrolla guía la
narración, habitualmente
imprimiendo un ritmo
sosegado que invita a
profundizar y reflexionar
sobre el tema. Deberá
poner un cuidado especial
en las transiciones, para
una mayor coherencia y
cohesión dentro del
reportaje. Y a su vez
procurará incluir detalles
que añaden “crédito del
reportaje” y hacen el relato
más ameno.
LOCUCIÓN ESTRUCTURA RECURSOS
Como la mayor parte de Contemplará los datos, las
los textos audiovisuales, posibles narraciones, los
normalmente se diferentes argumentos, los
estructuran en tres testimonios de los
partes: apertura, protagonistas, los
desarrollo y cierre.
las consecuencias y las
distintas interpretaciones
que se han encontrado
elaboración del reportaje.
Todos estos elementos y,
si fuera necesario, una
correcta selección de
sonidos de apoyo se
integrarán a través de un
montaje adecuado.
CULTURA AUDIOVISUAL II LOS GÉNEROS Y FORMATOS DE PROGRAMAS DE RADIO
GÉNEROS RADIOFÓNICOS DESCRIPCIÓN
ENTREVISTAS La Entrevista es un género
informativo dialogado en el
que el periodista de turno
interroga a algunos de los
actores implicados en un
hecho noticioso (por
ejemplo, un testigo ocular
de un importante accidente
de tráfico, una escritora que
acaba de publicar un libro,
el ganador de un premio, un
futbolista de reconocido
prestigio que acaba de ser
invitado/a, mencionando
fichado por un equipo de
primera división, etc.).
paso a la entrevista
RADIOFÓRMULA La Radiofórmula es un
INFORMATIVA género que se basa en la
emisión continuada de
noticias y comentarios de
actualidad, además de
apuntes referidos a la
situación del tráfico, la
previsión meteorológica,
etc. La radiofórmula
mantiene 24 horas sobre 24
una estructura formal
repetitiva que se establece
previamente y cuya pauta la
marca un Hot clock o reloj
de programación.
mismos sería susceptible información y comunicar
En general, la radiofórmula
se caracteriza por la
explotación de contenidos
monotemáticos.
nuevo el mismo esquema
RITMO
Es el entrevistador quien
decide el ritmo narrativo
de la entrevista. El locutor
debe poder combinar los
diferentes elementos del
lenguaje radiofónico de
manera que establezcan
una estructura ordenada y
armónica que otorgue un
sentido al mensaje y
despierte el interés de los
radioyentes. En la gran
mayoría de los casos se
mezclan preguntas con
comentarios u otros
elementos (otros
testimonios, sonidos
relevantes…) para crear un
ritmo más ameno y no
excesivamente lento.
Ritmo continuo, con fases
de mayor aceleración en lo
boletines, y más sosegado
en los espacios entre
horas. Lo primero que
reclama la transmisión oral
de noticias es un
esmerado cuidado por lo
que a organización de los
grupos fónicos se refiere
(en el glosario encontrarás
la definición de este
concepto), ya que
cualquier ruptura de los
así se va repitiendo el
de alterar el significado de
aquello que en realidad
pretende comunicar el
redactor/locutor.
LOCUCIÓN
Claridad: respetando la lógica
gramatical y haciendo
asequible la asimilación de los
mensajes. Concreción:
centrando el contenido en un
asunto. Brevedad: las
exigencias del tiempo, la
necesidad de facilitar la
asimilación y la fugacidad del
mensaje obligan a la
utilización de preguntas y
comentarios breves que
aseguren la comprensión
Claridad, naturalidad y fluidez,
pero procurando no caer en
una excesiva afabilidad.
Neutralidad. Curva melódica
atractiva. Discurso equilibrado
y sostenido, pero no lineal.
Resaltar, mediante una ligera
agudización del tono y una
subida de la intensidad,
algunas palabras clave. Debe
cuidar las pausas. En la
radiofórmula informativa, la
locución clara en estos
programas alterna el dar
noticias con comentarios
sobre estas. Se suele emplear
un guión preparado con
anterioridad que los locutores
leen.
ESTRUCTURA RECURSOS
Antes de iniciar la La música durante las
entrevista, las personas entrevistas cumple
que realizan la locución diferentes funciones según
deben presentar el tema, se presente cada
señalar sus momento. Sin embargo, en
antecedentes, sus las entrevistas
implicaciones para la normalmente se utiliza con
comunidad, y la una función sintáctico-
importancia o razón por gramatical: para ordenar y
la que se incluye en el distribuir contenidos y
programa. También secciones, es decir, tiene
deben presentar al un carácter organizador.
además de su nombre y
apellidos, las razones por
las que es importante su
opinión al respecto del
tema. Después de esta
introducción, se dan
propiamente dicha.
En la fórmula informativa Se hace más uso de
se van repitiendo tramos pequeños sonidos de
informativos en transición para pasar de
permanente una noticia a otra o de una
actualización. La temática informativa a
radiofórmula sobre otra. Se emplean todos los
noticias tiene una recursos habituales en los
estructura repetitiva que diarios hablados, boletines
funciona en forma de y avances informativos.
secuencia en la que un
locutor (o varios) da
información sobre
noticias de actualidad y
luego se desarrollan. Y
proceso a través de las
horas, boletines
informativos, reportajes
diarios hablados y de
que actualiza la
información.
CULTURA AUDIOVISUAL II LOS GÉNEROS Y FORMATOS DE PROGRAMAS DE RADIO
GÉNEROS RADIOFÓNICOS DESCRIPCIÓN
MAGAZINE Género de géneros, está
conformado por distintas
secciones, que a su vez son
géneros por sí mismos
(reportajes, entrevistas,
boletines…). Es el género
híbrido y se suele
denominar contenedor
(listado de contenidos por último se usan algunos
puesto que recoge una gran
En la conducción de que se retransmiten
variedad de espacios y
secciones de todo tipo de
géneros: reportajes,
entrevistas, tertulias,
boletines… Puede definirse
como una modalidad de
programa que combina la
información y opinión con el
entretenimiento y el
espectáculo. Así
habitualmente no es
exclusivamente informativo,
de hecho, no se caracteriza
por incluir contenido de
actualidad, pero que
además ofrece muchos
otros como deportivo o
divulgativo-cultural.
OPINIÓN TERTULIA A través de la conversación
dialogada se enfrentan
posiciones sobre distintos
temas facilitando asimismo
información para que el
oyente fabrique su propia
emisiones. En el caso de la
opinión sobre cada tema
tratado.
determinar y una determinadas ocasiones éste
El Debate, o la Tertulia, y
que, dadas sus
características, suelen
formar parte de los
magazines informativos y de
entretenimiento.El
moderador será el
responsable de velar por el
buen desarrollo de la tertulia
RITMO LOCUCIÓN
No existe un modelo único La función del locutor es ser
de narración, sino que se hilo conductor, se encarga de
utilizan todo tipo de gestionar el programa durante
formas posibles para su desarrollo, conduciendo el
transmitir la información. programa a través de todas
Está determinado por la sus variadas secciones y
combinación de elementos adaptando su locución a las
que componen su mismas.
estructura.
recursos musicales, si se
No obstante, los magazines, tertulias,
programas matinales entrevistas, etc., donde el
suelen contar con un ritmo locutor tiene la posibilidad de
más rápido y formal, manifestar opiniones,
mientras que en los de la solidarizarse con un
tarde la información y el entrevistado, transmitir
entretenimiento se sensaciones, emocionarse,
alternan, por lo que el describir movimientos, etc., la
presentador adopta un principal recomendación que
tono más relajado e se hace a los locutores es la
improvisado, al que se expresarse con la mayor
además se unen diferentes naturalidad posible.
colaboradores, invitados o
el público mediante
llamadas telefónicas o
mensajes.
Se trata de un discurso La locución de estos espacios
conversacional que entran dentro de una
combina inmediatez planificación limitada sin
comunicativa, dinamismo, control de la producción del
carácter cooperativo de mensaje con un tono informal
las intervenciones, y una sintaxis no
alternancia de turnos sin convencional. En
Presentación. Debate utilizada solo en la sintonía
gramática de registro está acompañado de una
coloquial. sintaxis muy elaborada y
poco convencional, en ciertos
casos con uso de tecnicismos
necesarios para tratar el tema
de forma amplia. El
argumento se ayuda de la voz
y el tono en el
posicionamiento.
ESTRUCTURA RECURSOS
Está basado en la Depende del tipo de
combinación y variedad contenido que se esté
de temas, colaboradores, emitiendo, pero
entrevistas, reportajes, principalmente hay una
documentos sonoros, introducción musical,
músicas y sintonías. Se sintonías del programa y
establece una escaleta distintivos de la emisora, y
durante el programa) que desea, para hacer más
determina tramos de entretenida o enfatizar la
horario definidos y emisión.
caracterizados para cada
apartado.
Caracterizada por su Tanto la música como los
libertad estructural y efectos de sonido y
organizativa, con cierta ambientación se ven
espontaneidad en el extremadamente
diálogo al ser un debate reducidos en estas
en directo.
Sintonía y voz en off. música esta se encuentra
Final debate. de presentación al iniciar el
Agradecimientos. programa y en la sintonía
Despedida y sintonía de de cierre al finalizar el
cierre. mismo. Los efectos de
sonido son aquellos cortes
utilizados para dar pie a
interpretaciones de los
diferentes participantes en
la tertulia.
CULTURA AUDIOVISUAL II LOS GÉNEROS Y FORMATOS DE PROGRAMAS DE RADIO
GÉNEROS RADIOFÓNICOS DESCRIPCIÓN
DEPORTES CARRUSEL El Carrusel es la estrella de
RETRANSMISIÓN la programación de los fines
de semana por la tarde en
buena parte de emisoras,
especialmente en las
grandes cadenas de corte
generalista. De hecho,
coincidiendo con la disputa
de los partidos de liga,
desde los estudios centrales
de los diferentes operadores
se conduce un espacio, de
unas cuatro horas de
duración, en el que
constantemente se pide
paso desde los terrenos de
juego. En cada estadio, las
emisoras cuentan con un
equipo de profesionales que
son los encargados de
informar sobre los goles, las
jugadas más interesantes,
locutores y comentaristas
las faltas, etcétera.
RITMO
El ritmo depende del rol en
el que nos centremos, por
lo general es un ritmo alto,
dinámico y continuo. Los
comentaristas y
narradores suelen elevar el
tono cuando acontece
algo como un gol, una
canasta y, en general, en
todos los puntos de
potencial inflexión dentro
del evento a trasmitir.
LOCUCIÓN
La locución deportiva
radiofónica presenta unos
rasgos específicos, sobre
todo cuando se trabaja el
Carrusel. Este es un género
en el que los radiofonistas
que intervienen manipulan
constantemente su voz,
alternando en su discurso
tonos graves con otros
agudos, alargando
notablemente la duración de
las sílabas en algunos
momentos, haciendo énfasis
sobre ciertas palabras,
etcétera. Todo depende del
cariz de los acontecimientos
que se estén narrando (alegría
o decepción por la encajada
de un gol, jugada peligrosa,
relajación en el terreno de
juego, etcétera).
Lenguaje coloquial. A veces
se hace empleo de
tecnicismos del tema tratado
(fútbol, por ejemplo).
Velocidad estándar a no ser
que se conecte con la
retransmisión del partido.
Varía mucho durante todo el
programa.
ESTRUCTURA RECURSOS
Se narra uno o varios Además de sintonías de
eventos deportivos que inicio, cortinillas entre
suceden en un secciones o a la vuelta de
determinado espacio publicidad por ejemplo, se
temporal. Un carrusel emplean efectos de sonido
deportivo se convierte en para anunciar goles u otros
una especie de sucesos importantes, o
“maratón” del deporte con alguna intención
donde un locutor cómica.
principal, que puede ser También existe el empleo
también el director, de cortos fragmentos de
presenta durante varias música entre secciones del
horas una parrilla de programa e incluso, en
eventos polideportivos, ocasiones, de fondo.
sobre los que van dando
paso a los narradores de
cada partido/competición
cuando ocurre algo
destacado. Entre estos
sucesos se crean
tertulias entre distintos
adicionales que
dinamizan la
retransmisión mediante
bromas, riñas o
explicaciones. Un
aspecto clave es el
recurso de las “rondas
deportivas”, donde se
hace el resumen y
actualización de los
resultados y marcadores,
habitualmente cada hora.
CULTURA AUDIOVISUAL II LOS GÉNEROS Y FORMATOS DE PROGRAMAS DE RADIO
GÉNEROS RADIOFÓNICOS DESCRIPCIÓN
TERTULIA Se trata de un coloquio
DEPORTIVA donde distintas
personalidades o expertos
comentan y sus ideas y
opiniones sobre el
panorama deportivo actual.
En muchos casos están
especializados en una liga
en concreto, en un equipo,
o al menos en un solo
deporte, otros más
generales comentan los
sucesos más impactantes
de la actualidad deportiva
general.
INFORMATIVO Es un género de
explicación, una narración
(siempre la misma) para
lineal en la que no se vierten
opiniones del autor y que se
utiliza para aportar datos
que amplían noticias de
carácter deportivo.
RITMO
En cuanto al ritmo
narrativo, éste no es
rígido. Los tertulianos
tienen cierta libertad, pero
se tendrá en cuenta una
necesaria brevedad que
aporta dinamicidad, y el
respeto a los turnos de
intervención, sin
solapamientos entre
intervinientes,
normalmente dos o tres,
en algunos casos alguno
más. Al ser un repaso de la
actualidad en un campo
concreto, el ritmo narrativo
tiene cierta rápido, ya que
se basa en resúmenes
para introducir el posterior
coloquio por parte de los
tertulianos, que es el que
suele tener más duración.
De este modo primero se
realiza una breve
introducción del tema a
tratar, normalmente por un
presentador o por alguno
de los tertulianos o
colaboradores del
programa.
Ritmo narrativo alto, que
pretende ser conciso y
claro, con el fin de no
confundir al espectador.
LOCUCIÓN
La locución debe ser clara y
concisa. Tiene que remitirse al
tema del que se está
hablando. Se irán turnando
los tertulianos siguiendo la
pauta del moderador. Su
entonación no tiene que ser
excesivamente lenta, ni
excepcionalmente rápida, lo
suficiente para que los
oyentes entiendan el debate
deportivo. Al ser una tertulia la
locución está dividida entre
los distintos colaboradores,
generalmente el tono de éstos
es técnico, respecto a la
disciplina deportiva a
comentar, aunque se
compagina con un tono más
informal relativo a las
temáticas comentadas.
Debido al formato de este
programa los turnos de
palabra se dividen según la
necesidad y la participación
de los locutores. De esta
forma los programas también
cuentan con invitados
especiales según los distintos
temas a tratar.
Es habitual la presencia de
dos locutores comentando y
desarrollando la noticia para
que el programa resulte más
dinámico.
ESTRUCTURA
Comienza con una
pequeña introducción de
los textos tertulianos,
muchas veces seguida
de una sintonía de
transición. Tras esta
introducción sigue con la
exposición de distintos
temas de actualidad y
repaso de la liga o
deporte concreto del que
trate el programa, con su
consecuente debate por
parte de los tertulianos.
Se producen pausas de
publicidad. A veces se
interrumpe la tertulia para
comentar alguna
primicia.
Sintonía. Entradilla.
Titulares. Bloques.
Resolución. Sintonía
RECURSOS
Se utilizan Sintonías para
introducir el programa al
igual que para terminarlo,
efectos de transición
música de fondo y de
transición.
Dependiendo del tono del
programa también se
pueden utilizar efectos de
sonido cómicos o
temáticos.
Utilización de una sintonía
introducir el informativo, e
indicativos a lo largo del
programa.
CULTURA AUDIOVISUAL II LOS GÉNEROS Y FORMATOS DE PROGRAMAS DE RADIO
GÉNEROS RADIOFÓNICOS DESCRIPCIÓN
FICCIÓN RADIOTEATRO Tipo de contenido
radiofónico de contenido de
ficción. Al carecer de
componentes visuales, los
radioteatros dependen del
diálogo, la música y los
ambiente, así también las
efectos de sonido para
músicas.
ayudar al oyente a imaginar
la historia. Tuvo un enorme
desarrollo entre 1920 y
1940, convirtiéndose en una
forma de entretenimiento a
nivel mundial. Con la
llegada de la televisión,
decayó hasta ocupar un
pequeño espacio en la
programación de
entretenimiento.
ENTRETENIMIENTO MAGAZINE Género de entretenimiento
por excelencia en la oferta
radiofónica española. Es un
género muy dinámico y
versátil que trata temas
diversos y mezcla
información de primera
existe una relación de
mano, curiosidades,
música, cuentos y
entrevistas entre otros
muchos temas, teniendo
siempre como objetivo
determinado. En general,
principal el ofrecer un
momento agradable y de
posible aprendizaje para los
oyentes.
habladas.
formal en el habla tanto de los
Los aspectos más
destacables que
caracterizan los típicos
magazines de
entretenimiento son la
notoriedad de su conductor/
a y la inclusión de espacios
cuyos variados temas están
destinados a una audiencia
heterogénea.
RITMO
Medio, no muy rápido;
debe de entenderse muy
bien.
El ritmo narrativo de esta
clase de programas puede
variar entre programas
diferentes y sobre todo
entre los diferentes
segmentos dentro de la
transmisión.
donde se ubican ciertas
En este género predomina
el uso de un ritmo
narrativo lo
suficientemente lento
como para producir una
buena pronunciación y
enunciación de las
palabras y sílabas
perjudicado, siendo estos
Asimismo, se deben
generar una
economización de
palabras al hablar dado
que el tiempo por cada
sección es limitado y no se
le puede dar tanta
importancia al ser un
género híbrido.
LOCUCIÓN
Muy importante, pues se basa
principalmente en ella.
Participan un mínimo de dos
voces o más, normalmente
dos masculinas y una
femenina. Tienen que
vocalizar muchísimo.
En este tipo de programas es
muy importante que la
locución sea lo más natural
posible, con el fin de generar
la ilusión de que entre el
conductor y los oyentes
amistad, de cercanía, de
proximidad. Si esto no se
consigue, difícilmente se
logrará entretener a la
audiencia.
A la hora de la puesta en
escena se debe usar un tono
trascendental y un estilo
conductores como
colaboradores e invitados. A
través de la voz de todos los
participantes se debe realizar
una búsqueda de la
credibilidad y confianza del
público.
ESTRUCTURA RECURSOS
La estructura sigue la Muy utilizados para ayudar
básica de las obras de a la imaginación del
teatro, aunque como oyente, los efectos de
debe ser imaginada por sonido son muy
el oyente, puede ser un necesarios para dar
poco más libre.
Presentación, carátula o Tanto la música como los
portada. Menú. efectos sonoros cumplen
Introducción. Secciones. funciones específicas a lo
Cierre o conclusión. largo del programa. Una
Contra portada o carátula de ellas es la de describir
de cierre. ambientes o espacios en
acciones; otra de ellas es
la de suscitar un
determinado clima
emocional en el momento
el uso de efectos sonoros
en el género magazine se
ha visto bastante
utilizados en ocasiones
muy especificas
únicamente.
CULTURA AUDIOVISUAL II LOS GÉNEROS Y FORMATOS DE PROGRAMAS DE RADIO
GÉNEROS RADIOFÓNICOS DESCRIPCIÓN
MUSICAL RADIOFÓRMULA La Radiofórmula musical es
MUSICAL el género dominante en lo
que a la emisión de
contenidos musicales se
pausas al iniciar o de los jingles.
refiere. Una radio fórmula es
una emisora de radio que
tiene un modelo de
programación
monotemático. No se debe
confundir con las radios
especializadas ni con los
programas temáticos que
algunas emisoras incluyen
dentro de su parrilla de
programación. La
radiofórmula, mantiene una
estructura formal repetitiva,
que actúa a la manera de un
sólo programa durante las
24 horas del día. En
realidad, en las
radiofórmulas se desarrolla
el mismo esquema
programático a partir de un
Hot Clock o reloj
preestablecido, como
sucede en el caso de las
emisoras musicales con Los
40 Principales.
RITMO
El ritmo en los programas
musicales está altamente
condicionado por el
formato musical que se
explote. Así en las
populares emisoras de
música pop el ritmo es
acelerado en sintonía con
el género musical.
Emisoras dedicadas a
audiencia más joven tienen
un ritmo más rápido, freso
y desenfadado, que las
emisoras con músicas
más adultas, que cuentan
con un ritmo más
pausado. Entre los tipos
de emisoras de este
género: Exitos nostálgicos,
Rock clásico, Formato
musical Adulto
Contemporáneo, Pop
Contemporáneo Hit Radio,
etc.
LOCUCIÓN
De igual forma, la locución en
los programas musicales está
también condicionada por el
formato que se explote.
Como apuntábamos en el
caso de las emisoras más
populares los locutores
mantienen un tono alto,
dinámico, enérgico, apto para
todos los públicos, amigable
y jocoso en correspondencia
con los géneros musicales
que priman en la emisora.
ESTRUCTURA RECURSOS
En la musical bucle de La radiofórmula musical
canciones sin límite de hace mucho uso de
un género concreto con sintonías y es habitual uso
finalizar para mencionar
al artista o la canción, y a
veces pausas
publicitarias.
Tenemos una canción
que dura
aproximadamente 3
minutos y al iniciar o
acabar el locutor
comenta algo sobre ese
tema o artista. Los
locutores cambian
dependiendo del horario,
por ejemplo, en Los
cuarenta principales
encontramos a personas
como Dani Álvarez de
11:00 a 14:00 o Charlie
Jiménez de 16:00 a
18:00. Además se emiten
programas con algunas
secciones más allá de la
música como ¡Anda ya! Y
por supuesto pausas
publicitarias entre los
tramos de música.
CULTURA AUDIOVISUAL II
GÉNEROS RADIOFÓNICOS
ESPECIALIZADO
LOS GÉNEROS Y FORMATOS DE PROGRAMAS DE RADIO
DESCRIPCIÓN
Corresponde con un
programa basado en un
estilo concreto de música
(blues, jazz, pop), en el que
habitualmente se aportan
informaciones sobre
conciertos, últimas
novedades discográficas,
biografías de los
componentes de un
determinado grupo,
concursos, etc., por lo que,
de alguna manera, viene a
ser como una especie de
Mini-magazine (debemos
tener en cuenta que su
duración suele ser de una
hora y que su periodicidad,
generalmente, es semanal).
A diferencia de las
radiofórmulas musicales,
típicas del modelo de radio
especializada y del modelo
de radio híbrida, el musical
especializado puede formar
parte de las parrillas de la
radio generalista o de las
emisoras especializadas. En
este género de radio, las
emisoras musicales
apuestan por grupos
demográficos específicos.
RITMO LOCUCIÓN ESTRUCTURA
Como en el caso de la La locución en los programas Suelen comenzar con
radiofórmula, el ritmo en musicales está altamente una breve introducción
los programas musicales condicionada por el género del programa, seguida de
especializados está musical que se desarrolle, por una canción que da pie a
altamente condicionado lo que difícilmente podemos una explicación más
por el formato musical que hablar de denominadores extensa del tema del
se explote. Así en las comunes. programa y del género de
programas de música pop música que se va a
el ritmo es acelerado en escuchar. Después, se
sintonía con el género escuchan más canciones
musical, mientras en un (de las cuales se aporta
programa de música información sobre el
clásica el ritmo será más autor o se conecta con el
pausado. tema a comentar) y se
explican los detalles
técnicos (lugar de
emisión, personal a cargo
de los controles...). En el
caso de incluir un
invitado en el programa,
se procede a presentarle
y contar una anécdota/
dato curioso sobre esa
persona y después de un
par de canciones
comienza su
intervención. Hacia la
mitad del programa se
hará un inciso para
hablar sobre un tema y
desarrollarlo, que se
enlazará con canciones
relevantes con el tema
mencionado.
RECURSOS
La música es el elemento
fundamental de este tipo
de programas. En cuanto a
las músicas las emisoras
apuestan por la
especialización para
conquistar mercados
específicos (edades).
Uno de los ejemplos más
claros es Radio Clásica, de
RNE, emite diversos
formatos dedicados a la
ópera, la sinfonía o la
zarzuela... Otro ejemplo
sería Radio 3, de RNE,
dedicada a la cultura y a la
música actual. Todas ellas
mantienen un formato
cerrado de programas, no
se trata, como en la
radiofórmula de un tiempo
abierto, dedicado a poner
discos. Aquí cada
programa tiene su tiempo
asignado, con contenidos
y presentador propios.
CULTURA AUDIOVISUAL II LOS GÉNEROS Y FORMATOS DE PROGRAMAS DE RADIO
GÉNEROS RADIOFÓNICOS DESCRIPCIÓN
PUBLICIDAD CUÑA Es una forma compacta de
publicidad radiofónica que
se caracteriza por el hecho
mediante un diálogo.
de ser breve, repetible y sin
relación con la
programación en la cual se
pero que no le quite
inserta, por lo que sus
contenidos son transferibles
en cualquier momento.
están bien unidas, la gente
Aunque la cuña puede ser
emitida en directo, lo más
habitual es que se edite y
grabe previamente, con sus
correspondientes músicas,
para crear atmósferas
efectos y voces.
gancho.
ser muy significativo el uso
RITMO LOCUCIÓN
El ritmo narrativo es Sobre las características de la
rápido, ya que en unos locución radiofónica
pocos segundos (unos publicitaria se advierte que las
20-30 sec.) tiene que peculiaridades del discurso
darse toda la información publicitario permiten integrar
y persuadir al receptor. en la locución cualquier
elemento capaz de atraer la
atención, si bien es cierto que
las diferentes formas de
transmisión de los contenidos
condicionan, a veces, el uso
que pueda hacerse de la
palabra radiofónica. Así, por
ejemplo, no es lo mismo
promocionar un centro de
estética en un espacio sobre
salud, que hacerlo en una
emisora musical.
En general, la locución debe
de ser clara, brillante y
presente. Tiene que destacar
de otros anuncios, con lo que
la entonación, las pausas
narrativas o el cambio de
registro pueden ser elementos
clave para impactar en el
oyente y que recuerde el
producto anunciado en el
momento que lo necesite.
ESTRUCTURA RECURSOS
Tiene una estructura La voz: Se suele usar el
simple, que se puede contraste de voces
dividir en cuatro partes.
Breve introducción de la La música: Se usa música
publicidad con música o que acompañe al anuncio,
frase original.
Presentación del protagonismo al mensaje.
producto o servicio Si la música y la locución
anunciado.
Anunciar concretamente recordará la melodía que
el producto y donde se está ligada al anuncio.
puede conseguir, Efectos de sonido y
dirigiéndose ambientación: Se usan
directamente al receptor,
Cierre de la publicidad realistas, para transportar
con música o frase al público a la situación
original, eslogan con recreada. También puede
del silencio.
CULTURA AUDIOVISUAL II
GÉNEROS RADIOFÓNICOS
BARTERING
ejemplo, no es lo mismo
LOS GÉNEROS Y FORMATOS DE PROGRAMAS DE RADIO
DESCRIPCIÓN
Es un espacio radiofónico
pagado por el anunciante y
adaptado a su gusto. Por lo
tanto, durante la emisión del
programa sólo aparece
publicidad de esa marca.
Para el oyente es percibido
como un programa
convencional dentro de la
parrilla radiofónica, con la
peculiaridad de que aparece
publicidad de una misma
marca. El programa no
pertenece a la emisora (a
diferencia del patrocinio),
sino que pertenece al
anunciante que lo produjo.
RITMO LOCUCIÓN
Debido a las peculiares Sobre las características de la
características que rodean locución radiofónica
la producción y publicitaria se advierte que las
financiación de este tipo peculiaridades del discurso
de programas, el ritmo que publicitario permiten integrar
se imprime queda a la en la locución cualquier
elección de la empresa elemento capaz de atraer la
que lo produce, y aunque atención, si bien es cierto que
es generalmente un ritmo las diferentes formas de
ágil y rápido por la corta transmisión de los contenidos
duración de dichos condicionan, a veces, el uso
espacios, depende mucho que pueda hacerse de la
del gusto de la empresa palabra radiofónica. Así, por
anunciante.
promocionar un centro de
estética en un espacio sobre
salud, que hacerlo en una
emisora musical.
El conductor del programa
suele ser el mismo locutor
que conduce el espacio en el
que se inserta el bartering.
ESTRUCTURA RECURSOS
Se diferencia de un En ocasiones se puede
publirreportaje largo utilizar la misma banda
porque dispone de una sonora de sus anuncios
estructura narrativa publicitarios, en caso de
idéntica a la de un que cuenten con ella, para
programa: Cabecera, facilitar la asociación del
presentación, desarrollo y programa a su producto.
cierre.
A menudo, en el
transcurso del programa
se insertan otras formas
publicitarias (cuñas,
publicidad directa, etc.).