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También ocurrieron otros cambios. Los castrati desaparecieron y por tanto los tenores adquirieron roles más
heroicos y los coros se tornaron más importantes. Cuando acabó este periodo, el verismo se popularizó en
Italia retratando, en la ópera, escenas realistas más que históricas o mitológicas. En Francia, la tendencia
también se acogió y quedaron ejemplos populares como Carmen de Bizet.
Muchos compositores del Romanticismo, a partir de la segunda mitad del siglo xix, escribieron música
nacionalista, que tenía alguna conexión particular con su país. Esto se manifestó de varias maneras. Los
temas de las óperas de Mijaíl Glinka, por ejemplo, son específicamente rusos, mientras que Bedřich
Smetana y Antonín Dvořák utilizaron ritmos y temas de las danzas y canciones populares checas. A finales
del siglo xix, Jean Sibelius escribió Kullervo, música basada en la épica finlandesa (el Kalevala) y su pieza
Finlandia se convirtió en un símbolo del nacionalismo finés.
La época del Romanticismo no fue un siglo de grandes composiciones vocales. Subsistieron todavía una
serie de compositores a capella, exquisitos y refinados, como Mendelssohn y Brahms, que lograron efectos
de armonía y cromatismo inconcebibles en el siglo xvi, que fue la edad florida del estilo a capella.
Especialmente, en Alemania, el medio para conseguir este refinamiento fueron las composiciones corales
para hombres, las cuales, sin embargo, no debieron su impulso a razones puramente artísticas, pues se
convirtieron en expresión del nacionalismo o de las actividades partidistas, mientras que el resto de las
manifestaciones de base vocal cayeron en desuso. Los grandes adalides del período romántico no pensaron,
ni por un momento, en componer obras para la iglesia y contribuir así a que se escucharan los versículos de
la Biblia que glorificaran a Dios.
Se escribieron oratorios religiosos y profanos, como Elías de Félix Mendelssohn y El paraíso y la peri de
Robert Schumann. Brahms escribió Un réquiem alemán, obra religiosa con texto totalmente en alemán.
También se escribieron misas y otras obras religiosas. El Ave María de Schubert es un lied para canto y
piano.
Instrumentación
Como en otros períodos, la instrumentación se adaptó a los requerimientos musicales del período.
Compositores como Hector Berlioz, orquestaron sus obras de una forma nunca antes escuchada, dándole
una nueva prominencia a los instrumentos de viento. El tamaño de la orquesta estándar aumentó y se
incluyeron instrumentos tales como el piccolo y corno inglés, que antes se utilizaban muy ocasionalmente.
Mahler escribió su octava sinfonía, conocida como la "Sinfonía de los mil" por la masa orquestal y coral
que se requiere para interpretarla.
Además de necesitar una orquesta más grande, las obras del Romanticismo se tornaron más largas. Una
sinfonía típica de Haydn o Mozart, compositores del clasicismo, puede durar aproximadamente veinte o
veinticinco minutos. Ya la tercera sinfonía de Beethoven, que se suele considerar como del Romanticismo
inicial, dura alrededor de cuarenta y cinco minutos. Y esta tendencia creció notablemente en las sinfonías de
Anton Bruckner y alcanzó sus cotas máximas en el caso de Mahler, con sinfonías que tienen una hora de
duración (como es el caso de la primera y la cuarta) hasta sinfonías que duran más de una hora y media
(como la tercera u octava).
Por otro lado, en el Romanticismo creció la importancia del instrumentista virtuoso. El violinista Niccolò
Paganini fue, no solo una de las estrellas musicales de principios del siglo xix pero también el primer gran
virtuoso reconocido a nivel mundial. Liszt, además de ser un notable compositor, fue también un virtuoso
del piano, muy popular. Durante las interpretaciones de los virtuosos, solían destacar más ellos que la
música que estaban interpretando.
Viento
Contrafagot: Especie de fagot de grandes dimensiones, cuyos sonidos se producen a la octava grave del
fagot ordinario.
Saxofón: Instrumento de viento compuesto de un tubo cónico de metal encorvado en forma de U, con
varias llaves y una boquilla de madera y caña. Los hay de varios tamaños.
Corno inglés: Instrumento de viento, más grande y de sonido más grave que la trompeta.
Cuerda
Piano: Aunque ya existía en el Clasicismo, el piano es el gran instrumento del romanticismo. Permite la
mayor expresividad a los compositores, que son, muchas veces, virtuosos de este instrumento.
Cronología
Para los años 1810 se había combinado la utilización del cromatismo y la tonalidad menor, el deseo de
moverse a más tonalidades para lograr un rango más amplio de música y la necesidad de un mayor alcance
operístico. Mientras Beethoven fue tenido luego como la figura central de movimiento, compositores como
Muzio Clementi o Louis Spohr representaban mejor el gusto de la época de incorporar más notas
cromáticas en su material temático. La tensión entre el deseo de más color y el deseo clásico de mantener la
estructura, conllevó a una crisis musical. Una respuesta fue moverse hacia la ópera, donde el texto podía
otorgar una estructura incluso cuando no hubiera modelos formales. E. T. A. Hoffman, conocido
actualmente más por sus críticas musicales, presentó con su ópera Undine (1814) una innovación musical
radical. (No confundir con la de Tchaikovski de 1869). Otra respuesta a esta crisis se obtuvo mediante la
utilización de formas más cortas, incluyendo algunas novedosas como el nocturno, donde la intensidad
armónica en sí misma era suficiente para mover la música adelante.
Los trabajos más importantes de esta ola de compositores románticos fueron quizás los ciclos de canciones
y las sinfonías de Schubert, las óperas de Weber, especialmente El cazador furtivo, Euryanthe y Oberón.
Para la época, las obras de Schubert solo se interpretaron ante audiencias limitadas y solo pudieron ejercer
un impacto notable gradualmente. Por el contrario, las obras de John Field se conocieron rápidamente, en
parte debido a que era capaz de componer pequeñas y "características" obras para piano y danzas.
La siguiente cohorte de compositores románticos incluye a Franz Liszt, Robert Schumann, Félix
Mendelssohn, Frédéric Chopin, Hector Berlioz y Johannes Brahms. Ellos nacieron en el siglo xix e
iniciaron pronto la producción de composiciones de gran valor. Mendelssohn fue particularmente precoz,
escribiendo sus primeros cuartetos, un octeto para cuerdas y música orquestal antes de cumplir los veinte
años. Chopin se abocó a la música para piano, incluyendo etudes
(estudios) y dos conciertos para piano. Schumann compuso
exclusivamente para piano hasta 1839 cuando, por consejo de su
esposa comenzó a componer música Solista, camerística y
orquestal. Berlioz compondría la primera sinfonía notable luego de
la muerte de Beethoven, la mencionada Sinfonía fantástica. Liszt
compuso música orquestal, pero es conocido por innovar en la
técnica del piano, sus estudios trascendentales están entre las obras
que requieren mayor virtuosismo. Brahms sería considerado el
sucesor de Beethoven; incluso la primera sinfonía de este sería
considerada "la décima sinfonía" de Beethoven.
Un aspecto importante de
este parte del Romanticismo fue la amplia popularidad alcanzada
por los conciertos para piano (o "recitales", como los llamaba Franz
Liszt), que incluían improvisaciones de temas populares, piezas
cortas y otras más largas, tales como las sonatas de Beethoven o
Mozart. Una de los exponentes más notables de las obras de
Beethoven fue Clara Wieck, que luego se casaría con Robert
Schumann. Las nuevas facilidades para viajar que se ofrecían en la
época, gracias al tren y luego al vapor, permitieron que surgieran
grupos internacionales de fanáticos de pianistas virtuosos, como
Liszt o Chopin. Estos conciertos se transformaron en eventos por sí
mismos. Niccolò Paganini, famoso virtuoso del violín, fue pionero
de este fenómeno. Robert Schumann en 1839
Fue en este momento cuando Richard Wagner produjo su primera ópera exitosa, e inició su búsqueda de
nuevas formas para expandir el concepto de los "dramas musicales". Wagner gustaba llamarse a sí mismo
revolucionario y tenía constantes problemas con sus prestamistas y con las autoridades; al mismo tiempo se
rodeó de un círculo de músicos con ideas parecidas, como Franz Liszt, con quienes se dedicó a crear la
"música del futuro".
Suele indicarse que el romanticismo literario terminó en 1848, con las revoluciones que ocurrieron ese año
y que marcaron un hito en la historia de Europa, o al menos en la percepción de las fronteras del arte y la
música. Con el advenimiento de la ideología "realista", y la muerte de figuras como Paganini, Mendelssohn
y Schumann, y el retiro de Liszt de los escenarios, apareció una nueva generación de músicos. Algunos
argumentan que esta generación debería llamarse victorianos más que románticos. De hecho, los años
finales del siglo xix suelen describirse como Romanticismo tardío.
Al llegar a la segunda mitad del siglo xix, muchos de los cambios sociales, políticos y económicos que se
iniciaron en la era post-napoleónica, se afirmaron. El telégrafo y las vías ferroviarias unieron a Europa
mucho más. El nacionalismo, que fue una de las fuentes más importantes del principio de siglo, se
formalizó en elementos políticos y lingüísticos. La literatura que tenía como audiencia la clase media, se
convirtió en el objetivo principal de la publicación de libros, incluyendo el ascenso de la novela como la
principal forma literaria.
El período romántico tardío también vio el auge de los géneros llamados "nacionalistas" que estaban
asociados con la música popular (folclórica) y la poesía de determinados países. La noción de música
alemana (Bruch) o italiana (Puccini), ya estaba largamente establecida en la historia de la música, pero a
partir de finales del siglo xix se crearon los subgéneros ruso (Glinka, Músorgski, Rimski-Kórsakov, Cui,
Balákirev, Borodin, Chaikovski), checo (Smetana, Dvorak), noruego (Grieg), finlandés (Sibelius), español
(Albéniz, Granados), británico (Elgar, Delius) y estadounidense (Parker, Mac Dowell). Muchos
compositores fueron expresamente nacionalistas en sus objetivos, buscando componer ópera o música
asociada con la lengua y cultura de sus tierras de origen.
Post-romanticismo (1870-1949)
Se puede considerar un movimiento de finales del siglo xix y principios del xx que se diferencia del
Romanticismo por la exuberancia orquestal y la desmesura en los desarrollos sinfónicos, también se
caracteriza por un intenso cromatismo que supera a Richard Wagner. En los compositores postrománticos
se observa la melancolía que les produce la pérdida de la cultura romántica.
Los compositores más representativos de este estilo fueron Anton
Bruckner, Gustav Mahler y Richard Strauss.
El músico romántico
Por otro lado, competir en originalidad era más la excepción que la regla. Así pues, las generaciones se
sucedían. Los músicos románticos plantaron cara a la tradición, y no solo dejaron de evitar la originalidad,
sino que la persiguieron y cuanto más libre de ideas preconcebidas estuviera una obra, tanto mayor era la
estimación que despertaba.
La música romántica, la música del siglo xix, aparece repleta de una sucesión de personalidades de lo más
variadas, con una serie de perfiles mucho más acusados y diferenciados que en los siglos precedentes y
resulta una tarea muy difícil trazar con nitidez la trayectoria de su evolución.
Romanticismo en el siglo xx
Muchos de los compositores que nacieron en el siglo xix y continuaron componiendo ya entrado el
siglo xx, utilizaron formas que estaban en clara conexión con la era musical previa, incluyendo a Sergei
Rachmaninoff, Giacomo Puccini, Richard Strauss y Kurt Atterberg. Por otro lado, muchos de los
compositores que luego fueron identificados como modernistas, escribieron en sus inicios obras con un
marcado estilo romántico, como por ejemplo Igor Stravinsky (es notable su ballet El pájaro de fuego),
Arnold Schoenberg (Gurrelieder), y Béla Bartók (El castillo de Barba Azul). Pero el vocabulario y la
estructura musical de finales del siglo xix no se quedó allí; Ralph Vaughan Williams, Erich Korngold,
Berthold Goldschmidt y Sergéi Prokófiev continuaron este género de composición más allá de 1950.
Otra área donde el género romántico ha sobrevivido, e incluso ha florecido, es en las bandas sonoras.
Muchos de los primeros emigrantes que escapaban de la Alemania nazi fueron compositores judíos que
habían estudiado con Mahler o sus discípulos en Viena. La partitura de la película Lo que el viento se llevó
del compositor Max Steiner, es un ejemplo del uso de los leitmotivs wagnerianos y la orquestación
mahleriana. La música de los filmes de la Era dorada de Hollywood fue compuesta en gran medida por
Korngold y Steiner, así como Franz Waxman y Alfred Newman. La siguiente generación de compositores
para el cine, compuesta por Alexander North, John Williams, y Elmer Bernstein se basó en esta tradición en
la composición de la música orquestal para cine más familiar de finales del siglo xx.
El período romántico musical duró de 1820 hasta 1914 por lo cual el instrumento más utilizado fue el
piano, donde compositores como Chopin, Liszt, Schumann, Schubert, se dedicaron a componer un extenso
repertorio basado en sonatas y conciertos. En el campo de la música sinfónica orquestal fue el Poema
Sinfónico creado por Franz Liszt, era una pieza de un movimiento, libre de las ataduras de la forma y la
Sinfonía Programática creada por Hector Berlioz, alcanzando su más fuerte expresión y sentido universal,
alcanzando parámetros nuevos en el arte, por fuera de la música en sí misma. En el canto lírico, la forma
Lied de Brahms, Mendelssohn, Liszt y Schubert, eran piezas para voz (por lo general masculinas) con
acompañamiento de piano.
Desde el inicio mismo, los románticos adoptaron una actitud relajada en lo que a la forma sinfónica se
refiere.
Para esta época ya se había estrenado y editado la Heroica, ese modelo de gravedad suprema que suena
como un himno de las más pura estructura. Esa composición donde ningún instrumento se impone dentro
del conjunto y donde todos contribuyen al objetivo sinfónico global.
Véase también
Mujeres en la música
Historia de la música
Historia de la ópera
Max Bruch
Guerra de los románticos
Música modernista
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