EL MODELO CLASICO EN LA

ARQUITECTURA MODERNA
TEMA 1: LA ARQUITECTURA RENACENTISTA FILIPPO BRUNELLESCHI
La edad moderna es un periodo histórico que comprende desde el siglo XV al siglo XIX.
Engloba el Renacimiento, el Barroco y el Clasicismo. La arquitectura ha gozado de un estatus
especial a otras artes plásticas, ya que es funcional además de artístico. Nos sirve para vivir,
interactúa con la ciudad.
Cicerón en su “De officis” situaba en el mismo nivel a la arquitectura que la medicina. Ya desde
la antigüedad la arquitectura tenía un estatus especial.
Para Vitruvio, la arquitectura era una ciencia que englobaba “La arquitectura es una ciencia
adornada de otras muchas disciplinas y conocimientos [letras, dibujo, geometría, óptica,
aritmética, historia, filosofía, música, medicina, derecho y astrología], por el juicio de la cual
pasan las obras de las otras artes”. La arquitectura iba desde el derecho a la astrología. En los
siglos anteriores la arquitectura no existía como la conocemos a día de hoy. No estaba tan
vinculado en la cuestión del desarrollo intelectual.
Durante los siglos medievales, aunque la fama del edificio la ostentaba más el promotor de la
obra que el artífice. Se asocia a construcciones mítica, relacionados con la historia bíblica.
Como la torre de Babbel, el arca de Noe, el templo de Jerusalén. Dios se representa como
arquitecto del mundo o trazador de medidas. En muchas obras aparece el promotor dirigiendo
una construcción. Durante el medievo la arquitectura tenía la misma importancia que los
tapices, la orfebrería, etc. A finales de este periodo vemos como algunos arquitectos se sienten
orgullosos de lo que han hecho y se representan en los edificios.
El termino arquitecto tal como lo conocemos hoy no se usa hasta el siglo XV en Italia y en el
caso de España en el siglo XVI y de forma leve, los primeros serán los arquitectos del Escorial.
Durante el Renacimiento se va a producir un distanciamiento entre el diseño y la obra final, el
arquitecto, o diseña y otras personas lo van a recibir, por ello se va a considerar la arquitectura
como un trabajo intelectual. Quienes encargan los edificios son personas cultas, muchas veces
con conocimientos académicos.
Para Vasari en el Renacimiento, tienen que renacer las artes.
Panoscci, habla que existen otros renacimientos como el carolingio, pero el italiano, es un
Renacimiento de vida ya que engloba muchos temas.
Tiene que renacer la antigüedad clásica, sobre todo Roma, ya que se considera el mejor periodo,
todo lo que se aleje de esto es una perversión. Esto tiene un trasfondo político, ya que la Roma
Imperial había sido el centro del mundo conocido, Vasari concibe que el Gótico. Tedesca para
referirse a la arquitectura medieval. Para él, esta arquitectura es extranjera. La arquitectura
medieval italiana es diferente a la francesa.
Están ajustadas a la mediada del ser humano por ello no es tan monumental como la
arquitectura gótica. Se investiga más a fondo la antigüedad.
Todos los lugares se van a alinear con los principios básicos de la arquitectura romana. La
vuelta a la naturaleza y la vuelta a la antigüedad. En la pintura se representa una arquitectura
real. Por otro lado, hay un estudio muy profundo de la lengua latina, la arquitectura tiene
muchas cosas en común con la lengua, por las normas, etc. El renacimiento no surge de repente,
sino por humanistas como Dante Alighieri (1265- 1321), Giovanni Boccaccio (1313-1375) y
Francesco Petrarca (1304-1374).
Los pilares son la naturaleza y la arquitectura clásica. Este estudio del clasicismo se va a realizar
a través de las ruinas y de Vitrubio. Vitrubio fue un tratadista y arquitecto de la época de
Augusto, escribió 10 libros de arquitectura, es muy celebre porque, se convierte en autoridad a
lo largo de toda la edad moderna, ya que es el único tratado que ha sobrevivido de la
antigüedad, ya se conocía su tratado, pero hay un cierto redescubrimiento de Vitrubio. Éste
plantea una cantidad de problemas enormes, tratado escrito en latín, con muchos tratados en
griego, no llegaron las ilustraciones que hizo, se perdieron antes del siglo XV, utiliza unos
términos que en su época se entendían, pero en el siglo XV no se entienden.
Aunque se usa como dogma/autoridad, Vitrubio explicaba unas bases útiles en ese momento,
establece el sistema de órdenes, (jónico, dórico, corintio), habla un poco del toscano. Explica
como a determinados dioses romanos le corresponde un orden u otro, a Minerva, Ares y
Hércules, les hacen ordenes dóricos, por razón de su fortaleza. A venus, flora, Proserpina les
hacen ordenes jónicos.
Es Vitrubio quien habla que los edificios al igual que el hombre, tiene que tener
correspondencia en cada una de sus partes, al igual que las tiene el hombre.
Vitrubio se redescubre en entre el 1496, y hasta 1511 no hay una primera traducción impresa.
Otra cuestión importante en este momento, es la cuestión de la perspectiva, se aplica en la
pintura, pero también en la arquitectura. Esto distingue la arquitectura medieval que la de la
edad moderna. Esta perspectiva la descubre Brunelleschi y la desarrolla sobre todo Alberti.
En el Renacimiento van a surgir la biografía de los artistas, por lo que se van a conocer sus
vidas, están elevando al artista a un papel muy importante.
El momento cumbre para Vasari, es el siglo XVI, divide el Renacimiento en tres etapas,
nacimiento, juventud y madurez (el arte se expresa en su plenitud).
También emerge el género de la autobiografía, un caso muy importante, es el de Benvenuto
Cellini (1500-1571) (escritor).
Los artistas empiezan a autorretratarse, en la edad media se retratan con un elemento material
como un martillo, pincel, etc.
A principios del Renacimiento existían los gremios, que encargaban determinadas obras de arte.
FILLIPO BRUNELLESCHI (1377-1446)
(Completar con apuntes de wuolah)
Es humanista y se dedica a la arquitectura. Su origen es distinto a otros. Trabaja en los talleres
de la iglesia gótica. En cambio, otros de los arquitectos del Renacimiento surgen de la camada
de las artes o son eruditos y no surgen de los talleres. En este momento de la historia se da esta
distinción. Pensar un edificio. Cuando se construía la iglesia gótica se decidía en la obra y no
había distinción en la persona que tomaba las decisiones. Brunelleschi tiene este origen y lo
particulariza. Todos van a ver la cultura griega y romana. Los monumentos o la arquitectura
romana estaban en todas partes en Italia. Se empezó a hacer común que estos arquitectos vayan
a conocer a Roma los edificios que algunos estaban en ruinas, pero no tanto como hasta el día
de hoy. Había muchos más ejemplares del antiguo imperio. Brunelleschi va a Roma y conoce,
mide, dibuja y estudia para conocer como construían los romanos. Brunelleschi une sus
conocimientos previos de la arquitectura gótica con la arquitectura romana
La antigüedad va a ser un elemento clave en su obra, con una mentalidad del siglo XIV-XV. Es
el primero que adopta los principios de la arquitectura clásica a las necesidades modernas. Para
estudiar a Brunelleschi tenemos fuentes modernas, tenemos a Vasari, a Filarete y a Tuccio
Manetti. Bien asentado en el la vida florentina, sabia latín, recibió bastantes estudios desde el
punto de vista humanista. Su primer acercamiento histórico en a través de un taller de orfebre.
En este taller. En este taller demuestra sus dotes para el dibujo, lo que es fundamental para
muchas ramas artísticas, se forma en cuestiones de matemáticas y de mecánica, desde el punto
de vista crítico, no recibe mucha enseñanza técnica ya que no era arquitecto de profesión.
Cuando estaba en Roma con Donatello, excavando ruinas romanas, se les conocía como los “del
tesoro”.
Una de sus grandes aportaciones es el descubrimiento de la perspectiva, (método de
construcción geométrica que nos permite la interpretación estática de unos objetos tal como se
representarían a la vista). Hizo dos talillas en donde represento el baptisterio de Florencia …
(completar)
Posteriormente artistas como Masaccio va a usar este sistema de perspectivas para sus obras
pictóricas. La perspectiva es muy occidental.
La primera gran obra de nuevo estilo, es la cúpula de Santa María de Fiore en Florencia. Es
una obra que supone la culminación de un edificio medieval, Brunelleschi solo hace la cúpula.
El resto pertenece al gótico toscano. Tiene una cierta problemática, en el siglo XIII se construye
un edificio primigenio que es Santa Reparata, por lo que se construye un edificio de mayor
envergadura, realizada por Arnolfo de Cambio en …, después la amplia otro arquitecto
Francesco Talenti, es un espacio muy amplio por lo que se desconoce cómo se va a poder cubrir
esto. El Gremio de la Lana se hace cargo de la obra, y se hace una especie de pinturas,
maquetas, en el año …. Se hace un concurso, finalmente Brunelleschi lo gana, éste no había
trabajado antes como arquitecto, pero si tenía un conocimiento de la arquitectura anterior.
Quería asemejarse al Panteón, pero era imposible porque las técnicas constructivas romanas no
se hacían en ese momento,
Diseña una cúpula de doble casco, doble cúpula, en la que hay una especie de pasillo, es una
cúpula que se sostiene a sí misma, ya que tiene como una especie de contrafuertes integrados,
recurre a una exposición de los ladrillos de forma diagonal, que se conoce como espina de pez.
Este tipo de cúpulas ya se habían realizado antes. Brunelleschi invento una especie de sistema
de poleas, conocido como la “stella”, la cúpula tiene unas dimensiones enormes 40 de diámetro
x 50 de altura. Esta nueva forma de construir, que una persona tenga toda la responsabilidad de
una obra, no se adaptaba al sistema gremial, esto va a ser decisivo para la importancia de la
figura del arquitecto. Los obreros no estaban de acuerdo de que Brunelleschi no perteneciera al
gremio de albañiles.
También conllevaba mucha dificultad llevar a cabo el remate, en el 36 y Brunelleschi vuelve a
ganar el concurso. La obra la completan otros artistas tras su muerte, Michelozzo y Verrocho,
pero el diseño es de Brunelleschi, realiza un anillo de contrafuerte que la sujetan, ya que si se
cae destruye la cúpula entera, la linterna constituye un final estético a los anillos que preceden la
cúpula. Esta obra constituye el paradigma del Renacimiento, el modelo de cúpula del
renacimiento, la coronación de una obra medieval, pero tomando inspiración de una obra
medieval.

Cúpula de Santa Maria del Fiore (Florencia 1420-1436)

Se decide ampliar la iglesia en 1350. Franccesco la amplia y no sabían cómo cubrir la cúpula, es
demasiado grande. No hay encofrado que tenga el largo para cubrir ese ancho. Entonces pasan
los años sin que nadie pueda saber cómo construir la cúpula. Brunnelleschi lo hace con la unión
de conocimiento con el gótico y los romanos, con la cúpula del panteón como referente.
Comienza a construir en 1490. Se complica cuando en 1410 deciden construir un tambor. Se
hace el tambor. Que hace que se eleve todavía más la distancia entre el piso y la cúpula. No
podían agregar contrafuertes y arbotantes. La cúpula debe ser más fina que el tambor y sin
estructura que la sostenga. Vemos imagen de la catedral que es románica, el campabide que lo
construye Giotto antes de que Brunelleschi comience con la cúpula. Soluciona la cúpula
diseñando de manera apuntada, cúpula de medio punto. Necesita que no haya pujes laterales. En
cada esquina hace un nervio en forma de arco apuntado donde hay nervios secundarios que
llegan hasta la punta de lo que sería el óculo. Los nervios verticales no sólo sostienen la cúpula.
Hay anillos horizontales que hacen la fuerza en el otro sentido. Y permite que la estructura
funcione junta. Lo resuelve generando una cáscara interior y otra exterior de un lado y al toro
del nervio. La cáscara interior cubre del agua. Y la exterior la cierra. Tiene esos nervios que
suben y no son estructurales, los estructurales son los que pasan por dentro. Los otros son
decorativos. El óculo no está abierto está cubierto por una linterna como elemento. Lo hace
Brunelleschi, pero se muere antes de que lo construyan. Vemos los pequeños óculos que
iluminan los lugares intermedios. La unión entre la parte existente y la cúpula de Brunelleschi.
Una vez arriba de la cúpula. La linterna. Ver la escala humana al lado de la linterna. Ver foto
del interior de la cúpula. Se puede acceder hasta arriba caminando entre medio de las dos
cáscaras. Entre la interior y exterior donde están los pequeños óculos. Vemos uno de los
nervios. Ver foto de la cúpula desde el interior. Pintada con frescos. Se pensó en mosaico, pero
no por su propio peso. Se eligió pintarlos con frescos. En la corriente manierista por Giorgio
Vasari.

Hospital De los Inocentes (1419-1427): Dedicado a

acoger a niños huérfanos, se podía abandonar a los niños en una especia de anonimato. Tiene
una especie de torno, llamado la Ruota en el que se podía dejar el niño sin ser visto. La
estructura ya estaba construida en parte. Encargada por el gremio de la seda, sin ánimo de lucro.
Va a tratar de regular la planta. Una de las primeras obras renacentistas. Hace un pórtico regular
basado en cuadrados, se empieza a usar como modulo el cuadrado. Pórtico de 9 cuadrados,
empieza a desarrollar una serie de características. Recurre a columnas coronadas por capiteles
compuestos por 8 volutas. Brunelleschi no realiza elementos muy decorados. Usa sus elementos
para crear un poco de animación, mediante los contrastes de luces y sombras. Utiliza bóvedas
vaídas o de pañuelos.
Casi todos en el mismo momento en que arrancó la cúpula y falleció diseño todos estos edificios
importantes para la consolidación del Renacimiento. Esta obra diseño el pórtico. Es lo que
vemos abajo en forma horizontal. Da a una plaza y proporciona una fachada uniforme a esa
plaza. Ver imagen del pórtico. Cuando estos arquitectos buscan en el pasado descubren
estudiando Roma que sobre todo hay lógica en las proporciones y en la escala. Los romanos
diseñaban las columnas. Está lógica de proporciones hace que si yo tengo una columna pequeña
voy a tener un edifico pequeño porque esta modulado por la columna. Si mi primer módulo es
grande el edifico es grande. Acá el usa la proporción en la fachada. Tiene característica clásica.
Vuelve con el lenguaje que tiene que ver con los órdenes y para el los órdenes son estructurales.
Los usa como columnas exentas que sostienen la estructura. Arma arcos de medio punto. El
arco apuntado se asocia a la arquitectura gótica, no se usa más en este periodo salvo en la
cúpula. El arco de medio punto lo repite. Arriba entablamento que se apoya en las crujías
laterales. La primera y última son ciegas. Hay dos pilastras que llegas hasta el entablamento.
Esos dos pares de pilastras son el sostén, está
apoyado en algo no puede flotar, los arcos están
apoyados en su columna. Por encima hay
una cornisa que es un sostén como antepecho a las
ventanas. Sacan elementos del repertorio
romano usando la lógica clásica y usando
proporciones modulares para que todo
tenga relación de partes. Por ejemplo, la
resolución del detalle cuando tenemos los arcos
uno a continuación del otro que parece que es igual
y no lo es. Si se ve la totalidad parece que es igual, pero existen las individualidades. Los
detalles decorativos siempre son distintos. El detalle de los bebés que hay son todos distintos, es
el individual. La resolución de las pilastras cuando viene la arcada culmina. Une los dos óculos
y en ese caso se juntan dos. Columna pilastras columna. Esa es su resolución.

Otra de sus características, que retoma de época etrusca, combinación de piedra serena, lo
pondrá de moda.
(buscar apuntes porque no me estoy enterando de absolutamente nada)
Marca mucho el vertido en el arquitrabe, también marca los frisos en las puertas, son una serie
de elementos formales.
Estamos articulando esa decoración únicamente dándole protagonismo al arte de la columna, no
se incorpora ningún otro elemento.
Basílica de San Lorenzo:
(1418/19 + nave 1446-1450 + 1461-1464)
Matteo Dolfini (1421) Brunelleschi (1422)
Trabaja bajo mandato de la familia Medici, parte del existe de la difusión de las ideas
renacentista parte del mecenazgo de la Florencia del siglo XV. Familias ricas que compiten
entre ellas, para ellos el patrocino artístico es una forma de demostrar su poderío. Y van a tratar
de reclutar a los mejores artistas. Basílica bajo patronazgo de los Medici, ya existía
anteriormente. Se pensó en aumentar la iglesia, se incorpora un nuevo coro. Giovanni de Medici
le consulta sobre la remodelación de este edificio, su seguridad le convence y le encarga la
reconstrucción.
Un artista del renacimiento quiere recuperar la arquitectura romana, pero para hacer una iglesia
el modelo romano o griego no sirve, ya que la liturgia es totalmente diferente. Vuelve a recurrir
a la bóveda vaída. Retoma las pechinas para celebrar la …
Recurre a la bicromía entre la piedra serena y la piedra blanca. En las columnas que separan las
naves laterales y la central, sitúan una especie de entablamento para que se corresponda el
capitel con el arquitrabe lateral. Nuevamente recurre a las pechinas para la cúpula, recurre a una
cúpula de paraguas. No tiene tambor. Es una capilla de carácter privado. Se decora más
posteriormente, por artistas de la época. La composición del presbiterio es un doble arco que lo
cubre todo. En el presbiterio hay una cúpula que imita la bóveda celeste. Chastel estudio esta
bóveda celeste y se dio cuenta que correspondía al cielo que había cuando se celebró un concilio
importante para la familia Medici. Corresponde con la idea que se tenía en la época de una obra
de la antigüedad.

Diseña Iglesias. En este caso hay dos Iglesias características de planta basilical. La proporción.
Vemos la parte que queda en blanco. Menos la parte verde todo va a estar en el período de
manierismo. La biblioteca laurenciana diseño Miguel Ángel. Está la escalara del también. Eso
lo vamos a ver más adelante. Ahora nos centramos en la iglesia. Su proporción. Encuentra un
cuadrado en planta que es el crucero de la nave central y transepto y lo repite en el coro y en la
nave. El cuadrado dividió en cuatro me da el tamaño de cada una de las capillas que rodean el
transepto y las naves laterales. Todas las medidas de la iglesia en planta están en base del
mismo módulo. Las capillas del costado son agregadas más tarde por eso no tiene la lógica. En
este caso la proporción bien aplicada en planta no tanto en vista. Otra cuestión importante es
que es el que descubrió el punto de fuga. El la inventa. A partir de muchas pinturas se hacen con
esta técnica. La fachada inconclusa. Basílica romana y paleocristiana. Por eso de nave central
más alta y laterales más bajas. El interior, el punto de fuga. Todas tienen punto de fuga, pero
Brunelleschi diseña con este mismo módulo, toma el ancho y los caserones van a ser 4 y medio
más ancho que las columnas. El centro del arco de medio punto. La ventana del claristorio a eje.
Y el casetonado que arma geometría que proporciona la perspectiva lineal. Acompañado del
piso con dibujo geométrico relacionado con el casetonado y las columnas. Que realizan
modulación en relación al tamaño de las columnas. Geometría en saldo y techo, hacen grilla a
punto de fuga. Mirando a las altas y desde las naves central a capillas. Sé produce el mismo
efecto. Vemos que las naves laterales cubiertas de bóvedas de medio punto. Siempre todo de
medio punto.

La basílica del Santo Spirito (1434 proyecto y iniciada en el 1444) Brunelleschi, Antonio
Manetti, Giovanni da Gaiole, Salvi d´Andrea
En un primer momento el propuso un proyecto mucho más ambicioso, se aceptó el proyecto que
el comenzó que consistía en levantar una nueva iglesia. Brunelleschi no la va a llegar a
terminar, pero la terminaron sus seguidores. Nuevamente el retoma el esquema de la basílica
paleocristiana, con un cuadrado en el crucero, tiene dos naves laterales que le dan toda la vuelta
a la iglesia. Genera sensación de más centralidad. El interior se parece bastantes a la de san
lorenzo. En las naves laterales no recurre a pilastras, sino que recurre a columnas. Pone en
práctica la perspectiva. Al recurrir a columnas más robustas y menos altas.
Brunelleschi cuando estaba terminando la obra, decía que había cumplido sus propósitos.

Sagrestia vecchia // Sacristia vieja de San Lorenzo (1419-1428) Florencia

Otra obra. Sacristía vieja de San Lorenzo. Esto es plata centralizada. Esto lo hizo una familia
adinerada para dejar a sus muertos. Brunnelleschi diseña el lugar con gran espacio con cúpula
adosado a espacio menor también cubierto con cúpula
Las dos cúpulas son semiesféricas. El espacio mayor y em espacio menor, se ve que la
diferencia de planta cuadrada y cúpula se da por el uso de las pechinas del pelocristiano y
bizantino. D planta centralizada a cuadrada. La cúpula semiesférica del espacio mayor que por
fuera se ve como un tambor con cubierta apuntada. Y la cúpula del espacio menor, ambas tienen
pechinas. El espacio no da la impresión de ser diseñado de manera plástica. Los entablamentos
van corriendo a lo largo y tienen que estar apoyados. No pueden flotar. Tienen pilastras
corintias que sostienen. El problema se da en las esquinas que prácticamente desaparecen o no
se articulan bien, el no puedo desarrollarlo correctamente Lo que vemos es pilastras sosteniendo
el entablamento. Y donde no hay ubica ménsulas que son raras para darle sostén. A la vez los
muros, se ve un arco que rompe el entablamento. Y
tenemos dos entradas que tienen un frontis con
dos pilastras circulares adosadas.

Capilla Pazzi: Pertenece a la Básilica de Santa Croce (encargada en 1429, se inició después de
1440) De la familia Pazzi (familia enemiga de los Medici), se realiza dentro de un templo
cristiano, la Santa Croche, se le encargo a Brunelleschi. En el muro de la entrada se había
realizado una especie de fachada sin pórtico. Rectangulo compuesto por tres partes. El interior
tiene bastante similitud con la sacristía vieja, quizás la decoración sea más recargada. Tiene
proporción para ser observado desde abajo, perspectiva Da Sotto in Su. Desde el punto de vista
decorativo, tiene mayor plasticidad que el otro conjunto. Las pilastras de las esquinas para dar
cierto releven, la fachada se estructura en 6 columnas. La cúpula está sujeta por pechinas y la
parte más relevante de todo el conjunto, es la Serliana, es una estructura con tres vanos, un arco,
¿? Viene de Serlio, quien la teoriza y difunde. Es una estructura sencilla, la elegancia a la que
Brunelleschi aspira se basa en la sencillez. La cúpula de no es completamente esférica.
Familia adinerada para los muertos. Gran lugar cubierto por cúpula, el espacio lo es todo
cubierto por cúpula, en este caso no es así hay pórtico por delante. Delante tenemos el espacio
del altar que en este vaso es parecido también cubierto por otra cúpula. Se da el uso de las
proporciones, la proporción áurea que te ene que ver con el desarrollo del Renacimiento. La
fachada sometida a proporciones. La parte superior de la fachada se asume que se hizo despues
de brunnelleschi. Pero abajo si se asume que la hizo el entablamento sostenido por columnas
aisladas donde el arco corta el entablamento y hay ático arriba como si fuera un arco de triunfo.
La diferencia con el hospital es que tiene la acentuación del centro cuando en las arcadas del
hospital no se da, porque son todas las arcadas iguales. En este caso esa impritabcia del centro
tmbién se da en el pórtico con cúpula con crujía. Ese proticu cubierto por bóveda con casetones.
Arriba estaría la cúpula y se da hacia las laterales bóvedas de cañón corrido a los laterales a la
manera romana. La bóveda y el espacio. Otra vez el tema de la articulación de las pilastras en la
esquina. Todos los relieves distintos. La evolución del Renacimiento que se ve en las Iglesias y
en otro tipo logia que es en el palacio.

Palazzo della Parte Guelfa (1435), Brunelleschi no realizo demasiados ejemplos de

arquitectura civil, sabemos que parte de la fachada que corresponde con la sala de reuniones es
la que realizo él.
Santa Maria degli Angeli (1435) La realiza para la orden camadulense Ambrogi Travesar.
Planta centralizada, uno de los primeros ejemplos de arquitectura religiosa, totalmente
centralizada, el oratorio está dedicado a la Virgen y a los 12 apóstoles, pero era un oratorio de
uso privado, todo su interior giraba en torno al tema de la Virgen y los apóstoles. Su planta
también es octogonal, ya que esto simboliza la resurrección, la cúpula se apoya en una serie de
pilares. Va a tener mucha influencia en el siglo XVI, para Bramante.
TEMA 2: LEON BATTISTA ALBERTI (1404-1472)
Nació en Génova en el periodo en el que los Alberti se habían exiliado de Florencia. Vivió un
tiempo en Venecia, donde estudió cálculo y latín y quizás estudió en Padua lenguas clásicas y
disciplinas científicas. Estudió derecho civil y canónico en la Universidad de Bolonia, donde se
graduó en 1428. Ese año pudo volver a Florencia cuando tenía 28 años y había sentado las bases
de su reputación como humanista. Fue nombrado abreviador apostólico y prior de San Martín en
Gangalandi, perteneciente a la diócesis de Florencia. Trabajó en Roma desde 1432 para Eugenio
IV y en 1434 lo acompañó a Florencia donde se alojó hasta 1443. En ese tiempo realizó breves
viajes a Bolonia y Ferrara. En 1443 volvió a Roma y en 1447 fue nombrado papa Nicolás V, al
que conocía de su época de estudio en Bolonia. Se convirtió en familiar del pontífice y fue
nombrado prior de Borgo San Sepolcro. También fue superintendente de los monumentos
antiguos romanos. Su trabajo para otras ciudades como Rímini o Mantua ayudó a expandir su
concepción clasicista fuera de Florencia. con el ascenso al solio Pontificio de Paulo II perdió su
cargo de abreviador apostólico. Murió en Roma en 1472.

Es el arquitecto junto con otros dos del Renacimiento escribió el primer tratado de arquitectura.
El más importante del Renacimiento. Fue a buscar un autor que es Vitruvio. Vitruvio que es
romano, de siglo 27 antes de Cristo escribió un tratado de arquitectura contando la arquitectura
de Roma en su época.Ese tratado fue encontrado por los humanistas.Y basaron sus tratados en
eso. Visito Roma junto con brunnelleschi y se dio cuenta que vitruvio no había contado las
mejores obras de arquitectura romana. Lo que hace es conjugar lo que el sabe con lo que leyó de
vitruvio. Escribe un tratado muy parecido pero hecho del Renacimiento. Dice como hay que
construir y lo hace. El escribe antes de construir. Escribe y después construye basándose en sus
escritos.
Publica textos filosficos, religosos,etc. En un principio se mantiene alejado de la arquitectura.
Búsqueda de una armonía ideal que parte de las medidas del ser humano. Relación entre las
partes que componen el edificio.
La concinnitas “una cierta armonía regular entre todas las partes de una cosa, armonía de tal
especie que nada puede ser movido, quitado o cambiado en ella sin que tenga tanto menos
encanto”
Descriptio Urbis Romae: Descripción científica de la ciudad de Roma, lo escribe entre en el
1443-1445, y queda incompleto. A partir del siglo XV, hay personajes que intentan empezar a
situar esos edificios, tiene que ver con las peregrinaciones a Roma. Alberti, intentaba establecer
un sistema de coordenadas de la ciudad de Roma y empezar a excavar y a cartografiar todos los
restos antiguos. Empieza a pensar en la trama urbanística de la ciudad. Lo concibe como una
sacralidad de la ciudad de Roma.
También tiene un texto de pintura y de la escultura.
De Re Aefligatoria : Aprende más de las ruinas que de Vitrubio. Escribió el tratado en torno a
los años 50s en latín, por lo que no tuvo tanta difusión como debería haber tenido.
Compuesto por:

❖Prólogo

❖Libro I: Elección del ambiente y el terreno. Proyecto general. Las principales partes del
edificio.

❖Libro II: Materiales de construcción.

❖Libro III: La construcción.

❖Libro IV: Arquitectura y sociedad. Las infraestructuras urbanas.

❖Libro V: Edificios públicos y residencias para privados.

❖Libro VI: La composición del tratado. Análisis de la belleza. Máquinas empleadas en la

construcción. Tipos de revestimiento y decoración.

❖Libro VII: Los templos, sus partes y decoraciones. Los órdenes. Las basílicas. Uso de las
estatuas.

❖Libro VIII: Tumbas y torres. Estructuras públicas con calles, puertos, foros, arcos triunfales,
edificios para espectáculos (anfiteatros, teatros, circos), curias, senados y termas.

❖Libro IX: Decoración de residencias privadas. Belleza y decoración. concinnitas,

proporciones, información general sobre el diseño y la organización.

❖Libro X: Argumentos relacionados con la hidráulica. Factores ambientales. Defectos de las

estructuras y reparación
Los órdenes empiezan a tener importancia (creo que me lo he inventado), mucha importancia a
la proporción, cuando se acerca a la arquitectura ya está formado, se acerca como humanista.
Monumento ecuestre de Niccoló III de Ferrara (1446-1450): El pedestal del monumento
ecuestre de Niccoló III de Ferrara.
El Palazzo Rucellai se comienza en el 1446, encargado por Bernardo Rossellino, una de las
familias ricas de Florencia. Construido por Bernardo Rosselino entre 1447 y 1457. El propósito
de Alberti, era resaltar la grandiosidad del edificio, ya que de esta forma destacaba la grandeza
del propietario, más que el recurso a la belleza y lujo, el pretendía resaltarlo con el uso de las
proporciones, de los órdenes, los órdenes no se pueden poner al tun tun. En este caso articula la
fachada a base de pilastras, dóricas abajo, jónicas en el medio y corintias arriba. Primero van las
dórica ya que son las más “fuertes y sólidas”, similar al coliseo. Predomina la frontalidad, pero
se equilibra con la verticalidad por lo que se genera una armonía. Sillares almohadillados, al ser
más difícil, se suele utilizar para resaltar el poder del propietario. Los sillares de abajo son más
grandes, creando el efecto de solidez y estabilidad. Zócalo que imita un estilóbato, elemento
donde se colocan las columnas que proviene del mundo romano. Occus Recilutatun (especie de
paráfrasis de ciertos elementos del arte romano).
Santa María Novella: Encargada en 1448. Alberti lleva al cabo la fachada, la comienza en
1458, tiene que diseñar una fachada para un monumento medieval, y tiene que seguir con su
estética. Se ha puesto en relación de San Miniato al Monte también en Florencia. La parte de
abajo está compuesta por tres cubos, fachada telón, se muestra hacia el espectador, Travata
Rítmica, diferentes espacios que se alternan entre vanos pequeños y altos, es algo muy
característico de Alberti. La fachada tiene ciertos elementos en los que Alberti busca la unidad,
el edificio ya tenía el rosetón por lo que se tiene que adaptar. Los alerones lo que hacen es
salvar el desnivel entre la nave superior y la inferior. Las volutas se han puesto en relación con
las volutas de la linterna de Santa María de Fiore. Estos alerones son importantes ya que se van
a convertir en algo común a lo largo de la Edad Moderna.
Otra obra Santa Maria Novella en Florencia. Lo mismo. Le piden diseño de fachada lo que el
hace es en el frente un gran entablamento sostenido por pilastras a cada lado y después tenemos
la fachada dividida en tres y un remate superior a manera de templo donde si hay frontis y
después la unión del templo en planta baja lo reís leve con el elemento voluta. La lógica
proporcional es un gran cuadrado, la parte superior es un cuadrado. Vemos el diseño arriba
decorativo. Son todos distintos. Los motivos en el arco son todos distintos. Vemos el diseño de
la voluta que es muy elaborado pensando hasta el último detalle. La imagen que corona la parte
superior. Las familias italianas tenían un escudo, loto propio. Este es el de la familia que mandó
a hacer la reforma.

Templo Malatestiano, encargado por Malatesta, 1450. Malesta decide convertir una iglesia
monastica en un monumento en su honor y como mausoleo, ya que, en ésta, están enterrados sus
familiares. Incluye su tumba y la de su amante, era un monumento tan hacia su persona, por lo
que apenas no había elementos religiosos.
Primera obra. San Francisco o templo malestiano. Templo gótico y lo quiere revestir con la
nueva arquitectura. Renovarlo. Manda a hacer el revestimiento de la iglesia. Alberti busca
inspiración en Roma antigua. El edificio tenía que ser conmemorativa o no toma la tipología del
arco de triunfo y la aplica a la iglesia. Nave central más alta y laterales más bajas. Le sirve esta
división en tres para aplicar al templo y tener una crujía más ancha y las naves laterales con
otras más estrechas. En el arco de triunfo no hay remate al estilo templo. No hay tímpano.
Entonces como llegar a esa dificultad. Con la diferencia de altura de naces. Ese templo nunca se
terminó quedo así. Se conoce obviamente que la fachada está diseñada en base a proporción. Un
cuadrado arriba también y la fachada inscrita en un cuadrado. Acá vemos el lateral de la iglesia
revestida con arcos de medio punto. Como quería diseñarlo. Con esa moneda que se descubre.
Se ve el remate en replicar el arco en la planta superior y en las naves laterales subir con lo
curvo que sería la unión entre planta baja y alta. Lo que se ve por atrás es la gran cúpula que se
iba a colocar.

Bernardo Rosselino, Plaza de Pienza y edificios representativos, 1460-1462. Ciudad

encargada por el Papa Piccolomini, decidió reconstruir su pueblo natal, en un principio se
llamaba corsignano. Una de las primeras ciudades que sigue el ideal del renacimiento, tiene una
planta central, que se abre hacia el sur, hacia la catedral no es un plano estrictamente simétrico.
Hallenkieche: Planta con todas las naves iguales.
Roma en el siglo XV, tiene un problema con el anonimato. Alberti había trabajado con el Papa
Nicolas V en la renovación de la ciudad. El Papa restauro un acueducto, y Alberti intervino en
este, es importante ya que va a dar agua a muchas fuentes. Esta construcción tiene un fin
propagandístico, al restaurar un acueducto romano se vincula con la roma imperial.
Alberti también participa en la cuestión de la reconstrucción de las basílicas, es bastante posible
que participase en la construcción de la Logia de las Bendiciones, es una balconada en la plaza
de San Pedro, de donde se asomaba el Papa a dar su bendición. Es bastante parecido al coliseo,
tres plantas con superposición de órdenes.
Palazzo Venecia, fue construido entre el 1450-1467, fue construido bajo encargo de Pietro
Barbo, se utilizó travertino procedente del teatro Marcelo y del propio coliseo, de Alberti ¿? y
Francesco del Borgo. El claustro es uno de los primeros ejemplos de disposición renacentista,
giro de las formas romanas a una inspiración de la antigüedad clásica.
Iglesia de San Sebastián, Alberti, encargada por Ludovico Gonzaga en 1460 en Mantua.
Iglesia que se construye sobre una iglesia del siglo X, Ludovico le encarga una iglesia votiva.
Planta de cruz griega, con dos pisos, en el inferior es una especie de Cripta que se utiliza como
mausoleo familiar, y la parte superior está cubierta por bóvedas de arista, que es el resultado de
dos bóvedas de cañon, la planta hace que se
vincule con las tumbas romanas, se le ha
relacionado con el mausoleo de Gala Placea y lo
de los dos pisos se relaciona con el Mausoleo de
Teodorico. En cuanto a la fachada, recurre a la
fachada de clasica, dos escalinatas.
Otra iglesia es San Sebastián. Mantua. Es de planta centralizada otra vez toma el pórtico
para dar fachada clásica. Logra cruzar la fachada de templo clásico rematada por frontis.
Con pilastras adosadas que sostienen el entablamento. Sistema de división de planta
baja Lateral adosado después. Exterior réplica el interior. No hay interés en exterior
acabado. En Roma el exterior no importa acá igual Si se ve el nicho o la cubierta
Después volvemos a los palacios. Alberti tiene la posibilidad de dar un paso adelante.

Santa Andrea, 1472, Alberti, Mantua. Construido en por

Luca Fancelli siguiendo los diseños de Alberti. Cuando Alberti comenzó con la iglesia ya había
proyectos anteriores. Planta de cruz latina. La fachada recuerda a un arco del triunfo. En el
interior recurre a la bóveda, fachada con pilastras, un pódium soporta el peso. El interior se
inspira en la basílica de Majencio, Utiliza mucha la luz, la luz entra por una especie de dosel,
utiliza una luz muy dirigida. Tiene una de las bóvedas de cañón más grande de esta época.
Esto es el diseño de iglesia completa desde cero. Lo que hace es desarrollar fachada de templo
romano. O que intenta asemejarse al templo romano. Arma una cruz latina en planta y vuelve a
cubrirla con bóveda de cañón corrido. Busca la espacialidad interior más similar a los romanos.
En fachada el análisis de proporciones. Tenemos una fachada de templo que se lee solo un
tímpano que cubre el ancho de la iglesia, solo de su pórtico y luego por atrás pasa la parte de las
capillas. Pórtico dividido en tres rematado con frontis sostenido por grandes pilastras que cruzan
la altura del templo. Después tenemos el gran arco que pasa hacia adentro que aparece que es la
misma bóveda del interior. En las crujías laterales puertas con remate recto. Y arriba una
ventana. En el interior se ve la característica romana fuerte. Se parece mucho a la basílica
romana. Se ve la réplica del arco abovedado la crujía cerrada, el arco, el acceso a cada capilla.
En planta se vería a la izquierda en el lateral. Crujía arco crujía. En el transepto arco crujía.
Crujía arco de nuevo En em interior se ve el ritmo de la fachada lateral que da a cada una de las
capillas. Es sólo una nave central con capillas. No hay laterales.
Alberti, Tribuna de la Santissima Annunziata, 1470 en Florencia. (buscar)
Capilla Rucellai, 1467, se hace en la iglesia de San Pancracio en Florencia. Es el primer
edificio en Florencia que tiene una bóveda de cañón perfectamente construida, es una réplica del
santo sepulcro. Alberti lo recrea con unas formas clasicistas.
Para Alberti el arquitecto es quien piensa en la arquitectura
(esta frase tiene que estar mal xd), para él, el artista es quien
es capaz de conformar la ciudad, de construir la ciudad, de
diseñar su forma. La arquitectura es orden, armonía, medida y
le sirve para crear una ciudad ideal, es una ciudad que no se
crea al tun tun sino que primero se ha conformado en la
imaginación del arquitecto.
TEMA 3: URBINO: EL PALACIO DEL PRINCIPE
Urbino está en la región de las “marcas”, ¿¿??, conecta
Florencia con Roma y también con el norte. Durante el siglo XV va a construir un …
El duque de Federico da Montefeltro, fue militar, fue un personaje paragornaburale a los
personajes importantes de la época, como los Medici. Tenía mucha formación cultural, tuvo
varios éxitos tanto militar como de gobernante, lucho para el rey de Nápoles, Su esposa era
Battista Sforza. Sus retratos de Piero della Francesca son los únicos de perfil del Renacimiento,
se dice que perdió un ojo, por ello no se le ven nunca los dos ojos. Su mujer murió antes de que
acabara este retarto y el artista lo saco de su mascara funeraria.
También fue retratado por Berrugyette, aparece con armadura, leyendo (porque era muy culto),
aparece en una especie de trono, hay una mitra (símbolo relacionado con el poder), aparece
junto a un niño, su hijo Guidobaldo, que aparece como su sucesor del ducado, con una serie de
medallas y así.
Fue protector de artistas muy destacados, como Berruguete, Alberti (de quien era muy amigo),
…
Baltasar de Castligliore escribió un tratado, “El cortesano” en 1478, habla del príncipe ideal del
renacimiento, alguien culto, que trata bien a las mujeres, … Le dedica un capítulo a la corte de
Urbino.
Acogió en su corte un número de artistas considerable que no eran de la ciudad.
Federico de Montepreto realizo el palacio de Urbino, se comenzó en 1750, había un palacio
previo que se encontraba en ruinas, la construcción se demoró unos 30-70 años ¿¿?? Esta obra
se dedico a su propio honor. Fue duque de Urbino desde los 22 años. Entre 1450-1465, se
levanta un primer palacio, de gran tamaño, con un patio interior, en su origen contaba con salas
de recepción, salas privadas, se destaca que estaba decorado con gran elegancia. Es posible que
el propio Piero della Francesca, colaborase con la decoración estilística.
No conocemos quien fue el arquitecto responsable, las fuentes hablan de un tal Masi di
Bartolomeo, quien se encargó de la arquitectura decorativa. Se piensa que fue el propio duque
de Urbino.
La segunda etapa comienza en 1465 y terminara en 1472. Uno de estos cambios, es que hasta el
momento no se había tenido en cuenta el entorno en donde se encontraba, y se empieza a tener
en cuenta el entorno natural. Se construye una nueva ala al norte, se construye todo entorno al
patio central. Se unifica la construcción con las murallas que ya existían, se crea una terraza
ajardinada. Al rehacer el proyecto tienen que rehacer las fachadas. Y la occidental da al campo y
la oriental es la que da a la calle.
Es posible que Federico de Montefeltro pensara en Pienza a la hora de hacer su palacio.
El arquitecto que concibió todo esto es Luciano Laurana, era extranjero, era arquitecto y
escultor, él se encargo el diseño del palacio, hasta 1472. En la segunda parte, que es la parte
importante ya que es la que se conserva.
En 1462, trabajara en la construcción Francesco de Giorgio, que era un experto en madera y
será quien se encargue de la decoración.
Al haber tantos artistas en el palacio se seguían diferentes estilos. La fachada occidental, no
sabemos quién la diseño, se piensa que tomo el estilo del arco del triunfo de nsq de Napoles
¿¿??
La parte más destaca es el patio, es un patio que constituye el centro del edificio, es totalmente
renacentista. En el siglo XVI se añadió un arco a la fachada que da al patio. Se recurre a
pilastras en las esquinas.
En la parte que constituye el corredor se recurre a columnas de tres cuartos, el corredor con
bóveda de crucería. La fachada este quedo sin acabar. Es una decoración e gran profusión,
decoración de los capiteles, pero que no abandona la sobriedad. La escalera se le atribuye a
Francesco di Giorgio. Escalera de caracol que enriquece las formas del palacio. Creo un
importante sistema de canales, que abastecían de agua al palacio.
El studiolo es una estancia de uso privada a la que el duque acudía para trabajar, leer, etc.
Espacio muy pequeño que permitía que se calentara muy rápido. Es una estancia muy popular
por la decoración. En la parte alta hay una especia de galería de retratos de personas ilustres de
la antigüedad, personas ilustres de la cultura. En la parte inferior se llevo a cabo Giulanio y
Benedetto, siguiendo las indicaciones de Francesco. Cosntituida por imágenes en trampantojo,
efecto que simula armarios con elementos de la ciencia, la cultura, las artes, la música, la
naturaleza y las armas.
Studio de Issabella d´este. Palacio Ducal de Mantua: BUSCAR QUE ME HE PERDIDO
MUCHISIMO
Este palacio ha tenido mucha influencia en Milán, en la Roma de la época.

El Palacio Ducal de Urbino es uno de los ejemplos arquitectónicos y artísticos más interesantes
de todo el Renacimiento italiano y alberga la Galleria nazionale delle Marche. El Palacio,
propiedad del Estado italiano, se encuentra en el centro del histórico pueblo de Urbino,
flanqueado por otros monumentos como la catedral y el Teatro Sanzio. Es uno de los
monumentos más visitados de la región y es el lugar de Museos, Eventos musicales y artísticos.
En 2015 grabó junto con la Galería Nacional 191829 visitantes.
El proyecto más ambicioso de Federico da Montefeltro, un hombre culto y refinado, fue la
construcción del Palacio Ducal y, al mismo tiempo, el trazado urbano de Urbino, convirtiéndola
en la Ciudad "Del Príncipe" . Antes de la intervención de Federico, la residencia Ducal era un
simple Palacio en la colina Sur, al que se añadió un castillo cercano, en el borde del acantilado
hacia la Porta Valbona. Los orígenes del palacio se remontan a cuando el conde Antonio da
Montefeltro, abuelo de Federico, decidió instalarse frente a la catedral; fue su hijo Guidantonio
quien preparó un pequeño edificio cuyo lado largo correspondía brevemente a la larga fachada
de Piazza Rinascimento (futuro apartamento de la Jole). Hay informes de una serie de
habitaciones con frescos y sus nombres, pero hoy en día es difícil asociarlos con los entornos
actuales. En 1444 Federico da Montefeltro tomó el poder y, después de aproximadamente una
década de asentamiento financiero, alrededor de 1454 combinó los dos antiguos edificios
Ducales, llamando a los arquitectos florentinos (encabezados por Maso di Bartolomeo, de la
formación brunelleschian) para construir un palacio intermedio. El resultado, a lo largo de diez
años, fue el palazzetto della Jole, de tres pisos, en estilo austero, simple y típicamente toscano.
A esto se añadió el apartamento de los Melaranci y un boceto del patio. El interior estaba
decorado con algunos acentos antiguos sobrios en el mobiliario, como frisos y chimeneas,
centrado en la celebración de Hércules y las virtudes de la guerra. Después de 1462, la derrota
de Segismondo Malatesta en la batalla de Cesano y la adquisición de Fano y Senigallia (1463),
aumentó los ingresos de Federico, que también se convirtió en Capitán general y jefe de la liga
italiana. En ese momento el proyecto del palacio fue cambiado, "con la intención de superar
todas las residencias principescas de Italia" , y también convertirlo en una sede administrativa y
lugar para acoger a personas ilustres. Desde alrededor de 1464 hasta 1472 las obras pasaron a un
nuevo arquitecto, el Dálmata Luciano Laurana, del cual sigue siendo una licencia emitida por el
Duque el 10 de junio de 1468 con una declaración programática de intenciones (en la que el
arquitecto se llama " ingeniero ") . El arquitecto, que en 1465 estaba en Pesaro, fue quizás
sugerido por León Battista Alberti, que lo había conocido en Mantua. La pieza central del nuevo
diseño era el gran patio porticado, que conectaba los edificios anteriores. El patio tiene formas
armoniosas y clásicas, con un porche con arcos de medio punto, oculios y columnas corintias en
la planta baja, mientras que la planta principal está salpicada de pilastras y ventanas dintel. A lo
largo de las dos primeras inscripciones de marcapiano en capiteles romanos, el carácter
epigráfico clásico, así como los clásicos, para ser exactos copiados de especímenes Flavios, son
los capiteles. Laurana también fortificó el palacio y la ciudad, usando muros oblicuos, para que
las armas no pudieran derribarlos, y otras estratagemas militares. La Laurana también construyó
la escalera de honor, la biblioteca, la sala de Los Ángeles, la sala de audiencias, los topógrafos,
el área sagrada con el studiolo y las capillas. A partir de este núcleo, el palacio se expandió
hacia la ciudad y en dirección opuesta. La fachada hacia la ciudad tenía una forma de "libro
abierto" (a " L ") en Piazzale Duca Federico, que fue especialmente dispuesta por Francesco Di
Giorgio Martini y más tarde cerrada en el lado norte por el lado de la catedral. El Palacio se
convirtió así en el punto de apoyo del tejido urbano sin desgarrar y someter, con su presencia,
también a la autoridad religiosa cercana. El frente que sobresale de Valbona se completó con la
llamada "fachada de los Torricini" , ligeramente girada hacia el oeste con respecto a los ejes
ortogonales del Palacio. Debe su nombre a las dos torres que flanquean la fachada alta y
estrecha, pero suavizada en el centro por el ritmo ascendente de tres logias superpuestas, cada
una repitiendo el patrón del arco de Triunfo, probablemente inspirado en el arco de Castel
Nuovo en Nápoles por Don Ferrante d''Aragona, del cual Federico fue Comandante General. La
fachada del Torricini no mira hacia la ciudad sino hacia el exterior, para esto era posible una
mayor libertad estilística, sin tener que cuidar la integración con edificios anteriores, además su
imponente presencia es claramente visible incluso desde lejos, como símbolo del prestigio
Ducal. Interesante es también el color del material de ladrillo utilizado, que sigue la tradición de
las marcas, por Marina Foschi definido "brillante y suave" , diferente de la Emiliana "ferrigna y
claroscurata" y el forlivese rojo particular (" color de terracota claro, intenso y sin embargo tan
transparente ") típico de la, territorialmente más cercana, ciudad de Romaña. En 1472, a la
salida de la Laurana hacia Nápoles, Francesco Di Giorgio se hizo cargo de la dirección de las
obras, que comenzaron un nuevo desarrollo, también tras el nombramiento de Federico como
Duque y gonfaloniere de la Iglesia por Sixto IV. Francisco, que trabajó hasta la muerte de
Federico (1482), e incluso más allá, bajo el regente Ottaviano degli Ubaldino y bajo Guidobaldo
da Montefeltro, completó grandes porciones del palacio, a pesar de los compromisos en los que
se requería (las fortalezas en el territorio, el Palazzo Ducale en Gubbio, las iglesias de Urbino).
Terminó la fachada "L" en Piazza Rinascimento, se ocupó de los espacios privados
(decoraciones de ventanas, chimeneas, dinteles, capiteles), los sistemas de agua, las logias, la
terraza del Gallo, El Baño Del Duque, el jardín colgante y quizás el segundo piso del patio,
además de la conexión con las estructuras debajo fuera de las paredes. Al pie del acantilado era,
de hecho, un gran espacio abierto, dijo "mercado" como la sede del mercado, donde Francesco
Di Giorgio creó la rampa en espiral, que permitió a los carros y caballos para llegar al palacio y
la "fecha" (o " jardín de la abundancia ") , así como los grandes establos colocados a media
altura, en el sótano. Extraordinarias son las invenciones de Francesco Di Giorgio, a menudo
desatadas por rígidos esquemas simétricos. Inacabado fue el Jardín de Pascua, donde se ubicaría
el mausoleo del Gran Ducado, luego erigido en la Iglesia de San Bernardino. En los espacios
interiores curados por Francesco Di Giorgio, bajo cuya dirección trabajó el escultor Milanés
Ambrogio Barocci, se puede notar un cambio de gusto, marcado por una decoración más
suntuosa y más abstracta. El interior del mobiliario era muy limpio y lujoso, con cueros dorados
y tapices en las paredes que hoy están completamente dispersos en museos de todo el mundo.
Una excepción es el Studiolo, casi intacto. Este período se remonta a la presencia de las siglas F
D O FE DUX (" Federico Duca ") , que en algunos casos reemplazaron con lechadas apropiadas
al anterior F C (" Federico Conte ") . La intervención del artista Senés se caracterizó sobre todo
por el fuerte sentido pictórico y escultórico de las decoraciones, combinado con una fuerte
capacidad de síntesis y adaptación práctica, como lo demuestra la reutilización de órdenes
clásicas y formas antiguas en las nuevas Partes de manera abreviada. A pesar de las diferencias,
el Palacio logró la intención casi milagrosa de combinar con equilibrio las diversas partes en un
complejo asimétrico, establecido por las irregularidades del terreno y los edificios preexistentes,
donde sin embargo el rigor de las partes individuales equilibra la falta de un proyecto unitario.
En la primera mitad del siglo XVI, se hicieron nuevas mejoras arquitectónicas, después del
desinterés en el Palacio del primer Duque De La Rovere, Francesco Maria I. El Arquitecto
completó el segundo piso (década de 1560) y eliminó las almenas Medievales presentes en la
parte superior del Palacio, modificando así el proyecto original. Así se obtuvo un nuevo
apartamento en el segundo piso y algunas habitaciones también se construyeron sobre las
terrazas al mediodía, por las manos del arquitecto Filippo Terzi y el escultor Federico Brandani.
En 1631 fue la sede del legado apostólico, que representaba al pontífice, y mantuvo este uso
hasta la adquisición por el Reino de Italia.

BRAMANTE:
Nace em Fermignano, cerca de Urbino, en 1444. Probablemente, su aprendizaje transcurre en el
palacio ducal de Federico da Mentefeltro. Conoció bien a Piero della Francesca (perspectiva).
Pintor y arquitecto erudito que conoce el latín. Muy abierto a la asimilación de distintas formas
históricas y locales.
En 1477 está trabajando en Bergamo (Lombardía). En 1481 se traslada a Milan para entrar en el
servicio de Lusovico el Moro (sforza)
En 1499, el gobierno de Ludovico el Moro cae antes el avance de Luis XII de Francia y
Bramante se traslada a Roma para traajar en la preparación del año santo. Se convierte en el
arquitecto de Julio II della Rovera (1503-1513)
Fue un pintor y arquitecto italiano, que introdujo el estilo del primer Renacimiento en Milán y el
«Alto Renacimiento» en Roma, donde su obra más famosa fue el planeamiento de la Basílica de
San Pedro. Tuvo una formación quattrocentista pero su plenitud artística la alcanza en el siglo
XVI. Su arquitectura está caracterizada por la severidad y el uso de planta central cubierta con
cúpula.
Para trabajar para Ludovico Sforza en Milán, éste llega a Milán cuando la ciudad está estancada
y llamara a artistas jóvenes del momento como Bramante o Leonardo Da Vinci.
“Coro de Santa Maria presso San Satiro” Milan, a partir de 1482: Bramante trabajara bajo
encargo de Sforza en el Coro de Santa María presso San Satiro, a partir de 1482. Tuvo que
trabajar con un espacio muy pequeño, y consiguió crear un espacio de perspectiva mediante
trampantojo, crea una perspectiva irreal.
Claustro de Santa maría della pace: 1500, Roma, (Comisariado por el cardenal Oliviero
Caraffa) Solo hace el claustro de la iglesia. Le da más peso a la planta baja porque hace pilares
con pilastras adosadas. Esos pilares se continúan en la planta alta con pilastras adosadas a ellos
Y en el centro del arco en planta baja la columna. Entre pilastras y columna. Es confuso. Vemos
como en la foto desde nivel superior
Templete de San Pedro en Montorio (Roma, 1502): Obra más importante es el alto
Renacimiento Este hecho a la manera de martirio. Eso son los lugares que conmemoran la
muerte de un santo que muere perseguido. Los martirios edificios de planta centralizada. Como
templo de vesta con planta centralizada. Centro romano de planta centralizada rodeado pro
columnas en todo el permite San pedro conmemora la muerte de San pedro es mezcla entre
martirio y templo romano que hace bramante. Asociación entre Vitruvio que decía para que se
debía usar cada orden griego. Para tales dioses, el jónico para x y el corintio a tal x Asocio los
dioses al cristianismo. Dórico asociado a la fuerza entonces dórico con San pedro. Traslado la
lógica a la liturgia cristiana. El orden dórico se conmemora al santo Dórico que da toda la
vuelta. La parte del medio cerrada del templo es la cella. (del griego) Le agrega el templo para
elevar las columnas y la altura. Típico templo romano períptero circular más em templo con la
cella que llega hasta arriba y culmina en una cúpula. Traspasa la cubierta y termina en cúpula.
La cubierta rematada con balaustradas que hacen al entablamento. Este mismo plano de la cella
que sale hace arriba y termina en la cúpula La decoración es toda distinta. Es un templo
influencia enorme para todo el período y para toda la arquitectura del clasicismo. Cúpulas
enteras hechas imitando la cúpula de San pedro. Remates de otras Iglesias.
“Coro de Santa Maria della Grazie”: No se sabe hasta qué punto trabajo Bramante en el Coro de
Santa maría della Grazie en Milán, en el 1493, es donde se encuentra la “Última cena” de Da
Vinci. Recurre a la luz para dar sensación de amplitud.
“Cúpula de la Catedral de Pavía:” Tampoco se sabe hasta qué punto intervino Bramante en la
Catedral de Pavi. 1488. Intervino en la cúpula, trata de recoger la experiencia de cúpulas
anteriores, como la de Florencia.
Palazzo Caprini, 1500-1510.Roma, encargado por Adriano Caprini: Bramante. Sigue con palazo
caprini.
Cambia el palacio.Es que se usa sillería almohadilla solo en planta baja entonces eso da
diferencia importante entre planta baja y alta. Todos los palacios no van a tener más de dos
pisos. Solo planta baja y un piano nobile. Planta baja sillería rústica y planta alta con los
órdenes. El palazzo se llama la casa de Rafael porque el viví ahí. Se demolido con las obras de
acceso a San pedro. Queda las imágenes. Las crujías son todas iguales. Hay doble pilastras con
ventana diferente al resto y frontón regular. Cambio más importante en palacio que se mantiene
así y esto lo diferencia como arquitecto
Patio del Belvedere, a partir de 1505:
TEMA 4: SAN PEDRO DEL VATICANO: LA BASÍLICA DEL SUMO PONTÍFICE
Julio II le encargará posteriormente un gran proyecto, el de la nueva basílica de San Pedro que
es un hito para la arquitectura cuyas propuestas tendrán grandes influencias en Roma y más allá.
El primer gran influenciado fue Rafael, pintor que fue de aquí pallá hasta acabar en Florencia
compitiendo con Leonardo, en estos momentos Julio II decide que tiene que ir a Roma para
adornar los edificios de Bramante por sugerencia del propio Bramante, es como su gran
defendido. El otro gran artista que hay en Roma es Miguel Ángel, entre los dos se llevarán a
matar. En fiiin, Rafael es el gran protegido de Bramante de quien aprende mucho y mucha
arquitectura, a la muerte de Bramante Rafael será más arquitecto que pintor y hará dos grandes
piezas: la iglesia de Sant Eligio degli Orefici donde la cúpula es muy similar a la del templete
que hizo Bramante; el otro gran trabajo es alguno de los palacios romanos como el Caffarelli en
el que sigue el influjo del palacio Capprini.
Fuera de Roma (gran centro de influencia de toda Italia) la influencia de Bramante se siente en
lugares como Verona o Venecia (palacio Corner con patio), por Giacopo Sansobino, escultor,
alumno de Andrea Sansobino que llega a Roma por el propio Andrea, y al volver es más
arquitecto que escultor.
El gran problema de Julio II es el de la basílica de San Pedro cuya intervención llevaría más de
un centenar de años (1506-1681). En la religión cristiana se entra mediante el bautismo que se
podía efectuar de dos maneras en la piscina a los recién nacidos, o a la manera antigua con 40
años; en el momento que la religión cristiana se hace la principal comienzan a bautizarse a los
recién nacidos. La otra manera es de bautizarse es morir por Cristo. La basílica del Vaticano
está dividida en los catecúmenos donde se formaban al cristianismo, y la propia iglesia de cinco
naves. La iglesia estaba en mal estado y era pura shit, no lucía bien. Los papas vivían en San
Juan de Letrán, no en el Vaticano, pero los palacios papales esos estaban muy mal defendidos
por ello cuando el papa vuelve a Roma con el arzobispo de Toledo deciden que hay que ubicar
los palacios vaticanos en el vaticano que será unido con un corredor al castillo de Sant
Angelo.
El primer problema es esto de la basílica, el segundo es funcional. Las basílicas tienen un
cabildo y además de eso su cardenal correspondiente; pero allí no hay porque el papa toma la
catedral para él como cardenal y cabildo, pero la catedral está formada por la curia que es un
mejunje de cardenales y mierdas de estas. Como había tanto cristiano pahí arrejuntao y
hacinaos, pues no se cabía así que el papa Nicolás V decide llevar a cabo una
transformación. Dice que para solucionar los problemas hay que tirar la iglesia y hacerla de
nuevo, se divide a los cristianos entre los que quieren tirarla y los que no. Además, la iglesia
estaba en muy malas condiciones porque tenía centenares de años ya en esa época.
Se transforma la cabecera, pero solo en cimentación, se encarga a Bernardo Roselino el
proyecto de ampliar la cabecera con una nueva ampliando transepto y coro. Se fue ahí a tope
con la obra hasta que se para la obra porque el papa la palma, su sucesor Julio II nombrará a
Bramante arquitecto y cuando se queda toh flipao por su trabajo en Roma pues le encarga
ocuparse del Vaticano. Con Julio II se destruye la basílica original comenzando por la
cabecera, y el 18 de abril de 1506 se coloca la primera piedra de la nueva catedral de San
Pedro. Bramante dibuja en un pergamino la mitad de la planta de la basílica de San Pedro, la
planta tendrá un gran cambio será una planta centralizada. Este plano representa el primer
proyecto de traza moderna que llega hasta nuestros días, sobre esta planta se hará el alzado. La
basílica se empezó de cero, pero Bramante tenía dos condiciones, mantener la orientación del
edificio y no tocar la tumba del apóstol San Pedro.
Esta nueva basílica de San Pedro es concebida con un aspecto totalmente nuevo respecto a los
esquemas basilicales habituales, nada de influencia paleocristiana sino influencias de la
tradición clásica. Tiene una planta centralizada, algo muy extraordinario en basílicas
cristianas. La basílica tendría que ser más o menos del mismo tamaño que la basílica
constantiniana, Julio II toma medidas drásticas decapitando el presbiterio de la catedral
antigua, una vez hecho eso ya no hay vuelta atrás así que comienza a actuarse sobre el coro
donde la cimentación ya está realizada así que la construcción es acelerada; se actúa también
sobre los cuatro pilares en primer lugar.

Bramante trabaja a toda velocidad, cuando está

levantando los cuatro pilares laterales (dos a
cada lado) se dan cuenta de que los pilares
están mal calculados y no aguantan su propio
peso por lo que empiezan a resquebrajarse. En
esta época Bramante aprende de la experiencia
con el sistema de ensayo y error no con
ningunas concepciones técnicas, Bramante
localiza rápidamente el error: ha hecho unos
pilares demasiado endebles para su propio peso.
Bramante hace frente a los problemas y
solucionará los pilares haciéndolos macizos.
La planta de pergamino que realiza Bramante
para este proyecto es el primer gran dibujo arquitectónico, está formada por una gran cúpula
central con cuatro naves laterales, cuatro cúpulas menores alrededor y cuatro torres en
cada lado. Aproximadamente en el centro está la tumba San Pedro, inmediatamente después el
altar y después el coro que sería lo primero que se hacía, pues allí se iría donde se enterraría
Julio II; el sepulcro se lo encargaría a Miguel Ángel que se iría a por materiales (mármol de
Carrara) mientras Bramante convencería a Julio II de terminar primero el coro antes de
dedicarse a realizar el sepulcro; Julio II aceptaría la sugerencia de Bramante que se encargaría
de realizar antes el coro que el sepulcro que tenía ideado Miguel Ángel; dispuesto a perder a
Miguel Ángel lo que Julio II hace para tenerle entretenido es mandarle a pintar la capilla sixtina.
Esto aumentaría el pique entre los dos artistas y Miguel Ángel aprovecharía el error de los
pilares de Bramante para echárselo en cara.
Se engrosan los pilares para autosoportarse siempre teniendo presente que además de su propio
peso tendrían que soportar lo que se le venía encima. Bramante soluciona con pericia los
problemas de los pilares, en 1513 muere Julio II y asciende León X que reafirma en su puesto a
Donato Bramante que palma en 1514, a su muerte la Basílica de San Pedro no está ni mucho
menos terminada, es más no se acaba hasta 1681, lo que había realizado Bramante hasta este
momento eran los cuatro pilares torales y los arcos sobre los que se tiraría el tambor
además de algunas edificaciones secundarias a medio hacer. El coro estaba levantado y la
estructura realizada hasta el momento por Bramante convivía con algunos restos de la basílica
anterior, la constantiniana.
La muerte de Bramante en 1514 es una catástrofe, pocos arquitectos
serían capaces de igualar la mentalidad de Bramante. León X toma
una decisión arriesgada, llama a Rafael (protegido de Bramante)
como arquitecto oficial de la obra, la cosa es que Rafael no era
arquitecto sino que sus puntos fuertes estaban en la pintura; la gente
se escandaliza ante tal decisión por lo que el papa cede y deja a
Rafael como cabeza del proyecto pero forma un equipo de
arquitectos como consejeros de Rafael formado por Siuliano,
Antonio da Sangallo y Fra Giocondo da Verona (este último es
editor del momento del libro de Vitruvio, además intenta recuperar
los dibujos que el propio Vitruvio menciona). Se solucionan las
carencias de Rafael con su compañía. Ocurrirán dos cosas de gran
repercusión: en primer lugar, la situación del altar impedía dar la
espalda a los fieles, por lo que habría que hacer es agrandar el
espacio dispuesto para los fieles porque la estructura centralizada
les parecía inútil para las basílicas. El segundo problema se da en
1517, los abusos eclesiásticos llevarían a Lutero como cabeza de un gran grupo de personas a
protestar contra la iglesia para hacerla cambiar, dos años después los protestantes se dan cuenta
de que no se puede negociar con Roma así que separan el cristianismo en dos: los protestantes
dicen que la iglesia son los fieles, no es Roma. Esto tiene como consecuencias que ante la
perdida de creyentes se deja de recibir dinero por lo que el proyecto de la basílica de San
Pedro se para. Es decir, Rafael y su equipo se pone a discutir como continuar la construcción,
pero antes de ponerse al lío por falta de dinero no se inicia de nuevo la construcción. De
mientras, Rafael proyecta por encargo de León X una planta basilical no centralizada a
partir de la original de Bramante, cuya estructura original no cambiará, pero en vez de cerrar la
estructura se repite el ritmo para dar cabida a los fieles con un proyecto a tres naves con capillas
laterales, a diferencia de la basílica constantiniana que tenía cinco naves.
En 1520 Rafael la palma, existen en este momento dos propuestas mientras la obra continúa
parada: en primer lugar, la de Bramante con planta centralizada y en segundo lugar esta de
Rafael con planta de estructura longitudinal de tres naves. A los pocos años es nombrado
arquitecto de San Pedro el arquitecto de Siena Baldassaraire Peruzzi que era consciente de la
situación económica de la iglesia, el poco dinero que recibe la iglesia Peruzzi lo destina a la
basílica de San Pedro pero ¿cómo continuar la construcción? Peruzzi era más seguidor de
Bramante así que efectúa pequeñas variantes en el esquema de Bramante, pero en general
propone seguirlo con la estructura centralizada, sin embargo en 1536 Peruzzi la palma así
que mucho no hace. Es decir, que a su muerte todavía la obra seguía parada así que lo único que
tenemos es un nuevo proyecto.
Lo que nadie discute sobre San Pedro es la cúpula formada por un colosal peristilo
interno, con estructuras internas y coronado con un cupulín. Esta disposición de la cúpula está
directamente influenciada por la cúpula del Panteón de Roma, será más gruesa la parte de la
base y a medida que asciende se hace cada vez más delgada. Es una cúpula maciza, no como
la de Florencia de Brunelleschi que consistía en
aligerar el tambor. Esto que se aplica es una solución
romana no florentina.
En 1527 se producirá el saco de Roma lo que no le
vendrá muy bien a San Pedro, a partir de aquí la
capacidad de recuperación de la ciudad será lentísima.
Clemente VII será el que padece el saco de Roma, su
política era desastrosa así que cuando llegaron a Roma le
jodieron y las tropas imperiales saquearían Roma durante
meses. Clemente VII estaba en la mierda, Roma la dominaban Francia, España y Turquía.
Desde este momento la iglesia decide no intervenir como potencia militar en las guerras, porque
no tiene fuerzas, sustituirá su fuerza militar por fuerza diplomática. Sube al trono papal Paulo
III. Esto permitirá a Roma reconducir las finanzas, una de las cosas que con Paulo III se
reactiva en 1538 las obras de la basílica de San Pedro con Antonio da Sangallo a la cabeza;
realizan la maqueta del proyecto de Sangallo; el proyecto de Sangallo es muy criticado y
vuelve de nuevo al esquema longitudinal propuesto por Rafael. Comenzaron a hacerse las
obras, y los cimientos nuevos para la planta longitudinal. Sin embargo, Sangallo palma en
1546.
Paulo III obligará bajo cargo de conciencia a Miguel Ángel, que ya era todo un anciano,
encargarse de la basílica de San Pedro. Además, lo hace gratis porque es algo que hace como
hijo de Dios, porque Dios le ha dado un don y además lo hace para que cuando Miguel Ángel
muera el papa le exima de sus pecados. Lo que dice Miguel Ángel es que lo de Sangallo a tomar
por culo, porque eso era gótico. Miguel Ángel va a
presentar un nuevo proyecto de nuevo de estructura
centralizada en 1547, es en este momento cuando Miguel
Ángel dice que quien se aleja de Bramante se aleja de la
verdad, es decir, el mismo Miguel Ángel reconoce que el
proyecto de Donato Bramante es una genialidad. Miguel
Ángel presenta un proyecto de vuelta a la centralización,
gracias al dinero puede ponerse en marcha entonces a
partir de 1548 la construcción de San Pedro del
Vaticano. Miguel Ángel irá cerrando el crucero y levantará
las cúpulas a los lados, así como la gran cúpula central.
Miguel Ángel estará al frente de las obras hasta 1564
cuando palma. Sin embargo, la construcción de la basílica
ya se ha encauzado.
Miguel Ángel decide no hacer el proyecto de cúpula de Bramante, sino otro que en gran
medida es la que se lleva a cabo con un tambor completamente distinto, con la media naranja
tirada sobre ella que en vez de seguir las líneas del panteón sigue las líneas florentinas de
Brunelleschi con una cúpula de doble casco. El proyecto de Miguel Ángel será grabado lo que
le granjeará gran éxito. A la muerte de Miguel Ángel las naves se han extendido, el tambor
de la cúpula ya está realizado.
Todos los proyectos se conocen gracias a que se dan a conocer con la difusión mediante la
imprenta.
Miguel Ángel da mucha importancia al proceso constructivo, va cerrando la cruz griega con los
soportes, creciendo las paredes y elaborando las bóvedas. La basílica nueva se está haciendo
sobre la antigua, a medida que se levanta la nueva basílica se va comiendo a la
Constantiniana formando una sensación abrupta al ver “dos catedrales en una”. A la muerte de
Miguel Ángel el problema sigue siendo el mismo, si mantener el proyecto de Miguel Ángel que
era similar al de Bramante, o seguir con el proyecto de Rafael alargando las naves. Esta
discusión es la que se libra durante el papado de Gregorio XIII que es el que decide que las
obras de la cúpula sigan adelante en las que trabajan Ligorio y Vignola que serán los que
levanten la cúpula finalmente que la culminará Giacomo de la Porta. Definitivamente se decide
transformar la basílica a finales del siglo XVI en una estructura longitudinal, de modo que
a comienzos del XVII se comienza a hacer la fachada de la basílica de San Pedro con Maderno.
Finalizada la catedral se hará la plaza con el obelisco traído del circo de Nerón de forma
simétrica a la catedral. Terminada la catedral en cada pilar de los diseñados por Bramante en el
crucero se coloca una reliquia, pues el culto a las reliquias vive un momento de total éxito.
Tectónicamente la cúpula con soluciones florentinas ha de ser sustentada por grandes
cinturones.

La vista del Vaticano actual no es ni renacentista ni barroca, es del siglo XX cuando se dan
los últimos toques que diferenciarán los estados pontificios del estado italiano.
Además de ser la iglesia más importante de la cristiandad contará con los mejores artistas de
cada época, y al servicio de éste otros tantos artífices de nivel. Como lo sería Juan Bautista de
Toledo para Miguel Ángel, el buen rendimiento de Juan Bautista de Toledo le llevaría a ser
arquitecto oficial del virrey de Nápoles.

COPIAR DEL POWER POINT

Lo que sucede en el siglo XVI, y el por qué le llamamos Cinquecento, es porque es un siglo en
el que finaliza el Renacimiento.
Una de las primeras cosas que se le encarga a Bramante en Roma es el “Claustro de Santa María
della Pace” en 1500, encargado por el cardenal Olivero Caraffa. Lo que hace Bramante es
combinar los órdenes, trata de recuperar el mundo antiguo. Elabora un cuadrado, con 16
pilastras, para Vitrubio 16 es el número perfecto, siguiendo también a Vitrubio, el cuarto de
arriba tiene que ser más pequeño que el de arriba. Las pilastras están giradas, combina pilastras
con columnas para dar ritmo al edificio superior.
El “Palacio Caprini” o Casa de Rafael, ya que lo compro en el 1517 y residió ahí, fue encargado
por Adriano Caprini, y se relaizo en 1500-1510. El piso inferior estaba destinado a talleres, a
tiendas (boteghe), y el paso superior estaba dedicado a la vivienda.
“Tempietto di San Pietro in Montori” de Bramante en 1502: nos habla de como los reyes de
España también tenían capacidad para comisionar obras en Roma. Construido en el lugar donde
San pedro había sufrido su martirio. …
Es una estructura muy pequeña, muy cercana a los templos antiguos, Bramante lo hace así por
que es más un edificio para contemplarlo, que para usarlo. Obra comparable a las de la
antigüedad. En realidad los que Bramante había pensado era algo mucho más extenso, como
una especie de claustro rodeado de columnas, por lo que la organización del edifico habría
cambiado. Habria supuesto un cambió en la perspectiva, ya que Bramante con estos edificios
estaba evolucionando respecto a lo que había hecho anteriormente.
El Coro de Santa Maria del Popolo, 1505-1509, encargado por el Papa: Una de las pocas obras
de Bramante que ha llegado a nuestros días sin retoques. La cúpula tiene forma de venera,
Bramante toma la inspiración de la pintura de Giorgio ¿?, utiliza el punto de fuga para generar
perspectiva.
Sobre Bramante hay varios testimonios, personaje que da inicio a este Cinquecento.
El Papa Julio II, es el Papa que le encarga a Miguel Ángel su tumba, quien encarga muchas
cosas en Florencia, inicia la reconstrucción del vaticano, muy interesado en la cultura, sobre
todo en la arquitectura. Durante su papado, el estado pontificio va a llegar a ser el más
importante de Italia, por eso se construyen tantas cosas en Roma. El Papa tenía mucho poder
político. Este poder se va a reflejar en las obras de arte.
El primer testimonio o el testimonio más importante es la medalla de “Proyecto para San pedro
del vaticano” 1506,
Cúpula enorme, dimensiones similares al Panteón. Uno de los puntos más destacados son los
pilares, son pilares tienen que aguantar mucho peso, se tenía la idea de realizar una cúpula que
fuese capaz de competir con la del Panteón, bramante tiene muy en cuenta la relación con el
espacio.
Julio II decide que va a hacer una nueva basílica, conforme al nuevo estilo, y se la encarga a
Bramante. Se conserva un plano que nos demuestra que Bramante configuro un plano
centralizado/ de cruz griega. Bramante se centra sobre todo en la cúpula, él lo que hace es
decidir hacer una cúpula mucho más grande, similar al la del Panteón. Bramante tiene el
problema que el diseña este plano y lo que le queda de vida lo dedica sobre todo a la cúpula no
al resto del edificio. Empieza a haber habladurías y se empieza a decir que es imposible realizar
esa cúpula. Cuando muere Bramante, la cúpula no esta finalizada, así que hacen lo que les da la
gana. El siguiente artista que va a trabajar en el Vaticano es Rafael, por recomendación de
Bramante.
RAFAEL SANZIO (1583-1520)
Nació en Urbino. Su padre fue Giovanni Santi, quien se trasladó con su familia desde
Colbórbolo a Urbino en 1446. Allí trabajó para la corte desde la década de los 80s. Su familia
tuvo una vida sosegada como cortesanos.
Su primer aprendizaje lo realizó con su padre (m.1491).
A comienzos del siglo XVI inició el aprendizaje con Perugino y en la vecina Città di Castello
donde estudia a Luca Signorelli. Probablemente viajó a Siena en 1502, donde ayudó en los
frescos de la Biblioteca Piccolomini junto a Pinturicchio.
Trabajó en Florencia entre 1504 y 1508. Llegó a Roma en 1508
Rafael tiene un taller impresionante, tenían mucha gente a su cargo.
Un ayudante que se encarga de realizar los diseños de lo que Rafael decía. El ayudante fue
Antonio Da Sangallo el joven.
Rafael cambia de la planta centralizada de bramante a una longitudinal.
Peruzzi hace varios diseños, uno d ellos más famosos, es el de san Pedro del Vaticano entre
1520 y 1536: Planta centralizada, entrada por los cuatro lados, capillas, después va a
evolucionar a una planta longitudinal.
El sacco de Roma (saqueo de Roma) hace que muchos artistas se vayan de Roma, esto hace que
los aprendices de grandes artistas como Bramante y Rafael se marchen a otros sitios y expanden
su estilo.
Sangallo propone una solución entre la planta basilical y la planta centralizada.
Los cuatro pilares de Bramante se siguen respetando. Lo que hace sangallo es hace una planta
centralizada y le añade un nartex, que alarga la cruz ¿¿??
Hay torres muy altas, como las de la fachada, y hay otras más pequeñas.
MIGUEL ÁNGEL BUONARROTTI (1465-1564)
Nace en Caprese en 1475 en una familia de clase media sin relación con las artes. Inició su
aprendizaje en el talleR de Domenico Ghilandaio como aprendiz en 1487/1488.
En el Jardin de la Antiguedades de Medici pudo aprender del escultor Bertoldo di Giovanni
(1440-1491) a partir de 1489.
En 1494 escapó a Venecia, vía Bolonia, donde se mantuvo definitivamente durante un año. En
1496, tras un fugaz paso por Florencia, viajo a Roma.
Regresó a Florencia en 1501 hasta 1505 cuando lo encontramos de nuevo en Roma.
En 1506 escapó hacia Bolonia, pero fue requerido de nuevo por el papa en 1508.
En 1513, Miguel ángel se dispuso a ejecutar la Tumba de julio II, en suspenso durante su trabajo
en la Capilla Sixtina. El papa murió ese mismo año y el encargo se alargó hasta 1545, creándole
numerosos quebraderos de cabeza.
En 1516 marchó de Roma porque León X le encargó la fachada de San Lorenzo de Florencia.
Allí pretendía seguir con el encargo de la tumba de Julio II.
En este tiempo trabajó en Carrara, Pietrasanta y Florencia. Se mantuvo en la ciudad durante la
República de Florencia nacida tras el Saqueo de Roma en 1527.
En 1529 marchó a Venecia y en 1530 volvió a Florencia ante el asedio de las tropas imperiales
y papales de ese año.
En 1534 volvió a Roma, coincidiendo también con el ascenso al Papado de Paulo III Farnese.
Allí mantuvo sus amistades más célebres con personajes como Vittoria Colonna, viuda del
marqués de Pescara, o Tommaso Cavalieri.
Su situación se vio amenazada con el papado de Paulo IV Carafa (1555-1559), pero se
rehabilitó con Pío IV (15591565). Durante sus últimos años se dedicó a la finalización de San
Pedro del Vaticano.
Sus esculturas y pinturas siempre tienen un aire arquitectónico.
San Lorenzo: El papa convoca un concurso con intención de acabar la cúpula, se presentaron
muchos artistas, entre ellos Miguel Ángel. La fachada no se llega a realizar, pero Miguel ángel
realiza una maqueta de la misma en 1517, la fachada es un espacio diseñado para contener
esculturas. Este proyecto se cancela en 1520, para compensarle el Papa le pide que haga un
mausoleo para los miembros de la familia Medici. Como ya había una sacristía hecha, Miguel
Ángel no altera la planta. La cúpula de Miguel ángel es circular, nos recuerda al panteón, es más
recargada, piedra grisácea combinada con estuco blanco.

Vasari dice de esto en 1568: Decidió ejecutar este trabajo [la Sacristía Nueva de San Lorenzo
en Florencia] siguiendo muy de cerca la traza de la Sacristía Vieja diseñada por Filippo
Brunelleschi, si bien quiso separarse de esta en los modelos decorativos: utilizó un orden
compuesto de un estilo más variado y original que el de cualquier otro maestro, fuera este
antiguo o moderno; creando, conforme a un nuevo estilo, bellas cornisas, capiteles y basas,
puertas, tabernáculos y sepulturas, quiso alejarse moderadamente del sistema arquitectónico
regulado por la mesura, el orden y la regla que practicaron la mayoría de los artistas siguiendo
la costumbre generalizada, las lecciones de Vitruvio y las normas de la Antigüedad, a las cuales
estos artistas no quisieron añadir nada nuevo. Esta licencia estimuló sobremanera a todos
quienes conocieron estas tumbas a imitarle, y así después hemos visto a otros utilizar nuevos
tipos de ornamentaciones fantasiosas que preferían los rasgos grotescos a las normas de la razón
y la regla. Cabe decir por ello que todos los artistas han contraído una deuda infinita y una
perpetua obligación para con Miguel Ángel, pues, gracias a él, pudieron romper los lazos y las
cadenas que anteriormente les ataban, haciéndoles seguir indefinidamente la vía de la costumbre
y de la creación de formas tradicionales.
Capillas Medici en San Lorenzo 1519:
Lo último que hace en San Lorenzo, es la Biblioteca Laurenziana, se ubica en uno de los lados.
En 1558, va a ser terminada por Tribolo, Vasari y Ammannatie. Es un espacio muy alargado y
estrecho. Está configurada en dos espacios, la sala de lectura y una especie de vestíbulo,
llamado Ricetto. Hay dos filas de asientos, la configuración es bastante original para la época, el
respaldo sirve de pupitre para el anterior. Tienen que acabarla porque Miguel ángel se va a
Roma. Escalera de tres tramos que en la parte de arriba se unen en uno solo, la parte central de
los peldaños tiene forma cóncava y la de los lados son rectos.
En Roma hace la Plaza del Campisoglio 1546 ahí esta el Palazzo Senatorio (1546-1549), el
Palazzo del conservatori (1561-1564) y el Palazzo Nuovo (1655-1663). Da la sensación de que
es resctangular. …..
Antonio da Sangallo “el joven” y Miguel Ángel, Palacio Farmese, 1546-1549: Ahora es la
embajada de Francia, encargado por la familia Farmese. Tanto la planta como la fachada
responden al diseño de Sangallo. La cornisa sobresale mucho con respecto al resto del edificio.
También intervino en el patio. Miguel Ángel realiza un puente que une este palacio con otro.
En 1546, Miguel Ángel se hace cargo del proyecto del Vaticano, Sangallo ya había fallecido. La
tenia en la mente dotarle de un carácter monumental. Miguel Ángel ante todo va a tratar de
revivir el espíritu de Bramante, y decía que quien se apartara de Bramante se apartaba de la
verdad. Lo que Miguel Ángel busca es configurar un espacio lo más monumental posible. Por lo
que quita la gran parte de los añadidos. Muros exteriores muy firmes, para contrarestar el peso
de la cúpula y darle estabilidad. Va a reforzar los pilares de bramante. Reconfigura todo el
espacio. Las cuatro cúpulas más pequeñas las va a realizar Gaicomo dellla Porta, quien se
encarga de continua con el trabajo de Miguel Ángel. Hoy en día, la planta no es centralizada por
qué la amplia en el transecto.
Va a ser Miguel Ángel quien finalice la cúpula, aunque Bramante o quiere el doble cascarón, ya
que quiere hacerla como el parteón, pero Miguel Ángel sí, y pide las medidas de la de santa
Maria de fiore de Brunelleschi. Realiza un muro de la misma altura en todo el perímetro del
edificio.
Aun así, es una basílica que crea mucho equilibrio, entre horizontalidad y verticalidad. Esta
cúpula tarda más tiempo en llevarse a cabo. Es una cúpula que se va a convertir en un modelo
de las cúpulas occidentales.
Miguel Ángel, Porta Pía, 1565: Se llama así en honor al Papa quien lo encarga, Pio IV. Miguel
Ángel hace tres diseños y el Papa elige el más barato. Última obra de Miguel Ángel antes de
XVII-XVIII, ya que ahí se hacen arcos muy novedosos y se toma como ejemplo ésta.
TEMA 5: JACOPO VIGNOLA, ANDREA PALLADIO Y LA RECONSTRUCCIÓN DE
LA ANTIGÜEDAD CLÁSICA
Es un tiempo en el que las monarquías absolutas se asientan en toda Europa. Es un periodo muy
marcado por el Concilio de Trento (1545-1563). Esto marcara las artes del siglo XVI y XVII. Es
una época en la que ya se asientan en Roma Felipe II y su hijo, y van a estar muy activos en la
política a nivel europeo. En Francia va a haber una serie de reyes sucesivos (Enrique II,
Francisco II y Carlos IX) y va a ser escenario de varias guerras de religión entre 1562 y 1598.
Posteriormente se calmarán las cosas y habla una paz religiosa. Hasta la llegada de Luis XIV.
Batalla de Lepanto, otomanos contra los turcos. En 1571. Luchan muchos países europeos,
incluso los estados pontificios. Interés de control y protección europeo, la justificación es
ideológica y espiritual.
Inicio de la Guerra de los Ochenta años (o revuelta de los Países Bajos) en 1566. Va a acabar
con la independencia de algunos estados en el siglo XVII. De nuevo tiene carácter religioso, ya
que muchos de estos estados eran protestantes.
En 1553 separación de la Iglesia Anglicana. Eduardo VI sucede a Enrique VIII y a este, su
hermanastra María de Tudor. Matrimonio de Felipe II con María Tudor en 1554 y muerte de la
reina en 1558.
Lo que vertebra todo es el intento de la Iglesia por no perder poder, y ganarlo.
SEBASTIANO SERBIO (1475-1554)
Nació en Bolonia. En 1514 se marcha a Roma, y ahí empieza a conocer la arquitectura de la
ciudad, se va a quedar ahí hasta el sacro de Roma. Y después se marcha a Venecia, donde esta
cuando se publica su tratado.
Su tratado es el primero que alcanza mucha más popularidad, ya que es más sencillo y encima
es en italiano. Tiene muchas ilustraciones, por lo que permite que sea mucho más fácil de
entender.
El libro IV (ordenes), Libro III (arquitectura antigua), Libro I y II (geometría y perspectiva),
Libro V (arquitectura religiosa), extraordinario (obras rustica), Libro VII (restauración), libro VI
(arquitectura domestica) y libro VIII (arquitectura militar).
Serbio hace mucho hincapié en la cuestión de las ruinas, nos habla de la grandeza de Roma y
cómo podemos saberlo gracias a la grandeza de sus ruinas.
Trabaja también sobre las fachadas de iglesias retoma el esquema de Alberti, se nota que conoce
lo que ha hecho Alberti tanto practico como didáctico.
GIACOMO BAROZZI “VIGNOLA” (1507-1573)
Nació en Vignola, cerca de Bolonia. El Cardenal Alejandro Farnese lo llevó a Roma en 1530.
En 1538 trabajó como pintor y asistente de Jacopo Meleghino en el Belvedere. Entró en la
Academia de la Virtud, dedicada especialmente a la arquitectura.
En 1541 fue nombrado arquitecto de San Petronio, pero no aceptó el cargo hasta 1543 porque
estuvo trabajando con Primaticcio en Fontainebleau vaciando esculturas clásicas en bronce.
En 1550 abandonó la fábrica de San Petronio en Bolonia y volvió a Roma de la mano de Julio
III del Monte (1550-1555). A la muerte de Miguel Ángel se hizo cargo de las obras de San
Pedro del Vaticano.
Publicó la Regola delle cinque ordini d’architettura en 1562, traducida al castellano en 1592 por
Patricio Cajés. Más tarde, en 1583, Ignazio Danti editó las Due Regole della prospettiva pratica
con una biografía.
Se llama así por la ciudad donde nace. No va a tardar mucho en ir a Roma,
Entro en la academia de la Virtud.
Va a ir trabajando en varias obras, fue nombrado arquitecto de San Petronio en Bolonia, pero lo
abandona para marcharse a Roma.
Toma el lugar de Miguel Ángel en las obras del Vaticano cuando este muere.
Publica otro tratado, que se llama “Regla de los 5 órdenes”, cartilla de repertorios, esto lo hace
muy didáctico. Es un tratado que se va a convertir en el repertorio fundamental hasta bien
entrado el siglo XIX. Establece módulos (unidades de medida) que permiten que, a la hora de
ejecutarlo, solo hay que adaptar estos módulos a las escalas de medida. Vemos que en el siglo
XVI ya se están definiendo los 5 órdenes, a cada orden se le dan diferentes laminas. Esto se va a
convertir en la cartilla básica de todos los arquitectos hasta el siglo XIX.
“Palacio Bocchi” realizado para Achille Bocchi, era un personaje humanista, relevante de su
tiempo en Bolonia, el palacio es interesante porque en ese lugar Bocchi creo una academia
humanista, no se llevaron a cabo el diseño tal cual de vignola, que realizo en 1545. En la planta
baja, esta tratada en forma de basamento con almohadillado, luego introduce bustos de
personajes que recuerdan a grotescos que Miguel ´Ángel ya había realizado. La portada está
tomada de formas que se encuentran en el tratado de Servio (no se sabe si esto es así).
“Villa Giulia” la comienza en el año 1551 y el diseño es entre el 1551-1553. En colaboración
con Giorgio Vasari y Bartololommeo Ammannati, está a las afueras de Roma y se realizó como
lugar de retiro del Papa. La articulación de la facha resulta innovadora y se inspira en el tratado
de Servio. La fachada destaca por que nos recuerda a un arco del triunfo, son de sillería, lo que
hace que destaque en color respecto al ladrillo del resto del edificio. Desde fuera da la sensación
de ser una fortaleza. Es una fachada que no nos da pista de los que hay detrás, da la sensación
de ser un palacio, detrás hay una serie de patios, jardines, habitáculos. La fachada tiene dos
pisos y lo demás tiene un piso que consuce al patio semicircular en donde se van sucediendo las
estancias. Algo importante es la relación que mantiene con el terreno. Otra parte importante es
que dentro de los patios hay un ninfeo con una fuente que viene del acueducto de ¿?, para llevar
agua hasta ahí el Papa Julio III encarga unas obras para que llegue el agua hasta ahí. Tiene
elementos tomados del mundo antiguo.
Villa d´Este, 1565-1572: Los diseños de Ligorio los ejecutó el arquitecto e ingeniero ferrarés
Alberto Galvani. En los jardines estuvo asistido por Tommaso Chiruchi y Claude Venard El
interior de la villa pintado por Livio Agresti. Ippolito D`este encarga al arquitecto Ligorio una
villa, Villa d´este, este señor fue nombrado gobernador de tribori por el Papa, y le regala la
Villa, prevamente ya había un palacete y encaga que se reconstruya la villa, aprovecha la forma
de una ladera y se inspira en la villa romana de Adriano, también se inspira mucho en la
ingeniería hidráulica de las villas romanas.
Palacio Farnesio/ Palacio Caprarola: construido en Caprarola, localidad creada por el Papa
(Pablo III), el cual era un farnese, localidad cercana a Roma. Le regala la localidad a su hijo,
lugar estratégico ya que se encntraba entre los estados pontificios y la toscana, este Papa a
Antonio da Sangallo el joven ¿¿??, le encarga el palacio, al cual le llamaban La Rocca, en 1546
las obras se paralizan y el nieto del Papa, Alexandro, decide retomar las obras y se las encarga a
Vignielo, la planta anterior era pentagonal, entonces crea un nuevo diseño, pero adaptándose a
la planta. Su objetivo por un lado, es el de crear una residencia que este en relación con el
terreno y por el otro, elevar la construcción, ya que el diseño anterior era de un sola planta. Por
lo que crea una calle que une el pueblo con el palacio, una de la pecualidades que tiene este
palacio, es que cuando el visitante se aproxima a la fachada ve un rectángulo, y al entrar se da
cuenta que la planta es pentagonal. La escalera es un círculo dentro de un pentágono, es
helicoidal, elementos decorativos que se van sucediendo y alternando, se le suma decoración en
la cúpula, pinturas al fresco, grutescos (pintura que se digunde desde el siglo XV, a raíz de que
se conoce la Domus aurea de Nerón, los artistas que se inspiran en estas pinturas realizan esto,
decoración vegetal, animal, mascaras, elementos de fantasía. Darán origen al estilo plateresco.
Estilo arquitectónico) Esta escalera influirá en el Barroco. Toda la iconografía que hay es una
pintura que lo que hace es glorificar a la familia que lo encarga. Una de las salas se conoce
como la sala de Hércules. El palacio se dispone entorno a una zona con terrazas, se hace
jardines geométricos, son jardines que se modelan siguiendo un patrón, son unos jardines en los
que interviene la cuestión del agua. Se crean fuentes, el agua interactúa con la naturaleza a la
vez que interactúa con el palacio.
“Patio de Palacio Pitti” de Bartolomeo Ammannati, pero se piensa que el palacio es de Fancelli
pero se ha atribuido la autoría a Brunelescci. Se empieza a hacer a finales del siglo XV, y en
1549 se le da a la familia Medicci y le encargan a Ammannati que diseñe el patio, se convierte
en uno de los elementos más destacados del palacio. Toda la naturaleza verde (no va a ser azul),
hay un eje central, se recurre mucho a la mampostería acanalada. El patio se usa para conciertos,
representaciones teatrales, operas, también se llevo a cabo una namatia ¿¿?? (combate naval).
“Iglesia del Gesú” De Vignola y Della Porta, 1568: Para los jesuitas. Es la iglesia más grande
que se construye en roma desde el Sacro de Roma, el origen de la iglesia esta en el encargo que
hacer el propio Ignacio de Loyola en 1550. Primero se encargará Luca Fancelli, después Miguel
Ángel y tiempo después se invierte mucho más dinero, dotado por Farnesio, y le encarga un
disño a Vignola. Le pide una iglesia de una sola nave, con una bóveda. Vingnola va a resentar
un diseño de fachada que no se va a cumplir, el que se va a hacer cargo de las obras cuando
Vignola ya no este, va a (buscar que he desconectado, y es importante ¡!!!!)
Vignola va a enriquecer el concepto de planta centralizada
Sant´Andrea en vía Flaminia: iglesia pequeña y modesta, planta rectangular, pero juega con u n
espacio en forma circular, nos recuerda al Panteón.
Sant´Anna dei Pafrenieri: De nuevo juega con las formas ovaladas, nos vuelve a recordar al
panteón, juega con diferentes cuestiones, hay dos fachas importantes, son muy diferentes entre
ellas, frontón barrido, finales del siglo XVI.
ANDREA DI PIETRO DELLA GÓNDOLA «PALLADIO» (PADUA,1508-MASER,1580):
Nació en Padua en 1508, hijo de un molinero. Su formación fue de albañil en el gremio de
canteros Vicenza y también con Giovanni Falconetto (h.1468-1535).
Gian Giorgio Trissino lo apodó Palladio en referencia a Palas Atenea y se encargó de su
educación a partir de 1537. Viajó con él por todo el Véneto y en 1541 lo acompañó a Roma.
Volverá a la Ciudad Eterna en 1545 y 1547.
A partir de los años cincuenta frecuentó al cardenal Daniele Barbaro. En 1554 lo acompañó a
Roma y publica L’antichitá di Roma raccolta brevemente dagli autori antichi e moderni (Roma,
imprenta de Vincenzo Lucrino).
En 1556 apareció la edición ilustrada por Palladio de los Diez libros de arquitectura de Vitrubio
comentados por Daniele Barbaro.
Cofundador de la Academia Olímpica de Vicenza (1556). Ese mismo año viajó a Provenza y a
Saboya. Fue reclamado por el emperador en Viena en 1558 y Felipe II le solicitó opinion para la
Basílica de El Escorial, por lo que mandó su parecer a través de la Academia del Dibujo de
Florencia.
Redactó sus Quattro Libri dell’Architettura, publicados en 1570.
Vignola va a ser importantes por formas como la escalera, por su trabajo con el plan ovalado y
su trabajo en el Gesu.
Andrea Palladio, “Basílica” 1549 en Vicenza- Proyecto de 1546, terminada en 1614. Edificio de
tipo público, uso cívico, lo va a consagrar como arquitecto público. Primera obra que le da un
salario estable. Edificio ya existente, desde el siglo XII, que el remodela, durante la Edad Media
era el senado medieval ¿?. Caracterizado por que en la planta superior tiene un salón muy
amplio, y en la planta baja suele haber comercios. Durante el siglo XV, va a sufrir
modificaciones ya que se derrumba y en el siglo XVI se decide remodelarlo más, se proponen
varios proyectos. Finalemente vence el diseño de Giovanni da Porlezza bastante más mayor) y
Palladio. Cuando Giovanni muere se hace cargo de todo Palladio. Palladio recubre todo el
edificio con dos arquerías. Palladio sitúa las arquerías en línea con las arquerías medievales, los
vanos coinciden, recurre al motivo serviana. Esto tiene también una razón funcional, ya que los
vanos medievales tenían diferentes alturas, entonces la serviana le permite colocar vanos de
diferente altura. Al absorber la diferencia entre los arcos y la parte adintelada, queda más
diferente. Palladio recoge varias tradiciones y lo vuelca en el diseño. La basílica tal y como la
vemos hoy no es la misma que en ese momento, ha sufrido modificaciones, el techo no era
verde, sino azul perla. Otra modificación que se hace es que en el siglo XVIII, lo elevan un poco
más, por lo que cambia la relación del edificio con la plaza. Se reinterpreta siguiendo una
interpretación nasopalatina.
Palladio hizo muchas villas, las conocemos gracias sus 4 libros de arquitectura, le dieron fama.
Venecia pierde interés o se dedica menos al comercio marítimo, y se centra más en la
agricultura, esto se debe a los ataques de los turcos y el descubrimiento de américa. Esta
explotación de terrenos va a garantizar dinero a gente, los cuales después encargaran villas en
estos terrenos. Estas villas eran un lugar para dedicarse a la música, a la lectura, a la
contemplación, a la recepción de gente, … Son villas de gente pudiente, pero algo más modesta.
Son villas que por la sencillez que les aporta Palladio, se caracterizan por esta distinción. Era el
palacio (normal, entre de dos pisos, gran regularidad en su planta) si había explotación agrícola,
había más edificios, y gran terreno como jardín. Normalmente se colocaban elevada. Frontón
rustico, con pilastra, pórticos clásicos, normalmente en el piso principal ha una sala principal,
normalmente se dedica a cosas de recepción y es lo que domina toda el área. La planta principal
siempre esta en el centro, simetría perfecta, todas están formadas por formas muy simples,
Villa Pisani (Bagnolo) 1542-1526
Villa Chiericati (Vacimuglio)1555-1581
Villa Emo, 1555-1565
Villa Capra/ La rotonda (1551-1591): De tipo suburbano, no centrada en la explotación agraria,
Paolo Almerico, alto dignatario de la Iglesia, decide volver a su ciudad y encargar una villa, no
tiene gran dependencia secundaria ¿¿??, situada sibre un montículo, planta simétrica, formas
predominantes cuadrado inscrito dentro de un círculo, cuadrado que se superpone sobre una
cruz. Los pórticos y las escaleras que dan a la villa se repiten en los 4 lados, sala central que es
el punto central de la composición, cubierta por una cúpula (lo cual es particular ya que es una
vivienda particular), al tener 4 pórticos está muy abierta, relacionada con el campo que también
es parte de la composición. En el interior, hay una decoración parietal ¿? La villa la termina
Vicenzo Scamozzi y cambia la cúpula por una inspirada por el panteón romano. Después de que
el dueño muera, la hereda su hijo, pero debido a una mala gestión económica se la vende a los
hermanos Capra. Scamozzi agregan otros espacios externos, ya que después si que va a haber
tareas de explotación. Girada 45º con el objetivo que entre la luz por igual en todas las
fachadas.
Esto dará lugar al neopalatianismo inglés. Cuando en el siglo XVIII hay muchos ingleses que
quieren ser cultos, hacen el gran tour por Italia y vuelven a Inglaterra queriendo imitar la
arquitectura clásica.
Villa Foscari (1550-1560) Palladio: Encargada por dos hermanos, función residencial, esta al
lado de un canal, situada al lado de la laguna y el canal para poder llegar en barco, (era todo por
aparentar). La fachada principal da al canal, orientada hacia la zona entre Pardua y Florencia ¿?,
villa de perfil más alto, no esta sobre un montículo, por lo que gana en verticalidad. El piso
superior es el del señor y el bajo es el de los trabajadores. Planta simétrica, con forma de cruz.
El interior esta decorado con pinturas. En la parte central a colocado la bóveda central. Pórtico
con escaleras.
Villa Bárbaro: Realizada para Marcantonio (embajador en Francia y Estambul) y Daniele
Barbaro 1560-1570: Los barbaro le obligaron a reutilizar el espacio que había anteriormente.
Interior decorado con frescos de ruinas, miembros de la familia, pintados por Paolo Veronese.
“Basilica del San Giorgio Maggiore” 1560-1591: iglesia que pertenece a un conjunto
benedictino anterior, a mediados del siglo XVI le piden a Palladio remodelar la iglesia, la va a
ampliar, introduciendo la pagina cruciforme, esta cubierta por una bóveda de arista, espacio
bastante amplio y luminoso, la fachada nos recuerda al Partenón.
“Basilica del Redentore” 1577-1592: Tiene similitudes con la anterior, también en Venecia. Se
la encarga la Republica de Venecia, por lo que para él es importante que un gobernante se la
encargue, ya que le va a dar una mayor visibilidad. En 1566 hubo una peste que asolo la ciudad,
la peste asolo casi por completo la ciudad y se decidio que cuando se superase se iba a realizar
una iglesia de carácter votivo, para celebrarlo. Se le encargo a Palladio ya que estaba trabajando
para las familias pudientes de la ciudad. Planta basilical, con capillas más estrechas que la
anterior, la nave central es más grandes ya que tiene que permitir la circulación de procesiones,
se necesita un lugar amplo por donde circular, transepto en forma de semicírculo. Cuando el
visitante la ve de frente parece que tiene planta centralizada, como si fuera una especie de
templete. Esta hecho así para que recuerde lo máximo posible a los templos griegos. Lo
predominante es el tema de la luz, creando una sensación de amplitud. Justo antes de llegar al
plebisterio hay un muro, que genera la sensación de que la capilla comienza desde ese muro, por
lo que da la sensación de que es más grande.
Unos 70 años después habrá otra peste y se construirá otra iglesia, “Santa Maria della Salute”,
que se la encargaran a Longhena. Da más la sensación de templo conmemorativo, ya que tiene
la planta centralizada.
“Teatro olímpico” 1580 en Vicenza: Durante el XVI se empiezan a escribir obras de teatro
inspirándose en la antigüedad, en la primera mitad del siglo XVI, Serbio había diseñado un
teatro pero no se había llegado a construir. El propio Palladio había diseñado teatros. Palladio
pretende diseñar un teatro basándose en la relectura a Vitruvio. Palladio realiza una lectura de
Vitruvio de forma errónea, parte de una lectura en la que la separación que hay entre los
espectadores y actores es distinta y lo soluciona, soluciona la distancia que había. Coloca
estatuas, que normalmente en los teatros clásicos representan al emperador y a su familia, aquí
representan a los miembros de la academia ¿?, es un teatro cerrado, con el techo simulando el
cielo.
Palladio era una persona muy interesada por la arquitectura, hacia retablos.

TEMA 6: EL BARROCO EN ITALIA. FRANCESCO BORROMINI Y LA

IMAGINACIÓN MODERNA
BUSCAR LAS OBRAS QUE FALTAN
El Barroco es un periodo de la cultura europea que se desarrolla a principios del siglo XVII. Se
va manifestando poco a poco desde los años 80s del XVI emerge sobre todo en los años 20 del
siglo XVII. Ya que se reúnen en Roma una gran cantidad de artistas que darán comienzo a todo
esto. Desde el punto de vista político es una Europa que estaba saliendo de las grandes guerras
de religión, hasta ese momento mandaban los Habsburgo de España. Y va a haber una
hegemonía de los reyes de Francia. Empieza a haber diferencias, en Holanda hay un régimen
más burgués, en Inglaterra tiene lugar la primera monarquía parlamentaria y en cuanto al asunto
religiosos hay una diferencia entre católicos y protestantes. Los católicos desarrollan un arte de
persuasión y los protestantes son iglesias más austeras. Desde el punto de vista social,
estamentos muy cerrados, aunque hay una burguesía que se va enriqueciendo, en ocasiones de
ennoblece. Época de avances científicos importantes, esto se ve en ciertos tipos de obras de arte
que aplican estos avances a su perspectiva de visión. El barroco, surge como estilo, y el termino
surge en el siglo XVIII, pero con carácter peyorativo, se relaciona con conceptos: como
desordenado, caprichosos, extravagante, deforme, ilusionista. Todo esto viene por el engaño
visual que se realiza en el Barroco, con diferentes ilusiones ópticas. Es diferente en cada lugar,
en Francia es más clasicista, y dentro de un mismo país también es diferente.
Pietro de Cortona, Santa María della Pace (reforma 1556-1667): Realiza una fachada, en la
iglesia que tiene un claustro de Bramante. La fachada esta desproporcionada.
Guarino Guarini, Palazzo Carignano, Turin: Le da ondas a la fachada, contraste del color de la
piedra en la fachada. Es monumental.
Cuando llega el siglo XVIII y llega una gente mucho más calmada, ven el barroco y lo rechazan
totalmente ya que quieren volver al clasicismo. Milizia escribió un texto diciendo que “el
Barroco es sinónimo de delirante de bizarro. Que Borronini cayó en delirios, pero que Guarini y
Pozzi cayeron en el Barroco.”
Periodo de transición/ Barroco temprano (finales s.XVI-c.1625) Los artistas regresan a Roma,
tras el saqueo de Roma, periodo de recuperación, sumado a la última reunión del Concilio de
Trento, en el que se habla acerca del papel de las artes.
Sixto V (1585-1590): Le va a dar un impulso enorme a la ciudad de Roma, va a fomentar el arte
y también el desarrollo urbano. Desarrolla un programa regulador de la ciudad de Roma.
Pretende que Roma sea el prototipo de ciudad-capital, va a ser lo que siente las bases de la moda
Barroca. Va a crear una red urbana, uniendo diferentes puntos, mediante las avenidas rectas,
también abrirá plazas y va a prestar mucha atención al tema de las fuentes y los obeliscos.
Fuente “Acqua Paola” de Flaminio Ponzio (1612): Forma de arco de triunfo
Doménico Fontana: intervine en la cuestión de las fuentes, la hidráulica.
El obelisco del Vaticano (1586-1587): Utilizan un objeto pagano, en este caso Egipto, y lo
cristianizan poniéndole una cruz, el Obelisco era romano.
Los obeliscos tienen el fin de marcar la superioridad de cristianismo.
(…)
Paulo V (1605-1621)
Carlo Madermo es un arquitecto que viene del norte y empieza a trabajar con su tío Doménico
Fontana. En 1603 va a terminar la fachada de Santa Susana (1585-1603) y es nombrado
arquitecto de San Pedro. La fachada de Santa Susana es muy parecida a la Iglesia de Gesú en
Florencia. Usa pilastras en las esquinas y el volumen va aumentando progresivamente hacia el
centro, por lo que el centro da sensación de salir, genera efectos de claroscuro.
Convocan un concurso para finalizar la fachada del Vaticano, y lo gana Madermo, Él pretendía
no tocar demasiado lo que había hecho Miguel Ángel, pero por necesidades litúrgicas se decide
alargar las naves, esto genera que, tanto por eso como por la fachada, se va a perder para
siempre la vista de la cúpula de Miguel Ángel tal como este la diseño. La fachada es muy
horizontal, esto se debe a que en su momento Madermo la había concebido como dos torres,
esto habría hecho que la fachada no quedara tan horizontal, ya que las torres habrían aportado
verticalidad. La ventana central va a configurar la fachada y la plaza. Se le debe el finalizar con
la basílica. Borronini trabajara en la parte decorativa del Vaticano y aprenden junto a Madermo.
Malermo también realiza la fachada de Sant´Andrea della Valle, la cúpula de esta iglesia la
realizo Carlo Rainaldi. Realiza una serie de ventanas que generan mucha luz dentro del edificio.
Palacio Barberini (1625-1633): Un palacio que ya existía, pero el cardenal Barberini, se lo
encarga a Maderno, pero éste fallece en 1629, y el palacio es finalizado en 1633. Es un placio
bastante típico. Cuestión de la perspectiva, las ventanas del centro parecen más profundas que el
resto de ventanas gracias a la falsa perspectiva.
FRANCESCO BORRONINI (1599-1667)
Pertenece al Barroco pleno (1625-1675), durante el papado de Urbano VIII (1623-1644),
Inocencio X (1644-1655) y Alejandro VII (1655-1667). Todos estos Papas son de familias
influyentes por lo que antes de su papado tenían sus artistas favoritos.
Es un arquitecto peculiar por su personalidad, y porque va a romper con la tradicción que ha
heredado.
Nació en 1599, viene del norte, de Bissone (actualmente sur de Suiza), que pertenecía a
Lombardia, región en la que tenía mucha importancia la tradición medieval. Es hijo de
arquitecto, Giovanni Domenico Castelli, va a dominar todas las técnicas constructivas. Pasa por
Milán, ciudad que no le influye demasiado, entre 1619-1620 llega a Roma.
Comenzó trabajando como escultor de elementos decorativos en piedra y hierro. También
asistió en el dibujo en los proyectos de Carlo Moderno y, a la muerte de este en 1629, trabajó a
las órdenes de Bernini.
Arquitecto inventivo e innovador. Rompe con la tradición de la arquitectura clasicista
proporcionada con las medidas más humanas. Su trabajo se basa en el conocimiento de la
técnica tradicional y en la libertad compositiva.
Trabaja los materiales más pobres y los ennoblece,
Creador con problemas de estabilidad emocional, se suicidio en 1667, tras un ataque de
desesperación.
Participa en el Palacio Barberini, en algunas ventanas y en las escaleras.
Bernini y Borronini se odiaban, ya que tenían conceptos de la arquitectura muy diferentes.
Borormini es solo arquitecto y está muy preocupado por la técnica. Uno criticaba al otro, por
que técnicamente no, y Bernini criticaba a Borronini por que lo del diseño como que no.
El hecho que Borronini rompa con lo que había sido el Renacimiento hace que se le critique
mucho, hace que o se le ame o se le odie, va a ser muy influyente en el este de Europa.
Interviene en el Palazzo Spada, (1653): Va a intervenir en la verja del jardín, en, los espacios
decorativos y sobre todo en la galería, la cosa más llamativa es la óptica que lleva a cabo, un
túnel con columnas adosadas a los lados, bóveda de cañón y al final una estatua. Es una galería,
que tiene unos 9 metros, pero da la sensación de tener 40 metros. Él crea un efecto óptico,
ilusionista. Colocando las columnas en tramos, de tres en tres, y va descendiendo la altura
mediante se acerca el final, la estatua también da sensación de ser más alta de lo que parece.
“San Carlos de las 4 fuenets”: Cerca del palazzo Barberini, le encarga la orden de los trinitarios,
una orden modesta, esta obra abarca toda su vida. Inicio en 1634 (dependencias, monasteriales,
en torno a un claustro”, 1638 (iglesia aneja, terminada 1641) y 1664-1667 (fachada de la
iglesia). Dispone de un espacio muy estrecho para realizarla, fachada muy estrecha y alta. El
claustro no tiene esquinas, ya que no es de 4 lados rectos, ya que lo que hace es colocar una
especie de curvatura conversa, esto hace que la mirada no separe, sino que pueda mirar de
forma continua todo este espacio. Los balaustres de forma prismática se alternan uno hacia
arriba, otro hacia abajo. La iglesia no es más grande que el propio claustro. Es similar a un
rombo, pero con lados curvos. El entablamento del claustro es curvo, da la sensación de que es
una banda elástica que se abre y recoge todos los elementos, lo que hace es que el espectador
siga la línea continua del entablamento. Por otro lado, tampoco tiene una excesiva decoración.
Le da un cierto valor escultórico a las colunas ya que emergen, y da la sensación de que los
muros son muy escultóricos, es una iglesia muy blanca. Entre la cúpula y los muros, se utiliza
unos arcos de abanicos que simulan conchas y recogen las pechinas. La cúpula tiene una forma
semejante a la planta, combinación de tramos rectos y curvos, tiene ventanas, orificios y la
linterna, lo que hace que se ilumine mucho y da la sensación de que este en suspensión. La
fachada es ondeada, y no deja intuir lo que hay detrás, recurre a la combinación de columnas
gigantes y columnas más pequeñas. La colocación de columnas gigantes tanto abajo como
arriba, fuera de la norma, genera la sensación de que se va a caer, no hay tramos rectos.
Escultura de Hermas (son como unos ángeles cuyas alas sirven para cobijar las estatuas). Coloca
las aristas mirando hacia el público, en el centro superior hay un medallón (que no pinta ahí)
Utiliza un capitel jónico, pero las volutas van hacia arriba. El campanario se hace cuando
Borronini ya había fallecido, pero siguiendo su diseño, las aristas están mirando al espectador.
“Oratorio dei Filippini”/ (San Felipe de Neri): Realiza un oratorio al lado de una iglesia de
tradición renacentista. Es un encargo que recibe tras ganar un concurso en 1637. El acceso
principal es por un lateral. 1637-1640 oratorio, 1642 refectorio, 1643 biblioteca (la cual se ha
alterado mucho) 1650 (fachada) La fachada da la sensación de que se abriese, lo consigue
mediante que las aristas miren al espectador, utiliza curvas hacia delante y nichos con estatuas
hacia dentro, juega con el claroscuro, las pilastras tienen cierto relieve que generan estos
efectos, combinación de colores, ladrillo que contrasta con el mármol. El frontón de arriba, tiene
la parte de arriba recta, y después la de abajo se curva. Juega con elementos constructivos para
darle más variedad. En el interior utiliza columnas enormes, de mármol de colores para darle
más variedad.
“San Ivo allá Sapienza” 1642-1650: La sala de Archiginnasio, que era el precedente de la
universidad de Sapienza. Borronini hace una pequeña iglesia dentro de un patio ya existente.
Utiliza una especie de estrella de 6 puntas para la planta, no está adaptado al hombre sino que
sigue una forma geométrica, también parece un hexágono. El interior combina de nuevo tramos
curvos con tramos rectos, pilastras gigantes, combinación de huecos con zonas que salen, los
muron tienen bastante dinamismo. La cúpula genera la forma de la planta, recurre al uso de la
luz, de la linterna y las ventanas, genera una sensación de ser más espaciosa. Esta cúpula no
tiene precedentes en nada anterior. Lo más curioso es la linterna de arriba, desde fuera la cúpula
no se ve. El tambor combina formas curvas y rectas, la parte de arriba de la linterna, recurre a
columnitas variadas y lo más característico es el remate con forma helicoidal, y un remate de
una bola y una cruz.
Reforma de San Giovanni in Laterano (1646-1649)
Sant´Andrea delle Fratte (1654-1665)
Collegio di Propaganda Fide (1644-1667) Capilla: Para formar a los jesuitas, era una orden muy
viajera, conjunto de diferentes edificios y estancias. Borromini es nombrado arquitecto de esta
obra en 1644, pero hasta el 1667 no se termina. La fachada ya estaba construida, Borromini no
la construye, sino que la modifica según sus criterios. Combina ordenes gigantes con otros más
pequeños, combina también vanos más grandes con otros más pequeños, al utilizar pilastras
gigantes acentúa la verticalidad, la cual se acentúa aun más con unas líneas que recorren todo el
techo cruzándose, generan más movimiento. Obra que tiene mayor aproximación a los
principios medievales-góticos, ya que concibe la planta como una configuración geométrica,
fachada que genera un cierto aspecto opresivo. En la fachada combina una serie de espacios,
abiertos y cerrados, utiliza elementos comunes y los altera para que le de un aspecto diferente.
Altera los capiteles, capiteles compuestos de estrías, también altera la cornisa, ya que no tiene
friso, también distingue mucho los diferentes pisos. El piso de arriba se hizo posteriormente, en
el XVII. Lo que más llama la atención es la curvatura del edificio. Cierto sentido rítmico. Las
entran hacia dentro, la cornisa combina tramos curvos y tramos rectos. Todo esto genera una
fachada con mucha personalidad.
Recurre a elementos de la antigüedad y medievales y genera una ruptura con lo anterior y
transforma motivos claves de la tradición. Es un arquitecto que en Roma no va a tener
demasiado éxito, va a influir mucho en el norte de Italia y en el centro de Europa, recibe críticas
del círculo de Bernini, ya que le acusan de destruir la noble arquitectura. Borronini.
TEMA 7: GIANLORENZO BERNINI Y LA ARQUITECTURA CLÁSICA
GIANLORENZO BERNINI (1598-1680)
Hijo del escultor florentino Pietro Bernini, que se trasladó a Roma en 1605 cuando accedió al
solio pontificio Camillo Borghese (Paulo V).
Pronto debió dedicarse al estudio artístico de manera frenética: estatuaria clásica y pintura
moderna (figura humana, diseño inventivo y composición).
Desde 1615 se independizó de su padre. Entre 1617 y 1624 trabajó para Scipione Borghese,
sobrino de Paulo V.
En 1629 fue designado arquitecto de San Pedro por Urbano VIII (Barberini 1623- 1644).
En 1665 viajó a París reclamado por Luis XIV.
Artista integral, también diseñó aparatos efímeros para festejos y conmemoraciones.
Barroco clasicista y continuador de la tradición. Importancia del concetto, es decir, el
significado esencial del tema. Siempre es el momento de culminación dramática.
Bernini fue muy conocido en su momento.
Su padre y él, son de origen florentino, pero en 1605 se trasladan a Roma, ya que a su padre le
encargan una capilla. La primera formación que recibe es con su padre, y gracias a que éste
trabaje con círculos importantes en Roma, como la familia Borghese, su padre entro a trabajar
con ¿? Borghese, que después será el Papa Pablo V. Entre 1617 y 1624 trabajo para Scipione
Borghese.
Le va a interesar mucho la representación de los sentimientos, de las emociones. Anima
Dannata y Anima Beata (1619), estudia como puede ser un alma atormentada en el infierno
frente un alma celestial en el cielo.
Bernini sigue la línea de Caraccio. A partir de 1615, se independiza de su padre, ya que tiene
una clientela fija, sobre todo de la familia Borghese. Menos un viaje a París, se niega a
abandona Roma. Durante 50 años va a tener una carrera de muchísimo éxito y va a ser la
autoridad artística en la ciudad de Roma. Bernini se consideraba ante todo escultor, pero
también era pintor, arquitecto, poeta, hizo también escenografías teatrales. Tenía muy buenas
habilidades sociales.
“El niño Júpiter y la cabra Amaltea” 1609-1615, se piensa que es su primera obra escultórica.
Técnica del tratani ¿?, consigue la sensación de movimiento en el pelo.
Plutón y Proserpina (1621-1622)
Bernini une diferentes fragmentos de mármol, no salen de un bloque como con Miguel Ángel,
sus esculturas están hechas para verse en movimiento.
Apolo y Dafne (1622-1624)
Muchas de sus obras son difíciles de categorizar, ya que el crea el Bel Composto, une la
escultura, la pintura y la arquitectura, elimina actitudes, rompiendo sin violar la reglas. Bernini
lo que hace es fusionar diferentes manifestaciones de manera que los límites entre una y otra se
difuminan un poco, une todo para generar una idea.
A partir de 1624, va a hacer obras religiosas debido a su conexión con el papado. Bernini va a
respetar más las normas de la arquitectura clásico, va a innovar en la luz, el claroscuro, la
combinación de los colores. En este año le encargan su primera obra arquitectónica y el
baldaquino del Vaticano.
Santa Bibiana (1624-1626): Primer encargo arquitectónica, tiene la primera escultura religiosa
(de Santa Bibiana) de Bernini, también tiene el primer ciclo pictórico de Pietro de la Maltona.
No está separada de la tradición, diferencia de la tradición de fachada iglesia, da la sensación de
que es un palacio. Deriva del tipo de fachada que hizo Ponzio, San Sebastiano. Bernini da
mucho énfasis a la parte central, frontón central, balaustrada da la sensación de que entra en el
cuerpo central de la iglesia y luego va hacia otro lado. Tembletee que surge por encima de la
fachada. Fachada tipo palacio.
A partir de 1624 es nombrado arquitecto de San Pedro, todo comienza con el Baldaquino, pero
va a seguir trabajando en San pedro hasta su muerte.
Baldaquino de San Pedro (1624-1633): Esta en el lugar donde supuestamente había estado la
tumba de San pedro, es la primera obra que le da la oportunidad de mostrar su habilidad de
combinar una estructura arquitectónica con una escultura monumental lo configura como un
dosel monumental, imita el podio con el que trasladaban al Papa en las procesiones, estructura
bastante sencilla, se basa en 4 columnas gigantes salomónicas. Va a poner muy de moda estas
columnas salomónicas. Por encima, en la especia de doseles de bronce oscuro y dorado, trata de
imitar como si fuera tela y esta ligeramente movido por el viento, está decorado con flores,
ángeles, abejas, (símbolo de esa familia), los símbolos de los apóstoles, ángeles más pequeños
situados en los laterales, estos no están completamente estáticos, … Ramas de laurel, simboliza
la victoria.
Crea oracinas, en la parte interior se colocan esculturas, y en la parte superior coloca una
estructura como de templo, y ahí están las columnas salomónicas originales, ahí se utilizan 4.
San Loginos (1628) Justo en el momento en el que se da cuenta que Jesús es el hijo de Dios, es
el punto culminante de la narración, el momento más dramático, la capa forma parte de esa
narración contribuye a la expresividad del personaje, al mostrar ese momento dramático, marca
el contrapposto, trata de conseguir la emoción religiosa. En este momento al haber tantas
religiones la iglesia quiere demostrar que esa es la verdadera religión, quiere llegar al creyente.
La fachada del Vaticano era muy horizontal, la cúpula se veía poco. En 1636 nsq VIII acepta el
proyecto de Bernini de colocar unas torres en la fachada para que sen más vertical, pero a los
años aparecen unas grietas y la construcción se interrumpe en 1641, y en el 1646 y 1647 se
desmantela por completo. Después Bernini le propone un proyecto a Inocencio X, pero no se lo
concede. En el cuadro “Exterior de San Pedro” de Codazzi nos podemos hacer una idea de
cómo podrían haber quedado las torres.
Plaza de San Pedro del Vaticano (1657-1667): En torno al 1656 Bernini recibe el encargo de
hacer una plaza, donde se pudieran congregar los fieles y que estos fieles pudieran recibir la
bendición del Papa. Condicionantes importante es el terreno, ya que no está totalmente recto,
eso condicionaba la forma de la plaza. Estaba pensada para que fuera mucha gente, por lo que
debía contener a un gran número de personas, y la logia y la fachada debía ser lo más visible
posible, desde un punto de vista estético, la plaza sugiriese el carácter envolvente de su función,
la plaza estaba muy condicionada por lo que no servía cualquier diseño. Era necesario que
hubiera una parte cubierta para la lluvia. Bernini en 1656 ya da un primer proyecto, en el que
concibe una plaza trapoicidal, parte cubierta en forma de fachada palacio, se acaba abandonando
ya que no conseguía cubrir estos condicionantes, por lo que piensa en algo diferente. Después
hace diferentes diseños con diferentes formas para las logias, llega a concebir una tercera ala
como cerrándola para darle un aspecto más acogedor, pero no se llega a hacer ya que quita
visibilidad. Bernini quiere hacer algo relacionado con el hombre y piensa en la sensación de
unos brazos abiertos. Resuelve el asunto haciendo dos plazas continuas, la primera plaza tiene
forma ovalada, en cuyo centro está el obelisco y a los lados dos fuentes y la plaza de arriba tiene
forma helicoidal, ya que genera cierta perspectiva, para que el que este ahí dentro contemple
toda la fachada. Las alas se sostienen con columnas monumentales, arriba hay esculturas de
santos y mártires. La distancia entre las columnas no es igual, ya que esto genera una ilusión
óptica para facilitar la contemplación en movimiento. Entre las columnas hay espacio esto
permite jugar con la luz, con el cielo, con lo que hay detrás. Tradición helénica. Plaza que a lo
largo de la historia ha tenido criticas pero que ha tenido mucha relevancia en la historia del arte.
Escalera ¿?: Une la Basílica con el palacio papal, nos recuerda a la galería del pallazio spada,
también sitúa una escultura al final la Visión de Constantino (1654-1668), la escultura la hace el
propio Bernini, representa a Constantino en el momento que tiene la visión, sitúa esta escultura
como punto de fuga, utiliza los casetones en el techo.
Ponte Sant´Angelo (decoración) 1669: Los ángeles que decoran este puente que une la Basílica
con Castell Sant´Angelo. Realiza doce ángeles y cada uno lleva un símbolo de la pasión de
Cristo, el Via Crucis.
Cátedra de San Pedro (1657-1666) Sillón donde se sienta el cura, une simbólicamente la catedra
de Constantino, es un conjunto de mármol policromo, dorados, se juega mucho con la luz, en
donde la simbología es muy importante, 4 esculturas de los padres de la Iglesia, latinos (San
agustin y San Ambrosio) y los griegos (San ¿?) Estos sostienen simbólicamente la silla del
Papa, nubes de lado, arriba en el centro hay una especie de vidrieras con la paloma del espíritu
santo, su función es acoger la luz y que se ilumine, rodeado de ángeles en movimiento, todo se
complementa con una serie de rayos dorados, genera contrastes de luz y de color, las ventanas
de los lados hacen que entre la luz que da en el cristal y se refleje en ese dorado. Esta justo
detrás del Baldaquino.
Altar de la capilla del Sacramento (tabernáculo: elemento en cuyo interior se guarda la ostia
consagrada) 1673-1674: Muestra de cómo Bernini recoge la tradición anterior, San Prieto
Montorio, Bramante, dos ángeles dorados, cada ángel tiene una posición distinta y da sensación
de estar emocionados, uno de llos mira al espectador haciéndole participe, juega con el
cromatismo.
Bernini tiene varias capillas, tipología de obras en las que el artista puede hacer lo que quiere, y
se entiende el vero composto, espacios que se pueden abordar desde la pintura, arquitectura y
escultura, en ellas Bernini recurre a toda la diversidad en cuenta forma, color, superficies,
relieves, pintura, luz, recurre a muchos recursos para conseguir un efecto totalizador. Les da una
cierta emoción, a las esculturas, elige el momento en el que está pasando algo.
“El éxtasis de Santa Teresa” en la Capilla Cardenal y Patriarca de Venecia, Francesco Cornaro
de Santa María della Victoria: Encargada por Francesco Cornaro , se hace a mediados del siglo
XVI, esta capilla es famosa por el conjunto escultórico de Santa Teresa que se encuentra en el
centro de la composición, Bernini trabaja con la combinación de mármoles de colores, en la
parte de detrás incorpora una especia de rayos dorados, la escultura da la sensación de que Santa
Teresa está levitando, ya que se junta el pedestal, el momento que recoge en la escultura es el
momento de unión de Santa Teresa con Dios. Hay una especie de palcos donde están asomados
la familia de Francesco hablando entre ellos y viendo la situación, Bernini juega con los relieves
para sugerir una profundidad dentro de la capilla.
Tumba de Gabriele Fonseca (1663-1668) Capilla de la Anunciación, San Lorenzo in Lucina
cuadros laterales, Guglielmo Cortese: "Eliseo echando la sal en el río" de Gimignani y "El rey
Acab y el profeta Isaías en el Monte Carmelo“ "curaciones" físicas como analogías de la
Salvación central copia de Giacinto Gimignani, “La Anunciación" (1612) del Quirinale de
Guido Ren : Bernini hace una capilla funeraria para el medico Gabriele Fonseca , juega con un
pequeño espacio cuadrado y vertical, la parte de arriba es una bóveda vaida, con una linterna en
el centro, en la parte media se incorpora un lienzo con el tema de la anunciación, ya que esta
alude en el fondo con la salvación de la humanidad, a los lados hay elementos que aluden a la
curación, de nuevo hay un trapantojo en forma de escultura ya que parece que se esta asomando
a una ventana, contraste entre el blanco de la estructura y los mármoles rojizos. Alegoría al pan
y el vino, simboliza la salvación de dios.
Capilla de la Beata Ludovica Albertoni (1671-1674): Beatificación, encargo de uno de sus
descendientes, el Cardenal Paluzzi degli Albertoni Altieri, sobrino del papa Clemente X (Emilio
Altieri (1670-1676); capilla fundada por el viudo de Lodovica (†1553) y restaurada en 1622,
con los frescos de la embocadura que muestran a la beata de clarisa, dando pan a un mendigo, y
a Santa Clara mostrando la eucaristía; el cuadro original del altar fue sustituido por otro de
idéntico tema -"La Virgen con el Niño y Santa Ana"- de la mano de Giovanni Battista Gaulli
(1639-1709). Su familia encarga una capilla, la cual se restaura a principios del siglo XVII, en el
cuadro central se representa a la Virgen con el niño y a Santa Ana, aparecen unos angles
tridimensionales como levitando, en el cuadro también aparecen ángeles que tiran flores,
supuestamente estas caerían sobre la mujer, la estructura de la señora, también hay granadas que
simbolizan la salvación, hay corazones con llamas (ni idea que simboliza).
Hasta el encargo de S. Tommaso di Villanova (1658-1661), en Castel Gandolfo, residencia de
verano de los Papas, lugar de retiro privado, de primeras no parece barroca, pero tiene un
frontón muy pesado para lo que es la puerta, y el protagonismo de la cúpula. El interior es muy
sencillo y blanco, la decoración se concentra en el altar, en el retablo con cierta curvatura, la
escultura, curvatura, las esculturas sostienen el ovalo. Y en la cúpula, otro de los puntos donde
se concentra la decoración, relieves evangelistas, unos ángeles, de cara a los ángeles hay unas
guirnaldas que bajan y se meten en algo de la cúpula, entre los nervios de la cúpula hay
casetones de forma octagonal, algunos están a la mitad como si siguieran debajo del nervio.
Santa María Assunta, Ariccia (1662-1664): La encarga la familia Chigi, nos recuerda al
panteón, se compone de un cilindro con un pórtico y una cúpula rematada con una linterna
bastante grande. En el interior Bernini sitúa una serie de pilastras que sitúan nsq capillas. En
este caso Berni juega mucho con el tema de la luz.
Sant´Andrea al Quirinale (1658-1670): esta chiquita, pudo llevar su ideal estético y
arquitectónico, va a llevar a cabo la estación de una narración basado en composición narrativa
de las pinturas y esculturas, el frontón sale de forma convexa y a los lados tienen dos salas que
se meten hacia el interior, el frontón tiene formas escultóricas, la planta es ovalada, en el XVII
se desarrolla mucho la planta ovalada o combinado diferentes formas circulares, se combinan
capillas ovaladas con capillas cuadradas, en el interior hay una explosión de luz y color, esto
nos permite entender como desarrolla Bernini el Barroco tan diferente a como lo hace es
Borronini, en el altar hay un lienzo del Martirio de san Andrés, el frontón esta partido ya que
sobre él está la figura de San Andrés sobre una nube (en teoría es su alma), en las ventanas de
las cúpulas hay figuras de ángeles de pescadores (el que rescata las almas). La parte interna de
la linterna en donde esta la paloma del espíritu santo.
Antes de trabajar para el Louvre, había tenido contactos con la corte francesa. Alguien le llamo
para decorar el palacio de Louvre, en un principio el ala oriental había sido encargado a un
señor Louis Le vau, y al final se le encarga a Bernini, este hace el Busto de Luis XIV,
Bernini, primer proyecto barroco del Louvre, 1664: Combina cura contra curva, se flipo
bastante, el ático circular y se combina con esculturas, hace otro diseño en el que el centro es
más cóncavo, recurre a un orden rustico, tampoco les gusta, y hace otro en mucho más recto,
con partes salientes y entrantes, para darle claroscuro, la parte inferior da la sensación de rocas
de donde surge el palacio, este proyecto les gusto más, pero hubo movida con arquitectos
franceses ya que se picaron ya que el arquitecto era italiano y no francés, al principio se iba a
hacer el de Bernini pero al final se hizo otro, el gusto francés que es mucho más clasicista y va
frenando el gusto italiano. Proyecto baldaquino.
Luis XIV: Estatua ecuestre, es un boceto en arcilla, tampoco le gusto al rey, porque quería algo
más guerrero, entonces otro escultor utilizo esta escultura para hacer otra. Lo que hoy esta
expuesto es el boceto en arcilla.
TEMA 8: EL CLASICISMO A LA FRANCESA DURANTE EL SIGLO XVII
Luis XIII empieza a hacer una serie de formas para hacer un país más centralizado, esto lo
completara Luis XIV. Va a ser un momento de bonanza económica, debido a la mejora del
sistema político y de la administración. Se va a convertir en la potencia hegemónica, debido a la
victoria contra España, la batalla de los Pirineos. Esto va a fomentar que con Luis XIII se lleven
a cao una serie de construcciones que reflejen el poder de la monarquía, es un momento en el
que se piensa que el rey es elegido por Dios. También entra en juego una serie de personajes,
como el Cardenal Richelieu y el Cardenal ¿? que van a tratar de consolidar la situación del
monarca.
Los Hôtels eran una especie de palacetes urbanos, tipo de arquitectura que surge de los siglos
XIII-XIV, cuando se diseña un tipo de residencia opuesta al palacio real, la consolidación se
produce en el siglo XVI, se va a generalizar la palabra Hôtel, y se va a asociar a príncipes.
Francois Mansart, Hotel de la Vrillére (1635): Disposición bastante clásico, 3 alas parecidas que
se disponen entorno a un patio, sobrio, sencillo, clasicista, simétrico, la inclinación de los
tejados le da dinamismo, el arquitecto que lo hizo no estuvo en Italia, pero entendió lo que era el
clasicismo, era un estilo que se arraigó mucho en Francia, por eso rechazaban el gusto de
Bernini.
Una cuestión importante de Luis XIV, es que él tiene personajes d emucha importancia como
Colbert, pero es un rey que decide no tomar ministros, ya que quiere gobernar Francia él solo y
que todas las decisiones pasen por Paris, el reiando de este señor va a ser el periodo más
espectacular de todo Francia a nivel artístico.
Jean-Baptiste Colbert va a ser una especie de ministro de finanzas, va a sr un ingeniero del
estado (o algo así). Va a impulsar una política de autoabastecimiento, va a intentar reducir las
importaciones y aumentar las exportaciones, con este fin se van a crear algunas instituciones. Lo
van a nombra sobrentendientes de edificios públicos, por lo que todo edificio que se construye
pasa por este señor.
La Manufactura Real del mueble de la corona: Manufactura en donde se va a realizar todo lo
necesario para decorar y adecentar los Palacios Reales. Dentro de todo este engranaje artístico
va a estar el pintor Charles Le Brun (1619-1690), primer pintor del rey y director de todo este
engranaje cultural, fundador de las academias de arte, toma como ejemplo las academias de arte.
El barroco les atraía, ya que mostraba mucho la grandiosidad, pero no les acaba de convencer
por los contrastes de luz (excesivo para una sociedad tan racional), esto va a motivar el rechazo
de los proyectos de Bernini. Había 3 artistas que habían estado pensando una alternativa al del
Bernini, en 1667 Luis XIV hace una comisión con Louis le Vau (ya había trabajado en el
Louvre), Charles Le Brun (director de arte) y Claude Perrault (había hecho un tratado de
arquitectura traduciendo a Vitruvio). En mayo de 1667 presentan 3 proyectos alternativos y el
rey elige uno, se construye entre 1667-1670. No está muy claro quien se encargó del diseño,
alguno piensa que fue Le Vau, otros Perrault (debido a que había una columnata romana que no
se había realizado hasta ese momento en Francia). No es por completo Renacentista, debido hay
detalles como la monumentalidad y el efecto de claro oscuro que realiza las columnas, que nos
recuerdan al Barroco. Por lo que se trata de un Barroco Frances. También se decora por dentro.
La Galería de Apolo, se conocía antes como la Galería Pequeña, pero sufrió un incendio y la
tuvieron que reconstruir y redecorar, la decoran siguiendo la moda de la época, nos recuerda a la
sala de los espejos de Versalles, la intención de esta decoración es glorificar al Luis XIV, el rey
sol, por eso se utiliza el mito del Dios Apolo, dios del sol y de las artes, el rey se quiere
asemejar con este dios. La galería quedo incompleta y se finalizó en el siglo XIX.
Versalles:
El palacio no lo construye Luis XIV, sino que lo construye Luis XIII, un pequeño pabellón de
caza. Luis XIV cuando ya está en el trono, ordena a Le Vau que amplie el palacio, le va a
encargar que amplie la fachada y las alas, entorno a los años 1660-1664 decide modificar
sutilmente la distribución, recubre lo que había antes.
El palacio que construye Le Vau es un bloque grande de 25 crujías, no presenta ninguna
complejidad, valores claros, basamento rustico, mucho equilibrio ente los diferentes bloques
que los compone. La parte central se retraía hacia atrás, esto después se perderá ya que ahí se
colocará el salón de los espejos. Aplica un lenguaje clasicista a gran escala. No tenemos
imágenes del interior ya que se ha modificado mucho. Lo que mejor se conserva son los
departamentos del rey como los de la reina. Otra parte que no se conserva es la escalera de los
embajadores, la hizo Le Brun en 1671, efecto grandilocuente. Decorada con pinturas en la parte
de arriba, recurre al trampantojo, y a los mármoles.
Cuando Luis XIV va a Versalles lleva a muchísima gente, cuando tiene que hacer recepciones
de gente importante les recibe en Versalles, quiere un palacio para impresionar.
Los jardines: Diseño de Le Notre. Aprovecha el desnivel del terreno, jardín con líneas rectas,
naturaleza muy controlada, diseños artificiales, jardín francés.
Más adelante va a llegar otro arquitecto, Jules … Masat ¿? Va a cerrar la terraza y va a
incorporar otras dos salas. Lo que hace es cargarse el efecto que había conseguido Le Vau, ya
no están tan compensados los volúmenes. La galería de los espejos es de los espacios más
paradigmáticos. Luis XVI, al ser el rey sol, realiza la sala de los espejos por el efecto que causa
la luz en estos.
A lo largo de las decoraciones tenemos el salón de la paz y el salón de la guerra