Este trabajo de investigación explora la escritura y la investigación del teatro musical

desde su concepción en la década de 1960. Explorará qué es o no es el teatro musical y

me servirá como un recurso al que recurrir mientras escribo mi propio portafolio de

teatro musical. Buscaré diferentes prácticas y practicantes como Kagel y Cage, así como

practicantes más contemporáneos y grupos de teatro musical.

Hay varias formas de estilizar el teatro musical: Música-Teatro, Música-Teatro,

Música/Teatro y Música-Teatro. Aunque no hay una forma correcta o incorrecta de

escribir esto, creo que no se debe dar mayor prioridad ni a la música ni al teatro. A lo

largo de este artículo utilizaré el teatro musical, con la excepción del comienzo de una

oración en la que utilizaré: "Teatro musical".

Teatro musical: una historia, una definición

'Teatro musical' como término, surgió en la década de 1960. Fue creado como una

respuesta a la ópera, requiriendo un medio, que es de menor escala y no tan audazmente

dramático como la ópera. El teatro musical se desarrolló casi al mismo tiempo que

surgían los musicales de rock de Estados Unidos. La mayoría de las personas a menudo

confunden el Teatro Musical con el Teatro Musical, a menudo apodado "musicales".

Los musicales anteriores a esta época tendían a ser más parecidos a la ópera, utilizando

grandes orquestas y mezclando música popular con estilos más operísticos. Estos

incluyeron espectáculos como A Gaiety Girl (1893), uno de los primeros musicales de

"éxito". Si bien el teatro musical continúa siendo la forma más popular de

entretenimiento teatral, el teatro musical intenta alejarse de seguir la cultura popular y

busca más ser un medio de "arte elevado", que es mucho más desafiante y experimental

que el teatro musical. Personalmente, no estoy de acuerdo con la guerra de clases dentro

del arte y me niego a creer que el teatro musical y la ópera a veces se clasifican así.

También creo que no es prudente intentar una comparación entre la música y el teatro
musical, ya que son dos formas de arte diferentes y deben respetarse como tales. Sin

embargo, me voy a concentrar en lo que creo que el teatro musical puede o no puede

acomodar.

El teatro musical tiene varios significados ambiguos, sin embargo, trabajando a partir de

varias fuentes, he tratado de componer una descripción sólida del arte. En esta etapa de

mi proyecto general, creo que es importante tener un buen y profundo conocimiento del

teatro musical antes de que pueda comenzar a escribir mi carpeta. De esta manera,

puedo aprender de teorías y partituras escritas por profesionales en este campo.

Algunos artistas creen que el teatro musical se puede usar como un término general para

describir cualquier teatro impulsado por la música, como la ópera, los musicales, el

ballet, el cabaret y algo de música contemporánea. Aunque considero que esto es cierto

hasta cierto punto, creo que un mejor término para esto sería “música de teatro”. Creo

que el teatro musical es una forma de arte completamente separada, un poco más

distante de estas formas ya bien establecidas. A partir de mis lecturas, me gusta creer

que el teatro musical no es una forma estilísticamente fija de teatro, sino como escribe el

Dr. Zachar Laskewicz: "la aplicación del pensamiento musical a los elementos del

teatro". […] El teatro musical no tiene necesariamente una trama continua para que la

representación escénica sea convincente, ya que la integridad musical puede

transmitirse con el residuo de una trama” (Laskewicz, nd). El teatro musical utiliza no

solo la música y el "teatro", sino que se basa en una serie de medios que incluyen

películas, radio y otros efectos audiovisuales. Es teatro impulsado por la música y no

tiene que incluir música, sino “respirar una energía musical” que proviene de los

movimientos y la profesión de los músicos como intérpretes. (Hübner, 2010: 73) Al

describir una obra de teatro musical, los aspectos de producción ocupan un lugar

destacado en la lista: el teatro musical tiende a ser

obra teatral de pequeña escala. (Teatro musical, 2006) y “Gran parte del teatro musical

se crea para conjuntos muy específicos, a menudo idiosincrásicos. [...] la música que

resulta se escribe con frecuencia para instrumentación o combinaciones inusuales. Esto

suele ser una barrera para las reposiciones o las segundas representaciones.’ (Devlin,

1992: 41)

“El teatro musical es una respuesta a la ópera, es de menor escala y altamente

experimental”.

Artistas de Interpretación y/o Músicos

A menudo hay una confusión o un problema de sinónimos con el título de trabajo

correcto que se le da a alguien que actúa en el teatro, especialmente cuando se es

músico. Cuando se mira el teatro musical, especialmente, hay una línea muy fina (y a

veces ninguna) entre el actor y el músico, o "intérprete". Este tema interesante surgió

muy temprano en mi investigación, cuando leí un artículo de Falk Hübner. La ponencia

de Hübner hablaba del músico en el teatro musical contemporáneo y de cómo sus roles

se han ido ampliando a lo largo del siglo XX hasta la actualidad. El documento

explicaba cómo un músico se convierte en un artista de performance simplemente

porque se le da o se le quita la responsabilidad. Un ejemplo dado fue que si le das a un

músico un movimiento o una coreografía, ya no es solo un músico, de manera similar, si

le quitas el instrumento, sigue siendo un músico pero ahora debe actuar como artista de

interpretación; esto no lo podría hacer alguien que no sea músico, ya que no habrá

tenido la capacitación necesaria para tocar de manera convincente. (Hübner, 2010)

Thespian Play (2009) de Hübner emula esto. El artista está en el centro del escenario

con un micrófono y está de pie como si estuviera sosteniendo un saxofón. El ejecutante

realiza una grabación de la pista observando la coreografía y el movimiento, la

respiración y las técnicas de ejecución requeridas como si estuviera tocando un saxofón

real. La pieza es fascinante de ver y después de un tiempo se vuelve creíble, el público

ve al intérprete en cada detalle, cada respiración y cada pequeño movimiento. A raíz de

este artículo, decidí continuar en esta línea de investigación. Encontré un libro editado

por Jack Burnoff, que discutía la diferencia entre la música tocada en vivo y la música

grabada y reproducida.

“Para entender […] la música en toda su plenitud, para ver el gesto, el movimiento de

las distintas partes del cuerpo que la produce. El hecho de que toda música que se crea o

se compone requiere además un medio de exteriorización para ser percibida por el

oyente.’ (Burnoff, ed., 1968: 22-23)

Se percibe que la música suena diferente si vemos que se produce el sonido,

generalmente hasta el timbre, la acústica, así como el movimiento visual del arco de las

cuerdas y los movimientos de los percusionistas, creando una interpretación a partir de

la creación musical. 'El sonido que escuchas no es lo mismo que el sonido que uno ve

que se produce' (Butor, Burnoff, ed.: 107) Nuevamente enlazando con el artículo

anterior Entering the Stage (Hübner, 2010), que estos músicos se convierten en actores

de teatro cuando se les coloca en el contexto de una obra de teatro musical. ‘Muchas de

ellas [obras de teatro musical] incorporan al músico intérprete en la acción escénica’

(Butor, Burnoff, ed., nd: 37)

[T]o escuchar música es ver si se ejecuta, en el escenario, con todos los adornos.

Escucho los discos con pleno conocimiento de que lo que escucho es algo que nunca

existió, que nunca podría existir, como una “actuación”, algo que sucede en un único

tiempo y espacio; sin embargo, ahora está sucediendo, en un solo tiempo y espacio: es

así una actuación y la escucho como tal [e] imagino a los intérpretes actuando [...].

(Firth, 1996: 211)

Otros ejemplos de actores/músicos incluyen Kagel's Sonant (1960), que transforma la

interpretación de instrumentos musicales en acción teatral y Sur Scene (1960), que

presenta una interpretación musical dentro de un contexto casi teatral (Heile, 2006: 35).

Las obras de teatro musical contemporáneo como Once (2011) borran por completo las

líneas entre el músico y el actor al crear roles hablados y nombrados en el libro que

permiten al músico entrar y salir del acompañamiento de los vocalistas y ayudar a

desarrollar la historia. Esta idea está muy encaminada en el desarrollo de la ópera y el

musical donde todos los roles están separados. Los actores hablarían el texto y el coro

griego o el conjunto/coro cantarían las canciones en desarrollo, la orquesta

permanecería segura en el foso de la orquesta y los bailarines entrarían y realizarían un

ballet entre arias. Los practicantes que experimentan con el teatro están ayudando a

cambiar estas ideas y fusionar las líneas entre cantante, bailarín, músico y actor, creando

el Artista de Performance.

Relevancia en lo cotidiano

Nos demos cuenta o no, el teatro musical tiene cierto impacto en nuestra vida cotidiana,

particularmente en la escuela. A nosotros, como niños, se nos dan instrumentos y una

trama o cuento y se nos dice que inventemos una "obra" para mostrársela a nuestros

compañeros de clase. De niños, tenemos menos miedo de experimentar con estos

instrumentos y ver qué sonidos podemos hacer, especialmente si no hemos tenido un

entrenamiento formal. Como adultos, particularmente los músicos, tendemos a

volvernos menos experimentales. Una vez que hemos tenido nuestro entrenamiento

formal, sabemos la forma correcta de sostener o tocar nuestros instrumentos y una nota

incorrecta es, bueno, simplemente no está permitida y hay algo interesante para observe

las reacciones de los jugadores cuando tocan una nota incorrecta. Tenemos una rabieta y

lo intentamos de nuevo normalmente más lento, asegurándonos de no volver a cometer

el mismo error. Este pseudoteatro musical se replica en salas de práctica musical de

todo el mundo. Pero, ¿qué relevancia real tiene el teatro musical en nuestra vida

cotidiana? Bueno, depende del contexto y de cómo veamos el arte. Para alguien

interesado en el teatro musical, podría ir a ver una pieza cada semana, si vive en un área

donde se puede acceder fácilmente al teatro musical contemporáneo. Me impuse la tarea

de mirar a mi alrededor y buscar deliberadamente el teatro musical y tratar de responder

a esta pregunta; Encontré tres ejemplos principales de contextos en los que vemos teatro

musical en el día a día:

1. Teatro: En el propio teatro, exploramos nuevas obras, o somos arrastrados por

nuestros amigos.

o familia.

2. Publicidad: usar lo contemporáneo para vender, ya que parece emocionante y nuevo,

obvio

los ejemplos incluyen la venta de automóviles o perfumes.

3. Artes de calle: artistas callejeros, músicos, magos.

Estamos constantemente sujetos al término, que se usa incorrectamente en la mayoría de

los casos, donde las personas quieren decir teatro musical como un término general,

como se discutió anteriormente, como para incluir obras teatrales que se sientan entre la

música y la ópera casi "óperas musicales", un término que puedo haber acuñado

mientras escribía mi propio musicales, y uno que prefiero para obras como 'Les

Misérables' o 'The Phantom of the Opera', música obras de teatro (en el sentido general

denominado de la frase) que cierran la brecha entre un público musical y una ópera.

Varias compañías de teatro interesantes están actualmente manteniendo la música

teatro vivo en todo el mundo; uno en particular es Punchdrunk. Punchdrunk actualmente

está ejecutando un sonido y música inmersivos. obra de teatro en el National Theatre de

Londres. La pieza fue inspirada por Woyzeck de Buchner; este viaje teatral sigue a sus

protagonistas por el precipicio entre la ilusión y la realidad’ (Current Shows, 2013).

Punchdrunk, desde 2002, como compañía hemos estado trabajando en un forma

cambiante de teatro inmersivo donde el público puede deambular libremente por la

"pieza" permitiendo que se cree un nuevo mundo sin el límite de un arco de proscenio o

asientos. Sus piezas desdibujan las líneas entre el espacio, el intérprete y espectador que

permite al público redescubrir su "emoción infantil y anticipación de explorar el

desconocido y experimentar un verdadero sentido de la aventura’ (Company, 2013). La

música utilizada es en gran medida una paisaje sonoro constante a medida que la

audiencia se mueve entre los pisos. Los artistas pueden estallar repentinamente en un

baile cuando se toca música y así sucesivamente. Otra compañía Kneehigh [Teatro] con

sede en Cornwall comenzó a trabajar en 1980 con Mike Shepherd a la cabeza. Su

trabajo a menudo se puede describir como el teatro musical, ya que a menudo es de

pequeña escala y está impulsado por la música. La música de Kneehigh a menudo es

programática y cuenta una historia sin letra pero que sigue apoyando la acción en el

escenario. Gira a la rodilla por todo el mundo exponiendo teatro musical a miles de

personas. Al ser una compañía de teatro experimental, Kneehigh a veces se desdibuja

las líneas entre escribir en un estilo experimental y escribir en un estilo de teatro

musical. (Verde, 2012: 4)

Kneehigh como Goat Island son un grupo de actuación y rara vez se refieren a su

trabajo como "teatro musical" a pesar de todas las señales indicadoras que apuntan hacia

la forma de arte. Es interesante que este término sea tan ampliamente ignorado,

principalmente por la confusión con el teatro musical. Goat Island es una empresa

estadounidense.
Usan texto, pero no para contar una narración o historia teatral estándar; y utilizan el

movimiento, aunque no lo que los legos pueden llamar 'danza'. Combinan esos textos y

movimientos y crean algo más allá esos componentes individuales de texto y

movimiento, y la mejor palabra que tenemos para eso es 'rendimiento'.

(Isla Goat, nd.)

Explorando la música contemporánea

Una parte importante del teatro musical es, por supuesto, la música. Esta es el área que

más me interesa y no solo en teatro musical, sino todo tipo de música de teatro que

apoye lo que está sucediendo en el escenario o en el "espacio". En este apartado voy a

hablar de la música experimental, contemporánea en general pero centrándome en la

música de teatro. En teoría, la música del teatro musical no puede sostenerse por sí sola

sin el apoyo escenografía, vestuario y movimiento muy parecido al ballet. La música de

musicales y óperas a menudo se destaca solo sin lo mencionado anteriormente y con el

fin de comercializar mejor un programa, se lanzará una grabación del elencoya sea antes

de la apertura o durante el primer mes de preestrenos, especialmente si la pieza es una

obra nueva. Allá siempre son excepciones a esto, London Road (2011), una obra de

teatro musical textual producida originalmente enLondon, lanzó una grabación del

elenco que captó la atención de la comunidad teatral como la obra,

aunque era muy experimental, era muy fácil de escuchar y se sentía casi como un

musical con una historia fuerte y música fácil de escuchar. Como las piezas de teatro

musical tienden a ser bastante cortas, un álbum de reparto a veces costaría producir más

de lo que el productor realmente vendería. Dejando a un lado las grabaciones del elenco,

etc. Las obras de teatro musical contemporáneo se esfuerzan actualmente por ser "los

últimos" y los espectáculos más emocionantes para llegar.

Teatros del West End o Broadway. Etc.

Spring Awakening, un musical de Duncan Sheik, arrasó en Broadway en 2006. El

musical ambientado en

Alemania provincial mezcla dramáticamente los conceptos de música y teatro musical.

Al ofrecer una muy

pequeño valor de producción con una puesta en escena y vestuario mínimos, la pieza se

sintió como una obra de teatro musical hasta que

escuchaste la música. Con una orquestación de rock los actores sacan micrófonos de sus

disfraces y cantar como para mostrarle a la audiencia lo que es sucediendo en sus

cabezas. Sin embargo, la cosa sobre Spring Awakening que me fascina como

un músico son las orquestaciones, las cuerdas en particular. Esta escritura experimental

se adapta a la perfectamente musical al ofrecer un ritmo de rock sobre una cadena

exuberante y muy detallada escribiendo. El final del musical - 'Esos

You've Known' demuestra esto perfectamente. El mecerse en la viola y el violonchelo

emana el de un madre meciendo a un bebé, la batería se inclina hacia la idea de fuerza

respaldando la letra y casi reforzando la historia, como una pseudo-repetición, la

canción aquí refuerza los objetivos del personaje y su voluntad para prevalecer contra

todos los retrocesos en la vida.