RECOPILACIONES Y DATOS DIVERSOS PARA EL TROMBÓN: MI

INSTRUMENTO.
Siempre me pregunté si había algo "peculiar", sobre la embocadura de
Bill Watrous y qué hacer para obtener la fluidez y flexibilidad en
el rango alto basado en los estilos de tocar. Obviamente, incontables
horas y años de práctica y el desempeño de trabajo , quería que el
sonido y el estilo, sean factores predominantes. Me preguntaba si
conscientemente hacer ajustes de embocadura determina apoyar ese
estilo.

¿Alguien por ahí tiene una pista? ¿Alguien ha oído hablar del popular Watrous o de
trombonistas similares a él en las clases magistrales o lo que sea?
Respuesta.
Bill Watrous tiene una ubicación muy alta. Él toca de esa manera, ya que
funciona mejor para él. Nuestro propio Dave Wilken es el polo opuesto. Todos
hacen ajustes de embocadura, pero yo no creo que ninguno de ellos esté
haciendo ajustes con su embocadura en apoyo de un determinado sonido.
Encontraron su sonido a través de sus oídos, no de sus labios.

La sesión de calentamiento

Joe, nos dio algunas de sus ideas para el calentamiento y el mantenimiento. También recibí un folleto de una
página de ejercicios. Yo no era capaz de tomar notas durante el calentamiento en sí, pero aquí algunos de los
recuerdos.

Respiración:
Joe nos mostró un ejercicio de respiración que consistía en tocar los dedos del pie y luego enderezarse y levantar
los brazos sobre la cabeza cuando se inhala.
Hizo una analogía interesante: el aire en el tocar es como echar gasolina en un embudo de los pulmones que tiene
esta amplia oferta de aire, pero no quiere verter más en el embudo (labios, boquilla) esto se puede manejar.

También comentó sobre la forma en que muchos trombonistas cometen el error de "martilleo" en su
calentamiento en lugar de trabajar hacia un sonido relajante, hermoso. No martillear.

El primer ejercicio fue un arpegio descendente zumbando en la boquilla que van desde SI bemol hacia abajo Al
pedal bemol. (Luego arpegios que hay que hacer en las demás tonalidades).
Un par de puntos acerca de esto: nos aconsejó recoger la primera nota. También quería que hiciéramos arpegios
de gliss,.

En el segundo ejercicio, tocó muy libremente el trombón, era básicamente una mezcla de notas sostenidas y con
legatos. El principal objetivo aquí es encontrar el centro del sonido.

El 6 º ejercicio, era hacer sonidos lentos de amplificación con intervalos de legato, habló de la importancia de la
precisión del sonido y la consistencia. A continuación hizo una observación interesante.
En una audición, sólo alrededor del 2% de los candidatos va tener una posibilidad de ser contratado. Una de las
razones principales para que muchos candidatos no sean dignos de consideración grave es la afinacion
defectuosa.
Otro recordatorio, a medida que avanzábamos: enseñaban a no tocar con fuerza o tensión. Entonces conseguirás
un tono relajado y hermoso.

Por cierto, muy poco de los ejercicios eran patrones de ligadura de labios.
Ejercicio # 10 se centró en glissandos de intervalos más amplios. Habló de la importancia de un sonido aun sin
favorecer a determinados registros.

Ejercicio # 13 constaba de dos octavas con lengua tocando arpegios (B-bemol a B-bemol para empezar), seguido
de una escala cromática descendente en legato. Joe, habló de la importancia de dominar la escala cromática a
partir de cualquier nota de la verdadera maestría en la técnica de varas. Los Ejercicios 16 y 17 también se
centraron en la escala cromática, tanto en tresillos y semicorcheas.

En muchos puntos de la clase magistral, se refirió a la importancia de respirar bien. Al describir un gran aliento es
como un suspiro. Le dio la analogía de perder algo y luego encontrarlo después de algunas búsquedas. Cuando
finalmente lo veo, puede exhalar un suspiro de alivio. Esto, dice, es el aliento perfecto.

También presentó una técnica diferente para respirar. Básicamente, se recomienda que mantenga el contacto con
la boquilla en el centro y respirar a través de las comisuras de la boca,"estirar" las esquinas un poco. Regresó a
esta idea un par de veces durante la clase magistral. Otra frase que usó fue, "conectarlo primero y luego respirar"

Hizo hincapié en que este era un concepto importante para aprender y que, una vez dominado, en realidad
debería contribuir a la coherencia y la precisión.

Durante la clase magistral, me escribió muy pocas notas que me gustaría compartir con ustedes. Echa un vistazo
a la siguiente para este blog.
Los artículos para Estudiantes de bronce

Calentamientos
Mike Herriott.

  Maurice André dijo una vez que tocar la trompeta es como construir un
castillo de arena en la playa, cada mañana, la marea ha arrastrado el
trabajo del día anterior y hay que empezar desde el principio otra vez. Por
esta razón, es importante asegurarse de que construir una base sólida sobre
la cual basare su trabajo diario. Esta idea puede aplicarse a todos los
instrumentos de metal.

Cada mañana pasan por este proceso de recordarme a mí mismo los fundamentos
de la producción de sonido. Hay cuatro etapas: la postura, la respiración,
zumbido, etc.

1. Postura
Yo no soy un médico experto, pero he hecho un poco de investigación en la
importancia de una buena postura. Parece que una buena postura no sólo es
buena para su salud a largo plazo, también tiene grandes beneficios para su
tocar. Me parece, que no basta con decirle a alguien que es importante
entender por qué una buena postura es beneficiosa.

Stand Tall
Antes de tomar mi boquilla, hago una serie de ejercicios relacionados con la
postura y la respiración. El primer paso en este proceso es de pie con los
pies separados y pensar que la corona de su cabeza está atada a una cuerda
que está suspendida desde el techo. Este primer paso hace que la cabeza y la
espalda ayuden a restablecer lo que muchos en el mundo de la salud llaman el
"arco de la vida" (la curvatura hacia dentro de la parte posterior del
cuello que reduce la tensión en los músculos de la espalda superior). Este
proceso también abre la garganta en busca de una mayor resonancia... que
usted podrá apreciar un poco más tarde.

 
En segundo lugar, (es muy importante que esto se haga correctamente!)
Deslice los omóplatos hacia el suelo - no hacia dentro, sino hacia abajo.
Esto hace que los hombros se mueven hacia abajo y hacia atrás. Además, se
elevará el esternón, se abre la cavidad torácica. También, usted notará que
el arco de su espalda baja (lumbar) se hace más pronunciada. Es la
combinación de estas curvas hacia el interior (lorditic) y la curva hacia
afuera (cifosis - torácica y sacra) que proporcionan alivio de la tensión a
su sistema óseo y los órganos internos. También, usted notará que una vez
que haya alcanzado una posición de buena postura, tomar una respiración
profunda es más fácil.

Ahora ya está listo para comenzar a trabajar en la respiración.

2. Respiración

El gran trombonista canadiense, Ian McDougall, ha dicho a cada uno de sus

estudiantes:

1. siempre tengan tanto aire como puedan, y

2. mantener el flujo de aire constante.

In-Out sin paradas!!

El primer ejercicio de respiración que hago implica trabajar sin problemas

en el ingreso y salida de aire, la respiración continua. Mantener los
músculos de la garganta relajados y abiertos (al igual que cuando bostezo),
inhale y exhale en un solo movimiento. Al igual que cuando se lanza una
pelota hacia arriba en el aire, que parece cambiar de dirección para volver
a bajar sin detener su movimiento. Practica la inspiración y expiración de
esta manera (el tempo debe ser una negra igual a 60 latidos por minuto;
inhalar más de un latido y exhalar durjante 3 a 5 latidos) hasta que
sientas que estás respirando en un movimiento fluido. (Recuerde: use el
mismo ritmo para no hiperventilar - contar hasta tres después de cada
exhalación antes de inhalar de nuevo). Una vez que sientas que lo estás
haciendo bien, seguir haciéndolo, pero ahora dejar vagar su mente en otras
cosas. Esto ayuda a interiorizar el concepto en su mente.

All the Way Out

Segundo paso: ahora con su exhalación, expulsar el aire hasta que no tenga
nada. Al hacer esto, realmente va a sentir que los músculos de la pared
abdominal van a trabajar. Este ejercicio pone directamente en contacto con
estos músculos de la respiración y es muy importante. Usted notará que su
instinto inmediato es utilizar estos músculos para respirar de nuevo.
Recuerde que para ver su postura del todo, cuide que su pecho no se vaya a
cerrar durante este ejercicio.

En un artículo anterior puedo describir los detalles de la respiración y la

embocadura.

Como Yer a punto de estallar!

En tercer lugar: tomar tanto aire como puedas (inhalar más de 3 golpes al
mismo ritmo que antes, exhala más de 5 a 6 tiempos - esto aumentará un poco
con la repetición). Si bien el mantenimiento de todos los conceptos que ya
hemos abordado, de empezar a tomar en grandes respiraciones. Enfoque en
llenar los huesos de la cadera a los huesos del cuello, igual que llenar
un saco de arena. Después de unas cinco respiraciones, debe sentir que sus
pulmones están realmente estirados con cada inhalación. El hacer este
ejercicio en forma regular ayuda a aumentar su capacidad pulmonar. Una vez
más, permitir que esta sensación de interiorizar al permitir que sus
pensamientos se desvíen una vez que haya recibido el don de la misma.

3. Zumbidos
HEY!
Tocar su boquilla igual que la reina toma su taza de té (ligeramente entre
los dedos índice y pulgar) en la base del tallo, colóquelo en su embocadura
y de una nota de gama media. Me parece, para trompeta, Fa 4 es una buena
nota a usar. Al hacer el sonido, es importante encontrar el equilibrio
entre la resistencia generada por la apertura de los labios y la compresión
de su fuente de aire. Aquí es donde encontramos el verdadero centro del
tocar.

Recuerde que debe comenzar la nota sin el uso de la lengua.

Practicar susurrando la palabra "Hey" y sentir lo que sucede con los
músculos de la respiración (poner la mano en la pared abdominal), cuando lo
haga. Ahora hagan lo mismo con estos músculos para iniciar la nota. Usted
notará que la nota se inicia de inmediato - es importante que el aire esté
allí para el comienzo de la nota y no arrastrar en la mitad. Se centran
ahora en la nota constante durante al menos 10 a 15 segundos (la
estabilidad se logra mediante el equilibrio de la compresión y la
resistencia, al igual que estar de pie en un túnel de viento y tratando de
no caer). Repita hasta que esté satisfecho con los resultados y luego
continuar unas cuantas veces más al mismo tiempo a su mente derívela en
otras cosas (hmmm. ¿Qué debo tener para cenar esta noche? Oye, mira a esa
ardilla subir a mi coche,... bueno, usted tiene la idea). Una vez más, al
hacer esto usted está dejando el concepto de instalarse en su subconsciente
por lo que se convierte en una segunda naturaleza, mientras estás tocando.
Además, con cada repetición, escuchar el sonido que resuena en el cráneo.
Yo trato de obtener esta resonancia tan grande como sea posible durante la
boquilla en el calentamiento. Esto ayuda a reforzar el concepto de que el
sonido no proviene sólo de los labios, sino de todo el cuerpo.

4. La sirena
Todavía sin instrumento... todavía sin lengua... sólo la boquilla. Una vez
más, a partir de la misma nota, glissando arriba y abajo muy despacio y
uniforme. Al principio, por lo general va a subir y bajar aproximadamente
una quinta y luego aumentar el intervalo en progreso. Es importante
suavizar las interrupciones del glissando. Trate de hacer que suene igual
que una sirena de ataque aéreo. Si usted tiene suficiente aire, se puede
subir y bajar dos veces en un aliento, pero es más importante hacerlo sin
problemas. Además, recuerde no usar la lengua para comenzar la nota. Este
ejercicio debe realizarse hasta que sea internalizado, como antes.

5. Al presentar el Instrumento de África

Ahora, finalmente, está listo para el resto de su instrumento. En este
punto, comienzo con la recta en Vicente flujo Chicowicz.

Estudio # 1. El primer par de líneas se toman en una negra igual a 50

latidos por minuto, a continuación, el ritmo se incrementa ligeramente a
medida que avanza, para adaptarse a las líneas más largas. Este ejercicio
normalmente se lleva a cabo hasta el 're' agudo utilizando el mismo patrón
de la escala básica.
De: Carlberg Jones

Los Calentamientos han sido de creciente interés para mí, durante estos
años.
He recogido varias rutinas de calentamiento.
La mayoría de estas rutinas parecen necesitar demasiado tiempo para
completarse. Yo diría que es mejor comenzar fácilmente y ampliar
gradualmente los parámetros:
La Articulación, La dinámica.

Me imagino que hay dos factores a considerar: el nivel del tocador y la

Cantidad de Tiempo disponible.

¿Qué puede ser bueno para un principiante con sólo un minuto o dos?

O para un músico de escuela superior que conoce la importancia de los

calentamientos, pero tiene solamente diez Minutos para hacerlas?

Un profesional con una apretada agenda, pero que no Tiene tiempo para
calentar?

Lo que tengo curiosidad es saber que es esencial para cubrir La cantidad

mínima de tiempo.
En mi papel de vez en cuando como auto designado portavoz del Drover Adrian
trombón rutina para calentamiento, Estoy de acuerdo en que la mayoría de
estas rutinas toman mucho tiempo.
Está muy bien tener un profundo océano de rutina de calentamiento y

tiempo para practicar, pero ¿cuántos de nosotros los tocadores, están en

nivel semiprofesional, amateur?

El principio del sistema de Adrián es muy conciso y global. Ello

sigue las directrices de Carl bastante bien.

Etapa 1: Dos o tres SI BEMOL (segunda línea de la clave de Fa), seguido

por el labio a Fa y Fa hacia abajo para añadir una nota arriba y abajo
hasta que el Ligado sube a Fa (al espacio por encima de la segunda línea en
clave de bajo) y hasta el pedal Fa.

Etapa 2: A partir del Fa (cuarta línea de la clave de Fa) con arpegios de

Fa trabajo hasta la posición más baja (esto es quintas con ambas válvulas o
sexta de largo sin una sola válvula).

Etapa 3: Repetir el proceso desde la sétima posición hacia arriba en el

instrumento abierto.

Las Etapas 4 y 5 son opcionales y ayudan a ampliar la gama alta. Esto ha

mejorado en mi amplia y considerablemente, ahora puedo tocar hasta un
altísimo Fa tal como lo utilizo para el tenor.

Etapa6: es una vuelta a la calma de la rutina hasta el doble pedal SI

BEMOL, lo cual ayuda a tocar nada más hasta el concierto o ensayo. Esta
vuelta a la calma es también útil al final del concierto o ensayo.
El punto de todo esto es que se tarda de unos 10 minutos como máximo, y es
ideal para un golpe rápido antes de ir a un concierto o ensayo. Es
Interesante la última vez que hablé con Adrián al respecto, es exactamente
cómo se utiliza en sí mismo.
He tratado de usarlo para el calentamiento en el tenor (y alto), con ligera
adaptación y funciona bastante bien allí también.

Muchos tocadores de bronce con los que me encuentro aún piensan que es el
calentamiento de los instrumentos y no de sus costillas. Así que no
caliente lo suficiente los labios a la mitad de un ensayo. Denis Wick, una
vez me sugirió que el calentamiento debe ser cinco minutos para cada hora
que voy a estar tocando y, si usted piensa que podría estar tocando durante
unas 2 horas a 3 de ensayo, me parece que se trata de ser directo.
¡Salud!!

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"Fundamentos de Ben" para el trombón bajo y tenor + F attachment por

Ben van Dijk

Lleno de grandes ejercicios y un montón de consejos útiles. Mi tocada

ha mejorado mucho desde que empecé a utilizar este libro. Disponible
a partir del Warwick Music o en el website propio de Ben.

"Los ejercicios de calentamiento para trombón" de Emory Remington

Nota: Ambos libros están en clave de Fa.

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Recomiendo encarecidamente el libro Remmington. Aconsejo a

conseguirlo el profesor en la Universidad hace 10 años. Es realmente
bueno para los tocadores de tenor, pero los tocadores de trombón bajo
puede adaptarlo a su gusto.

Además, he estado usando algunos Suites para violonchelo de Bach

fuera de sitio web de Douglas Yeo's - particularmente buena para la
flexibilidad del labio y la respiración.

Espero que esto ayude. Charmian.

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Algunas sugerencias muy buenas hasta ahora. Los estudios de Remington

son "clásicos”" de ejemplo, pero usted trate de conseguir la versión
editada por Donald Hunsberger, que incluye notas y transcripciones de
conversaciones con el Sr. Remington dando ideas sobre cómo poner en
práctica los diversos ejercicios.

"¿Cómo Trombonistas Do It" está escrito por Peter Gane y Eric Crees.
Muy útil, como es Peter Gane el "Circuit Training".

Mi favorito es "Rutinas Diarias", por David Vining. Se trata de un

conjunto de ejercicios diarios que sistemáticamente pasa por todos
los diversos aspectos técnicos, cada uno con un enfoque ligeramente
diferente. Por ejemplo, cada rutina de ejercicios cubre tonos largos,
lentos y la flexibilidad del labio rápido, cambio dinámico y
extremos, registro y altos y bajos, etc. Articulaciones. Hay varias
rutinas diferentes en el libro que tiene mucha variedad. Cada rutina
dura unos 45 minutos y luego puede extenderse en este o moverse a
otras cosas como el tiempo lo permita.

También me eche un vistazo al libro de Howard Snell de trompeta.

Aunque dirigido principalmente a la trompeta la gran mayoría de la
información es muy útil para todos los tocadores de bronce, en
particular (para usted) la información sobre las sesiones de
práctica.

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Eupher630.06.2006, 14:15
Nadie menciona el libro de Arban para trombón (o trompeta). Tomado en
fragmentos, es repleto de ejercicios que trabajan todos los aspectos
del tocar.

El Joannes melodioso Rochut Estudios para trombón ayudará con el

fraseo y control de la respiración, por no hablar de la entonación.

Yo siempre, siempre, siempre lo práctico con un metrónomo.

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Zumbidos
Algunos métodos pueden ayudar a resolver más problemas de manera más
eficiente que el zumbido (* * si lo haces correctamente). La boquilla es
menos indulgente que el trombón. Se muestran los hábitos más rápido cuando
estas tocando mal. Si usted puede zumbar un pasaje, tocarás mejor.
Es especialmente importante dedicar algún tiempo al principio de su zumbido
diario en su rutina de calentamiento.
(Vea algunos de los ejercicios de flujo en mi rutina diaria de base.
Implican un buen zumbido y tocar.)
(Aquí hay un enlace directo a algunas melodías simples que son buenas para
los zumbidos)

¿QUÉ ES UN BUEN BUZZ?

Escuche cuidadosamente en su boquilla el zumbido. Éstos son algunos de las

características de un buen Buzz:

Para lograr la plena resonancia, el zumbido debe tener un poco de aspereza

en los bordes del sonido. Yo llamo a esto el sonido del "diamante en bruto".

Con un zumbido bueno, usted se sentirá como si el aire estuviera saliendo

bastante rápido sin ser forzado. Piense en "colapso" como un globo grande
zumbido.
Un zumbido bueno tiene un centro claro para el sonido.
Un zumbido bueno comienza con un sonido completo de inmediato. No se
infiltran en él, o "flor" de un sonido pleno en el tiempo.
Un zumbido de buena calidad se escuchará la nota en el oído de su "mente"
antes de empezar.

¿Qué vibrar?

En lugar de patrones de estancamiento, Vibrar melodías simples líricas.

Esforzarse tanto para la exactitud de tono y fraseo musical como zumbido. Es
posible que desee comenzar con melodías de legato en Gliss nota a nota, sin
articulaciones. Después de unas cuantas melodías en legato, asegúrese de
incluir algunas melodías articuladas.

Haga clic aquí para ver una pequeña colección de 12 canciones simples que
usted puede descargar.

Pruebe esto: Zumbidos con el piano.

A medida que vibres melodías simples (o incluso arpegios lentos), intente
reproducir raíces de acorde con su mano izquierda en el piano (que, con
suerte, está en sintonía). Escuche cuidadosamente y emparejar el tono del
piano. Piense en la "mezcla" de su sonido en el piano. Aprenda progresiones
de acordes a las melodías simples, tales como "Noche de Paz" y el tocar
raíces de acorde con su melodía. Escuchar!

Pruebe esto: Bueno

A medida que vibre, intente descansar su mano ligeramente a lo largo de su
hueso de la mandíbula. Cuando se zumba así, debe sentir algo de vibración en
su mandíbula. En términos generales, más vibraciones, es mejor. Mientras que
su mano está ahí, para comprobar la tensión muscular excesiva. Mantenga las
cosas relajadas. También puede intentar sentir la vibración en el pecho.
Pruebe esto: la precisión Pitch
Como experimento, prueba zumbar de un F central de la boquilla. A medida que
continúe el Buzz de esta nota, lentamente y con cuidado inserta la boquilla
en su trombón. Escuche a su tono ahora, intente el zumbido de un Fa
sostenido y otra vez insertar la boquilla en el trombón. Puesto que usted
está en primera posición, el instrumento "fuerza" su paso hasta un Fa
sostenido. Escuche el tono. Pregúntese: ¿con qué frecuencia su intento de
embocadura al zumbar en tono equivocado sólo para ser corregido por el
trombón? ¡Cuánto mejor su tono puede ser si usted constantemente e
instintivamente hace zumbido de rotación correcta?

Creatividad
Pregunte a la gente de términos para describir la práctica efectiva y
probablemente vendrá a través de términos tales como: "paciente",
"metódica", "intensivo", y quizás incluso "aburrido". A menos que
estés hablando con un músico de jazz, no es probable que venir a
través del término "creatividad".
Yo creo que la creatividad es un componente de vital importancia en
la práctica con éxito. En primer lugar, es importante simplemente
como una forma de pensar. No quiero que mis estudiantes que, en
efecto, poner la cabeza hacia abajo y lingote él hacia fuera con la
música. Si usted está teniendo dificultad con un paso, poco se puede
ganar al golpear una y otra. Es necesario aplicar algunas ideas
creativas.

Comenzar a pensar de forma creativa

La cita siguiente de ejemplo ayudar a demostrar el concepto de la

práctica creativa:

"Bueno, vamos a ver. Antes de que yo pueda esperar obtener las notas,
tengo que ser claro en mis posiciones de varas. Entonces, ¿por qué no
tratar de darle a mis labios un descanso y de trabajo sólo el patrón
de varas de las posiciones, mientras que sopla en silencio a través
de la boquilla ".
"Creo que es posible que falte ese paso elevado porque no está claro
en mi oído. ¿Por qué no tratar de tocar abajo una octava. Tal vez
pueda tocar con el piano, cantar o zumbido en mi boquilla. "
"Siempre se queda bloqueado en este ritmo. Tal vez si me marca en los
golpes o momentáneamente sacar los lazos que tendrá más sentido".
"Siempre que se pierda insulto verbal a la alta Let G. 's ver, por lo
general se pierda por encima de la nota, ¿por qué no puedo probar que
falta por encima de la nota a propósito. Tal vez, si puedo controlar
de esta manera, el intervalo correcto será más clara "
"Me pregunto si puedo inventar un ejercicio que me ayude con esa
lamer. Tal vez debería diseñar algo que empieza más fácil y poco a
poco se vuelve más difícil".
"Nunca me sale esta frase a tener sentido. Tal vez podría poner
palabras a ella para obtener el derecho de inflexión".
"Tal vez debería pasar un momento de decidir cómo quiero al grupo de
estas notas, así que podrá marcar en la respiración que tengan
sentido".
Observe cómo a menudo estas citas contiene frases tales como "¿Por
qué no probar .." y "Vamos a ver ..." ¿Qué pasa si he intentado ...
"Pensar con frases como éstas ayudan a fomentar una mentalidad de
solución creativa de problemas.
Pensar de esta manera hará que su tiempo de práctica más productiva y
agradable que si te dejas caer en expresiones como: "Yo voy a
conseguir este estúpido #&%!* lamer si me tengo que quedar aquí toda
la noche y se golpea en la sumisión! " "¿Qué me pasa? ¿Por qué no
puedo tocar a esta cosa estúpida?"

Entonación
Me gusta romper el tema de la entonación en dos categorías: lineal y
vertical.

Entonación lineal
I define la entonación lineal como el proceso de ajuste de una sola línea,
sin acompañamiento alguno. Esencialmente, se está comparando notas en la
línea de anteriores notas.

Vertical Entonación
I define la entonación verticales como el proceso de ajuste de sus notas en
el contexto de las otras notas sonando al mismo tiempo.

Entonación lineal

Muchas personas tienen ahora y el uso de los sintonizadores de electrónica

para trabajar en la entonación lineal. Esto está bien, pero recuerde ... Sus
oídos son el sintonizador!

Uso que afinador electrónico para "calibrar" sus oídos. En otras palabras:

Escuche primero, y luego mirar.

Pruebe esto: oídos en primer lugar, a continuación, sintonizador!

Después de sintonizar la boquilla, tocar dos notas de una quinta justa de
separación, tales como C y G. Con un sintonizador, coloque cuidadosamente el
C en sintonía. Ahora, pasar de la C a la G y confiar únicamente en los oídos
para comprobar si el G está en sintonía. Una vez que usted piensa que tengo,
mirada al sintonizador para comprobar usted mismo. Además, trate de esto con
otros intervalos.

Pruebe esto: Alineación de la "columna vertebral armónico"

  Tome un pequeño segmento de su música y buscar el tono de primaria /
intervalos de puro en la melodía (por ejemplo: grados de la escala 1, 4 y
5). I en algún momento se refieren a estos intervalos, como columna
vertebral de la "armónica" de la música. Alinear la espina dorsal, y los
intervalos de otros tienen una manera de caer en el lugar más fácilmente.
Toca a través de la música, poniendo calderones en los intervalos puros.
Utilizando la misma técnica descrita en la punta de arriba, ajustar
cuidadosamente cada uno de estos intervalos puro.
Una vez que haya pasado algún tiempo haciendo esto, el tocada directamente a
través de la música en el tiempo y ver si puede escuchar con atención su
entonación "sobre la marcha".

Ver también: "La verdad Box # 2: El afinador"

Vertical Entonación

Beats

Cuando dos tocadores están fuera de tono, se oye un "pulso" o "vibrante" de

sonido entre ellos. Estos pulsos son normalmente se conoce como "golpes".
Cuanto más alejadas de los dos tocadores son, más rápido los golpes.
Cuanto más se acerca a los dos tocadores, más lenta los golpes.

Pruebe esto: Experimentar latidos

Intenta tocar al unísono con otra persona. En cuanto a la otra persona se
mantiene constante, mueva lentamente la vara fuera de su nota. Escuche con
atención y se escucha los latidos más rápido según se mueve más lejos.

Pruebe esto: ¿Quién es tu compañero de tuning?

Se reúnen con regularidad para tocar junto con un amigo. Duetos Escuchar
fácil, escalas y arpegios lentos, o cajas de pinturas al unísono. Intente
tocar en las escalas de quintas paralelas o terceras partes. Trate de tener
a una persona mantener un "drone" nota (mientras se utiliza un sintonizador)
y el otro tiene un arpegio lento.
Sea creativo. Piense en esto como un "sistema de compañeros" para la
entonación. Hágalo varias veces a la semana si no diariamente.

Pruebe esto: Plunking en el piano

Si tiene lugar una piano desafinado está disponible, el tocada o el zumbido
junto con él. Incluso si un pianista experto no está disponible, puede ser
capaz de encontrar un amigo para rodar simplemente acordes mayores en el
piano (manteniendo pulsado el pedal) mientras arpegios lento en su
instrumento. Conforman una simple melodía armonía con acompañamiento de
piano. Para los teclistas más avanzados, aprender los cambios de acorde a
las canciones de gente sencilla y, a continuación se turnan para que
acompañe a cada otro.

Hay unos pocos productos comerciales que pueden ser de gran ayuda en la
práctica de la entonación vertical. Algunos de tocada a lo largo de la
Aebersold Jamie CD de jazz pueden ser utilizados para la práctica de la
entonación. El sistema de entonación "Tune-Up" basada en CD es excelente
para la práctica de cuidado, la entonación metódica. Si se lo puede
permitir, la música inteligente sistema computarizado de acompañamiento
Studio (antes conocido como Vivace) es una ayuda práctica en circulación.

Igualdad de Temperamento vs entonación justa

Cuando se utiliza un sintonizador, usted está de ajuste al temperamento

igual. En otras palabras, su entonación será igual de bueno en todas las
llaves, pero no es ideal en cualquier tecla. Con la vara trombón, es posible
ajustar ligeramente notas para cualquier tecla determinada, a fin de mejorar
la entonación.

Cuando las notas de ajuste, es útil pensar en los ajustes en términos de

"centavos". Cada medio paso se divide en 100 centavos. Así, si tocas una "A"
50 centavos de dólar agudo, que está a medio camino de un B-flat.

Éstos son algunos de los ajustes más comunes que se deben realizar a fin de
que los intervalos en perfecta sintonía. Cada uno de estos ajustes se supone
que la nota de fondo está en perfecta sintonía y no se pueden ajustar. Por
lo tanto, es necesario ajustar la nota de salida para llegar a una
perfección en el intervalo de ajuste:

INTERVALO DE AJUSTE DE NOTA SUPERIOR

Perfecto Octave (por ejemplo, C - C).
  No es necesario ajustar
 
Perfecto Quinta (por ejemplo, C - G)
  de hasta 2 centavos de dólar (casi nada)
 
Perfecto Cuarta (por ejemplo C - F)
  Down 2 centavos (casi nada)
 
Tercera mayor (por ejemplo C - E)
  por 14 centavos de dólar
 
Tercera menor (por ejemplo C - E flat)
  de hasta 16 centavos de dólar
 
Sexta mayor (por ejemplo C - A)
  por 16 centavos de dólar
 
Sexta menor (por ejemplo C - Un plano)
  de hasta 14 centavos de dólar
 
Séptima menor (por ejemplo C - Si bemol)
  por 29 centavos de dólar * (útil en los acordes dominantes de sesiones)
 

* No parece ser un cierto desacuerdo sobre este ajuste. Recientemente he

oído que tal vez esto debería ser rebajado en 31 centavos de dólar.

He aquí una buena regla a recordar todo esto:

Octavas, quintas y cuartas ......... Casi ningún ajuste

Terceras mayores y sextas mayores ..... Nota de arriba hacia abajo

Terceras menores y sextas menores ..... Notas altas de hasta

Alto Rango
Para cualquier músico de bronce, una alta gama fuerte puede ser un refuerzo
de gran confianza. Por el contrario, una alta gama débil puede ser muy
frustrante. Muchos tocadores, especialmente los tocadores más jóvenes,
tienden a obsesionarse con la gama alta. El mejor consejo es ser paciente!
Se necesita tiempo y esfuerzo para la correcta construcción de una alta gama
fuerte.

SHORT CUTS

Puede ser tentador intentar un atajo para lograr resultados rápidos. Dos
accesos directos son comúnmente utilizadas:
(1) aumento de la presión boquilla
(2) una "sonriente" embocadura.
Ambos de estos accesos directos pueden dar resultados al principio, pero
conducen a callejones sin salida.

Para obtener más información, consulte las secciones sobre la formación de

la embocadura y la presión de la boquilla.

AIRE

Una de las claves para una alta gama fuerte es un rápido "chorro" de aire
que fluye más allá de la embocadura. Tome una respiración profunda y se
centró golpe de aire. Imagina que estás tratando de soplar una vela en la
distancia. A menudo me parece que la preocupación de los estudiantes sobre
una nota que falta les hace para detener su aire y tratar de "pellizco" de
la nota a cabo. Usted no puede "volver a" una nota alta. Tome una
respiración profunda y vaya para él.

Otro error común es confundir el aumento de la presión trasera de una nota

alta con una presión interna estática creado en el cuerpo. Mantenga el aire
que fluye.

Pruebe esto:
Obtener dos pajitas: una paja regular y una de esas pajitas diminutas
utilizado para remover el café. Trate de colocar la paja regular en la boca
y soplar a través de ella. Ahora hacer lo mismo con la paja de café. Usted
encontrará mayor resistencia con la paja de café. Este aumento de la
resistencia es similar a la que encontramos a medida que ascendemos en la
gama alta.
Este ejercicio puede ser útil de dos maneras: (1) Se puede utilizar para la
captura y evitar la tensión muscular simpático en la cara y el cuello
durante las notas altas, y (2) puede ser utilizado en alternancia con las
notas altas jugado en el instrumento para reforzar las el concepto de
corriente rápida de aire (frente a la presión de aire estática). Este
segundo punto puede requerir más explicación. Trate de ir y venir entre la
reproducción de una nota alta y soplar a través de la paja de café. Como
usted toca la nota alta, imagine que está soplando a través de la paja. El
aire se encuentra con la resistencia, pero continúa fluyendo.