N°4005

UNIDAD 1
Conciencia Artística.
Elementos de otra teatral.
Tipología de las piezas: Melodrama, Farsa. Comedia, Tragedia,
Tragicomedia.

INTRODUCCIÓN

"Hablar del alma nos lleva a revaluar el cultivo de la interioridad Ese cultivo es lo que
hace posible una relación con la realidad más allá de su sólo ser aparente. En este sentido,
tiene que ver con el reconocimiento de un ámbito de realidades que hace posible los valores
morales y así constituye lo que llamamos generalmente una vida espiritual. Hablar del
alma nos obliga también a la revalorización de la imaginación como una facultad del
saber, entendido éste más allá de su identificación con el conocimiento racional, y más allá
de los poderes del intelecto.

El alma seforja en la lucha y en la tensión esencial entre la inteligencia y la interioridad, o

como lo dice Kant, en ese juego libre entre la imaginación y el entendimiento, que nada
tiene que ver con el conocimiento intelectual Es talvez por esa razón que es tan difícil
hacerla objeto de reflexión y de discurso en nuestro tiempo, pues no se somete a los
criterios de validez que se exigen del conocimiento.

Nuestro propósito es adquirir una visión de las cosas que nos muestre el sentido que éstas
tienen para quienes somos, y su relevancia para las necesidades humanas más íntimas y
esenciales. Es un intento de rescatar para el pensar lo que podríamos llamar el ámbito de
la reflexión, en el que el pensamiento adquiere relevancia vital Por eso es necesario apelar
al sentido común de la palabra ALA/L4 con toda su ambigüedad y riqueza, pues es el
único camino hacia la revaluación de aquello que de otro modo tendemos a ignorar e
incluso a descartar en nuestro mundo actual".

(Del libro El Alma y El Arte, de Víctor Krebs Publicado por el MBA, Caracas).

¿Qué es el Teatro?

"En teatro ocurre un fenómeno semejante a la holografía (ese procedimiento fotográfico que
otorga relieve a los objetos mediante el entrecruzamiento de rayos láser). Si recibimos la
impresión profundamente convincente de que un fragmento de vida ha sido absoluta y
totalmente capturado en escena es debido a que las diversas fuerzas que emanan tanto del
público como de los actores han confluido en un mismo punto y en el mismo momento

Creo que en la actualidad el teatro debe eludir la tentación de crear otro mundo más allá
de la cuarta pared para que el espectador se escape hacia él. En cambio, debe intentar
lograr una mucho más intensa percepción en el corazón mismo de nuestro propio mundo.
Si se busca que el actor esté en un nivel acorde con el espectador, la representación debe
convertirse en un encuentro, en una relación dinámica entre un grupo que ha percibido
una preparación especial y otro grupo, el público, que no tiene preparación.

El teatró existe únicamente en el momento preciso que esos dos mundos - el de actores y el
del público - se encuentran: una sociedad en miniatura, un microcosmos cuyas partes se
juntan todas las noches en el mismo espacio. El papel del teatro es dar a este microcosmos
el efímero y ardiente sabor de otro mundo, con el cual nuestro mundo presente pueda
integrarse y transformarse."

Wel libro Más Allá del Espacio Vacío, de Peter Brook - Serie Artes
Escénicas/Alba Editorial).

Hacer teatro es:

- Hacer Existir
- Dar forma material a la idea
- Dar vida a lo que es ficción

El verdadero teatro es:

Existencial. Su triunfo y su acto heroico consiste en hacer existir a personajes imaginarios.
Sin embargo esa realidad no es una fantasía; pues tiende hacia la realización de una
existencia total que se nos impone y nos liga a ella por un cordón umbilical. De ahí que
nunca se termine de comprender un personaje plenamente y por ende los significados se
tornan infinitos.

La perfección en el teatro:
Se encuentra en la creación de los personajes de manera que estos gocen de una existencia
compleja y misteriosa como la de un ser humano. Por eso ante cada nueva interpretación
se puede plantear un nuevo descubrimiento.

La intensidad dramática:
Es un continuo esfuerzo dramático para llegar a la existencia, insistencia eterna de allí su
intensidad

Su esencia:
La acción que es acción verdadera entre ser y presencia. Nunca es pasiva porque el
personaje siempre está en el debate del ser.

Actuar:
Capacidad de desdoblamiento con ki finalidad de inventarse así mismo para expresarse y
comprenderse. Vivir en el escenario...

Ficción:
Otra dimensión de la realidad El actor construye sobre la nada una figura imaginaria,
dotada de mayor realidad que aquella de la cual, tímidamente, creemos poseer una parte, y
de la que probablemente no somos sino un fantasma. "El hombre es el
sud?' o de una sombra" (Pirandello').

Espejo:
¿Acaso nuestra existencia no es más que el reflejo de una imagen?

Reflexión sobre la creación dramática:

A lo largo de la creación dramática aparece una imagen que parece cristalizar todo lo que
el hombre espera de sí mismo y de los demás.

El hombre se modela con el teatro, se define, se determina en sus límites. Se desdobla

para representarse, en esa acción se mira así mismo.

Para qué el teatro:

Arthur Miller2 nos dice que él concibe al público como "una comunidad donde todo
miembro es portador de lo que considera su angustia o su esperanza o una
preocupación personal que le aísla del resto de la humanidad". Y que la función de una
obra es "... revelarle este factor personal para que, <Ociando a su vez a los demás
hombres, les revele que todos son solidarios (..) El teatro nace de este intercambio y en la
reconciliación con el hombre (..) Es el instrumento que inventa al hombre al representarlo
y hace de la existencia una continua creación".

"... esperando a Godot me preocupa. Ese éxito me hace sospechar que no es

una obra lograda" (Samuel Beckett)

"... una mente fracasada ve los fracasos del corazón" (Akiro Kurosawa)

Pirandello, Luigi (Agrigento, Italia, 1867-Roma, 1936)

Escritor italiano. Hijo de un rico comerciante, Luigi Pirandello estudió en las universidades de Palermo, Roma y Bonn. Tras
graduarse en ésta última en 1891, regresó a Italia.
En 1894, una vez hubo conduido su primera novela, L'esclusa, Luigi Pirandello contrajo matrimonio y publicó su primer libro
de relatos, Amores sin amor.
En 1897 fue contratado como profesor de literatura italiana, y en 1904 apareció su novela El difunto Matías Pascal, que
recogía muchos elementos biográficos del autor y constituyó un enorme éxito.
A la publicación del ensayo L'umorismo siguieron el drama Pensad, Giaoaminol, el volumen de relates La trampa, y la novela
S gira.... Con la representación, en 1917, de la pieza teatral Así es si así os parece, Luigi Pirandello se decantó daramente por
el género dramático, en el cual creó escuela por su peculiar construcción de la pieza teatral, sus recursos escénicos y la
complejidad de sus personajes.
A partir de 1920 Pirandello publicó varias comedias, entre ellas La señora Morfi, que abordaba el tema de
la doble personalidad, y Seis personajes en busca de autor, que fue un fracaso damoroso.
Con Enrique IV, puesta en escena en 1922, Pirandello recuperó el favor del público. Tras abandonar la enseñanza para
dedicarse por entero a la creación literaria, y reconoddo ya en todo el mundo, en 1925 asumió la dirección del Teatro d'Arte
de Roma y cuatro años después fue nombrado miembro de la Academia de la Lengua de Italia. A esta época pertenecen los
dramas Esta noche se improvisa, Lázaro, Como tú me quieres y No se sabe cómo.
La obra dramática de Luigi Pirandello extrema los elementos en plena disolución de un realismo en crisis y la ficción teatral
en varios planos para romper el espado escénico tradicional. En 1934 le fue otorgado el Premio Nobel de Literatura.
(extraído de http://www.terra.es/oersona18/biografia/pirandello.htrn)

2
Escritor, novelista y dramaturgo. Nadó en Nueva York, el 17 de julio de 1915. La magnitud de su obra abarca diversos
géneros: guiones para cine, teatro y radio; novelas, artículos para prensa y publicaciones especializadas.
"... los hombres siempre viajan por las mismas sendas... ¡Salta!" (Akiro Kurosawa)
"... el hombre nace llorando, cuando ha llorado suficiente, muere" (A. Kurosawa)

"... en un mundo loco, sólo los locos están cuerdos, por ende, estar cuerdo es estar
loco para los locos" (A. Kurosawa)
CONCIENCIA ARTÍSTICA

A la intuición de la conciencia, en si irracional y por tanto tampoco del todo

racionalizable, corresponde en el artista la inspiración, y ésta última radica en una esfera
de espiritualidad inconsciente. A partir de ella crea el artista, y en ella están y permanecen
las fuentes en que éste se nutre, en unas tinieblas que nunca es posible iluminar totalmente
con la luz de la conciencia. Más aún, constantemente tenemos pruebas de que al menos
una conciencia excesiva más bien se interpone a esa producción que arranca del
inconsciente; no pocas veces la introspección o auto observación impuesta, la voluntad de
un hacer consciente lo que de por sí debiera realizarse en una profundidad inconsciente,
constituye un serio estorbo para el artista creador. Toda reflexión innecesaria no puede
menos que perjudicarle en su obra.

El teatro es la instancia en que el arte entra en el más intenso contacto con la sociedad... El
teatro es de verdad el corazón de la cultura de una sociedad, la medida de su vitalidad.

Aristóteles nos dice que:

"Comunicar es persuadir".

¿Es el teatro persuasión? ¿Para qué se hace teatro?

Toda conducta de comunicación tiene por objeto producir una respuesta determinada.

1. No se hace teatro sólo para sí_

2. Se hace sin ruido ya que es el encuentro entre el ser humano que dice y el
que recibe.

El teatro se plantea como acción. No hay pasividad ni siquiera del público. El feed-back
es inmediato.

Entrar al mundo del teatro significa conocerlo mejor y eso implica conocer
sus planteamientos más básicos:

a. Identificar los aspectos de la pieza teatral (cómo se construye la acción dramática).

b. Clases de piezas (género).
ESTRUCTURA DE UNA PIEZA
TEATRAL A»eaos de una pieza:

· Trama
· Personaje
· Diálogo
· Idea
· Interpretación
· Trama
Nos dice Eric Bentley 3 — "Testimonio del Amor que sienten los hombres por la
información sobre otros seres humanos, en particular por esa clase de información que
habitualmente se silencia y, el autor dramático es, en esto, como en muchas otras cosas, un
extremista, un hombre que en otras circunstancias hubieran podido ser un espía o un
soplón de la poesía".

El teatro es hijo de la acción en busca de la poesía._ de la emoción.

Decía Aristóteles: "... objetos que contemplamos en sí mismos con pena nos causan
placer cuando los vemos reproducidos con escrupulosa fidelidad".

A través de la trama nosotros como espectadores tendremos la oportunidad de vivir

mil vidas.
Por eso es que la trama será la excusa, para que, a través de una historia entremos en
otro mundo que no es el nuestro.

Con estas ideas llegamos a la primera cualidad que sostiene una buena historia:

- Imitación de la vida:
El arte dramático tiene su raíz en la naturaleza humana y en las emociones
extremas.

- Asombro y suspenso:
Todos tenemos necesidad de saber y es a través del asombro y el suspenso
que movemos a otro ser humano hacia la idea.

- Acción:
Pero todo esto tiene que ir movido desde un principio hasta su final por una
acción. Todo se puede entender en la imitación de una acción que es el

3
Eric Bentley es uno de los críticos teatrales de habla inglesa más distinguidos y uno de lo que más han influido sobre la
crítica y la creadón dramática contemporáneas. En él se da una infrecuente integración; el erudito (graduado en Cblord y
doctor en Vale), profesor universitario y calco teatral, participa vitalmente en la creación y en la producción de la obra
teatral.
El material que utiliza Bentiey cubre toda la historia y todas las modalidades del teatro, desde la tragedia lírica de Esquilo
hasta Shakesperare, y desde Moliere hasta Samuel Bedcett. Asimismo, trasciende lo especificamente literario al analizar la
actuación en el marco del enfoque freudiano y del psicodrama de Moreno.
 movimiento general que surge de nuestra imaginación y que da lugar a que
algo nazca, se desarrolle y muera entre el comienzo y el final.

Así debemos entender que la acción se consigue a través de "mover" a la idea. En

este aspecto debemos considerar que la idea es un esencia y que en la medida que
exista la capacidad de profundizar en ella la acción será más o menos superficial.

No es lo mismo desarrollar en la acción una pieza como Antígona que una historia como
Duro de Matar. Nos encontramos una historia como proyección de figuras arquetípicas que
son el reflejo de nuestros sueños humanos sencillos.

Entonces la diferencia entre vida y drama está en que la imitación no es directa

sino a través del Mito. Léase en nuestro ejemplo: Antígona4 .

Sólo somos capaces de aprender aquello que sentimos como ya conocido, porque es
inútil el conocimiento sin comprensión porque todo lo que sabes es reconocimiento ya
sea consciente o inconsciente.

Precisamente lo fabuloso de un autor como Joyce (del cual Samuel Becketts será su
heredero) es que la no acción puede volverse una trama. El "Ulises" de Joyce6 es la historia
del fracaso de una existencia y es a través de lo anodino de un día que nos encontramos
con lo anodino de una vida entera. Eso es también "Esperando a Godoe".

Abrirnos a cualquier trama es darnos la posibilidad de penetrar cualquier idea sin

cerrarnos en una sola.

"Una obra de arte es un desarrollo no una construcción" (Bernard Shaw8).

4
Antígona, hija de Edipo, tiene una hermana, Ismene, y dos hermanos, Eteodes y Polinices. Creón, tío de Antígona,
gobierna Tebas en forma autoritaria. Polinices se alza contra el tirano. Eteodes lo defiende. Ambos hermanos mueren
en el enfrentamiento. Creón prohibe brindar honras fúnebres a Polinices. Antígona decide desobedecer las órdenes y
comienza el rito. Aduce razones humanas y divinas: los griegos creían que era obligatorio rendir tributo a los muertos
pues si no, el espíritu de éstos vagaba sin descanso. La joven se enfrenta con Creón. Alega que los derechos de los
hombres y los mandatos morales son superiores a las leyes. Creen impone su autoridad y condena a la rebelde. Antígona
en tanto, decide afirmarse en su voluntad y "morir de pie..."
5
Samuel Beckett (1906-1989). Poeta, novelista y destacado dramaturgo del teatro del absurdo. De origen irlandés, en 1969
fue galardonado con el Premio Nobel de literatura.
6
3a Joyce nació en Dublín, el 2 de febrero, día de Santa Brígida, Patrona de los Poetas de Irlanda de 1882. "Ulysses",
que podría ser subtitulado "La odisea de un alma" y es el libro que mayor influencia ha ejercido sobre los escritores y lectores
de nuestra época, narra los acontecimientos de un solo día, el 16 de junio de 1904, en la vida de Stephen Dedalus y de
Leopoldo Bloom, un agente de publIddad, de ascendencia judía, de edad mediana, sensual y bondadoso. Bloom simboliza al
moderno Ulises y toda la novela es una vasta serie de hechos correspondientes a la epopeya homérica. Stephen corresponde
a Telémaco y Bloom es el Ulises errabundo de Joyce. Pero, mientras el héroe de Hornero vaga diez afios sin poder regresar a
su tierra natal donde lo aguarda la fiel Penélope, Bloom vaga solamente dieciséis horas por Dublín antes de regresar junto a
Marion Bloom, su Penélope, la cual, lejos de serle fiel, se rinde al asedio de sus admiradores
De Samuel Beckett Texto completo disponible en: httplAwomgeocities.com/SoHo/Atrium/1788/biosibeckett/godotl.htm
s
Nace el 26 de julio de 1856, en Dublín. Muere el 2 de noviembre de 1950. Escritor irlandés. Después de Shakespeare es
considerado el dramaturgo más relevante de las letras inglesas. Además de su prolífica carrera dramática es reconocido por su
incisivo trabajo crítico en teatro, música y temas de sociedad. En 1925 le fue condedido el Premio Ndbel de literatura.

.  •
El verdadero arte no es escrito, no es una fórmula. Dos de las mejores obras de teatro
de todos los tiempos se han escrito sin considerar la convención. Me refiero a
"Esperando a Godot" y "Seis Personajes en Busca de Auto?".

El indiscutible maestro de la trama fue William Shakespeare, él supo hacer de las historias
que nos relató una puerta de entrada al pensamiento del hombre universal. Es por eso que
"Shakespeare in Love" puede recorrer una historia de amor paralela que puede pertenecer a
cualquiera.

Lo cotidiano se convierte en trama y mágicamente se desarrolla un drama que nos

vuelve a conversar sobre la imposibilidad del final feliz.

• Personajes
Seguimos con Shakespeare y nos hacemos junto a él esta pregunta:

"¿Quién soy? ¿Quién eres hombre?... Un hombre sin nombre"

Los personajes de una pieza de teatro nacen de los impulsos humanos y, por otro lado, no
nos vemos tanto a nosotros como a los otros. Así que el teatro puede servir de espejo para
vernos a nosotros a través de los otros y esto es lo maravilloso del teatro de Luigi
Pirandello.

¿Cómo llegar a este planteamiento?

Partiendo de la realidad: es así como se llega a colocar, al personaje, en las grandes

figuras vitales que lo impulsan.

Antigona es un propósito vital que parte de un hecho humano (realidad); el

afecto y la fidelidad al hermano.

La creación del personaje es la proyección individual que se universaliza a través del Mito.

Del tipo partimos al arquetipo, eso es lo que hace Shakespeare por ejemplo con las dudas
de Hamlet. Del hombre atormentado por sus dudas y debilidades llegamos al Hamlet, y a
esa pregunta que todos podemos hacernos: "¿Ser o no ser?".

Tenemos entonces que la creación del personaje es la proyección individual

que se universaliza a través del Mito.

De Antígona... de la hermana terca pasamos a lo eternamente humano que involucra el gran

debate de conciencia y libertad.., allí nos reconocemos y ¿comprendemos?

Entramos en el pensamiento de Sófocles a partir del reconocimiento del Mito.

9
De Luiggi Pirando.
Será. entonces a través del drama psicológico que situemos época y civilización, lo
individual está ahí. Lo universal, en lo que nos proyecta a todos, sin duda... Lo
eternamente humano atrapado en el arquetipo.
El drama psicológico es la individualización del

mito. Todo gira en relación a dos acciones:

Se accede al teatro porque es producto del encuentro con el otro y de su realidad. Y

por otra parte en su intento de escapar de la cotidianidad (realidad) nos ubicamos
en otra dimensión de nuestros sueños. Es por eso que los personajes se ubican en
otra dimensión... Los grandes personajes no están totalmente explicados, sino en
nuestros sueños._ por eso son enigmáticos.
Los personajes son la sustancia de los sueños._ pero de todas formas son
esos sueños son nuestros, entramos en el mundo simbólico.

Decía Nietzsche: "No tenemos experiencias sino de nosotros mismos".

Pasemos entonces a la palabra. ¿Quién nos permite enlazarlo todo?

· El Diálogo - La Palabra
Y si la elocuencia no está en nosotros, nos aferramos a la elocuencia de los demás.

Los grandes dramas no son nada más que la voz del autor que nos proyecta una idea.

Las palabras son los signos y la insignia de su humanidad, es el vehículo de su idea.

La palabra es la que permite la relación del texto sin dejar escapar la acción.

¿Qué mayor acción que la desarrollada por Anouilh entre Antígona y Creón?

Y que mayor coherencia en el desarrollo de las ideas a lo largo de toda la pieza.

"El arte sirve para rescatar al hombre de la carencia de sentido".

Sentido de vida

"Hacer teatro es redescub r nuestra dignidad personal y por ende la de los otros y
en general la dignidad ale la vida humana".

· La Idea
Será el piso donde se instalan las bases para hacer el propio proyecto de vida. Pero no
podemos decir que el objetivo del teatro es solamente la idea porque al tratar de hacer
del teatro una idea destruimos la acción. De ahí la idea de B. Shaw de desarrollo y no
de construcción.

9
 • Interpretación — Representación
Y por último llegamos a la razón de ser del teatro, a lo que realmente nos separa de la
literatura como historia narrada o pensamiento, y es la representación.

¿Qué es "Seis Personajes en Busca de Autor"?

Es encontrarse con que la actuación está planteada como juego y representación en una
propuesta real. El dramaturgo otorga al actor la posibilidad de una vida siempre nueva y el
actor da al autor esa vida.

Cerramos el círculo con la frase inicial: ¡Mil vidas en una sola existencia!
GÉNEROS

Melodrama
Farsa
Tragedia
Comedia
Tragicomedia

• Melodrama
¿Qué significa llorar?

La autocompasión. Una verdad que escondemos. Menosprecio por la autocompasión y

el sentimentalismo en la actualidad, pero lo cierto es que las telenovelas siguen siendo
el gran negocio de la TV.

El ataque al sentimentalismo es un miedo a la emoción en si.

Bentley: "Una vez tuve la oportunidad de ver rendir justo homenaje a la muerte. Un actor
italiano subió al escenario para anunciar la muerte de un colega. Se lamentó de ello
sinceramente. Se estremecía, lloraba, vertía oleadas de ardiente retórica, hasta que el
público se estremeció, lloró y se lamentó con él En verdacl se trataba de autocompasión.
No sentimos pena por un cadáver, nos apenamos por nosotros mismos, privados de alguien
a quien quisimos. Yen el fondo yace el temor por nuestra propia muerte. Razón de más
para la autocompasión. La experiencia ha sido vivida, aceptada".

La autocompasión es un hecho vital y que sólo puede ser reproducido cor el empleo del
estilo grandilocuente, la grandiosidad del melodrama pareciera constituir una necesidad.

Piedad y temor. Esencia del melo.

La piedad su lado débil.

El temor su lado poderoso, en él se basa la universalidad potencial del

Melodrama. El villano es el gran personaje del melo. El mal se concentra en él.

Exageración. El melo es el naturalismo de los sueños. La exageración sólo resulta

tonta cuando no responde a un sentimiento.

Quinta esencia del drama. Es el teatro en su forma más elemental.

El impulso de escribir teatro es el impulso primero, negarse al melodrama es no

desear escribir teatro.

El melodrama es humano, pero sin madurez.

Es imaginativo pero carece de inteligencia.

El melo pertenece al mundo mágico de la fantasía en donde no se distingue el yo puedo
del yo quiero, es el mundo más primitivo, en esencia, que dirige la vida del nifio.

Esto no quiere decir que se quede ahí, ni justifica el hecho de que el Melo siga
vivo. Simplemente lo estamos situando.

• Farsa
Es a la comedia lo que el melo es a la tragedia.

Violencia. Mayor que la propia del melo que la suaviza con la piedad.

La Mofa. Es la burla a la virtud.

La catarsis cómica. El chiste y el placer.

Siempre el chistoso necesita una víctima.

Decía Bernard Shaw (escritor por excelencia de la ironía): "Las lágrimas en la vida
adulta son la expresión natural de la felicida4 asi como la risa responde, en todas las
edades, al reconocimiento natural de la destrucción, la confusión y la ruina".

La dialéctica de la farsa. Desarrolla y aprovecha en todo lo posible los más

intensos contrastes. Maestro de esta acción: Charles Chaplin.
Entabla un diálogo entre la agresión y la impertinencia, entre la hostilidad y la

frivolidad. El tiempo rápido de la farsa. Es una concepción erizada de asechanzas.

El autor de farsas es hereje. No cree en el hombre hecho a imagen y semejanza de Dios.

El autor de farsas no nos presenta al hombre como un poco inferior a los ángeles,
sino apenas por encima de los cuadrúpedos.

Sócrates: "Al nacer lloramos por haber llegado a este gran escenario de tontos".

¿Puede haber sabiduría sin un profundo sentido de lo que precisamente es lo opuesto a

la sabiduría, a saber, la tontería?

La quintaesencia del teatro. El melodrama es la quintaesencia del drama, la farsa es

la quintaesencia del teatro, ya que esencialmente es acción.

El melo se escribe, la farsa se actúa.

El teatro de la farsa es el teatro del cuerpo humano, aunque no en su estado natural

(Chaplin no era natural).

1
2
Es importante hacer notar que tanto el melo como la farsa son formas artísticas de evasión.
Intentan evadir no sólo los problemas sociales, sino toda forma de responsabilidad social.

Decía Netzsche: "en el melodrama el temor se complace consigo mismo y en la farsa la

hostilidad hace el mismo papel".

Yo diría que a través de ellas (Melo y Farsa) se vive un hálito de libertad imaginaria.

• La Tragedia
La tragedia, junto a la comedia, son las formas más elevadas del teatro. Se distinguen
de la farsa y el melo por la forma en que respetan la realidad.

Y respetar la realidad según Bernard Shaw es "Ser capaces de elegir la línea más ventajosa
en lugar de ceder hacia el punto de menor resistencia".

¿Qué necesidad tenemos de realidad en el arte?

"El arte es el reino de Peter Pan", nos dice Bentley.

¿Por qué?

En el arte nos construimos nuestra propia realidad, partiendo siempre de la realidad.

Dice Bentley: "La realidad nos resulta dolorosa. Esta es la causa por la cual suprimimos
de nuestra conciencia tantas de nuestras reacciones ante sus ofensas. La realidad nos
hace sentir cuOables, y esto nos provoca ansiedad Si nos hacen recordar la realidad se
renuevan emociones como los sentimientos de culpa y ansiedad Por ello, en arte ninguna
evocación directa debería ser bien acogida: no deberíamos hallar placer en el dolor".

En esto yo percibo mucho de ironía que contiene una gran verdad y es que la farsa
y el melo alimentan este Peter Pan, la tragedia y la comedia lo conmocionan.

Por eso reconocer que la tragedia va a exacerbar los sentimientos de culpa y a provocar
de ese modo una profunda ansiedad, nos permite apreciar más vividamente la fácil,
ligera y agradable intención de autores en otros géneros.

Los personajes de la tragedia. ¿Qué los diferencia?

Sus formas más complejas, esto no quiere decir las más

naturalistas. Con la complejidad vienen las ambigüedades.

Nos dice Bentley: "El héroe trágico es realmente heroico, en tanto que el melodramático no
lo es. Por otra parte, así como el héroe del melodrama es un dechado de virtudes y, en
consecuencia, siempre obra como es debido, el héroe trágico, en cierto momento crucial,

,
r

1 ''
procede erróneamente, lo cual podría interpretarse como que es traicionado por lo falso
en el fondo".

Los personajes en la tragedia no pueden ser tomados a la ligera, como en el melo. Ellos
se. encargan de penetrarnos seriamente.

La tragedia se desarrolla en los casos extremos de la conducta

humana. En definitiva la tragedia es un extremo del naturalismo.

En una base de virtud, nunca desdeña los elementos más extravagantes, macabros y
morbosos del melodrama. Al contrario, hace de ellos un uso más intensivo. Las deficiencias
mentales, las pasiones monstruosas y destructivas son aún más considerables en la tragedia.

La muerte. Todo lo anterior no lleva a la muerte.

El hecho de enfrentarse a la muerte es una reafirmación de la vida (¿Qué es,

sino, Antígona?).

La oscura raíz del grito. El hombre no está adaptado al Universo. ¿La vida es un absurdo?

El poeta trágico está perturbado hasta en lo más hondo de su ser y nos hace
partícipes de esa perturbación.

En el estudio dela tragedia se nos habla de la "Náusea

Trágica". ¿Qué es esta náusea?

Súbito ataque de malestar, desfallecimiento o dolor y en especial repugnancia.

Una tragedia no surte "efecto" si no comunica esa sensación de náuseas. La trascendencia

trágica no alcanza su máxima potencia a menos que transmita una perturbación semejante.

Decía Nietzsche: "El sentido de lo trágico aumenta o disminuye con la sensorialidad".

En definitiva, será siempre individual la reacción ante ella.

La oscura raíz del grito, frase maravillosa de García Lorca", con la que concluye "Bodas
de Sangre", es la imagen que va más allá de la palabra, para definir la tragedia.

El grito empieza donde termina la palabra y la capacidad de sufrimiento.

Nació en Fuerte Vaqueros, Granada, España, el 5 de junio de 1898; murió cerca de Granada, el 19 de agosto de 1936.
10

García Lorca es el más apreciado y venerado poeta y dramaturgo de España. Es uno de los dos más grandes poetas que
España ha producido este siglo, y él es ciertamente el más grande dramaturgo de España desde la Edad Dorada.
 El poeta trágico nos conduce hasta ese punto y nosotros no deducimos que el mundo
es absurdo, sino que nos limitamos a gritar.

La raíz del grito es la raíz misma de la tragedia.

Rainer María Rilke' l: "Quien no acepta en un momento dado, con clara determinación, lo
terrible de su vida, ni se regocija por ello, nunca llegará a apreciar la plenitud inefable de
la fuerza de nuestra existencia, sino que caminará en sus bordes; y alguna vez, cuando el
día de rendir cuentas llegue al fin, se verá que no ha estado vivo ni muerto".

Temor Reverencia'. Aceptar el temor es parte de la tragedia. Se acepta como algo

reverencia'. El miedo se transfigura y se hace reverencial porque el estremecimiento es
lo mejor de los hombres y es por eso que nuestra mejor esperanza estriba en la ausencia
de tal esperanza.

Compasión. Aristóteles al hablar de la tragedia nos daba como base y esencia de la

misma la piedad y el temor, hemos visto hasta ahora lo cierto de su propuesta, pero al
mismo tiempo la sentimos simple. La tragedia va más allá en complejidad.

Nos dice Bentley: "Pese a que Aristóteles, evidentemente, quería expresarse con absoluta
neutralidad, no puede negarse que la piedad difiere del miedo en que no es sólo una
reacción sino una reacción por la cual obtenemos méritos, vale decir, una reacción
virtuosa. Pero de la virtud emana un vicio: como sentimos que nuestra piedad es
virtuosa, empezamos a congratularnos de ellos. Luego nos ponemos a buscar posibles
objetos de nuestra piedad y estos objetos se convierten en nuestras víctimas".

La piedad es imprescindible en el melo, pero en la tragedia hallamos menos piedad, son

más fuertes los sentimientos de fatalidad, temor y horror... pensemos en Edipo ¿Qué
genera en nosotros en el momento de sacarse los ojos?

La compasión trasciende la piedad así como el temor reverencia' trasciende el melo, de

igual modo pareciera que es propio de la tragedia el crear ambos, en tanto que la piedad
y el miedo son suficientes para el Melo.

Es importante hacer notar como en nuestro teatro contemporáneo es poco común lo

del temor reverencia' y la compasión.

Muchas veces el autor "social" trata de rellenar la piedad con ira.

Bentley se pregunta ".Podrían ser la piedad y la ira en el teatro social lo que la piedad
y el temor fueron para la tragedia? (.) Nuestra conclusión podría ser, quizás; que en el
teatro la ira debe ser disciplinada por el ingenio ye! humor; la piedad sólo puede
diluirla o hacerla más chfusa".

ti RaMer María Rilke (1875-1926). Poeta y novelista austro-germánico, considerado como uno de los más importantes e
influyentes podas modernos a causa de su preciso estilo lírico, sus simbólicas Imágenes y sus reflexiones espirituales.

o
15
Efecto final de la Tragedia. Trascendencia a través de la perturbación, y esto se
logra a través de la fórmula del sufrimiento y la resistencia.

Es importante tener claro que la tragedia ne puede ser comprendida por ninguna filosofía
en especial, ni siquiera existencialista, aunque es existencial.

¿Qué entendemos entonces como trascendencia a través de la

perturbación? La trascendencia a través del acto de escribir.

Por eso Beckett es el gran trágico de nuestro siglo XX... Si no fuera por ese reírse
de si evasivo...

La tragedia encarna una experiencia del caos, y el único cosmos que el poeta trágico
puede ofrecer con seguridad como compensación es el cosmos de su creación, en que
se integran la trama, personajes, diálogo e ideas.

La tragedia puede enseñar que no estamos hechos para aprender mucho sobre cosa
alguna, algo hemos aprendido sobre nuestras incapacidades.

Decía el poeta Shelley: "El fin moral más elevado que se persigue en las más elevadas
creaciones dramáticas es llevar al corazón humano, a través de sus simpatías y sus
antipatías, al conocimiento de sí mismo".

• Comedia
¡Yo sólo estaba bromeando!

En la farsa, lo que se halla debajo de la superficie es la agresión en estado puro, que no

tiene justificación moral ni la procura. La agresión es común a la farsa y a la comedia,
pero, mientras en la farsa es mera hostilidad, en la comedia es fuerza respaldada por la
convicción de estar en lo cierto.
En la comedia lo iracundo de la farsa se ve apoyado por la conciencia.

La diferencia ética da lugar a matices emocionales totalmente distintos.

La farsa ofrece una simple forma de placer, golpear al enemigo en la cara. La

comedia brinda una gama más amplia de posibilidades emocionales.

Bajo la comedia está la amargura y la dulzura.

Nos dice Bentley: "La farsa ofrece la oportunidad de jugar de la vida, de aligerar las
presiones del día de retornar a la irresponsabilidad de la niñez. El sentimiento cómico,
contrariamente al impulso farsesco, trata de tomar en cuenta a la vida, de tener presentes
las presiones del día y las responsabilidades de la vida adulta. La dualidad (en tantos
aspectos) de su carácter hace presuponer en el artista cómico una doble disposición: por

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una parte una euforia por el mero hecho de vivir y, por otro lado, una aguda y
atormentada conciencia de los obstáculos que se interponen en el camino, las resistencias
y oposiciones, las pruebas de fuego y de agua, los dragones, selvas y abismos que nos
acechan, las ciénagas y matorrales en que nos debatimos".

La comedia tiene esto en común con la farsa con la diferencia de que en la farsa
se devuelve el golpe con placer infantil, y en la comedia el placer se transforma
en desesperación como sucede en la cinematografia de Woddy Allen.

La tragedia vs. la comedia. El dolor está en relación directa tanto con la tragedia como
con la comedia.

Byron decía: "... y si río ante cualquier cosa mortal, es porque no puedo llorar".

Esto en realidad presume un pesimismo mayor que en la tragedia, porque por lo

menos en ella todo merece ser tomado en cuenta.

En la comedia la insinuación del dolor está allí, pero en este género las apariencias
deben ser mantenidas.

La película "Alice" (Woody Allen) nos ratifica lo mordaz que puede ser un final feliz en
la comedia. La risa que Woddy Allen provoca en mi se transforma, de alegría en
trascendencia y en la base siempre encuentro sufrimiento. Igual cosa podemos percibir
en el trabajo de "El Tartufo" de Moliere.

En la tragedia el dolor nos lleva al lamento prolongado, es directa. La comedia disimula el

sentimiento, es indirecta e irónica. Habla en broma cuando se refiere al dolor.

La tragedia y la comedia en defmitiva persiguen un mismo propósito: el auto-conocimiento.

• Tragicomedia
Es la tragedia evitada y trascendida.

Dos tipos de tragicomedia:

- La tragedia con final feliz.
- La comedia con final desgraciado.

En ella se dan la venganza y la justicia. En ella también el

perdón. Desesperación — Esperanza.

Es probable que Samuel Beckett algunas veces haya caído en la desesperación pero la
existencia de sus obras constituye una prueba de que por momentos ha podido salir de él.

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La actividad artística es un modo de trascender la desesperación y no cabe duda de
que para artistas inusitadamente desesperados el arte significa una terapia, una fe.

La tragicomedia moderna vive en la desesperación, pero allí hay fe. Se grita que algo
terrible está por suceder con la esperanza de que todos tratarán de evitar que suceda.
Si uno ha perdido verdaderamente la esperanza, no se sentiría con ánimos de decirlo.

"Todo arte es un desafio a la desesperación" (Bentley).

La tragicomedia moderna ha tratado de afrontar las desgarrantes, desoladas

desesperaciones de nuestro tiempo.

Sea lo que sea, uno no puede negar que se ha tocado fondo. El humor que la convierte
en tragicomedia sólo hace más profundo el horror y vuelca lo sublime hacia lo
grotesco. (Como en "Luces de Bohemia" de Valle-Inclán).

Profundizar el derrotismo con una sonrisa de aceptación.

Tal vez no hubiéramos creído por anticipado que un arte podía llegar a ser tan
negativo. Pero precisamente por eso resulta alentador.

La verdadera esperanza sólo puede hallarse a través de la verdadera desesperación.

Nietzsche decía: "Lo que no me mata, me hace más fuerte".