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Arte Contemporáneo
5º Doble Grado en Humanidades y Traducción e Interpretación
Facultad de Humanidades
Universidad Pablo de Olavide
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ARTE CONTEMPORÁNEO
ARTE DE LA EDAD CONTEMPORÁNEA: el arte originado en la época de la ilustración (1789) hasta
nuestros días. El arte contemporáneo que vamos a estudiar es más restringido, concretamente
desde los primeros años del siglo XX hasta nuestros días. El arte contemporáneo está más
relacionado a un término de concepto y no tanto de cronología. El cambio fundamental es un
cambio de paradigma sobre lo que se entiende por arte.
ARTE MODERNO: arte de la edad moderna, justo la época anterior a la edad contemporánea.
Arte moderno frente al tradicional sí que se refiere al contemporáneo.
MODERNISMO: término que alude a un movimiento artístico que no es todavía del arte
contemporáneo. Producido en Europa a finales del siglo XIX, donde se enmarcan autores como
Gaudí. Es precursor del arte contemporáneo. (En francés, art noveau). Los críticos vieron este
arte moderno para la época y por eso recibe ese nombre.

MODERN ART: arte de las vanguardias, desde comienzo de las vanguardias hasta mediados del
siglo XX (comienzo IIGM).
CONTEMPORARY ART: arte a partir de IIGM. Aunque pueden utilizar ambos términos para
referirse a todo. Más común es utilizar modern art para referirse a lo que vamos a ver en nuestra
asignatura.
MOVIMIENTO MODERNO: arte contemporáneo exclusivamente de la arquitectura.
TEMA 1: APROXIMACIÓN AL ARTE

CONTEMPORÁNEO
En un principio se pensaba que había una especie de principios absolutos que definían qué valían
en el arte y que no. La tradición artística, por lo tanto, se movía en torno a unos caracteres y
principios comunes que existieron desde la época clásica hasta el inicio del arte contemporáneo.
Incluso hoy día se utilizan para referir lo que está bien o mal hecho.
- Imitación de la realidad
- Arte como representación
- Arte, técnica y pericia.
IMITACIÓN DE LA REALIDAD
Se establecen relaciones entre el objeto artístico y la manera en la que nuestro ojo configura la
realidad y es precisamente en esa relación donde se establece la calidad de la obra artística. Es
una pretensión muy antigua que aparece en los griegos y romanos, pues se intenta buscar una
objetividad en la realidad. Se trata de una pretensión reflexiva y la cual refleja la actitud y
pensamiento de la época caracterizado por la objetividad dentro del pensamiento griego.
Durante el medievo se perderá y se retomará esta idea en el Renacimiento con autores como
Bramante o Alberti. Todo esto se plasmará a través del uso de la perspectiva, el volumen y la
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forma y color. El arte será un instrumento para hacer variantes de la realidad como la literatura
lo es para plasmar el conocimiento, una idea procedente del pensamiento romano.
LO REPRESENTATIVO
El arte sirve para representar aquello que nuestra mente ya conoce. Siempre existirá, por lo
tanto, una referencia con la realidad. El arte se entiende como poesía y como representación
del poder, es decir, lo que significa poder en esa época como era la religión y los gobiernos.
ARTE, TÉCNICA Y PERICIA
El arte pronto se va a entender como una teoría de las proporciones, es decir, la plasmación de
un canon que debe repetirse entre distintas partes y elementos de un todo para que eso sea
bello. Además, de una serie de proporciones asociadas al ideal de belleza, todo ello heredero de
los conceptos greco-romanos. Existe un entendimiento de que esa representación debe ser
decorosa, es decir, que sea correspondiente con aquellos que se plasma. Por ejemplo, Velázquez
aparece con el símbolo de pertenecer a la orden de Santiago porque en aquella época es
importante hacer ver que pertenecías a una orden. Era una representación de acuerdo con la
categoría social a la que pertenecía.
El hombre desnudo era símbolo del ciudadano de acuerdo con la ley y la capacidad técnica de
poder representar anatómicamente al hombre, una manera de mostrar la pericia del artesano.

Existe un proceso de aprendizaje que pasa por representar desde objetos inertes, como
bodegones, hasta llegar al cuerpo humano. Existían escuelas de arte donde los artesanos
aprendían a representar, una formación gremial que a partir del Renacimiento acabarán
convirtiéndose en Academias. En estas academias se otorgaba una educación más amplia y en
el siglo XVIII se oficializará y aquellos que querían ser artistas debían pasar por esta institución.
Tanto en el siglo IV a.C. como en el

Renacimiento, se puede observar ese
deseo de reflejar las proporciones del ser
humano de acuerdo con la realidad. En
todo momento se busca la credibilidad
ante el espectador.
Se convierten estas características como

una especie de principios que se debían
seguir para ser considerado un buen
artista.
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ARTE DEL SIGO XIX
Se comienza a tomar otra deriva que produce los factores que conducirán al arte
contemporáneo. Este arte va a seguir siendo tradicional, caracterizado por la fuerza que ganarán
las academias, pues todas las grandes naciones tendrán unos centros de formación de los
artistas. Las academias potencian una formación y una mirada que tendrá la academia, una
especie de arte oficial por lo que hay ciertos artistas se quedan fuera y serán favorables a otro
tipo de arte.
En este siglo se producirá el pre-descubrimiento de la historia, es decir, se mirará hacia atrás
para buscar modelos que se han dado en la historia. Por último, se produce una extensa
representación e interés hacia la naturaleza.
Los temas defendidos por la ACADEMIA serán temas de la antigüedad, orientales y no temas
que impliquen demasiado compromiso social. La pintura va a profundizar en esa capacidad
psicológica de los personajes. Esto sucede por el auge de la burguesía que gana poder y que
pretende que se vea en los retratos sus características individuales, pues ahora lo importante es
la representación de los rasgos físicos y psicológicos de los personajes en los que se muestre a
la perfección su individualidad. Se trata de un arte acomodado sin una profunda carga y crítica
social.
Por otra parte, existen una serie de pintores que están fuera

de la academia, como DELACROIX (aunque más tarde
entrará). Este autor recuperará la capacidad del uso de color,
de las manchas de color. A pesar de estar en los márgenes
de la academia consigue que la pintura vaya progresando. En
este momento la actualidad también ganará importancia,
hasta el momento se había utilizado temas bíblicos o
mitológicos. Delacroix representará La matanza de Quios,
guerra de los griegos contra el imperio turco de los que se
quieren independizar. Es una manera de comentar
visualmente un acontecimiento que está sucediendo en el
momento.
Otro de los puntos característicos era MIRAR HACIA LA HISTORIA (Revivals), es decir, buscar el
modelo del arte en lo que ha sucedido atrás en la historia. Esto sucede porque se están
produciendo los movimientos nacionalistas y se pretenden buscar los fundamentos de esas
naciones en la historia. El Pabellón real de Brighton, construido por John Nash, se construye
mirando a la India por ser colonia del Reino Unido. En general en la arquitectura se mirará hacia
lo oriental o lo medieval, ejemplo de este último lo encontramos con el Parlamento de
Westminster (Londres) construido en estilo gótico. Los ingleses se fijan en el medievo porque es
en esta época cuando se crea el Parlamento como institución y organismo moderador del poder
real y con el tiempo da origen al parlamentarismo como sistema político.
Se producirá una AMPLIACIÓN DE LA NATURALEZA y en general de los temas que se muestran

en la pintura. La dignificación del mundo del trabajo será uno de los temas que se introducirán
en el XIX, un ejemplo de ello es Los Picapedreros de Gustave Courbet. Esta mirada hacia el
trabajo será una mirada crítica y la realizarán los pintores que se encuentran fuera de la
academia. Adquiere asimismo un cierto distanciamiento social con lo que se representa, en El

Entierro de Ornans no existe ninguna
alusión al difunto, no hay creencia religiosa
ni trascendencia mística. Es una mirada con
distancia en la que únicamente mira hacia
la sociedad sin ninguna intención de crítica.
En la literatura autores como Galdós, Balzac
o los escritores del realismo francés
también muestran esta mirada penetrante
hacia la sociedad.
Otros pintores ponen el acento en la forma
como William Turner que mirará a las cosas
matizadas y tapadas por la luz y la manera que
estos elementos inciden en el momento de
mirar. Lo importante son los efectos que se
crean.

CARACTERES DEL ARTE CONTEMPORÁNEO
Se produciran unos cambios claves debido a varias causas. La primera es la industralización de
la sociedad que hace que se produzca la desaparicion de lo artesanal, llegando incluso a tener
una vision negativa de la misma. En este proceso es una persona la que se encagra de hacer
todos los pasos dentro de la fabricacion de un producto. Este proceso va a desaparcerer pues se
va a producir la separación de las tareas en el proceso de fabricación. Se producirá, por lo tanto,
una seriación en el proceso y una repetición de los productos creados. Esto tendrá como
consecuencia la desaparación en el mundo artesanal de la rareza, la unicidad de los productos.
Esto afectará tambien a los medios de producción de imágenes dado por la imprenta, que hasta
el momento había sido un apoyo, pero a partir de este momento la producción de imágenes
tendrá un valor muy importante. Van a aparecer nuevos soportes tecnológicos como la
fotografía y el cine. Esto romperá con el ideal de reproducción de la realidad en el arte porque
ya existe una técnica que puede hacer eso (foto y cine). Al principio la fotografía exigía una
exposición muy alta y con el paso del tiempo se va solucionando hasta la aparición de las

cámaras instantáneas.
Inmediatamente se va a reconocer
la capaciad de la fotografía de
captar la naturaleza y realidad y la
necesidad de buscar otras funciones
para el arte pues imitar la realidad
ya no tiene sentido, ni finalidsd
alguna.
Otro impacto en las artes tradicionales será la TEORÍA ÓPTICA DEL COLOR, la mezcla de colores
primarios para conseguir otros y se descubre que nuestro ojo tiende a convertir los colores
principales en colores complementarios. Creando de esta manera una gran conmplejidad en la

gama de colores. Autores como Geroges
Seurat practicarán con esta idea de la teoría
del color. En Tarde de domingo en la orilla de
la isla del Grande Jatte, vemos como
dependiendo del tono del color y de la
proximidad se crean otros colores.
Concretamente utiliza la técnica del
puntillismo. En este cuadro tiene algo teatral
porque lo que prima es el color. Cuestiona
esa idea e que la pintura debe plasmar la
realidad porque la realidad no es
completamente visible a los ojos.
Existen más elementos que cuestionan el arte tradicional, como el modernismo arquitectónico
y el impresionismo pictórico. Se trata de movimientos que se encuentran en el borde del arte
contemporáneo. El MODERNISMO ARQUITECTÓNICO pone la importancia en las figuras
vegetales y animales e intepretan que son como organismos y los edificios son el resultado
producido por estas líneas y formas. La base de la arquitectura será el crecimiento asimétrico de
la naturaleza, explotarán esa asimetría que
además es anticlásica. Era algo sugerente y
novedoso por eso recibe el nombre de
modernismo. Por otro lado, encontramos el
IMPRESIONISMO PICTÓRICO (finales del
siglo XIX), donde lo que importa es el
instante que se representa. En la pintura de
la carrera de caballos de Degas, se presenta
una carrera de caballos desde un punto de
vista cejado en el atardecer y esa
representación es fundamental porque le
aporta una serie de elementos como el claro oscuro de los edificios, el cielo velado, las sombras.
Lo normal sería realizar el momento en el que los caballos corren, pero aquí se representa un
momento colateral, o se están preparando o ya ha terminado la carrera. El impresionismo
representa un tema tradicional, pero con un nuevo punto de vista, un nuevo asunto. La
representación del instante y todas sus condiciones será algo característico del impresionismo.
Capacidad de plasmar un instante. Ambos movimientos sin romper con las artes tradicionales
conseguirán llevarlas al extremo.
En Europa a finales del siglo XIX se definen unas nuevas artes a las que el común de los europeos
no estaban acostumbrados a percibir. Por un lado, llegarán por las colonias, por los
conocimientos que aporta la fotografía y por otro, por el conocimiento de las artes
prehistóricas. Los artistas de finales del XIX aprecian como los artistas del prehistórico son
capaces de transmitir mucho con poco color y con formas y siluetas muy simples. Estas pinturas
ayudan a los artistas de finales del XIX a entender a utilizar una serie de recursos formales que
se pueden permitir incoroporan en sus
técnicas y que además son distintos a los que
se enseñan en las academias. Algo parecido
sucederá con el arte de Japón, pues es una
pintura completamente distinta y se pone de
moda. Es una pintura donde importa el gesto
y expresión y los colores son convencionales
asociados a una serie de sentimientos y
expresiones. Por último, la pintura y objetos
artísticos de la cultura subsahariana hacen

ver a los artistas europeos que lo importante
es la identificación del personaje con una
situación dentro de la comunidad. Este arte
fascina por la capacidad de sintetizar los diferentes elementos, como ocurre con la estatua del
guerrero. En general, la capacidad de transmitir mucho con poco fascina y cautiva a los artistas
del momento que tomarán estas cualidad estéticas.
CARACTERÍSTICAS DEL ARTE CONTEMPORÁNEO FRENTE AL ARTE TRADICIONAL

• Fin concepto tradicional belleza. Desde hace tiempo se pensaba que no era una
finalidad de lo artístico y aquí se acentúa pues no es necesario transmitir un ideal.
• Fin del arte como imitación de la naturaleza.
• Comienza a haber una reacción frente al arte realista de la sociedad burguesa y de las
academias, comienza a haber cierta crítica frente a ese arte. Existe una ruptura personal
frente a las instituciones donde se enseñan los principios que debe tener el buen arte.
En el campo de la poesía también podemos observar esta ruptura, con Baudelaire con
Las flores del mal, donde consigue poner el acento en aspectos no ortodoxos y no
cómodos, alejados de los ideales de la academia.
• Actitud de rebeldía y contestación. Esa actitud en muchas ocasiones tiene que ver con
la vitalidad. Algunos personajes adoptan una actitud contraria a la academia y se
visualiza en la sociedad de finales del XIX, claramente pertenecen a ese grupo de
personas que son contestatarios ante esa actitud tradicional. La más sutil sería la del
‘’dandi’’, que se viste de un modo particular y se distingue de las normas de etiqueta
del vestir del siglo XIX. El más conocido es el escritor Oscar Wilde, presenta una
contestación hacia determinados temas de su época. Existía otro nivel que agrupa a más
gente y que se conoce como la bohemia, un grupo formado por literatos y artistas que

han sido expulsadas o no han podido ingresar en las academias. Estos se reunen en
cafés, cabarets y viven en la Francia del XIX en los áticos (lugar menos importante dentro
de las residencias), conforman una opinión distinta a la que tenía la academia. Dentro
del grupo de los bohemios encontramos a las personas que se autoexcluyen de la
sociedad para situarse en una posición distinta, los pintores de la escuela de Barbizon,
que se recluyen en un bosque donde se pasan días pintando. El último grupo lo
conforman aquellos que se autodestruyen, aquellos artistas o rebeldes que caen en el
alcoholismo o enfermedad mental como es el caso de Van Gogh.
Existen tres aspectos fundamentales para entender los inicios del arte contemporáneo:
lo salvaje, decadente y primitivo.
- DECADENTE: alejarse de las instituciones y situarse en una posicion poco cuidada,
maleducada y alejado de la sociedad.
SALVAJE: importancia fundamental para las artes plásticas. La libertad se manifiesta en
la capacidad de poder desprenderse de ataduras y etiquetas, y de la tierra. Fascinación
por el erotismo y sexualidad como aspecto de energía poderosa y slaavaje que te
domina y rompe con la barrera de cualquier parámetro social. Todo ello a su vez unido
a lo primitivo.
- PRIMITIVO: todo aquello que surge de la tierra y primordial, que da origen a todo lo
demás.

Todo ello explica la fascinación por los artes africanos, exóticos, por lo que no esta
decorado pues pertenece a la tierra, así como, por el arte íbero (excavaciones que se
comienzan a realizar en esta época).
• Mirada subjetiva. Lo que prima es la mirada del escultor pues ya no prima la realidad.
Decía Van Gogh que había que mirar con el ojo de dentro. Esa mirada buscará frente a
los impresionistas (que buscan el instante), se debe buscar la estructura o la decencia
interior que tienen las cosas, que están ocultas a los ojos físicos por lo que es necesario
buscar en el interior.
• Ruptura completa entre el gusto masivo, favorable al arte tradicional, frente al arte
contemporáneo, que es elitista y de rebeldía. Por primera vez en la historia se va a
suceder esto.

TEMA 2: DEL POSTIMPRESIONISMO AL
CUBISMO
¿QUÉ ES UNA VANGUARDIA ARTÍSTICA? (examen)
Nos vamos a encontrar movimiento con unos principios dogmáticos frente al arte tradicional y
esas ideas se van a plasmar a través de un manifiesto. Las vanguardias artísticas son cada una
de estas corrientes del siglo XX, cada una de las cuales tiene una serie de principios propios,
plasmados en un manifiesto, frente al arte tradicional. Ese manifiesto es redactado por un artista
o intelectual que se presenta como promotor de esa vanguardia y explica las bases estéticas de
esos principios frente al arte tradicional. **persona que tiene la figura de dinamizador o literato.
Manifiesto dogmático: con unos principios intransigentes
POSTIMPRESIONISMO
1. Vincent Van Gogh

2. Paul Gauguin
3. Paul Cézanne
El postimpresionismo no se configura como una vanguardia, sino como un grupo de artistas que
poseen una serie de características comunes. Entre ellas destacamos que son artistas que
partirán del realismo del XIX o del impresionismo y dan un gran salto que hace que se conviertan
en los primeros artistas contemporáneos, pues pasan de la sensibilidad visual a la psíquica.
Pasarán de plasmar el instante a plasmar una situación permanente que proviene de dentro,
defendiendo la verdad intrínseca de las cosas. Todo ello conlleva un cambio en las características
estéticas:
- Recuperación del trazo negro con el que se marcan los objetos. Se quiere remarcar la
formalización de los objetos dentro de la pintura.
- Fascinación por el color, aplicado cada vez de manera más subjetiva. Es fundamental en
el postimpresionismo, pero acompañara a la mayor parte de vanguardias artísticas
como los expresionistas.
Entre los pintores postimpresionistas destaca el célebre VINCENT VAN GOGH, que nació en 1853
en Holanda. Era hijo de un pastor, criado en una atmósfera privilegiada y religiosa, se configura
como una persona emocional con escasa confianza en sí mismo. Estudiará arte en Bélgica, y más
tarde marchará a Antwerp donde descubrirá las obras de Rubens y los grabados japoneses. En
1886 marchará a París donde conocerá a autores como Pisarro, Monet o Gauguin, que le servirán
como inspiración para aportar mayor luz a sus cuadros y a pintar con un trazo más corto. Junto
a ellos formará esta corriente conocida como el postimpresionismo. Paradigma de pintor
atormentado, de genio solitario que no vendió ni un miserable cuadro en vida (hoy su obra tiene
un valor incalculable), es verdad que tenía serios trastornos psiquiátricos, pero lo cierto es que
fue un pintor muy de su tiempo, que evolucionó de la monocromía típica de la pintura holandesa
y del realismo de sus ídolos Millet o Rembrandt, al arte colorido con el que lo identificamos hoy
en día, pasando por el inevitable influjo del impresionismo.

Café de noche (1888) de Van Gogh, nunca antes nadie habia
representado el cielo de esa manera. Por primera vez plasma el
cielo como él lo veía en su mente y es ahí donde vemos uno de
los mayores cambios con el impresionismo, que se hubiera
centrado en las sombras. Otro de los aspectos que llama la
atención son los gijarros del suelo y como se colorean,
representando como incide la luz formando distintos matices.
En cierto modo parece una técnica puntillista. Cómo se aplica
el color tiene cierto punto subjetivo, la parte antropizada se
debe de pintar de esa manera (la parte del café es cálida y el
resto es fría). En definitiva, tenemos un uso subjetivo del color
y el uso de elementos fijos e importantes que van más allá,
como las estrellas.

DIFERENCIA ENTRE EL ARTE FIGURATIVO Y EL ARTE DE ABSTRACCIÓN (examen): en el figurativo
se reconocen los objetos que hay en la escultura o el arte. La abstracción es un arte donde
predominan lineas y colores, cuya forma no representa ninguna figura asociada a la realidad. No
todo el arte contemperáneo es abstracto, pero sí es una tendencia dentro del movimiento.
La Iglesia de Auvers-Sur-Olse de Van Gogh (1890). Arte

todavía figurativo, donde hay elementos que pertenecen
a una sensibilidad psíquica y no a la materialidad de
nuestros ojos. Estos son el césped, donde vemos trazos
de color y se determinan por ello, hay una cierta
subjetividad en el camino de ese trazo. Y, por otro lado,
el cielo que es dinámico por el uso de varios colores
subjetivo y la manera de dejar las pinceladas en dos tonos
de azules, de manera sinuosa. El movimiento es la clave
de esta pintura, a pesar de ser una representación de una
pequeña iglesia gótica, podemos observar ese
movimiento en todo el cuadro: el cielo, la manera en la
que se dispone el camino, la dirección del césped e
incluso la iglesia. Es un movimiento interior. La sombra se
interpreta por la gradación del color, al igual que la luz
que va a estar subordinada al uso del color. Esto será una
característica importante de los postimpresionistas.
Noche con estrellas (1889) Van Gogh. Se
trata de una pintura al óleo sobre lienzo
pintada por Van Gogh en 1889. Se
representa un paisaje nocturno donde
aparece un pequeño pueblo,
vegetación, unas montañas al fondo y
una gran parte del cuadro se destina a la
representación del cielo.
Entre las líneas principales de
composición del cuadro encontramos la
que conforma el árbol situada en el
margen izquierdo del cuadro y la línea
horizontal que define el término de las
montañas. Encontramos determinados elementos que aportan profundidad como es el árbol
colocado en un plano más cercano y esas montañas al fondo. La luz se conforma como un
elemento primordial en el cuadro y está determinada por el propio color que se aplica en el
cuadro, no por un foco determinado que incida como se hacía en el arte tradicional. La pincelada
es gruesa que aplica un color directo, sobre todo en la parte del cielo, y delimitado por el uso de
un trazo negro que delimita elementos como las montañas o las casas. Este trazo negro
visualmente gana relevancia sobre esa pincelada gruesa dentro del cuadro. En la parte del cielo

podemos observar una textura, aportando casi volumen, lo cual se puede apreciar en la parte
del cielo donde las pinceladas se superponen.
Es un paisaje, un tema que gusta en el siglo XIX donde se produce este cuadro, aquí tratado de
una manera especialmente expresiva donde el dinamismo cobra importancia. La manera en la
que se pintan las estrellas o la luna son extremadamente significativos, y el uso del color que
usa para la representación pues itnroduce en los colores fríos otros cálidos para representar el
aurea de los astros. Otro elemento significativo es el árbol que aparece en primer término por
su relación con la muerte y lo trascendente, y por la forma que se asemeja al fuego relacionado
también al movimiento y a la energía.
*El uso arbitrario del color y las formas curvas que predominan en el cuadro relacionan el
contenido significativo de una noche con los elementos representados. Todo ello se expresa a
través del uso subjetivo de color pues una noche debería estar construida con colores fríos, el
trazo de curvas sinuosas que son mucho más significativos en el cuadro. Encontramos los
distintos escenarios perfectamente diferenciados gracias a las líneas negras. Todo esto es una
característica estética de la obra de Van Gogh que se pueden observar en otras obras y que se
constituye como un pintor esencial para entender estas obras de principios del movimiento.
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Divan Japonais, litrografía (1893). TOULOUSE-LAUTREC
se conformará como otro de los autores
postimpresionistas, un hombre con una discapacidad que
porducirá un rechazo por parte de su familia. Esta
condición hará que se convierta en bohemio, aunque
finalmente acabará autodetruyéndose debido al
acoholismo . Se moverá por los ambientes del cabaret y
se ganará la vida realizando bocetos y pinturas para
pequeños encargos y publicidad. Este úlimo un ámbito en
pleno auge debido a las imprentas y se va a ir creando un
arte de esa publicidad. Realizará obras influido por Degas
y la subjetividad que este último muestra. Esa influencia.
Esta imagen se trata de una litografía, una una técnica de
reproducción de gabrado sobre una pintura inicial. Esa
influencia de Degas podemos observarla en esta
litografía en el uso de la visión lateral y en vez de verse el espectáculo puede verse a los clientes,
personajes que no tomarían el protagonismo tradicionalmente. También puede observarse esa
influencia de lo oriental en el propio nombre del cabaret ‘’Divan Japonais’’. Se sabe por el cartel
que va a haber alcohol por la representación de la copa y que va a haber música, por los mástiles
y la batuta. Es muy caratceristico del arte contemporaneo el hecho de mostrar sutilmente los

diferentes elementos que vamos a encontrar. Arriba de la litografía aparece esbozada una
señora de la cual no se puede ver la cabeza, juega con la intuición y sabemos que puede ser una
cantante o bailarina.
Es importante que deslumbre visualmente y lo que deslumbra visualmente de esta obra es la

figura de la mujer y el uso del color negro, donde no hay ningún matiz y consigue hacerlo
sorprendente. Con una poca cantidad de matices y pocas líneas de dibujos consigue fascinar.
Los colores de alrededor son casi neutros para conseguir que nuestros ojos se desvíen hacia la
señora.
Otra obra importante de Lautrec es Moulin Rouge

(1894). En esta pintura observamos una luz irreal
semejante a la de Van Gogh, que incide en los rostros
de los personajes, y vemos un uso un poco arbitrario
de los colores para componer las figuras. De nuevo
recoge una representación lateral del tema.
Los otros dos autores postimpresionistas importantes son Paul Gauguin y Paul Cézanne.
PAUL GAUGUIN, es un pintor francés (1848-1903) representante del movimiento

postimpresionista. Hijo de un periodista francés y con sangre peruana por parte de madre, su
familia tuvo que huir a Lima tras el golpe de estado de Napoleón III (1851). Alrededor de 1870
volverá a París y comenzará a desarrollar un importante interés por el arte. En 1875 entrará en
contacto con Camille Pissarro, relación que impulsó su pintura. Entre 1886 y 1888 su obra
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experimentó un giro radical, cuyo origen cabe buscar en dos experiencias vitales de gran
importancia: su encuentro con Vincent van Gogh y su primer viaje a la Martinica.
Paul Gauguin conoció al pintor holandés en París y quedó fuertemente impresionado por el
modo en que éste conseguía plasmar sus inquietudes vitales en unos lienzos rebosantes de
expresividad. En 1888 incluso se desplazó a Arlés con la intención de trabajar conjuntamente
con Van Gogh, pero las incompatibilidades de carácter dieron espectacularmente al traste con
el proyecto al cabo de tan sólo unas pocas semanas. Poco antes, Gauguin se había trasladado
durante un tiempo a la colonia francesa de la Martinica, donde había descubierto un paisaje
repleto de sensual colorido y una sociedad, la indígena, en estrecha convivencia con la
naturaleza. Ambos factores se unieron para despertar en el artista una aguda nostalgia por lo
primitivo, cauce en el que iba a encontrar una vía idónea para expresar una emotividad no
contaminada por el naturalismo propio del arte refinado. Tras su desastrosa experiencia con Van
Gogh en Arlés, Gauguin regresó a París, donde su interés por las formas del arte popular se
acrecentó por vía de su amistad con el joven artista Émile Bernard. De resultas de sus propias
experiencias en la Martinica y del aporte teórico de Bernard iba a surgir el sintetismo, estilo
personal caracterizado por la representación no imitativa y la separación de la imagen
pictórica en zonas de color fuertemente contrastadas y a menudo delineadas en negro. Dicho
estilo, con su rechazo frontal al uso de trucos formales para recrear la percepción visual, significó
una ruptura absoluta, desde el punto de vista conceptual, con el impresionismo que había
abrazado anteriormente, razón por la cual la moderna historiografía del arte ha situado su

producción más significativa en el postimpresionismo, etiqueta que también se aplica a
maestros como Vincent van Gogh y Paul Cézanne, aunque apenas comparten otro rasgo que no
sea el abandono parcial o total del ideario estético impresionista.
En definitiva, se configura como un representante

de esa idea de lo salvaje. En este autorretrato
podemos ver las tendencias de su pintura: un uso
del color cada vez más libre, pérdida de
preocupación en la perspectiva, todavía cierta
gradación en la representación del personaje,
detrás se observan dos figuras, por un lado, cristo y,
por el otro, una cerámica prehispánica peruana.
Con estos elementos nos habla de los elementos
que le van a fascinar pues es descediente directo
del último virrey de Perú. Gauguin busca mostrar la
relación que tenemos con lo salvaje y primitivo, una
relación que se encuentra en la tierra. El cristo aparece representado porque es una figura que
surge de la tierra betrona porque allí hay una relacion con la fuerza telúrica y es una tierra donde
la tradición impone la norma. La otra figura es también algo relacionado con la energía de la
propia vida y de la propia existencia.
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En su obra El cristo amarillo (1889), observamos un uso psíquico de los colores, utiliza el color
cálido de la energía de la tierra para practicamente todo el cuadro. Otra de sus características
es el uso completamente libre del color, adquiriendo sus
obras un carácter decorativo. El aspecto de la profundidad no
le interesa, lo que quiere es crear una forma primitiva de
disponer los elementos de manera que quede en manos de la
búsqueda de lo salvaje. Otro de los aspectos que llama la
atención es la aparición de las campesinas bretonas porque
son las mujeres las que dan la vida, es el puente humano
entre el hombre y la tierra. En algunos casos también será en
un sentido erótico porque aparecerán algunas de sus
amantes. La sociedad burguesa de su época reprime en cierta
manera esos instintos y disfrazándolo de cristianismo u otros
ordenes establecidos y estos pintores que quieren

distanciarse de las academias insisten en estos elementos.
Mujeres en Tahití (1892), se plasman de nuevo mujeres, se plasma en los tejidos de la ropa que
usan la fuerza de la vida y la relación que existe entre las mujeres y la tierra. El mundo de los
aborígenes que viven del campo, de los frutos y
atadas a la propia tierra le fascina. Para Gauguin
este cuadro tiene una fuerza y una provocación
que la diferencia de ese arte tradicional de la
época. El uso de color se configura como un
elemento fundamental porque le otorga una
importancia desmedida. La presencia física pierde
protagonismo frente al color plasmado en los
frutos o en las flores, y en general en todo el
cuadro.
En algunas obras da un salto y se convierte en algo que deja de

ser figurativo, lo podemos observar en el Autorretrato con
nimbo (1889). Es un cuadro donde la luz no tiene un foco
definido, sino que surge de los propios colores que en este caso
son cálidos y casi podríamos decir agresivos. Existen ciertos
elementos que por la tradición cristiana se reconocen como la
manzana, una serpiente y un aura encima de su cabeza. Se
representa a sí mismo como un creador que está por encima
del bien y el mal, quiere precisamente romper con ese ideal
cristiano y ponerse en una situación irónica en la que es a la vez
santo y pecador, tentador y tentado para plasmar la energía de
la naturaleza. Gauguin anima a los pintores a utilizar colores
puros y que el protagonista de su obra sea el color entendido
desde el punto de vista subjetivo de los pintores. Se entiende
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por lo tanto que hay que exagerar los elementos y sensaciones que se tienen de los elementos
que llamen la atención del objeto en cada momento.
PAUL CÉZANNE (1839-1906), al igual que

los otros autores le otorgará importancia
al color. Cézanne en este escrito dirá que
se intenta comportar como un pintor
tradicional, pero no lo consiguió y da
importancia a pintar lo que el pintor siente
dentro. No hay que pintar la naturaleza,
sino realizarla por medio del color. A
través del color convertido en estructura
es él quiere plasmar las cosas.
Autorretrato con paleta (1890), se puede observar como el

color estructura aquello que vemos. Da la sensación de que

el personaje es escultórico, que pesa, tiene la capacidad de
crear textura y escultura a través del color. Consigue cargar
de fuerza cada uno de los planos a través del uso del color.
En su obra Las grandes bañistas (1904-1906), podemos ver este uso del color que permite crear
objetos y formas que no consiguen diferenciarse del
paisaje de la obra. Esta obra permite introducir la
anatomía y representar el baño, pero a su modo
consiguiendo distanciarse del arte tradicional. Los
pintores de las vanguardias representan temas
aparentemente tradicionales, pero dándole la vuelta. En
los bañistas en vez de representar la anatomía de forma
cuidada, los consigue fundir con el paisaje. En
Autorretrato con rosa (1875), vemos de nuevo este uso del
color.
14

En el cuadro Los jugadores de cartas los
propios jugadores se configuran como
volúmenes dispuestos por el color, cuyas
formas no se distinguen de forma clara y
definitoria. En sus cuadros la realidad se
muestra a través de los diferentes planos
de color. En el Bodegón con Cebollas vemos
como la botella aparece como un objeto
casi plano, pues las gradaciones del color
que se observan son mínimas.

Por último, en los paisajes pretende buscar a través de la profundidad de los colores desde un
punto de vista geométrico cómo se conforma la realidad. Para Cézanne existe una red de planos
de colores que consiguen estructurar la realidad. En definitiva, lo que buscarán los
postimpresionistas será destacar la estructura interna de los objetos que consigue conformarlos
como algo estable.
FAUVISMO (1905)
Su nombre viene de una exposicion que hcieron una serie de autores y un critico dijo que era
una especie de representacion de Donatello entre fieras. Este movimiento es un grupo de
pintores fundamentalmente franceses y alemanes que van a extender la idea de la búsqueda
libre del color a distintos artistas de Europa. Será una especie de movimiento de transición hacia
las vanguardias.
Dentro del movimiento del fauvismo destacan las figuras de Herin Matisse, considerado durante
un largo tiempo como el gran artista contemporáneo, pero hoy su papel ha quedado rebajado.
15

La característica principal es el uso libre del color.
Buscan que el color sea algo exuberante y que adquiere
un significado de por sí. En este cuadro podemos ver
como algunas de estas barcas se convierten en ensayo
del color y son casi indistinguibles, aunque todavía se
trata de un arte figurativo. Los fovistas hoy día han
perdido fuerza, pues el cuadro en su momento si llamó
la atención y rompía con los esquemas del momento.
EXPRESIONISMO: PRECURSORES
El expresionismo abarca del 1905 al 1930 y es fundamentalmente nórdico (Alemania, países
bajos y países escandinavos) lo que aporta un cierto tono de la dirección que va a tomar el
movimiento. En el arte alemán siempre había existido una cierta tendencia al patetismo y a
figuras que expresan su mundo interior. El expresionismo precisamente ahonda en esa
tendencia nacional alemana, promueve que exista una experiencia que proporciones los
sentidos. Busca a través de los elementos formales de la pintura adquirir una experiencia
sensitiva o emocional (sacar cosas del mundo de lo sensible: la mirad psíquica que establecemos

sobre las cosas, mirar lo de dentro) y para ello utiliza: un fuerte trazo grueso en el exterior,
deformación de las figuras y una expresión libre del color, herencia del fovismo. Como
precursores de esta vanguardia encontramos a Edvard Münch y James Ensor.
EDVARD MUNCH (1863-1944), tuvo una vida muy larga, dedicada a la pintura y algunas de sus
obras lo convirtieron en un autor muy criticado. En este cuadro, Madonna (1895-1902),
consigue con muy poco uso del dibujo representar mucho. Se
observa una excelente técnica. Es curioso como la Madonna,
una virgen, se convierte en una figura sugerente a través del
uso de colores cálidos en el marco y fríos en el tema. Es
interesante como una figura que pertenecería a lo religioso
representa lo que parece un feto y a una mujer sugiriendo la
maternidad, pero no de una manera cómoda y un tanto
siniestra.
16

Su obra más famosa es El Grito, existen varias versiones esta es
un óleo, temple y pastel sobre cartón (1893). Existen distintas
versiones del cuadro, pero este en concreto es el que se
encuentra en Noruega.
En el cuadro se muestra un paisaje que parece representar una

zona de marismas o un río y una zona de muelle o paseo donde
aparece en el plano más cercano una figura que se lleva las
manos al rostro y detrás parecen intuirse otras dos personas
que pasean por el malecón o puente. No tiene una función
definida, sino que es un cuadro hecho con un fin meramente
estético.
Las líneas predominantes que hay en el cuadro son unas líneas

curvas, aunque podemos trazar una línea de separación del horizonte a la altura de las cabezas

de los dos personajes que andan en el fondo. La otra línea importante sería la línea horizontal
de la valla del puente que se pierde en el fondo del cuadro y camina hacia la figura principal del
cuadro. Existe una perspectiva muy interesante pues el punto de fuga está situado en un lateral
casi fuera del cuadro (no es algo habitual porque desplaza fuera del cuadro el camino y de dónde
viene). El trazo es muy importante, pues todos son visibles, sin embargo, lo que destaca es el
uso del color. Existe un gran contraste entre el uso de colores muy cálidos en la parte del cielo
y colores muy fríos situadas de la línea de horizonte hacia abajo. No existe un foco de luz
identificable, sino que viene dado por el uso del color. Esa luz anaranjada se refleja en ciertos
lugares, como el de la barandilla del puente pues se interpreta que la luz es amarilla (contraste
acusado entre gamas de colores). Tanto los trazos como la pincelada son muy visibles y marcan
muy claramente como ha sido el tratamiento de los pigmentos sobre el cartón. Podemos ver la
pincelada en la figura o en las nubes naranjas del cielo, lo que nos permite ver de manera visible
como se ha aplicado el color en la obra. Las líneas de este cuadro destacan por ser onduladas y
sinuosas (líneas sugiere inestabilidad y movimiento).
No responde a ninguna temática tradicional reconocible, aunque si existen algunos elementos

que tienen un carácter significativo. El primero de ellos sería el personaje situado en el plano
más cercano, el cual recuerda por la ausencia de pelo y cejas a una calavera, es decir, remite a
la muerte. La disposición de la disposición de las manos remite a un gesto patético que se
observa en situaciones muy específicas, situaciones de dolor extremos como el de las plañideras.
Es una figura que aparece dominada por una emoción que lleva al dolor. El hecho de que se
encuentre sola acentúe esa sensación de dolor cuyo motivo desconocemos, pues no existe
ningún asunto en el cuadro que nos lo indique.
La forma de la composición está estrechamente relacionada con el tema principal de la obra, la

angustia. Ese ángulo con el que usa la perspectiva, la curva de la línea y el uso de color cálido y
frío que produce cierto desconcierto, pues no es natural en el arte tradicional. La profundidad
con el punto de fuga fuera del cuadro transmite sensación de no estar completo de que faltan
ciertos aspectos dentro del cuadro. Todo esto nos lleva a entender que se trata de un cuadro
relacionado con el movimiento de la vanguardia expresionista.
(Comparar con otros cuadros de Münch, la figura de Münch qué importancia tiene, la novedad,
expresión de la angustia, no tema definido pero el alma humana pasara a ser tema del cuadro,
impacto visual e icónico muy importante. Relacionar con las caract del mov impresionista).
17
ENSOR, es otro de los autores precursores
del expresionismo, sobre todo por los
contenidos que representa. La mirada de
este autor será irónica y se centrarán en los
movimientos sociales, multitudes, etc y lo
hará de manera alejada y con ironía, por lo
que todo se convierte en una caricatura. En
su cuadro Entrada de Cristo en Bruselas
(1889), se pueden ver caricaturas más
reconocibles. En este cuadro se ve la
sociedad como un conjunto de máscaras,
de disfraces.
Retrato del artista rodeado de máscaras (1899), consigue situarse

a él mismo dentro de esa sociedad como una persona con una
mirada especial. Un poco como un dandi mira a la sociedad con
una capacidad de analizar las máscaras. La máscara tiene varias
funciones: decir que la realidad es un engaño e introduce un
elemento de deformidad, de cambio con respecto a la realidad

porque es una interpretación del rostro humano sin llegar a serlo.
Dentro del expresionismo aleman existen dos grupos el grupo BRÜCKE y el grupo DER BLAUE
REITER.
Este primer grupo de EXPRESIONISMO ALEMÁN DEL PUENTE (die Brücke) , formado por autores
como Ernst L., Kirchner y Emil Nolde. Muestra a través de la libertad formal y del uso del color
se puede extraer la energía y la libertad de las cosas. El circo, el cabaret, la naturaleza, lugares
donde una se asoma a lo primitivo, primordial y a las sensaciones que estos espacios produce.
Usan elementos como el color de un modo reivindicativo
El segundo grupo es el EXPRESIONISMO ALEMÁN DEL JINETE AZUL (der blaue Reiter) formado
por el primer Kandisky, Frankz Marc y Paul Klee. Van a ser autores centrados en la forma, en el
estudio del color como un elemento casi místico y los llevará a la abstracción. Reputación formal.
Preocupado hacia donde se va a ir desde el punto de vista formal.
En ambos encontraremos elementos comunes como fuertes colores, trazos gruesos y la

deformacion de las figuras.
GRUPO DEL PUENTE
Cuando se muestra al pintor con la modelo se muestra esa formación del artista, pintar a la
modelo es el culmen casi meta-artístico. También tiene un componente de reflexión sobre la
creación porque el pintor crea a la modelo que a su vez es algo real.
18

El color es muy importante en este cuadro. La luz es casi inexistente
y los colores hace que las figuras sean prácticamente planas. La luz se
introduce a través del uso del color negro. Todo es un mismo bloque
de color. Si miramos el rostro de la modelo vemos como existen
algunos matices o gradaciones, que se pueden interpretar como un
cierto sombreado. Sin embargo, no se trata de un sombreado, sino
de otro color. La manera en la que se introducen los sombreados es
mediante la introducción de colores. La luz está dentro y provocada
por el color. Tiene un carácter en cierto modo decorativo, casi infantil,
pero para su época era un arte muy trasgresor. Con unos trazos
negros casi convencionales indica cual es el rostro y el cabello de los
personajes de la obra.
ERNST LUDWIG KIRCHNER: se configura como fundador y principal impulsor del grupo
expresionista alemán Die Brücke (El Puente). Comenzó a pintar de forma autodidacta al tiempo
que estudiaba arquitectura en la Technische Hochschule de Dresden. En 1905 junto como Fritz
Bleyl, Erich Heckel y Karl Smichtdt-Rottluff creo el grupo del Puente. Su interés por el arte
primitivo, que contemplaba en el Museo Etnográfico de Dresde, se vio reflejado tanto en su obra
como en los muebles y murales que fabricó para el estudio que compartía con Heckel en una

antigua carnicería del barrio obrero de Friedrichstadt. En octubre de 1911 se trasladó a Berlín,
donde pintó sus obras más significativas y comenzó a tener un cierto éxito que le llevó a ser
seleccionado para el Armory Show, exposición de arte europeo contemporáneo celebrada en
Nueva York en 1913.
Su movilización en la Primera Guerra Mundial le causó un fuerte deterioro en su salud física y

mental, que terminó con su inhabilitación en 1915 y su consiguiente traslado a Davos, donde
vivió aislado el resto de su vida. En las montañas de Suiza comenzó de nuevo a pintar y a escribir
crítica de arte bajo el seudónimo de Louis de Marsalle. Tras la llegada al poder de los nazis en
Alemania y la confiscación y destrucción de sus obras, Kirchner sufrió una recaída de su estado
depresivo y se suicidó en junio de 1938.
Su obra mantuvo siempre la simplificación formal expresionista y el uso arbitrario del color.
Como los demás pintores de Die Brücke, evolucionó desde un primer momento de influencia de
Van Gogh a un estilo más sintético y bidimensional, de pinceladas gruesas, y una mayor
autonomía del color. Su temática estuvo en un principio dedicada al paisaje, con o sin figuras, y
al desnudo, y más tarde se centró en el ajetreo de las calles berlinesas de las que, entre 1912 y
1914, pintó unas memorables escenas. En Suiza volvió la pintura de paisaje de un creciente
misticismo.
19

Plaza Nollendorf es un óleo sobre lienzo pintado en
1912 por el pintor alemán, Ernst Ludwig Kirchner, ubicado
hoy día en el Märkishes Museum (Stadtmuseum) de
Berlín.
En el cuadro se muestra la representación de un paisaje

urbano donde aparecen varios edificios, viandantes y lo
que parecen ser autobuses. El cuadro parece cumplir una
función meramente estética.
Las líneas principales del cuadro están delimitadas por las
calles por donde circulan los autobuses, configurándose
son líneas en aspa que cortan en el centro del cuadro. La
profundidad del cuadro viene dada precisamente por esas
líneas principales que se estiran hacia los laterales del
cuadro, sumado a ese punto de convergencia que se indica en el centro el cual aporta dinamismo
y movimiento a la obra. El color será el encargado de aportar la luz al cuadro, los tonos más
cálidos de los edificios y los vehículos aportan luz por ellos solos. Es interesante el uso del negro
en el cuadro sumado a ese contraste del uso del azul frío para el cielo y la carretera y ese amarillo
con gradaciones de verde y negro que sirven para aportan dimensión y sombra al resto de
elementos del cuadro. Utiliza a su vez una línea de dibujo muy marcada y el negro como un color

principal del cuadro. La pincelada y los trazos del dibujo son gruesos y claramente distinguibles
dentro del cuadro.
No responde a ninguna temática tradicional reconocible, aunque si existen algunos elementos

que pueden dar pistas sobre cuál es la temática del cuadro. La gran cantidad de personas y esos
vehículos que parecen desdoblarse dan sensación de caos dentro de la ciudad. Sumado a las
líneas curvas de los edificios que parecen querer tragarse a la propia vida que se está sucediendo
en todo el cuadro. Cada uno de los tranvías delimitan una de las líneas del aspa que permite
crear una dinamización y movimiento dentro de la composición. La forma apoya ese contenido
de la visión inquietante de la plaza mediante la composición en aspa.
Hay un predominio de la curvatura en los edificios y de sinuosidad, que transmite dinamismo.

Esa composición en aspa no es usual. Las líneas curvas cierran la composición dando la sensación
de que están vueltos a sí mismo, consiguiendo transmitir una sensación de inquietud y de
trabajo inacabado. La paleta tan corta de colores y además tan contrastado intensifica la
sensación de tristeza e inquietud. Apoya el tema de la plaza inquieta el hecho de que todos los
personajes son trazos negros que recorren la plaza.
**Ángulos agudos suelen expresar tristeza, ansiedad y los ángulos agudos se tienden a eliminar
cuando es algo apacible. Eso también se ve en esta formalización del cuadro.
FINAL DEL COMENTARIO: Kirchner era el jefe de este movimiento del puente. ¿Qué opina de su
misma obra? ¿Es una obra más? ¿Tiene importancia?
Los detalles de la plaza no le importan, lo que importa es la esencia y para él es una esencia
triste, lluviosa, agresiva y eso es lo que pretende transmitir con el cuadro.
20

Café Garden (1914), en este cuadro podemos ver el uso
arbitrario del color, la poca importancia de la fisionomía
de los personajes, en general características
expresionistas. Llama especial atención de las forman
angulosas: las narices, zapaos, la disposición de las
piernas o la manera de disponer las sillas. Para Kirchner
este tipo de situaciones no produce tranquilidad o una
sensación de sosiego, al contrario, no tiene una buena
visión.

EMIL NOLDE, pintará numerosos temas religiosos y durante
la guerra se decía que fue nazi. De vez en cuando, se
descubren ciertas obras de su producción pues cuando
llego el régimen nazi tuvo que quitar de la circulación sus
obras. Uno de sus cuadros es El Profeta, un grabado en
madera de 1912. En este cuadro se representa el rostro de
un personaje que parece estar triste con barba.
Es una representación monocroma, sin un foco de luz. Lo

que destaca es la contraposición del color blanco y negro,
no existen términos medios. Este uso del color no es algo
usual.
Un uso de la pintura prehistórica, con el uso de un mínimo

de elementos tiene una enorme capacidad de expresión.
Este uso es algo intencionado por parte de la artista. (El grabado en madera se dejará de usar
con el tiempo porque permite poco detalle. El grabado xilográfico). La técnica xilográfica es
tremendamente expresionista, permite ver la esencia de lo que hay debajo de las cosas.
GRUPO DEL JINETE AZUL
KANDINSKY: El jinete azul (1903), un cuadro en el que

se ve una técnica puntillista pues este autor quiere
encontrar las raíces del primitivismo de la pintura. Será
un cuadro que impresionará a sus compañeros y le
acabará dando nombre a este nuevo grupo del jinete
azul. Con respecto al grupo del puente compartirá
todas las características, pero con una especial
preocupación formal. Quiere determinar cuál es la
esencia verdadera del color y acabará teniendo un
carácter casi espiritual. Todo esto llevará a la
desaparación paulatina de lo figurativo.
21
En definitiva, existirá una gran fascinación por la forma.
(examen le gusta) FRANZ MARC: Los grandes

caballos azules (1912). Este autor morirá en la
primera guerra mundial. Los caballos están
perdiendo su importancia como tema, lo importante
son las curvas y las formas de los caballos y el color.
Quiere destacar como aspectos como las líneas y el
color pueden componer la escena. Son figuras que se
pueden identificar todavía, pero lo predominante
son los aspectos formales. Marc va caminando hacia
la abstracción, pero todavía no es abstracto.
En la obra El tigre (1912) lo interesante son los planos de colores y

esos ángulos que utiliza. Muestra a través de planos de colores,
que son los que componen la realidad. Pone el acento en la forma
y precisamente eso es lo
interesante de la obra de
Marc.
Este autor finalmente

pasará, sin llegar a ser un

autor meramente
abstracto, a reflejar cuadros de este carácter como en
el caso de su obra Formas volantes (1914).
KLEE, seguirá un camino parecido al de Marc en cuyos cuadros el color aparecerá repartido en
fragmentos.
Otro de los cuadros de este autor será Ciudad de sueño (1923),
la representación de un paisaje nocturno.
22

KANDINSKY, será de los primeros autores
abstractos y para ello comenzará a representar
cuadros de temática tradicional en la que se
focaliza en el uso del color. Un ejemplo de ello
es el cuadro Domingo, Rusia antigua (1904), el
cual utiliza como una especie de excusa para
experimentar con el color.
Pocos años después crea Montaña (1905-09) donde
prácticamente se ha perdido el arte figurativo. La montaña
aparece como un símbolo sagrado, donde hay un uso
absolutamente arbitrario del color.
Acabará haciendo dos series de obras. Por un lado, la serie de

improvisaciones caracterizada por la escasa planificación. Estas
se caracterizan por ser obras plenamente abstractas en la que se
evita la relación con las figuras. Por otro lado, aparece su serie
de composiciones, donde organiza las formas y colores de manera intuitiva.

A través de sus escritos hemos podido saber que la pintura para Kandinsky se configuraba como
algo casi terapéutico y trascendente. Él mismo se mociona ante sus propias producciones a
través de las cuales consigue desprenderse de la realidad y darle la fuerza que quería al color.
CUBISMO (1907)
Una vanguardia fundada por Picasso y Georges Braque, quien reconocerá el valor del cubismo
como una de las vanguardias del arte contemporáneo. Durante esta época en el ambiente
bohemio se extiende la idea de ensayo y experimentación con respecto al arte. Tendrá
importancia la búsqueda del color, las formas y el movimiento. Los cubistas pondrán el acento
siguiendo de manera lejana, la obra de Cézanne, en la descomposición del objeto en planos y
fragmentos geométricos. La idea es la representación de la realidad entendida como una
sucesión de planos geométricos de manera yuxtapuesta sin necesidad de buscar la
dimensionalidad.
Aparecen nuevas técnicas como la incorporación en el cuadro de materiales de la vida cotidiana,

conocido como collages, en la que se introducen cartones, papeles, revistas que se encolan en
el cuadro con técnicas tradicionales como la pintura al óleo.
23

PABLO PICASSO
Buscaran en la naturaleza y en la arquitectura ese proceso de
descomposición de la realidad. Este cuadro, Colinas de Horta, se
trata de un pueblo donde se acentúan los planos y se introducen
formas geométricas. Se comienza con la representación de
pueblos y paisajes porque estos
presentan mayor facilidad para esta
técnica por las formas cuadradas o la
forma en la que incide la luz en estos
pueblos.
Este cuadro lo pinto inspirado por un viaje que realizó junto con otros
compañeros como Braque por el sur de Francia y el norte de España.
Braque en su obra L’Estaque (1908) también muestra las técnicas del
cubismo.
Las señoritas de la calle Avinyó (1907), pintado por Picasso.

Cuadro entendido como uno de los iniciadores del cubismo y
muchos autores lo consideran como la primera gran obra del
arte contemporáneo.
Las señoritas de la calle Avinyó es un óleo sobre lienzo pintado

en 1907 por Pablo Picasso que se encuentra hoy en el MoMA
Nueva York. El cuadro muestra cinco figuras femeninas
desnudas, con un fonde donde se distinguen frutas y unas
telas.
El cuadro presente tres líneas de composición del cuadro: la que encontramos en la parte
derecha, las dos centrales y la última la mujer que se encuentra en la parte izquierda. En cuanto
a la profundidad es excasa, parece por la disposición de las figuras, algunas delante y otras detrás
parece haber algo de profundidad, pero sin importancia destacada (planos yuztapuestos de
manera bidimensional, la pretensión del pintor es la representación en planos bidimensionales).
La luz vendrá dada por el color cálido de los cuerpos que contrastan con los colores fríos que
utiliza en el fondo de cuadro. La luz aparece convertida en algo geométrico, en determinados
fondos pinta con blanco ciertas formas que represenan la indicendia de la luz, del mismo modo
ciertos planos son un poco más oscuros y todo pasado por una especie de filtro de
descomposición en planos. El dibujo es muy importante pues determina los límites de las figuras
y los diferentes planos. En cuanto al color, se focalizan los colores cálidos en los cuerpos de las
mujeres y los fríos en el fondo, de esta manera Picasso establece un puente para que peude
entenderse el cuadro pues normalmente los cuerpos de las mujeres se representan con esos
colores. Los colores fríos se utilizan en los cuerpos que ya están más desdibujadas. Aparecen
trazos gruesos y sin una sensación táctil.
Existe una relación con la realidad un poco dispar, en concreto, las figuras que s eencuentran
representadas en los dos laterales del cuadro. Estas figuras presentan un cubismo mayor que
hace que sus rostros aparezcan con una mayor deformación.
24

Las figuras del cuadro aparecen desnudas y posando. La calle Avinyó es una ciudad de Barcelona
y era el barrio chino, donde había bares y prostitución. Por un parte, están posando como
modelos, pero por el contexto podríamos decir que son prostitutas. Ambigüedad en la
presentación de las figuras buscada, pueden ser modelos o prostitutas. Otra ambigüedad son
las representaciones más cercanas a la realidad de las dos figuras del centro y las de los extremos
más cubistas.
El tema del cuadro es un diálogo crítico con la formación artística tradicional, está ubicando la
formación académica en un prostíbulo. Las mujeres del centro se acercan a los métodos de
representación tradicional y las de los extremos se acercan a ese pensamiento cubista. Este tema
se observará continuamente en las vanguardias. El tema de la presentación de la prostitución se
verá mucho en el expresionismo. En las mujeres ubicadas en la parte derecha vemos esa
influencia del arte íbero y africano que está llegando en ese momento y se muestra a la
perfección en las máscaras de estas dos mujeres.

El cuadro rompe completamente con la profundidad de manera que las telas y las figuras se
diferencia únicamente por el uso del color. En la parte final de los planos introduce un elemento
de blanco para introducir lo que sería un entendimiento de las sombras. La descomposición de
las figuras aparece en las figuras laterales y no tanto en las centrales. Este cuadro se toma como
un cuadro inicial del arte contemporáneo y permanecerá oculto en su casa durante los dos
primeros años debido a que solo era conocido dentro de su grupo de amigos.
Determinados problemas que se plantean en la historia del arte

también lo hará la historia de la ciencia. La función que desarrolla el
arte es plasmar símbolos elementos que preocupan a una sociedad
(cuando vemos escrito expresión simbólica de lo artístico).
Fernand Léger, Escalera (1914). Es un cuadro influenciado por los

fotogramas que permiten el cine en la época que obsesiona a la
época. Se observan figuras antropomorfas dispuestas con planos que
se yuxtaponen unos a otros que tiene un carácter lejanamente
antropomorfo porque son figuras antropomorfas convertidas en
geometría. También observamos una serie de escaleras que se
repiten, un elemento tremendamente cubista, y forma parte dentro
de esa preocupación del movimiento. Planos yuxtapuestos en el
espacio y el tiempo.
CUBISMO ANÁLITICO VS. SINTÉTICO
El cubismo pretende presentar la realidad con planos

geométricos yuxtapuestos que desaparecen. Cuando la
descomposición de planos geométricos se realiza sobre
una misma figura se conoce como CUBISMO
ANALÍTICO. Cundo la descomposición se hace sobre el
contexto que está alrededor de una figura se conoce
como CUBISMO SINTÉTICO.
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Mujer y guitarra, cuadro de la derecha, descomposición de planos entre formas distinta so entre
las formas y su contexto.
En el cubismo sintético será donde se introduce el collage. (EXAMEN) Un ejemplo de cubismo

sintético es Botella y periódico, donde utiliza la técnica del collage. Existen elementos
reconocibles en la realidad: pipa, periódico, botella, marco de un cuadro. Ha cogido planos de
distintas figuras de un contexto y esos los ha colocado de manera yuxtapuesta creando una
composición. Juan Gris con su obra Bodegón, agua y frutero (1913), se presenta como otro
ejemplo de cubismo sintético. Este cubismo en ocasiones alude a un bodegón con elementos
propios de su realidad.

ESCULTURA CUBISTA
Un cambio muy importante dentro de la arquitectura será el material que se utiliza, frente al
uso tradicional del mármol los artistas contemporáneos utilizarán el metal. El metal tiene
cualidades estéticas muy distintas a la del mármol, que puede ser suave con grandes contrastes.
El metal es duro y es necesario fundir y moldear y mucho más difícil para utilizar la imitación de
la realidad, pero muy sugerente para los movimientos de arte contemporáneo. El metal ayuda
a representar planos, pues se presenta en planchas. Los escultores pretenden plasmar la
estructura interna de las cosas. El metal permite diversas texturas, pero de manera muy plana.
Un ejemplo de ello es Kiki de Pablo Gargallo. Bronce. Fundido

a la cera, pulido y sodado (1928). en esta escultura se ha
fundido el metal y a partir de esa fundición se ha moldeado.
Consigue introducir el vacío como parte de la escultura,
incorpora el vacío en la escultura como un elemento más. La
capacidad de sugerir algo que no existe, pero que sí está ahí. La
escultura dibuja formas haciendo ver que falta siempre la otra
mitad, porque desde el punto de vista del concepto es
innecesario añadir más. Somos capaces de incorporar el resto,
a partir de una parte relacionarlo con el todo. La pretensión de
las vanguardias es que el arte sea un pensamiento y ese
pensamiento exige que completemos la idea. Es la moda de los
años 20, charlestón, el peinado a lo garçon y ese perfilado: todo eso hacía que fuera muy fácil
imaginarse lo que faltaba en la escultura.
26

Máscara Star, plancha que se retuerce y deja un
espacio hueco. La nariz desaparece convirtiéndolo en
un plano geométrico. El tocado de la máscara es otra
plancha. Uso del metal se pone al servicio de una
representación que sintetiza el accesorio y que el
espectador debe completar.
El profeta, representación característica. Aparece el

hueco y el vacío como un elemento estético. El vacío
de la boca tiene mucha fuerza, así como, la ausencia
de ciertos aspectos. Plano trasversal al espectador y otro paralelo que conforma la forma del
rostro. El que avanza hacia nosotros conforma el gesto: la nariz, arcos que imprimen carácter y
se confunde prácticamente con el pelo. A parte central más realista con la boca provoca un
impacto. El brazo que asciende en posición declamatoria y el resto del cuerpo vemos un vestido
recortado.
PABLO RUIZ PICASSO. FUTURISMO y

CONSTRUCTIVISMO

PABLO PICASSO (1881-1973)
Fundamental en la evolución del arte contemporáneo, pues en su figura representará todas las
etapas que verá el arte contemporáneo. Quemará en cierto modo todas las etapas y llegará
incluso a abandonar las artes plásticas y dedicarse a la literatura, fruto de su espíritu inquieto.
Tiene una capacidad de unir la vitalidad personas y la vitalidad artística. Es hijo de un profesor
de una escuela de bellas artes y en su persona presentar ese diálogo entre lo clásico y lo
contemporáneo. Él seguirá a su padre en los cambios que sufre su padre y adquirirá un gran
dominio del dibujo. A la vez, lo mismo que le encanta el arte tradicional a la vez le gustará todo
lo moderno. Acude a las exposiciones de arte primitivo, los santuarios ibéricos, etc. Le
apasionará a la misma vez los temas clásicos y los nuevos temas que van apareciendo.
Es una persona cosmopolita pues es español y viaja a Barcelona donde está la bohemia. Luego
viajará a París donde se convertirá en un bohemio y finalmente la expansión de su arte serán las
exposiciones que se realizan de sus obras durante los años 50 y 60.
También realizará esculturas cerámicas, grabados, linóleos, es decir, practicará con las técnicas
de estampación contemporánea. Por otro lado, será un hombre preocupado por incorporar
elementos del arte tradicional y los nuevos temas. El pintor y su obra típico del siglo XIX,
fascinado por el toro y las corridas, parodias (variación de temas tradicionales) del paisaje, temas
clásicos.
27

Pablo Picasso nace en Málaga y en 1891 se traslada a la Coruña. En 1895 marchará a Barcelona
donde ingresará en la Escuela de Dibujo y donde se rodea de un circulo de pintores simbolistas
e impresionistas catalanes como Ruiseñol, Casas y Nonell. Su obra puede distinguirse en varios
periodos:
• PRIMERAS OBRAS: en sus primeras obras vamos a observar una clara influencia del
postimpresionismo con obras como Moulin de la Galette. En otras pinturas hace una
especie de ensayo parecido a lo parisino y en otras como en su obra La cita, se muestra
el simbolismo y un tema esencial de la existencia como el amor.
• 1901-1904: PERÍODO AZUL. Será un período marcado por sus problemas económicos
donde producirá cuadros donde el color azul se convertirá en un símbolo. Además, se
muestran figuras esquemáticas y melancólicas. Algunos ejemplos de estas obras son: La
Celestina, Viejo Ciego o Autorretrato.
Vemos claramente en estos

ejemplos esos fondos azules y
personajes con unas
extremidades muy características
en las que predominan las formas
alargadas y los rostros enjutos.
Aparece en estos cuadros la
capacidad de captar a través de la
pintura en carácter psíquico de los personajes.
• 1905-1907: PERÍODO ROSA. Tras viajar a los Países Bajos comienza un nuevo conjunto
de pinturas las cuales pueden englobarse bajo el nombre de período rosa. En estas los
temas son circenses y existe un predominio del dibujo, donde se abre la paleta de
colores y la pintura mucho más densa. En
ocasiones esta densidad de pintura se puede
apreciar a la perfección pues la aplica incluso con
paleta. destacan el dibujo y el pincel. Aparecen
formas más llenas y graciosas, se ve el camino de
Cézanne de los volúmenes en un único plano. De
pronto aparecen homenajes a la pintura
tradicional como la mujer del segundo cuadro.
28

• 1907: INICIO DEL CUBISMO. A partir de este momento se va a iniciar en el cubismo y
como obra clave encontramos su obra Señoritas de Avignó. Poco a poco se va
aproximando al cubismo con su obra Geltrude Stein, donde se aprecia el esquematismo
de los rasgos de los personajes y una rotundidad de los volúmenes expresada a través
de lo bidimensional. Hasta llegar a su obra Vollard, donde se puede observar que es
plenamente cubista. (Cubismo analítico).

En su obra Guitarra se ve el camino del cubismo, más
sintético y más abierto. Introduce papel de periódico y tela
real mediante la técnica del collage. En este cuadro existe
una referencia a la figura de manera muy lejana
Picasso será un autor que vaya quemando etapas de manera muy rápida. En su obra Campesinos
durmiendo, vemos como de repente vuelve al arte figurativo otorgándole un toque de
modernidad. Este cuadro inspirará a otros autores como Botero. En esta obra además
encontramos la influencia de la pintura mural mexicana, sobre todo la obra de Rivera, donde se
expresa un arte figurativo expresivo reflejado a través de amplias manos y pies. Tanto en este
cuadro como en los Bañistas se observan unas líneas definitorias dispuestas en modo de círculo.
Sin embargo, en esta segunda obra vemos un estilo completamente diferente. Estos bañistas
parece que se están besando, haciendo el amor o incluso podríamos decir que se están
peleando, por lo que se muestra al mismo tiempo pasión o violencia. . Es un Picasso con
29
influencia de autores surrealistas que van a indagar sobre el inconsciente, y está relacionado
con el deseo y la agresividad. El surrealismo tiene como tema el mundo de los sueños donde hay
deseo y violencia.
• Desde 1925: INFLUENCIA DEL SURREALISMO Y EXPRESIONISMO. Esa influencia y la de

todos los estilos por los que había ido pasando Picasso van a verse reflejada en una de
sus obras célebres, el Guernica de 1937.
GUERNICA (1937), a Picasso le piden que haga una obra que conmemore a las víctimas de la
ciudad del Guernica. Este cuadro fue encargado para que estuviera en el fondo del vestíbulo en
el pabellón español de parís del 1937. El gobierno de la republica hizo un esfuerzo para hacer un
pabellón donde se instalan obras artísticas de miró, Picasso entre otros y pinta en el fondo d ese
vestíbulo esta obra. Obra quedo fuera en el exilio y estuvo en el Casón del Buen Retiro.
Son tres paneles cosidos y pintados encima, no es un mural ni tampoco es una obra de caballete
porque no es un lienzo.
Vemos figuras con expresión de dolor y espanto. Se reconocen cinco o seis figuras humanas y
antropomórficas y algunos animales como el toro y el caballo. Todas ellas están unidas y
mezcladas donde predomina el grito, dolor o sufrimiento. La función: paneles colocados en el
fondo del pabellón del edificio de España en la exposición de parís de 1937. Formar parte de los
contenidos de ese pabellón.
Líneas: un triangulo en la parte central del cuadro y dos líneas verticales secundarios a los dos
lados del cuadro. Esta queriendo crear una cierta confusión, hay una composición ordenada.
Profundidad: planos yuxtapuestos, no existe ese sentido de profundidad, aunque
ocasionalmente unas figuras se muestren delante de otras. No hay una importancia esencial.
Luz: no hay un foco que produce una gradación en las figuras. La luz está en el color blanco, en
este caso en el color blanco. Se relaciona con esa especie de lámpara que hay en la parte
superior, pero es una luz abstracta y artificial. Una luz pasada por el pensamiento, convirtiendo
las partes blancas. Predominio del dibujo: predomina el dibujo y un uso del color
monocromático. Blanco y el negro está relacionado con el contenido expresivo de la tristeza y
el dramatismo y con los medios de comunicación de masa del momento, la prensa y la fotografía
es en blanco y negro, el cine. Todo. El color no aparecerá hasta los años 50. Textura y pincelada:
30

Picasso quiere que el dibujo tenga importancia en la obra, el dibujo aporta descripción dentro
de la obra.
CONTENIDOS: el tema de la obra es la representación del sufrimiento de la guerra. Sufrimiento

que produce la guerra en la población civil. Picasso se distancia de un tema concreto, aunque lo
q se alude es el bombardeo de Guernica, pero el resultado se distancia. Otro gran pintor español
que había hecho esto: Goya. Con sus pinturas conmemorativas de los levantamientos de mayo.
Todas esas obras aluden a la guerra y lo importante es el sufrimiento que genera. Ese sufrimiento
podemos verlos en los rostros de las figuras. Leno d expresividad a través de los gestos de los
rostros y de las extremidades: boca que grita, caballo que relincha, manos que se abren, cuerpos
muertos o agonizantes. Través de la gestualidad de rostros y extremidades podemos apreciar
ese sufrimiento.
Persona que se extiende a través de los pies grandes que esta horizontal que huye. Un caballo
en un interior que produce gran tumulto. Una madre que llora por su hijo muerto. Una figura
que parece estar en el suelo destruida. Todos elementos significativos que apoyan la idea de
que el tema es el sufrimiento.
No importa si hay un carácter simbólico concreto, lo

que importa es el influjo de la pintura tradicional en
esta obra. Se inspira en autores como Rafael, El
incendio del Borgo en las estancias vaticanas y hay

una señora y parece que es la señora de la derecha
del cuadro. La figura de la madre inspirada en las
piedades medievales. El influjo está claro.
RELACIÓN FORMA-CONTENIDO: la luz proyectada

que función como elemento expresivo. La bombilla
hace una directa que se piensa que existe, esa luz que proyecta a través del blanco es un
elemento que acentúa la acción de las figuras que hay ahí. Foco muy potente en un ámbito
oscuro un efecto expresivo muy grande. Otro elemento expresivo es el uso de los triángulos,
presentes en todas partes. Los planos son triangulares, el ángulo agudo es agresividad. El uso
del blanco y el negro por la prensa y las masas. Luminotecnia para iluminar figuras y otras
dejarlas oscuras se usa en el teatro. En el teatro tiene mucha importancia el uso de la luz,
especialmente en los años 30. Comienzo del teatro soviético donde se revoluciona la escena a
través de la simplicidad de los elementos y la luz como expresividad y eso se expresa. Es una
especie de obra teatral a través del uso de la luz. En un momento de madurez sigue siendo
cubista, pero tiene influencias del expresionismo como en las manos. Surrealismo también en el
sentido de la expresión de los aspectos que nos dan miedo y
están en nuestros sueños: lampara ojo, toro, figura que
ilumina el dolor de la escena una especie de coro de la tragedia
griega de aspecto un tanto fantasmal. Elementos de los sueños
y de la pesadilla recogido del surrealismo.
Dentro de esta etapa de su vida encontramos cuadros como

Jacqueline Roque (1954), Pintor y modelo (1964), Merienda
(1960) y el Rapto de las sabinas (1964), que se trata de una
versión del cuadro realizado por David.
31

Vemos como Picasso era un autor conocer de los movimientos anteriores, así como, de la
producción de grandes artistas del Renacimiento. En su obra Muerte del toro (1964), podemos
ver como es un gran dibujante, pues con pocos elementos como son el agua y la tinta consigue
transmitir a través de esa gran aguada mucho. El toro y el mundo taurino para Picasso será muy
importante. Grabado linóleo (1962)

FUTURISMO (1909)
Todos los movimientos vistos hasta ahora se desarrollan durante la belle époque, justo antes del
estallido de la IGM. El futurismo es un movimiento literario y artístico principalmente italiano.
Italia va a ser de los últimos países en unificarse, principalmente rural donde hay problemas de
hambre y muchos ciudadanos tienen que emigrar. A finales del siglo XIX se produce un proceso
de industrialización, que se acentúa en la región de Lombardía y llevará a cabo la construcción
de coches, aeronáutica e industrias instaladas en el norte de Italia. Existe cierto contraste pues
en Italia hay un gran peso de la tradición clásica y este movimiento aparece como una
transformación. El futurismo aparece como la sustitución del concepto clásico de belleza por el
elogio a la máquina, al movimiento y a lo moderno, todo influenciado por la aparición de cine y
de las máquinas. Están fascinados por intentar llevar el movimiento hacia la pintura.
32

Marinetti será encargado de escribir el Manifiesto y algunos de los representantes de este
movimiento será Umberto Bocccioni, Giacomo Balla, Carlos Carrá y Luigi Russolo. Muchos de
estos autores morirán durante la IGM.
PRIMER MANIFIESTO DEL FUTURISMO
En el Primer Manifiesto del Futurismo (1909) vemos como se refiere a la ruptura con la literatura
modernista y, sobre todo, la romántica. → Nosotros queremos exaltar el movimiento agresivo,
el insomnio febril, el paso ligero, el salto mortal, la bofetada y el puñetazo
Se exalta esa ruptura con los ideales de la pintura tradicional, utilizando ejemplos de la industria
y del movimiento. La velocidad de los automóviles lo une con la naturaleza misma, con lo salvaje
y la energía que mueve el universo. → Nosotros queremos cantar al hombre que sujeta el
volante, cuya asta ideal atraviesa la Tierra, ella también lanzada a la carrera en el circuito de su
órbita.

En el manifiesto pasamos de la inmediatez de lo salvaje a la lucha, al movimiento que pasa a ser
vital. Es una especie de movimiento colectivo que camina conjuntamente hacia un lugar. En este
momento se están produciendo los totalitarismos y las luchas sociales. → Ya no hay belleza si
no es en la lucha. Ninguna obra que no tenga un carácter agresivo puede ser una obra de arte.
La poesía debe concebirse como un violento asalto contra otra las fuerzas desconocidas, para
obligarlas a arrodillarse ante el hombre.
¡Nos hallamos sobre el último promontorio de los siglos!... ¿Por qué deberíamos mirar a nuestras
espaldas, si queremos echar abajo las misteriosas puertas de lo Imposible? El Tiempo y el Espacio
murieron Ayer. Nosotros ya vivimos en lo absoluto, pues hemos creado ya la eterna velocidad
omnipresente. → ruptura con lo anterior. Lo absoluto para esta vanguardia es la velocidad. Ellos
siempre tienen la impresión de que más allá no hay nada porque han llegado los últimos.
Nosotros queremos glorificar la guerra —única higiene del mundo—, el militarismo, el

patriotismo, el gesto destructor dé los libertarios, las hermosas ideas por las que se muere y el
desprecio por la mujer. → los expresionistas también glorificaban la guerra. Sin embargo, ni
expresionistas, ni futuristas sabían qué era una guerra. Muchos pensaban que la guerra era la
manera de romper con el orden establecido. El gesto destructor de los libertarios, estos últimos
son los que rompen. El desprecio por la mujer porque hay una cultura de las masas y estas son
rompedoras con todo. Contra la mujer representa la fragilidad y está vinculado con la tradición.
Mucha de la estética que van a presentar los futuristas pasará a ser la estética del fascismo
durante en el siglo XX.
En manifiesto se refleja la fascinación por la muchedumbre → Nosotros cantaremos a las

grandes muchedumbres agitadas por el trabajo, por el placer o la revuelta; cantaremos las
marchas multicolores y polifónicas de las revoluciones en las capitales modernas; cantaremos el
vibrante fervor nocturno de los arsenales y de los astilleros incendiados por violentas lunas
eléctricas; las estaciones glotonas, devoradoras de serpientes humeantes; las fábricas colgadas
de las nubes por los retorcidos hilos de sus humos; los puentes semejantes a gimnastas gigantes
que saltan los ríos, relampagueantes al sol ton un brillo de cuchillos; los vapores aventureros que
olfatean el horizonte, las locomotoras de ancho pecho que piafan en los raíles como enormes
caballos de acero embridados con tubos, y el vuelo deslizante del aeroplanos, cuya hélice ondea
al viento corno una bandera y parece aplaudir como una muchedumbre entusiasta. Fascinación
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por lo moderno, entendido esto como lo industrial: alaban los vapores, automóviles,
locomotoras. En el siglo XX fascinación por el desarrollo a través de la producción de vienes
industriales va a aparecer no solo en este movimiento, sino en muchos otros del siglo XX.
UMBERTO BOCCIONI
Es uno de los autores más importantes dentro de este movimiento.
Formas de continuidad en el espacio (1911), con esta obra pretende

plasmar el movimiento. El problema será intentar plasmar aquello
que permanece en lo que está continuamente mutando. En este
caso es una especie de figura antropomorfa que está cambiada por
su movimiento. Al andar se produce un cambio en la imagen que
tenemos de la escultura.
Desarrollo de una botella en el espacio, la botella es

desplazada en una especie de movimiento circular y esa
fascinación del cambio la intenta reflejar Boccioni. En
este momento están ensayando con la repetición de las

formas a través del tiempo.
La calle ante la casa (1911). La mujer en el balcón es

casi lo único que se distingue con claridad. La mujer
mira a lo que parece ser una plaza rodeada de
edificios y que parece estar en obra. Ella es la única
que aparece inmutable, el resto es una especie de
movimiento frenético que invade zonas imposibles.
Menos la señora todo se repite y sale de la propia
plaza para apropiarse del espacio.
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GIACOMO BALLA
Trabaja sobre la repetición de las formas para

plasmar el movimiento. Son cuadros en los que no
hay unas líneas claramente definidas.
Muchacha corriendo en un balcón (1913) La

muchacha avanza y presente una serie de
mutaciones que quedan plasmadas en el cuadro.
El exceso de velocidad en el coche (1913) El coche

no se ve, sino las espirales que produce el
movimiento de las ruedas sobre el coche.
CARLOS CARRÁ
El jinete rojo (1913), el cuadro muestra un jinete

en su caballo. Vemos en las patas del caballo
elementos puramente futuristas, pues plasman
el movimiento de caballo y se contrapone con los
estribos del caballo que funciona como eje de la

obra, de donde parte el movimiento. El centro de
todo el movimiento que se produce alrededor
parte del estribo. Además, tenemos
movimientos secundarios en las patas. El propio
jinete tiene una cabeza que se ha descompuesto,
predominan las formas curvas.
CONSTRUCTIVISMO
Esta vanguardia también estará fascinada por la producción industrial. Tiene su origen en Rusia
en 1914, momento de revolución bolchevique en Rusia. Durante este momento existe una gran
fascinación por el maquinismo. Existe cierta analogía del desarrollo y una sociedad sin clases.
Por otro lado, también hará uso de los materiales industriales en la propia obra e incluso la
apariencia final tendrá la apariencia de un objeto industrial en construcción. Vladirmir Tatlin y
Alexander Rodchenko serán dos de los principales representantes de esta vanguardia.
35

RODCHENKO
Cartel Revolución (1905), el barco de guerra es el símbolo de

esa revolución. Es un hito de la historia del socialismo
soviético. Idea del buque de guerra como un objeto
industrial avanzado, donde lo que destaca es la potencia de
su volumen, cañones, cabos dentro del barco son aspectos
que quedan reflejados en esta obra. La mirada hacia el
acorazado en casi imposible y ese rombo apaisado sirve
como eje de la composición y aparece acompañado de una
serie de letras. Está perfectamente ordenado a través del
eje visual que es inédito de manera voluntaria como si
fueran piezas que encajan.
TATLIN
Maqueta Monumento Internacional. El estado soviético

le encarga la construcción de un edificio que recoja y
rememora la Tercera Internacional Socialista y Tatlin
realiza esta maqueta. Realiza un proyecto de un edificio

de 400 metros de alturas que recogiera la internacional
y después fuera oficinas para el estado soviético, pero
no se llega a hacer porque estalla la guerra civil entre
los blancos y los rojos en Rusia. Queda una maqueta
que tiene esta forma, entre escultura y arquitectura.
1917 revolución rusa, los bolcheviques toman el poder

con Lenin al mando y empieza el proceso de exaltación
de lo industrial. Antigua parte de rusia zarista que no
está conforme con la revolución y ciertos territorios que
quieren ser independientes y durante 10 años existe
una especie de guerra civil entre las tropas blancas y las rojas, comunistas. Ese estado de guerra
impide que se realice este monumento de carácter colosal.
Esta obra artística se trata de una maqueta que representa una estructura ascendente con forma
helicoidal, realizada para representar un proyecto arquitectónico de edificio que conmemoraría
la celebración de la Tercera Internacional Socialista.
Predominará la planta en forma espiral, cuyo volumen se asocia a una torre. Todo es
tremendamente irregular y secciones de un cilindro que ascienden en oblicuo hacia arriba.
Algunas de las curvas son más agudas que otras son un poco más llanas. Es una maqueta que no
pretende construirse directamente, sino que muestra lo más esencial por lo que no es posible
analizar la composición y elementos de la misma. Vemos que no existe ornamentación en la
estructura, la parte estética de su forma esta determinada por su estructura no por las
decoraciones sobre la misma. La forma que tiene la maqueta en sí misma es bella o significativo.
La torre recuerda a una Torre de Babel, una torre que Dios interpretó según la biblia como una
amenaza a su poder y Dios condenó a que cada uno de los humanos hablará una lengua
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diferente. La Tercera Internacional era una manera de unir a todos los obreros sin importar de
donde procedan y el utilizar como analogía la torre de Babel remite toda esta serie de
significados, un futuro laico y de socialismo. También esta relacionado con obras de tipo clásico,
con las linternas clásicas que se utilizaban como mausoleo (columna de Trajano). La maqueta
utiliza dos volúmenes distintos determinados por dos platas distintas, la circular y después la
propia forma helicoidal. Asemeja a una construcción de tipo industrial, de piezas metálicas que
se cruzan para evitar que la estructura se caiga y en ese sentido la apariencia final es de algo
parecido a un andamio. Todo esto es muy característico del constructivismo ruso, esos
materiales de apariencia industrial.
En el contenido importante hablar de la torre de Babel, estructuras conmemorativas del mundo

clásico. Uso de esa iconografía del pasado bíblico e histórico permite que tenga la forma
ascendente, sin decoración, apariencia industrial,
soporte industrial, etc. Obra de Vladimir explicar el
constructivismo, importancia de la novedad de querer

construir algo gigantesco. Preludio de construcción que
finalmente no se realiza.
Contrarelieve, todo el uso del material industrial tiene en

ocasiones una especie de carácter poético. Todo ello
conduce a la abstracción, que será una especie de
tendencia. En todas las vanguardias habrá una dialéctica
entre lo figurativo y lo abstracto.
TEMA 3: DADAÍSMO Y ARTE

SURREALISTA. ARTE ABSTRACTO
DEL DADÁ AL ARTE ABSTRACTO
DADAÍSMO (1915)
Al igual que en el resto de vanguardias vamos a encontrar un erudito que va a ser el autor de los
manifiestos que en este caso será Tristán Tzara. Otros autores importantes serán Marcel
Duchamps o Francis Picabia.
El dada es un conjunto de artistas, muchos de ellos que no participan queriendo en la guerra y

otros que huyen de la guerra a Suiza. Nos encontramos en la época de los cabarets y los cafés
(ya se observa en el cubismo), el primero sobre todo se generaliza en Europa y está basado en
espectáculos de distinta índole: baile, cante, etc. Tienen un elemento de ocio importante y de
socialización a lo que se le suma un toque burlesque y erótico. En uno de esos cabarets de Zúrich,
en el café Voltaire es donde se reúnen los artistas dada.
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Es una obra que se aleja de la guerra y de todo lo que envuelve a la guerra. Lo dadas entiendes
la guerra como un fallo del sistema y de la sociedad que participa en esa guerra. Frente a esa
sociedad causante de la guerra y todo lo académico, que se relaciona con el sistema cultural que
ha promovido esa situación, critican esos aspectos. Para ello elevan a la categoría de arte, es
decir, utilizando como sujeto de su obra elementos considerados marginales o basura en la obra
de la sociedad de su época. Se entiende, por
lo tanto, como una especie de ironía. Por
ejemplo, Duchamps coge La Fuente (1919),
que es un urinario convertido en una fuente
que firma con el nombre de R. Mutt.
Convierte de manera irónica un objeto
vulgar en una obra de arte. Hace una
exposición y en una caja mete aire de París
se rompe y abre otra caja y mete aire de
Nueva York. Todo ello es una ironía sobre lo
tradicional. Coge la Gioconda y le ponen
bigote y barba, no es un juego de género, sino una ironía. En aquel
momento fue un alegato contra la corrección de la sociedad.

Botellero (1913), ese botellero estaba en todos los bares de Europa en
esos años para que las botellas escurrieran una vez terminadas.
Duchamps se ríe porque esa estructura que le resulta sugerente desde el
punto de vista artístico, lo hace porque es un elemento vulgar y lo
convierte en arte.
PICABIA
Comienzan a utilizar elementos de construcción de escritura

automática o soportes donde personas escriben mensajes. El ojo
cacodilato es un ejemplo de esa escritura colectiva.
Rueda de bicicleta (1913), el artista lo que hace con estos objetos

es únicamente escogerlo, casi no los modifica. Es un modo de
burlarse del mundo del momento. El taburete es una especie de
soporte o pedestal para exhibir la obra.
Doble ironía, por una parte, por utilizar
elementos comunes y, por otra, por
situar la rueda encima de un pedestal
rustico. En cierto modo critica el arte tradicional. Sube a un pedestal
algo tan vulgar como una rueda de bicicleta.
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El gran vidrio (1915-22), especie de planchas de vidrios. El propio
Duchamps no dejaba claro el significado del cuadro. Es una especie de
instrucciones para la cosntrución de una máquina que es imposible de
montar. Duchamps se inspira en los manuales e instrucciones de los
primeros electrodomésticos y se burla de ello.
Los dadas en su agresión hacia el arte tradicional y hacia el conflicto

bélico son nihilistas. No queda nada, ninguna referencia a la que unirse.
Los dadas dicen: ‘’ La obra de arte no debe ser la belleza en sí misma
porque la belleza ha muerto; ni alegre; ni alegre ni triste, ni clara ni
oscura, no debe divertir ni maltratar a las personas individuales
sirviéndoles pastiches de santas aureolas o los sudores de una carrera en arco a través de las
atmósferas’’. → se refiere a las representaciones religiosas, a los futuristas (frente a la visión
optimista que estos tienen aparece la quiebra debido a la guerra y ya no queda nada).
‘’Una obra de arte nunca es bella por decreto, objetivamente y para todos. Por ello, la crítica es
inútil, no existe más que subjetivamente, sin el mínimo carácter de generalidad’’→ son también
relativista. No hay principios absolutos, solo existe la visión subjetiva de cada uno y, por lo tanto,
no puede existir el arte.
El principio «ama a tu prójimo» es una hipocresía. «Conócete a ti mismo» es una utopía más
aceptable porque también contiene la maldad→ Manifiesto Dadaísta de 1918. En este se puede

ver muy bien representado los valores del movimiento dada. Con el tipo se convertirán en una
especie de parodio de ellos mismos, como ocurrirá con Duchamps.
Los dadas, en definitiva, quieren criticar la sociedad del momento de manera irónica. Pero se
quedan ahí. La crítica del arte contemporáneo es quien los ha convertido en los héroes del arte
actual, porque inciden en un problema que se encuentra en la metafísica de lo artístico que es
el problema de la construcción del arte. El arte dada en algún modo está en la elección que
hacen los artistas. El arte se entiende como un tipo de comunicación y que exista una voluntad
de que sea artístico y que comunique, y así es como hoy día se entiende el arte contemporáneo.
Son los precursores del arte conceptual. El arte busca otros valores que ayuden a esa recepción,
como valores de novedad o de sorpresa para conseguir que se produzca esa comunicación.
SURREALISMO. AÑOS 20
Va a ser una vanguardia que se va a tomar muy enserio su función, sobre todo, el principal de
sus ideólogos, André Bretón. Este será quién escriba el Manifiesto surrealista.
Se va a desarrollar durante los años 20 cuando se produce una cierta estabilidad. En este
momento se está difundiendo tanto el Marxismo, como la obra de Sigmund Freud. De este
último tomarán la idea de que existe una parte de nosotros que está escondida. Nuestro día adía
pertenece al mundo de la realidad, de la consciencia y está lleno de registros para relacionarnos
con nosotros mismos y con los demás. También incluye barreras que ponemos
intencionadamente nuestra relación con los demás. Por lo tanto, el mundo de la realidad se
configura como un mundo ordenado. El mundo de los sueños es el mundo donde se revela la
parte del inconsciente, oculta y reprimida en el mundo real. Freud dice que si estudiamos el
mundo de los sueños nos ayuda a ser mejores en la realidad. En el sueño hay deseo erótico y
agresividad (entendido como cosas que reprimes por miedo a x), ambos entendidos como
impulsos que reprimimos. En las artes se van a representar elementos que permitan desde un
punto de vista creativo crear un puente entre el mundo del sueño y del mundo de la realidad.
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Con la finalidad de que el hombre saliera de su alienación y se sintiera liberado en una realidad
superior, o mejor, denominada surrealidad. Esta realidad se parece un poco al estado proletario
marxista.
De todos los movimientos del siglo, el surrealismo fue el que más se interesó por la pregunta
¿cómo puedo ser libre? Muchas obras de artes son metáforas de la libertad, pero el surrealismo
aspiraba a ser la herramienta de libertad para la sociedad.
Tenía dogmas y rituales, mártires y santos, fieles y un papa: Andre Breton, estudiante de
medicina. Devoción porque era muy inventivo, perceptivo y moral. Creía que el arte y la vida
podrían renovarse contactando con el inconsciente. Nueva realidad (surrealité). Sueño era el
instrumento, la mente soñadora es la verdad sin legislar y la neurosis, forma permanente de los
sueños.
Se basaban en la obra de Freud, aunque no eran descendientes suyos. Fascinación por los
sueños, melancolía y el miedo. Italia como lugar de memoria histórica, con gran teatralidad:
plazas, columnas, etc.
El surrealismo va a ser figurativo porque los sueños son imágenes comprensibles y las cuales se
construyen con representaciones que conocemos. Aunque la figuración sea confusa.
Las técnicas que sigue el arte surrealista son:

• Pintura espontánea. Pintar sin pensar en ello lo que te parezca para conectar con la
parte inconsciente y que salga el mundo de los sueños más fácilmente.
• Frottage. Calcar la textura de determinados objetos y plasmarla en el lienzo. Intenta que
una parte de un objeto nos sugiera otro y establezcamos relaciones con ese
inconsciente.
• Cadáver exquisito, ya utilizada por los dadas. Es una técnica de escritura automática
colectiva. Esta técnica aquí se utiliza en ocasiones para construir pinturas que
pertenecen a artistas distintos.
Busca la libertad. Instrumento de libertad, liberar a las personas. Arte y vida renovarse
contactando con el inconsciente. Azar, memoria, deseo y coincidencia conformaría una nueva
realidad. Sueño instrumento para ello, la verdad sin legislar.
Freud no se los tomaba enserio
Arnold Brecklin inspiración para los surrealistas. Lugares históricos como condensadores de la
memoria. Plazas de Italia descubrió la teatralidad.
GIORGIO DE CHIRICO, Metafísica de las escenas: Giorgio de Chirico fascinado con las plazas como
poéticas, viajes por Italia. Lugar triste, con perspectivas que sugieren una realidad inalcanzable.
Gran influencia en el surrealismo. Sociedad humana ha dejado de existir, las plazas tienen
estatuas. Maniquí como imagen favorita, ni hombre ni escultura, un sitio medio. Maniquíes
como metáfora de la fragmentada conciencia moderna.
No admiraban el cubismo, sino los encuentros entre los objetos y la claridad, porque hacen que
parezcan sueños de verdad. Plano ideal donde cosas extrañas se encuentran a plena luz. Esto se
imitará a lo largo de todo el surrealismo.
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Nostalgia de infinito, (1914) Chirico: este autor hace referencias a
paisajes urbanos donde ha desaparecido el ser humano. A veces
aparece una pequeña figura que queda minusvalorado o una sombra
que preludia la aparición del ser humano. En ese mundo arquitectónico
donde la figura humana apenas existe y es un mundo que conecta muy
bien con el mundo de los sueños. Los surrealistas dan un poco para que
el espectador ponga el resto. Chirico al mostrar la ciudad solitaria
muestra los miedos del ser humano, pues una ciudad es la
representación de la muchedumbre. Donde debería haber gente solo
estamos nosotros y produce melancolía, reflexión sobre el pasado, etc.
sensación de querer recomponerlo en la cabeza y lleva a una curiosidad,
porque estamos allí o porque miramos.

Héctor y Andrómaca, 1917. Observamos dos maniquís de aspecto
antropomorfo en una superficie que da sensación de
profundidad.
Las dos líneas principales las conforman las líneas verticales que
conforman las dos figuras principales del cuadro. La superficie
está fugada hacia el centro, las líneas encuentran su punto de
fuga justo detrás de las figuras conformado una perspectiva que
gana importancia dentro del cuadro. Vemos como el color es
intenso y cálido y se combina con las líneas de dibujo. A la
izquierda del cuadro vemos que incide la luz sobre las figuras,
vemos un modelo tradicional de una luz que incide sobre los
objetos y crea volúmenes a través de la intensidad de la luz. Tiene
un foco porque en este momento se crea arte figurativo. No
existen trazos gruesos, por lo tanto, la sensación de textura en el cuadro no gana importancia.
La pintura pretende representar unas figuras volumétricas, donde los trazos no ganan especial
importancia.
El cuadro muestra dos figuras que componen en cierta medida una pareja, por lo tanto, es un
tema amoroso. Se puede entrever por la disposición de las cabezas o los brazos de un maniquí
que rodea al otro. Vemos ciertos gestos que se intuyen dentro del cuadro que nos hacen pensar
que se trata de un tema amoroso que no es evidente. El surrealismo juega aquí un importante
papel pues ponemos cierta información de nuestra mente pues no son figuras humanas. El
maniquí siempre cumple una función de paso entre un mundo inerte y el mundo real que
queremos construir. Por una parte, es un personaje de índole trágica, pero en realidad lo que
vemos es un atrezo de unos maniquíes dispuestos en una superficie de carácter teatral como si
de un escenario se tratase. El amor entre Héctor y Andrómaca aparece como algo inacabado.
El surrealismo aparece en el cuadro porque en principio son objetos que no tienen esa carga de
significado, pero en el cuadro se le añade esa carga significativa sin dejar de ser lo que son. Este
hecho es un poco lo que ocurre en el mundo de los sueños. Chirico construye una referencia casi
poética, esa cualidad de dotar de vida humana a aquello que es inerte es algo metafórico con
respecto al mundo de los sueños. De algún modo se le pide al maniquí que acabe de completarse
como ser humano. Existe un tipo de realidad nuestra donde sucede algo parecido a lo que ocurre
41
en los maniquíes, estos son los robots y ciborgs está muy relacionado con esto. Las inteligencias
artificiales están relacionadas porque es aquello que aparenta ser humano, pero realmente no
lo es. Es una circunstancia que parece crear miedo porque no podemos situar dentro de nuestro
mundo.
RELACIÓN FORMA-CONTENIDO: aparición de los maniquíes que no completa una apariencia

humana, pero que lo sugiere a través de título. (Héctor héroe troyano que muere a manos de
Aquiles y Andrómaca es su mujer) El hecho de situarlo en un ámbito teatral ofrece ambigüedad
porque es el arte de la representación pues ponemos dentro del teatro un mundo posible.
Chirico lo que hace es una especie de representación teatral a través de unos personajes que
debe completar el espectador. La finalidad es hacer un guiño poético entre el tema de la
imposibilidad de la relación entre dos maniquíes. Para eso los viste, pero no, tienen casi forma
humana, en un escenario teatral vacío, sumado al fondo neutro y la iluminación en forma de
horizonte como decía Da Vinci que debían ser. **HABLAR DE QUE es un tema surrealista, quien
es De Chirico y cuáles son sus obras.
MIRÓ, va a ser un artista a caballo entre un mundo casi

abstracto, pero a la vez lleno de elementos sugerentes.
En sus obras siempre hay elementos que parecen ser
sacados de las obras de Kandinsky, pero con elementos
que parecen humanos.

MARX ERNST, es dentro del surrealismo el que más propiamente surrealista parece. Es un pintor
austriaco de origen judío que emigra a EEUU y es uno de los que divulga la obra del surrealismo
en este país.
Ideal surrealista de belleza: irrealidad, extrañeza e incompatibilidad con secretas coincidencias.

Max Ernst conmocionó a Breton y su círculo con sus creaciones. En los años 60, era entrevistado
por el líder de los surrealistas ingleses. Sentido fuerte de la necesidad de libertad y eso significa
sentido fuerte de rebeldía (distinto a revolución). Nació en un periodo en el que muchos
acontecimientos le invitan a rebelarse, porque muchos episodios del mundo no le gustan. En
París, insertó sus técnicas de collage con las de Chirico. Sus imágenes no tienen explicación
racional, comprimía violencia psíquica en espacios diminutos.
Uno de los medios favoritos de los surrealistas son la creación de imágenes espontáneas:
organizar encuentros espontáneos con lo inesperado. Ernst encontró un método, frotar lápiz
sobre madera veteada y luego alterándolo para aislar las imágenes que le mostraban. Llamaba
a estos dibujos su historia natural. Después, cobrarán mayor importancia los collages que
empezó a hacer alrededor de 1930. Usó grabados victorianos recortados y pintados. Siguen
siendo hoy día siniestros, siguen inquietando y tienen un gran poder de sugestión. No tenemos
el sentido del pasado vicioso que invocaban las imágenes de Ernst, para nosotros es algo muy
42

lejano, pero para él era el mundo en el que se había creado y alterarlo era similar a un acto de
terrorismo. El ataque irracional al mundo de las estructuras ordenadas.
Es muy importante en un tiempo en el que quienes rigen el mundo piensan que pueden hacerlo
con solo su razón racional y ni siquiera se dan cuenta de que la razón no tiene nada que ver con
lo que estaba pasando en el mundo. ¿Quiénes han creado la historia en los últimos años? Los
locos que había en él (nacionalismo). Si el arte es el espejo, tiene que mostrar esa locura. A una
locura le oponemos otra. (Ernst)
El bosque (1927). Este cuadro muestra una especie de
apariencia vertical que compone la inmensa mayoría del
cuadro, en la parte superior hay una parte un poco más
azul. Estas formas verticales y oblicuas en tonos negros y
ocres muestran quizás la expresión de un bosque. Ernst
ha calcado los nudos de la madera y los ha puesto en esta
pintura utilizando la técnica del frottage. En a parte
superior la estructura de esos troncos de árbol se abre y
cierran que representan las ramas de los árboles. La parte
azul muestra el cielo y el círculo blanco hace referencia a
la luna. Con elementos del mundo figurativo aporta la
vivencia de un bosque. Traza un puente entre el mundo

de nuestros sueños o recuerdos y el mundo de la realidad, pues muestra un bosque alto cuyas
copas de los árboles se entrelazan y la luna aparece en una noche dando un poco de luz.
La horda (1927). Una horda es un ataque

desordenado de unos contra otros, se decía que los
bárbaros atacaban en hordas. Un ataque de un
ejército irregular contra algo o también puede ser el
propio camino que hace esa banda.
Muestra un grupo de figuras antropomorfas es el

momento del ataque donde todo es desorden.
Recuerda mucho a las pinturas de batalla,
especialmente a las de Da Vinci, que en ese momento
era una manera de representación de la anatomía y el
movimiento. Recoge esta idea en clave surrealista,
unas formas que no lo son, pero que permite al
espectador recrear lo que son.
43

Monumento a los pájaros (1927), aparece de nuevo el juego
entre las formas y la comprensión de las formas. (Apariencia
y realidad). Formas que aparecen en los sueños, que no
sabemos muy bien que son y van adoptando diferentes ideas
con la realidad a través del sueño. Esa idea es justamente la
que pretende transmitir Ernst en este cuadro.
Napoleón en el desierto (1941), se alude a la tentación por el
hecho de estar en el desierto. Debajo de la figura a la derecha
hay lo que parece una mujer que toca un instumento musical

algo muy típico de las tentacioes del desierto, así como, la
propia figura de la mujer también se conforma como tentación.
Esta mujer aparece disfrazada de sensaciones, como la
musical, y de sexualidad. En la izquierda del cuadro aparece la
representación de Napoleón con el sombrero de dos picos. La
figura central se configura como una especie de tótem, que
posee gran significación, pues en las culturas indígenas es el
lugar donde se depositan los miedos de una comunidad.
También ese tótem tiene un carácter fálico.
SALVADOR DALÍ. Es un pintor vinculado a los surrealistas y todo el grupo de surrealistas no

necesariamente de las artes visuales sino también a la poesía de Lorca o Alberti. Dalí tenía una
inteligencia enorme y con una extensa obra literaria. Se abscribe al surrealismo aunque se
distancia del surrealismo dogmático de Bretón, que era comunista y quería con el surrealismo
conseguir una especie de imposición ideológica. Dalí le gusta el espectáculo y hace un viaje a
EEUU y se convierte en una especie de showman y le acusa de ser una especie de avida dollars,
es decir, de estar sujeto al dinero. En Dalí es muy habitual que aparezcan paisajes donde acaba
el mar de la infancia de Dalí en Cadaqués (Costa
Brava).
Persistencia de la memoria (1931), se observan una

serie de imágenes que evocan aspectos vinculados
al mundo de los sueños dentro de un paisaje casi
desértico. En el plano más cercano hay un reloj de
bolsillo de donde surgen hormigas, Buñuel también
utiliza mucho este uso de las hormigas. Este uso de
las figuras de donde surgen insectos es símbolo de
44

la putrefacción y de a la muerte, es un miedo a no poder fiarnos de nuestros propios sentidos.
Es la imagen de nuestras propias frustraciones y represiones. Las hormigas es el mundo de los
sueños donde campan libremente y salen a la luz a través de un agujero ante nuestra apariencia
de tener todo controlado. Bajo esa apariencia existen esas inseguridades. Es una imagen muy
evidente de supervivencia y por otra es una metáfora de la propia realidad del sueño. Los relojes
blandos hacen referencia al tiempo y a como nuestros recuerdos y memoria se va modificando
y eliminando poco a poco. En definitiva, el tiempo como constructo y como algo relativo. Por
último, la forma que se encuentra a la derecha que si se gira es una especie de caricatura del
propio Dalí. Se inspira para hacer esto se inspira en una de las imágenes del Bosco, en una de
sus tablas. Formas de la naturaleza que adquiere caracteres antropomorfos y Dalí que era un
gran conocedor de la pintura tradicional lo recoge.
Tentación de San Antonio (1946), el cuadro

muestra una serie de trampantojos. El

elefante representa la inmortalidad, la fama
aparece representada, lo erótico con la
representación de la mujer, la iglesia donde
dentro aparece el torso de una mujer. Son
todo elementos que pertenecen al mundo de
los deseos y hace un guiño al Renacimiento
con los colores y la repetición de la escena de
San Antonio. El dominio del cielo y de las
nubes muestran esa representación clásica.
Afgano invisible con aparición, sobre la playa, del rostro de García Lorca, en forma de frutero con
tres higos. 1935? Otra vez recuerda a los paisajes de la infancia, frottage sobre las rocas y la
forma de las nubes sugieren al afgano. También hay personajes tumbados en la playa.
La obra recuerda a las obras de Veermer. Vemos como utiliza la técnica del trampantojo que
será muy usada en todas sus obras. La cabeza es tanto eso como el ojo del caballero, al igual que
las cortinas también son el cabello. Tiene la habilidad de hacernos ver ese doble juego.
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Madonna al estilo de Rafael (1952), la cabeza de la Madonna en
la cabeza a su vez es el Panteón de Agripa. Es un doble homenaje
a la obra de Rafael.
RENÉ MAGRITTE, René François Ghislain Magritte fue el surrealista belga que más influyó en la
pintura de su país en el siglo XX. Sus imágenes, a diferencia de otros surrealistas, no estaban
inspiradas 100% en sueños, sino que Magritte destilaba la realidad sacando su esencia, y
consiguiendo, por un lado, imágenes absolutamente sorprendentes e ingeniosas, y por otro el
cuestionamiento mismo de esa realidad. Magritte fue, por así decirlo, un surrealista conceptual
muy interesado en la ambigüedad de las imágenes, de las palabras y en investigar la extraña
relación entre un lo pintado y lo real. Para ello explora lo que hay de mágico en lo cotidiano.

Influido por Giorgio de Chirico, empieza a pintar paisajes misteriosos, con significados ocultos,
silencio y mucho sentido del humor. La realidad es para él una ilusión, una trampa por así decirlo
y por ello explora a lo largo de su carrera el espacio real frente a la ilusión espacial, que es la
pintura misma.
Muy independiente, se mantuvo alejado del surrealismo militante

y dogmático de Breton y pese a lo subversivo de muchas de sus
pinturas, tuvo una vida tranquila y burguesa entre París y su
Bélgica natal. La vida de un belga de clase media y sus rutinarias
actividades diarias fueron en cierto modo su máxima inspiración
para pintar sus extraordinarios cuadros.
En su obra La tentativa imposible (1927), aparece la idea de crear

algo real dentro del arte. Una idea que está presente en todas las
religiones, en cierto modo, recuerdo al mito de Pigmalión. (El
efecto Pigmalión tiene su origen en un mito griego, en el que un
escultor llamado Pigmalión
se enamoró de una de sus
creaciones: Galatea. A tal punto llegó su pasión por la
escultura que la trataba como si fuera una mujer real,
como si estuviera viva). La creación de una figura a
nuestra imagen y semejanza.
Otros de sus cuadros poseen un carácter más simbólico,

como es La memoria (1948). Se representa una cabeza al
estilo clásico que ha sido dañada en un intento de
expresar a la memoria como algo frágil dentro de nuestra
cabeza. Normalmente cuando habla de la memoria pinta
una esfera con una raya en medio.
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Su cuadro Imperio de la luz (1954), es un trampantojo parecido a los que usa Dalí en sus cuadros.
La contradicción e ironía en este cuadro la encontramos en la idea del día y la noche
representadas en el mismo instante. Magritte tendrá la tendencia de concentrar toda la
información dentro del cuadro en un intento de convertirlo en una metáfora.
Por último, la serie La condición humana (1933-35) en la que se muestra la condición del ser
humano de representar aquello que ya existe.

ARTE ABSTRACTO (1910)
Empieza a partir de 1910 a partir de la evolución del expresionismo, sobre todo con Wassily
Kandinsky (1866-1944) y Piet Mondrian (1872-1944).
• Sin referencia figurativa

• Textura, líneas, materias y sobre todo color.
• Precursores directos: Suprematismo de Kazimir Malévich (Eliminar representación y
formar un arte basado en fórmulas geométricas)
• Dos pilares diferentes:
- Kandinsky: Color expresión interna del cuadro, lleno de matices emotivos y simbólicos.
- Mondrian: Expresión formal de la realidad, previa a la representación.
MALEVICH: hace composiciones con formas

compuestas. Es el precursor del arte
abstracto, que posteriormente será
desarrollado por Kandisky.
47

PIET MODRIAN, es el otro precursor del arte abstracto. Evoluciona de una pintura tradicional
del arte holandés y pertenece a un grupo llamado estilo, que se plantea cómo debe ser el arte
de la vanguardia. Para él debe ser de líneas, formas geométricas y colores puros. Para el es como
la mente entiende las sensaciones visuales y es así como las convierte en sensaciones y
conocimiento. Su arte abstracto en forma de redes compositivas de colores y líneas, va a ser la
tela sobre la que nuestra mente pinta la representación de las cosas. Modrian se hace domestico
y se reinterpreta de un modo mucho menos revolucionario y subversivo y pasa a incorporarse a
lo clásico.

Hace un viaje a EEUU y se fascina con las ciudades y con el
mundo del color. Broadway boogie boogie es una especie de
plano inspirada en las ciudades y las redes, recuerda en
cierto modo a los planos de metros de las ciudades. Por
último, sus composiciones recuerdan en cierto modo a las
composiciones de Kandisky.
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TEMA 4: DESDE LA SEGUNDA MITAD
DEL SIGLO XX HASTA LA ACTUALIDAD
Arte moderno se entiendo como un fenómeno de masas:
- Museos
- Iconos
- Galerías y comercio.
La capital del arte era París, pero con la irrupción de la guerra pasará a ser Nueva York, debido

a que muchos artistas con la llegada del nazismo se exilian en EEUU, un lugar donde se puede
vivir y crear con libertad. Se produce un proceso de construcción de un negocio vinculado al arte
contemporáneo relacionado con el capital.
Otras características es que aparecen y se institucionalizan los museos de arte contemporáneo,

porque hay un público y desde el punto de vista académico es objeto de estudio. Aparecen, por
lo tanto, instituciones públicas y privadas. (MOMA, Galería Art of this century de Ernst y Peggy
Guggenheim, 1942). Las galerías son centros de negocios en los que hay que invertir y va a
producir un beneficio.
Los artistas exiliados que llegan se encuentran con que, sí había arte contemporáneo, pero
descontextualizado de las vanguardias. Se vincula con el hombre y su relación con el paisaje
urbano, donde aparecen personas del campo o personajes urbanos (de una urbe avanzada, con
luces de neón, bares, coches, etc.).
CARACTERES
- Desarrollo del coleccionismo y galerías.

- Coleccionismo arte contemporáneo: gran industria.
- Museos se convierte en referente de público y hay un gran desarrollo museístico.
- Icono: Mona Lisa en EEUU en 1962. Abre el inicio de la experiencia de masas propia de
la sociedad de consumo que representa al arte contemporáneo. El arte sufre un proceso
de conversión donde las obras de arte pasan a ser imágenes o iconos. Se propugnan
otros valores como la fama, el valor de tenerla o la consideración que tiene. La obra
tiene fuerza por si misma, no por su valor artístico. El arte se convierte en icono y lo que
vale la pena es haberla vista, no la pericia del autor o la belleza de la obra. No se tiene
una experiencia personal y tranquila, se convierte en una experiencia muy pobre.
- Hay una visión del arte más mediatizada y mucho más alejada de una experiencia
personal con la obra. Por lo tanto, aparece un problema pues se produce un alejamiento
de la experiencia artística, valor de prestigio, valor crematístico (objeto material) sobre
valor creativo. Se valoriza tener contacto con la obra y no una experiencia personal con
la misma. Se propugnan los valores creativos, de prestigio, modernidad o incluso los
materiales con los que está hecho la obra.
- La sociedad de masas es parte de la reflexión de la obra de arte. El arte va a recalcar la
capacidad de valorizar un producto. Algunos artistas harán obras que no tengan valor
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económico y evitar que los coleccionistas la adquieran. Aunque muchos acabarán
formando parte del sistema.
CULTURA DE MASAS
Aparece en el siglo XIX y está vinculado con los medios de comunicación como el automóvil,
teléfono, radio, vídeo, internet, etc. Y se desarrolla a través de los espectáculos de masas.
Entre las características principales de esta sociedad de masas globalizada tienen ciertos
caracteres:
• Publicidad gran importancia.

• Textos sustituyen imágenes
• Globalización de la información
• Tendencia a la igualación de gustos, que favorece la compra.
• El destino de aquello que se muestra es multitudinario.
• Comprensión de la persona como icono. Lo vemos en el caso del erotismo de revista de
los años 40, con figuras como Marilyn Monroe.

Los problemas que aparecen con esta cultura de masas son:
- Pérdida de la vivencia individual de la obra artística.

- La mediatización de la comunicación.
- Propaganda: homologación de criterios y superficialidad. Interpretación sesgada de las
informaciones.
- Pérdida de ámbitos de socialización. Soledad y alejamiento de la realidad y la reflexión.
LO KITSCH
Se produce una divergencia entre el gusto culto y moderno contrapuesto al gusto de masas.
Existen determinados elementos del arte contemporáneo que se adaptan al arte popular o
tradicional y queda ese arte en una situación intermedia, que recibe el nombre de Kitsch.
También cuando se utilizan elementos socialmente diversos de categorías éticas distintas y lo
igualamos.
Cuando se produce la igualación entre Jesús Cristo y figuras

contemporáneas. Produce una estética un tanto chocante,
porque son dos categorías éticas y sociales que chocan, y es
eso lo que caracteriza a lo kitsch. La ruptura en lo que
corresponde al decoro es algo muy kitsch y contemporáneo.
Esta ruptura del decoro ocurre también en la estética.
50

En esta obra en porcelana de Michael Jackson
podemos ver lo kitsch en el uso del material que
pertenece a una época exquisita y con ese material
hago una obra del mundo del pop. Un material
asociado a una estética unido a un plano muy
distinto.
Otra característica de lo kitsch es darle a lo
sentimental un valor mucho más exagerado que lo
que le responde en decoro a una situación. Convertir
un acontecimiento fundamental en algo que de por
sí no tiene ese valor. Por ejemplo, convertir un
cumpleaños en una especie de boda o una
telenovela. Es esa exageración y exaltación lo kitsch.

A partir de la IIGM se desarrollan las principales corrientes del arte contemporáneo y el primer
gran movimiento a escala mundial es el:
INFORMALISMO
• Década de 1940 a 1960. Un periodo de desarrollo muy largo, y después de los 70 algunos
autores siguen con esta corriente. También conocido como expresionismo abstracto.
• Conocido en EEUU y en algunos países anglosajones como expresionismo abstracto.
• Pérdida de la figuración y la representación espacial. Es decir, vamos a volver a una
situación donde predomina la abstracción, aunque a veces no llevado al extremo. Esas
formas pueden recordar a algo, pero son principalmente abstracto.
• Libertad frente a formas (contra cubismo…). Surge como una reacción ante el cubismo.
• Importancia de la materia y de la acción creadora. Ponen el punto de mira en la acción
movida y el proceso de construcción de la pintura u obra. La obra acaba cuando acaba
la acción, no existe un planteamiento previo.
• Aplicación en empastes, automatismo. La obra es resultado de la aplicación de
empastes. El lienzo es un soporte donde hay capas de pintura que otorgan densidad a
la obra, por lo que se ve un exceso de material expuesto sobre el soporte que va a dotar
a la pintura de textura. Esta categoría se denomina matérica, es decir, que tiene una
enorme densidad en la aplicación de los pigmentos.
• Uso de materiales no clásicos.
• EEUU potenció este arte como representación en contra del socialismo y defensa del
capitalismo. Incluso se crea el conocido como el Grupo de Nueva York, que era una
agrupación de artista subvencionados con el Proyecto Federal de las Artes, del Gobierno
de Estados Unidos. Es interesante porque en este grupo había autores como Ernst, que
había pertenecido a las vanguardias y es así como se unen las dos generaciones.
• Fautrier, Fols en Francia, Willien De Kooning, Jackson Pollock en EEUU.
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JEAN FAUTRIER. El color es resultado de haber colocado esa masa de pigmentos en la parte
central del cuadro. Lo importante es la sensación matérica, por ser una de las características más
comunes. Los informalistas rescatan el uso de la técnica del collage, pues es una técnica perfecta
para dar volumen. En el cuadro de la derecha vemos como hay pigmentos y otros materiales
como papel.
En ocasiones se puede ver cierta figuración y al igual
que en los cuadros anteriores vemos como el fondo
tiene cierta consistencia.

En la vertiente americana encontramos autores como DE KOONING, donde vemos que tampoco
abandona por completo la figuración. Se puede observar como la aplicación de los pigmentos es
a través de un pincel muy grueso y de manera espontánea, casi sin planificación.
52

Poco a poco va caminando hacia un expresionismo cada
vez más abstracto.
El pintor más conocido es JACKSON POLLOCK, lleva el expresionismo al máximo nivel cambiando
incluso del soporte. Vemos como deja caer directamente la pintura sobre paneles colocados en

el suelo y la pintura acaba cuando ha vertido mucha pintura sobre ese panel. A veces utiliza
técnica de goteo, otras vertiendo el material y en otras ocasiones con la brocha. En definitiva,
utiliza distintas técnicas sin una planificación clara donde la obra termina cuando ha aplicado
todo el color. Hoy día está tan difundido por la sociedad de la imagen que ha perdido toda la
fuerza expresiva y subversiva que tiene en origen, pues cuando comenzó a hacer esto fue el
primero. Hoy día es una manera ortodoxa de hacer arte contemporáneo. En origen tenían esa
carga innovadora y de sorpresa, que hoy en cierto modo se ha perdido. Importancia de la
acumulación de pigmentos y la densidad.
Pollock saca la información para crear estos cuadros porque tenía una larga trayectoria en las
que había visto la sobras sobre arena de la cultura oriental, las obras de los indígenas donde se
usan las materias de la tierra para las obras, etc y las reutiliza en sus obras. Lo que impresiona d
este autor es que marca una manera de pintar que hoy se enseña en las academias incluso.
INFORMALISMO EN ESPAÑA
• Importante movimiento en España.

• Bienal de Arte Hispanoamericano. 1951. Esta Bienal de Arte es la que permite que se
conozca este movimiento en España.
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• Fernando Zóbel, multimillonario filipino que trae esta corriente a España y convence a
la gente para que invierta en este arte. Había vivido durante muchos años en EEUU y
empapado del movimiento decide traerlo a España.
Se crean dos grupos fundamentales:
• Dau al Set y Antoni Tapies. Se desarrolla principalmente en Barcelona
• El Paso. (Antonio Saura, Manolo Millares, Luis Feito). Amigos de Zóbel y crean el primer
gran museo de arte contemporáneo de España en Cuenca y desarrollan su obra en el
camino del informalismo.
Uno de los grandes artistas será SAURA. Antonio Saura quedó estética y emocionalmente
impresionado desde su juventud por la obra de Diego Velázquez y Francisco de Goya, dos de los
más grandes maestros españoles. Pero como pintor y testigo del clima político y cultural
represivo en la España de principios de los cincuenta del
siglo XX, percibía que tan grandioso legado debía serle
arrebatado a la cultura franquista, que lo estaba colocando
en una posición opuesta al Arte Informal europeo

contemporáneo. Paradójicamente, fue al someter este
maravilloso legado español a las formas de pintar
novedosas y más radicales cuando Saura logró liberarlo y
concederle una nueva y poderosa vida: adoptó la pintura
gestual asociada al Arte Informal y a la Pintura de Acción
americana y la aplicó a la figura y a los temas españoles tradicionales. Tras un breve período en
París en la década de 1950, durante el cual se relacionó fugazmente con los surrealistas, Saura
volvió a España y fundó el grupo El Paso (1957–60), que en su obra y en su publicación epónima
promovía las novedosas formas de pintar que se estaban desarrollando en Europa y en Estados
Unidos. (Saura fue uno de los primeros defensores de Jackson Pollock en España.) Durante este
período, Saura limitó su paleta al blanco y al negro y comenzó el conjunto de temas que
ocuparían gran parte del resto de su carrera artística, que incluyen las "Crucifixiones",
"Mujeres", "Desnudos", "Multitudes", "Retratos" y "Retratos imaginarios" (estos últimos
retratan a figuras españolas históricas como Goya y Felipe II). Saura era muy versátil: además de
la pintura, realizó grabados, ilustró libros, diseñó escenarios y fue un escritor prolífico.
En su obra Cabezas la línea argumental de la máscara y toda su significación (engaño, crítica

social, lo que se es y lo que se presenta). Vemos esta mascara de Saura que son cabezas y a la
vez casi mancha. Se muestra la idea de que cada una de estas representaciones pequeñas son
densas en su materialidad.
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La obra Crucifixión (1959–63), del Museo
Guggenheim Bilbao, es una de las pinturas más
impresionantes que realizó Saura sobre este
tema, que comenzó a tratar en 1957 y no
abandonó hasta su muerte en 1997. Esta
pintura de garabatos frenéticos encarna lo que
le daba a la obra de Saura una trascendencia
única en la España de aquel momento: el modo
audaz y contundente de tomar el genial modelo
creado por Velázquez —estaba respondiendo
concretamente a la famosa Crucifixión de Velázquez (ca. 1632), expuesta en el Museo Nacional
del Prado de Madrid— y, dándole un tratamiento moderno, abrirlo al debate crítico. La
crucifixión deja de ser un emblema cristiano o cultural y se convierte en una imagen de nada
menos que la tragedia de la condición humana. Saura, de hecho, explicó que no había ningún
motivo religioso en su aproximación a este asunto bíblico tradicional. El cuadro es una respuesta
artística y política al estado del mundo presente al que se enfrentaba Saura, un "viento de
protesta", como lo denominaba, que convierte el tradicional "varón de dolores" en una figura
laica.

ANTONI TÀPIES. En la obra se observa una obra de
carácter pictórico donde se ha introducido una capa
de arena y sobre esa capa que inunda casi todo el
capo se han realizado una serie de substracciones
que han dejado: signos, letras y cruz. En otros casos
ha habido adiciones como esparadrapos o tiras de
ropas, además, de un tinte de color rojo.
En cuanto a la composición de cuadro existen unas líneas centrales y verticales que distribuyen
las diferentes partes del cuadro. No podemos hablar de profundidad porque no hay
representación de esta. No existe un dibujo y el color es el que aparece asociado a los materiales.
La cualidad estética más importante del cuadro es la textura y la capacidad que tiene de
aparentar densidad y tiene esa acumulación de materia.
Existen ciertas referencias en el cuadro al mundo de la salud: la cruz, los esparadrapos, las
tinturas que pueden tener una referencia a la sangre o el R+. Se trata de símbolos que introducen
referencias a la salud, a lo telúrico o incluso a la muerte. Son elementos que introducen a una
cierta interpretación pues es una obra abstracta.
**Por esta cualidad matérica nos permite adscribirlo al surrealismo, hablar del autor y que otro
tipo de obras semejantes podríamos conocer. Comentar otras obras del expresionismo
abstracto: de FROUTIER o de Lucio Muñoz o Sauria, que es contemporáneo de este hombre y
amigos.
55

LUCIO MUÑOZ. En esta obra vemos como lo figurativo
no se ha perdido del todo. El tema no es tanto religioso,
sino más bien como la materia abstracta se compone y
va formando esa figura. El expresionismo abstracto es un
poco matérico. Es muy interesante los materiales con los
que crea la obra. Lucio Muñoz era más escultor que
pintor, pero en todo caso es un artista muy importante
dentro del informalismo español.
OP-ART. ARTE NEOCONCRETO
• Década de los 60 y 70. Se superpone al informalismo y es posterior a él.
• Reacción al informalismo.
• Arte impersonal, analítico y científico.
• Repetición, separación, claridad. Eso se convierte en efectos ópticos.
• Efectos ópticos.
• Arte cinético: luz y movimiento.
•

Josef Albers y el húngaro Victor Vasarely
Se pone el acento en un arte impersonal que quiere adquirir la apariencia de una arte analítico
y científico. Pretende a través de la reiteración jugar con nuestros ojos. En algunos casos como
en la Zebra de Vasalery adquiere tintes poéticos, pero lo común es buscar la reiteración y
análisis, y que en cierto modo recuerda al ordenador y a la construcción digital. Es un arte que
debemos entender en su momento. Tendrá éxito desde el punto de vista pictórico y en el campo
del diseño, por ejemplo, en las obras de Paco Rabanne, la decoración de las discotecas y los
papeles pintados de los años 70. En una época analógica donde no había aparecido el arte
digital, ni los ordenadores aparece esta especie de fascinación por lo científico. Es la época de
los análisis cuantitativos, el uso de las estadísticas como método trasversal para incluirlo en las
ciencias, etc. En muchas ocasiones este arte está realizado por grupos y no por personas.
56

También
tendrá importancia el movimiento real dentro
de las obras, que lo vemos en el autor
ALEXANDER CALDER.
FRANK STELLA, es un autor estadounidense que evolucionará hacia

otro tipo de arte. Es un arte donde lo repetitivo y lo geométrico, así
como, la clara división de las partes y los juegos ópticos son
característicos.
OP-ART EN ESPAÑA
En España es conocido el EQUIPO 57, es un equipo de arte relacionados con estudios de
arquitectura e ingeniería. Van a destacar por el diseño industrial y al contrario que el
informalismo está muy vinculados a la sociedad y quieren tener una vinculación con esta de
algún modo. Equipo 57 hacen obras dentro de la claridad y repetición, así como, esculturas
donde se ven claramente las distintas partes de la obra escultórica.
57
Formado por Juan Cuenca, Ángel Duarte, José Duarte,
Agustín Ibarrola y Juan Serrano (a quienes puntualmente se
unieron otros creadores), Equipo 57 estuvo en activo muy
poco tiempo -desde 1957 a 1962- pero, a pesar de ello, su
producción, tanto artística como teórica fue
extraordinariamente fecunda.
Desde sus primeros proyectos en las galerías parisinas Le

Rond Point o Denise René, este colectivo siempre
complementó sus propuestas plásticas con la elaboración de
manifiestos, artículos de prensa y textos teóricos en los que,
entre otras cosas, expresaban sus preocupaciones por el
devenir de la creación estética o reflexionaban sobre la
función social del arte en el mundo contemporáneo.
Desde la convicción de que es necesario superar la idea

romántica de que el artista es un individuo dotado de cualidades especiales que le distinguen
del resto de la sociedad, Equipo 57 apostó en todo momento por un trabajo colaborativo y
multidisciplinar, buscando un diálogo entre las artes plásticas y otras manifestaciones expresivas
como el diseño, la arquitectura o el cine.
En el cuadro de la imagen vemos como a través de la repetición de las formas consigue transmitir

volúmenes. A pesar de no ser una vanguardia este grupo tiene una especie de manifiesto donde
expresan sus ideas y bases estéticas.
Este grupo critica al informalismo, que está potenciando la búsqueda del artista individual
porque como es creativo vale mucho independientemente de lo que haga. Ellos claman estar
más relacionados con las necesidades de la sociedad y sus obras es un modo de investigación
que tiene por finalidad llegar a soluciones practicas aplicables a los objetos de uso diario, a la
urbanización.
POP-ART
Se refiere al sentido popular, en el sentido anglosajón o estadounidense del término.
o EEUU. Años 50-60.

o Productos consumo.
o Medios de comunicación: Comic, revistas.
o Seriación.
o Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Tom Wesselmann…
58

El término popular en EEUU, como no tienen una forma de vida popular y del pasado, hace
referencia al consumo y a lo proporcionado por la sociedad de consumo. Los productos de
consumo y los medios de comunicación característicos serán lo que conforme lo popular. Todo
eso hace que algunos artistas se planteen cómo reconectar con el público y dejar que sea algo
elitista, establecer un puente con aquello
que conoce la gente y utilizan los
referentes de lo pop (popular). Esta
corriente beberá de la vanguardia del
dadá, la idea de utilizar el producto
terminado y con una pequeña
modificación convertirlo en arte. Sobre
todo, por la voluntad del artista de
querer comunicar y querer hacer arte.
Tambien en cierto modo se verá
reflejado lo kitsch, pues elementos que
son rutinarios lo van a convertir y
trascender a la categoría de lo artístico.
ANDY WARHOL, buscará imágenes reiteradas y habituales

de consumo de bajo nivel, común como una sopa de tomate
Campbell’s. Lo que hace es reproducirla en un formato
enorme y ponerlo en la pared, lo que recuerda al arte dadá.
Lo que ha hecho Warhol es simplificar los colores y formas
de los elementos y lo convierte en una obra de gran tamaño.
Él observa cómo se sitúan en los supermercados las cajas de
Brillo y las coloca de la misma forma fuera del
supermercado.
También lo hace con las imágenes de su sociedad, coge una foto ya conocida de Marilyn y la
quema utilizando una técnica mixta entre fotografía y pintura. Lo que hace con esta obra es
pasarla de revelado y la contrasta excesivamente creando una base. Sobre esa base pinta lo
primordial: la boca suave y roja, los ojos señalados por la sombra y que el pelo rubio platino
queda reteñido. Utiliza una imagen muy conocida alterándola, pasándola por un ojo inteligente
pues acentúa los elementos más significativos de Marilyn. En cierta medida existe entre todos
los artistas pop un uso de lo cotidiano, pero elevando su expresividad y nos sirve para descubrir
aspectos que van más allá del objeto de consumo.
59

‘’Lo que es genial de este país es que Estados Unidos ha iniciado una tradición en la que los
consumidores más ricos compran esencialmente las mismas cosas que los más pobres. Puedes
estar viendo la tele, ver un anuncio de Coca-Cola y sabes que el Presidente bebe Coca-Cola, Liz
Taylor bebe Coca-Cola y piensas que tú también puedes beber Coca-Cola. Una cola es una cola,
y ningún dinero del mundo puede hacer que encuentres una cola mejor que la que está
bebiéndose el mendigo de la esquina. Todas las colas son la misma y todas las colas son buenas.
Liz Taylor lo sabe, el Presidente lo sabe, el mendigo lo sabe, y tú lo sabes’’. En estas palabras de
Warhol podemos ver como en cierto modo alaba esta sociedad de consumo y habla de una
globalización anterior a la digital que es la del consumo capitalista. Esta globalización tiene algo
de apariencia democrática y un producto pueden consumirlo todos, en cierta medida, hay cierta
igualación social. Se crea una cultura del gusto que es la misma en todos los países del mundo,
un gusto de masas. Warhol alaba en cierto modo esa apariencia de igualdad que ofrece la
sociedad de consumo.
Cuando se habla de arte como la función o producción simbólica se ve claramente en el arte

pop, pues lo que representa el artista no es una metáfora concreta. Cuando el arte se desarrolla
como producción simbólica, hablamos de que el arte manifiesta cuáles son los fundamentos,
dudas o problemas existentes en un determinado contexto histórico.
ROY LICHTENSTEIN, será otro d ellos pilares de esta corriente y tomará como referencia para su
obra la literatura de la imagen. Los cómics aparecen en la sociedad de los medios de

comunicación como tiras dibujadas al final de los periódicos estadounidenses, que desarrollaban
unas historias que se iban uniendo. Posteriormente saltaría
alas editoriales y pasaría a ser un fenómeno mundial. Toma
imágenes procedentes de cómic para pasarlo a ese gran
formato y lo hace produciendo el granulado que se produce
sobre el periódico cuando con una impresión no muy nítida
se producen los dibujos. Sobre todo, en los años 80 y 90
hace versiones en cómic de obras de la vanguardia. Como
esta versión de El jinete rojo de Carrá.
Aparecen colores planos y fuertes, todos los aspectos expresivos del cómic aparecen en la
pintura de Lichtenstein.
TOM WESSELMAN, otra pieza quizás más importante es Wesselman. Hace series sobre
desnudos a la que domina Desnudos americanos y también hará una serie de bodegones. Son
obra influidas por los cubistas y Matisse. No hay profundidad y se distinguen objetos
convencionales, en este momento se está desarrollando la pornografía y todas estas
características de la sociedad de medios de comunicación lo transmite a través de desnudos muy
60

visuales sobre lo erótico. El desnudo se interpreta un poco una cosificación y ese desnudo forma
parte del repertorio domestico de una casa. Esta obra es una instalación, es decir, una obra que
se experimenta y se vive. Esta pintura tiene mobiliario, fondo sonoro e incluso mobiliario. Se
resalta la parte de los medios de comunicación que se dedica a contenido de adultos, el erotismo
y la pornografía de los medios es lo que recoge. Incluso lo sitúa dentro de contextos domésticos
y es esta una de las cualidades excepcionales de este artista. En los medios cotidianos es donde
se encuentran los diferentes medios de consumo de masas.

Sus series Still life 28, 1962 (Bodegones), en esta obra
concreta vemos un bodegón donde se representan en
casi planos yuxtapuestos objetos propios del interior de
una vivienda: cuadro, televisión, fruta que alude al
tradicional bodegón, cerveza, ventana que se abre y un
edifico al fondo, un gato.
Es una composición donde no destacan líneas

principales, sino que son ángulos que montan los
diferentes objetos que aparecen, no hay unas líneas
verticales u horizontales que definan. Desde el punto de vista de la profundidad aparece eludida,
pues los objetos aparecen como si estuvieran en un único plano. Hay un atisbo de profundidad
en las líneas del mantel de la mesa, pero no van a un punto de fuga concreto. Hay objetos más
volumétricos (peras, cervezas) que parece que tiene un foco de luz que proviene de la derecha,
pero tiene que ver con el uso del color. El uso del color es muy importante porque tienen una
referencia significativa (EEUU). No importan tanto la textura como cualidad táctil.
Desde el punto de vista contenido es una obra que muestra el consumismo. Podemos observar
como en la tele se anuncia una cerveza, que a su vez es muy parecida a la que hay en la mesa.
Existen elementos patrióticos como la estrella, las rayas azules, el presidente o el capitolio de
fondo. Es curioso porque introduce elementos del mundo real dentro del cuadro como la carcasa
de la televisión, la cual estaba presente en la mayoría de los hogares y emitían en blanco y negro.
La televisión solía estar en la cocina porque era donde más se vivía y es algo típico de la sociedad
del momento, a la vez, que un medio de comunicación y objeto de consumo. Este produce
redundancias en la vida porque vemos elementos en la tele que también están en nuestra casa
y eso se ve reflejado en el cuadro. Con la fruta lo que hace es hacer una alusión a los bodegones
tradicionales que siempre tenían frutas y es un guiño a la tradición. Esta fruta también es
símbolo de ese consumo y de la abundancia, así como, la reiteración de la cerveza. El uso de
color es clave, pues muestra los colores blanco, azul y rojo, es decir, los de la bandera de EEUU.
61
La bandera es un elemento de uso cotidiano dentro de las casas de EEUU y es un elemento
continuamente presente. El cuadro de Lincoln también es muy importante pues para los
estadounidenses es una referencia y es una categoría fundante del estado, pero sobre todo de
la vida cotidiana. Esta obra se configura como un perfecto reflejo de la vida cotidiana
estadounidense del momento. Repertorio en una casa americana de manera cotidiana y en
cierto modo es kitsch porque iguala a un presidente con una cerveza o un gato.
En este cuadro es evidente que la estrella, grifo, el

bodegón y el cuadro está todo tratado sobre una
superficie plana y similares. No existe una distinción
significativa entre ellos y precisamente eso es lo que
pretende: mostrar objetos de la realidad de los
americanos. En este cuadro tanto el grifo como el mueble
son objetos reales introducidos dentro de la obra. La
aparición de un Mondrian en este contexto nos dice que la
obra de Mondrian se ha convertido en un objeto de
consumo y cotidiano. El arte contemporáneo se ha
convertido en un elemento más dentro de los hogares
norteamericanos. Esto es un gran cambio con respecto a las vanguardias históricas. Se vuelven
a observar los colores de los estados unidos y la estrella. Además, se incorpora para redundar
más en el carácter pop de la obra el grifo y el mobiliario de cocina. También presenta técnicas

de collage con los alimentos puestos encima de la mesa.
Realiza una serie de paisajes en la que vemos una

pareja sonriente con la montaña al fondo. Tiene cierta
apariencia de recorte y no pretende que nos creamos
la profundidad que tiene un paisaje. Vuelve a
superponer elementos que constituyen el paisaje. Es
una imagen muy característica de EEUU, en las
películas se puede ver claramente el coche en la
carretera con un skyline de una ciudad de fondo. Es
una imagen clara de EEUU, de la realidad que se está
viviendo en ese momento. La manera de representar y construir con la técnica de collage es
típico americano. Aparece una imagen de una montaña, pero no es ajena porque recuerda al
inicio de las películas de la Paramount. Son imágenes configuradas por los medios de
comunicación y consumo.
Dentro de la serie de desnudos también los hace hechos con

resina. En los años 60 se incorpora la resina como un método de
hacer esculturas y también como representaciones pictóricas. La
resina permite asemejarse mucho a la piel humana y hay ahí otro
campo de expresividad. Ofrece cualidades táctiles semejantes con
la piel.
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En esta imagen se pueden observar a la perfección todos los
elementos característicos del pop-art. La representación de la
chapa, el uso de los colores de la bandera estadounidense o incluso
los colores utilizados en el fondo.
TEMA 5: ARTE CONTEMPORÁNEO
DESDE 1940
HIPERREALISMO 1940
• EEUU. Tradición artística e influjo de la fotografía.
o Malcolm Morley, Chuck Close.
• España: Antonio López, César Galicia
o Relación con la tradición realista española.
o Poética inquietante
Procedente de esta visión Pop y su intención con acercarse a la sociedad de masas surge el
hiperrealismo. Esta corriente consiste en acercarse de una manera radical a la realidad, para
poder asemejarse extremadamente a ella. Sin embargo, este acercamiento no se realiza de
manera directa sino a través de la fotografía y el cine y se muestra aquello que muestra los
medios de masas. Fundamentalmente surge en EEUU y rápidamente se extenderá a al resto de
63

países. En España va a estar relacionado con el realismo, que era muy propiamente española, y
, además, incluye una poética de la ruina.
MORLEY, se representa un campo de golf y una serie de

espectadores. Es una visión muy realista del golf en este
caso. Morley no pretende hacer un estudio de los natural,
sino que ha sacado una foto probabalemnte de una
retrasmisión del campeonato de golf. Ha utilizado los
recuross que aparecen en los medios de comunicaicon,
por eso se utilizan esos colores, el canon es alargado y esa
visión que rompe la profundidad pues todos los
personajes tienen el mismo tamaño porque es una foto
tomada de una cámara panoráica. Recoge una imagen
donde se produce de manera hiperralista quello que aparece en una fotografia o en una
televsion. El hipperralismo es una vuelta al realismo absoluto, pero basada en lo que transmiten
los medios de comunicación.
El retrato de familia, parece casi un retrato fotográfico. Se

observa que el pintor no ha hecho un estudio al natural, sino
que ha habido un trabajo fotográfico previo. Lo podemos

observar en las sombras porque la niña la produce hacia
atrás y el niño hacia el lado lo que nos hace ver que la
imagen tiene varios focos. Se produce una especie de vuelta
hacia los valores tradicionales, pero peculiar porque están
los valores de los medios de masas. A lo largo del arte
contemporáneo se tiende a representar de manera
abstracta y aquí vemos una máxima expresión de carácter
figurativo. El cuadro muestra una familia adinerada pues
están todos arreglados, tienen una chimenea en casa que conforma una familia de alto standing.
Además, aparece arte contemporáneo detrás pues el arte está incorporado en la vida de las
personas. El cuadro de la izquierda es op-art y el de la derecha informalismo. La fotografía fue
algo revolucionario y es por eso por lo que hay una corriente dedicada exclusivamente a esto y
tiene tanta influencia en esta corriente. Existían revistas y colecciones dedicadas únicamente a
la fotografía.
CLOSE. El cuadro de la derecha es un retrato hecho al óleo,

pero con los recursos típicos de la fotografía. E muestra ese
contraste entre lo iluminado y lo que no está, al igual, que
el enfoque. No tiene profundidad de campo porque esta
enfocado el plano más cercano. En la obra de la izquierda es
de nuevo un retrato, pero con un recurso de craquelado que
era una especie de filtro muy moderno que se aplicaba a la
fotografía. Hoy día se aprecia el valor técnico y pericia del
pintor, pero ya no tiene ese carácter moderno que tenía en el momento.
64

JOHN DE ANDREA, Hombre y mujer: es el momento de los objetos sintéticos de plástico, a finales
de los 60 y principios de los 70. Esa extensión de la tecnología del plástico se ve trasladada al
arte, donde se aplica la resina que permite crear figuras
humanas. Algunos hiperrealistas, como John de Andrea,
utiliza la resina popsi para crear montajes con figuras
humanas. Las figuras en primer plano son las figuras
habituales que se instalan en distintos lugares y justo
detrás aparece una figura real que observa la imagen. La
relación entre lo real e irreal es característico del
momento. En ocasiones la propia exposición introduce un
ser humano real para que sirva de contraste o engaño para
que se cree una situación donde convine realidad y ficción.

Sphinx, (1987) con la resina vemos que se acerca mucho a la representación de manera
hiperrealista de un ser humano. Vemos que está maquillada y tiene pelo, aunque sea artificial,
es tan real que podría incluso hacernos pensar que es un ser
humano real. En este caso la fascinación está centrada en la
técnica y no tanto en la fotografía como en los cuadros
anteriores. La escultura recibe el nombre de Esfinge porque
tiene una posición parecida a la de las esfinges. La esfinge está
vinculado a la idea de la mujer pantera en el siglo XIX, la revisión
del tema de la mujer vista como la mujer maligna y la falsedad
femenina. Aunque aquí está representada la idea de la esfinge
clásica.
ANTONIO LÓPEZ.
Gran Vía. Desde 1974 empieza a realizar de manera casi obsesiva una serie de la Gran Vía de
Madrid y lo hará hasta los 90. La técnica que utiliza es combinada, pues hace fotos y en ocasiones
remata al natural. Es una imagen a primera hora cuando
todavía no hay coches y es una imagen emblemática que se
ha metido dentro del cine. En la película de Amenábar, Abre
los ojos, podemos ver como el personaje pasea por esta calle
solitaria. La poética de lo desértico está aquí presente, la
ciudad que es algo social aparece aquí solitaria produciendo
la poética de la nostalgia o el miedo. Esto es característico
dentro de la obra del hiperrealismo español.
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Campo del Moro, una serie de pinturas que realiza
desde lo alto de la zona del Palacio Real hacia el oeste
de Madrid. En este cuadro se observa el uso de la
fotografía, pues es la típica fotografía que se hacía en
un día luminoso y por eso el resultado era una foto
poco contrastada y queda todo un tanto difuminado.
CÉSAR GALICIA, hace a veces foto y otras pinturas
de objetos que previamente ha fotografiado. Se ve
ese recurso de la poética del uso, objetos que han
sido utilizados y abandonados que están en
contexto marginales. Una butaca al lado de una
puerta con pintadas o un teléfono antiguo. ** mirar
catalogos en los enlaces de video del aula.

**ESTILIZACIÓN: dejar una parte de la obra para que esa parte se quede como la parte
trascendental de la obra.**
ARTE OBJETUAL (NEODADAÁ) 1960

o Importa el objeto que adquiere valor artístico.
o Además, coincide arte y lo representado.
o Más su presencia que su representación.
o Capacidad retórica (ironía, desplazamientos de significado, sociedad de masas)
o Ruptura final con los soportes clásicos de la expresión plástica (escultura,
pintura).
o Robert Rauscheberg
Se llama así porque lo importante es el objeto, pero no el que se realiza por parte del artista,
sino que es importante por ser objeto. El objeto se va a conformar como representación, la
representación y lo representado va a coincidir. Todo esto se realiza con cierta carga retórica,
como ironía, cargándolo de significado o recalcando la importancia del objeto dentro de la
sociedad de masas. Los soportes clásicos no van a servir en esta corriente. Rauscheberg va a ser
el iniciador de esta corriente.
Cercanía entre la representación y el objeto representado.
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ARMAN FERNÁNDEZ, es un artista francés de origen español. Realiza en 1962 la obra Waterloo
Chopin en la que se representa un piano destruido. Waterloo es la batalla última donde se
derrota a Napoleón y ha quedado en ingles como derrota.
Esto es una muestra de la derrota de Chopin que es un
teclado. Las piezas del piano destruido son a la vez los restos
de un piano real, por lo que hay una relación entre la
representación y el objeto real. Las propias piezas de la
realidad son las que componen la obra artística. Por otro
lado, hay una cierta carga retórica que en este caso lo vemos
en el nombre de la obra. Se toman objetos de la realidad que
se incorporan en la obra. Está relacionado con el dadá y en
cierto modo es una continuación del pop-art, aunque este lo
hace de manera más directa hacia los medios de consumo. El neodadá tienen un juego más
retórico.
Otra obra de Arman es Violins (1971, donde representa

violines de bronces. Son planos de esos violines que se
repiten. Esta obra muestra esa ruptura con los soportes
materiales porque no es ni una pintura, ni una escultura son
simplemente objetos artísticos.

Brocche (1960), observamos jarras utilizadas dentro de una estantería. La obra en sí son los
objetos dispuestos de esa manera. Al igual que hacían los dadás eligen objetos y los disponen
de cierta manera otorgándole un cierto significado particular. Existe una cercanía entre el objeto
y la obra, es decir, entre la representación y la obra final. Precisamente eso es lo que da nombre
al arte objetual.
67

RAUSCHENBERG, es considerado como el padre del arte objetual y
comienza a hacer estos Combines. Introduce cuadros que parecen
expresionismo abstracto a los que le añade marcos. El conjunto de
distintas piezas es lo que comienza a exponer en los años 50.
JASPER JOHNS, se hacen muy famosos en EEUU y se introduce en esta

corriente de una manera un tanto alejada. Se caracteriza por
representar mapas y banderas de EEUU. El mapa de EEUU es un poco
a lo Cézanne. Se le mete aquí porque el mapa y la vadera son la propia
representación. Tiene más éxito personal que por su adscripción a una
corriente.

Esta obra Dracula podría englobarse dentro del arte
objetual o el pop-art. En este último porque se
representa un objeto de la vida cotidiana a la que se
le ha otorgado ese valor artístico. Los colores planos,
contrastados y fuertes son típicos del pop-art porque
es algo típico del mercado y del marketing.
ARTE OBJETUAL: VARIANTES

1. ARTE DEL AMBIENTE
• Objeto y entorno. Land art
• Espectador como creador artístico.
Es una vieja relación del hombre con la naturaleza (artificial vs. Naturaleza). Convertir en objeto
artístico artificial la naturaleza, o utilizarla como medio. Esta corriente requiere que la atención
se diluya entre la naturaleza y el objeto modificado. Se hace con elementos de la propia
naturaleza o momentáneamente dispuestas en la naturaleza.
Suelen ser efímeros.
Se hacen trabajos con la arena de a playa o que utilizan las

piedras de la propia playa para construir una serie de formas.
Lo vemos en autores como Jon Foreman con su serie de Beach
Art.
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Sinergy 2009, de Matin Hill y Philippa Jones. Lo
interesante de esta obra es que la estructura se refleje y
se puedan conseguir imágenes. Es importante, por lo
tanto, la perspectiva y la visión del espectador.
Christo y Jeanne-
Claude. The floating Piers, es una obra hecha con materiales
plásticos. Hace muchas obras sobre mares y océanos o
cubre edificios enteros con telas.

Algunas de estas intervenciones son de materiales
perecederos como la de Robert Smithson con su obra
Proyecto Spiral Jetty que hace una espiral en el lago para
ver como va desapareciendo y lo va fotografiando. Se da
desde los años 70 hasta ahora.
En Burdeos en la desembocadura del río se hace un certamen internacional de land art todos
los años.
2. ARTE PROCESUAL
• Desmaterialización del objeto.
• Hacia la no forma.
• Minimalismo, arte povera, …Existe un grupo de manifestaciones artísticas que se
vinculan a este arte procesual, que es un arte donde el objeto pierde sus características
hasta que se pierde el objeto mismo. Es un objeto que se despoja de sus cualidades
características.
Dentro de este existen dos corrientes: el arte povera y el minimalismo.
ARTE POVERA
Es un grupo de artistas italianos de finales de los 60 que desarrollan un arte con una clara carga
crítica frente a la sociedad de consumo y negocio del arte. Utiliza
materiales simples o de desecho, en muchos casos basura. Estos
se van a colocar ocupando un espacio con la idea de evitar su
comercialización.
Pistoletto presenta la Venus de los trapos. Es una Venus clásica

que se sitúa delante de un montón de ropa usada, que, a su vez,
presenta una cierta ironía. En principio se pensaba que nadie iba
a comprar estas obras para decorar sus hogares.
Esas creaciones artísticas van a estar despojadas de elementos superfluos o descriptivos y se

van a quedar con los aspectos esenciales.
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GIOVANNI Anselmo presenta su obra Sin título de 1968. Es una de las máximas representantes
del arte povera. Esta obra de Anselmo recuerda a una tumba. Donde debería haber tierra hay
unas pequeñas piedras, donde debería haber un
monumento fúnebre hay una piedra en forma de prisma
rectangular. Anselmo lleva hasta la mínima expresión la
idea de monolito. Donde debería haber una corona de
flores hay una lechuga. Se ha ido a lo más básico,
procesual porque hay un proceso de eliminación de
características físicas de los objetos. **la tumba la suele
poner en los exámenes. No se puede adscribir a una
escultura, ni pintura. Arte povera significa pobre.
MARIO MERZ, en 1967 presenta un Iglú. Es una

construcción semicircular casi prehistórico y lo cual se
puede incluso confundir con la naturaleza. Ese iglú está
cubierto con maderas que luego se lo va comiendo el
musgo y se confunde con la descomposición propia de los
materiales de la naturaleza. Una de las intenciones en
principio de este arte es que no se comercialice con ese

arte. El hecho de tener los gatos es insistir en la poca permanencia y la poca solidez de la obra.
Hace muchas de estas y finalmente los acaba vendiendo y se venden para el interior de museos
de arte o como una especie de monumentos para jardines o parques. Al final la intención
primera de este arte povera acabará con este autor un poco perdiendo el sentido.
MINIMALISMO
Únicamente vamos a centrarnos en la escultura minimalista de RICHARD SERRA y de CRISTINA

IGLESIAS.
• Esculturas que pueden vivirse: hacia la no forma.

• Formas y volúmenes sugeridos. No llamativos.
• Menos es más
• Objetos de muy alto contenido intelectual, pero de bajo contenido formal o de
manufactura.
El lema del minimalismo es ‘’menos es más’’, lo que viene a decir que con menos elementos
puede significar más. Es decir, objetos de muy alto contenido intelectual, pero de bajo contenido
formal o de manufactura.
La escultura siempre ha estado caracterizada por elementos fundamentales que intentan

exponerse mediante sus volúmenes. Las esculturas minimalistas no quieren hacer esa
imposición en el espacio. Son esculturas que más que verse, lo que pretenden es que puedan
vivirse y que sus formas den significado a tu experiencia sensorial.
70

RICHARD SERRA, La materia del tiempo (1994-2005). La
escultura minimalista consiste en crear ambiente de
manera que afecte en la manera en la que se vive. La
materia del tiempo son tres planchas de metal que no
son paralelas y vas moviéndote y nunca tienes idea de
como es la forma y como se comporta en el espacio. No
se conoce su inicio y su final y te permite vivir la escultura
y recorrerla.
Blanco y negro, en el Guggenheim de Bilbao. En esta obra
puedes entrar. De nuevo planchas divergentes que permiten
crear sensaciones. Esculturas para ser vividas, no para ser
comprendidas.
En general estas esculturas minimalistas están hechas para

ser vividas.
CRISTINA IGLESIAS, también hace un tipo de obras

semejantes donde no imponen sus volúmenes. Planchas
metálicas o de tela donde lo que procura es sugerir

ambientes a escala humana, pero sin intentar imponer
nada. El techo del vestíbulo, es un vestíbulo con un techo
calado con distintas planchas que de alguna manera
matizan la luz, pero no la quitan.
Corredor suspendido, también es una obra con

planchas caladas que crean un espacio que se puede
recorrer. Estas sugieren distintas sensaciones a través
de la luz y del color. Está suspendido por unos cables
las diferentes planchas. Crea una experiencia en su
recorrido, que se hace con elementos formales muy
reducidos.
Vers la terre, huecos que sugieren las formas de la

naturaleza y esas formas se introducen elementos de la
propia naturaleza. Es una especie de fuente, pero
inversa. La impresión es que en un contexto artificial hay
algo que aparenta ser natural. Con esta sorpresa es con
la que trabaja últimamente Cristina Iglesias.
Estas puertas son la obra ultima y se sale un poco del minimalismo. Juega entre lo natural y lo
artificial. En los muros que son de piedra y ladrillo aparecen esas puertas con apariencia natural
con textura de manera antigua o de arbusto tupidos.
71

3. ARTE DE PARTICIPACIÓN
• Happening (libertad e interacción con el espectador. Drama y libertad)

• Performance (instalación o montaje con intervención de actores)
• Fluxus
• Instalación
FLUXUS
1961. Georges Maciunas.
• Fusión de todas las artes. Estado de “flujo”.
• Crítica al mundo del objeto, al excesivo valor crematístico de la industria y galerías.
• Valor de la libertad creativa, del gesto y el cuerpo
Este arte surge como una reacción ante la mercantilización del arte. Se compone de una serie
de autores que reflexionan sobre el arte como objeto y están influenciados por lo escénico, pues
han trabajado con música, teatro y artes visuales. En los años 50 y 60 era muy difícil separarse
del cine de Hollywood, del cine Frances que están en su máximo auge en este momento, al igual
que el teatro. Todos estos aspectos hacen que el arte se entienda
como una especie de fusión (fluxus). Puede surgir tanto una obra

escénica, de carácter musical o teatral. Pondrán el acento en el gesto
y en el cuerpo humano, pues realmente en el teatro es muy
importante el gesto y el cuerpo humano. Además, el gesto y cuerpo
humano son interesantes porque son sinceros y es imposible hacer
negocio con ellos. Posteriormente todos, aunque no quieran
acabarán cayendo en el negocio del arte. Realizan representaciones
teatrales donde aparecen actores que realizan actuaciones donde
no ocurre nada, no existe un argumento, sino que son pequeñas
acciones (leer un libro, crear una pompa de jabón, etc.).
El objeto artístico dentro de este movimiento tiene que dejar de ser una mercancía con la que
comerciar. Esto permitía que los autores tuvieran una total libertad creativa y normalmente se
salían de los limites establecidos. La obra según su promotor debía ser divertido y abordar temas
triviales, no hacia falta tener ninguna técnica. De hecho, bastaba con no querer vender la obra.
Será una corriente influenciada por corriente como el dadá, donde lo cotidiano se puede
convertir en arte. Pero, el movimiento fluxus pretende comunicarse de una manera diferente
llamando la atención sobre elementos a los que normalmente no se le pone el foco. Los limites
entre disciplinas se difuminan y se produce una fusión de géneros, que es una de las señas de
identidad de esta corriente. Las diferencias entre espectador y creador se difuminan, porque es
importante que el espectador pueda participar dentro de la obra dando lugar a las performances
y los happenings. Las performances recuerdan un poco a los espectáculos que hacían los dadas
en el café Voltaire de Zúrich.
72

Comienzan a pasar estas performances a pequeños cortos,
los cuales están algunos realizados apuntando a una
pantalla de televisión. La televisión se está desarrollando
en ese momento y tiene gran fuerza expresiva. Dentro de
este movimiento destacan artistas como Yoko Ono.
Aunque Yoko Ono también hará otro tipo de arte como el
conceptual, pues en la bandera se puede ver texto en el
que se critica esa intervención de EEUU en la guerra de
Vietnam.
Para entender el fluxus hay que poner el punto de mira en el gesto, la reivindicación es a través
de la actividad que realiza el hombre (gestos, acciones cotidianas). Por otra parte, es necesario
tener en cuenta que es el momento de existencialismo, que pone la importancia en el hombre
y su manera de desarrollarse de manera individual a través de sus acciones. Lo que realiza cada
artista de manera individual a través de sus gestos es una manera de empoderarse a través de

la realidad y es eso precisamente lo que reivindican. Es la época del situacionismo y donde las
acciones del hombre tienen especial importancia.
Debemos distinguir entre tres términos principales para poder entender esta corriente:
•
• PERFORMANCE, representación escénica donde hay una planificación por parte del
artista, que es el protagonista fundamental. Predominio de planificación e intervención
protagonista
• HAPPENING, es una representación escénica
donde lo importante es la improvisación y donde
ganará importancia el público que también
participa. Desde un punto de vista literal es una
representación donde nada está planificado, pero
la realidad es que siempre hay algo planificado y no
absolutamente todo es improvisado. Predomina
improvisación y el público como actores.
Nam June Paik es uno de los máximos representantes de performance y happening.
• INSTALACIÓN, tipología artística característica del arte contemporáneo tras la Segunda

Guerra Mundial, especialmente divulgado desde los años 70. Se trata de utilizar un
espacio expositivo (galería de arte, Museo…) para la inclusión de una obra artística de
gran libertad en el uso de soportes, técnicas o materiales, y que puede ser recorrido por
el público. Se conforma como un nuevo soporte con independencia de su filiación o
corriente.
Elementos usuales:
- Uso de material reutilizado por la intención del autor, desde objetos cotidianos (influjo
del Dadá) hasta aparatos de tecnología actual (televisores, música, vídeo,
ordenadores…). Recoge por tanto los aspectos propios de la teoría artística
contemporánea que evita la aceptación de procedimientos puramente artísticos, y que
asume los aspectos subjetivos de la creación artística señalados claramente en la obra
73
de los dadaístas. En este sentido, la instalación será fruto del trabajo de las corrientes
denominadas Neodadá, como el arte conceptual o el arte objetual.
- Importancia del espectador, quién no sólo visualiza, sino que vive y comparte el
espacio donde se desarrolla la instalación. Es característico de un período artístico que
asume aspectos de la concepción del arte como obra inacabada, y que cuenta para su
término o conclusión con la intervención del espectador.
Se produce una ruptura total con los soportes tradicionales, ya no hay pinturas, escultura o
arquitectura, sino que son estas artes visuales y teatrales, así como, la participación del público
las que se configuran como las nuevas maneras de hacer arte.
TECNOLOGÍA Y ARTE
VIDEO ART
o Vídeo Art. Con Fluxus. Corriente en si misma desarrollada durante los años 90-
2000 hasta nuestros días.
o Introducción elementos electrónicos audiovisuales (luz, sonido, movimiento)
o Lenguaje propio, no cinematográfico.

La corriente VÍDEO ART no va a estar definida tanto por sus características estéticas, sino más
bien por la tecnología y su principal representante va a ser Bill Viola. En la obra de este hombre
la luz y el agua y los efectos que producen son muy importantes. Existe tecnología digital, pero
no hay efectos visuales digitales, sino que utiliza elementos reales. El vídeo art surge antes que
el desarrollo que lo digital. En las obras de Bill Viola hay mucha influencia de la pintura
tradicional, pues hay fondos pintados o la iluminación que utiliza. Normalmente estas obras se
plasman en una televisión plana de alta definición. El agua y la luz tendrán mucha importancia y
se utilizarán recursos como ir hacia delante o hacia atrás en el video o el uso de la cámara super
lenta. Todo esto se hace con películas de vídeo.
DIGITAL ART
• Digital Art. Introducción parcial o total de tecnología digital.

• Realidad virtual: Se construye universo ajeno al medio físico.
• Realidad aumentada: Se interactúa con un medio real “mejorado”
• Principal representante Marina Núñez.
Los artistas digitales deben tener cierta información en software para poder desarrollar sus
obras. Hoy son programas que van desarrollando formas y tienen poco que ver con la
hipertextualidad, que sí se desarrolló en un primer momento.
Influencia sobre la percepción, el gusto y la creación artística.
• Ciberarte: Internet. (Arte interactivo, Net Art) ES:

• Multimedia: No es estático, explora las posibilidades del movimiento, los recursos de la
tridimensionalidad fingida…
• Hipertextual: Relación con otros textos, imágenes y saberes sobre el tema o el proceso
artístico.
74

• Interactivo. Puede proporcionar la participación del internauta para su desarrollo o
conclusión.
ARTE CONCEPTUAL
o Importa más la poética o el mensaje que su formalización.
o Incluso la idea es el arte.
o Filosofía del lenguaje, medios de masas.
o “La idea es una máquina que genera arte” (Sol Le Witt)
La última gran tendencia absolutamente reconocible en el arte contemporáneo. El arte suele
tener dos partes en su desarrollo: la idea (pensamiento, planificación que pertenece al campo
intelectual) y la plasmación (ejecución, relacionada con una acción). A partir de los años 70, la
importancia la va a tener el mensaje, más que su visualización. Esto va a llevar al arte a tener
una gran correspondencia con los conceptos relacionados con el lenguaje, por lo que, va a existir
muchos filólogos artistas y viceversas. Algunos recursos del lenguaje como la metáfora ganaran
importancia, así como, los jeroglíficos. En cierto modo, el arte conceptual será metalingüístico y
reflexionará sobre el lenguaje y el concepto de la idea.
En esta obra se puede ver a la perfección el metalenguaje. Va a

ser muy importantes los paneles, los carteles y la escultura,
porque precisamente se reflexiona sobre a idea.

Obra clásica del arte conceptual. Parece que son
una especie de instalaciones, es una sala donde
aparecen definiciones sobre las sillas que van
caambiando dependiendo del lugar en el que se
sitúen.
Reconocimientos (1988), localización de carteles medio colgados en un edificio medio

derrumbado.
75

Nauman: One hundred Live and Die, con luces de neón se señalan alternativamente frases donde
se incluyen los términos vivir o morir.
Las luces de neón están muy
relacionadas con la comunicación y con
la publicidad.
YUMI KAMASHITA. Building Blocks, la

construcción de una mujer con las
sombras que aportan esas piezas de
madera. Las sobras construyen un
concepto.
NATHAN SAWAYA. Yellow. Con piezas de lego construye una forma humana de la que vuelven a
salir piezas. Podemos ver en este arte esa redundancia. Espaguetti Bench, las tablas de madera
se hacen vegetal otra vez y producen esas formas espontaneas y no planificadas que terminan
incorporándose y construyendo ese mobiliario.

ROGELIO LÓPEZ CUENCA, crítica al sistema y a Europa. Es un filólogo metido a artista. Evidente
entre el mensaje y no se expresa, es algo característico del arte conceptual. Un arte que llama
la atención sobre que la idea llegue al espectador.
OTRAS TENDENCIAS
o Valor simbólico y ritual.
o Uso del cuerpo, sangre
o Incorrecto, fundamentalmente países anglosajones.
76

o Damien Hirst, Andrés Serrano…
Poner el acento en aquellos aspectos que a nuestro parecer es
repulsivo en un intento de establecer la relación entre la religión y
la recepción del cuerpo como sacrificio.
DAMIEN HIRST hizo una serie dedicad al nacimiento de sus hijos,

fotos realizadas con una cámara instantánea pasada a oleo.
ANDRÉS SERRANO, un cristo metido en una sustancia que incluye

orina del propio artista.
Mezcla de fluidos corporales con el sacrificio corporal. Tuvo su importancia durante la primera
década del siglo XXI.

TEMA 6. ARQUITECTURA. EL
MOVIMIENTO MODERNO. DESDE
FINES DEL XIX HASTA LA ACTUALIDAD.
ARQUITECTURA DEL SIGLO XIX. HISTORICISMO
• Crisis del clasicismo.
• Búsqueda en el pasado de una nueva arquitectura. Revival.
• Inicialmente una opción ideológica, luego una moda. Surge en el momento del
romanticismo y el nacionalismo. Este ultimo mira hacia el pasado y la historia.
• Neoclasicismo, Neogótico, neoárabe, eclecticismo. Se fija en opciones fuera del
panorama de la arquitectura y se dejan llevar por otros estilos arquitectónicos que se
están descubriendo en el mundo de las colonias.
• NEOÁRABE: Pabellón Real de Brighton, Nash (1815- 21)

• GÓTICO:
- Villas inglesas del XVIII.
- Viollet-LE-Duc
• ECLECTICISMO
- Honore Garnier: Ópera de París (1862-1875)
- Pabellones Exposición de París de 1900
77
Algunos ejemplos de esta mirada hacia lo exótico y el
pasado son: el Pabellón con ‘’cierto sabor chino’’ y el
Arbury Hall (1748-98). Ya en el XVIII empieza a haber
una mirada hacia la historia, hecho que se desarrolla
plenamente en el siglo XIX.
El Parlamento inglés está construido en el estilo gótico

por esa vuelta la historia y a las raíces, y porque el
parlamento inglés se creó en la Edad Media y en conmemoración a esto se crea el edificio. Como
ejemplo de estilo neoárabe encontramos la antigua estación de Armas de la ciudad de Sevilla, la
cual presenta elementos de estilo neomudéjar.
En cuanto al eclecticismo del siglo XIX, destacan

la Ópera Garnier (1875). Este tipo de arte se va a
caracterizar por combinar distintos estilos del
pasado, especialmente podremos observar gran
influjo del barroco. Serán edificios que se
caracterizan por su grandiosidad y
monumentalidad.

LOS NUEVOS MATERIALES
• Revolución industrial. Hornos de fundición.
• Hierro y cristal.
• Desde XVIII en la construcción de puentes en Inglaterra.
• Desarrollo del ferrocarril.
• Se imitan formas de la arquitectura tradicional. Hacia un nuevo lenguaje.
A lo largo del siglo XIX gracia sal gran desarrollo industrial y los grandes hornos industriales
vemos como aparecen nuevos materiales como el hierro. Este nuevo material va a permitir
grandiosas infraestructuras como los puentes y posteriormente permitirá la creación y
desarrollo del ferrocarril. La utilización de este material en la construcción va a permitir que
funciones como un gran soporte que hará que se eliminen los grandes muros de carga. Otro de
los materiales que aparece en estas nuevas construcciones es el cristal, que se había configurado
hasta el momento como un artículo de lujo. El desarrollo de la industria convierte el cristal en
un producto más accesible que se incluye en la arquitectura permitiendo la creación de nuevas
formas. Por lo tanto, observaremos nuevos materiales que permiten la introducción de nuevas
formas arquitectónicas, pero que en cierta medida respeta y sigue utilizando las formas
tradicionales.
**planta dibujo en el suelo. Alzado desarrollo verticales y volumen la planta desarrollada hacia
arriba***
78

Cristal Palace (Palacio de Cristal de Londres, Paxton) 1851. Este palacio construido en hierro y
cristal se crea para las grandes exposiciones universales que se desarrollan en este momento.
En estas exposiciones se muestran los avances tecnológicos de las distintas naciones. Este
edificio presenta planta de cruz latina y tiene una división en lo que parecen naves separadas
por pilares, en concreto cinco grandes naves
que atraviesan el edificio. Son nuevos
materiales, pero se construye como si se tratase
de una gran catedral o iglesia. Al cabo de los
años se destruye porque la arquitectura de las
exposiciones de esos edificios que se construían
tenía un carácter efímero.
En Francia también los edificios con nuevos materiales imitan a edificios del pasado. Henri
Labrouste levanta unas salas de la Biblioteca Nacional de París con unos pilares de hierro y arcos
de medio punto de hierro que sostienen las diferentes bóvedas. Recuerda a la arquitectura
bizantina que se cubre con curvas circulares y cúpulas, y es precisamente en este estilo en el que
se inspira el autor. La sala de lectura sería mucho más pequeña
si el autor hubiera tenido que construir muros de carga, por lo
tanto, esta arquitectura se configura como una arquitectura

mucho más conveniente y práctica. La Torre Eiffel también se
construye como un monumento de la exposición de París de
1889. Se caracteriza por tener unos arcos catenarios, que
necesitan de la ingeniería para ser construido. Lo estético de la
Torre Eiffel es la combinación de las líneas curvas con la
utilización del hierro
MODERNISMO
• Bélgica (Victor Horta), Francia y Austria (Olbrich, Otto Wagner).
• Burgués. 1890-1914.
Todas estas obras dan paso a lo que se conoce como MODERNISMO. Es el último de los estilos
tradicionales de la arquitectura. Recibió este nombre por los críticos de la época que
encontraron este arte moderno en la época y el término español se refiere al Art Noveau francés
o al Liberty inglés.
Este movimiento surgirá en parte por la existencia de una clase media burguesa enriquecida de
manera directa o indirecta por la revolución industrial. Esta burguesía se desarrollará de manera
más libre a nivel intelectual lo que permitirá crear un arte que ya no se encuentre anclado a la
tradición. En el caso de España será Cataluña donde se produzca el desarrollo de esta corriente,
por ser esta la comunidad donde se produjo una mayor revolución industrial. Observamos en
esta comunidad la existencia de una burguesía liberada de las formas tradicionales que dan paso
a esta nueva forma de hacer arquitectura.
• Búsqueda en la inspiración de la naturaleza, floral y animal.

• Predominio de la voluntad de diseño total.
• Ornamentación asimétrica.
79

El modernismo se caracteriza por ser un arte que pretende ser total, es decir, donde el diseño
compone el todo. Veremos como el diseño estará presente
en los alzados, mobiliario o la decoración. Se inspira en la
naturaleza, por lo tanto, los elementos florales y animales
estarán muy presentes, así como, una ornamentación de
carácter asimétrico. Un claro ejemplo de modernismo es la
Estación de Metro de Otto Wagner, donde se puede
observar el uso del hierro pintado y esa decoración que
hace que se asimile a un pequeño palacio.
NOVEDADES DEL MODERNISMO
• Aplicación común de los nuevos materiales

• Libertad de plantas y alzados.
• Espacios volados.
• Anticlasicismo.
• Volúmenes → especialmente en la arquitectura
modernista vienesa.
En el interior de la casa Güell de Gaudí podemos apreciar

muchas de estas novedades. Vemos los aspectos modernos del
techo y la lámpara diseñados con total libertad. El mueble

separador presenta ese uso de cristal con las vidrieras de
aspecto tremendamente moderno, que, además, choca con
unos muebles de un aspecto mucho más tradicional.
VICTOR HORTA, fue un arquitecto que trabajaba sobre todo en Bruselas y destaca por la
construcción de Villas Solvay (1894-1900) y Tassel (1892-1893). Estas villas ubicadas dentro de
la ciudad representan esta nueva manera de entender los edificios. En ella aparecen las líneas
curvas, elementos ornamentales novedosos (sobre todo por el uso del hierro) y elementos
volados (permiten que entre más luz y que haya más espacio). El hecho de que se utilicen
soportes de hierro permite crear elementos que se encuentran fuera de la línea de fachada de
cada una de las fincas. En el vestíbulo de la Casa Tassel podemos observar la idea de un arte
total y elegante, la cual se observa en los pavimentos, las pinturas murales, la escalera donde
predomina la línea curva asimétrica y en el soporte de hierro transformados en una especie de
tallo de arboles que sostienen el arte de la escalera.
80

El modernismo es una corriente que no se encarga de poner el
foco en la historia, sino que lo hace en la naturaleza. Un ejemplo
de esto es la Boca de Metro de Guimard, donde se observa ese uso
del hierro que forma una especie de tallos vegetales y esos
cristales en forma de concha formando un tejado a dos aguas
inversa.
El MODERNISMO VIENÉS, tendrá unas características similares con respecto al resto del
movimiento. Se caracteriza por conceder importancia a los volúmenes y por la manera sutil en
la que va a aparecer la decoración, pues no tendrá tanta importancia como en el art noveau
francés o barcelonés. El Edificio de la Secesión es un claro representante de este modernismo
vienés, pues se muestran a la perfección

esos volúmenes. Debemos señalar que la
claridad es uno de los elementos más
representativos de la ética de este
movimiento arquitectónico. Para una parte
de los arquitectos del clasicismo los
edificios deben ser honestos, es decir, lo
que se muestre en el edificio debe ser real
y verdadero. (Si aparece un volumen debe
haber un espacio real que se corresponda a
este).
ARQUITECTURA MODERNISTA CATALANA
• Uso de nuevos materiales (ladrillo, hierro, cristal) o nuevos usos antiguos (cerámica,
pintura).
• Renaçenca catalana. Recuperación de signos y oficios. (Domenech y Montaner)
Cataluña es el centro de la industrialización española y donde se desarrolla la arquitectura

modernista. Se produce una vuelta a la tradición artesanal y junto al uso de materiales de
carácter industrial se unen a la cerámica y la pintura mural. Coincide, además, con un fenómeno
cultural importante la Renaçenca en la que se recuperan signos y oficios. Los arquitectos están
financiados por una burguesía hecha a sí misma, la burguesía permite que personas que formen
parte de la aristocracia pueda hacerlo. El signo de prestigio que utilizan los nuevos ricos
burgueses será financiar la construcción de edificios de estilo modernista.
81
El Palau de la música catalana. Un edificio construido en ladrillo, utilizado de una manera
distinta porque utiliza elementos de la arquitectura tradicional como las columnas con los
capiteles o los balcones volados, de la
arquitectura medieval barcelonesa, pero
interpretado de una manera diferentes. El interior
del Palau se abre de una manera novedosa, donde
se introducen elementos de hierro que permiten
que los espacios sean más amplios. La luz también
gana protagonismo a través del uso de los cristales
en las paredes y en el techo. El arco de
embocadura que da paso a la escena, decorado
con las esculturas que reproducen los nuevos
héroes laicos del XIX como Wagner.
ANTONIO GAUDÍ (1852-1926). Reservados todos los derechos.
Gran figura del modernismo catalán.
– Parte posiciones historicistas. Palacio episcopal de Astorga.

– 1905-1910. Casa Batlló y Casa Milá. Formas orgánicas, fantásticas, orgánico
como forma y estructura. Iconografía nueva.
• Parque Güell y Sagrada Familia. Uso de arcos y torres parabólicas. Soportes tendidos.
82

Construye el Palacio Episcopal de Astorga, el
cual se aleja de la tradición y se asemeja a los
castillos medievales europeos. En la
construcción de este edificio utiliza líneas
curvas y arcos parabólicos, muy comunes
dentro de la arquitectura de Gaudí. El edificio
aparece como inspiración de la arquitectura
de las masías tradicionales, hecho que vemos
especialmente en la entrada con ese arco
curvo que acentúa el porche. Estas masías
solían tener una bodega donde se utilizaban
esos arcos parabólica que, por un lado, aportan mayor altura al edificio y, por otro, permiten
crear unas condiciones bioclimáticas óptimas para la conservación de los alimentos. Transmite
una sensación de edificio fantasioso que copia el estilo gótico internacional de los libros de oro
de la edad media, en los que la ascensión de los edificios gana importancia y que aquí se ve
reforzado por la introducción de líneas curvas.
Casa Batlló (1905-1908), se construyen en el ensanche de la Barcelona moderna. Estos edificios

se crean para vivir en altura y son por definición ordenados en cuanto a ejes compositivos. Lo
interesante es que Gaudí dota los edificios con unas líneas de carácter curvo que aporta ligereza
a la composición, y define toda la obra con ese

tejado tan peculiar y los diferentes remates. Vemos
en este edificio esa fascinación por llevar las formas
de crecimiento de la naturaleza a la arquitectura, en
el tejado en forma de escamas de pez o armadillo y
los remaches de los balcones que parecen máscaras
o calaveras de animales. Entre los remates destaca
la cruz tridimensional apuntando a los cuatro
puntos orientales.
Casa Milá (1906-1912), ubicada en la parte noble del

ensanche de Barcelona y vemos la característica de
convertir un bloque de vivienda en un edificio orgánico y
dinámico. Parece una especie de tarta que se derrite y
esos elementos salientes y entrantes.
83

A Gaudí le encargan la urbanización de una zona de la ciudad situada a las afueras y la cual cuesta
con ciertas elevaciones, con la intención de que personas de la clase media-alta de la burguesía
fueran a vivir a esta zona. Finalmente, solo construye un edificio ubicado a la entrada y las partes
comunes de la urbanización, configurándose lo que se conoce hoy como el Parque Güell. Utiliza
un sistema de creación de jardín bastante tradicional, procedente del mundo italiano, que se
conoce como los jardines en terrazas. Al igual que en los jardines clásicos italianos, Gaudí coloca
una escalera de acceso por donde discurre el agua y donde incluye símbolos tradicionales de la
ciudad: la salamandra (rescatando el antiguo dragón de San Jorge) y el escudo de la propia
ciudad. En la decoración también se observa esa influencia del mundo italiano, pues vemos en
los almohadillados de las paredes cierto reflejo de los palacios italianos renacentistas. Aunque,
se incluyen elementos novedosos dentro de ese almohadillado como los colores y la variación
de formas. También, se observa en la terraza artificial la
configuración de columnas dispuestas de manera
trasversal con respecto al eje y el antepecho construido
con unos trozos de cerámica que parecen reutilizados y
recuerda a la chimenea de casa Batlló.
Los arcos parabólicos, lo vemos en las obras de reforma

en el Colegio Santa Teresa. Esos arcos se extraen de esa
arquitectura tradicional rural catalana.

El último edificio a destacar de este autor es la Sagrada Familia de Barcelona. Este edificio
debería haber tenido, según el plano ideado por Gaudí, 14 torres dedicadas a la Virgen, Cristo y
los 12 apóstoles. Vemos como la catedral esta lejanamente influida por el gótico, pero un gótico
mucho más fantasioso donde se puede apreciar el carácter personal del autor. Es una iglesia
expiatoria, construida con los fondos de los fieles como la gran basílica de la parte moderna de
Barcelona. Los discípulos de Gaudí, una vez que este murió siguieron con la construcción de la
edificación, aunque hubo ciertas disputas en cuanto al modo en el que se debía continuar
construyendo. Existían ciertas dudas sobre si seguir la línea indicada por el autor o añadir
criterios más modernos, por lo que finalmente se optó por una opción intermedia. Se ha creado
algo hoy día en la línea de Gaudí donde predominaba la reiteración de los elementos
estructurales, pero añadiendo otros modernos y consiguiendo de esta manera una situación
algo ecléctica entre ambas situaciones.
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ARQUITECTURA DEL ARTE
CONTEMPORÁNEO A PARTIR DE LOS
AÑOS INCIALES DEL SIGLO XX
EL RACIONALISMO O FUNCIONALISMO
• Reacción frente la tradición.
• Ornamento y delito. Adolf Loos. Procedente de la arquitectura vienesa y este reacciona
frente a la tradición histórica y hay que romper con el influjo de la historia en la
arquitectura. No pueden estar en el sometimiento a la ornamentación.
• Idea del espacio y de la función estructural.

• Libertad de plantas y superficies.
• Diseño y geometría de la recta.
• Cubiertas rectas, importancia de los soportes. Nuevos materiales.
ESTADOS UNIDOS
• Escuela de Chicago. Sullivan (fines del XIX)

• Estilo internacional. (Años 20).
EUROPA
• Walter Gropious. Bahaus

• Mies Van der Rohe
La incorporación de los nuevos materiales va a permitir que exista una total libertad en las
plantas de los nuevos edificios. Esta nueva corriente va a abogar por las líneas rectas como
reacción a esas líneas curvas y ornamentación del modernismo. Los elementos dispuestos de
manera horizontal y esas líneas rectas pueden desarrollarse gracias a los materiales que
permiten crean esos cimientos sobre los que se colocan los pilares que se utilizan de soportes
verticales y las vigas de hormigón armado. Este último material se introduce en este momento
y se configura como un cemento especial que puede soportar mucho peso y que dentro de ese
hormigón se introduce una armazón de hierro. Este sistema de construcción a base de vigas y
grandes pilares permite crear tipos de vivienda en altura alejados de ese diseño de la
arquitectura histórica y que comporta los grandes barrios y equipamientos de vivienda del
momento y que se extienden hasta nuestros días.
El funcionalismo tiene dos escuelas: Estados Unidos y Europa (Alemania, Países Bajos). En
Europa el funcionalismo va a tener un tratamiento teórico y en EE.UU. surge de manera
espontánea, más directa y bajo la idea de que es necesario construir sobre suelo urbano que es
cada vez más caro. La solución ante eso es evidente pues donde no hay ese peso de la tradición
se construyen los rascacielos. El funcionalismo se desarrolla principalmente en la costa este y en
el centro del país, en las ciudades de Chicago y Búfalo. En la ciudad de Chicago se desarrollará a
fines del XIX debido a un gran incendio que se produce en la ciudad, que hace que se reconstruya
desde sus cimientos. Los arquitectos que llevan a cabo toda esa reconstrucción se desarrollan
en torno a la figura de Sullivan y la Escuela de Chicago. La ciudad se convertirá en el centro de la
85
revolución, siendo la sede principal del tratamiento de la carne y el cereal. Estos nuevos
rascacielos se construyen con los nuevos materiales: hierro, hormigón y cristal.
Uno de los primeros rascacielos es el conocido como Prudential building, construido en 1894.
Este se caracteriza principalmente por ese uso de líneas rectas, formando prácticamente un
cuadrado en planta donde se ha desarrollado un volumen que ha dado lugar a un prisma
rectangular. Los vestíbulos de los edificios funcionalistas quedan muy libres por lo que permite
crear recepciones, huecos de escaleras y meter los ascensores. El alzado si tiene alguna
remembranza de la arquitectura tradicional pues está un poco decorado en el remate del
edificio con los óculos y las ventanas de arriba acaban en arco. Sumado al tejado ovalado y
recuerda un tanto a los palacios renacentistas al quattrocento. Una especie de homenaje.

Carson Pirie ya es un edificio definitivamente moderno, predomina el uso de líneas rectas y
predomina el Angulo recto, salvo en la esquina donde se achaflana, es decir, se matiza con los
ventanales en semicircunferencia que suaviza el ángulo de la esquina del edifico.
Frente a la eliminación de ornamento y simplificación de la geometría a las líneas rectas.
BAUHAUS
• Escuela de Arquitectura. 1919.
• Promover calidad.
• Edificios industriales.
• Diseño industrial.
– Trabajos en talleres.
– Prácticas útiles y concretas
Dentro de la arquitectura funcionalista europea destaca la BAUHAUS. Alemania es un país

moderno e industrializado y esta escuela pretende promover una arquitectura de calidad
orientada a la construcción de edificios industriales y colectivos. Se introduce el trabajo de los
alumnos, a través del cual se pretende conseguir un diseño industrial, por medio de prácticas
útiles y concretas en la construcción y ejecución de esos edificios. Esa idea es un éxito
internacional y todas las escuelas de arquitectura incorporan los talleres dentro de la labor
docente. Todo el mundo debe hacer trabajos de taller.
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Walter Gropius, Fábrica Fagus (1911). Fábrica que se
dedicaba a hacer suelas de zapatos. Dividido en tres
plantas. Es un sistema arquitectónico adintelado.
Los ventanales tan grandes son posibles porque los
pilares entre ventana y ventana soportan el edificio.
Los pilares permiten quitar carga a los muros, que se
pueden convertir en ventanales. Los pilares son los
principales soportes. Elementos característicos
desde el punto de vista formal, elementos
sustentantes que soportan todo el edificio y
permiten el uso de esos ventanales. Composición a
base de líneas rectas. Los elementos sustentados son cada uno de los planos, paralelos al suelo,
que sirven de techo y de suelo a cada una de las plantas. La cubierta es una superficie planta sin
vertiente. La cubierta es un tejado plano o una terraza plana. Los alzados están determinados
por los pilares cuyo exterior es de ladrillo y los grandes ventanales que se repiten como si fueran
módulos. La seriación de los elementos que componen los alzados. No hay otra ornamentación
que la determinada por esas líneas geométricas y el juego de colores del ladrillo, del cristal y el
hierro que le sirve de cierre.
**la arquitectura no desarrolla un tema, es abstracta. Pero hay elementos que ayudan a
establecer relaciones de significado.

La entrada exterior y el reloj nos dice que es un edificio que se va a utilizar con unos horarios, se
va a entrar y salir del mismo. Las ventanas permiten entrar la luz y que no se tenga que calentar
tanto la luz. Vemos a través del cristal que la escalera está situada en uno de los extremos de los
edificios lo cual permite que el resto del edifico su espacio interior se destine a hacer espacios
diáfanos.
87

El funcionalismo supone un éxito tremendo y hace que se expanda por las ciudades de todo el
mundo. Debido al bajo costo de los materiales se construyen este tipo de construcciones por
todo el mundo.
La Bauhaus se traslada a Italia, a la ciudad de

Dessau, donde se levanta esta escuela de
arquitectura. Vemos en este edificio que se
construye volúmenes que sobresalen y que
delimitan el vestíbulo y escaleras del edificio. Se
observa una parte central del edificio destinada a
las tareas colectivas de la escuela. En la parte baja
podemos ver unos pilares que permiten la
creación de un vestíbulo abierto y podemos ver a
través de los cristales como la estructura del edificio se dispone alrededor de un pilar central y
otros dos a los lados que sustentan el peso.
Otra de las características del racionalismo es que se independiza la idea de que el edifico tenga
que ocupar los bordes de una parcela. Los edificios racionalistas suelen dejar un espacio
alrededor para la construcción de aparcamientos o para una zona
común. No tiene por qué ocuparse toda la parcela con zona
edificada.

MIES VAN DER ROHE (1886-1969), fue un arquitecto muy
importante y encargado de la construcción del Pabellón de
Exposiciones de 1929 en Barcelona.
El pabellón fue destruido y hace unos años fue reconstruido por los
seguidores de su arquitecto. En el pabellón se puede
observar una ausencia total de ornamentación o
referencias a la nación, lo que lo convierte en un edificio
plenamente funcional. Se define por el nuevo estilo
arquitectónico done predomina la geometría, el
sistema de adintelado, las piedras y esa zona de jardín.
El interior aparece dividido con placas pétreas y vigas
muy finas, que permiten que se puede utilizar y
aprovechar todo el espacio interior.
CASA TUGENDHAT (1930), es una casa construida

por este mismo arquitecto en República Checa.
Tiene unas grandes ventanas y se encuentra
emplazado en una colina, lo que convierte a la casa
es una especie de mirador. En la parte de arriba
podemos ver la influencia de la arquitectura
japonesa (arquitectura delgada y traslucida) en la
disposición de las ventanas, que se encuentras
corridas las unas a las otras. Este aspecto será muy
88

común en las obras funcionalistas, pues sus autores quedan fascinados con la arquitectura
japonesa.
Una de las características personales de este arquitecto es intentar transmitir la idea de edificios
ligeros y con sencillez de línea, dejando ver de manera evidente como son los elementos y
volúmenes de sus arquitecturas. Este aspecto podemos observarlos en la CASA FARNSWORTH
(1946) construida en EEUU. Der Rohe marcha de Alemania a EEUU, donde tiene numerosos
encargos y donde rápidamente se adaptará al sistema de trabajo del país norteamericano. Un
sistema que se caracteriza por la existencia de empresas donde los arquitectos trabajan de
manera conjunta para construir numerosas edificaciones. La Casa Farnsworth se encuentra
ubicada en una zona húmeda, por lo que decida
elevar la casa mediante la elevación de los
pilares que alejan la planta de esa zona
húmeda. El hecho de que el suelo aparezca
elevado otorga una situación de modernidad y

liviandad, dando la sensación incluso de que la
casa flota por encima del paisaje. Podemos ver
debido a la existencia de esos grandes
ventanales todo el interior de la casa dispuesto
como un gran espacio diáfano que permite la
libre distribución en su interior.
Otro de los edificios que destaca dentro de su etapa estadounidense en el INSTITUTO DE

TECNOLOGÍA DE ILLINOIS (1957). En este observamos
una vez más la sencillez y liviandad tan características
de este autor. Es interesante el modo en el que señala
la entrada del instituto, pues es un edificio donde
predomina el cristal y el metal; y para señalar esta
entrada lo que hace es aportar todavía más claridad
aumentando la cantidad de cristal. Es un edificio en
forma de prisma rectangular acostado con una serie
de elementos verticales que se repiten. No vemos
cuáles son los pilares que sustentan los tramos de la
escalera de la entrada principal del edificio.
La célebre frase de ‘’Menos es más’’ es de este autor y se puede aplicar a la perfección a su

arquitectura, con escasas líneas transmite una manera de entender la arquitectura innovadora
y expresiva.
ARQUITECTURA CORPORATIVA
En esta época en EEUU se construye muchísimo y entre ellas destaca las construcciones de
grandes corporaciones industriales, negocios y empresas. Este tipo de arquitectura destinada a
la construcción de estos edificios para las grandes corporaciones se conoce como arquitectura
corporativa y se desarrolla principalmente en Norteamérica y parte de Inglaterra. Un ejemplo
de ellos es la Sede de las Naciones Unidas, diseñado por Wallace K. Harrison (discípulo del otro).
En esta podemos observar una parte de construcción libre, dispuesta más baja en altura para
las oficinas. Y otra parte, en la que se observa un gran edificio que parece un monolito cuyo
protagonista es el cristal. Se trata en definitiva de una arquitectura rotunda, geométrica, clara y
sin ornamentación.
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LE CORBUSIER (1887-1965)
• Fascinación por la máquina (Máquina de habitar).

• Soporte y función.
o Terrado, pilares, plano libre, ventanas corridas y libertad de fachada.
o Ciudad homogénea, adaptación a las vías. Totalitaria.
Otro de los pilares fundamentales del funcionalismo lo componen el suizo-francés Le Corbusier.
Este arquitecto tendrá una formación entre lo técnico y lo teórico, pues tendrá gran
conocimiento de la maquinaria (fascinación por los relojes). Para él la arquitectura se conforma
como una gran máquina de habitar, donde lo importante es su función (vivir o poder habitar el
edificio). Se caracteriza por un uso del plano libre en planta, el alzado de libertad de fachada
absoluta y esas ventanas de origen japonés.
Una de sus grandes obras es Villa Saboya (1929), que se encuentra en la línea de la casa
Tugendhat. Podemos observar en esta una libertad absoluta de fachada y el uso de pilares que
permite un ingreso muy profundo y una planta muy irregular, debido a la liberación de la planta
baja. La planta principal es la destinada para ser
habitada y en ella se observan grandes espacios libres
y otros acristalados. En la planta de arriba vemos un

terrado, donde se observar formas curvas que además
orientan las lucernas y permiten esconder los
depósitos de agua que abastecen la casa. La planta del
edificio es rectangular, pero solo se utilizan dos crujías
para la actividad de vivir y el resto son espacios libres
con un gran patio interior definido hacia afuera.
Este arquitecto también entiende la ciudad como una máquina de habitar y por ello debe estar
definida por una serie de variables fundamentales para la habitación de los seres humanos. Los
funcionalistas defienden que la ciudad debe ser un espacio abierto al tránsito, el cual cuenta con
una fácil entrada y salida desde el punto de vista del tráfico rodado. Tiene que ser eficaz el
tiempo de desplazamiento desde los hogares hasta los lugares de trabajo. Por lo tanto, la ciudad
se configura como un espacio con interiores de vivienda amplios, espacios para aparcar y
grandes avenidas.
De Corbusier en medio del gran desarrollo del

racionalismo en los años 50 cambia de estilo y
construye la Capilla de Notre Dame du Haut
Ronchamps (1950-55). Se trata de una iglesia
de hormigón plagada de elementos sugeridos
por la tradición arquitectónica de la popular.
Techumbre tradicional francesa, el monolito
que recuerda a una torre exenta del sur de
Francia o religión italiana. El interior en
principio está falto de funcionalismo, porque
es emocional dispuesto para la oración o contemplación. Los huecos permiten penetrar la luz de
manera tamizada que permite crear ese ambiente de contemplación. Podemos ver que con este
cambio lo que pretende en cierto modo es reírse de sus propios planteamientos dogmáticos.
90

Otro de los edificios destacables de Le Courbusier es el Bloque de Viviendas, Marsella, 1965.
Durante los años 50 y 60 el material en sí mismo gana gran importancia y se puede ver en este
edificio donde existe un uso total del hormigón. Se desarrolla lo que se conoce como brutalismo,
el cual intenta otorgar honestidad a los edificios. El edificio recuerda
en cierto modo a las celdas de abeja y aparecen divididas siguiendo
el canon de la figura humana, es decir, aumenta a medida que es
más alto los huecos, pero respetando ciertas proporciones. Por lo
tanto, las diferentes divisiones son proporcionales y exponenciales.
Uno de los aspectos más interesantes es el uso del color, creando
un alzado que recuerda a Mondrian. Con este edificio se muestra lo
esencia y primigenio, además, de querer impresionar y sorprender.
La visibilidad del edificio recuerda a lo que están realizando los
pintores abstractos del momento.
Será un arquitecto que por ambición económica esté constantemente buscando nuevos
proyectos. En la India construirá los grandes edificios administrativos de la capital de uno de los
estados del país. Lleva a cabo la construcción de varios edificios en una ciudad que está medio
desierta, entre ellos destaca el Palacio de la Asamblea de Chadigarh (1965) y el Tribunal de
Justicia (1956). Vemos en ambos edificios una mezcla de elementos pertenecientes al
racionalismo más puro con otros que parecen vincularse a esta última etapa más libre. Además,
se observan ciertos elementos de la cultura oriental como los salones abiertos. Las celdas y el

uso de colores planos como única manera de dar dinamismo a los alzados. El tribunal las celdas
tienen una función climática que fue un fracaso, tuvo que ser cerrado y meter aire
acondicionado y se ha quedado sin utilizar por ello.
91

FRANK LLOYD WIRGHT (1867-1959)
• Estilo pradera (hasta 1905). Villas influjo de la arquitectura rural inglesa y de lo japonés.
o Planos horizontales, tejados poco elevados y salientes, ventanas-pantalla.
• Estilo orgánico
• Casa de la Cascada (1935)
• Guggenheim de Nueva York (1943-1959)
Este autor tendrá una larga vida y se observaran en su persona elementos de la arquitectura
tradicional mezclados con otros que surgen del racionalismo, siendo este capaz de casar
elementos de ambas etapas. Se encuentra fuera de
las corrientes racionalistas.
Vemos que se caracteriza por una arquitectura

libre, donde priman los elementos funcionalistas y
donde se muestra una clara ausencia de
decoración. El estilo pradera será el que, de origen
a este tipo de edificios, y será el estilo que
caracterice los edificios de su primera etapa.
Realiza una arquitectura donde priman las líneas

verticales y horizontales, pero buscando los efectos

estéticos y expresivos más que la función. Para ello vuela
los tejados por encima de la fachada del edificio y rescata
elementos que recuerdan a lo oriental. Además, también
rescata elementos de la cultura azteca y precolombina de
México.
La Casa de la cascada es más racionalista y se observa un

juego de planos y de líneas horizontales y verticales que
se cortan. Además, del juego que realiza con texturas
planas de hormigón con otras rugosas como la piedra.
Esta obra vemos que se relaciona perfectamente con el
paisaje. Las estructuras con las que juega hacen que ella misma se convierta en la cascada. Los
distintos planos de la casa juegan con los planos de la roca y el desnivel de los dos ríos que se
cortan en ese punto.
La arquitectura contemporánea pasa por varias fases: una primera que toma en cuenta el
paisaje; otra que juega con el paisaje, pero no se integra en él y una última en la que la
arquitectura se hace paisaje.
Al final de su vida Wright transforma todas sus ideas en lo que él llama organicismo, que es
romper con la idea de que no podemos utilizar la línea curva en el movimiento moderno. El
resultado de esto es realizar una arquitectura contemporánea con planta circular y donde
predominan las líneas curvas. El reflejo de ello es el Guggenheim de Nueva York, en el que se
observa que el recorrido de ascenso al edificio es el propio recorrido para ver las obras. El
recorrido museístico es muy evidente y el discurso de las obras es claro, pero en cierto modo
podríamos decir que es excesivamente evidente. Es muy propositivo sobre cómo tiene que ser
un espacio museístico, lo que obliga a mirar las obras de una única manera y es demasiado lineal.
Es complicado crear perspectiva, poner una obra en medio, seleccionar unos espacios frente a
otros pues todos tienen la misma jerarquía.
92

ARQUITECTURA EN ESPAÑA: EL MOVIMIENTO MODERNO
• GATCPAC y GATEPAC.
– Funcionalismo.
– No ornato.
– Uso del hormigón, pilotes sustentantes, estructuras de distribución abierta…
• José Lluis Sert.
Estos arquitectos introducen en España esta nueva arquitectura y las características del
racionalismo arquitectónico. José Luis Sert va a ser muy importante y en su exilio durante la
época franquista será decano de la Universidad de Harvard. Gran parte de su obra se encuentra
por ello en el extranjero. Fue el autor del Pabellón de España de la Exposición Universal de 1937,
realizado durante la guerra civil española y por la situación política la exposición interior estaba
destinado a reivindicar la posición de la republica dentro del contexto bélico. Para este pabellón

y su vestíbulo fue hecho el Gernika de Picasso. Hoy día este pabellón no existe. Queda el
vestíbulo abierto gracias a los pilares y vemos esas grandes cristaleras que permitían la entrada
de luz. Se trata, por lo tanto, de una obra típica del racionalismo.
ARQUITECTURA DE SIGNO TRADICIONAL
• Consciente elección por el pasado.

• Dignificación de corte regionalista.
• Eclecticismo y revitalización oficios artísticos.
• Aníbal González.
También se hace una arquitectura de signo tradicional, aunque estos autores sí conocían la obra
moderna, pero optan por mirar hacia el pasado. En la exposición de 1929 decidieron optar por
una arquitectura que aludiera a la historia de la ciudad, por eso se optó por una arquitectura de
corte regionalista. Se introducen elementos de estilos arquitectónicos de diferentes épocas. Esta
arquitectura se hace a la vez que el resto de arquitectura y esta conecta mucho más con la
población.
POSTMODERNISMO
• Década de los 70. James Stirling. Aldo Rossi.

• Recuperación de la tradición clásica.
• Desde la fragmentación, la analogía, la ironía.
Se trata de una corriente en la que quiere recuperar el dialogo de la arquitectura moderna con
la tradición clásica. No se trata de copiar los edificios pasados, pero sí de jugar con esas
referencias culturales. Ese juego se produce desde la
fragmentación pues se utilizan trozos de la antigüedad clásicas;
con la analogía porque sirven para construir arquitectura en el
presente y la ironía porque a veces se redunda en significados
vinculados al uso de edificio o del lugar.
Este edificio se plantea repleto de elementos clásico, aunque

es contemporáneo porque es un edificio que sirve para
guardar los barcos. Añade un vestíbulo con un doble pórticos
con una explanada central que recuerda a la arquitectura del
93
renacimiento y del barroco. Por otra parte, juega con la ironía del uso porque coloca unas
especies de monolitos que recuerdan a las chimeneas de un barco. Por último, vemos esas
analogías porque los andares recuerdan a pórticos y los pilares parecen columnas que sostienen
una especie de entablamento.
Organiza el edificio en terrazas recordando a

la arquitectura antigua que recuerda a
Mesopotamia o a los jardines antiguo. Utiliza
una especie de sillares con hileras más
pequeñas y grande para marcar el material
como en la arquitectura monumental
tradicional.

El Teatro del Mundo, Aldo Rossi (1979): en sus volúmenes
refleja los volúmenes de la arquitectura tradicional
veneciana.
Plaza al modo italiano, que parece incluso

ser un decorado. El postmodernismo malo
parece un poco hortera incluso recuerda a
un parque temático.
94

HIGH-TECH
• Renzo Piano. Norman Foster. Década de los 80 y 90.

• Inteligencia informática y alta tecnología de materiales
• Relación formal idea de progreso y dinámica industrial
• Separación infraestructuras y saneamientos.
Se trata de una arquitectura a la que se le aplica la tecnología, no solo de manera funcional sino
también formal. Es la época justo antes de la informática y ya se pedía que los edificios fueran
inteligentes (ascensores, puertas automáticas, etc). También se incluían unos materiales de alta
tecnología que permitieran construir en altura. El hecho de separar la parte del edificio donde
va air abastecimientos y saneamiento del resto de edificio por si hay una avería que no haya que
hacer agujeros. Todas estas ideas de carácter técnico y tecnológico se unen a esta corriente en
el diseño, pues se debe mostrar toda esta fascinación por el desarrollo y la industria.
Toda la parte estructural del edifico están

situadas por fuera de este, permitiendo que

el interior quede libre por completo. La
apariencia del edificio es como una especie
de fábrica y los andamiajes dan sensación de
que está en obra para que se vea esa
inquietud tecnológica que tiene el edificio.
NORMAN FOSTER
Banco de Shangai y Hong Kong, el edificio tiene un aspecto

industrial y de novedad. Una manera de hacer evidente la
pretensión de parecer tecnológicamente avanzado.
Podemos ver claramente como su estructura queda al
exterior, esas grandes vigas que sostienen el edificio.
Parece una especie de nave espacial y queda evidente que
el edificio se convierte en algo importante dentro de la
ciudad.
El Reichstag cuando se interviene en vez de hacer una

reconstrucción en estilo y de conservación del edificio se
hace una gran intervención. Contraste entre la
arquitectura histórica y contemporánea añadiendo esa
gran cúpula que en cierto modo recuerda a la
terminación histórica del edificio.
95

Swissre Tower de Londres, vemos la tecnología en la
forma tan novedosa del edifico que parece aeroespacial.
Traslada esa formalidad que es de ese campo dentro de
ese edificio.
OTRAS TENDENCIAS: MINIMAL ART Y DECONSTRUCTIVISMO
MINIMAL ART
- Modestia en sus formas e inserción urbana.

- Gusto por los elementos transparentes.
El minimalismo se caracteriza porque los arquitectos respeten las formas y

los tipos del lugar donde se inserta esa construcción. También va a estar

muy presente la transparencia de los edificios de manera que no sea muy
evidente, es decir, que su materialidad no sea muy fuerte.
Construye el edificio con materiales que procuran ser livianos y por otro
lado, son materiales revestidos con cristales que permiten la entrada de luz
y que juegan con el color del cielo y con el espacio libre que queda delante
del edificio
DECONSTRUCTIVISMO
- Inspirado en la filosofía de Derrida.

- Crítica a la utilización habitual del léxico arquitectónico.
- En la práctica, no tan radical.
Está inspirado en la filosofía de Derrida, pero de una manera un tanto leve. El deconstructivismo
se encarga de volver a construir las nociones del conocimiento. En la arquitectura hay unos
proyectos iniciales muy radicales, que tiene la idea de hacer una arquitectura a la inversa y que
lo que tuviera que soportar se transformará en elementos soportados. Esta idea es de carácter
proyectual y se traduce a la arquitectura de una manera menos severa.
Este edificio hecho en Praga se introducen algunos

elementos de esa crítica constructivista. Hay que alterar
los elementos arquitectónicos y se alteran, por ejemplo,
en las ventanas que se van alterando y no son octogonales,
sino que realizan un cambio de altura en fachada. El hecho
de que un único pilar soporte todo el edifico. El hecho de
que sea más ancho por arriba que por abajo, vemos una
vez más esa alteración de lo tradicional. La parte izquierda
es incluso más radical por su curvatura que hace que
parezca que se apoya en el otro edificio. Todo ese juego de formas es característico de este tipo
96

de arquitectura. Arriba del todo hay un guiño a la arquitectura centro europea, en concreto al
edificio de la Secesión.
La idea de alterar de lo que tradicionalmente es

recto ahora es curvo, los elementos que deben
sostener ya no sostienen y el contraste entre las
partes del edificio. El deconstructivismo quiere que
no sea claro donde están los espacios interiores y
que engañen desde el exterior.
Formar irregulares asimétricas y curvas y desde

fuera no podemos saber como son sus espacios

interiores. Es una forma escultórica con una
dinámica propia. Recuerda un poco al
organisicmo de Wright.
LAND ARCHITECTURE
• Fusión de la arquitectura en las formas del paisaje.
Esta arquitectura si fusiona la arquitectura con

la forma del paisaje hasta el punto de que las
forma se confunde con las cotas de relieve. El
edificio en sus formas simula el relieve
geográfico y hay una integración total de la
arquitectura en el paisaje, pues las formas se
confunden con las cotas de relieve.
97
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La Iglesia de Auvers-Sur-Olse de Van Gogh (1890). Arte

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Es importante que deslumbre visualmente y lo que deslumbra visualmente de esta obra es la

Otra obra importante de Lautrec es Moulin Rouge

PAUL GAUGUIN, es un pintor francés (1848-1903) representante del movimiento

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En definitiva, se configura como un representante

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En algunas obras da un salto y se convierte en algo que deja de

PAUL CÉZANNE (1839-1906), al igual que

Autorretrato con paleta (1890), se puede observar como el

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En el cuadro se muestra un paisaje que parece representar una

Las líneas predominantes que hay en el cuadro son unas líneas

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No responde a ninguna temática tradicional reconocible, aunque si existen algunos elementos

La forma de la composición está estrechamente relacionada con el tema principal de la obra, la

Retrato del artista rodeado de máscaras (1899), consigue situarse

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En ambos encontraremos elementos comunes como fuertes colores, trazos gruesos y la

GRUPO DEL PUENTE

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Su movilización en la Primera Guerra Mundial le causó un fuerte deterioro en su salud física y

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En el cuadro se muestra la representación de un paisaje

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No responde a ninguna temática tradicional reconocible, aunque si existen algunos elementos