TEMA 11

LAS GRANDES INDIVIDUALIDADES DE LA ÉPOCA CLÁSICA.

LA CALLE 52.
Parte A: Pianistas, Guitarristas y Violinistas
Historia del Jazz 2022-23

11.1. Introducción

Entre los años 1930 y 1945, las grandes orquestas dominaron la escena
popular y proyectaron el jazz hacia un público muy amplio. Su música, llamada
Swing, alcanzó notoriedad mundial. Para el mundo más selectivo de los
músicos individuales y de los aficionados más cercanos a ellos, fue también la
época clásica de los solistas. Louis Armstrong dio el gran paso con West End
Blues y una larga serie de músicos de todos los instrumentos, con una gran
habilidad y genio, crearon la amplia y segura base del período clásico, sobre
el que asentaron mas tarde todos los futuros estilos del jazz.
En el período entre 1928 y 1934 aparecen las novedades que anuncian el
período clásico y entre 1939 y 45 el estilo clásico está en pleno florecimiento.
El bop se forma en ese período y está cuajado en1945. Se implanta como
favorito de los músicos mas avanzados y de un publico, al principio minoritario,
harto de las mil copias del swing de gran orquesta. Los bopers renuncian
radicalmente al mundo del entertainment y promulgan La Cultura del Jazz.
Esta cultura es el fruto de una evolución que nace con los grandes solistas de
la época clásica. Los rasgos de la base cultural nacen en las décadas de los
30 y 40, en que es posible crear dentro de un contexto musical informal de
“jamming” y “blowing”, por respetar los términos típicos del jazz. La creación
individual del solista improvisador es propulsada al primer plano y ello es
posible para los distintos miembros del grupo, sostenidos por una sección
rítmica que a su vez puede también individualizarse.
En dicho momento se establece la jerarquía de los músicos en función de su
progreso estilístico.

El limite entre el jazz y el “entertainment” fue estableciéndose poco a poco y

en la Era del Swing el éxito de las big bands fue simultaneo al
establecimiento de los solistas y las jams, pero marchando en la dirección
opuesta. Para Armstrong, Waller y otros es imposible separar completamente
“música” y “entertainment”. Para Lester Young o Coleman Hawkins
la relación con el “entertainment” queda reducida y lo mismo puede decirse
para una larga lista de músicos que, sobre todo, en la segunda mitad de los
30 colaboran decisivamente en el establecimiento y diferenciación de lo que
es y será la cultura del jazz.
Los clichés sociales que rodearon a los músicos de jazz en los años 20, fueron
gradualmente reemplazados. La competencia se situó en la concepción
musical y la ejecución. La música en si misma fue el principal valor
reivindicado. Pese a las constantes entradas y salidas entre ambos mundos, la
música de los grandes clásicos se separa conscientemente del Swing de
consumo de las grandes orquestas, con las excepciones de las orquestas de
Count Basie y Duke Ellington. Estas son la excelencia en ambos mundos.
Aunque el jazz clásico nació y se extendió a todo el país, el epicentro estuvo
sin duda en New York. Harlem produjo multitud de nuevos solistas. Kansas
aportó entre otros el genio de Lester Young, Chicago reciclo a sus figuras, pero
en la fase principal del período clásico el gran punto de encuentro fue la calle
52 de Manhattan, también llamada “La calle del Jazz” y “La calle que nunca
duerme”.

11.2. La calle 52.

Entre la 5ª y 7ª Avenidas en la calle 52, a pocos pasos del eje de Broadway,

se situaron entre 1933 y 1950 un gran número de clubs. El fenómeno empezó
en los primeros años 30 con la abertura de varios speakeasy, donde se servía
alcohol a puerta cerrada. El Jack&Charlies 21 se hizo famoso por su lujo y por
ser uno de los pocos que servía Ballantine’s escocés importado. Entre sus
clientes habituales estaban Ernest Hemingway y John Steinbeck. En 1933 se
derogó la ley seca y los speakeasy entraron en crisis. La solución fue que los
speakeasy se transformaran en clubs de jazz.
El decano fue el Onyx, que fue el primero en tener fijo al pianista Art Tatum.
Una noche estaba tocando Fats Waller y entró Tatum. Fats se levantó y le
cedió el puesto, diciendo “yo solo toco el piano, pero Dios está en la casa”.
Entre el publico habitual de Tatum en el Onyx estaban, entusiasmados, los
grandes músicos clásicos Vladimir Horwitz y Sergei Rachmaninoff.
El guitarrista de Chicago Eddie Condon, fue otro de los primeros músicos
habituales de los nuevos clubs. Entre su publico fiel estaba Marlene Dietrich.
Sinatra escuchó a Billie Holiday por primera vez en la calle 52 y según propia
confesión fue la gran influencia de su carrera. Prácticamente todos los músicos
de jazz clásicos pasaron por la 52, y mas tarde lo hicieron Parker, Gillespie,
Monk y otros bopers notables.
Desde el punto de vista social el triunfo de la calle 52 representó la abertura
del Downtown de Manhattan a los músicos negros. Fue el trampolín definitivo
para su lanzamiento al New York blanco, y muy especialmente a sus clases
artísticas e intelectuales. Pero también sirvió para el ascenso de músicos
blancos, como Woody Herman, Buddy Rich, Shelly Manne, George Shearing
y Dave Tough. John Hammond fue el gran mediador de la calle, que favoreció
contactos y contratos.
La cultura del jazz clásico de los solistas y los pequeños conjuntos se extendió
por todo el país y poco a poco al resto del mundo, constituyendo luego la base
de los movimientos bop y cool posteriores.
La creciente popularidad de los solistas aportó un nuevo y gran respeto por
los músicos de jazz. Creció su popularidad e independencia y gravaron
abundantemente a titulo propio.

11.3. El Piano del stride al swing

La evolución del estilo stride partiendo del ragtime fue gradual: como hemos
visto hubo pianistas que pudieron ser clasificados tanto como ragtimers como
stride. La escuela stride de Harlem evolucionó produciendo un genio
pianístico como Fats Waller, que improvisó creando melodías con la mano
derecha mas complejas y sofisticadas que cualquiera de sus predecesores en
el estilo. El stride fue un estilo autosuficiente que dominó la escena del jazz
durante mas de una década y todos los que siguieron practicándolo después
de Waller estuvieron en deuda con el de una u otra forma.
A finales de la década de los 20,Earl Hines (1903-83), en Chicago en los
Hot Five y Seven de Louis Armstrong, expandió las posibilidades rítmicas,
harmónicas y melódicas del piano en el jazz por un camino distinto. Comenzó
siendo un excelente pianista stride, pero conservando el feeling 4/4 del
stride, lo modificó con acentos desplazados, liberó la mano izquierda de su
papel regular con pasajes a doble tiempo, ritmos rotos y en definitiva
confiriéndole libertad. Con la mano derecha tocó melodías que recuerdan el
estilo de los trompetas dándoles un color mas brillante. La derecha ya no
desarrolla texturas sincopadas alrededor de una nota fundamental. En la
improvisación toca, a menudo dos notas con una fuerza percusiva. Sus
innovaciones rompen el molde stride y crean el nuevo estilo que lo sucederá,
el estilo swing.

11.4. Teddy Wilson (1912-86)

El siguiente paso en la nueva dirección lo dió Teddy Wilson. La influencia de

Hines. es muy patente en sus primeras obras,
Pronto abandonó las maneras del maestro y aumentó con la derecha la
movilidad de la línea melódica. Sus líneas melódicas tienden a variar en
longitud. Esta interesado sobre todo en los aspectos melódicos y sacrifica el
interés harmónico. Sus texturas no son densas, sino aireadas y sus arpegios
muy variados. Wilson es un buen solista, pero se encuentra a las mil
maravillas en pequeños grupos, como en los que crearon Benny Goodman en
1935 o Benny Carter en 1933. Comparte muchos aspectos de la visión de
Lester siendo un músico esencialmente relajado. Por encima de todo posee la
espontaneidad necesaria de los grandes músicos de jazz. Debutó como líder
en los celebres pequeños grupos creados para Billie Holiday. Su punto
álgido se encuentra en los primeros años 40,que poseen aun la frescura de
sus inicios, sin desdeñar sus grabaciones con Lester en el 56.

Pieza 11.1. All of Me por Teddy Wilson, Lester Young y Jo Jones (1956)

11.5. Art Tatum (1909-56)

Fue el pianista solitario de club por excelencia. El primero en la calle 52.

Es el reverso de Wilson con el que compartió época de esplendor.
Tatum es un pianista superdotado que fue canonizado en vida por la crítica,
pero fue sometido a duros reproches en los últimos años de su carrera y
después de su muerte. Su estilo es único y su arte el de un solitario
prácticamente sin descendencia. Poco amante del riesgo lo tomó siempre a
pequeñas dosis al improvisar. Lució hasta la exageración su maestría técnica
y buen gusto. No crea ninguna tendencia dentro del jazz y tiene un único
seguidor Oscar Peterson. Es curioso que, en cambio, fue imitado en dosis
ilimitadas por un montón de pianistas de cocktail.
El trabajo de Tatum se centra en los elementos harmónicos y su formación
clásica le lleva a menudo a improvisar a menudo out tempo. Nunca le
preocupó “swingar”, pero lo consigue sin esfuerzo en la mayoría de sus
piezas.

Tatum representa la culminación del stride. La mano derecha ornamenta

como todos los pianistas stride, pero él lo lleva hasta el paroxismo. Es el
hombre de los arpegios como fuegos artificiales. Por ello algunos
equivocadamente lo sitúan como precursor del estilo bop.
Grabó preferentemente en solitario y en tríos. Siempre quiso dominar
absolutamente, por lo que su valedor Norman Granz tuvo la sabiduría de
dejarlo suelto en las grabaciones.
En el Tea for Two que hemos elegido, prodiga sus arpeggios y una vez mas
exhibe su constante conflicto entre forma y esencia.

Pieza 11.2. Tea for two por Art Tatum

Gunther Schuller presenta en su libro The Swing Era una comparación

simplificada entre Tatum y Wilson, los dos grandes pianistas de la época
swing.

TATUM WILSON
Complejidad harmónica Simplicidad harmónica
Sacrifica el interés melódico Sacrifica el interés harmónico
Pocos riesgos al improvisar Invención constante
Arpeggios en general descendientes. Arpeggios en los dos sentidos
Unidades rítmicas idénticas en frase Unidades rítmicas variadas
Texturas densas Texturas aireadas
Energía desbordante Energía relajada
Necesita dominar los combos. Facilidad en los combos.

11.6. Nat King Cole (1919-65)

Vitalidad rítmica que le viene de su primer modelo Earl Hines.

Elige magistralmente las notas con gran sensibilidad melódica.
Relajación precursora del estilo cool. Gran pareja musical de Lester Young,
con el que progresa en paralelo.
Influencia sobre Red Garland y el primer Bill Evans.
Body and Soul es su obra maestra. Su solo lo construye sobre la introducción
temática de Oscar Moore y luego continua con un discurso decorativo lleno
de trioles para desembocar en un pasaje a doble ritmo grandioso. El bajo
asume normalmente la tarea de la mano izquierda del pianista.

Ejemplo 11.3. Body and Soul, Nat King Cole Trio,

Nat King Cole (pno),Oscar Moore(g), Millar(b), grabado 17.1.1944 en Los
Angeles.

11.7. La Guitarra de acústica a eléctrica

La guitarra como voz solista fue uno de los últimos instrumentos en ser
aceptado en el jazz. Ello se debió fundamentalmente a su falta de volumen.
Hasta la segunda mitad de los años 20 fue relegada al acompañamiento y
encerrada en la sección rítmica.
Uno de los primeros guitarristas que pudo tocar solos en situación
comparable a otros instrumentos fue el cantante de blues Lonnie Johnson. En
1928 grabó The Mooche con Duke Ellington. Tenía estudios de violín, que
parece que le ayudaron a entender mejor las posibilidades de la guitarra,
instrumento de “una sola nota”, para tocar solos con grupos. Pero fue el
guitarrista blanco de Filadelfia Eddie Lang el que fue el primer guitarra
solista de jazz con un estilo que mezclaba acordes, arpeggios, notas sueltas
y líneas blues.
Tras la muerte de Eddie Lang fueron Kress McDonough y Van Eps los que
asumieron la herencia en los primeros años 30.
En 1934 la afición jazzística, incluso la norteamericana, se enamoró del
guitarrista gitano, nacido en Bélgica y que tocaba en París, Django
Reinhardt. Perdió el tercer y cuarto dedos de la mano izquierda en el
incendio de su caravana en 1928.Desarrolló una técnica personal que le
permitió desarrollar una capacidad de improvisación extraordinaria. Se
convirtió en el genio del instrumento y en pocos años fue el único músico de
jazz europeo no solo aceptado , sino venerado por el publico americano y
mundial. Permaneció poco tiempo USA, pues se sintió incomodo con el modo
de vida y especialmente con la comida. En su única actuación con Ellington,
parece ser que fue boicoteado por algún miembro de la orquesta al prestarle
una guitarra intencionadamente no acordada al subir al estrado.
El paso mas importante para la evolución hacia la amplificación y plena
valoración lo dió Charlie Christian, bluesman de Oklahoma descubierto por
John Hammond en 1939. Eddie Durham fue el que verdaderamente utilizó
por primera vez la guitarra amplificada, pero fue el genio de Christian que
abrió las oportunidades de la nueva versión de la guitarra y también para la
transformación del jazz. En su breve carrera de algo mas de dos años con los
combos de Goodman y en las jams de Minton’s.
Les Paul, fue un fan de Django, y también Oscar Moore en el Trio de Nat
King Cole. El resto de guitarristas verdaderamente importantes encaja en la
parte de la asignatura dedicada al jazz moderno.
Django Reinhardt y el violinista Stephan Grapelli fueron los creadores del
Quinteto del Hot Club de Francia.
Django fue el único músico europeo aceptado por su originalidad en USA y
autentico terror de sus guitarristas, que vieron en él el genio inimitable. En su
música y en la de Grapelli no solo influyó la tradición gitana, sino sobre todo
la cultura musical de la canción francesa que había bebido en Debussy y
Ravel. Django fue un fenómeno musical natural que absorbió influencias y
creó con una clara idea del swing, que probablemente fue lo que le hizo ser
fácilmente aceptado en USA. Ningún otro músico europeo alcanzó el nivel
de las estrellas americanas durante el período clásico. Evolucionó desde un
estilo colorista, mas cercano a la tradición gitana, llamado “provençale”, al
que fue el suyo definitivo habiendo asimilado el jazz de Armstrong y de Eddie
Lang, y que practicó hasta su muerte por hemorragia cerebral en 1953.

Pieza 11.4. Three Little Words, Django Reinhardt y el Quinteto del Hot
Club de France (1938)

11.8. Charlie Christian (1916-42)

Guitarrista procedente de la tradición tejana de blues. Talento superior,
descubierto por John Hammond e impuesto a un Benny Goodman, al
principio reticente. Christian absorbe una larga serie de tradiciones de
música popular vigentes en Texas y Oklahoma.
No es el introductor de la guitarra eléctrica, pero si su primer solista
importante. En sus manos la guitarra adquiere la flexibilidad de los saxos en
el fraseo. Gracias a la amplificación eléctrica, a la que contribuye
decisivamente, logra la plena emancipación de la guitarra en el jazz. Audaz
en la improvisación melódica. Amalgama de tradición blues, clásicos y amor
por Lester Young y genio musical creador. Influido por los pioneros de la
guitarra eléctrica de las bandas de swing como los Texas Wanderers y Jimmie
Revard and His Oklahoma Playboys. Las primeras grabaciones son las que
efectuó en 1939 con Benny Goodman y Lionel Hampton. Su innovador estilo
madura antes de sus grabaciones con Goodman.
Su estilo se caracteriza por líneas limpias y ordenadas, sin sonidos
contaminantes. Riffs originales, creación de melodías y swing con muy pocas
sincopas. Relajación y lucidez. Padre del estilo posterior de Barney Kessel y
otros. Visión melódica lineal poco atada por los acordes de referencia del
tema, líneas llenas de tonos cromáticos de paso. Prodigo en el uso de
cuartas y quintas. Pese a su fidelidad al blues trata de expandir la visión y
romper con algunas convenciones del mismo. Próximo a Lester como
melodista.
En estas ultimas grabaciones se distancia de la tradición swing. Su rítmica es
mas cortante y definida, incisiva. Sus notas son mas llanas y parecidas a las
de los bopers. Su concepción melódica es lineal.
Muere de tuberculosis en 1942.

Ejemplo 11.5.Swing to bop

11.9. El violín

Vistos e capítulos anteriores los ejemplos de Joe Venuti y Stefan Grapelli, los
violinistas mas destacados del período clásico son Ray Nance en la orquesta
de Duke Ellington y Stuff Smith. Nance era a su vez trompetista y es en esta
segunda especialidad donde se hizo mas conocido.
Smith(1909-67) es el violinista esencial del período de la eclosión de los
grandes solistas. Fue uno de los asiduos del Onyx Club con su propio trio. En
el período 1936-40 fue el primero en adoptar el violín amplificado. Tras
alternar épocas en Hollywood y en el Onyx, se fija en Londres(1958),
permaneciendo en Europa hasta su muerte, sucedida en Munich en 1967.
Su estilo no tiene ninguna relación con la forma clásica de abordar el
instrumento. Frases ultrarrápidas y glissandos en el agudo, le ganan el
sobrenombre de “El loco del violín”. Sus intervenciones brillan por su swing y
su imaginación heterodoxa y sensible.

Ejemplo 11.6 I Know That You Know con Nat King Cole(pno y vocal),Stuff
Smith(violin),John Collins(g),Ch.Harris(b) y Lee Young(bat).
Bibliografía
1. Deveaux,S., Giddins,G. – Jazz Essential Listening, WW.Norton Co.New
York (2011)
2. Kernfeld, B. - The New Grove Dictionary of Jazz, Librería del Congreso,
Washington (1995)
3.Berendt,J.E. – Das Jazzbuch, S Fischer, Frankfurt (2005)
4.Schuller,G. – The Swing Era, Oxford University Press (1989)
5.Carles,Ph. Et alt. -_Le Nouveau Dictionnaire du Jazz, Robert Laffon (2011)