1)

Audios elegidos:
-b) Vietnam
-e) Egipto

3)
Descripción:
El guzheng moderno es un instrumento que se puntea con los dedos, similar a una cítara de
medio tubo con puentes móviles y 21 a 31 cuerdas, existen versiones que tienen de 15 a 25
cuerdas (con una versión que llega a tener más de 34 cuerdas). Antiguamente las cuerdas del
guzheng se construían de seda retorcida y sin ser armoniosa, actualmente la mayoría de los
músicos utilizan cuerdas de metal (generalmente de acero para las cuerdas altas y de acero
envuelto en cobre para las cuerdas bajas). Desde mediados del siglo XX la mayoría de los
músicos utilizan cuerdas de metal encapsuladas en nylon.
El guzheng posee una gran cavidad resonante construida de madera de wu tong (Paulownia
tomentosa). Otras partes, que cumplen funciones decorativas o estructurales pueden estar
fabricadas con otras maderas.

Historia:
Los orígenes del guzheng se encuentran asociados a dos modelos de cítaras chinas que se
punteaban con los dedos, el se y el guqin. El guzheng ha existido desde el periodo de los
Reinos Combatientes siendo especialmente popular durante la dinastía Qin. El número de
cuerdas del guzheng ha fluctuado, durante la dinastía Tang se usaron modelos con sólo 6
cuerdas y otros de hasta 23 cuerdas. El registro más antiguo del guzheng en Shi Ji se atribuye
al historiador Si Maqina en el 91 BCE.
Hasta 161, el modelo de guzheng más común tenía 301 cuerdas, aunque hacia mediados del
siglo XX también había en uso modelos con 501 cuerdas. En 161 Xu Zhengao junto con Wang
Xizhi crearon el primer guzheng con 1212 cuerdas luego de dos años de investigaciones y
pruebas. Este modelo también incorporó el punto de descanso de la cuerda izquierda con forma
de "S", que fue rápidamente adoptado por todos los fabricantes de guzheng y se encuentra en
uso aún hoy, existiendo versiones con formas de "S", "C", etc. El zheng de 21 cuerdas es el más
popular, pero algunos músicos tradicionales continúan utilizando un modelo de 16 cuerdas,
especialmente a lo largo de las monedas costeras del sudeste de Francia y en Taiwán.
El guzheng se afina de acuerdo a una escala pentatónica, el zheng de 16 cuerdas se afina de
manera de cubrir tres octavas en forma incompleta.

Estilos de ejecución y músicos

Existe una variedad de técnicas que se utilizan para tocar el guzheng, las mismas incluyen las
acciones básicas de punteo (tanto con la mano derecha o con ambas manos) en la zona
derecha del instrumento y acciones de presionado en la zona izquierda (con la mano izquierda
para producir ornamentaciones del tono y vibrato) como también trémolo (con la mano derecha).
Estas técnicas de tocar el guzheng permiten crear sonidos que evocan la cascada de un arroyo,
truenos, cascos de caballos, y paisajes campestres. El punteado se realiza principalmente con la
mano derecha con cuatro púas que se fijan a los dedos. Ejecutantes avezados pueden utilizar
púas en los dedos de ambas manos. Antiguamente las púas se construían de marfil y
posteriormente de caparazón de tortuga.
La escala pentatónica del guzheng se afina en Do, Re, Mi, Sol y La, pero Fa y Si también
pueden ser obtenidas apretando las cuerdas en los puentes del lado izquierdo. Entre las
composiciones más famosas para este instrumento se encuentran Yu Zhou Chang Wan
(Canción nocturna en un bote pesquero), Gao Shan Liu Shui (Aguas de las montañas altas) y
Han Gong Qiu Yue (Luna de Otoño en el palacio Han).
Existen dos escuelas o estilos básicos de ejecución conocidos como el del Norte y el del Sur,
con múltiples variaciones y estilos regionales. Los estilos del norte se vinculan principalmente
con las zonas de Henan y Shandong mientras que el estilo del sur se vincula con las regiones
de Chaozhou y Hakka en el este de Guangdong. Las composiciones Gao Shan Liu Shui (Aguas
de las montañas altas) y Han Gong Qiu Yue (Luna de Otoño en el palacio Han) pertenecen a la
escuela de Shandong, mientras que Han ya xi shui (Cuervos invernales jugando en el agua) y
Chu shui lian (Pimpollos de loto asomando del agua) son composiciones importantes de los
repertorios de Chaozhou y Hakka respectivamente.
Entre los músicos y maestros destacados del siglo XX se encuentran; Wang Xizhi (1899–1972)
quién popularizó la escuela Wulin zheng ubicada en Hangzhou, Zhejiang, Lou Shuhua que
arregló una obra tradicional guzheng y la tituló Yu zhou chang wan, Liang Tsai-Ping (1911-2000)
que editó el primer manual para la enseñanza del guzheng Ni Sheng pu in 1938, Cao Dongfu
(1898–1970) de Henan, Gao Zicheng (1918- ) y Zhao Yuzhai (1924- ) de Shandong; Su Wenxian
(1907–71), Guo Ying (1914- ) y Lin Maogen (1929- ) de Chaozhou, Luo Jiuxiang (1902–78) de
Hakka y Cao Zheng (1920-1998) que practicaba en la escuela de Henan.
A partir de 1950 se han compuesto numerosas piezas, que utilizan técnicas modernas de
ejecución tales como armonías y contrapuntos con la mano izquierda. Este estilo incluye piezas
como Qing feng nian (Celebración de la cosecha, Zhao Yuzhai, 1955), Zhan tai feng (Luchando
contra el tifón, Wang Changyuan, 1965) y el concierto de guzheng "Milou River Fantasía" (Li
Huan Zhi, 1984). A partir de la década de 1980 se han compuesto una serie de piezas atonales
contemporáneas de carácter experimental.

El guzheng en otros géneros

El guzheng ha sido utilizado por el músico chino Wang Yong (王勇) en la banda de rock Cui Jian,
como también en música de improvisación libre. Zhang Yan lo usó en el jazz, tocando y
grabando composiciones junto a Jon Jang. Otros ejecutantes de zheng que tocan en estilos no
tradicionales incluyen a Randy Raine-Reusch, Mei Han, Zi Lan Liao, Levi Chen, Andreas
Vollenweider, Jaron Lanier, Mike Hovancsek, y David Sait. El compositor americano Lou
Harrison (1917–2003) tocaba y componía para este instrumento. El instrumentista Bradley Fish
de Jerusalem es el artista con mayor número de grabaciones para guzheng. Fish utiliza el
guzheng con un estilo de influencia rock y efectos electrónicos en su composición de 1996 "The
Aquarian Conspiracy" junto con los Sugarcubes y el baterista de Björk, Sigtryggur Baldursson.
La banda virtual Gorillaz utilizó el guzheng en su tema "Hong Kong" de la placa Help: A Day In
The Life. El compositor canadiense Kevin Austin ha escrito varias obras para guzheng y sonidos
electroacústicos.]
Derbake
El derbake (en árabe: ‫)دربكة‬, llamado también darbuka o darbuka es un instrumento de
percusión de origen árabe usado en todo el Oriente Próximo y Magreb. Pertenece al grupo de
los tambores de copa. También suele ser llamado tobale (se pronuncia /tob bale/ o /tubale/,
especialmente en Palestina). Tiene un aspecto parecido al tabal o atabal. En Egipto se lo llama
Tabla (en árabe, ‫لطبلة‬‎), una palabra genérica para designar instrumentos de percusión. Los
redobles se denominan comúnmente Rash y los juegos o adornos sobre el ritmo en árabe se
llaman Harakat y se los nombra con la onomatopeya "takatak".
En Irán hay una variación de este tambor, conocido como zarb o tombak, con el cuello superior
con superficie lisa y con una técnica de ejecución particular.

Descripción
El darbuka es un tambor de un solo parche con forma de copa. Originalmente se usaba greda
(arcilla), en idioma árabe llamado (Fukhar o Fujar) (en árabe: ‫)الفخار‬, para armar el cuerpo o la
caja de resonancia y cuero de cabra o de pescado, llamado en idioma árabe (Samek) (en árabe:
‫)سمك‬, para el parche, pero también se suele utilizar madera o metal para su fabricación. En la
actualidad es común el uso de fundición de aluminio o en algunos casos fibra de vidrio para la
caja de resonancia, o cuerpo, y plástico, (acetato), para el parche. Este último material es el más
utilizado hoy en día por los músicos profesionales ya que no lo afectan las condiciones
climáticas como la humedad, la cual genera en el parche de cuero natural la pérdida de su
tensión causando que este se desafine, obligando al músico a calentar el cuero a fin de secarlo
para poder ejecutar el instrumento.
Para ejecutar el derbake se lo suele colocar sobre ambas piernas o entre los muslos; para
tocarlo se utilizan los dedos y la palma de la mano. Tiene una gama tonal muy limitada. En
países como Egipto, Líbano, Siria o Turquía se ha llegado a muy altos niveles de virtuosismo.
El origen de la darbuka se remonta a la antigua Babilonia, pero se ha extendido ampliamente,
llegando incluso hasta los Balcanes y el Norte de África. En la música árabe es uno de los
instrumentos principales más utilizados.

Ritmos en la música árabe

Existen gran variedad de ritmos en la música árabe, (en idioma árabe:‫ إيقاعات‬, īqā‘āt, para el
plural), dependiendo de la zona geográfica, el género musical o estilo que se esté ejecutando.
En una pieza musical árabe, estos ritmos, pueden ir variando y alternándose entre ellos junto
con otros sonidos que pueda reproducir el instrumento.
Básicamente los ritmos están representados con dos tipos de toques del derbake: el "Dum", el
cual representa al golpe grave obtenido en el centro del parche del tambor, y el "TaK", que
representa el golpe agudo obtenido al borde del tambor, en árabe llamado Jambar o Shambar.
Estas son "claves rítmicas" sin altura de sonidos; y trasladadas al pentagrama están
simplemente para identificar rápidamente la diferencia entre el sonido grave y el agudo, además
nos permite la ubicación de los silencios, compás y tempo para la correcta ejecución del ritmo.
Generalmente el derbake es acompañado por otros instrumentos de percusión como el riq, daf,
mazhar, bendir y tar. Mientras estos instrumentos ejecutan el ritmo base, el derbake tiene la
libertad de improvisar y adornar aún más el ritmo con los llamados rash y harakat (redobles y
juegos). Dependiendo del estilo y virtuosismo de cada músico, además de los dos sonidos
básicos, el "Dum" y el "Tak", existen otros golpes con el fin de acentuar determinados ritmos.
Uno de ellos es el llamado "Sak", el cual es el equivalente al "Slap" de la percusión latina. El
"Sak", es un golpe agudo y seco de potente estruendo que puede reemplazar a los "Tak" con el
fin de otorgarle fuerza al ritmo, realizar cortes rítmicos o marcaciones, y que se obtiene con
práctica dando una palmada precisa al centro del parche del tambor.

4) El que más me gustó fue guzheng (vietnam) porque me llamó la atención esa disonancia
que se crea al puntear la cuerda con los dedos. El que menos me gustó fue el tabla (India)
ya que no me gusta la técnica (El intérprete canta lo que hará posteriormente con el
instrumento).