Evolución del diseño gráfico

introducción
El diseño y el arte: posturas a destacar del texto.

● Joan Costa (diseñador gráfico) dice que el arte y el diseño son cosas distintas, “el arte se hace
preguntas y el diseño soluciona problemas”. El diseño es una estética funcional. El diseñador
quiere seducir al observador con un propósito y el arte comunica por el arte de comunicar.
● Quarantine Newark contrapone los dos modelos, la función frente a la estética. Dice que
puede estar el diseño que comunica y ya, o un diseño que comunica y persuade tomando el
riesgo de equivocarse o que no guste.
● Maria Ledesma plantea el diseño como acción social, le da la responsabilidad del diseño a la
sociedad. No hace comparación con el arte, sino que el diseño es un arte intencional.
● Phillipe Meggs plantea el concepto “zeitgeist” que relaciona el diseño con el contexto social. Es
una palabra alemana que quiere decir el espíritu del tiempo. Hace referencia a la tendencia a
los gustos culturales que son característicos de un momento histórico determinado. “El diseño
de la historia, es la historia del diseño”, es el diseño que expresa una sociedad, gustos, una
estética.

Los orígenes: de la imprenta al cartel publicitario

El diseño gráfico existe desde que existe el hombre. El hombre ha desarrollado el diseño gráfico desde
las pinturas rupestres, hacia imágenes visuales y signos que prefiguraban la caza. La escritura nace
derivada de alguna de esas imágenes (la escritura marca el final de la prehistoria). Surge asociada con
los nombres de las cosas, los signos eran pictogramas que identificaban las cosas que nombraban (la
caza se representaba por una casa). Luego, aparece el signo de valor fonético, signos ideográficos
(escritura china). La escritura marca un escalón importante porque hace que la información perdure y
se difunda. Tiene una evolución compleja, lenta y no lineal. Sin embargo esto cambia con el nacimiento
de la imprenta. Los historiadores marcan como fin de la edad media y comienzo de la época
contemporánea el surgimiento de la imprenta. La imprenta surge en Alemania de la mano de
Gutenberg.

Un libro tenía el valor de una joya porque era muy trabajoso y llevaba mucho tiempo elaborarlo, solo
accedía la clase alta, porque además de ser muy valioso, la mayoría de la sociedad era analfabeta. No
tenían portada, ni colofón (créditos). La mayoría de estos libros eran biblias. Se ponía en los libros
escudos de las familias nobles. Los libros estaban escritos en letra gótica. El color se aplica despues de
impreso y a mano, clarmente mas caro que blanco y negro. En Europa se instalaron varias empresas
de papel porque creció la demanda de ese sector gracias a la imprenta. Las universidades son una de
las razones de la demanda.

El primer mecanismo de impresión fue el grabado xilográfico para la reproducción (plancha de

madera). Madera tallada a mano que genera una matriz. Los primos grabados son estampitas o le
llamaban “hojas sueltas”. Empezaron a circular en Europa en el siglo XIV. Funciona como un sello. No se
resolvía un grabado uniforme para toda la impresión. Las primeras cosas que empezaron a circular con
este método fueron cartas y estampillas, siempre eran una imagen y unas pequeñas letras abajo en
gótica. En muchas imágenes de la época aparece la figura de la muerte porque se creía que al
terminar un siglo se terminaba el mundo y también imágenes del adoctrinamiento. En un determinado
momento comienzan a circular libros xilográficos (se combina imagen de texto + imagen ilustrada).
Los libros iluminados más populares de este tipo fueron:
● “El arte de buen morir”: preparaba a los creyentes para la muerte
● “La biblia de los pobres”: una versión de la biblia para los pobres, sencilla, popular, basada en
imágenes, era más amigable a la lectura y comprensión. Había imágenes a color que
facilitaban.
● “La danza de la muerte”: alude a la época de las pestes y la cantidad de muertos que había en
el momento.

Estos libros son una transición entre los libros escritos a mano y los libros impresos por imprenta en
masa.

Surge la imprenta:
La imprenta se puso a punto en 1450 a partir de los tipos móviles. La primera versión de los tipos
móviles fue un planchas de madera tallada (xilografía) y después evolucionaron a plomo porque la
madera se hinchaba y se fisuraba. Cómo cada matriz es una letra, se pueden variar los textos, sacar y
poner. A partir de los tipos móviles de plomo Gutenberg adapta un sistema que se utilizaba para
quesos como prensa. La función de la prensa es presionar los tipos móviles para solucionar el problema
de la impresión dispareja.
Había un “cajista”, persona que se dedicaba a armar los textos con los tipos móviles.

Consecuencias de la imprenta:
● Posibilidad de producir muchas copias de textos.
● El conocimiento empieza a circular, por lo que la sociedad comienza a interesarse por
aprender a leer y escribir. La sociedad se alfabetiza.
● La clase alta no está contenta. Si el conocimiento se difunde se pierde poder. Creían que los
libros grabados eran vulgares.
● Los copistas pierden su trabajo.

Evolución a la calcografía:
Después de la imprenta, surge la calcografía en 1460 (plancha de cobre) porque la madera tenía
problemas. El sistema es a la inversa, lo que se reproduce queda en huecos, lo que después se conoce
por huecograbado.

El primer libro impreso fue la biblia en 1454 (demoró 4 años), conocida como “Biblia de Gutenberg”.
Libro sin imágenes, solo texto. Imita a los manuscritos. En cada página hay 42 líneas impresas (se la
conoce también por ese nombre). Se hicieron 200 copias aprox. Hay decoración sólo en la guarda y en
los capitulares. Cuido no solo la impresión, sino también los márgenes y la organización. Gutemberg se
endeudo para sacar estos libros y lo perdió todo. A partir de eso, los prestamistas se adueñaron de la
imprenta.
“Los incunables”: nació para identificar los inicios de los libros de Gutenberg y los libros hasta 1590.
Libros que en su mayoría no tenían portada.

Se incorporan a la impresión las imágenes xilográficas.

Crónica de Nuremberg (libro incunable, impreso antes de 1501) características:

● Se realizó en 1493 en la imprenta de Coberger.
● Colabora Durero.
● La crónica se realizó en dos tiras, primero los textos y luego las imágenes xilográficas.
● Hay imágenes que se repiten en varias páginas dando aspecto como si fuera una guarda, no
tiene correlación con el texto, son puramente decorativas.
 ● le interesaba incorporar imágenes pero todavía sin el fin de que fueran de la mano con el
texto. no había relación texto-imagen en todo el libro.
● Se hizo una edición del latin y en alemán.
● La crónica hace referencia a viajes por europa, como las crónicas de un viajero.
● Aparece texto en bloque y se utiliza la doble página para resaltar imágenes como: La ciudad
de Florencia.
● Algunas imágenes tenían color.
● En una de las páginas aparece “El nuevo mundo”, el nuevo continente: América. Algo muy
novedoso para la época.
● Hay una sola página que es entera una imagen de Nuremberg

Durero: Artista renacentista y antropocentrista. Trabajaba en la imprenta y es ahí donde se empieza a

desarrollar como pintor. Aprendió la técnica del labrado de las imágenes. La técnica se fue
perfeccionando y los artistas realizaban su propia matriz.
Luego trabajó como editor del libro “El apocalipsis” en 1498 con la técnica mucho más perfeccionada.
Este libro contenía letras texture, letras góticas e imágenes dibujadas y talladas por Durero. Todo lo
realizaba el artista.
Diseña un monograma con sus iniciales que pone en sus obras (bastante característico del
renacimiento, gusto por el reconocimiento y el egocentrismo). En las imágenes se ve el gran interés por
la figura humana.
Durero trabaja en ambas técnicas, madera y cobre. Se considera que Durero elevó el grabado a una
categoría muy alta porque hacía un gran grabado en las matrices.
○ “El caballo de la muerte y el diablo”: En 1513. Se ve cantidad de matrices de negros y
grises que permiten leer mejor la imagen y diferenciar sus detalles.
○ En 1515 logra realizar una obra de un rinoceronte sin verlo, por medio de descripciones
logra armar una imagen xilográfica.

En Italia
Cuando la imprenta llega a Italia en 1460 de la mano de Gutenberg, la técnica se dispara. Italia en
pleno renacimiento, lo que hizo de la imprenta una herramienta más de lo que se estaba viviendo.
Como centro impresor destacado, Venecia. Fue el más grande de Europa, y donde surge un nuevo
enfoque de diseño.

Nicolas Jenson: es un francés que viene de Alemania pero finalmente se instaló en Venecia en 1470.
Trabajó con Gutemberg donde participó de la edición de la Biblia.
Diseña el alfabeto romano Jenson. Para la mayúscula se inspiró directamente de la columna de Trajano
(roma) y para la minúscula en la Carolingia de Carlo Magno.
La tipografía con serifa permite una fácil lectura gracias a que era redonda, escritura simple.
En 1418 surge la marca de la asociación de impresores venecianos. La misma la diseñó Jenson para sí
mismo, y luego terminó siendo utilizada por toda una asociación. Así como Durero diseñó una marca de
ilustrador, Jenson diseñó su marca para sus libros. El símbolo es una imagen abstracta y geométrica. Al
diseñar una marca, la tarea empieza a ser valorada.

Aldo Manuzio: Humanista y estudioso del Renacimiento italiano. Estableció una imprenta “Aldina” en
Venecia. Manuzio se especializa en el diseño de las páginas. Los tipógrafos Griffo y Bembo fueron unos
de los tipógrafos que trabajaron con Manuzio en la imprenta.
En 1499 edita “Sueño de polifilo”. Diseña varias de las ilustraciones que aparecían en el libro y las
puestas en la página del libro (relación texto e imagen).
En la imprenta de Manuzio se crea la tipografía cursiva o inclinada por el tipógrafo Francesco Griffo, es
creada para economizar espacio. Parte de la letra caligráfica. Aparecen en los libros.
En el siglo XVI va a empezar a utilizarse la portada con el nombre del libro, la fecha y algún decorado.
Está hecho para diferenciar los incunables de los posteriores.

Luca Pacioli: Fue un matemático y sacerdote. Se interesó por aplicar la matemática al diseño de letras.
Hace un libro sobre cómo se aplica la proporción áurea a la construcción de las letras entre 1496 y 98 en
Milán. Leonardo da Vinci en quien ilustra el libro. Ilustraba las letras dentro de la proporción áurea y
daban explicaciones de todas las combinaciones de los diferentes módulos matemáticos.

La alfabetización crece, por lo tanto la escritura y la lectura. Ludovico Arrighi fue el diseñador del
manual de escritura más popular “La Operina” en 1522. Libro impreso que enseñaba a escribir. Se
crearon tipos móviles que imitaban la letra a mano.

Francia
En el siglo XVI el modelo impreso se trasladó a Francia, “época dorada de la tipografía francesa”.
En renacimiento francés floreció con su mecenazgo que apoyó a humanistas, escritores y artistas. Fue
una época cultural fértil para el diseño de libros y la impresión.

Diseñadores destacados:
G. Tory: viajó a Italia y se empapo de conocimientos llevándolos luego a Francia.
Su marca (no es diseñada por él) representa la fragilidad de la vida humana, tiene que ver con la
muerte de su hija.
Lo más interesante de sus aportes son las guardas decorativas. Decoraciones no tan densas y
recargadas (blanco y negro).
Realiza los diseños y prepara los bloques xilográficos (ilustrador y grabador). No diseño tipografía, se
ocupa de la puesta en página y la decoración. En 1516 empieza a trabajar y a aparecer sus diseños en
libros. Utiliza muchas formas orgánicas.
Lo nombran impresor del rey. En esta época estaba la reforma protestante, lo que va a causar un gran
control en cuanto a los libros que se imprimían. Censura.
Se puede ver cómo en algunos ejemplos se utiliza la tipografía romana, mientras en Alemania se
seguía utilizando la gótica.
Su obra más famosa es “Champ Flevry”, publicado en 1529. Es un tratado donde amplía el uso de la
lengua francesa, pero además se ocupa del diseño de la letra en relación a las proporciones del cuerpo
humano (antropocentrismo). Son 3 libros. Se inspira en el tratado de Luca Pacioli y en ciertos aspectos
lo supera. En la portada, decoraciones de Tory mucho menos recargadas y se ve la marca de
impresión. También realizó la diagramación del libro.
El trabaja como filólogo (aporta en la lengua) e ilustrador. El libro muestra en la portada una doble
guarda decorativa. En el tratado también propone una serie de letras de fantasía y capitulares para la
imprenta de Estienne. Los capitulares fueron adaptados por la mayoría de las imprentas.

A mediados del siglo no se imprime nada sin permiso del rey. Cada vez es más estricto el control y
aumenta la censura. La iglesia católica emite una lista de libros prohibidos. A partir del renacimiento
italiano, en Francia se utilizan tipografías romanas.

Nace el concepto de nación. Nación la cual está rígida de varias cosas como la lengua, religión, a cargo
del rey, etc. Cada nación tenía una tipografía que los identificaba.

C. Garamond: Se especializó como tipógrafo y fue el primero en trabajar independiente de las

imprentas. Creó la letra Garamond e hizo los tipos móviles que después vendió a las imprentas. Hace
un catálogo de las tipografías Garamond que pueden comprarse. La tipografía Garamond es una
romana antigua, tuvo versión en itálica.
Llegó a ser tipógrafo del rey. Incluso, le pide que diseñe una tipografía griega. Garamond fallece en el
60 y sus viuda vende las matrices y punzones. Un hombre, Plantin, (protestante) de países bajos
adquiere esas matrices y con el éxodo por la guerra y demás, él huye a Amberes, y esto provoca que
su tipografía se difunda.
Ahí surge surge la imprenta de Plantin, la que se volvió muy popular. Le encarga muchas de las
portadas a artistas populares del momento como Rubens.
Plantin amplio la visión de productos gráficos que comercializaba, como mapas, libros de heráldica, etc.
En 1562 publica una biblia políglota (en 4 idiomas), cada tipografía representa un idioma. La portada es
muy barroca.
Plantin tenía marca de impresión también, tenía diferentes diseños, pero siempre aparecía la mano
sosteniendo un compás. Rubens diseñó una de las versiones.

Se caracteriza en siglo XVII (17) como una época con gran producción de libros y perfeccionamiento
técnico, pero no muchos aportes más al diseño tipográfico. Se lo considera un siglo de transición.

Sin embargo, surgen algunos nuevos productos gráficos:

● El ex libris: es una pequeña etiqueta que identifica al dueño del libro, identifican a las bibliotecas
● Los periódicos: hojas sueltas que mostraban lo que estaba sucediendo en ese mismo
momento.
● Los libros infantiles: se empiezan a editar libros para otro público diferente. recogían historias
orales que contaban los juglares que entretienen en la corte. En su mayoría eran libros de
entretenimiento.
● Los papeles de la pared: sustituyen los tapices que se usaban en las casas importantes. Se
imprimían y luego se coloreaban a mano. Representan un tipo de innovación en el diseño.

En 1785 surge el periodico “Times” que se edita hasta el día de hoy. Es un diario inglés que marcó varios
hitos en la historia de los periódicos y a la tecnología aplicada a la impresión de ellos, ya que gracias a
la revolución industrial en Inglaterra surge para el “Times” la primera imprenta mecanizada, que luego
va a cambiar el método de placa contra placa por placa y rodillo. Cuando nació el periodico se
llamaba de otra manera. Y es uno que ha innovado en el mundo del diseño gráfico, el primero que
propone eso. Además que se diseña una letra especialmente para el periodico, la “Times New Roman”.
Fue el primer diario en buscar el autofinanciamiento (no asociado a una institución, independiente en lo
económico para no ponerse al servicio de una institución). Publicidad del diario únicamente informativa.
Los libros infantiles son historias para adultos que fueron diversificados luego para niños.
Los papeles de pared se imprimían y luego se coloreaban a mano.

En el siglo XVIII (18), las imprentas ya se instauran del todo (primero en Francia y luego en los países
bajos)
En este siglo, en Flandes, la imprenta se instala y los libros se vuelven un producto de exportación La
imprenta llega a las colonias de América. juega un rol muy importante en la política y en la economía.

En Francia
En la primera década del siglo XVIII (18) se definen las naciones y sus letras nacionales. muchas
naciones querían que su propia letra los representara.
Luis XIV crea un comité para diseñar una tipografía, la “Romain du Roi” (romana del rey), diseñada
principalmente por Grandjean. Se considera que es el puntapié de transición a las romanas modernas,
que se consolidan con Bodoni en Italia.

Fournier jr: es el diseñador francés más importante del siglo. Sus diseños son bastante rococó. Es el
primero en establecer una tabla de proporciones (1737) y después diseña un catálogo donde organiza
las tipografías por peso y tamaño (1742). Empieza a surgir la idea de familia tipográfica. La familia de
tipografías buscaban que las tipografías fueran armónicamente combinables.

En inglaterra
Primera mitad del siglo XVIII (18), Inglaterra pasa a ser protagonista de la revolución industrial.
Hasta ese momento los libros tipográficos venían de Holanda, ahora Inglaterra se convierte en un
imperio de las imprentas.

Surgen dos diseñadores y fotógrafos reconocidos:

William Caslon: viene de la familia del rubro del diseño. Su primera tipografía importante se crea en
1722, “Caslon Old Style” que se utiliza en el mundo entero, ya que Inglaterra se convierte en una
potencia y viaja por todo el mundo. Todos los documentos oficiales van a usar esa tipografía Diseños
muy legibles y claros, menos recargados que los rococo francés. .

J. Baskerville: es el discípulo principal de Caslon. Diseña su propia tipografía que tiene varios pesos y se
populariza bastante, la “romana moderna”. A diferencia de Caslon, él participa de todas las etapas de
diseño: diseña la puesta en página, las matrices, preparar las tintas, mejorar las prensas, hasta cómo
fabricar el papel. Rechaza el ornamento recargado del rococó, sus diseños son limpios. Se considera
que sus diseños son tan funcionales como las tipografías de la época moderna: la idea de que la
tipografía debía ser funcional, legible y clara.

Las principales diferencias entre la romana antigua y la moderna son: las serifas y la alternancia de
grosores de trazos gruesos y finos.

En Italia
Segunda mitad del siglo XVIII (18).

G. Bodoni: escribió un manual tipográfico que se hizo muy popular y se propagó por todo el mundo.
Para hacer este manual se inspira en Baskerville (posterior) y Didot (contemporáneo a él). Expone cómo
deberían ser las tipografías. Lo publica a su viuda luego que él muere. Tiene una importante
matemática y geometría.

Hace referencia a las 4 cualidades que debería tener una tipografía:

1. Para un buen diseño se requiere uniformidad o regularidad de los diseños: consiste en
comprender que muchos de los caracteres en un alfabeto tienen elementos en común que
deben permanecer a lo largo de la tipografía. La estandarización de las unidades es el
concepto que surgió de la emergente mecanización que deriva de la era industrial (está
comenzando la revolución industrial y el ya piensa en eso).
2. Elegancia y nitidez: se refiere al corte o trabajo meticuloso de los matrices. se relaciona con
cómo se producen los tipos móviles.
3. El buen gusto: el tipógrafo debe mantenerse fiel a una simplicidad nítida y jamás debe olvidar
su deuda con las mejores letras manuscritas del pasado. el buen gusto sabe cambiar estilos y
formas.
4. El encanto: una cualidad difícil de definir, pero está presente en aquellas letras que dan la
impresión de haber sido escritas con sumo cuidado con un acto de amor. esto se advierte en la
desenvoltura del trazo que ha de parecer espontáneo sin serlo. se relaciona con la defensa del
oficio.

Sus características hicieron que Bodoni desplazara las tipografías más tradicionales colocandose como
referente de modernidad. Los contrastes muy acusados en sus proporciones, la anchura uniforme de
sus caracteres, sus remates rectos y delgados dotan a la tipografía de un aspecto muy claro y
expresivo.

Linea del tiempo

S XVIII SVIII
S XV S XV S XVI
(primera mitad) (segunda mita)

Alemania Italia Francia Inglaterra Italia

Surgimiento de la Jenson G. Tory (ppl Predomina el Predomina el

imprenta. mente en estilo rococó estilo neoclásico
Manuzio decoración de los (exageración). (se vuelve a lo
libros) clásico y rechaza
Fournier jr. la ornamentación,
R. Estiene y S. De se editan los
Colines (editores W. Caslon poemas griegos o
e impresores) romanos).
Baskerville
C. Garamond Bodoni
(tipógrafo)

Fines del S. XVIII

Con Bodoni nos metemos en el siglo XIX dado a que su manual se publica en este siglo.
Revolución francesa, siglo de las luces, surgen partidos políticos. Camino a una república constitucional.
Revolución americana, proceso de independización de las colonias.
La revolución industrial surge a finales del S. XVIII a partir de la máquina a vapor, que es el disparador
de toda la revolución. Se empezó a aplicar primero en las fábricas textiles, luego en el campo y en las
industrias de autos.
Inglaterra a la cabeza, se convierte en el primer país industrializado del mundo y en la primera
potencia imperialista saliendo a conquistar nuevos territorios para colocar mercancías y bienes de
consumo.

Principios del S. XIX

Consecuencias de la revolución industrial

En 1798 aparece una nueva técnica de grabado que se volvió la principal en el S. XIX: la litografía
(grabado en piedra). Es la técnica más usada en este siglo. No se precisa conocimiento de grabado en
piedra previos para poder hacerlo, solo se precisa saber dibujar por lo que el artista dibuja sobre la
piedra directamente.
En la década del 40, se convierte en cromolitografía (a color), osea que hay que hacer un matiz de
cada color. Se crean inmensidad de letras fantasiosas con imágenes.
También surge la fotografía en la década del 30. Se empieza a desarrollar de manera lenta y con
muchos condicionamientos en cuanto a formatos, tiempos de exposición, durabilidad de la imagen, etc.
En 1839 se patenta como daguerrotipo.
En la segunda mitad del siglo, la fotografía se convierte en una herramienta de producción de
imágenes muy destacada e importante.

Los bienes de consumo se empiezan a comercializar en gran escala y empieza a ser necesaria la
diferenciación y distinción a través de etiquetas, packaging, etc. Nace la competencia.
Es el siglo de los avances técnicos que repercute mucho a nivel de las imprentas a causa de la
revolución industrial.

A mediados del siglo nacen las revistas, son un producto de la revolución industrial. Las primeras
revistas son en general sobre disciplinas (especializadas): arquitectura (que luego van a nacer las
revistas para el hogar que van a ser masivas), de viajes, de moda, de costura, etc.

En el siglo XIX comienza el desarrollo del diseño publicitario. Aparecen anuncios publicitarios en los
diarios y aparecen los carteles. Ahora se apunta a la masividad, a medida que el siglo avanza más
grandes son los carteles. El término diseñador gráfico todavía no existe, los diseñadores son artistas
que ahora se ponen al servicio de la publicidad, se les decía artistas publicitarios.
“Diseñador gráfico” como término lo empieza a utilizar A. Dwiggins en el siglo XX.
Se aumenta y se acelera las propuestas de diseño tipográfico.

Aparecen tres letras particulares:

● Las letras “fat faces” (ultra gruesas) fueron diseñadas por el inglés R. Thorne. Al principio se
diseñaron sólo en mayúsculas por la necesidad de llamar la atención, de gritar al observador.
● Las “egipcias” también por R.Thorne. también fueron diseñadas solo en mayúsculas. Las
egipcias tienen por característica los trazos gruesos. Otro diseñador, V. Figgins junto a Thorne
hacen una variante de la tipografía (varía las serifas). Clarendon en la década del 40 hace una
adaptación a las egipcias para hacerla tipografía de texto.
● La “sans-serif” (palo seco). No tiene la importancia que tienen las dos anteriores, cobra
importancia luego.

Los tipos móviles ahora son muy grandes debido al peso de la tipografía. Son muy pesados y caros. Las
imprentas tipográficas vuelven al diseño de madera.

Los anuncios combinan tipos de letras sin criterio, compiten entre sí para ver qué leen primero. Hay
desorden en los anuncios.

Empiezan a surgir las letras fantasía con el fin de llamar la atención. Favorecían el destaque en la
publicidad con el fin de hacer una diferencia.
Hay tanta variedad que las imprentas empiezan a mostrar catálogos con todas las tipografías.

El diseño victoriano va a caracterizar el S. XIX. Incluye portadas, imágenes, etc. No se sabe quienes
fueron los pioneros. Se demonmina Victoriana por la reina victoria.

Meggs define el diseño victoriano por:

● Historicista (estilo del pasado)
● Barroquista (recargado, cantidad y variedad de tipografías)
● Ecléctico (mezcla tipografía y estilos)

Ejemplos:
● “El lápiz de la naturaleza”: es el primer libro ilustrado y contiene fotografías (sueltas). Portada
decorativa, totalmente barroca. tipografía historicista. los nombres de los autores estaban en
letra gótica.
● Revista “Harper 's illuminated bible” : sumamente recargada la portada. Cada palabra del libro
contiene una tipografía diferente, mayormente fantasía. Litografía.
 ● “La gramática del ornamento x Owen Jones: propone un libro de guardas decorativas para el
diseño de las portadas. recoge diseños de sus viajes y los combina con las páginas de su libro a
modo de presentación.
● “Harper 's magazine”: portada recargada, muy característico de la época victoriana. contenía
solo una tipografía en el título.
● “Circo de price”: imágen a color, muy realista.
● “Industrial exposition”, tipografía totalmente fantasía, no hay partes en blanco.

Es tanto la producción de afiches que se arma un decreto que regulariza donde se puede colocar
afiches y donde no (Paris). Gráfica realmente masiva.

La fotografía: invención y desarrollo

La imagen pasa a ser mayormente fotografías y dejan de ser litográficas. A finales de siglo se
encuentra el mecanismo para imprimir fotos.
Fotografía viene del griego, quiere decir dibujo a la luz. Los dos países donde esas investigaciones
comenzaron trabajan de manera diferente, Francia e Inglaterra.
Francia trabaja con una caja con un única entrada de luz, la cual se proyecta una imagen y esa es la
que se fija. Las primeras imágenes que se lograron fijar en una cámara oscura es en una placa de
metal tratada con sales de plata. El primero que logró fijar la imagen fue Joseph Niepce, deja la
cámara 8 horas en exposición. En 1839, 8 años después, Jacques Daguerre logró fotografiar un bulevar
en París y a una persona muchísimo más nítida. Las limitaciones de este proceso son el largo tiempo de
exposición y el tamaño pequeño.
Tanto Niepce como los demás, eran artistas buscando facilitar el dibujo.
En Inglaterra, al mismo tiempo está haciendo investigaciones Talbot sin conocer lo que estaban
haciendo en Francia. Obtiene imágenes sin cámara oscura. Las obtiene por un papel tratado y un
objeto arriba dejándolo en la exposición solar, es un negativo.

Hasta los años 50 tuvieron un desarrollo lento, acotado, complejo y con poco aceptación. Recién a
mediados de la década del 50, la gente empieza a interesarse y esto conlleva al desarrollo de las
cámaras. Fotografía como documento de la realidad, no como disciplina artística. Nadar, fotógrafo
destacado parisino que logró fotografías de figuras muy importantes.

A finales de los 80 aparecen fotografías impresas en diarios.

Julia Margaret Camaron a los 50 años le regalan una cámara y fue la primera fotógrafa mujer, lo hace
como hobby.

La fotografía empieza a adoptarse como registro de los acontecimientos como la guerra, como algo
informativo, “una imagen dice más que mil palabras”. Se destacan dos fotógrafos estadounidenses:
Brandy y Timothy O’ sullivan.
Aparecen fotógrafos que hacen series para registrar saltos de los atletas, galope de los caballos. Para
esto utilizan varias cámaras.
Cuando termina la guerra Estados Unidos empieza a promover que la gente se vaya al oeste. Antes,
mandaba a fotógrafos allá para que saquen fotos y convencer a la gente de mudarse. de esta manera
se arman folletos para convencer a la gente.

Aparece Kodak quien inventa recubrir el rollo de las cámaras para que la fotografía no se estropee y no
le de la luz al quitar el rollo de la cámara.
Las fotografías a color van a ser por supuesto bastante posteriores en el siglo XX. Para logarar
fotografias de color en el momento, se pintaban despues.
La fotografía se convierte en el diseño gráfico moderno.

Movimiento de artes y oficios:

Liderado por William Morris, ejecuta y lleva adelante los proyectos) y Jhon Raftkims (teórico,
especialista del gótico). Nace en 1861. Durante casi 3 décadas trabajó en todo tipo de productos como
muebles, reivindicando lo artesanal y cuestionando la revolución industrial, y en 1891 se armó un taller de
imprenta llamado Kelmscott Press (ya había varios talleres de otros oficios).
Morris era socialista y reivindicaba una mejor situación laboral para los obreros. Le da un fuerte enfoque
estético a la libertad creativa del individuo (valora la creación), en contraposición a la producción
industrializada que era cada vez de peor calidad. El principal legado de Morris es reivindicar el diseño,
parar y pensar en todos los aspectos vinculados con el libro: diseña tipos móviles, diseña ilustraciones
(grabados xilográficos), bordes o guardas decorativas, las iniciales iluminadas, fabrica su propio papel y
hasta la tinta. Instala una prensa manual. Hay que destacar también al maestro impresor que
trabajaba en el taller: Walker.
En 1986 fallece Morris y se completan algunos trabajos que estaban pendientes, pero no se hacen
nuevos. La última publicación fue en el ‘98 y fue un texto del mismo Morris (era poeta y escritor). A lo
largo de la historia de la imprenta publicaron 53 libros. Acotado la experiencia pero la influencia no.

En la marca de impresión de la imprenta hay influencia del diseño victoriano: es recargado e

historicista. Se inspira en los libros incunables del S. XV. El historicismo y el eclecticismo del S.XV.

Propone el diseño de 3 tipos móviles:

● rediseño del tipo gótico: dice que es poco legible al ser muy condensada. Diseña una gótica
más redondeada para que sea más fácil leerlas: Troy Type. Se inspira en los manuscritos del
S.XV.
● Diseño de tipos de estilo romano: se inspira en la Jenson de Nicolas Jenson y le llama Golden
Type. Diseña una romana por instinto, buscaba letras de formas puras sin adornos innecesarios.
● Variante de Troy: se llama Chaucer, la usa en su marca de impresión.

Burneshows y Walter Craine: dos ilustradores que trabajan con Morris.

Principales diferencias con el diseño victoriano:

● No hay esa variedad tipografica.
● Propone jerarquías a través de diferentes colores, tamaños.
● Se ve un pienso y un diseño.
● Todas las ilustraciones están hechas con xilografía.

Carteles de finales del siglo XIX y de principios de XX

El cartel evoluciona desde el cartel victoriano, que era básicamente tipográfico, a un cartel donde se le
empieza dar más protagonismo a la imagen.

Francia- cartel evocativo

El cartel evocativo recoge algunas caracteristicas del cartel victoriano. Aumenta la presencia de
carteles en la calle, aumenta el tamano. El cartel evocativo es un cartel artistico que llama la atencion,
pero muchas veces no se relaciona lo que se muestra en el cartel con el producto que se publicita. se
busca que llame la atencion e impacte. el cartel deja de ser descriptio y realista para pasar a algo
artistico y llamativo. poco texto. a los artistas se los llamaba carteristas comerciales.
Cheret: pionero. la imagen es lo principal, usa la figura femenina como motivo publicitario.
● Propone un cartel de una bailarina minimalista, predomina la imagen. Solo aparece el nombre
del burdel y el nombre de la bailarina. Este tipo de carteles se vuelve bastante característico
de él. Nace la figura femenina como recurso publicitario gracias a los carteles de Chéret.

Mucha: sus diseños son mucho más recargados, y con detalle. trabaja para un público más culto, en
óperas y teatros. También realiza publicidad de productos, con las mujeres llama la atención, y poca
presencia de producto.

Toulouse Lautrec: pintor e ilustrador francés. Venía de una familia de clase alta.
Trabaja sobre todo en el mundo del teatro. Tienen un dejo victoriano. Diseños elaborados y recargados.
● “Divan Japones”: le corta la cabeza a l bailarina que la identificamos por los guantes negros.
pone en primer plano a unos espectadores. pone en negativo a la orquesta. Consideraba que
la imagen era lo principal, con muy poco texto y tipografías muy básicas.
● Hizo muchos carteles para moulin rouge, poniendo a Serafin (el presentador de moulin) en
primera plana, como negativo. La bailarina principal aparece en un segundo plano, bailando.
Poca referencia a la construcción espacial y de perspectiva.

Van de Velde: arquitecto del Art Noveau

● Hace un afiche de un alimento para bebés. No aparece por ningún lado el producto, ni siquiera
alude a él.

Capiello: La mayoría de los carteles de Cappiello son del siglo XX, aprendiendo de los artistas
anteriores. Sigue llamando la atención la mujer en sus carteles. Era caricaturista y crea imágenes
fantasiosas, casi absurdas. Se vuelve muy popular entre la gente. Genera un gancho donde identifica
marcas/productos con una imagen, le llamaba los arabescos (imagen). Hace una relación figura fondo
que los otros artistas no (manejaban más la sombra), destaca más lo que es la imagen. Durante la
guerra no trabajó, volvió a Italia. Pero luego de la guerra vuelve a trabajar. Hay un poquito más de
relación con el producto. Se le considera un artista de transición.

Alemania - cartel demostrativo

Lo artístico pasa a ser lo secundario y se prioriza la funcionalidad. El producto a publicitar va a ser más
protagónico junto con la marca. se deja de usar tanto la figura humana para publicitar. los alemanes
denominan el cartel demostrativo como “plakatstil”

Bernahard: decide postularse a un concurso de carteles. Comenzó a hacer un cartel evocativo pero fue
eliminando cosas y transformó el cartel a demostrativo. Utiliza colores plenos y contratados para
resaltar la marca. Casi todas las tipografías de sus carteles las diseña él. considerado como un cartel
más funcionalista. Este tipo de carteles van perdiendo el valor artístico y enriquecen su funcionalidad.
La mayoría de sus carteles son apaisados.

Peter Berens: se desarrolla en Berlín. Fue el primer diseñador de la historia como lo entendemos hoy. Es
contratado para hacer la identidad de una empresa. Todo lo diseñaba, la comunicación gráfica y la
identidad de la empresa de la electricidad alemana (AEG). Sigue siendo litografía.

Rudi Erdt: vuelve a hacer que el producto pierda protagonismo y alude a las personas que consumen el
producto. Hace referencia al nivel social/consumidores. Posiciona a las marcas.

1914 - 1918: WW1.

Francia - Primera guerra mundial - cartel sugestivo/persuasivo
Viven la primera mundial como un sacudón que no se lo esperaban y que iba a durar tanto. La llaman
la gran guerra. No pensaron que la guerra iba a sacar cosas positivas como avances tecnológicos.
Después de la guerra surge un tipo de liberación en todos los sentidos. Los carteles de esta época
reflejan los locos años 20. Cuando la guerra termina, hay una especie de euforia por recuperar el
tiempo perdido. Liberación femenina. fervor en las artes. Todo esto se ve reflejado en los carteles.
Es una generación de diseñadores que se centra no tanto en ser artista sino como diseñador, que sea
entendible lo que están transmitiendo. Arte y diseño empiezan a separarse. Característicos por dar una
imagen moderna. A diferencia de los carteles de vanguardia que se dirigen a una élite, estos son
masivos.
Empiezan a conocerse los escritos de Kandinsky sobre el color y juegan con eso, con los efectos
psicológicos de los colores.
Todos los carteles están firmados.

Cassandre: cartelista ucraniano que empieza a trabajar en una imprenta más famosa de Francia y
luego despega como cartelista.
Hace carteles bastante futuristas, se reflejan las vanguardias en ellos. Utiliza los recursos de la
abstracción pero aún legibles para todo el mundo.

Diseña tres tipografías que son únicamente para carteles:

1. Bifur: bastante artística. juega con negros y sombras.
2. Acier: también bastante artística. juega solo con los espacios del blanco y el negro.
3. Peignot: mezcla mayúsculas y minúsculas.

● Periodico “L’intrans”: rostro de perfil mostrando como le llegan las noticias por el telégrafo.
Mostrado de una manera muy dinámica. Imagen sintética porque él decía que había que dejar
una huella en la psique del observador. geometrización como símbolo moderno. tipografía de
palo seco.
● “L’Atlantique”: Comienzan los viajes para pasajeros entre continentes. Los transatlánticos se
convirtieron en hoteles flotantes. Cassandre propone la imagen de un trasatlántico
totalmentente simplificado, de frente y de abajo. Contrastado con un remolcador que es
pequeño para mostrar su magnitud (mensajes subliminales). Une el humo de las chimeneas
que sale de los dos, Tipografía palo seco.
● “Normandie”: Buscando devuelta magnitud. contraste con bandada de gaviotas. se ha perdido
toda información detallada o excesiva y cualquier detalle decorativo.
● “Bugatti”: El frente del automóvil se convierte en la cabeza de un caballo “el pura sangre de los
automóviles”, imagen sintética que sugiere. caballo muy geometrizado.
● “Etoile du nord - ferrocarril nocturno”: juega con el nombre de la empresa y las vías del
ferrocarril. El mensaje subliminal detrás de lo que vemos se vuelve más sutil y eficaz.
● Grand sport: empresa que vende gorras. con pocas líneas caracteriza el tipo de personas que
usan la gorra. gorra más detallada que las demás. Cassandre empieza a usar el aerógrafo en
la matriz para que cuando se imprima quede difuminado. letra de palo seco.

Se termina yendo a Estados Unidos en 1897 donde trabaja en algunas revistas, incluso una empresa de
cajas de cartón. Y vuelve 2 años después bastante desilusionado de la experiencia en EEUU (cuando la
guerra comienza). Cartelista más plagiado.

Carlu: reconoce a Cassandre como el maestro, sigue sus fórmulas.

 ● Air france: una de las primeras empresas de viajes comerciales. Aparece el uso de una frase
como slogan “a la punta del progreso” que se señala con una mano. la mano indica ese
progreso. personajes simplificados. tipografía de palo seco.
● Larrañaga (marca de habanos): el habano se convierte en el personaje que se fuma los
habanos.
● Monsavon: personaje simplificado al máximo, destaca el jabón. juega con las palabras y la
marca, “mi jabón”.

Colin:
● Lisa Duncan: simplificación extrema, contraste con el fondo.
● Silence: cartel de la segunda guerra mundial, no comercial. sugestivo. alerta que la sociedad
haga silencio, el enemigo te espía.
● Vanity fair: explocion de la moda en esta época. pioneras de la revistas de moda. producto de
consumo masivo que llega a europa rapidamente, vanity fair y vogue son las más populares.

Loupot:
● Bebida St Raphael: quinquina (bebida) es quienes la sirven, la botella.
● té twining: la t es la taza.
● le cafe martin: muy muy simplificado, aparece solo el cafe
● Peugeot: velocidad y el halo que queda cuando pasa el auto.

En Inglaterra

E. Mcknight Kauffer toma inspiración de los diseñadores anteriores cuando estuvo en Paris.
● Daily Herald: pájaros muy abstractos y representan lo rápido que van las noticias. pajaros muy
futuristas. la tipografía sigue siendo con serifa.
● Cartel para el metro de Londres: imagen de la industria de los medios de transporte, del
progreso.
● Shell: trabaja muchos años para esta empresa, diseña todas las comunicaciones para ellos.
Muestra los diferentes grupos sociales que prefieren shell. repetir un slogan, novedoso.

Todavía no ha aparecido la fotografía, son ilustraciones todos.

En la revista, en estos mismos años, se empieza a incursionar en la fotografía

Carteles de guerra
Hubo un paréntesis importante en todos los rubros con la guerra, pero el cartel juega un rol clave en la
guerra. en la segunda, si bien estuvieron presentes, también, existían otro tipo de medios de
comunicación como el cine, la radio, etc.

Tres carteles diferentes durante la guerra:

● Reclutamiento de soldados: Estos son los que tuvieron mayor desarrollo. Vemos el diseno de la
tapa de london opinión. se ve al reclutador señalando al lector. El cártel buscaba involucrar al
que ve el cartel. Primero fue una tapa de revista, luego pasó a ser un cartel porque tuvo gran
impacto. En el cartel se reduce la cantidad de texto y se agranda la palabra “tu” que hace que
nos sintamos que no tenemos escapatoria. El diseñador es Alfred Leete.
Este cartel luego se recoge por los americanos, donde pasa a ser el tío Sam, es la
representación del jefe de reclutamiento de soldados de Estados Unidos.
● Recaudación de fondos para financiar la guerra misma: El más conocido es el cartel alemán
diseñado por bernhard. Es una campana para la recolección de fondos. aparece una
armadura que empuja la frase. se usa la letra gótica para apelar la fibra alemana, pasa
 asociarlo al nacionalismo de los alemanes de “raza pura”. Alemania fue el único país que usó la
letra gótica hasta el siglo 20. las campanas de propaganda del partido nazi fueron sumamente
eficaces.
● Carteles que narran el desenlace de la guerra.

Las vanguardias
Las vanguardias planteaban la tabula rasa, comenzar de nuevo socialmente porque la consideraban
decadente. Eran rechazados por la sociedad. Vanguardia y experimentación son sinónimos, por
supuesto esto influye en el diseño gráfico (influido por la evolución del arte).
Las vanguardias tienen un impacto en: la abstracción, el uso psicológico del color, la tipografía, el
collage y el fotomontaje.

Cubismo:
En 1908. Fue un quiebre fundamental y necesario porque rompe con la perspectiva e introduce lo
conceptual y mental en la percepción. Termina con la representación ilusionista del cuadro “ventana” y
propone visiones de un objeto, sin abandonar totalmente su representación. Altera nuestra forma de
ver. La tipografía es pensada como un elemento más del cuadro.
Nace el collage, en la búsqueda de un nuevo lenguaje que acerca la imagen a lo real, se incorpora al
cuadro objetos de distinta naturaleza como recortes impresos, telas, cuerdas, maderas, etc.,
establecen significados por asociación.

Futurismo:
se desarrolló en 1909 y rompe con las formas tradicionales de la literatura y la lectura. Le dio una gran
impronta insolente. Glorificaban la guerra, rechazaban los museos. Resulta escandaloso y tenía un
rechazo importante por la sociedad.
Pasión por la modernidad, las máquinas y su velocidad el movimiento. Abrazan los cambios y rechazan
el pasado.
Los textos se reparten en la página a modo collage, rechazan la sintaxis y el modo estándar de
escritura.
En 1913 empieza a publicarse una revista llamada “Lacerba” que contiene un manifiesto que plantea
una revolución tipográfica, el título de este era: “destrucción de la sintaxis, imaginación sin ataduras;
palabras de libertad”. Inició una revolución tipográfica dirigida a los libros del pasado. El manifiesto de
Marineti dice: “El libro debe ser la expresión futurista de nuestro pensamiento futurista…Mi revolución
apunta a la armonía tipográficas de la página…Por lo tanto, en una misma página usaremos tintas de
tres o cuatro colores, e incluso hasta veinte tipos de letras si es necesario…busco redoblar la fuerza
expresiva de las palabras”. Lo que quiere decir Marineti es que las palabras comunican por su
significado, pero también por lo visual. Crea las onomatopeyas, no respeta renglones ni columnas,
etc…todo ello para crear un impacto emocional. con el fin de liberar la puesta en página usaba
diagonales, círculos y todo tipo de movimiento y/o disposición.

F. Depero: líder principal de los futuristas italianos, recoge las ideas de Marinetti.
● Poema de Marinetti, 1919: La confusión, el ruido violento y el caos explotan sobre la joven que
lee la carta de su amado en la trinchera. La disposición en la página refleja todo lo que está
leyendo. y cómo explotan las cosas en la guerra.
● “Montañas + valles + calles x Joffre”, 1915: Poema que “describe” el viaje de Marinetti que
incluye el frente de guerra, Francia y una visita a Lêger (cubista francés). Tiene algo de mapa
porque va marcando los lugares que visito. La primera reacción visual alude a lo que transmite,
el caos, el movimiento del viaje de Marinetti.
● “Depero futurista”, 1912: Uno de los artistas que aplicaron la filosofía futurista al diseño gráfico y
al publicitario, Fortunato Depero. Las ideas de Marinetti están más que nada apuntadas a la
 escritura y el las trae al cartel publicitario. Hizo una compilación de sus experimentos
tipográficos, anuncios, diseños de tapices y otras obras. tinta roja y negra. Bloques de texto en
distintas posiciones. El libro, sujeto con grandes pernos cromados, expresaba la era industrial.
Aparecen tipografías de distintos tamaños y direcciones de texto.
● Aviso para campari, 1927: Desde la forma de la letra, hasta la geometrización de la figura
humana rompe con todas las formas naturalistas.
● Tapa de Vanity Fair: racionalización de las formas. Durante dos años (1928-30) Depero trabajó
en Nueva York y diseñó más de una portada para Vanity fair, Movie Makers y Sparks.

En los años 20 se suma la época constructivista, agrupa las distintas propuestas geométricas.

Dadaísmo
Nace en 1916 a través de refugiados políticos. Era un movimiento de oposición a los valores sociales,
morales y culturales imperantes; y a la matanza y los horrores de la primera guerra mundial. Se
rebelaron contra la decadencia de la sociedad europea, la superficialidad de la fe ciega en el progreso
tecnológico (como las armas) y lo inadecuado de la religión y los códigos morales convencionales.
Rechazando toda tradición, pretendían la libertad absoluta.
A los dadaístas les interesaba el escándalo, la protesta y el disparate. Proponen la libertad de formas
como un estimulante experimento de diseño; y el uso de la ironía, el absurdo y el azar como
herramientas La obra gráfica del movimiento se caracterizó por su distribución casual y por sus títulos
absurdos; el uso de viñetas, barras y la liberación absoluta del espacio a utilizar. Tipografía como
revolución social. Desarrollo del collage y creación del fotomontaje. Un nuevo lenguaje donde la imagen
final puede ser reconstruida por el espectador.

Kurt Shitters: el que más utiliza el collage.

● Cartel para la obra de teatro “La fiesta del corazón barbudo”, julio 1923: Una distribución casual
del espacio y un uso de material tipográfico que proporciona vitalidad. Fuerte dinamismo
visual, las letras se juntan y se repelen formando formas caprichosas y líneas interrumpidas,
conjugadas con fuertes contrastes de tamaño y grosor; llegando a veces a ser formas
pictóricas que se entremezclan en la composición.
● Revista “MERZ”: Merz que viene de comercio en alemán. Le llama Merz a todo lo que hace,
tanto revistas como collages. Refleja allí en la revista la influencia del constructivismo.
● “El espantapájaros”, 1922 por Schwitters, Doesburg y Kate Steinz: Cuento de niños moderno.
Tipografías desordenadas y de forma decorativa. con el rechazo al ordenamiento llegaron a la
valoración del espacio en blanco.

Hans Herz Felde/John Heardfield: cambia su nombre para rechazar el movimiento nazi aleman.
● Las tapas de la revista “AIZ” (revista anti nazi) con su hermano: fotomontajes muy descriptivos.
Mediante estas tapas hace denuncias al nacismo. Decía que la fotografía era un recurso más
eficaz que la ilustración porque era más realista. pocos textos, tipografía gótica dentro de las
imágenes a veces. denuncia a los diarios, en vez de darte claridad, te ciegan.

Constructivismo ruso y neoplasticismo holandes:

El constructivismo ruso y el neoplasticismo holandes surgen durante la guerra mundial en 1907. Son
vanguardias que proponen un lenguaje racionalista y geométrico, pero ambas se desarrollan en un
contexto muy diferente. En el constructivismo ruso se usó para el apoyo de la revolución.

Constructivismo Ruso:
Movimiento ideológico que plantea una idea de gobierno socialista.
Características:
● Ausencia de decoración y ornamento. Busca la racionalidad para priorizar el mensaje.
● Realizaba carteles de propaganda de apoyo a la revolución.
● La puesta en página apuesta por el equilibrio y rompe con la simetría tradicional.
● El espacio en blanco es un recurso utilizado con la idea de resaltar.
● La tipografía se convierte en imagen gracias a sus diferentes usos y posiciones.
● La tipografía era de palo seco.

Lissitzky: pintor, diseñador gráfico, ilustrador y tipógrafo. recibido en alemania. realizaba carteles de
propaganda de apoyo a la revolución.
● Revista vesch: aparecen formas geométricas, vuelven a aparecer los colores y la tipografía de
palo seco. Se empieza a publicar en 1922.
● Historia de dos cuadrados (1922): muy abstracto. Es una clara referencia a la revolucion rusa, el
color rojo luchando con el color negro. Recuerda a las pinturas de Malevich.
● Tapa de un libro de poesía “Por la voz”: poesía revolucionaria. serie de poemas ideológicos.
Tipografía de palo seco. Hay un equilibrio asimétrico en la puesta en página, va a ser a nivel
compositivo un recurso muy usado. Espacio en blanco. Está presente el símbolo del partido
comunista tan grande como el poema. Rotulado con lengüetas a la derecha para separar
poemas por tema.
● Libro sobre las vanguardias: lo nombra “ISM”, se le llamaba así a las vanguardias, los ismos del
arte. Diseño tipográfico donde participa el color, la geometría y el recurso del blanco.

La topografía de la tipografía: uno de los primeros manifiestos de la tipografía y sus roles. Plantea 8
puntos. entre dadaístas y constructivistas.
1. Las palabras impresas se perciben con la vista, son formas visuales que influyen como tales, no
nos llegan por el sonido, nos llegan por la vista.
2. La comunicación de ideas se hace a través de las palabras. simplicidad y comunicación directa.
3. Economía de expresión: la óptica y no la fonética, confiar en la fuerza visual.
4. estructuración del espacio del libro, siguiendo las máquinas tipográficas, tener en cuenta el
contenido a la hora de componer (imágenes, que tan largo, objetos que se van a poner).
5. Estructuración del espacio, realización concreta de la nueva óptica. Todo relacionado con
cómo se va a imprimir
6. Continuidad de las páginas, el libro bosopio
7. El nuevo libro reclama un nuevo escritor, el tintero y la pluma han muerto, idea de romper con
el pasado , con las tradiciones con la historia
8. El papel impreso triunfa por encima del espacio y tiempo. Implica que esto queda, queda para
el futuro, es necesario triunfar , debe seguir evolucionando, cambiando, modernizando.

Alexander Rodchenko: Uno de los más exponentes. experimenta con la fotografía y hace afiches con
fotomontajes (tenía un gran archivo de fotos). tipografía de palo seco. líneas rectas, geométrica,
fotografía que desplaza a la ilustración. insulso decían que los que se quedaban con la ilustración, se
estaban quedando atrasados.

Neoplasticismo Holandes: Movimiento apolítico, se da en un país que no participa de la guerra mundial.

Tuvo también mucha influencia en la arquitectura. se crea una revista que fue el órgano de difusión de
ese movimiento. Fue un proyecto de experimentación.
La abstracción geométrica y la racionalización como herramientas para lograr un lenguaje universal.

Van doesburgh: diseñador gráfico.

 ● revista “el estilo”: abstracción geométrica. diseño de la tipografía, la puesta en página y la tapa.
La racionalización como herramienta de un lenguaje universal que expresa la vida moderna
que vivía la sociedad instalada. por eso, los que seguían las ideas neoplasticistas iban a ser
correctas para alguien que sea moderno.
● diseña el primer logo de disney

Bauhaus (segunda etapa, a partir de 1923, donde se empiezan a enseñar las disciplinas):
Surge en Alemania. Lugar donde todas estas vanguardias encuentran un espacio para concretarse.
Cambio de logo en el año 1922, tipografía de palo seco y más abstracto. A la escuela le costó bastante
recibir encargos en sus talleres, la sociedad los rechazaba.

Moholy-Nagy: “La tipografía debe ser comunicación en su forma más viva…Por lo tanto, ante todo: la
claridad absoluta en toda obra tipográfica”. Busca familiarizarse con la imprenta industrial.
● carteles bauhaus para la exposición en Weimar: muestran influencia constructivista
● Tapa del catálogo de la exposición del 1923: Equilibrio asimétrico. diseño 100% tipográfico.
Tipografía de palo seco.
● Colección de libros: La escuela había creado un taller donde se imprimían estos libros. reflejan
contenidos modernos en la pintura, arquitectura, etc.

Bayer: profesor de la bauhaus, dirigió el taller de tipografía y diseno grafico.

● Anuncio de exposición en homenaje a Kandinski (1926): Mucha geometría y ortogonalidad, hay
también movimiento, diagonal, fotografía y colores constructivistas.
● Propuesta de alfabeto universal (1926): propone una tipografía que se haga con línea recta y
círculo únicamente de caja baja (minúsculas). Rechaza la serifa, la considera como parte de un
ornamento. Excluyen la mayúscula con el argumento de que no es necesario dos variantes de
signo para un mismo sonido.
● Encargo de billetes (1923): El banco central le encarga a la escuela el diseño de los billetes.
Bayer se encarga del diseño y del diseño de la tipografía. Tipografía de palo seco. Se usa el
color para identificar el valor de cada uno. Se usaron muy poco porque Alemania sufre una
gran inflación y se hizo una devaluación de la moneda, por lo que se dejaron de usar.

Josef Albers:
● Hace otra propuesta de letra de palo seco.
● Propone diseños de plantilla (stencils): también de palo seco pero en variante de caja baja y
mayúscula.

Bauhaus + Vanguardias = aportes dirigidos a las masas = base de diseño moderno y depurado

La nueva tipografía:
Movimiento que propone un diseño racional, planificado, para una clara comunicación.

En Alemania
En la bauhaus nacen ideas conceptuales

Jan Tschichold: trabajo en una de las editoriales más importantes de Alemania “insel Verlag”.
● “Tipografía elemental”: presenta la obra de Lissitzky a un público más amplio y plantea el rol
fundamental de la tipografía: la clara comunicación. rechaza la mayoría de las tipografías sans
serif usadas hasta el momento y la puesta en página con un eje simétrico.
● “La nueva tipografía”: 1928. “la tipografia debería subordinarse eternamente a la funcion,
trasmitir la informacion clara…”.
Paul Renner:
● “Futura”: la presenta en 1927. Fuente de palo seco, basado en formas geométricas básicas y sus
caracteres rechazaban las matrices de los métodos tradicionales del diseño de tipos, a favor
de la rigidez de la construcción mecánica. dispone de una amplia gama de cuerpos y tipos;
alcanzó rápida popularidad. En el propio folleto para promocionar la tipografía se utiliza un
fotomontaje.

En Inglaterra

Edward Johnston: calígrafo, es anterior, trabaja en los años 10.

● Tipografía: propuso una tipografía en 1916 pero no llegó a la difusión porque fue contratado y el
diseño tenía la exclusividad, lo diseñó para solamente el metro y nadie lo pudo usar.
● logotipo del metro: sigue siendo el de hoy, muy eficaz y mantiene su vigencia. respetan el
rectángulo (romano) pero sin serifas (consideraba que iba a tener más legibilidad). Fue
maestro de Gill.

Erik Gil: Aprendió con Johnstone, le costaba mucho diseñar tipografía.

● Tipografía “Gills Sans”: En 1928 y 1930. Le costó mucho diseñar la tipografía. Gill Sans tiene 14
variantes y derivan de la tradición romana, buscando una síntesis entre lo antiguo y lo
moderno.

Stanley Morison: fue asesor tipográfico de la Cambridge university press y editor de la revista de
tipografía “The Fleuron”, cuyo contenido es didáctico. En 1926 pasa a ser asesor tipográfico del Times
de Londres (se financia a través de anuncios para no depender de ninguna institución).
● Último número de la revista: en este número Morison publicó “principios fundamentales de la
tipografía”.
● Rediseño de la imagen del diario Times de Londres: en este diseño Morison propone una nueva
tipografía. “times new roman” basado en la mayúscula romana. Se convirtió en la estrella del
catálogo monotype del año siguiente. con este periodico, hacen que los otros periódicos
cambien su forma imitando porque aplaudieron mucho la elegibilidad de la misma. Se
produjeron dos versiones, una para periódicos y otra con rasgos ascendentes más largos para
libros.

Revistas
La revista es un invento de la revolución industrial y surge a la par del movimiento moderno. Hasta el S
XXI el S. XIX no se dan las condiciones para que las revistas se produzcan en masividad.

● El único objeto diferenciador es la tapa.

● El texto aparece en dos columnas, no hay grandes diferencias solamente los temas y las tapas.
● Las primeras revistas fueron literarias, artísticas o más políticas. Después surgen las revistas
para el hogar (para el público femenino) para el entretenimiento.
● La revista fue una cosa experimental, se prueban imágenes, temas etc.

Son tres las revistas que el diseño moderno empieza a participar, “Harper 's bazaar”, “Vogue” y
“Fortune”.

● “Harper 's Bazaar” es editada por la familia Hearst y contrata a Erté (1924 - 1936) y luego
Alexei Brodovich (1936 - 1956).
 Erté fue contratado específicamente para el diseño de las tapas. Propone algo novedoso, una
ilustración mucho más sintética, moderna. Juega con las ilustraciones y el texto. Su estilo como
ilustrador era bastante decorativo porque venía del art nouveau y art decó. También trabaja
como ilustrador para algunos artículos de moda. Cabe destacar que todavía no trabaja con un
logotipo para la revista, va cambiando la tipografía. Referencia en las tapas a los viajes que
eran todo una novedad, referencia a nueva york como la ciudad de los rascacielos, a artistas y
figuras del momento, etc. Todo bastante art decó.
Luego, Brodovich sustituye a Erté. Brodovich decía que el diseño de la revista es un todo, y no
solo la tapa, como también, que el diseñador tiene que trabajar con el editor. El diseño de la
revista tiene que ser simultáneo de la edición y no posterior. Fue uno de los diseñadores que
más incidió. Sustituye la ilustración con la fotografía, y son fotografías novedosas, diferentes.
Promueve que las modelos se las fotografíe en el exterior. A nivel compositivo introduce una
cantidad de novedades, por ejemplo: la doble página como unidad de diseño, la unidad
tipográfica (hasta entonces las revistas tenían una fuente por artículo, ahora se selecciona una
tipografía así como tamaños para toda la revista) y rechazo de ornamentos decorativos
secundarios.
Usa imágenes para las tapas novedosas, de vanguardia. Empieza a tomar forma un logotipo
donde Bazaar es la palabra que resalta.
En 1959 Brodovitch deja la revista y en su lugar queda un alumno de él (daba clases y muchos
iban a consultarle cosas a su estudio). En 1949 crea su propia revista llamada “portfolio” (saca
dos ejemplares) que no tuvo éxito porque no quería que contenga publicidad y era muy
ambicioso en materiales.

● Vogue es editada por Condé Nast y decide incorporar al diseñador Femmy Agha que lo
conoce en uno de sus viajes y luego Alexander Liberman lo sustituye (1928 - 1943). Agha
después va a diseñar la revista “Vanity Fair”.
Agha trabaja un diseño de tapa más moderno y sintético. Diseña la primera tapa en contener
una fotografía a color. También propone el diseño de la doble página. También varía la
tipografía de la tapa, todavía no hay un logotipo. Juega mucho con la fotografía y el guineo al
nombre de la revista.

● Fortune nació en 1932 en Estados Unidos, Nueva York dirigida por la élite del país. Se convirtió
en un enciclopedia de la ciencia, la industria, la vida cultural y política que se enviaba a
suscriptores en su grueso paquete de cartón de llamativo diseño.
El diseño de Cleland era preciso, sencillo, llano y adecuado a su fin, en el interior no se usaba
ornamentos, se unificó el sistema tipográfico a lo largo de toda la revista, y se solucionaban las
necesidades de temas diferentes mediante ilustraciones y sutiles composiciones. Las portadas
representaban un rasgo característico y cada mes aparecía un diseño conceptual realizado
por una artista destacada, pensando especialmente para ser impreso en colores planos.

Escuela de Nueva York:

La primera oleada del diseño moderno en Estados Unidos fue importada por los inmigrantes europeos
qué trataban de huir de un clima de totalitarismo. esos introdujeron directamente los estadounidenses
a las vanguardias europeas. En la década de 1940 se dieron pasos hacia un enfoque original
estadounidense de diseño modernista. tomando prestados algunos elementos de la obra de los
diseñadores europeos, los estadounidenses añadieron formas y nuevos conceptos. El diseño europeo
era muy estructurado y teórico, en cambio, el estadounidense era pragmático, intuitivo, y tenía un
enfoque menos formal. Cada uno fue adaptando su propio estilo.
Es una sociedad en donde todo es negocio, mucho más pragmática. Europa tiene tradiciones muy
antiguas y la forma que propone es diferente, en EEUU es más rápido todo. Los diseñadores buscan
resolver problemas de comunicación y satisfacer a la vez, una necesidad de expresión personal.

1era generación: inmigrantes europeos

Los que traen el movimiento.

2da generación: Pioneros de la escuela de Nueva York

Paul Rand: Transforma la naturaleza del diseño de simple oficio a profesión. No hace un diseño rígido.
Comenzó su carrera trabajando como diseñador editorial. En su obra siempre vamos a ver lo lúdico y lo
dinámico.
● Pensamiento de diseño (1948): escribe su propio libro de diseño. Reflexiona sobre su profesión y
el símbolo, marcó a varias generaciones de diseñadores.
● Jazz Ways: formas que tienen una acción. nombre de la publicación en letra imprenta. enfoque
lúdico, y hasta participación del espectador.
● no way out: los ojos interrumpen la frase, mezcla fotografía, collage. tipografía de palo seco.
● libro para niños: libro que saca con su esposa. El diseña, y ella lo escribe.

Bradburry Thompson: Destacó como uno de los diseñadores más influyentes de la posguerra en
Estados Unidos. Empezó trabajando en varias impresoras, pero realmente en lo que destacó fue por
sus diseños en “Westvaco inpiratons por printers”, una publicación que su finalidad era mostrar las
posibilidades que ofrecían los papeles que fabricaba la empresa. Logró un gran desarrollo en la
organización compleja, la forma y el flujo visual.
● Revista para fábrica de papel: se edita del 1939 al 1961. Tenía un presupuesto acotado pero
gran libertad. Espacio en blanco. Gran dinamismo en las páginas.
● Revista Mademoiselle: la dirigió luego de dejar la otra revista. Estética bastante parecida.
tipografía de palo seco. Usaba imágenes repetitivas para crear sensaciones de movimiento
que evocaban a los futuristas.Las letras eran ampliadas a gran tamaño y utilizadas como
elementos de diseño.
● alfabeto 26: diseña un alfabeto donde combina minúsculas y mayúsculas.

Saul Bass: Se instala en Los ángeles en 1951 y diseña para el mundo del cine.
● El hombre del brazo de oro (1955): película dirigida por Otto Preminger. Lo contrata para hacer
el afiche de la película. El tipo de cartel del cine era muy realista: fotografía de los actores o
escenas de la película. Descarta lo que se venía haciendo para hacer una ilustración. Serie de
papeles recortados de colores, en el centro el nombre y una referencia pequeña en el centro
también. La película tenía que ver con inyectarse heroína en el brazo, entonces crea ese icono
de un brazo quebrado. También hace los créditos con una serie de rayas dinámicas.
● Love in the afternoon:
● Vertigo (1958): utiliza como referencia una escena de la película para hacer una ilustración.
● Anatomía de un crimen: ilustración de la silueta de un crimen.
● Advise & contest: ilustración conceptual y artesanal.
● Bonjour Tristesse: pocos trazos que definen una cara que llora, iris con un corazón . Es un
anticipo de la trama.
● Exodus: película de la creación del estado de Israel. Llamas un icono eficaz para el tema. Hace
otro afiche que contiene un papel de diario en hebreo empaquetado con una etiqueta con el
logo de la película.
● Spartacus: Ilustración bien gráfica de un espartano.
 ● Cartel Psycho: tipografía quebrada se convierte en la imagen de la película.Tuvo que dejar las
fotografías en el afiche por órdenes de arriba.
● The magnificent seven: pone en el afiche la forma de contar de a 5 para hacer el nro 7.
● Festival de cine de san francisco: Trabajó muchos años para este festival. no pone más que una
referencia a lo que es y los datos. juega con la forma de los negativos y la tipografía.

Generación de la escuela de Nueva York ya consolidada:

Otto Storch: continúan los pasos de los diseñadores anteriores como Brodovich. Trabajó por muchos
años de director en la revista “Mccall's” (década del 50), una revista femenina. Usa la doble página
como juego para atraer, que empiece en una y que siga en la otra. Modelos no en pose, sino en
movimientos dinámicos. Textos adaptados a las ilustraciones. tipografía de palo seco. Usa guarda de
fotografías aludiendo al contenido del artículo. El texto se adecua a la forma (ejemplo de la copa,
colchón).

Henry Wolf: en 1953 se convierte en director de arte de la revista “Esquire” y cambia completamente su
diseño. Fue estudiante de brodovitch y consultaba con él. despeja las tapas, rodea de espacio en
blanco, empieza a trabajar con imágenes más importantes. La revista tenía un hombrecito como icono
y el lo que hace es darle más importancia y simplificarlo. Lo llegó a convertir en un signo lineal. Ese
personaje masculino está caracterizando al público porque es una revista para hombres. El personaje
es el varón que parece espiar a la mujer.
Tapa de vino en sachet: es una referencia a la sociedad de consumo estadounidense.
Entre 1958 y 1961 va a ocupar el lugar que dejó Brodovitch en “Harper 's bazaar”.
En el 61 dejó la dirección de “Harper ’s bazaar” para integrar la revista “Show”. Es una revista cultural y
de información artística.

George Lois: cuando Henry Wolf se va de Esquire la revista se va a pique y lo contratan a Lois para
diseñar las tapas para generar atractivo, con eso logran que la revista no cierre. A través de las tapas
lograba posicionar a la revista de lo que estaba pasando (ej. tapa secando la revista de Kennedy).
Tapas muy elocuentes e ingeniosas, tratan temas y opinan de cosas bastante tabú o polémicas.
Tapa de Nixon en el 68: se decía que Nixon había perdido las elecciones por lo mal que había aparecido
en el debate con Kennedy. Se había negado a maquillarse para las cámaras. La campaña siguiente, la
revista le sugiere maquillarse en la tapa. La revista da su opinión irónicamente.

La nueva publicidad: Se desarrolla la publicidad moderna en el 50 y se instalan en la avenida Madison.

La nueva publicidad fue parte de la agencia DDB.

DDB: son tres socios, Doyle (contador), Dane (hace las relaciones con los diseños) y Bernbach (editor
que había trabajado con Paul Rand) que fundan una agencia en 1949. Esta agencia fue de las primeras
en cambiar el enfoque de la publicidad. Cambia el modo de publicitar de “lo mejor”, “lo más nuevo”,
sino, seducirlo de otra manera. Tenían 13 empleados y 1 solo cliente, la tienda O'Brack' s. Siempre
manejan una foto como imagen y una frase que destaca, y el humor. Utilizan mucho el espacio en
blanco.
Hacen una de las compañías más exitosas de la publicidad para Volkswagen promocionando el auto
escarabajo que iba en contra de la sociedad estadounidense ya que el auto era un objeto de status. se
quería introducir un auto pequeño y feo. La campana se concentra en un juego humorístico que
destaca todas esas cualidades que se creen negativas. Tipografía de palo seco el texto ppl. de la
campaña. Fue una campaña tan exitosa que se mantuvo varios años y fue plagiada. (campania para
periódicos).
Campana de pan de centeno Levy 's: Comida típica judía. El mensaje de la publicidad era promover
que las personas que no sean judías también pueden comer el pan de centeno. Mostraban muchos
tipos de personas comiendolo. Este anuncio era para carteles de subte.

Preguntas posibles de parcial:

1. Desarrollar el diseño victoriano, analizando el contexto en que surge y las principales

características del estilo. Ilustre con ejemplos.

2. Aportes del movimiento Arts and Crafts a la evolución del diseño gráfico del siglo XX. Presentar
conceptos y propuestas
El movimiento Arts and Crafts surge en 1861 liderado por William Morris y Jhon Rafkims, tenía como
objetivo reivindicar lo artesanal y cuestionar la revolución industrial mediante talleres y charlas. En 1891,
se realizó un taller de imprenta llamado “Kelm Scott Press”. Morris pensaba que la producción
industrializada era de calidad cada vez peor calidad, por lo que busca reivindicar el diseño y todo lo
que tiene que ver con libros.

me falta terminar:)

3. ¿Qué son los llamados libros de bloque? Presentar sus características principales, ubicándolos en
la época y contexto.

4. Desarrollar las características principales del diseño de los incunables, mencionando ejemplos
destacados.
El término «incunable» hace referencia a la época en que los libros se hallaban «en su cuna», es decir
en la primera «infancia» de la técnica moderna de hacer libros a través de la imprenta. Son
reconocidos como incunables los libros impresos a partir de 1450 y se le atribuye a Gutenberg.
Al comienzo se usaban planchas de madera fija, que dieron lugar a los incunables xilográficos. Pero
tenían varias contras, como: las estampaciones no eran uniformes, las matrices no tenían mucha
durabilidad ya que se hinchaban con las aplicaciones de la tinta.
Más adelante Gutenberg perfeccionó la técnica con tipos móviles de plomo, pero ya a partir de la
xilografía nacen los Libros de Bloque. Los mismos se realizaban con matrices hechas de bloques de
textos tallados en madera. Los libros combinaban imágenes y textos. Al principio, los libros no tenían
portada, ni colofón, usaban caracteres basados en la escritura gótica y las palabras tenían numerosas
abreviaturas.
Algunos de los libros tenían imágenes y dentro de esas imágenes había diseño de pergaminos con los
textos en letra gótica.
El proceso de imprenta evoluciona, se perfecciona y surgen más opciones de impresión.
Siguiendo la idea de la xilografía, se crean tipos móviles en madera y luego pasa al metal ya que las
matrices de madera se hinchaban y se fisuraron tenían poca durabilidad. Con los tipos móviles surge la
prensa adaptada de un sistema que se utilizaba para quesos. La función de la prensa era presionar los
tipos móviles para solucionar el problema de la impresión dispareja. Había un “cajista”, persona que se
dedicaba a armar los textos con los tipos móviles.
Con las técnicas anteriormente mencionadas Gutenberg produce “La Biblia de 42 líneas” o también
conocida como La Biblia de Gutenberg
Esta biblia se considera el primer libro impreso a gran escala mediante el sistema de tipos móviles en
Europa, fue su mayor trabajo y tiene el estatus de icono por simbolizar el comienzo de la «Edad de la
Imprenta».
Esta edición empezó a prepararse después de 1450 y los primeros ejemplares estuvieron disponibles
recién 5 años después. Fue realizada usando una prensa de impresión y tipos móviles. Esta Biblia es el
incunable más famoso y su producción dio comienzo a la impresión masiva de textos en Occidente.

5. Aportes de Jenson y Manuzio al diseño gráfico de su época.

6. Analizar los aportes principales de Bodoni al diseño tipográfico contemporáneo, explicando los
principios que presenta y desarrolla en su manual

7. ¿Cuándo y cómo surge la fotografía? ¿Cómo incide en la concepción y producción de imágenes a

fines del siglo XIX?
Las imágenes dejan de ser litográficas ya que encuentran un mecanismo para imprimir fotos. Este
mecanismo se empieza investigar en 2 países, Francia e Inglaterra (cuna de la revolución industrial),
pero de manera diferente y sin contacto entre sí.
En Francia se trabaja con una caja con una única entrada de luz, la cual se proyecta una imagen y esa
es la que se fija en una placa de metal tratada por sales. El primero que logra fijar una imagen de este
tipo es Joseph Niepce, deja la cámara 8 horas en exposición. La foto no es muy clara. 8 años después,
en 1839, Jacques daguerre logró fotografiar un Bulevar en París y a una persona mucho más nítida. Lo
único que limita este proceso es el largo tiempo de exposición que necesitaban para conseguir una
fotografía muy pequeña.
Tanto Niepce, como los demás, eran artistas buscando facilitar el dibujo.
En Inglaterra, al mismo tiempo, está haciendo investigaciones Talbot, sin conocer lo que estaba
pasando en Francia. Obtiene imágenes sin cámara oscura. su método consiste en un papel tratado y
un objeto arriba dejándolo en la exposición solar, lo que genera un negativo.
Hasta los años 50 la fotografía tuvo un desarrollo lento, acotado, y complejo, además de poca
aceptación. Recién a mediados de los 50, las personas empiezan a interesarse, por lo que conlleva al
desarrollo de las cámaras fotográficas. Se ve a la fotografía como documento de la realidad pero no
como disciplina artística.
La fotografía se empieza a adoptar como registro de los acontecimientos, como la guerra, pasa a ser
algo informativo, “una imagen dice más que mil palabras”. Después, se empieza también a usar la
fotografía para promocionar distintas cosas, por ejemplo, cuándo terminó la guerra Estados Unidos
mandó fotógrafos a un pueblo en el oeste para que lo fotografíe y hacer un folleto promocionando el
pueblo. También aparecen en los diarios.
La fotografía fue avanzando cada vez más y se hizo muy popular. Mientras las élites de la sociedad
discutían su relevancia artística, la fotografía se convertía en un medio de observación y un instrumento
de indagación en la realidad. Se empiezan a captar imágenes de forma espontánea.
Ya en la época de vanguardia, los artistas proponen la utilización de la fotografía en sus carteles, la
utilizan como medio para representar o denunciar diferentes cosas. Se empezó a utilizar mucho el
fotomontaje. Por ejemplo, Hans Herz Felde hace un cartel utilizando fotomontaje el cual un hombre
tiene la cabeza tapada por un diario, está denunciado que los diarios en vez de dar claridad, te ciegan.
Cuándo nace la revista en el S XIX, La fotografía se desarrolló increíblemente, empiezan a tomar la
fotografía como una disciplina artística también. Empiezan a surgir los fotógrafos de moda, periodismo,
como de otras disciplinas. Experimentan con la fotografía, en una de las revistas que saca la escuela
Bauhaus, trabaja con el sobre exposición de la imagen y los diferentes colores que logran.
Se sustituye casi la ilustración por fotografía, aunque también las complementan, las utilizan juntas.
Brodovich, diseñador de la revista Vogue fue uno de los que sugiere rechazar la típica fotografía,
propone que las modelos hagan poses extrañas y que salgan al exterior. Brodovich también hace un
gran desarrollo en lo que es fotomontaje, combina a las modelos con otros elementos novedosos.
En 1932, aparece la primera fotografía a color en una revista, específicamente en la revista Vogue. En un
principio las fotografías se pintaban a mano.
Cada vez más los artistas van utilizando la fotografía como forma de comunicación visual y se volvió un
elemento muy importante y en la cual pudieron desarrollar su creatividad.

8. Presentar los enfoques del diseño gráfico en la Bauhaus a partir de propuestas y diseñadores
destacados

9. Desarrollar las características y aportes al diseño tipográfico que surgen en la 1ª mitad del siglo
XX, mencionando protagonistas y ejemplos destacados.

10. Presentar los aportes de las vanguardias de principios del siglo XX al diseño gráfico
contemporáneo. Citar ejemplo

11. Ubique el surgimiento de la imprenta en Europa occidental y las principales consecuencias de su

difusión.

12. A partir de las imágenes, presentar la renovación del diseño editorial de revistas, relacionando
con el contexto y citando a los protagonistas más destacados.

13. Presentar y analizar los conceptos principales de La Nueva Tipografía, citando a los diseñadores
protagonistas y sus trabajos destacados.

14. Analizar comparativamente los aportes en diseño y tipografía de Jan Tschichold y Stanley
Morrison; desde el punto de vista conceptual, formal y técnico.

15. Aportes y propuestas del movimiento futurista al diseño tipográfico posterior.

17. ¿A qué se llama Escuela de Nueva York? Analizar su surgimiento, su enfoque del diseño y 2 (dos)
ejemplos representativos.
Las vanguardias de diseño llegaron a Estados Unidos, a través de la importación de las revistas
europeas y con la inmigracion de diseñadores que huían de la guerra y el totalitarismo. Una de las
grandes causas por lo que estas influencias europeas interpelan a la sociedad estadounidense es
porque todavía es un país sin cultura, donde todo es nuevo y todo sucede muy rápido, además que
está en plenos años 20 donde todo es negocio.
En 1940 estos diseñadores estadounidenses toman prestados algunos elementos de los europeos y
añaden formas y nuevos conceptos mucho más modernistas. Hacen del enfoque europeo qué era
teórico y estructurado, un diseño pragmático, intuitivo y menos formal.
Dentro de la escuela de Nueva York hay muchos artistas, y cada uno va tomando su propio estilo. Los
diseñadores estadounidenses pretendían resolver problemas de comunicación y al mismo tiempo
satisfacer sus necesidades de expresión personal. Todos los artistas tienen mucha libertad.
Esta fase de diseño gráfico estadounidense tomó fuerza en 1950 y prosiguió hasta el siglo XXI.
Paul Rand fue uno de los pioneros de esta escuela, comenzó su carrera como diseñador promocional y
editorial para distintas revistas, propone un diseño en la tapa de las mismas mucho más moderno del
tradicional estadounidense. Para sus diseños, se inspira en los artistas de vanguardia, más que nada los
cubistas, lo que lo lleva a comprender que las formas podían tener vida propia y se podía usar como
herramienta de comunicación visual. Aprendió a manejar estas formas de tal manera que podía
generar un diseño lúdico, atractivo y dinámico, caracteriza estas formas haciéndolas personajes.

(qué más puedo agregar acá?) me falta el otro artista también

 18. Presentar la trayectoria de Paul Rand entre los años 40 y 60, poniendo especial énfasis en
destacar los cambios que introdujo y los enfoques de su actividad como diseñador.
Paul Rand nació en 1914, fue un diseñador gráfico estadounidense y quien inició el enfoque del diseño
moderno estadounidense. Toma inspiración de las vanguardias europeas que huyen a Estados Unidos
exiliandose de la guerra y el totalitarismo, y crea su propio enfoque. Hace de un movimiento que era
más formal, teórico, estructurado, algo pragmático, intuitivo y relajado. Rand empezó trabajando como
editor promocional y editorial para revistas, por ejemplo “Direction”. Sus portadas de revistas rompieron
con las tradiciones del diseño publicitario estadounidense por su forma de manipular la comunicación
visual, la figura, el color, el espacio, el contraste, la línea y el contenido, reduciéndolo a su esencia
simbólica sin volverlo ineficaz.
Paul Rand propuso e introdujo los “equipos creativos”, integrados por los distintos papeles (redactores y
diseñadores) que deberían haber en el diseño de un proyecto.
Trabajó también en una agencia de publicidad donde sus campañas creativas eran sumamente
innovadoras, proponía juegos divertidos tanto de palabras como visuales. Se caracteriza por tener un
enfoque de diseño lúdico. Sus diseños eran exitosos porque entretenían a la vez que informaban.
Acude mucho al collage, juego con los elementos como el texto, el logotipo de la marca, la fotografía y
el dibujo. Es muy característico de Rand la personificación de las formas del producto, como la copa del
cartel para coronet que la personifica como camarero. Mediante las formas hace que generes más
interés en ver el cartel.
Escribe su propio libro en el cual reflexiona y expone ideas sobre el diseño y el papel del símbolo,
especialmente en la publicidad. Para él un elemento simbólico puede conectar y establecer la relación
entre diseñador y espectador al transformar formas abstractas en algo concreto, ayudando a
comprender el mensaje.
Más adelante, diseña libros para niños con su esposa, quien era escritora.
Sus obras sirvieron de referencia para todos los diseñadores que vendrían después.

nose si me falta algo más de sus obras, no tengo mucho

19. Explicar el surgimiento del director artístico en la renovación del diseño editorial, relacionado con
la época y presentando casos significativos para la evolución del diseño del siglo XX.