REPÚBLICA BOLIVARIANA DE VENEZUELA

MINISTERIO DEL PODER POPULAR PARA LA EDUCACIÓN UNIVERSITARIA

UNIVERSIDAD EXPERIMENTAL DE LAS ARTES UNEARTE
CECA “ARGIMIRO GABALDÓN”
ARAURE-PORTUGUESA

LAS VANGUARDIAS

ALUMNO
JOSÉ SABINO
C.I:
30.275.841
P.N.F:
ARTES PLÁSTICAS- PINTURA

ARAURE; 03/11/21
 Se denomina vanguardias a periodos Artísticos-Sociales
realizados entre los siglos XIX al XX omitidas de él, cuya aparición
se remonta a una serie de eventualidades que de alguna manera
conectarían con el ser humano y su sociedad para aquellos años, es
decir un cambio que haría que todo el mundo diera vuelta en su
propio eje.

Es así como nace una de las características de la vanguardia,

pero así como están sus características también hay que hacer la
siguiente pregunta.

¿CÓMO PUEDO RECONOCER UNA VANGUARDIA?

Mayormente las vanguardias al igual que la historia no es

comprendida sino hasta el cambio o el paso de las edades, es por
esto que se resultaría un tanto complicado el reconocer a la simple
vista. Por qué mucho menos se podría hablar de “estéticas” para así
referirse a las vanguardias ya que estas actúan como un circuito
aislado totalmente del tema estético o con una apertura a un tema
general más bien podría hablarse de una estética centralizada en la
que cada uno de los productores llevan la representación física de
lo que hacen a un plano en el que solamente ellos reconocen las
cualidades plásticas y estéticas que los acompañan.

Así este se iguale o conviva con otro artista dedicado a lo

mismo y con la misma inclinación a dicha técnica o metodología;
estamos hablando entonces de una hegemonía del inconsciente la
cual transmite al ser humano una carga innumerable de datos e
informaciones que diario ve en su alrededor rodeándose y
empoderándose de dicho contexto, hasta que al final este se vuelve
un motor o el punto de fuga de su obra maestra u “opus magna”.

Es por esta razón que al hablar de contexto, obra, artista y

arte surge la siguiente caracterización de una vanguardia y es
precisamente su lenguaje feroz, anarquista, desenfrenado,
irreverente, luchador e inconforme.

Todo esto es alimentado gracias a las luchas internas del

artista al igual que las diferentes posturas que este debe admirar en
su transcurso d su vida, siendo as situaciones atenuantes, gloriosas
o espantosas pero que a fin de cuentas alimentaran el imaginario
de dicho personaje y creará así un vaciado intelectual y vivencial de
carácter dogmático y muy sensitivo al que el público en general
llamara “arte” u “obra de arte”.

Cuando en realidad descomponiendo más a fondo lo que son

los procesos artísticos se llega a conocer con la imagen de que no
son más que simples rituales de contacto, una especie de
conversación antigua que tiene el artista con todo lo que le rodea,
haciendo así un ritual, más antiguo que cualquier otro donde se
invoca a la presencia más fuerte y a la más pasiva.

Para luego dar partida a una gran copulación o lucha de

energía. Algo así como un huracán donde dichas fuerzas se
perseguirán una a la otra con ferocidad produciendo en todo el
cuerpo del artista un Éxtasis más grande que cualquier otro.

Rompiendo así la barrera de una copulación o ritual y

convirtiéndose en una conexión directa con el cuerpo, alma y
espíritu en una conversación interna con el ser que mora dentro del
pensamiento.

Arte cinético

Tiene como principio básico el movimiento. De manera que

han estado más presentes en la escultura que en la pintura, los
antecedentes y aportes al arte cinético han sido: el impresionismo
que buscó representar la vibración de la luz y sus variaciones
constantes; Seurat y Signac, postimpresionistas, que buscaron la
utilización de un fenómeno físico en la obtención del color por
adición: los cubistas Mondrian, Gabo y Duchamp, y el Op-Art, en el
que los efectos son ópticos.

El Op-art es la etapa inmediatamente anterior al arte cinético;

algunos toman por una sola ambas expresiones, pero el cinetismo
busca que el espectador se integre a la obra en el espacio y en el
espectador se integre a la obra en el espacio y en el tiempo; se
impone así una forma de arte abstracto cinético que no sólo se ve,
sino que el espectador “siente” por que participa en él; sus
movimientos físicos , reales, modifican las relaciones de forma y de
color que se proponen en la composición; el ángulo de visión
modifica, asimismo, la realidad que contempla.

Citando a Cruz Díez sobre el cinetismo encontramos que:

“lo importante no es que la obra “se mueva”, esto no es lo

característico. Lo transcendente es que la obra deja de ser una
estructura para convertirse en un “acontecimiento”. El observador
deja de ser un contemplador pasivo para integrarse a la obra y
reconstruir en ella, o con ella, una realidad nueva, evolutiva,
cambiante en el tiempo y en el espacio, este es el gran aporte de
nuestro movimiento, que no va a ser “una manera de hacer” sino
una conquista de un medio, como lo fue la perspectiva en su
momento.”

Las obras de arte cinético se pueden encuadrar en tres

subcategorías obras con movimientos propios, ya que se mueven
por medio de un mecanismo (motores, ingenios eléctricos) o por
acción de algún elemento independiente (música, viento,
temperatura). Obras de ilusión óptica en las que se encuadra la
pintura cinética, y obras interactivas en las que el espectador debe
accionar o ejecutar alguna acción. Como representantes de cada
uno de estos grupos podemos nombrar a Alexander Calder, en sus
móviles, estructuras colgantes muy ligeras que se mueven con el
viento.
Pop-Art:

Primera vanguardia neo representativa de origen

norteamericano inspirada en artes consideradas menores como lo
son el cómic, la ilustración y el cartel, trataban de impulsar esa
estética de aspecto infantil y lenguaje bidimensional, mostrando en
muy pocas ocasiones la pincelada. Utiliza la tina plana y los colores
muy saturados por lo que muchos de los artistas pop recurren al
grabado que favorece ese efecto, en especial a la litografía y a la
serigrafía. Sus principales componentes son Roy linchestein, Andy
Warhol, Jasper Jons y David Hockney.

Hiperrealismo:

Se entiende como una prolongación o evolución natural del

Pop Art. En particular, los retratos e imágenes Pop, poseen el
atractivo de ser similares a la realidad debido a su origen (muchas
de estas imágenes, como los retratos de Andy Warhol se
obtuvieron directamente de fotografías) aunque con un lenguaje
propio, la mayoría de las ocasiones reducciones de color, dos o tres
tono saturados con el retrato en negro. El grado de iconicidad de
una obra, es decir, su parecido con la realidad comenzó a valorarse
y eso se produjo el nacimiento del hiperrealismo, un movimiento
cuyo objetivo era conseguir el mayor parecido posible con la
realidad hasta límites nunca alcanzados anteriormente. Es, por lo
tanto, una vanguardia de alto poder técnico y de una meticulosidad
exagerada en su ejecución. La fotografía fue su principal
competencia, aunque siempre trató de distanciarse produciendo
imágenes que no pudiesen ser fotografías escenarios imposibles,
ángulos forzados, etc. Con lo que consiguió su propio terreno en el
arte.