Escultura colonial en

america:
En la escultura americana colonial destacan especialmente las obras
de imaginería dedicadas a los templos. No fue largo el tiempo
transcurrido desde la conquista hasta la llegada de artesanos y
retableros españoles que, además de crear piezas, comenzaban a
formar a los indígenas y mestizos de aquellas tierras.

La capacidad económica del Virreinato de Nueva España hacía

posible la importación de obras de grandes maestros sevillanos,
como las de Martínez de Montañés y su taller en el siglo XVII.

También Lima, asiento de una corte lujosa y una jerarquía

eclesiástica, importaba esculturas y cuadros de maestros flamencos,
españoles e italianos.

El material empleado por antonomasia fue la madera. Sobre ella, el

imaginero tallaba la imagen, después de lo cual la recubría de yeso.
Una vez concluido ese paso, se la llevaba al pintor o, para ser más
exactos, al “encarnador”, que aplicaba a la figura una cera de color
denominada “encarnación” que otorgaba a la imagen la apariencia
viviente pretendida. Las ropas eran pintadas sobre un fondo de oro
o plata llamado “estofado”.
 Arquitectura colonial en
america:
la arquitectura colonial pertenecen al siglo XVIII. De este modo,
desde mediados del siglo XVII, el estilo barroco tomó fuerza en
América Latina sobre todo en los actuales territorios de México y
Guatemala y en las ciudades peruanas de Cuzco y Lima.

Pero el arte decorativista, fruto del mestizaje entre el barroco y las

tendencias artísticas autóctonas, tuvo en las tierras volcánicas de
Centroamérica una característica singular: la horizontalidad de los
edificios, a causa de la actividad sísmica. En la arquitectura urbana
se distinguen los edificios masivos, de muros anchos y torres bajas
para resistir la actividad telúrica de la zona, así como las quinchas o
entramados de cañas atadas y aglutinadas con barro.

Arte barroco europeo:El arte barroco se realizo

dentro de la epoca barroca, durante el período 1590-1720, y que
abarcaba la pintura, y escultura, así como la arquitectura. Después
del idealismo del Renacimiento (1400-1530), y la naturaleza
ligeramente “forzada” del Manierismo (c.1530-1600), el arte
barroco refleja sobre todo las tensiones religiosas de la época ,
especialmente el deseo de la Iglesia Católica en Roma (como se
anunció en el Concilio de Trento, 1545-1563) para reafirmarse a raíz
de la Reforma Protestante.
Muchos emperadores y monarcas católicos de toda Europa tenían un
interés importante en el éxito de la Iglesia católica, por lo que los
tribunales reales de España y Francia encargaron un gran número
de diseños arquitectónicos, pinturas y esculturas en paralelo a la
campaña católica general. El arte cristiano, perseguido por el
Vaticano, para glorificar su propia grandeza divina y, en el proceso,
fortalecer su posición política. En comparación, el arte barroco en
áreas protestantes como Holanda tenía un contenido mucho menos
religioso y, en cambio, estaba diseñado esencialmente para atraer
las crecientes aspiraciones de los comerciantes

Arquitectura barroco europeo: El barroco es un estilo artístico

europeo desarrollado en el siglo XVII y en la primera mitad del siglo
XVIII.

El barroco nació en Italia y se extendió por toda Europa. Desde

España y Portugal también se extendió a las colonias americanas.

Fue un estilo artístico bastante despreciado por los historiadores

modernos por considerarse anticlásico, igual que había ocurrido con
el gótico. Sin embargo ha sido revalorizado a lo largo del siglo XX,
por los artistas de vanguardia.
La palabra barroco quiere decir "irregular", que conecta con lo "no
armonioso".

El contexto histórico del barroco es el de una Europa dominada

políticamente por las monarquías absolutistas, con una sociedad
estamental e intervenida por el Estado. En el plano religioso es un
arte muy apegado al catolicismo en una Europa dividida entre
católicos y protestantes
Pintura borroco europeo: La pintura barroca fue un
reflejo de los profundos cambios culturales y
políticos que surgían en toda Europa. La pintura del
barroco coincidió, hablando en términos generales
con el siglo XVII, aunque en algunas áreas,
especialmente en Alemania, algunos de sus logros no
se produjeron hasta el siglo XVIII. Aunque el término
abarcaba una variedad desconcertante de estilos, se
caracterizaba típicamente por 2 cosas: una sensación
de grandeza, más un contenido emocional
manifiesto. Fue a través de estos dos elementos que
los pintores barrocos intentaron evocar estados
emocionales en el espectador apelando a los
sentidos, a menudo de manera dramática. ¿Por qué
eran atractivos para los espectadores de esta
manera? Porque la vida en el siglo XVII en Europa se
había convertido repentinamente en una
competencia entre dos fuerzas poderosas.
Escultura barroco europeo: En el siglo XVII toda Europa se pobló,
literalmente, de esculturas. Podían encontrase por todas partes: en
las iglesias y catedrales, en las plazas, en los palacios y residencias
de los poderosos, en los edificios de los gobiernos e, incluso, en los
puentes. Una verdadera fiebre escultórica sacudió al continente. En
muchas ocasiones, estas obras sirvieron de complemento a la
arquitectura, viniendo a concretar ese concepto de conjunto
artístico integrado que tan apreciado fue al barroco. Pero lo que nos
llama ahora la atención es la cantidad de obras y su asombrosa
variedad: de santos, de papas,de héroes, de personajes famosos, de
estadistas, de figuras mitológicas... sin olvidarnos de aquellas que
tenían un carácter funerario.

Ante tamaño conjunto, señalar unas características comunes se hace

algo difícil, pero en la mayor parte de estas obras,
independientemente de su calidad artística, encontramos los
mismos presupuestos: las composiciones se hacen muy libres, se
busca la representación del movimiento y hay una marcada
tendencia a la inestabilidad de la representación, muy acorde con el
gusto por la línea curva tan preciado en el barroco. Por ello se
observan con frecuencia figuras con amplio ropajes, así
composiciones en grupo que pretenden crear una atmósfera
ciertamente teatral, escenográfica. Según cada autor y gusto se
recurrirá a todo tipo de soportes: la piedra y el mármol, el bronce o
la madera y, a veces, se combinan dos o más de ellos.