El Cine Queer - Puentes y Fronteras - Literal Magazine

22/5/22, 20:15 El cine queer: puentes y fronteras - Literal Magazine
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DE CORREO
EL CINE QUEER Email Address

HIPATIA ARGÜERO MENDOZA
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¿El cine queer se puede considerar un género cinematográfico?
¿Se puede considerar una estrategia o un producto para un
público meta? Estas preguntas inauguraron la mesa de discusión
sobre cine queer en el marco del Premio Maguey del 30 Festival POPULAR NEWS / LO
Internacional de Cine en Guadalajara. Desde hace cuatro años, MÁS LEÍDO
este debate forma parte de las actividades del premio, la
competencia exclusivamente de cine LGBTI y queer más
importante de México. AL NIVEL DEL MAR
by literal-editor
La selección oficial de dicho premio presupone un punto en

común: se trata de cine gay, LGBTI o queer. Sin embargo, a DECÁLOGO DEL
pesar de que todas las películas seleccionadas tocan, de una TRABAJO DOMÉSTICO
by literal-editor
manera u otra, temáticas relativas a la diversidad de identidades
sexuales y de género, no todas se conciben como parte de un
movimiento ni comparten un mismo propósito. Al parecer, o al Mi tierrita
menos esa fue mi impresión por segundo año consecutivo, la by Alfredo Núñez Lanz
etiqueta que acompaña a estos filmes no siempre es bienvenida
por quienes los realizan. ¿Qué es, entonces, el cine queer?
COLUMNISTS /
COLUMNISTAS 
https://literalmagazine.com/el-cine-queer-puentes-y-fronteras/ 1/19
SERGIO NEGRETE
CÁRDENAS
ECONOKAFKA
La oposición resucitó al tercer
año
JOSÉ ANTONIO AGUILAR

RIVERA
AMICUS CURIAE
“La democracia soy yo”
PABLO MAJLUF
ESPÍRITU DEL TIEMPO
Canto de sirenas
ALBERTO CHIMAL
EL CRUCE
El concepto de cine queer no podría ser entendido como se Ciudadano Musk
entiende el día de hoy sin el trabajo de la académica y crítica
cinematográfica B. Ruby Rich, quien en 1992 identificó y bautizó ANA GARCÍA BERGUA
la creciente aparición de propuestas cinematográficas alejadas CON VISTA AL MAR
de las normas y convenciones del momento como el Nuevo Cine CRIMEN Y CASTIGO
Queer (New Queer Cinema): “De pronto llegó una oleada de
películas que hacían algo nuevo, renegociaban subjetividades, se NAIEF YEHYA
apropiaban de géneros (genres) enteros, y repasaban la historia CRÓNICAS DE LA
INTERZONA
a través de su imagen”. (NQC, p. 16-7) No obstante, la urgencia
Orígenes y legado de la
que provocó el auge de disidencia cinematográfica y sexual a invasión soviética de
principios de una década vertiginosa –donde el VIH-SIDA, la Afganistán
discriminación y la violencia contra una comunidad marginada
requería una respuesta igualmente urgente desde el arte– parece ANA CLAVEL
ya no influir de la misma manera en la creación de películas como SÍNDROME DE
SCHEREZADE
parte de un todo más grande, un movimiento o una insurrección
Los endemoniados
política y estética conjunta. Como bien dice Rich: “Desde el
principio el Nuevo Cine Queer era un término más adecuado para
describir un momento que un movimiento. Su propósito era CRISTINA RIVERA GARZA
OVERCAST
capturar el ritmo de un nuevo tipo de quehacer en cine y video: Rapiña: una escritura
fresco, provocador, de bajo presupuesto, inventivo, libre de geológica de Balam Rodrigo
remordimientos, sexy y estilísticamente atrevido”. Como todos los
momentos, el del NCQ vino y se fue. ¿Pero qué nos dejó? ANDRÉS ORTIZ MOYANO
DESDE HYPERION
Los libros que perdimos
Uno de los legados más importantes de este momento es la
enorme oferta actual de festivales LGBTI o queer, o bien, DAVID MIKLOS
plataformas dentro de festivales internacionales como el Premio BIOPSIA
Teddy de la Berlinale o el mismo Maguey de Guadalajara. 1989
En la mesa de discusión de la edición 2015, la cuarta del Premio GISELA KOZAK

FUERA DE LUGAR
Maguey, estuvieron presentes los directores y directora de seis
Santos días en CDMX
cintas de dicha selección oficial: Fernando Urdapilleta de México
con Estrellas solitarias; Sebastiano Riso de Italia con Darker than
ADOLFO CASTAÑÓN
Midnight; Justin Kelly de Estados Unidos con I Am Michael; LOCAL DEL MUNDO
Mauricio López Fernández de Chile con La visita; Luizo Vega de Insomnio de Gutenberg
Argentina con The Material Boy; y Claudia Lorenz de Suiza con
SOCORRO VENEGAS

Unter der Haut.
MODO AVIÓN
Pena y pensamiento mágico
JESÚS RAMÍREZ-
BERMÚDEZ
UN DICCIONARIO
CORPORAL
La emergencia creativa
FRANCISCO HINOJOSA
LA MUSA ARAÑA
THE NOIR REPORT /
Informe negro
HÉLÈNE DIECK
INTERNATIONAL AFFAIRS
NATO at 70: is the military
pact still relevant?
ALEJANDRO GONZALEZ
ORMEROD
HIPÓCRITA
Durante la mesa de discusión los y la cineasta plantearon su La tragedia del café de
posición desde su propia película. Urdapilleta, cuya cinta retrata Coatepec
la amistad entre dos travestis que trabajan en un show de
variedades donde Valentina (Dana Kravelas) y Joana (Jorge ANGELINA MUÑIZ-
HUBERMAN
Arriaga) luchan por alcanzar sus sueños, dijo que nunca intentó
AL AZAR
plantear un filme queer. “Los personajes queer están en toda la El nido abandonado
película, pero mi acercamiento era como el de cualquier otra
película. No tiene por qué haber una distinción. La temática es MIRIAM MABEL
distinta, pero no necesariamente queer”, explicó. Aún así, MARTINEZ
Estrellas solitarias transgrede convenciones –si no narrativas, VISTA GORDA
estilísticas o de formato– sí al romper con ciertos prejuicios, en Los primos
particular aquellos relativos a los roles de género en la sociedad
mexicana hipercatólica y conservadora y, sobre todo, respecto a SANDRA LORENZANO
la comunidad travesti o drag de los emblemáticos shows de EN OTRA PIEL
Odesa (fragmentos)
variedades en México. Urdapilleta utiliza símbolos de lo mexican
por antonomasia –la lucha libre y los quince años, por ejemplo– y
ALFREDO NÚÑEZ LANZ
los mezcla con androginia, metal, violencia y comedia en un EL CUARTO PLACER
ambiente que se antojaría más bien melodramático. Estrellas Mi tierrita
solitarias se separa del arthouse y pretende atacar al mainstream
sin caer en el ridículo, logrando una comedia más humana de lo
que su artificialidad (visible en la escenografía, el vestuario y la
sobreactuación intencional de ciertos personajes) parecería
permitir. STICKY NOTES
Sin intentarlo, esta cinta revela mucho más de la esencia queer ROSE MARY SALUM
en México que, por ejemplo, la representante nacional de 2014 ENTRE LOS ESPACIOS
del mismo Premio Maguey, Cuatro lunas (Sergio Tovar Velarde): Los niños volvieron de la
noche de Eduardo Cerdán
un retrato meloso e intrascendente de los clichés de la
homosexualidad en cuatro generaciones, con factura de
DAVID MEDINA PORTILLO
telenovela y diálogos cursis y predecibles, que pretende abarcar MESA DE SALDOS
la totalidad de la experiencia gay al narrar historias de personajes Latinoamérica en
supuestamente muy diversos, pero que terminan por reproducir Washington
una versión masticada y superficial del deseo sexual entre 
hombres. Aunque Estrellas solitarias en ocasiones deja ver sus MALVA FLORES
HILO NEGRO
costuras con su progresión atropellada, cambios tonales abruptos
y un desenlace a mi gusto forzado, la construcción de las dos Perder libros (consideración

personajes principales es notable (las dos no actrices brillan por telúrica)
su frescura y amplio rango actoral). La ópera prima de Fernando
TANYA HUNTINGTON
Urdapilleta sale a las calles y muestra el mundo de los callejones, LATIN AMERICAN SUITE
cabarets y antros de la Ciudad de México a través de los ojos de “Palma y Pólvora”, de Lorena
personajes que se asumen distinto/as, pero jamás como débiles Camarena
víctimas de sus circunstancias. A pesar de que la estética de
Estrellas solitarias no pretende ser un retrato fiel de la realidad
mexicana, logra dar voz y espacio a personajes poco vistos en
películas de corte comercial. Si bien hay una amplia tradición de
VISIT COUNTER
cine de ficheras, cabarets y shows de travestismo, que muchas
veces revelan un machismo subyacente en el retrato de la web counter
diversidad, los ejemplos recientes son escasos (si no inexistentes web counter
fuera del documental).
A diferencia de Urdapilleta, Sebastiano Riso, segundo panelista

del debate, expresó la importancia –tanto a nivel personal como
social– de narrar historias basadas personas y escenarios reales
como los retratados en Darker than Midnight. En la cinta, Davide
de catorce años emprende un viaje de autoconocimiento para
escapar de las paredes familiares que no le permiten cantar,
bailar y pintarse los labios en su escenario secreto (y altar a
David Bowie) donde es libre, sin tener que ser el niño o la niña
que no es. “Ser transgénero o intersex en una cultura tan
machista como la mediterránea no es fácil. Probablemente
sucede lo mismo en todo el mundo. Cuando decidimos contar su
historia representó para nosotros la oportunidad de hablar de
libertad e identidad”, explicó Riso. Tocar el tema de la identidad
sexual y de género durante la infancia es complicado, sobre todo
en un contexto de marginación, discriminación y violencia como el
planteado en esta cinta. “Las películas que hablan de la
homosexualidad en la infancia [o adolescencia] suelen ser muy
cuidadosas como Billy Elliot (Stephen Daldry, 2000) o Breakfast
on Pluto (Neil Jordan, 2005)”, dijo Riso.
Darker than Midnight refleja una realidad devastadora sin ser

condescendiente con la audiencia, sin maquillar o endulzar la
crudeza del entorno, pero –sobre todo– sin caer en la
controversia de lo explícito: siempre de manera sutil, susurrada e
imaginada. A pesar de los personajes coloridos, llenos de vida y
buen humor (como Mariliv Monrov, una mujer trans platinada
cuya ignorancia —no puede pronunciar correctamente el nombre 
de su ídola— le ha ganado su apodo), la fauna de los olvidados
en los callejones y parques de Catania vive en constante riesgo y

a la merced de sus clientes y “protectores”. “La prostitución ha
estado presente desde finales del siglo XVII. Probablemente sea
una de las primeras zonas rojas de Europa. Está en el centro de
la ciudad, lo cual resulta complicado porque es una cultura muy
católica y conservadora. Una zona tan hardcore en el corazón de
la ciudad es una paradoja”, comentó Riso. Darker than Midnight
no sólo está basada en un personaje real (el verdadero Davide
era vecino del director durante su infancia), sino que retrata un
lugar aparentemente congelado en el tiempo, pues según el
director no mucho ha cambiado en varias décadas. “Trabajar en
la ciudad en lugares reales y con personas reales me permitió
mostrar parte de la verdad”, dijo Riso.
La película, seleccionada en La semaine de la critique del festival

de Cannes, fue censurada después de un par de semanas
exitosas en cines italianos. “Fue difícil porque no hay desnudos,
no hay escenas de sexo, pero la consideraron peligrosa. ¿Qué es
peligroso? ¿Ser transgénero, hermafrodita? ¿Para quién es
peligroso? El género, afortunadamente, no es blanco o negro.
Pero sólo está permitido ser femenino o masculino, incluso en el
mundo gay. Si no especificas tu género, te conviertes en un
problema para cualquier comunidad”, dijo Riso.
Una de las razones por las cuales la clasificación de cine queer o

LGBT no termina de satisfacer a quienes realizan estas películas
es que parece implicar una audiencia meta limitada (y un marco
de exhibición igualmente constreñido a festivales temáticos, con
pocas posibilidades de llegar a salas comerciales, y sujetas a la
censura por parte de gobiernos, grupos religiosos, o –
contradictoriamente—las mismas comunidades LGBTI). Paralela
a la inquietud inicial planteada por Urdapilleta, Riso comentó:
“Cuando hablas de seres humanos, libertad o amor no hay
diferencia. Hablar de estos temas es difícil sin importar de quién
se trate. Por ejemplo, La vida de Adele (Abdellatif Kechiche,
2013) para mí no es una película de lesbianas, es una película de
amor. Lo realmente distinto no es el cine, el cine es cine, sino el
tipo de audiencia. El público de la comunidad LGBTI es muy
difícil de entender […] Personalmente, conozco a mucha gente
trans, crecí a su lado, vivimos en el mismo edificio. Cuando vieron
mi película fue muy triste porque me dijeron: ‘te dejamos entrar
en nuestro mundo colorido y tú hiciste una película muy gris’. Se
sintieron traicionadas”.
La experiencia de Sebastiano Riso no es un caso aislado ni poco

frecuente. En su libro New Queer Cinema, The Director’s Cut, B.
Ruby Rich narra una serie de proyecciones en el marco de
festivales LGBT –con un público predominantemente gay– donde
cintas experimentales, propositivas y producidas de manera
independiente provocaban reacciones negativas siempre que no
se apegaran a las expectativas de representación de la
comunidad retratada. “Si el asunto se redujera a una cuestión de
‘gusto’, como muchas veces sucede […] en festivales que no
proclaman una agenda particular además de la engañosa
categoría de ‘calidad’, registrar este tipo de incidentes no tendría
mucho sentido. Sin embargo, dentro del contexto de tensiones
similares en otros festivales especializados (de cine asiático-
americano, judío, nativo americano o latino, por ejemplo), estos
puntos de conflicto podrían revelar algo sobre cómo la comunidad
lésbica y gay se define y construye a sí misma y qué papel
desempeña la cultura en estas autodescripciones”. (NQC p. 36)
Sobre este mismo tema Justin Kelly, tercer panelista, añadió:

“Responder a la pregunta de si una película es queer o no resulta
difícil. Sobre todo en un festival LGBT, donde si la respuesta es
negativa, la gente parece reaccionar como si se hablara desde
una homofobia internalizada”. Quizá la película que más rechazo
ha suscitado entre la comunidad LGBTI sea precisamente I Am
Michael, cinta biográfica sobre la transición de activista gay a
cristiano conservador de Michael Glatze (James Franco), quien
tras diez años de vida en pareja con Benett (Zachary Quinto),
termina por predicar en contra de la homosexualidad de manera
pública. En una reseña para The Independent, Rakesh Ramchurn
escribió: “Esta película puede resultar incómoda para muchas
personas, pues llega en un momento en el que la comunidad gay
aún enfrenta oposición masiva por parte de ciertas comunidades
religiosas, las cuales –entre sus propuestas menos radicales—
sugieren ideas tan destructivas como la ‘terapia de conversión’ o
pintan a la homosexualidad como una ‘decisión y un estilo de
vida’”. El elenco de esta película incluye tres estrellas de 
Hollywood en acenso: James Franco, Emma Roberts y Zachary
Quinto. Según el director, a pesar de estos nombres, cruciales a
la hora de abrirse puertas con quienes financiarían la realización,

el guión fue rechazado en varias ocasiones. “El presupuesto
hubiera sido cuatro o cinco veces mayor si se hubiera tratado de
una historia heterosexual. Nos rechazaron al menos diez
financiadoras y todas las juntas se concertaron gracias al elenco.
Sin embargo, después de leer el guión siempre nos decían:
‘normalmente nuestro presupuesto para este tipo de películas es
más bajo’. Entonces yo los confrontaba: “¿Cómo definen este tipo
de películas? ¿Acaso todas las películas gay son iguales?”.
Si bien existen notables éxitos comerciales y de taquilla con

contenido LGBT (la y los participantes del panel nombraron Milk
(2008), Brokeback Mountain (2005), y The Imitation Game (2014)
como ejemplos recientes), no son tan frecuentes, suelen
apegarse a ciertas normas, y su realización y éxito depende de
los nombres que las respaldan (Ang Lee, Gus Van Sant,
Weinstein Company). En la última década “el activismo se
convirtió en estilo de vida, y la resistencia se disolvió en
homonormatividad”, explica Rich, “una transformación
relativamente rápida de los márgenes al centro en términos de
sujetos y temas. Antes considerado tabú o excitante, lo queer
ahora era el relleno de películas de arte, exitosos cross-overs y
series de televisión”. (NQC 261-2) Luizo Vega, director de The
Material Boy, una cinta difícil de definir, pues desafía todas las
clasificaciones convencionales, dijo: “En general Holywood ha
tomado el tema gay como una fuente de éxito asegurado; es muy
atractivo para la audiencia. Sin embargo, muchas veces se
plantea desde una estructura que no es gay y que toma la
temática como un señuelo. Es completamente mainstream ya”.
Por supuesto, ser un realizador gay underground es otra cosa,

asegura Vega. The Material Boy, definida por su director como un
“punk art film” es la más experimental de la programación del
Premio Maguey 2015. Luizo Vega protagoniza esta ficción
narrada en tono documental y filmada con la influencia del

videoclip de la era MTV que llevó a la chica material a los
televisores de todo el mundo. The Material Boy es un ejercicio de
edición sobresaliente y un reto a muchas de las limitantes de la

producción cinematográfica actual, empezando por la premisa:
Una joven estadounidense de ascendencia italiana se embaraza
y, para evitar el aborto y el escándalo, decide dar a su hijo en
adopción en Argentina. Dieciocho años después Luis, más tarde
reinventado como Luizo Vega, descubre el secreto y decide
reencontrarse con su madre perdida. Todo esto sonaría muy
convencional si la joven en cuestión no fuera Madonna Ciccone,
sí, Madonna, la reina del pop, esa Madonna. “Es una película no”,
explica Luizo, “Desde el primer día todo mundo me dijo no: no
puedes hacerlo sin guión, no puedes hacerlo sin dinero, no
puedes hablar de Madonna. Pero ahí está”.
“Me pareció que era muy interesante tomar a Madonna como un

símbolo, somos todos su hijos, hijas, hermanos menores. Quería
jugar con la construcción de la propia identidad y ver hasta dónde
podía llegar. Hasta dónde podía yo mismo exigirme vivir ese rol
en la vida social; qué era capaz de hacer para ser el hijo de 
Madonna”, explicó el director argentino. Esta película, filmada a lo
largo de quince años (incluyendo fragmentos de varios
performances de este artista visual), quizá reinventa más que

ninguna otra el espíritu del Nuevo Cine Queer que B. Ruby Rich
identificó a principios de los noventa: reconstrucción de
subjetividades, mezcla de formatos y géneros cinematográficos,
confrontación de la norma, de lo que es el cine y el arte. En este
mundo actual lleno de leyes de copyright y propiedad intelectual,
The Material Boy no se adhiere a una agenda política o social,
sino que plantea una suerte de manifiesto artístico digital. Lejos
de querer moralizar o transmitir un mensaje sobre una comunidad
específica, The Material Boy cuestiona los medios y límites de la
creación misma. “Los espectadores no se equivocarían al
preguntarse si [el título] es también un juego de palabras sobre el
término material –las imágenes, el metraje, el material– utilizado
en el montaje y postproducción de una cinta, el cual designa la
totalidad de lo que una película tiene a su disposición para
conformarse, para crear su cuerpo”, escribe Víctor Ulloa, editor
de la cinta, en la página de Studio V Paris.
Así como este filme escapa todas las categorías (no es

documental, no es ficción, no es propiamente comedia ni
propiamente farsa), también escapa la clasificación de queer. La
pregunta, por supuesto, es inevitable, sobre todo cuando
Madonna es la figura central de una película. ¿Se relaciona el
pop con lo queer? “Es Madonna, bitch”, responde el artista, “es lo
queer de lo queer del universo queer. Es una diosa queer, pero
también es otras cosas. También es un fenómeno absolutamente
masivo. Creo que, en su momento, Madonna fue revolucionaria
porque mostró por primera vez el gay style como algo cool.
Realmente influyó a todos. Es inevitable, en el buen sentido y en
el malo”, dijo Luizo Vega. Sin embargo, Madonna como ícono
mundial y Madonna como protagonista involuntaria de esta
película son dos cosas distintas. ¿Cómo, entonces, se define
esta película? O mejor, ¿en verdad es necesario definirla o
clasificarla? “En este momento de mi vida no soy pro nada”, dice
Luizo Vega, “creo que el ser humano debe dejar de pensar en
eso. Personas punto. Los títulos, sobre todo en el arte, no sirven.
Sería como decir que DaVinci es un queer artist, es DaVinci y ya”,
ríe.
Quizá mucha gente esté de acuerdo con esto último, pero las
clasificaciones aún son vigentes y útiles, tanto para la revisión
histórica, como para su mutación en nuevas maneras de –en el
caso del cine—narrar y ser narrado. Las etiquetas o rótulos
parecen delimitar y contener, excluir todo lo que queda fuera de
las fronteras imaginarias de una palabra como queer. Parecería
que estas películas no pueden ser una reflexión profunda sobre
la construcción de la identidad en general, sino que
necesariamente se concebirían como una reflexión profunda
sobre la construcción de la identidad queer. El problema no son
las clasificaciones y las etiquetas en sí, sino cómo las
interpretamos y utilizamos. Antes de negarlas, es necesario
entenderlas. Los festivales de cine queer o LGBTI no encasillan
al cine dentro de un hermetismo absoluto, sino que las enmarcan
en un contexto histórico, social y estético, que vale la pena
revisar en conjunto para encontrar cambios en la construcción de
subjetividades desde el arte. Difuminar fronteras es tan peligroso
como establecerlas. Eso que nos separa también nos define, nos
constituye.
Por ejemplo, cabría analizar si Darker than Midnight y La visita de

Mauricio López Fernández, se insertarían en una clasificación
distinta y más reciente que Rich denomina Nuevo Cine Trans
(New Trans Cinema), el cual aborda la formación y
representación de la identidad transgénero y gender-queer. “A
principios del siglo XXI quedó claro: trans era el nuevo queer. […]
A pesar de todo lo que el NCQ hizo para reposicionar la
sexualidad en la imaginación popular, nunca pretendió derrocar
las nociones de género en sí”. (Rich, 217) Esta nueva categoría
no sólo define, también reconoce y refleja la necesidad de
retratar una mayor diversidad identitaria a través de la creación
cinematográfica.
La visita narra el regreso de Felipe, ahora Elena (Daniela Vega),

a la casa de su infancia, donde su madre labora como empleada
doméstica, para el funeral de su padre. El reencuentro con su
pasado y la confrontación con la nueva identidad de género de
Elena se retrata de manera sutil, pausada y velada, entre miradas
curiosas y susurros. La presencia de Elena genera cierta
incomodidad y refleja la moralidad católica aplastante en Chile,
así como la soledad de las mujeres que conviven en un mismo
espacio casi sin conocerse.
Mauricio López asegura que el tema de la transexualidad no se

toca mucho en su país. Su película fue la primera con esta
temática financiada por el gobierno. “Si bien, comprendo que las
películas apuntan a ser generales, el tema queer es algo de lo
que nos tenemos que hacer cargo, primero nosotros como
cineastas, para poder llevarlo a un segundo nivel que es el
entendimiento global”, dijo el director chileno. Una de las
preocupaciones expresadas por López parte de la segmentación
interna de una comunidad que debería ser muy unida,
amalgamada incluso en el acrónimo LGBTI o en el sustantivo
unificador queer (Rich, 278). Sin embargo, esto no sucede así en
la práctica. “En Chile básicamente hay dos fundaciones que se
encargan del tema LGBTI y son plenamente gays. Se olvidan un
poco del tema de la transexualidad e intersexualidad”.
En sus inicios, el NCT se limitaba principalmente al documental, a

retratar el rito de paso de cuerpos sometidos a la intervención
quirúrgica y tratamientos hormonales, con narrativa lineal y
formatos tradicionales, muchas veces enfocado en la transición
de una persona o pareja. Quizá un ejemplo reciente y conocido
sea Mr. Angel (Dan Hunt, 2013), cinta que ha tenido enorme éxito
en plataformas de video on demand y ha hecho de Buck Angel un
ícono reconocible de la comunidad trans female to male. Este tipo
de documentales son íntimos y honestos, pero en su mayoría
“siguen una fórmula para hacer una crónica del ciclo de
desesperanza, transición y júbilo. Como si el contenido
transgresor impidiera innovar en la forma, los documentales trans
perpetúan una relación que parecería contradictoria entre el
contenido radical y la forma conservadora”. (Rich, 276). Esta
tendencia, que prevaleció en el cine trans de inicios de siglo, ha
comenzado a cambiar. No todas las historias deben ser relatos
inspiradores de alguien que finalmente encuentra su identidad y
abraza su verdadera piel; la subjetividad trans no siempre puede
verse a través de una transición física. Los documentales Julia (J.
Jackie Baier, 2013) y Mala Mala (Antonio Santini, Dan Sickles,
2014), por ejemplo, muestran otras caras de la moneda (una
moneda poliédrica en este caso).
Es evidente que el documental fue un medio ideal durante el

surgimiento del NCT, pues permitía un acercamiento necesario
para expresar estos procesos. Pero, ¿qué pasa con la ficción? En
su libro, Rich menciona algunas películas fundamentales,
antecedentes del NTC, realizadas para un público amplio como
The Crying Game (Neil Jordan, 1992) o Transamerica (Duncan
Tucker, 2005). Sobre la primera, Rich dice: “la fórmula de estos
filmes de transición transgénero requerían la inclusión de un
money shot, una gran revelación para exponer el género
anatómico con el fin de contravenir las expectativas de la
audiencia [heterosexual]”. (Rich, 272) La visita y Darker Than
Midnight se alejan por completo de esta fórmula, pues presentan
a sus personajes sin incitar al morbo, sin intentar escandalizar al
público por medio de escenas crudas. La sorpresa, importante en
su momento, ya no es necesaria para hablar de personajes trans;
no es necesario plantear una historia de amor aparentemente
heterosexual con un giro inesperado para hacerla digerible ante
el gran público. “Para mí tiene que ver con una cuestión de teoría
de lo que quieres expresar en tu película, más allá de que exista
una escena de sexo entre dos hombres o si trata sobre una chica
trans”, dijo Mauricio López.
La última panelista de la mesa de cine queer en el marco del

FICG 30, Claudia Lorenz, fue la única directora seleccionada
para la competencia del Premio Maguey 2015. La ausencia de
mujeres es sintomática de una industria aún muy cerrada. “Soy
mujer y soy gay. Estoy acostumbrada pero es una constante triste
para mí ser la única mujer en un panel o en una competencia o
en lo que sea que esté relacionado al cine”, dijo Lorenz. Quizá la
mayor incidencia de mujeres directoras en festivales sea
precisamente en el cine queer, entendido no sólo como una
cuestión temática, sino como todo aquello que escapa de la
heteronormatividad, incluyendo los roles de género tradicionales
y la opresión sistemática de mujeres. La respuesta de Claudia
Lorenz fue la más concisa de toda la discusión: “Para mí es
bastante fácil: queer es cualquier película que, con lo que
muestras, sales de una dualidad de géneros entre hombre y
mujer”.
Con esta visión, Unter der Haut, narra la vida familiar

interrumpida de Alice (Ursina Lardi) cuando descubre que su
esposo sostiene un amorío con un hombre. “Mi película habla de 
un matrimonio entre una mujer y un hombre gay que lleva años
reprimiendo su homosexualidad. El hombre sale del armario y se
enfrenta a su familia. Como el matrimonio es un concepto

puramente heterosexual, ¿qué pasa cuando entra algo que no
está previsto?”, explicó Lorenz sobre su película. “En algún
momento en el proceso de escritura fue importante tomar la
decisión de quién sería protagonista. Normalmente la persona
que sale del armario es la que vive una transformación muy
grande y tiene todo para protagonizar una película según la
opinión general. Pero yo sentí que el punto de vista de la mujer
no se ha visto mucho en el cine”, dijo. Todd Haynes exploró este
punto de vista en Far from Heaven (2002), sin embargo, el
personaje de Cathy Whitaker (Julianne Moore) está construido
con la artificialidad del lenguaje cinematográfico de la década de
1950 y no pretende retratar a una mujer de carne y hueso. Alice,
en cambio, reacciona con genuina curiosidad antes de pasar por
una serie de cambios emocionales que la llevan de la euforia a la
depresión y finalmente a la aceptación y a empezar de nuevo.
Unter der Haut responde una pregunta que, personalmente, me
he hecho en varias ocasiones al ver cintas como Free Fall (2013),
donde un hombre se enamora de uno de sus compañeros y tiene
que elegir entre su nuevo amor y su novia embarazada. ¿Qué
pasa con la novia? ¿Con su hijo? ¿Con el cambio en sus
expectativas? Muchas veces, en este tipo de coming-out stories,
las mujeres parecen ser un obstáculo del amor verdadero. La
cinta de Claudia Lorenz permite ver a una mujer y madre
redefinirse y levantarse tras este proceso muy distinto al divorcio
o al abandono.
A pesar de la gran cantidad de textos teóricos sobre el tema,

existe un problema de definición alrededor del cine queer: qué es,
qué significa, cómo se hace y, sobre todo, cómo se ve. Si bien
estas expresiones cinematográficas y en video han sufrido en los
últimos años una transformación de lo radical a lo homonormativo
el volumen de producciones presentadas en festivales LGBTI,
queer o en premios como Maguey, no ha disminuido. La calidad,
que en algún momento se perdió por la enorme cantidad de
productos cinematográficos y televisivos alrededor de estos 
temas, se recupera poco a poco con cada muestra de innovación
fílmica. Quienes realizan cine denominado (por ellos mismos o

por terceras partes) queer, no siempre tienen una agenda política
o social en mente o una visión estética decididamente alejada del
lenguaje cinematográfico convencional.
Ahora que los años dorados del Nuevo Cine Queer han quedado
atrás y el Nuevo Cine Trans comienza a evolucionar en fondo y
forma, ¿cuál es el siguiente paso? ¿Se deben crear puentes para
alcanzar públicos cada vez más amplios? ¿Se deben mantener
las fronteras que separan y clasifican al cine en subdivisiones
cada vez más acotadas? Muchos hablan de un cine postqueer, lo
cual puede sonar a que lo queer ya ha sido superado y
trascendido. Todos estos términos suelen generar confusión,
desagrado o rechazo, pero también un sentido de identidad
compartida. Sin embargo, creo que lo más valioso es que
generan preguntas. Quiénes somos. Dónde estamos y de dónde
venimos. Qué vemos y qué vemos en lo que vemos. Lo
importante es no dejar de preguntar.
Fuentes:
Rich, B. Ruby, New Queer Cinema: The Director’s Cut. NC: Duke

University Press, 2013.
Rakesh Ramchurn, “I Am Michael, review, London LGBT Film

Festival 2015: Michael Glatze biopic of man who shocked gay
world by going straight”. The Independent. 19 de marzo de 2015.
Víctor Ulloa, texto sobre The Material Boy, Studio V Paris.
Fotograía:
Verónica Angulo, cortesía del Premio Maguey
Hipatia Argüero Mendoza (Mexico

City, 1988) studied English Literature
and Screenwriting. She is the editor of
the film section of Cuadrivio
Magazine. She likes cats. You can
follow her at @MeLlamoHipatia.
POSTED:
APRIL 27, 2015 AT
9:30 AM
FEATURED ARTICLES  
#ELTEMA O CÓMO PATRICK SMITH: NO BORDER

CONVENCERNOS DE BEHIND THE ROADS
LO QUE YA SCENES
ESTAMOS
CONVENCIDOS
There is 1 comment for this article
Fabio
June 12, 2020 at 1:56 pm
Tengo que reconocer que apenas leí los

primeros párrafos y ya me desagrado la nota.
El cine LGBT o “Queer” NO ES UN GÉNERO

es una TEMÁTICA, no es muy difícil de
racionalizar. El cine LGBT es un conjunto de
películas que comparten una misma
característica, Las personas sexodiversas.
Es una temática que incluye todos los

SUBGÉNEROS CINEMATOGRÁFICOS:
Drama, Romance, Comedia, etc.
Es una temática como la temática bélica,

racial, etc. La razón por la que el cine LGBT
es CRECIENTE es que es algo que se
necesita mostrar.
TRATEMOS AL CINE LGBT COMO ES,

COMO UNA TEMÁTICA. en base a eso toda
tu nota es COPLETAMENTE INNECESARIA,
dado que se da por hecho de que no es un
subgénero cinematográficos (Dijo subgénero
por que géneros cinematográficos son:
Ficción, Documental, Experimental y
Animación), luego de los géneros vendría los
subgéneros que son el drama, romance,
ciencia ficción, etc.
Por ende de comienzo tu nota ya tiene

ERRORES POPULISTAS.
PROBLEMAS CON LAS “ETIQUETAS”
Es un discurso neoliberal y doble moralista,

inculcado y potenciado más que nada por
personas no LGBT. Claro como los
heterosexuales cisgénero no necesitan
identificarse con una palabra, dado que viven
en una sociedad cisheteronormativa. Discurso
que es apropiado por aquellos homosexuales
chuparuedas que sucumben ante las tantas
heteronormas de la sociedad.
Las “etiquetas” son son más que palabras,


depende del tono en que las digamos si toma
un subversivo despectivo o peyorativo.
EJEMPLO: antes, la palabra queer se usaba

despectivamente hacía aquellas personas por
fuera de la heteronorma, al pasar el tiempo el
significado de la palabra muto, por el hecho
de que la gente cambio la forma de decirla y
aplicarla. ES UN CLARO EJEMPLO QUE LAS
PALABRAS NO ESTÁN MAL, LOS QUE
ESTAMOS MAL SOMOS LOS HUMANOS.
DEMOSTRACION: Pregúntale a una persona

que dice no gustarle las etiquetas si es gay,
vas a ver que lo primero que te dice, es que
es heterosexual. Demostrando así lo que te
acabo de contar.
Como ves no es muy difícil de racionalizar las

cosas, solo hay que pensar bien.
Por último hay que hablar de tu remate. y no

lo digo yo, solo basta con verlo en internet.
CADA VEZ HAY MÁS PELÍCULAS LGBT,
CADA VEZ HAY MÁS FESTIVALES DE CINE
LGBT Y CADA VEZ HAY MÁS CINEASTAS
QUE SE DEDICAN EXCLUSIVAMENTE A
ESE CINE, así que lo que me queda por
hacer es preguntarte ¿De donde sacas lo de
cine posqueer?, eso se caé enseguida al ver
todo lo que te dije.
De toda las cosas positivas que generan los

festivales y películas LGBT podemos hablar
todo un día, pero viendo tu nota, no se si
estas lista para esa conversación.
Saludos desde Uruguay!
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En la mesa de discusión de la edición 2015, la cuarta del Premio GISELA KOZAK

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fílmica. Quienes realizan cine denominado (por ellos mismos o

Rich, B. Ruby, New Queer Cinema: The Director’s Cut. NC: Duke

Rakesh Ramchurn, “I Am Michael, review, London LGBT Film

Víctor Ulloa, texto sobre The Material Boy, Studio V Paris.

Verónica Angulo, cortesía del Premio Maguey

Hipatia Argüero Mendoza (Mexico

#ELTEMA O CÓMO PATRICK SMITH: NO BORDER

There is 1 comment for this article

Tengo que reconocer que apenas leí los

El cine LGBT o “Queer” NO ES UN GÉNERO

Es una temática que incluye todos los

Es una temática como la temática bélica,

TRATEMOS AL CINE LGBT COMO ES,

Por ende de comienzo tu nota ya tiene

PROBLEMAS CON LAS “ETIQUETAS”

Es un discurso neoliberal y doble moralista,

Las “etiquetas” son son más que palabras,

EJEMPLO: antes, la palabra queer se usaba

DEMOSTRACION: Pregúntale a una persona

Como ves no es muy difícil de racionalizar las

Por último hay que hablar de tu remate. y no

De toda las cosas positivas que generan los

Saludos desde Uruguay!

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