LA POSTMODERNIDAD

LIZETH HANARA GUTIERREZ SANCHEZ

5TO CUATRIMESTRE
ARQUITECTURA SIGLO XX

LIZETH HANARA GUTIERREZ SANCHEZ

CHARLES JENCKS: 1
Charles Jencks, el conocido historiador de la arquitectura, paisajista y teórico cultural, ha
muerto a los 80 años, en su casa en Londres el pasado domingo por la noche.
Jencks fue uno de los grandes intérpretes y teóricos de la arquitectura del último tercio del
siglo XX. Autor de innumerables escritos conocidos por su interés en la postmodernidad,
entre sus libros se incluyen El lenguaje de la arquitectura posmoderna, El universo en el
paisaje y La arquitectura de la esperanza. Obras importantes de la década de 1970 que
ayudaron a definir y reconocer los cambios importantes en el pensamiento arquitectónico
que habían tomado forma a medida que la posmodernidad comenzaba.

Charles Alexander Jencks (nacido en Baltimore, Maryland, el 21 de junio de 1939 - muere

en Londres, 13 de octubre de 2019) fue un teórico cultural estadounidense, paisajista,
crítico e historiador de la arquitectura y cofundador de los Centro para el cuidado del
cáncer Maggie. Publicó más de treinta libros y se hizo famoso en la década de 1980 como
teórico de la posmodernidad. Sus libros más vendidos incluyen The Language of Post-
Modern Architecture, Adhocism, The Architecture of the Jumping Universo y The
Architecture of Hope (en los centros de Maggie). Escocia es el hogar de varios de sus
paisajes más conocidos, incluido el Jardín de la Comic Speculation / Especulación
cósmica y Júpiter Artland, en las afueras de Edimburgo, donde se expuso la escultura ad
hoc Metaphysical Landscapes 2011. Su proyecto más reciente The Crawick Multiverse,
2015, encargado por el duque de Buccleuch, culmina anualmente en un festival de tres
días de representaciones y debates públicos con los principales cosmólogos y científicos
del mundo.
Una de sus sentencias más populares, demagógicas y contrarias el movimiento moderno
fue:
"La Arquitectura Moderna murió en St. Louis, Missouri, el 15 de julio de 1972 a las 3:32
PM (o alrededor de esa fecha) cuando el infame esquema de Pruitt-Igoe, o más bien,
varios de sus bloques de losa, la dinamita les dio el último golpe de gracia. Anteriormente
había sido destrozada, mutilada y desfigurada por sus habitantes, y aunque se bombearon
millones de dólares, tratando de mantenerlo vivo (reparando los ascensores rotos,
reparando ventanas rotas, repintando), finalmente fue sacado de su miseria. Boom, boom,
boom".

Debía presidir un evento en el RIBA el próximo mes en el que el estudio español

Ensamble Studio recibirá el Premio RIBA Charles Jencks. El premio fue creado para

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honrar a un individuo o ejercicio que haya realizado una importante contribución
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internacional tanto a la teoría como a la práctica de la arquitectura.
Anteriormente lo ganaron Niall McLaughlin, Rem Koolhaas, Herzog & de Meuron, Zaha
Hadid y Benedetta Tagliabue.
Con su difunta esposa, Maggie Keswick, cofundó la red en expansión de centros de
atención de cáncer Maggies.
La casa de Jencks en Holland Park fue clasificada en el primer lugar por Historic England
en 2018 y hay planes en marcha para convertirla en un museo y archivo llamado The
Comic House. Las reservas se abrirán a fines del próximo año.
Jencks es conocido por sus escritos sobre arquitectura posmoderna, y particularmente por
“El lenguaje de la arquitectura posmoderna”, que se publicó por primera vez en 1977 y que
se ha reeditado desde entonces varias veces. En el libro Jencks señaló la muerte de la
arquitectura moderna el "15 de julio de 1972 a las 3:32 PM (o más o menos)", cuando el
proyecto de vivienda pública Pruitt-Igoe se dinamitó en St. Louis, Missouri.
Junto a este libro, ya conocido como un clásico, escribió también “El universo en el
paisaje” y “La arquitectura de la esperanza”. Más tarde publicaría muchos más explorando
la posmodernidad en la arquitectura de finales del siglo XX.
El famoso "Árbol evolutivo de la arquitectura del siglo XX" de Charles Jencks
Sin embargo, a lo largo de su carrera, Jencks desempeñó muchos trabajos. Tal como reza
su página web, fue "un reconocido teórico cultural, paisajista, historiador de la arquitectura
y cofundador de los Centros de Atención del Cáncer Maggie”.
Como paisajista, proyectaba jardines y parques de formas curvas y en espiral que
expresaban sus creencias cosmológicas. El Jardín de la Especulación Cósmica en
Escocia es tal vez el más conocido de estos proyectos, que fue diseñado bajo la
inspiración de las matemáticas y la ciencia. Contiene esculturas y composiciones basadas
en agujeros negros y figuras geométricas.

El famoso "Árbol evolutivo de la arquitectura del siglo XX" de Charles Jencks

Las células de la vida de Charles Jencks en Jupiter Artland (Foto: Allan Pollok-Morris,
cortesía de Jupiter Artland)

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El Jardín de la Especulación Cósmica en Escocia, la Cascada del Universo

Maggie’s Dundee, 2003; Arquitecto: Frank Gehry, Gehry Partners, LLP; Diseño del
paisaje: Arabella Lennox-Boyd

ARQUITECTURA POSMODERNA:
¿Qué es la arquitectura posmoderna?
El movimiento arquitectónico de la arquitectura posmoderna es un estilo ecléctico y
colorido de la arquitectura y las artes decorativas que apareció a finales de la década de
1970 y continúa de alguna manera hoy en día.
La arquitectura posmoderna y tardomoderna fue un movimiento internacional que se
centró en el diseño de libre pensamiento con consideración conceptual del entorno.
Estas consideraciones incluían la integración del diseño de los edificios adyacentes en
nuevas estructuras posmodernas, de manera que tuvieran un elemento de cohesión sin
dejar de tener impacto. Esta cuidadosa consideración puede verse en la Neue Staatsgalerie
de James Stirling y Michael Wilford, que fusionaron elementos neoclásicos con un toque de
llama posmoderna.
La posmodernidad en arquitectura, después de haber sido un movimiento artístico teorizado
por Charles Jencks y Robert Venturi, se ha convertido en un movimiento arquitectónico cuya
influencia sigue estando muy presente en la arquitectura y arte en general de hoy en día.
Los orígenes de la arquitectura posmoderna en los Estados Unidos surgieron a finales de
los años 70, para luego extenderse al resto del mundo, siendo este el estilo dominante en
las ciudades de juego y ocio como lo es en Las Vegas, Dubái, o el distrito de Val d'Europe
cerca de Disneylandia.
Para escapar de la situación engorrosa y demasiado grave de los principios de la
arquitectura posmoderna oficiales de la ideología del Modernismo, los arquitectos
posmodernistas trataron de restablecer una convivencia con el público, tomando
voluntariamente caminos humorísticos o los resortes del juego de la mente.

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Este impulso posmoderno hacia el público también se expresó en una superabundancia de
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referencias a clichés populares sobre los estilos arquitectónicos antiguos, preferentemente
los que fueron desterrados por la arquitectura moderna.
La arquitectura posmoderna también se define como "neo-ecléctica" en la que la referencia
y la ornamentación vuelven a la fachada, reemplazando los estilos modernos agresivos sin
ornamentación. El eclecticismo se combina con el uso de ángulos no ortogonales y
superficies inusuales.
Los aspectos más importantes en este ámbito son la Nueva Galería Estatal de James
Stirling en Stuttgart y la Piazza de Italia de Charles Willard Moore. El Edificio del Parlamento
Escocés en Edimburgo ha sido citado igualmente como una tendencia de la arquitectura
postmoderna.

¿Cómo surgió la arquitectura posmoderna?

La arquitectura de la era postmoderna comenzó a ser conocida por Charles Jencks, quien
le dio este nombre. En este sentido, se puede decir que el propio Jencks es un pionero en
cuanto a la denominación de la arquitectura posmoderna latinoamericana.
A través de su libro el lenguaje de la arquitectura posmoderna (publicado en 1980), comenta
que hay un conjunto de características que influyen en la forma en que se produce, las
cuales son: la similitud con las envolventes y flexibilidades plásticas curvas que son
fácilmente concebibles en el Barroco, los tratamientos de orden brutalista, el uso de
hormigón aparente, entre otros.
Al igual que Charles Jencks, Robert Venturi estaba al frente de este movimiento
posmoderno. Y que en su libro Complejidad y Contradicción en la Arquitectura, jugó un papel
fundamental en la apertura de los lectores a nuevas formas de pensar en los edificios,
puesto que se basaba en toda la historia de la arquitectura, tanto estilística como vernácula
en la que atacaba al modernismo funcional excesivamente simplista.
También menciona, en cuanto a las características de la arquitectura postmoderna, el
renacimiento historicista, es decir, la intención de reinterpretar los estilos que ya se habían
producido en algún momento de la historia de la arquitectura para volver a utilizarlos en una
época más actual.
La arquitectura posmoderna individualista surgió como una reacción al Modernismo, al
Movimiento Moderno y a los dogmas asociados a él. En la década de 1970 el modernismo
había empezado a parecer elitista y exclusivo, a pesar de sus intenciones democráticas. El
fracaso de los métodos y materiales de construcción en la arquitectura posmoderna

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(demostrado en el derrumbe de Ronan Point, un bloque de torres en el este de Londres en
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1968) y la alienación de las urbanizaciones fue el centro de atención de los arquitectos y los
críticos a principios de los años setenta.
El lenguaje de la arquitectura posmoderna tiene su origen en la carencia constatada de la
arquitectura moderna. Su preocupación por el funcionalismo y la construcción económica
significaron que se eliminaran los adornos y los edificios estaban cubiertos de una
apariencia racional y austera. Muchos consideraron a las construcciones no para satisfacer
la necesidad humana para la comodidad tanto para el cuerpo como para la vista, que el
modernismo no tuvo en cuenta el deseo de belleza.
El problema se agravó cuando algunos bloques de apartamentos ya monótonos
degeneraron en barrios marginales. En respuesta, los arquitectos buscaron reintroducir
ornamentación, color, decoración y escala humana en los edificios. La forma ya no se define
únicamente por sus requisitos funcionales o por la mas mínima apariencia.
El surgimiento y la proliferación del posmodernismo fue una respuesta directa al auge de
los movimientos artísticos como el modernismo, un estilo que desalentó el uso de
referencias históricas en la arquitectura.
A medida que el modernismo crecía en popularidad, las estructuras notables de las
principales ciudades fueron sometidas a extensas renovaciones. Esto dio lugar a que los
edificios históricos fueran demolidos y sustituidos por versiones de estilo que no tenían en
cuenta las características artísticas de los edificios circundantes.
En la década de 1960, los arquitectos posmodernos comenzaron a luchar contra la
desaparición de la historia y la cultura que veían tener lugar en zonas como Nueva York y
Chicago. Como explican Denise Scott Brown y Robert Venturi en su libro, Learning From
Las Vegas, "Los artistas posmodernos crearon un movimiento ecléctico que representaba
plenamente el paisaje en constante cambio del mundo moderno actual".
Arquitectos posmodernos
Algunos de los arquitectos más conocidos e importantes del movimiento postmoderno son:
Philip Johnson
Edward Jones
Hans Kollhoff
Ricardo Legorreta
Ernst Lohse
Charles Moore
William Pedersen
César Pelli
Boris Podrecca
John C. Portman Jr.
Paolo Portoghesi
Antoine Predock
Kevin Roche

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Arquitectura posmoderna en México
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En México, la arquitectura del posmodernismo surgió en los años 50 como oposición al
movimiento moderno. Algunos de los aspectos que defendió fueron la ambigüedad, la
ironía, la complejidad, la diversidad de estilos, la recuperación histórica, etc.
Sus características principales consisten en el intento de recuperar la referencia, el
ornamento, el ingenio, buscan eliminar las formas puras o limpias, también buscan la
monumentalidad en la riqueza visual de las formas.
Los estilos o corrientes que se introducen en el Postmodernismo son, entre otros: Neo
historicismo, Neoclasicismo, Neocolonial, Tardo modernismo y el Brutalismo.

Características de la arquitectura posmoderna

Con tantas variaciones de los edificios de arquitectura posmoderna, el criterio de lo que define el
trabajo posmoderno es ligeramente borroso. La historiadora Mary McLeod definió el movimiento
como "un deseo de hacer de la arquitectura un vehículo de expresión cultural". Los aspectos
estéticos de la arquitectura posmoderna abandonaron la idea de adherirse a un conjunto específico
de reglas y en su lugar animó a los artistas a ser creativos y a adornar sus diseños.

Contradicción

En respuesta directa a las técnicas sofocantes del diseño moderno incluyendo el diseño simplista y
las formas geométricas, el posmodernismo en la arquitectura fue una contradicción de todos los
movimientos que le precedieron tomando inspiración de una amplia gama de culturas y elementos
de diseño para crear obras que nunca antes se habían visto. En el caso del Humana Building de
Louisville, Kentucky, el diseñador Michael Graves integró técnicas de una variedad de movimientos
para hacer una declaración sobre la preservación de la historia, a la vez que fomentaba un enfoque
progresivo del diseño.

Asimetría

La asimetría en la arquitectura posmoderna slideshare fue un pilar del movimiento posmoderno

debido a su capacidad de captar la atención y crear edificios únicos que se destacaban. Pilares
inclinados, muros y estructuras contrastantes eran comunes en las obras posmodernas y ofrecían
una nueva perspectiva de lo que significaba ser un edificio funcional. La yuxtaposición de estos
ángulos y líneas cautivó a las audiencias y ayudó a establecer la conclusión del posmodernismo
arquitectura como un movimiento para observar. El Museo Groninger muestra esta asimetría a
través de su uso de formas, colores y medios variados en cada uno de sus tres pabellones
principales.

Humor

Tanto el humor como el campamento, un movimiento irónico de arte ostentoso que se percibía como
bello, se usaron indistintamente a lo largo de la era posmoderna, particularmente en los Estados

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Unidos. Y mientras que el movimiento posmoderno comenzó como una rebelión contra la rigidez del
modernismo, el trabajo posmoderno de campo llevó la rebelión a nuevos niveles. 7

Los edificios teatrales, como el Hotel Dolphin (1987) en el Walt Disney World Resort en Orlando,
Florida, fueron famosos por su uso del humor y la indulgencia. Al llegar a los extremos de cómo
podría ser un edificio, los arquitectos del campamento desafiaron la formalidad y fomentaron la
creatividad en nuevas construcciones y diseños.

Fragmentación

Los arquitectos posmodernos eran conocidos por crear edificios fragmentados que, si bien estaban
conectados como un solo edificio, adoptaban la apariencia de varios edificios diferentes que
cumplían diversas funciones.
Esto se ejemplifica en el Museo Guggenheim Bilbao, ya que el titanio, el medio utilizado para crear
esta obra, cambia de color dependiendo de la luz circundante. Esto ayudó a dar nueva vida al edificio
dependiendo de la hora del día en que se ve la estructura, ofreciendo una estética totalmente
diferente a la luz del día que a la de la noche.

Complejidad arquitectónica posmodernista

La complejidad puede ser usada para describir todas las obras de arquitectura posmoderna, ya que
la integración de una variedad de colores, texturas, formas y temas construyen el marco de estos
edificios únicos. La complejidad fue utilizada para alejarse de la uniformidad del modernismo y
establecer un nuevo estilo de diseño. La Casa de Baile de Frank Gehry es el ejemplo perfecto de
complejidad en la arquitectura posmoderna historicista; el uso de diversos medios y líneas ayudó a
crear una estructura de otro mundo.

Objetivos del posmodernismo

Los objetivos de la arquitectura posmoderna, incluyendo la resolución de los problemas de la

modernidad, la comunicación de significados con ambigüedad, y la sensibilidad al contexto de la
construcción, están curiosamente unidos por un período de edificios diseñados por arquitectos que
nunca colaboraron mucho entre sí.
Los objetivos, sin embargo, dejan espacio para diversas implementaciones que pueden ser
ilustradas por los diversos edificios creados durante este movimiento. Las características del
posmodernismo permiten que su propósito se exprese de varias maneras.
Entre estas características se encuentran el uso de formas escultóricas, la ornamentación, el
antropomorfismo y los materiales de trampantojo. Estas características de significado son el
pluralismo, la doble codificación, los contrafuertes volantes y los techos altos, la ironía y la paradoja,
y el contextualismo.

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ALVARO SIZA: 8
Álvaro Siza (Motosinhos, Portugal, 1933) estudió arquitectura en la Escuela Superior de
Bellas Artes de Oporto, en la que se licenció en 1966 y donde comenzó a trabajar como
docente. Además, Siza ha sido profesor visitante en las Universidades de Lausanne,
Pensylvania, Bogotá y Harvard.
Siza ha sido galardonado, entre otros, con el Premio de Arquitectura Contemporánea de la
Unión Europea, la Medalla de Oro de la Arquitectura y la Medalla de Oro de la Fundación
Alvar Aalto, otorgados todos ellos en el año 1988; con el Premio Pritzker, en 1992, y el
Praemium Imperiale, en 1998.

A partir de la Revolución de 1974 empezó a colaborar con el nuevo Gobierno y se interesó

fundamentalmente por la problemática urbana, sobre todo en la construcción de viviendas
sociales, como las de Senhora das Dores (1974-1977) y Quinta de Malagueira (1977-1979),
en Évora.

Posteriormente participó en el proyecto de reconstrucción del centro histórico de Lisboa,

tras el incendio de 1988. Por el Banco Borges & Irmo en Vila do Conde (1982-1986) recibió
el primer premio europeo de arquitectura Mies Van der Rohe en 1988. También ha
proyectado construcciones en Berlín y en España, donde además ha participado en la
rehabilitación de edificios históricos.

En 1993 recibió el premio Nacional de Arquitectura que concede la Asociación Portuguesa

de Arquitectos y fue nombrado Doctor honoris causa por la Universidad de Lausanne
(Suiza). En 1994 finalizó su intervención en el barrio de Schilderswijk, en La Haya y mostró
una selección de sus proyectos en el Colegio de Arquitectos de Sevilla y Granada y en la
Sala Risco de Lisboa.

Entre sus obras más importantes cabe destacar:

el Restaurante Casa de Cha Boa Nova (1958);

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las Piscinas en Leça de Palmeira (1966);
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la Schlesisches tor Housing en Berlín (1988);

el Centro de Meteorología de Barcelona (1992);

el Centro Gallego de Arte Contemporáneo de Santiago (1993),

la iglesia de Marco de Canaveses (1996)

la Fundación Serralves (1999), en Oporto.

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Arata Isozaki
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(Oita, Kyushu, 1931) Arquitecto japonés. Siguió las tendencias del grupo de la segunda
generación de arquitectos japoneses, los denominados metabolistas -en el que se integran
Kenzo Tange, Kiyonori Kikutake, Masato Otaka o Sachio Otani-, aunque no se puede decir
que formalmente pertenezca a éste.
Este grupo, fundado en 1960, se entregó al urbanismo utópico: su arquitectura es en
general orgánica y monumental, de formas vanguardistas que aluden a la industria, pero
que también hacen referencia a la tradición japonesa, tal y como se muestra en ese
característico aspecto de obra inacabada y visionaria, del que es buena muestra la ciudad
espacial de Isozaki.

Hijo mayor de un rico empresario, hizo sus estudios en la Universidad de Tokio. En 1953
se incorporó al seminario del antes citado Kenzo Tange, quien dirigirá al año siguiente su
tesis de graduación titulada Desarrollo de los rascacielos en Estados Unidos, 1875- 1935.
Concluidos sus estudios universitarios permaneció hasta 1963 junto al equipo de Tange y
del URTEC. Tomó parte en casi todas las obras del estudio, en las que dejó patente su
influencia, como se puede ver en el Centro de Comunicaciones de Yamanashi.
En 1963 fundó su propio taller en Tokio, al que dio su nombre, Arata Isozaki Atelier. Hasta
mediados de la década realizó sus mejores obras, entre las que se pueden citar las
realizadas en Niage-cho Oita (prefectura de Oit), como el Centro Médico, la casa y clínica
Nakayama, el Banco Mutualidad Fukuoka y, principalmente, la Biblioteca de la prefectura
de Oita.
En 1967 trabajó en el plan de Osaka y fue contratado como arquitecto jefe de la Expo'70,
acontecimiento internacional concebido como celebración del rápido crecimiento del país
durante la década. A Isozaki se encargó la Festival Plaza, las instalaciones de los
espacios de exposición.
Se quería conseguir un espacio teatral que contuviera gran número de espectáculos y
público, con elementos informatizados y variedad de tecnología que creara un medio
ambiente cibernético. Dos robots, capaces de albergar diez mil personas, estaban
equipados con gradas y escenarios móviles manejados por ordenador, al igual que las
instalaciones de luz y sonido que, aunque no fueran muy sofisticadas, eran capaces de
moverse por el espacio del escenario, creando en el espectador la sensación de
encontrarse en un espacio tecnológico vibrante. En 1973 contrajo matrimonio por tercera vez;
su esposa, Aiko Miyawaki, era una importante escultora cuya relación con importantes personas
del arte moderno será un factor importante para su obra posterior, así como también su atracción
por las actividades de vanguardia del neodadaísmo de Tokyo de la década de los años sesenta

Con el Museo de Bellas Artes de la prefectura de Gunma (Takasaki, 1971-74), Isozaki buscó
nuevas propuestas que encontró en formas esenciales y estructuras prismáticas. Utilizó
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como unidad volumétrica el cubo para ordenar las distribuciones espaciales, según la 11
necesidad funcional. La propuesta consiste en la colocación, en una gran extensión verde,
con carácter paisajista, de una estructura básica de cubos de 12 metros de lado, que forman
un prisma principal donde está la sala de exposiciones, y dos secundarios, uno
perpendicular al cuerpo principal, donde está la entrada, y otro oblicuo colocado sobre un
estanque de agua, en el que se encuentra la sala de arte tradicional.

Otras obras importantes son:

Biblioteca Central de Kitakyushu (Fukuoja, 1974)

Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles (1981-86).

En España realizó varias obras importantes como

Palacio de deportes de Palafolls (Barcelona, 1987)

Palacio de Deportes de San Jordi en Montjuic (Barcelona, 1983-90)

este último realizado para los Juegos Olímpicos del 92. El edificio, al que se accede desde
una plaza situada al norte, incluye una pista de hockey-hielo y una de atletismo de 200
metros. La cubierta es una cúpula hecha con una estructura en forma de malla espacial
doble diseñada específicamente para el recinto.

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Charles Moore: 12

Charles Willard Moore (Benton Harbor, Michigan, 31 de octubre de 1925; 16 de

diciembre de 1993) fue un arquitecto estadounidense, profesor, escritor, y ganador
de la Medalla de Oro del AIA en 1991.

Moore se graduó como arquitecto en la Universidad de Michigan en 1947 y obtuvo el

doctorado en filosofía por la Universidad de Princeton en 1957.

En 1951 abrió su propio estudio en Monterrey y Berkeley. Como arquitecto, gran parte
de su trabajo lo realizó bajo la identificación "MLTW" - Moore, Lindón, Trumbull,
Whitaker. En 1970 fundó la empresa Charles W. Moore Associates en Essex y en 1991
la firma, Moore/Anderson architects.

En cuanto a su labor docente, se inicia en 1960 en la Universidad de California en

Berkeley, en la que de 1962 a 1965 fue director del departamento de arquitectura. En
1965 reemplaza a Paul Rudolf en la Escuela de Arte y Arquitectura de la Universidad
de Yale, New Haven, siendo también director del departamento de arquitectura hasta
1969, año en que fue nombrado decano de la School of Architecture and Planning de
la Universidad de Yale hasta 1970 en el que deja el cargo. En 1975 deja Yale y se
traslada a la Universidad de California en Los Ángeles. Desde 1985 realiza su labor
docente en la Universidad de Texas.

Moore pertenece a la generación de arquitectos estadounidenses formada por Robert

Venturi, Romualdo Giurgola, Turnbull, Esherick, etc., que destacan por su gran
vitalidad e inquietudes.

Las obras de Moore poseen una gran simplicidad y están llenas de humor. En ellas
mezcla, con gran habilidad y refinamiento, una serie de elementos heterogéneos que
rompen con todas las reglas y tabúes de la arquitectura moderna.

Sobre la base de sus estudios en Princeton, Moore desarrolló un enfoque humanista

de la arquitectura en la que cada diseño intentaba relacionar a los usuarios con un

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entorno espacial claramente definido. Para activar estos espacios de manera efectiva 13
y generar síntesis, Moore creó una cinética yuxtaposición de formas no vinculados

Durante el mandato de Moore, en Yale, cambió el énfasis de diseño desde el

formalismo arquitectónico a un nuevo examen de la naturaleza y la función de la
arquitectura en el mundo de hoy. Moore diseñó varios edificios durante este periodo
que ilustran su disidencia con la posición moralista que asume gran parte de la
arquitectura moderna

Moore creía que la arquitectura debe obtener respuestas de todos los sentidos, no
sólo desde el punto de vista visual. Pensaba que la arquitectura debe basarse en las
preferencias del cliente y en una referencia simbólica al sitio. Proponía crear
arquitectura que involucrara historia, mito y creatividad. En lugar de usar la
arquitectura para moralizar un ideal, la utilizaba para generar un entorno que
estimulara al usuario.

De sus primeras obras destacan su casa Orindo, California (1962) con su

característico techo piramidal o, de este mismo año, el edificio comercial situado en
a la esquina entre las calles Kearney y Market, que se adapta perfectamente al
contexto urbano sin caer en el eclecticismo del primitivo rascacielos. El complejo
vacacional de casas de madera (1963-1965) y el club deportivo del Sea Ranch en el
condado de Sonoma, California, son otros dos ejemplos de esta época donde la
integración en el paisaje se hace de forma ejemplar.

También realizó proyectos de limitado presupuesto, como las viviendas de la Church

Street en New Haven, Conneticut (1966-1969) y las viviendas sociales de Maplewood-
Terrace en Middlenton, Connecticut (1970-1971).

Otras obras que cabe destacar son: el Kresge College en la Universidad de Santa Cruz
(1966-1974); el proyecto Tegel Harbor Housing, Berlín (1980-1987), que consiste en un
complejo de viviendas y tiempo libre en el muelle de Berlín; la University of Oregon
Science Building en Eugene (1985); la Iglesia de Nativity en el Rancho de Santa Fe,
California (1990); la Exposición Universal de Chicago de 1992.

Obras:
Casa propia, Orinda, California (1962)

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Condominio I en Sea Ranch, Condado de Sonoma, California (1964-1965), con el
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arquitecto paisajista Lawrence Halprin.

Faculty Club, Universidad de Santa Bárbara, California (1966-1968)

Kresge College en la Universidad de California Santa Cruz (1971-1974)

Plaza de Italia, Nueva Orleans, Louisiana (1975-1980)

Ampliación del museo del Williams College, Williamstown, Massachusetts (1986)

Centro Cívico de Beverly Hills, California (1988-1992)

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MICHAEL GRAVES: 15
Michael Graves nació el 9 de julio de 1934 en Indianápolis, Indiana. Estudió primero en la
Universidad de Cincinnati y luego en Harvard. En 1960 recibió el premio de Roma. A
finales de los años 60, Colin Rowe lo sumó a Peter Eisenman, Charles Gwathmey, John
Hejduk y Richard Meier para presentarlos como los New York Five. En el texto en que los
presentaba, Rowe decía que, si bien era difícil generalizar el trabajo de esos cinco, “hay
un punto en común que es simplemente este: en vez de constantemente apoyar el mito
revolucionario [de la arquitectura moderna], resulta más razonable y más modesto
reconocer que, en los primeros años del siglo XX, ocurrieron grandes revoluciones en el
pensamiento que tuvieron como resultado profundos descubrimientos visuales que aún
deben explicarse.” De alguna manera podría decirse que Rowe ya abría la posibilidad para
estos cinco de un revisionismo post-moderno de la tradición, en este caso, moderna.

Graves trabajó durante dos años como ayudante en la Academia Americana de Roma y
posteriormente constituyó su despacho de arquitecto en Princeton, en el estado de New
Jersey. Allí se convirtió en profesor de la Universidad de Princeton en el año 1972.
Como arquitecto, Graves es un representante destacado de la corriente post-modernista
en los Estados Unidos. Sus edificios mantienen la claridad de líneas característica de los
diseños modernos, pero incorporan elementos clásicos, que confieren a sus obras un
aspecto menos técnico y frío, y más humano. En 2001 recibió la medalla de oro del
Instituto Americano de Arquitectos.
Además de arquitecto, Graves es diseñador y ha llegado a ser conocido ampliamente por
el público a través de sus diseños de utensilios para el uso diario en el hogar (Alessi), que
se venden en las tiendas Target en todo el país.
OBRAS:
Casa Hanselmann, Fort Wayne (1967-1971)

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Museo de Newark (1967-2002)
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Edificio de Administración Pública de Portland (1982)

Centro de música de Riverbend, Cincinnati (1983-1984)

Bodega Clos Pegase, Calistoga, Napa Valley (1984-1987)

Edificio Humana, Louisville (1985)

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Complejo Aventine, La Jolla (1985-1990)
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Edificio Disney, Burbank (1986-1991)

Hotel Delfín, Lake Buena Vista (1987-1990)

Biblioteca y teatro del Condado de Clark, Las Vegas (1990-1994)

Instituto Kavli, Santa Barbara (1990-1994)

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James Stirling 18

El Arquitecto Inglés y ganador del Pritzker Sir James Stirling (22 Abril 1926 – 25 Junio
1992) creció en Liverpool, una de las zonas industriales de Inglaterra del Norte, y comenzó
su carrera cuestionando la composición e ideas teóricas del Movimiento Moderno. Con el
tiempo, Stirling, recopiló un conjunto único de creencias arquitectónicas que se
manifiestan en su obra. Su arquitectura, comúnmente descrita como "no conformista",
consistentemente causó descontento en los círculos convencionales.

Biblioteca Pubblica, Latina, Italy (1979–1985): worm's-eye axonometric

view of reference library. . Image Courtesy of Canadian Centre for Architecture

Según Rowan Moore, Stirling también "diseñó algunos de los edificios notoriamente más
disfuncionales de la época moderna". Sin embargo, a pesar de las acusaciones de
incompetencia, Reyner Banham afirmó que Stirling produjo una selección de los edificios
mas interesantes e innovadores del mundo. Notablemente, el mayor premio del Royal
Institute of British Architects fue nombrado en su honor en 1996, el Premio Stirling.

University of Cambridge History Faculty. Image Courtesy of Solipsist

Edificio de Queens College fue el tercer y último edificio de La Trilogía Roja, que abarca
el edificio Leicester de la Facultad de Ingeniería y el Edificio de la Facultad de Historia
de Cambridge. En su diseño se consideraba radical, pero a la vez moderno. El edificio de
la facultad de la historia (1968) en la Universidad de Cambridge, que diseñó junto a su
socio James Gowan, a menudo obligó a sus habitantes a la "lucha para estudiar en [un]
mezcla de congedo / hirviendo invernadero, con una acústica poco fiable, fugas frecuentes

ARQUITECTURA SIGLO XX LIZETH HANARA GUTIERREZ SANCHEZ

y la caída de azulejos de revestimiento". Sin embargo, los conceptos arquitectónicos de 19
tensión y elaboración, según Moore, "un juego de fuerzas e ilusiones" fueron pioneras.

The Florey Building at Queen's College, Oxford University. Image

© James Brittain

En 1984 su Neue Staatsgalerie de Stuttgart se convirtió rápidamente, según Moore, "en

uno de los mayores atractivos turísticos del país," lo que es "un tipo de Guggenheim en
Bilbao". Después de la Staatsgalerie, el trabajo de Stirling se describe a menudo como
post-moderno, una etiqueta que él mismo rechazó. Durante este tiempo también recibió
varias comisiones importantes, desde la Galería Clore a el London's Tate en Gran Bretaña
y el diseño de las nuevas galerías Tate en su ciudad natal de Liverpool.

Department of Engineering at the University of Leicester. Image © Flickr

CC user John Levett. Used under Creative Commons

Después de su muerte el trabajo de este renombrado arquitecto ha sido continuamente

estudiada y revaluada, llevando a un gran número de libros y exposiciones. Sus
defensores contemporáneos culpan las fallas técnicas en la mala construcción y recorte de
presupuesto, dejando intacto el genio de Stirling.

Staatsgalerie, Stuttgart, Germany (1977–1984), 1984. Alastair Hunter,

photographer. . Image Courtesy of Canadian Centre for Architecture

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RAFAEL MONEO:
20
José Rafael Moneo Vallés (Tudela, Navarra, 9 de mayo de 1937) es un arquitecto español
de prestigio internacional, y el primero que ha sido galardonado con el Premio Pritzker de
arquitectura (en 1996).

Obtuvo el título de arquitecto en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid,

donde se graduó en 1961, colaborando durante sus estudios en varios proyectos con
Francisco Javier Sáenz de Oiza (1956-1961). Trabajó entre los años 1961 y 1962 en el
despacho de Jørn Utzon en Hellebæk (Dinamarca), el autor del famoso edificio de la ópera
de Sídney.
En 1963 recibió una beca de dos años para estudiar en la Academia de España en
Roma,2 estancia que tuvo gran influencia sobre su trabajo posterior. Volvió a España en
1965 y fue en primer lugar profesor adjunto en la Escuela de Arquitectura de Madrid
(1966-1970). En 1971 ganó la Cátedra de Elementos de Composición en la ETSAB, lo que
le llevó a vivir durante casi diez años en Barcelona, hasta que en 1980 ganó la oposición a
catedrático de composición en la Escuela de Arquitectura de Madrid, que abandonó tras
unos años de ejercicio.
En 1973 Moneo había establecido su propio despacho en Madrid, compaginando desde
entonces el diseño arquitectónico con la enseñanza. En ambas actividades denunció la
tendencia moderna de crear edificios con criterios de corto plazo, y defendió el diseño de
obras que puedan mantenerse actuales durante un largo tiempo, a modo de monumentos.
En la línea de lo que ha sido llamado el racionalismo contextual, Moneo no sigue las
corrientes de utilitarismo y expresionismo europeas, sino que refleja en sus obras una
versión suavizada del estilo nórdico y de la tradición holandesa. A todo ello, Moneo suma
su propia visión de la arquitectura histórica. Las obras de los años 60 son las que reflejan
mejor estas ideas. En 1976 Moneo fue invitado a los Estados Unidos, donde trabajó en el
Instituto de Arquitectura y Estudios Urbanos de Nueva York y dio clases en la Cooper
Union School of Architecture (Nueva York). Durante los años siguientes impartió clases
también en Princeton y Harvard y en el departamento de Arquitectura de la Escuela
Politécnica Federal de Lausana (Suiza).
En 1985 fue nombrado decano del Departamento de Arquitectura de la Universidad
Harvard,4 puesto que ocupó durante quince años. Sigue conservando su cargo de
Catedrático de Arquitectura en dicha escuela, que visita regularmente, habiendo obtenido
recientemente la Sert Professorship un título honorífico. En 1992 Moneo recibió la Medalla
de Oro al Mérito en las Bellas Artes del Gobierno Español. En 1993 fue nombrado Doctor
Honoris Causa por la Universidad de Lovaina, (Bélgica). Recibió el Arnold W. Brunner
Memorial Prize de Arquitectura, otorgado por la Academia Americana de las Artes y las
ARQUITECTURA SIGLO XX LIZETH HANARA GUTIERREZ SANCHEZ
Letras. Fue galardonado con el Premio Príncipe de Viana del Gobierno de Navarra.
21
Recibió en Estocolmo el Premio Schock de Artes visuales, premio concedido por la
Fundación Schock y la Real Academia de las Artes. En 1994 recibió un Laura ad Honorem
de la Escuela de Arquitectura de Venecia. En 1996 fue galardonado con el Premio Pritzker
de Arquitectura y la Medalla de Oro de la Academia de Arquitectura de Francia y la
Medalla de Oro de la Unión Internacional de Arquitectos. En 1996 fue el encargado de
pronunciar el pregón de las Fiestas de la Mercè de Barcelona, con un discurso en el que
reflexionó sobre la relación entre la ciudad y su arquitectura.5
En 1997 es nombrado académico numerario de la Real Academia de Bellas Artes de San
Fernando de Madrid6 y recibe el título de Doctor Honorario de Tecnología del Real
Instituto de Tecnología de Estocolmo. En 1998 recibe el Premio Feltrinelli de le Academia
Nazionale dei Lincei, en Roma. Es miembro de la Academia Americana de las Artes y las
Ciencias, de la Academia de San Lucas de Roma y de la Real Academia Sueca de las
Bellas Artes. Desde 2007 también es miembro de número de Jakiunde, Academia de las
Ciencias, de las Artes y de las Letras del País Vasco. Es miembro honorífico del Instituto
Americano de Arquitectos y del Real Instituto de Arquitectos Británicos. Moneo dice buscar
con su arquitectura la durabilidad y el diálogo con la evolución histórica. Según Moneo al
arquitecto le corresponde encontrar en cada época los elementos y modelos que la
transforman para adaptarla a las necesidades de las épocas que transcurren. Moneo sigue
siendo considerado por numerosas personas uno de los grandes arquitectos españoles
contemporáneos. En 2001 gana el Premio Mies van der Rohe. En 2012 imparte un curso
en el Máster en Diseño Arquitectónico de la Universidad de Navarra y es galardonado con
el Premio Príncipe de Asturias de las Artes. En 2013 el Estado español reclamó dos
millones de euros a Moneo por «vicios ruinógenos» en el proyecto de la residencia del
embajador español en Washington, Estados Unidos.n. 1
En 2015 inaugura su "edificio más abstracto" como él mismo lo define: el Museo de la
Universidad de Navarra. En el año 2017, publicó el libro Una manera de enseñar
arquitectura. Lecciones desde Barcelona, 1971-1976,9 un ejemplar que reúne por primera
vez todo el material docente producido a su paso por las aulas de la Escuela Técnica
Superior de Arquitectura de Barcelona (ETSAB). Un año más tarde, en 2018, Rafael
Moneo presentó en su estudio de Madrid el libro "La vida de los edificios". Un libro
divulgativo sobre arquitectura en forma de ensayo que versa sobre varios edificios
españoles: "La Mezquita de Córdoba", "La Lonja de Sevilla" y "El carmen de Rodríguez-
Acosta en Granada".10
En junio de 2019 es nombrado Doctor Honoris Causa de la Universidad de Navarra por su
trayectoria profesional como arquitecto, docente y teórico.11
En 2021 escribió un obituario en recuerdo de su compañero de estudios, el arquitecto
Dionisio Hernández Gil, ganador del pensionado de arquitectura de la Academia de
España en Roma en 1962.

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Ieoh Ming Pei 22
(Cantón, China, 1917 - Nueva York, 2019) Arquitecto y urbanista estadounidense de
origen chino. Emigró en 1935 a Estados Unidos, donde estudió arquitectura, disciplina en
la que consiguió un puesto de honor como innovador esforzado en la síntesis entre
elegancia formal y eficacia funcionalista, y también como gran pedagogo en universidades
como la de Harvard.

Ieoh Ming Pei es autor de conjuntos urbanísticos en Singapur y Estados Unidos y de

edificios singulares, como el rascacielos de la plaza Villemarie de Montreal, el Centro
Nacional de Investigaciones Atmosféricas de Boulder o la ampliación de la Galería
Nacional de Washington, así como de la remodelación del Museo del Louvre, con su
famosa pirámide, completada en 1993. En Barcelona proyectó el centro internacional de
negocios del puerto.
En Montreal y en Denver llevó a cabo ambiciosos proyectos urbanísticos formados por
conjuntos de rascacielos y plazas que se ubican en una disposición axial clásica. Otras
obras importantes suyas son la torre John Hancock de Boston y el centro de convenciones
Jacob K. Javits, en Nueva York. El reconocimiento a su trayectoria le llegó en 1983, con la
concesión del llamado «Nobel de la Arquitectura», el premio Pritzker, con lo que unió su
nombre al de los más aplaudidos arquitectos contemporáneos: Philip Johnson, Luis
Barragán, Oscar Niemeyer, Frank Gehry, Rafael Moneo, Renzo Piano, Norman Foster o
Zaha Hadid son algunos de los galardonados. Se retiró en 1989, año en que recibió
además el Præmium Imperiale, y su estudio quedó a cargo de H. Cobb, su colaborador
habitual.
Estilo
En sus proyectos Pei buscaba la pureza de líneas, unida a una eficacia funcional,
siguiendo el llamado "estilo internacional" y los criterios de Gropius. Utilizaba
frecuentemente formas abstractas, recurría a materiales fríos, como el acero, el cemento y
el vidrio, e incorporaba efectos que resultaran impactantes para el observador. Sus obras
se caracterizaron en muchas ocasiones por unas estructuras que requieren soluciones
valientes. Pei fue uno de los arquitectos más apreciados de nuestro tiempo.
Trayectoria

ARQUITECTURA SIGLO XX LIZETH HANARA GUTIERREZ SANCHEZ

Realizó proyectos en lugares repartidos por todo el planeta. Sus enormes proyectos
23
urbanísticos en Montreal, Canadá, y en Denver, Estados Unidos, por ejemplo, son
complejos conjuntos de plazas y rascacielos que reflejan un orden clásico dentro de una
disposición axial. La torre John Hancock (1976, Boston) aparece recubierta por una piel de
cristal reflectante de un azul verdoso que hace de telón de fondo de la histórica plaza
Coplay, situada justo debajo del rascacielos. El edificio del este de la Galería Nacional del
Arte en Washington D.C., de 1978, es una llamativa composición trapezoidal con
bastidores triangulares, claraboyas y voladizos. Entre sus mayores proyectos estuvo el
Centro de Convenciones Jacob K. Javits, de Nueva York (1980–1986) y la renovación del
Louvre de París con pirámide incluida, aprobada en 1984 y que en 1989 se finalizó.
Premios
Su trabajo fue reconocido en 1983, año en que recibió el Pritzker, el galardón de mayor
prestigio internacional en arquitectura.También recibió la medalla de oro del Instituto
Americano de Arquitectos, y otras muchas distinciones.
OBRAS:
Pirámide del Museo del Louvre (París)

Museo del Rock and Roll (Cleveland, Ohio)

Torre del Banco de China (Hong Kong)

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Torre del Banco Morgan Chase (Houston, Texas)
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Edificio del World Trade Center (Barcelona)

Embajada de Estados Unidos en Uruguay (Montevideo)

Museo de Arte Johnson, Universidad Cornell (Ithaca, Nueva York)

Musée d'Art Moderne Grand-Duc Jean, Mudam, Luxemburgo

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Tadao Ando 25
Autodidacta, Tadao Ando (1941) es reconocido como uno de los principales arquitectos
japoneses y uno de los máximos representantes de la corriente minimalista de la
arquitectura contemporánea.

Después de muchos viajes de formación por todos los continentes, en 1969 funda su
propio estudio, donde realiza un gran número de obras.
Además, se desempeña como docente en la Universidad de Tokio y también da clases en
Yale, Harvard y Columbia University.
En 1973 comienza su actividad de construcción, con una vivienda unifamiliar, casa
Tomishima, seguida de una serie de residencias con las mismas características. Entre
éstas destaca por importancia la casa Azuma, en Osaka (1976), premiada en Japón,
trampolín de lanzamiento hacia la fama internacional.
Con sus 65 m2, sus ambientes austeros y esenciales, aislada entre casas adosadas de
madera, representa “la negación de un claro límite entre el patio y el interior, tomada de la
tradición de las viviendas japonesas” (Baglione).
Además, la pequeña casa contiene elementos recurrentes en los proyectos de Ando: los
efectos luminosos, la importancia (incluso matérica) de las paredes y los espacios
divisorios, la “relación entre geometría pura y elementos naturales”.
Este último aspecto es evidente sobre todo en los complejos residenciales de Rokko I y II
(realizados entre 1978 y 1993), donde la pendiente natural del monte homónimo es
utilizada por Ando para realizar residencias con vista a la bahía de Osaka.
Con respecto a su profesión, Ando ha declarado: "Pienso que la arquitectura no concierne
a la construcción de edificios sino a la creación de espacio. Siempre trato de reducir todo
lo posible los elementos materiales para que el espacio resulte rico y estimulante."
Su producción abarca importantes edificios de culto (la Iglesia de la luz en Ibaraki, 1989; la
Capilla sobre el agua en Tomamu, 1991) y centros comerciales (en Kyoto y Tokio).
El rigor geométrico con el que expresa “una espacialidad evocadora de un mundo interior
típicamente japonés” lo lleva a realizar centros expositivos y pabellones feriales, centros
de investigación (como la “Fábrica” de Benetton en Villorba) y, sobre todo, una serie de
museos, como el Museo de la Madera (Hyogo, 1994), de Cultura (Gojyo, 1995) y de Arte
Moderno (Kobe, 2001).
En Venecia, cabe destacar la restauración de Palazzo Grassi (2005) y la del Centro de
Arte Contemporáneo (Punta della Dogana, 2009).
ARQUITECTURA SIGLO XX LIZETH HANARA GUTIERREZ SANCHEZ
 26
En el nuevo milenio Ando afronta el tema de la vivienda unifamiliar. Sobre la costa. La
casa 4x4 en Kobe (2003) es una "pequeña torre de cemento armado (…) que aborda el
reto de reducir al mínimo los espacios vitales -impuesto por la escasa disponibilidad de
terreno-" (Domus).
La Wabi House en Puerto Escondido (2014) es una vivienda-refugio para artistas diseñada
según los principios del wabi-sabi japonés, que exaltan la imperfección y la belleza natural
de los materiales y del lugar donde se erige. En este caso, además del cemento armado,
Ando utiliza madera, piedra para el pavimento y paja para los techos, según la tradición
local. La poesía de Ando se concreta de manera particular en los numerosos proyectos de
museos de arte y centros culturales que caracterizan su producción más reciente.
Entre éstos cabe mencionar el Centro Roberto Garza Sada de Arte, Arquitectura y Diseño,
en Monterrey (México, 2012), primer proyecto de Ando en América Latina, concebido
como un bloque de cemento de seis pisos. El imponente edificio es un espacio de estudio
y encuentro para varias disciplinas creativas (artes visuales y digitales, fotografía, talleres
textiles), donde destaca el enorme arco triangular en el centro, al nivel del terreno,
vagamente inspirado en los toriis japoneses y cargado de valor simbólico, por la sensación
de apertura y acogida. Este espacio vacío contrasta deliberadamente con una estructura
que desde el exterior parece cerrada, salvo por una fila de pequeñas ventanas laterales.
En el interior, una sabia alternancia de llenos y vacíos crea numerosos espacios abiertos
marcadamente evocadores, perfectamente iluminados, destinados a encuentros y clases.
El edificio presenta un evidente aspecto monumental que, sin embargo, se asocia de
manera natural a la facilidad de uso y a la versatilidad de los ambientes.
El Asia Museum Of Modern Art en Taichung (Taiwán, 2013), afiliado a la Asia University,
está construido sobre un rígido esquema triangular que redefine este monumento urbano y
al mismo tiempo sirve de vínculo entre las distintas actividades académicas en el campus
universitario circundante. Ando resuelve la dificultad y el rigor del módulo triangular con
soluciones que suavizan el impacto y el dramatismo visual; por ejemplo, la compensación
de los 3 pisos, apilados para formar un patio externo a la planta baja, donde hay
restaurantes y áreas de reunión.
El Aurora Museum en Shangai (2013) se inspira en la forma geométrica, clara y precisa de
un alhajero: "en el escenario nocturno de Huangpu, el museo es como un alhajero azul
profundo, silencioso y reservado". La parte expositiva y la estructura del edificio (un museo
privado de 6 pisos, de más de 6.000 m2) también en este caso se unen de manera sabia y
natural, para crear un "efecto dramático y penetrante" que define con originalidad este hito
de la ciudad.
El Pearl Art Museum en Shangai (2017) es un espacio multifunción que promueve
exposiciones y eventos culturales, principalmente ligados al ámbito editorial, ya que el
organismo sin fines de lucro que lo gestiona se dedica a la promoción de la lectura y la
comunicación del arte. Situado dentro de un complejo comercial, el museo ha sido
concebido por Ando "con forma de huevo" y cubre un área de más de 4.000 m2. En este
caso, la luz, elemento clave en su poesía, desempeña una función determinante para la
definición del ambiente. Ando ha declarado al respecto: "La creación de espacio en la

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arquitectura es simplemente la condensación y la purificación del poder de la luz. En mi
27
trabajo, la luz siempre es un elemento crítico para dramatizar el espacio en su conjunto,
porque la luz permite la creación de efectos visuales inesperados".
Entre los numerosos premios prestigiosos que se ha adjudicado durante su larga carrera,
podemos mencionar el premio Pritzker (1995), el Premio Imperiale (1996) y el RIBA
(1997).
Tadao Ando, obras y proyectos famosos
- Wrightwood 659, Chicago (USA), 2018

- Pearl Art Museum, Shanghai (Cina), 2017

- Hill of the Buddha, Sapporo (Giappone), 2015

- JCC - Jaeneung Culture Center, Seul (Corea del Sud), 2015

- Wabi House, Puerto Escondido (Messico), 2014

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BIBLIOGRAFIA:
28
https://www.fenarq.com/2020/06/arquitectura-posmoderna.html
https://www.urbipedia.org/hoja/Charles_Moore
https://www.arquine.com/michael-graves/
https://www.urbipedia.org/hoja/Michael_Graves
https://www.archdaily.mx/mx/765723/en-perspectiva-james-stirling
https://www.ecured.cu/Ieoh_Ming_Pei
https://www.floornature.es/tadao-ando-10786/

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