PRECEDENTES DEL MOVIMIENTO

MODERNO EN LA ARQUITECURA

LIZETH HANARA GUTIERREZ SANCHEZ

ARQUITECTURA SIGLO XX

16.01.22
IMPORTANCIA DE LA REVOLUCIÓN INDUSTRIAL EN LA
ARQUITECTURA DE PRINCIPIOS DEL SIGLO XX.
La arquitectura industrial en un sentido restringido, en cuanto actividad patronal, desarrolla
un menor repertorio de edificio públicos y administrativos, que la burguesa en general,
pero va a crear nuevas tipologías (en la fábrica) y a transformar las preexistentes (en la
vivienda). La arquitectura de los nuevos espacios productivos, de las fábricas, va a influir
en la práctica arquitectónica en sí misma, podemos decir que la arquitectura
contemporánea es toda ella una arquitectura industrial, ya que se organiza como un
proceso industrial. La arquitectura industrial tiene entonces más que ver con la
transformación de la práctica arquitectónica en la época industrial, que con un tipo
concreto de edificios

Una nueva práctica arquitectónica.

La industrialización cambió el paisaje natural y el urbano anteriormente existentes,

produciendo un nuevo paisaje. El nuevo modo de producción, con sus edificios fabriles, sus
medios de comunicación, la necesidad masiva de mano de obra etc., va a transformar no
solo el espacio urbano, sino también zonas situadas en pleno campo donde surgirán
pequeñas ciudades con la única finalidad de la producción. Estos “espacios industriales”
implican una nueva manera de entender la arquitectura y el urbanismo. Con la revolución
industrial no solo aparecen nuevos edificios, sino que es la propia arquitectura la que se
transforma, ya que tiene que adaptarse a los nuevos conceptos ideológicos que se derivan
de aquella, a los nuevos comportamientos humanos: “El nuevo alumbrado irrumpe en el
horario solar, los nuevos transportes acortan distancias y lugares antes inhóspitos, las
nuevas ciudades masificadas por el incremento de la población provocan nuevas
necesidades públicas, nuevos servicios, nuevas comunicaciones, nuevas nociones de
higiene y confort” (Aguilar, 1991, 93).

La arquitectura contemporánea tiene sus orígenes en los cambios provocados por la

revolución industrial , como han puesto de manifiesto los primeros teóricos que se ocuparon
del tema Pevsner, Benévolo, Giedion, Tafuri, Zevi, Franton, etc., y que resume Inmaculada
Aguilar (1991, 94):

- modifica las técnicas constructivas e introduce nuevos materiales como el hierro y el vidrio
(y más tarde el hormigón)

- modifica el concepto tradicional de ciudad: nuevos servicios, nuevas tipologías, nuevas

sistemas de comunicación y nuevo concepto de valor del suelo

- estimula el espíritu científico y con él la investigación experimental, que tienen como

consecuencia inmediata la creación de escuelas especializadas

La industrialización es mucho más que una transformación tecnológica: “la máquina no es

únicamente un dispositivo concreto, un ingenio, es también una máquina social, una
organización racional de la producción” (Aguilar, 1991, 94). Se basa en la repetición, en la
producción en serie, lo que necesita la realización previa de un modelo abstracto, es decir,
exige que la producción sea pensada con anterioridad. La previsión, la precisión, el rigor y
el control se convierten en elementos indispensables para su funcionamiento. Esto afecta
de igual modo a la arquitectura que se convierte en un sector más de la producción industrial
introduciendo conceptos como los de repetición estándar, serie... que necesitan, así mismo,
la elaboración de un modelo para el control del buen funcionamiento de su proceso de
producción: el plano.

ARQUITECTURA DE CRISTAL Y HIERRO

Arquitectura de cristal y hierro, de hierro y vidrio, o ferrovítrea, son denominaciones de una
técnica constructiva y estilo arquitectónico propio de la Revolución industrial, que se
popularizó a través de la arquitectura ferroviaria, las galerías comerciales y mercados
cubiertos,1 y los grandes pabellones de las exposiciones universales de la segunda mitad
del siglo XIX
Obtuvo una gran aceptación social en la Inglaterra victoriana a partir del Crystal Palace
(Joseph Paxton, 1851). Paxton había experimentado el empleo de estos materiales en la
construcción del gran invernadero de Chatsworth House3 (1837-1840), que impresionó a
la reina Victoria y fue imitado en la Palm House del Real Jardín Botánico de Kew
(arquitecto Decimus Burton4 y fundidor Richard Turner,5 1841-1849). Previamente se
había levantado una cúpula de hierro y cristal de 18 metros de diámetro en el Coal
Exchange6 de Londres (James Bunstone Bunning,7 1847-1849). Existen precedentes
anteriores.8 Entre 1843 y 1846 se construyó en Italia la cubierta transparente del Teatro
Goldoni (Livorno),9 de Giuseppe Cappellini.10
El origen y desarrollo de nuevas formas estructurales y arquitectónicas en los siglos XIX y
XX estuvo íntimamente ligado a la aparición de nuevos materiales y sistemas
estructurales. En contraste, el origen de las formas fracturadas, informes y angulosas que
caracterizan la arquitectura de finales del siglo XX y comienzo del XXI no se debe a la
aparición de nuevos materiales, sino al extraordinario desarrollo tecnológico de las
técnicas auxiliares de proyecto y ejecución, a la profundización del entendimiento
estructural y a la mejora de las propiedades de los materiales estructurales conocidos, así
como al menor peso que actualmente tienen los factores económicos en el proyecto.

La Palm House de Kew

 

Cubierta del Teatro Goldoni

Estación Budapest-Nyugati, August de Serres (compañía Eiffel) (1877)

Grand Palais de la Exposición Universal de París de 1900

MOVIMIENTO HISTORICISTA EN LA ARQUITECTURA

El historicismo, también llamado romanticismo, se desarrolló principalmente en el siglo xix
y principios de xx concentró todos sus esfuerzos en recuperar la arquitectura del pasado.
Fue para imitar estilos arquitectónicos de otras épocas mediante la incorporación de
algunas características culturales de ese siglo, mientras que la arquitectura ecléctica se
dedicó a mezclar estilos para dar forma a algo nuevo.
Historicismo: una tendencia en la arquitectura mundial del siglo XIX, basada en la
imitación del estilo de épocas pasadas. Una dirección involuntaria y ecléctica, que consiste
en abandonar el deseo de crear un estilo que corresponda a las condiciones históricas y
sociales actuales, a favor de imitar los grandes estilos del pasado en el arte y la
arquitectura.
La arquitectura y el arte hasta el siglo XVIII fueron una interpretación de un orden social
específico, basado en la ley de herencia, que daba una impresión de duración eterna,
orden respaldado por la autoridad, la autoridad, la iglesia, la élite de la sociedad. Esta
orden se rompió drásticamente durante la Revolución Francesa. Los derechos humanos
proclamados e implementados, la transformación de los sujetos en ciudadanos destruyó la
tradición centenaria. La continuidad de la duración fue interrumpida. «El collar de perlas»
estaba roto, ahora había un puñado de perlas llenas de perlas con las que uno podía jugar
libremente «. El pasado se ha convertido en un repositorio desde el cual puedes dibujar
libremente patrones a seguir.
En la historia de la arquitectura del historicismo, se pueden distinguir tres fases de
desarrollo: el romanticismo (hasta alrededor de 1870), el historicismo estricto (alrededor de
1870-1890) y el historicismo tardío (después de 1890).
El romanticismo romántico suplantó gradualmente al clasicismo. Los estilos preferidos
fueron el estilo neogótico y porticado, de alrededor de 1850 reemplazado por el
neorrenacentismo, sin embargo, los elementos que no aparecían en estilos particulares
estaban vinculados, por lo que la creatividad no significaba imitación fiel de estilos
individuales, sino interpretación subjetiva de ellos . También hubo motivos no europeos
(véase el estilo neomotónico).
El historicismo estricto se basó en la investigación científica del siglo XIX. Diseñado
combinando elementos permitidos en un estilo determinado, rechazando su interpretación
libre. Se hicieron cánones de neostyle descriptivo, se usaron plantillas. Neorenaissance se
ha convertido en el estilo preferido.
El historicismo tardío parte del neorrenacentismo y está orientado hacia el neobarroco. Las
disposiciones estrictas de la fase anterior son reemplazadas por una interpretación muy
libre de elementos decorativos que ya no están estrictamente organizados axialmente.
Hay numerosos ventanales, proyecciones, cúpulas y balcones. Puedes observar la
búsqueda del glamour y el monumentalismo. Algunos elementos decorativos, por ejemplo,
los florales, ya indican el emergente Art Nouveau.
El declive del historicismo comienza con el Art Nouveau en 1895, aunque todavía se usan
ornamentos, pero sin referencia a la historia. Lo mismo sucedió después del final del
expresionismo de la Primera Guerra Mundial en la arquitectura. Desde la reforma de la
arquitectura después de 1900 (especialmente desde 1910), el funcionalismo y el
constructivismo disponibles y no esenciales que prevalecieron en la década de 1920 se
están extendiendo. Aparecieron en respuesta al deseo de la sociedad de distanciarse del
pasado y desarrollarse según las nuevas tendencias tecnológicas y de cosmovisión.
Históricamente, en los países que sufrieron en la guerra, el historicismo deja de existir,
mientras que en los Estados Unidos o países que no participaron en la guerra, por
ejemplo, España, junto con los nuevos estilos, el historicismo sobrevivió hasta la década
de 1950.
Estilos arquitectónicos historicistas, Distribución internacional ,Neobarroco ,Bozar
Estilo neo bizantino ,Estilo ergotizante ,Neogótico ,Neo-Griego ,Estilo neo mauritano
Neoclasicismo ,Neo-historicismo ,Neorenacimiento ,Estilo neo-romántico ,Segundo
Imperio ,Chalet / Chalet ,Arquitectura popular ,El imperio ruso y la URSS ,Estilo
neobizantino ,Estilo pseudo-ruso ,La arquitectura de Stalin ,El imperio de Stalin
ARQUITECTURA MODERNISTA:
A finales del siglo XIX, hacia 1890, surgieron en Europa nuevas corrientes arquitectónicas
que buscaban diseñar un estilo constructivo propio del nuevo siglo en una etapa en que la
arquitectura parecía definirse solo por neos. Se estaba materializando una reacción contra
los gastados valores tradicionales, también en lo estético.
Estos movimientos surgen en distintos países como respuestas diferentes a una misma
búsqueda de la modernidad, como ensayos que en conjunto contribuyeron al cambio y a la
consolidación de una nueva tradición.
A diferencia del movimiento moderno de la Escuela de Chicago, que cuida tanto la técnica
como la forma; los modernistas no consideraron a aquellas su prioridad, aunque no las
dejaran a un lado. Podemos considerar al Art Nouveau el primer programa internacional
para la renovación de la arquitectura y también la primera etapa de la arquitectura
moderna europea. Se difundió por el continente recibiendo distintas interpretaciones según
los países; también distintos nombres (Art Nouveau en Francia, Modern Style en el Reino
Unido, Estilo Joven en Alemania…), pero manteniendo una misma raíz y compartiendo
principios.
Sus cultivadores reaccionaron contra los cánones de la Escuela de Bellas Artes francesa y
su clasicismo y se inspiraron, en cambio, en los postulados de teóricos decimonónicos
como Ruskin, Morris o Viollet le Duc, quien fomentó un nuevo estilo basado en la
expresión directa de las posibilidades constructivas de los materiales contemporáneos,
como el hierro. Morris fue, por su parte, precursor de la idea de que los objetos de uso
diario debían y podían contar con una calidad estética y moral. En su opinión, los
manufacturados no tenían la estética ni el valor artístico de los llevados a cabo por
artesanos; pasad ahora por la Fundación March y decidid si tenía razón.
El Modernismo se inició en el ámbito del diseño y también nació como reacción a la
industrialización. Una de sus pretensiones iniciales era liberar a la humanidad de las
consecuencias antihumanistas de la tecnología. Para muchos de sus artistas, la máquina
era obra del demonio y urgía restablecer la vida en la naturaleza y el trabajo artesanal.
Mantuvieron las distancias con la técnica hasta que se dieron cuenta de que el progreso
era irreversible.
En lo estrictamente arquitectónico, el Modernismo preparó el terreno para construcciones
que conciliaran materiales modernos y función constructiva. Supuso la combinación de
todas las artes y la configuración de la obra de arte total: se ocupa de continente,
contenido, mobiliario, decoración y detalles de la construcción. La Bauhaus se guiaría por
convencimientos similares.
La fase más creativa de la arquitectura modernista se desarrolló entre 1893 y 1905
(tenemos que recordar que los inicios de la corriente son anteriores, y que dio sus
primeros pasos en las artes gráficas y decorativas. Según Pevsner, su primera
manifestación fue la cubierta de un libro editado en Inglaterra en 1880 y dedicado a las
iglesias de Wren).
VÍCTOR HORTA, LA MODERNIDAD VEGETAL
Horta, nacido en Gante en 1861, estudió arte en la Escuela Local de esa ciudad belga y
después se trasladó a París y a Bruselas. Fue delineante en el estudio de un
arquitecto neoclásico de poca importancia y diseñó en Gante varias viviendas sin mucho
éxito antes de estudiar, meditar y teorizar a fondo sobre los movimientos de vanguardia. Y,
tras la pausa de reflexión, llegó el genio en la década de 1890.
De 1892-1893 data su Casa Tassel en Bruselas, que le convirtió en arquitecto de
renombre. Edificio entre medianeras, se construyó en un solar estrecho y cuenta con dos
fachadas: la principal y la posterior. La primera, no especialmente llamativa, contiene
amplias ventanas curvas que dan a la fachada un ritmo ondulante y claramente
modernista.

Víctor Horta. Casa Tassel, 1892-1893

La Casa van Eetvelde (1897-1900) cuenta con un amplio vestíbulo y en ella abunda el
hierro en las columnas y en muchas formas curvas. Las escaleras, también curvadas, se
decoran igualmente con formas vegetales entrelazadas y juega Horta con las
perspectivas: desde los mismos peldaños se ven ya varias estancias.
Pero este arquitecto no solo trabajó para clientes más o menos fastuosos, también tuvo,
como Morris, preocupaciones sociales. Su obra maestra fue la Casa del pueblo de
Bruselas (1896-1899), primero sede del Partido Socialista belga y luego Sindicato
Socialista, pero no podemos disfrutar de ella porque fue derruída.
ANTONI GAUDI:
Gaudí fue un arquitecto con un sentido innato de la geometría y el volumen, así como una
gran capacidad imaginativa que le permitía proyectar mentalmente la mayoría de sus
obras antes de pasarlas a planos. De hecho, pocas veces realizaba planos detallados de
sus obras; prefería recrearlos sobre maquetas tridimensionales, moldeando todos los
detalles según los iba ideando mentalmente. En otras ocasiones, iba improvisando sobre
la marcha, dando instrucciones a sus colaboradores sobre lo que debían hacer.
Gaudí concebía sus edificios de una forma global, atendiendo tanto a las soluciones
estructurales como a las funcionales y decorativas. Estudiaba hasta el más mínimo detalle
de sus creaciones, integrando en la arquitectura toda una serie de trabajos artesanales
que dominaba él mismo a la perfección: cerámica, vidriería, forja de hierro, carpintería, etc.
Asimismo, introdujo nuevas técnicas en el tratamiento de los materiales, como su
famoso trencadís hecho con piezas de cerámica de desecho.
Sus primeros proyectos fueron los de las farolas para la Plaza Real, el proyecto irrealizado
de Kioscos Girossi y la Cooperativa Obrera Mataronense. Con su primer encargo
importante, la Casa Vicens, Gaudí empieza a adquirir renombre, y recibe encargos cada
vez de mayor envergadura. En la Exposición Universal de París de 1878, Gaudí expuso
una vitrina realizada para la Guantería Comella. El diseño modernista, a la vez funcional y
estético de dicha obra, impresionó al industrial catalán Eusebi Güell que, a su regreso,
contactó con el arquitecto para encomendarle varios proyectos que tenía en mente.
Comenzó así una larga amistad y un fructífero mecenazgo que dio origen a algunas de las
más destacadas obras de Gaudí: las Bodegas Güell, los Pabellones Güell, el Palacio
Güell, el Parque Güell y la Capilla de la Colonia Güell. Asimismo, se relacionó con
el marqués de Comillas, suegro del conde Güell, para el que realizó El
Capricho de Comillas.

Gaudí y el modernismo

La trayectoria profesional del arquitecto tuvo una evolución sui generis, debido a su
constante investigación en el campo de la estructura mecánica de las obras. En sus
inicios, Gaudí recibió cierta influencia del arte oriental (India, Persia, Japón), a través del
estudio de los teóricos de la arquitectura historicista, Walter Pater, John Ruskin y William
Morris. Vemos esta corriente orientalizante en obras como el Capricho de Comillas, el
Palacio Güell, los Pabellones Güell o la Casa Vicens. Más tarde, sigue la
corriente neogótica de moda en el momento, siguiendo los dictámenes del
arquitecto francés Viollet-le-Duc. Se puede percibir en el Colegio de las Teresianas, el
Palacio Episcopal de Astorga, la Casa Botines y la Casa Bellesguard, así como en la cripta
y el ábside de la Sagrada Familia. Finalmente, desemboca en su etapa más personal, con
un estilo naturalista, individual, orgánico, inspirado en la naturaleza, en el que realizará sus
obras maestras.
Durante su época de estudiante Gaudí pudo contemplar una colección de fotografías que
la Escuela de Arquitectura poseía sobre Egipto, la India, el arte
persa, maya, chino y japonés, así como los monumentos islámicos españoles, los cuales
le dejaron una profunda huella, sirviéndole de inspiración para muchas de sus obras.
También estudió con detenimiento el libro Plans, elevations, sections and details of the
Alhambra, de Owen Jones, perteneciente a la biblioteca de la Escuela.62 De los
artes nazarí y mudéjar tomó múltiples soluciones estructurales y ornamentales que aplicó
con ciertas variantes y libertad estilística a sus obras. Un aspecto a destacar que Gaudí
toma del arte islámico es la indefinición espacial, la concepción del espacio sin límites
estructurados; espacio que adquiere un sentido secuencial, fragmentado, a través de
pequeños tabiques o huecos diáfanos, que crean separación sin suponer barreras
compactas que delimiten un espacio uniformemente cerrado

ESTILO ARQUITECTÓNICO ART NOUVEAU:

El art nouveau, arte modernista o modernismo fue un movimiento artístico y decorativo
internacional, desarrollado entre 1890 y 1914 aproximadamente. El ‘arte nuevo’, como su
nombre en francés, se trataba de un estilo original, juvenil y moderno. Abarcó todas las
artes, aunque se destacó especialmente en la arquitectura y las artes aplicadas.
Los antecedentes del art nouveau pueden encontrarse en el movimiento inglés Arts &
Crafts (‘artes y oficios’), fundado por William Morris en 1861, el cual revalorizaba la
artesanía tradicional y la naturaleza en contra de la creciente industrialización. El art
nouveau también valoró las artes aplicadas y la naturaleza, pero a diferencia del Arts ands
Crafts, aprovechó los materiales y técnicas disponibles en la era industrial para crear un
estilo moderno.
La importancia de este movimiento reside en que fue el último en abocarse a la
observación de la naturaleza y el primero en abrir un vínculo con la era industrial. Gracias
a esto, no solo cerró el siglo XIX y abrió el XX, sino que preparó la transición entre dos
eras artísticas totalmente distintas. Conozcamos sus características, representantes y
obras a continuación.

Características del art nouveau

El arte académico del siglo XIX estaba dominado por el historicismo,
particularmente en arquitectura (neoclásico, neorrománico, neogótico,
neobizantino, etc.). El art nouveau reaccionó contra eso y propuso un estilo
moderno y propio para la época. Procuraba liberarse de la imitación y
apostaba por un estilo urbano que se irradiara en todas las artes. De este
modo, acompañó los intereses y gustos de la burguesía. De allí surgió un
deseo profundo de originalidad y libertad que definió las características del
movimiento.

ESCUELA DE CHICAGO
Escuela de Chicago es la denominación histórica de un estilo arquitectónico que se
desarrolló en la ciudad de Chicago a finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX,
pionera en la introducción de nuevos materiales y técnicas para la construcción de
grandes edificios comerciales y los primeros rascacielos.
Surge en Estados Unidos, donde las referencias históricas (arquitectura historicista) tienen
menos peso e importancia que en Europa. El contexto socioeconómico es el de una
ciudad muy próspera y en considerable incremento demográfico. El Gran incendio de
Chicago (1871) dejó la mayor parte de la ciudad destruida, lo que supuso tener que
levantarla de nuevo y dio al urbanismo una relevancia máxima. La necesidad de crear tan
considerable cantidad de nuevos edificios dio pie al surgimiento de la escuela, al
proporcionar una demanda de proyectos que ningún otro lugar podía igualar.2
Se produjo una gran especulación sobre los terrenos, lo que estimuló las soluciones
arquitectónicas que supusieran la construcción en vertical: muchos pisos elevados sobre
una planta reducida. El número de pisos de los primeros edificios de la escuela (entre 10 y
16) es bastante modesto para los criterios posteriores, pero para su época eran todo un
logro. Paralelamente aparecieron los primeros ascensores eléctricos. Los distintos
arquitectos y talleres de arquitectura de la escuela de Chicago proponían soluciones
similares entre ellos, lo que determinó la definición de un verdadero estilo
arquitectónico común: pilares de hormigón como soporte o cimiento (que solucionan la
dificultad de construir sobre un suelo arenoso y fangoso), estructuras metálicas (ya
experimentadas en la arquitectura del hierro del siglo XIX) revestidas según la función del
edificio, ventanas corridas que ocupaban la mayor parte de las fachadas (lo que más
adelante se llamará "muro cortina") y la eliminación, en muchos casos, de los muros de
carga. Dejaron de realizarse edificios con muros de piedra de gran grosor, en beneficio de
atractivas fachadas de mampostería que suprimen los elementos decorativos (habituales
en la arquitectura ecléctica de finales del siglo XIX). Se apuesta por superficies lisas y
acristadas donde predominan las líneas horizontales y verticales.
Los modelos creados en Chicago pronto empezaron a ser emulados en otras ciudades de
Estados Unidos, y están en el origen de la renovación arquitectónica del primer tercio del
siglo XX (funcionalismo arquitectónico, Bauhaus, Movimiento Moderno).
Arquitectos de la Escuela de Chicago
 William Le Baron Jenney (1832-1907). El padre de la escuela de Chicago proyectó
el Home Insurance Building en 1884, siendo considerado el primer edificio
construido con esqueleto de hierro, a pesar de que algunas de sus paredes tenían
función sustentante. Inaugura también las dudas estéticas para acomodar las
plantas de oficinas en una tipología como ésta, que no tenía precedentes. Había la
necesidad de concentrar a más gente en menos espacio y así surgió este edificio,
que se convirtió en el primero con 10 pisos. Con la técnica de engarces de hierro a
base de pilares, vigas y entramados recubiertos de una sustancia protectora contra
el fuego, se lograrán edificios de muchos pisos sin necesidad de que los pilares
sean muy gruesos, permitiendo el sistema eliminar casi por completo la función
portante del muro. Así se establecen entre los pilares numerosos ventanales,
las bow-windows7 de tres cristales, permitiendo la ventilación de los amplios
interiores y la iluminación necesaria. También surgen las llamadas Chicago
windows, en las que el vano está dividido en tres partes, con un gran panel central
fijo y los laterales divididos a su vez en dos paneles movibles (sash windows).8
 Henry Hobson Richardson (1838-1886). Su Marshall Field's Wholesale Store,9
1887, no es un edificio que cuente con demasiados pisos pero ya empieza a
despuntar entre los demás. El exterior del edificio es muy sencillo (se realiza una
libre interpretación del románico europeo). Los muros son consistentes, de piedra
no pulimentada (tradición constructiva de Massachusetts), pero los vanos
(ventanales) están cumpliendo la función de captar la luz. Podemos destacar la
utilización de diferentes formas y tamaños. La estructura rotunda, en su carácter
sólido y unitario, le hace sobresalir y afirmar su individualidad en el caos urbano que
lo acoge.
 Burnham & Root. En el estudio de Le Barón Jenney se conocieron dos personas
que sintetizan las dos componentes de la realidad profesional americana. Daniel
Burnham era práctico, emprendedor, con gran capacidad para las relaciones
públicas, era el promotor, realista y cínico, mientras que John Wellborn Root10 era
más artístico, con un talento más cultivado. Juntos construyeron edificios como
el Montauk Building (1882-1883), el Rookery Building (1885-1887), el Reliance
Building (1890), el Masonic Temple Building (1891-1892), o el inicio del Monadnock
Building, entre otros.
 Holabird & Roche. Construyeron, entre otros edificios: Graceland Cemetery
Chapel (1888), la continuación del Monadnock Building (1893, McConnell
Apartments (1897), Gage Group Billings (1899), Chicago Building (1904). La firma
se inició con William Holabird y Ossian Cole Simonds en 1880. Simonds fue
sustituido por Martin Roche en 1883. En 1927, el hijo de Holabird, John Augur
Holabird, asoció a la empresa a John Wellborn Root, Jr. (el hijo de John Wellborn.
LOUIS SULLIVAN:
fue un arquitecto y teórico estadounidense de la Escuela de Chicago (1870-1893).
Con Dankmar Adler fundó el estudio de arquitectura Adler & Sullivan,
que comenzó una corriente que sería la base de la arquitectura moderna.1 En
su Auditorium Building, de Chicago, tenía su estudio y allí se comenzó a gestar la
talentosa carrera del reconocido arquitecto
Frank Lloyd Wright.Entre 1874 y 1876 vivió en París,
donde asistió a la École des Beaux Arts, a los cursos
de Joseph-Auguste-Émile Vaudremer, seguidor de
Viollet-le-Duc; durante su estancia en Europa visitó
también otros países. De regreso a Estados Unidos,
llevó consigo el rechazo por el academicismo
convencionalista arquitectónico imperante por aquel
entonces en Europa, pero también el entusiasmo y
la admiración por el riguroso método racionalista de
concepción de proyectos y composición introducido por la Escuela francesa.
Se estableció en Chicago, donde se estaba llevando a cabo la reconstrucción de la ciudad
destruida por el gran incendio de 1871, y se empleó en el estudio del ingeniero Fredrik
Baumann, ocupándose sobre todo de problemas estructurales relativos a las grandes
obras, como puentes y viaductos. En 1879 entró a formar parte del gabinete de proyectos
de Dankmar Adler, del cual se convertiría en socio en 1881, iniciando una colaboración
que durara hasta 1895.
Las ambiciones de Sullivan se plasman en sus primeras obras, tales como Rotschild
Building de 1881, con una decoración desmesurada a base de fundición y piedra
esculpida. En 1886 la firma Adler & Sullivan recibe el encargo de construir en el Wabash
Avenue un complejo que contuviese un auditórium, diversas salas para reuniones, un hotel
y locales para oficinas; entre los primeros proyectos esbozados por Sullivan y el definitivo
hay una gran diferencia, debida probablemente a la influencia del Marshall, Fueld & Co.
Warehouse, inaugurado en 1887.
A partir de 1890, Sullivan estudia en la aplicación a los rascacielos estos principios de
composición: su primer intento, como atestigua Wright, en la obra Wainwright
Building de San Luis (1890-1891). La característica constitucional de un rascacielos radica
en la existencia de muchos pisos iguales. De hecho, prescindiendo de uno o dos pisos
inferiores y el último, los pisos intermedios son tantos que no se pueden diferenciar
volumétricamente sin incurrir en graves contradicciones estructurales, pero la posibilidad
de dominarlo arquitectónicamente con los medios mencionados depende, precisamente,
de la superación de ritmo repetitivo; Sullivan piensa, en consecuencia, tratar toda la zona
intermedia con un elemento unitario y, con ello, subrayar las divisiones verticales para
contraponerlas a la zona del basamento y del ático, que son horizontales. Nace así el
verticalismo, característico de los rascacielos de Sullivan. En 1896 Sullivan hace una
exposición teórica de este modo de proyectar en vertical. Su máxima «la forma se
subordina a la función» sintetiza su adhesión a los principios de la arquitectura moderna.
PRIMEROS RASCACIELOS:
Los primeros rascacielos fueron una serie de edificios altos, de uso comercial,
construidos entre 1884 y 1939, principalmente en las ciudades estadounidenses de Nueva
York y Chicago. Tradicionalmente, las ciudades de los Estados Unidos estaban
compuestas por edificios de baja altura, pero la economía creció significativamente
después de la Guerra de Secesión y el uso cada vez más intenso del suelo urbano alentó
el desarrollo de edificios más altos en los años 1870. Las mejoras tecnológicas permitieron
la construcción de estructuras de hierro a prueba de incendios, con profunda cimentación,
equipadas con nuevos inventos como el ascensor y la luz eléctrica. Esto hizo que fuera
viable, tecnológica y comercialmente, construir una nueva clase de edificios altos, siendo
el Home Insurance Building de Chicago de 42 m de altura el primero en inaugurarse en
1884. El número de este tipo de edificios creció rápidamente y en 1888 se les etiquetó
como «rascacielos».
Al principio, Chicago fue pionera en el diseño de rascacielos, y muchos de ellos fueron
construidos en el centro del distrito financiero a finales de los años 1880 y principios de los
1890. Estos rascacielos, considerados a menudo como los frutos de la escuela de
arquitectura de Chicago, intentaron aunar estética con la practicidad comercial,
produciendo edificios grandes y rectangulares, de estilo palazzo, que alojaban tiendas y
restaurantes en la planta baja y oficinas en los pisos superiores. En contraste, los
rascacielos de Nueva York eran con frecuencia torres más estrechas de estilo ecléctico, a
menudo criticadas por su falta de elegancia. En 1892, Chicago prohibió la construcción de
nuevos rascacielos con una altura mayor a 46 metros, dejando el desarrollo de edificios
más altos a Nueva York.

Los primeros rascacielos surgieron en los Estados Unidos debido al crecimiento

económico, la organización financiera de las empresas estadounidenses y el uso intensivo
del suelo urbanizable.1 Este fenómeno se concentró en Nueva York, un puerto marítimo
clave situado en la isla de Manhattan, en la costa este de los Estados Unidos. 2 Como
resultado de su historia colonial, el suelo urbanizable de Nueva York estaba dividido en
pequeñas parcelas de tierra con apenas solares grandes.3 Durante la primera mitad del
siglo xix, la ciudad se convirtió en el centro de las finanzas estadounidenses y los bancos
de Wall Street competían ferozmente con sus competidosres ingleses por el dominio
internacional.4

El Gran incendio de 1835 destruyó gran parte de los viejos edificios financieros, y en su
lugar nuevos inmuebles fueron construidos y demolidos a su vez en los años 1840 y 1850;
el viajero Philip Hone afirmó que la ciudad entera era reconstruida cada diez años. 5 La
mayoría de las construcciones adoptaron el estilo neorrenacentista italiano
denominado palazzo (popular entre sus rivales de Inglaterra) y se elevaron a una altura de
hasta seis pisos.6 Nueva York no tenía restricciones en la altura, pero se construyeron
edificios de poca altura al menos hasta 1865, de modo que las iglesias siguieron siendo
los edificios más altos de la ciudad.7 Entre 1840 y 1870 la población de Nueva York se
triplicó y entre 1860 y 1875 los valores inmobiliarios aumentaron más del 90 %.

El surgimiento de rascacielos fue posible gracias a la aparición de innovaciones

tecnológicas durante los años centrales del siglo xix.20 Una de estas innovaciones fue la
estructura de hierro. En los edificios tradicionales los pisos intermedios eran soportados
por las paredes, pero cuanto más alto era el edificio, más gruesas tenían que hacerse las
paredes, particularmente en la base: los edificios de gran altura veían rápidamente sus
plantas inferiores devoradas por ladrillo o mampostería. En 1860, unos ingenieros
franceses experimentaron con el uso de vigas prefabricadas hechas de hierro forjado para
construir edificios soportados por estructuras internas de metal. Estas estructuras eran
más fuertes que la mampostería tradicional y permitían paredes mucho más delgadas. 22
La metodología fue descrita extensivamente en revistas de ingeniería y se empleó
inicialmente para construir almacenes.

Existe un desacuerdo académico sobre qué edificio debe ser considerado como el primer
rascacielos.37 El término fue utilizado por primera vez en 1780 para caracterizar a un
caballo particularmente alto, y más tarde fue aplicado a la vela situada en el extremo
superior del mástil de un barco, a gorras y sombreros altos, a hombres altos y a una pelota
que hubiera sido golpeada alto en el aire.38 En 1880 se empezó a aplicar a edificios:
primero, en 1883, para describir grandes monumentos públicos y luego, en 1889, como un
apodo para bloques altos de oficinas, denominación que se generalizó en la siguiente
década.39 Identificar el primer «rascacielos» auténtico no es sencillo, y existen varios
candidatos dependiendo del criterio adoptado.40 Por ejemplo, el edificio de Nueva
York Equitable Life Building, de 1870, fue el primer edificio de oficinas en usar un
ascensor, mientras el Produce Exchange Building, de 1884, presentó avances
sustanciales en el diseño de su estructura metálica.41 Sin embargo, el Home Insurance
Building de Chicago, inaugurado en 1884, es considerado con más frecuencia como el
primer rascacielos por su uso innovador del acero en el diseño de su estructura metálica.
DEUTSCHE WERKBUND

 La Deutscher Werkbund (DWB) era una asociación mixta de arquitectos, artistas e

industriales, fundada en 1907 en Múnich por Hermann Muthesius.
 Fue una organización importante en la historia de la Arquitectura moderna, del
diseño moderno y precursora de la Bauhaus.
 La Werkbund más que un movimiento artístico era una acción sufragada por el
estado para integrar los oficios tradicionales con las técnicas industriales de
producción en masa a fin de poner a Alemania en un lugar competitivo con otras
potencias tales como Gran Bretaña o los Estados Unidos.
 Su lema era “Vom Sofakissen zum Städtebau” (desde los cojines de los sofás a la
construcción de ciudades), que indica su amplio abanico de intereses.

Objetivos:

 Promover el debate intelectual sobre el tema del diseño.

 Mejorar la calidad de los bienes de consumo alemanes.
 Mejorar la competitividad de los productos alemanes.
 Favorecer los contactos entre empresarios y creadores.

Sin embargo, apareció dentro de la Werkbund una división interna identificada en dos
hombres:

 Estandarización sí: Hermann Muthesius

 Estandarización no: Henry van de Velde

Características:

 Separación de estética y calidad.

 Normalización del formato DIN
 Erradicación de la decoración externa superflua.
 Sencillez, estandarización y eficacia.
 Ahorro para comerciante y cliente.
 Crearon la primera imagen corporativa para la fábrica AEG (Peter Behrens)
 Concepto del buen diseño. Por “buena forma” entendemos aquella que,
desarrollada desde sus condiciones funcionales y técnicas, es la forma natural de
un producto, totalmente adecuado a sus fines y que es bello al mismo tiempo.
Hermann Muthesius

 Diplomático Alemán enviado a Gran Bretaña para estudiar las razones que
explicaban el éxito comercial de los productos industriales ingleses.
 A su regreso a Alemania aconsejó ampliar los talleres artesanales en las escuelas
alemanas y poner al mando de las escuelas de diseño a artistas reconocidos como
Peter Behrens, Hans Poelzig y Henry van de Velde.
 Inspirado en el Arts. and Crafts, Muthesius impulsa la Deutsche Werkbund, pero
con una diferencia: sí promueve la colaboración con la industria.
 Obras destacadas: Casa Bernhard, 1906 y Casa Cramer, 1913.

Henry van de Velde

 Arquitecto, diseñador industrial y pintor belga que trabajó en varios países europeos
(Francia, Alemania, Suiza y Holanda).
 Es considerado junto a Victor Horta y Paul Hankar uno de los fundadores del
Modernismo en Bélgica.
 Más tarde evolucionó hacia el Racionalismo mostrándose partidario de la ausencia
de ornamentación.
 Defendió sus ideas sobre el arte en escritos como El arte futuro (1895) y
Observaciones generales para una síntesis de las artes (1895).
 Pensaba que todas las artes debían subyugarse a las artes decorativas, ya que,
mejorando el entorno del hombre, el hombre mejoraba. Por ese motivo diseñaba
hasta el último detalle de sus espacios.

ARQUITECTURA SUGLO XX:

Arquitectura del siglo XX Al inicio de un nuevo siglo, los problemas del hombre
actual son relativamente nuevos y por lo tanto sus necesidades también. A
principios del siglo XX se reconsidera el significado de la arquitectura, tomando
en cuenta el movimiento moderno de la arquitectura del siglo XX: la idea de que
la arquitectura se deriva, ya no de la naturaleza ni de la historia, sino
directamente de la geometría, que como idea pura no tiene historia, va
acompañada de la afirmación, a partir del protorracionalismo de comienzos del
siglo XX, la arquitectura no es arte. En la nueva arquitectura del siglo XX no se
puede juzgar una obra si haber visitado su interior. Esta nueva arquitectura radica
en la función: si esta armoniosamente distribuido su interior, si esta integrada con
el entorno y si es agradable al habitarse, entonces el edificio es bello.

Ya habiendo dejado el pasado atrás, los arquitectos de este siglo manejan los
volúmenes y los espacios con criterios completamente diferentes, esto es
producto del uso de los nuevos materiales y las nuevas necesidades. Nuevos
materiales: A principios del siglo XX se usan materiales totalmente
industrializados, el principal es el “hormigón armado”, el cual es un material
barato, adaptable, incombustible, anticorrosivo y permite la construcción en
esqueleto dejando la planta libre, se alterna con otros materiales como acero,
 cristal y ladrillo. CASA MÜLLER, Hecha de El muro ya no es soporte, y se reduce
a un hormigón armado pequeña membrana con gran cantidad de ventanas. Los
elementos decorativos desaparecen y solo se usa la línea recta. En los exteriores
hay volados. Todo es simple y funcional. Hormigo armado

PROTORRACIONALISMO:

el protorracionalismo surge de 1900-1917, este significo una síntesis entre lo estructural

y funcional. se desarrolló después del art-nouveau y está totalmente en contra de este,
rechazando las formas, reduciendo la geometría, combatiendo el ornamento del art-
nouveau.

el protorracionalismo inició con el palacio stoclet, construido por hoffman en bruselas.

PRINCIPALES EXPONENTES:

Adolf Loos

la mayor parte de sus obras fueron para la ciudad de viena. estaba totalmente en contra
de la ornamentación de la arquitectura. esta ha de ser según él, útil, y sus formas y
volúmenes han de estar en relación con el ser humano. arquitecto cuya apuesta por las
edificaciones cúbicas y sin ornamentos inició la renovación radical de la arquitectura. fue el
principal exponente de este estilo.

AUGUSTE PERRERT

Fue promotor y arquitecto cuyas contribuciones más grandes consiste en haber

conquistado para la arquitectura la técnica del hormigón armado como nueva materia de
construcción. A la diferencia de Loos, Perret no renuncia a la decoración. Puede decirse
que Perret fue el más “teórico” de todos los arquitectos de la época que trabajaban con
hormigón. Él siempre tiene en cuenta la calidad de la construcción.
LA CASA DE LA CALLE FRANKLIN PARIS 1903 Es su primera obra importante y también
es la primera casa de pisos con estructura de hormigón armado. Se trata de una vivienda
de ocho pisos proyectada en U y en la parte central encaja dos balcones a 45º,
aumentando la superficie de fachada para resolver la iluminación de los espacios
interiores.

TONY GARNIER

Fue un arquitecto y urbanista francés Se caracterizaba por la utilización funcional del

hormigón, los amplios ventanales, los inmuebles integrados en zonas ajardinadas y las
terrazas-jardín, así como una atenta mirada a la luz, la vegetación, la ventilación y la
higiene.

CIUDAD INDUSTRIAL

Una de sus grandes obras fue la denominada “Ciudad Industrial” en la que Garnier volcó
todos sus empeños por mejorar la convivencia humana y el Pilotas de la estación del
bienestar, y supondría una gran influencia ferrocarril, 1917 para los que, posteriormente,
decidirían dar solución a la distribución de ciudades.

ARQUITECTURA EXPRESIONISTA:
La arquitectura expresionista es un movimiento arquitectónico
en Europa durante las primeras décadas del siglo XX en paralelo con las artes visuales y
escénicas expresionistas que especialmente se desarrollaron y dominaron en Alemania.
Brick Expresionism es una variante especial de este movimiento en el oeste y el norte de
Alemania y en los Países Bajos (Amsterdam School). La arquitectura expresionista es uno
de los tres estilos dominantes de la arquitectura moderna (estilo internacional,
expresionista y arquitectura constructivista).
En la década de 1920
El término «arquitectura expresionista» describió inicialmente la actividad de las
vanguardias alemana, holandesa, austríaca, checa y danesa desde 1910 hasta 1930. Las
redefiniciones posteriores ampliaron el término hacia 1905 y también lo ampliaron para
abarcar el resto de Europa. Hoy el significado se ha ampliado aún más para referirse a la
arquitectura de cualquier fecha o ubicación que exhibe algunas de las cualidades del
movimiento original, tales como; distorsión, fragmentación o la comunicación de
emociones violentas o sobrecargadas.
El estilo se caracterizó por una temprana adopción modernista de materiales novedosos,
innovación formal y una concentración muy inusual, a veces inspirada en formas
biomórficas naturales, a veces por las nuevas posibilidades técnicas ofrecidas por la
producción en masa de ladrillo, acero y especialmente vidrio. Muchos arquitectos
expresionistas lucharon en la Primera Guerra Mundial y sus experiencias, combinadas con
la agitación política y la agitación social que siguió a la revolución alemana de 1919, dieron
como resultado una visión utópica y una agenda socialista romántica. Las condiciones
económicas limitaron severamente el número de comisiones construidas entre 1914 y
mediados de la década de 1920, lo que resultó en muchas de las obras expresionistas
más importantes que permanecieron como proyectos en papel, como Alpine Architecture
de Bruno Taut y Formspiels de Hermann Finsterlin. Los edificios de exposición efímeros
fueron numerosos y altamente significativos durante este período. La escenografía para
teatro y películas proporcionó otra salida a la imaginación expresionista, y proporcionó
ingresos suplementarios para los diseñadores que intentaban desafiar las convenciones
en una dura economía.
Características
La arquitectura expresionista fue individualista y en muchos sentidos evitó el dogma
estético, pero aún es útil desarrollar algunos criterios que lo definen. Aunque contiene una
gran variedad y diferenciación, se pueden encontrar muchos puntos recurrentes en las
obras de la arquitectura expresionista, y son evidentes en cierto grado en cada una de sus
obras. Distorsión de la forma para un efecto emocional.
Subordinación del realismo a la expresión simbólica o estilística de la experiencia interna.
Un esfuerzo subyacente para lograr lo nuevo, original y visionario. Profusión de trabajos
en papel y modelos, con descubrimiento y representaciones de conceptos más
importantes que los productos terminados pragmáticos.
Materiales
Una preocupación recurrente de los arquitectos expresionistas fue el uso de materiales y
cómo podrían expresarse poéticamente. A menudo, la intención era unificar los materiales
en un edificio para hacerlo monolítico. La colaboración de Bruno Taut y el poeta utópico
Paul Scheerbart intentó abordar los problemas de la sociedad alemana mediante una
doctrina de la arquitectura del vidrio. Tal utopismo se puede ver en el contexto de una
Alemania revolucionaria donde la lucha entre el nacionalismo y el socialismo aún no se
había resuelto. Taut y Scheerbart imaginaron una sociedad que se había liberado
rompiendo formas y tradiciones pasadas, impulsada por una arquitectura que inundaba
cada edificio con luz multicolor y representaba un futuro más prometedor. Publicaron
textos sobre este tema y construyeron el Pabellón de Cristal en la exposición Werkbund de
1914. Inscritas alrededor de la base de la cúpula estaban dichos aforísticos sobre el
material, escritos por Scheerbart.
EL CONSTRUCTIVISMO RUSO
El constructivismo ruso es un movimiento
artístico que triunfó en la Rusia de los años 20 del pasado siglo. La pintura, el diseño
gráfico, la fotografía o el cine nos muestran su influencia, pero fue en la arquitectura donde
encontró su aplicación más concreta y más revolucionaria.
El movimiento surge del rechazo de los excesos decorativos y ornamentales que
consideraba propios del arte burgués. Frente al neoclasicismo y el Art Nouveau
imperantes en el resto de Europa ellos van a crear un arte basado en la simplicidad, las
líneas puras y las formas geométricas, inspiradas por el cubismo y el futurismo.
El constructivismo se convirtió en el arte oficial de la Revolución Rusa tras su triunfo y la
manifestación estética de la nueva sociedad socialista. Los constructivistas entendían el
arte como una herramienta más de la revolución, que podía y debía contribuir a la
formación del nuevo orden social y a la difusión de la ideología socialista. Los artistas
deseaban cambiar el mundo con sus obras, que consideraban siempre desde una
perspectiva utilitarista y funcional, donde la estética está siempre al servicio de la función.
El estilo de diseño estaba influenciado por la revolución industrial que vivió el territorio
soviético tras la revolución. Lo vemos en una de las obras clave del constructivismo, el
Monumento a la Tercera Internacional de Vladimir Tatlin, que nunca llegó a ser construido,
y que combinaba una estética de máquina con componentes dinámicos que celebraban la
tecnología, como los reflectores y las pantallas de proyección.
La arquitectura constructivista y la nueva ciudad socialista
La aplicación de los principios del constructivismo a la arquitectura fue la más concreta y la
más revolucionaria. El modo de vida socialista implicaba cambios en la vida cotidiana y en
el modo de trabajar y la la constructivista asumieron la labor de diseñar una ciudad nueva
para esta nueva sociedad. Su atención se centró en crear las nuevas infraestructuras que
debían albergar los servicios comunales de esta nueva sociedad, aplicando los criterios de
funcionalidad.
Para ello emplearán materiales “pobres” (hormigón, cristal, metal) y un estilo basado en la
simplicidad, las líneas puras y las formas geométricas. Se trataba de dar respuestas
sencillas y económicas a los nuevos problemas urbanos, en ocasiones creando nuevas
tipologías arquitectónicas. Así surgieron los clubes de trabajadores, centros de ocio para
los obreros, o las casas colectivas. Centrales de comunicación, garajes, fábricas o
escuelas figuran entre las obras destacadas del movimiento. Todos ellos edificios de
carácter utilitario y al servicio del pueblo.
NEOPLASTICISMO:
El Neoplasticismo1 es un movimiento artístico iniciado en Países Bajos en 1917 por Piet
Mondrian. También ha sido denominado constructivismo holandés, por su paralelismo con
el constructivismo soviético. Está vinculado al nacimiento del arte abstracto y las demás
vanguardias (especialmente al cubismo y al futurismo).
Características
La intención del neoplasticismo es representar la totalidad de lo real, expresar la unidad de
la naturaleza, que nos ofrece apariencias cambiantes y caprichosas, pero que, sin
embargo, es de una regularidad absoluta. Sus principales características son:
Búsqueda de renovación estética.
Lenguaje plástico objetivo y como consecuencia, universal.
Exclusión de lo individual y del objeto (limitado temporal y localmente).
Se elimina todo lo superfluo hasta que prevalece sólo lo elemental, en un intento de llegar
a la esencia.
Depuración de las formas hasta llegar a sus componentes fundamentales: líneas, planos y
cubos.
Planteamiento totalmente racionalista.
Estructuración a base de una armonía de líneas y masas coloreadas rectangulares de
diversa proporción, siempre verticales, horizontales formando ángulos rectos.
Nunca se recurre a la simetría, aunque hay un marcado sentido del equilibrio logrado por
la compensación de las formas y los colores.
Uso de pocos colores.
Colores planos, de carácter saturado o puros (primarios: amarillo, azul, rojo) y tonal o
neutros (blanco, negro y grises).
Empleo de fondos claros.
Pinturas: equilibradas, ordenadas, optimistas, alegres.
Es una orientación artística antitrágica: arte no como expresión purgativa de sentimientos
trágicos interiores del artista, sino como metáfora visual de armonía espiritual.
DE STIJL. RIETVELD. LOS INICIOS DEL RACIONALISMO
De Stijl, que podíamos traducir como el estilo, fue una revista de arquitectura, arte y
diseño que se publicó en Holanda de los años 1917 a 1931. Fue el órgano de difusión de
las ideas del grupo del mismo nombre, también en ocasiones conocido como
Neoplasticismo. Grupo y revista que tenían como líder al artista, diseñador, arquitecto
holandés Theo Van Doesburg y al pintor Piet Mondrian. De Stijl fue uno de los
movimientos que constituyó la base del Movimiento Moderno, del racionalismo y
funcionalismo en el diseño. Buscaba la creación de un arte y diseño total. Uno de los
campos más conocidos del estilo es el de la pintura. Piet Mondrian y en menor medida
Theo Van Doesburg, plantearon un arte a la vez abstracto y geométrico. Pero el aspecto
que más nos importa aquí destacar es el de sus planteamientos en torno a la arquitectura
y relacionada con ella el interiorismo y mobiliario. Van Doesburg en su obra Los 17 puntos
de la arquitectura neoplasticista, marca sus bases. Una arquitectura; antidecorativa, no
monumental, abierta, elemental, que utiliza los colores primarios (más el blanco y el negro)
Partiendo de estas bases Out o Van Doesburg realizaron su obra arquitectónica. Pero el
creador más significativo en la arquitectura, interiorismo y mobiliario de Stijl fue Rietveld.
Gerrith Thomas Rietveld (1888-1964) era hijo de un ebanista holandés. En 1918, a la vez
que estudia arquitectura, crea su propia fábrica de muebles. En este mismo año acaba el
diseño de una silla, que con el tiempo se ha convertido en un icono del diseño, la Red and
blue. La silla roja y azul, en realidad un sillón, está realizada en planchas de aglomerado
de madera atornilladas. Los primeros prototipos se realizaron sin pintar, con un acabado
natural, los colores que la definen, se añadieron posteriormente, 1924, por la influencia de
Mondrian. Es una silla escultural, escasamente ergonómica, pero el antecedente directo
de la gran mayoría de nuestro mobiliario de asiento. En el año 1919 se integra en De Stijl y
pocos años después realiza su obra más conocida la Casa Schröder. La Casa Schröder
se construyó en 1924 en Utrech (Holanda). Como la Silla roja y azul, plantea las bases de
la arquitectura moderna. Con una planta baja tradicional, su piso superior parte de un
espacio flexible, con particiones corredizas para adaptar el espacio a las necesidades
concretas. Todos los puntos de los que partía como base la arquitectura De Stijl-
Neoplasticista están presentes en la obra. Un edificio que aún hoy es absolutamente
vanguardista. En 1928 Rietveld deja De Stijl, pero su trabajo sigue influido por el estilo en
mobiliario como la silla Zigzag (1934) o su proyecto para el Museo Van Gogh de
Amsterdam.
LA BAUHAUS
La Bauhaus funcionó entre 1919 y 1933 en Weimar, Dessau y Berlín. Su espíritu está
vinculado a la modernidad, a la idea de crear con rebeldía y libertad, a la voluntad de
ruptura y cambio. Boris Friedewald, curador de “El mundo entero es una Bauhaus”, cuenta
en qué consiste la muestra y descubre la riqueza de la escuela, a casi un siglo de su
creación. Boris Friedewald es dramaturgo, historiador del arte y curador de “El mundo
entero es una Bauhaus”, una muestra imperdible sobre el surgimiento, la historia y las
implicancias de un centro de enseñanza devenido movimiento artístico. En medio de la
alegría y la euforia que implica inaugurar una exposición a todo color y con mucho trabajo
detrás, Friedewald se hizo un rato para compartir las razones por las cuales se considera
a la Bauhaus una escuela revolucionaria, y charlar sobre la muestra “El mundo entero es
una Bauhaus”, que hasta 12 de agosto pueden disfrutarse en el Museo Nacional de Arte
Decorativo (MNAD).
¿Qué fue la Bauhaus y qué significa su nombre? Bauhaus es una palabra creada por el
arquitecto alemán Walter Gropius, fundador de la Escuela de la Bauhaus en 1919.
Responde a una combinación de dos palabras alemanas: bau, que significa construir, y
haus, que significa casa: construir una casa. Al momento de crear el término Gropius
pensaba en la labor, conjunta, de artistas y artesanos. La idea que subyace tiene que ver
con construir algo nuevo, una nueva sociedad, un nuevo sentimiento, un nuevo ser. De
ninguna manera se limitaba a una construcción arquitectónica.
La Bauhaus tuvo tres directores diferentes y decenas de profesores que dieron clase a lo
largo de sus 14 años de existencia, entre 1919 y 1933. Cada uno de ellos puso su granito
de arena para que esta escuela de arte, diseño y arquitectura se convirtiese en una de las
más influyentes del siglo XX.
Walter Gropius (1883-1969)
Hannes Meyer (1889-1954)

Ludwig Mies van der Rohe (1886-1969)

BIBLIOGRAFIA:
https://www.hisour.com/es/historicist-architecture-33793/
https://masdearte.com/especiales/arquitectura-modernista-la-nueva-tradicion-
de-lo-contemporaneo/
https://es.wikipedia.org/wiki/Antoni_Gaud%C3%AD
https://www.culturagenial.com/es/art-nouveau/
https://es.wikipedia.org/wiki/Primeros_rascacielos
https://www.connectionsbyfinsa.com/que-es-el-constructivismo-ruso/