Arquitectura Siglo XX

LA CONSOLIDACIÓN DE LA
ARQUITECTURA MODERNA
LIZETH HANARA GUTIERREZ SANCHEZ

5TO CUATRIMESTRE
ARQUITECTURA SIGLO XX
LIZETH HANARA GUTIERREZ SANCHEZ

GERRIT RIETVELD: 1
El diseñador y arquitecto holandés Gerrit Rietveld fue un pionero del diseño moderno.
Asociado con el movimiento De Stijl, su enfoque progresivo hacia la arquitectura y los
muebles tuvieron una repercusión en Holanda y más allá, y todavía sirve de inspiración al
movimiento de diseño holandés actual. Gerrit Thomas Rietveld nació en Utrecht en 1888,
donde comenzó a trabajar en la carpintería de su padre a los 11 años. Por las tardes
estudiaba dibujo técnico en el Museo de las Artes Aplicadas de Utrecht, bajo la tutela del
arquitecto Piet Klaarhamer. Llegó a trabajar para un orfebre local y abrió su propia
carpintería en 1917.
Rietveld era de la idea que los muebles hechos a mano de aquella época eran demasiado
pesados, demasiado laboriosos e innecesariamente caros. Estaba interesado en cómo las
máquinas podrían producir muebles que fueran de un estilo más simple y más accesibles a
un gran mercado. De este modo, sus obras revolucionaron la manera en que se diseñaban
y producían muebles. En 1919 su silla con rejillas, hecha en aquel entonces con madera de
haya sin tratar, fue presentada en la revista de arte De Stijl editada por Theo van
Doesburg. Esto fue el comienzo del ascenso al éxito de Rietveld.
Rietveld se casó con Vrouwgien Hadders en 1922 y tuvieron seis hijos. Su hijo más joven,
Wim Rietveld, siguió sus pasos y llegó a ser un diseñador industrial aclamado.
Una vez completada su Casa Rietveld-Schroeder en Utrecht en 1924, trabajó en un

estudio en la planta baja. Después de la muerte de su mujer, se mudó con Truus Schroeder
y se quedó ahí hasta su muerte en su 76º cumpleaños.
Su obra maestra, la "Rood-blauwe stoel", o simplemente la Silla Roja y Azul, fue elogiada
por su simpleza, claridad y, en las propias palabras de Rietveld, “diseño honesto”. Su
composición abstracta es intrínseca al De Stijl, que buscaba la armonía a través de la
geometría. En 1923, basándose en una sugerencia de su colega artista Bart van der Leck,
aplicó una capa de laca de alto brillo a la silla usando colores primarios de tal manera que
los planos de colores parecían flotar.
ARQUITECTURA SIGLO XX LIZETH HANARA GUTIERREZ SANCHEZ

La Casa Rietveld-Schröder en Utrecht es otro de los logros más importantes del artista.
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Truus Schröder adoraba las obras de Rietveld y le encargó que le diseñara una casa para
ella y sus hijos. Una vez completada, la Casa Rietveld-Schröder, y su uso del espacio y la
luz, fue innovadora para 1924.
El último proyecto de Rietveld fue uno de sus más significativos: El Museo Van Gogh en
Ámsterdam. Falleció un año después de que comenzara el proyecto y fue completado nueve
años después, siendo siempre fiel a sus dibujos iniciales.

ORGANICISMO EN LA ARQUITECTURA: 3
También conocida como organicismo arquitectónico,
la arquitectura orgánica se caracteriza por la
búsqueda de armonía entre la naturaleza y la
funcionalidad del hábitat humano, sin interrumpir el lugar de emplazamiento.
En la gestión y diseño del proyecto, esta filosofía pretende comprender el espacio para evitar
crear bloques pesados que invadan el paisaje. Para lograr esto, establece que los edificios,
casas o recintos recreativos sean parte integral de una composición correlacionada y
homogénea.
Se dice que es funcional porque deriva del movimiento funcionalista o racional, promovido
principalmente por el arquitecto Frank Lloyd Wright. Algunos de los elementos de este
movimiento que reutiliza la filosofía orgánica son la planta libre y la preponderancia de lo útil
por sobre lo ornamental.
En este estilo, el arquitecto es consciente de que no existen separaciones entre sus obras
y el entorno, pues ambos forman parte de un todo. Bajo esta premisa, se pone al servicio
de la construcción sin desafiar a la naturaleza, proyectando el ambiente y representando al
usuario, el entorno y los materiales en forma sensible.
El estilo orgánico es un movimiento arquitectónico que se deriva
del funcionalismo o racionalismo y que puede considerarse promovido fundamentalmente
por los arquitectos escandinavos en la década 1930-40 y por el arquitecto
estadounidense Frank Lloyd Wright. El movimiento acepta muchas de las premisas del
racionalismo, como son la planta libre, el predominio de lo útil sobre lo meramente
ornamental, la incorporación a la arquitectura de los adelantos de la era industrial, pero
procura evitar algunos de los errores en que cae el racionalismo y aportar nuevos valores a
la arquitectura.
Pueden considerarse a Erik Gunnar Asplund en Suecia, a Hugo Häring en Alemania y
a Alvar Aalto en Finlandia como los principales propugnadores de esta corriente, cuyas
ideas fundamentales podrían resumirse de la forma siguiente:
1. Una mayor preocupación por la vida del hombre. Se mira más al hombre, al que ha
de servir la arquitectura, que a la propia arquitectura. La atención del arquitecto no
debe limitarse a las estructuras y a la disposición de los ambientes, sino que debe
extenderse a los problemas psicológicos y vitales del hombre.
2. Una nueva conciencia de los espacios internos: aunque la arquitectura racionalista
propugna una adaptación de los volúmenes a las necesidades de planta, esos
volúmenes están dominados por un estilo cubista, de formas tetraédricas, en- las que
se encajan las necesidades, buscando además con ello una simplificación estructural
y constructiva. Asplund, Aalto y sus escuelas comienzan por el estudio de los
ambientes, de los recorridos, de los movimientos del hombre y llegan a la creación
de los espacios que consideran más indicados, a los que se les proporciona una
envolvente apropiada. Las soluciones técnicas y estructurales deben ceñirse a esos

espacios, dando lugar normalmente a formas más complicadas, no repetidas,
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económicamente más costosas y difíciles de industrializar. En este aspecto, el
organicismo abandona uno de los postulados del racionalismo, creando en cambio,
cuando es bien interpretado, realizaciones más jugosas y humanas. Las obras de los
grandes arquitectos orgánicos son mucho más personales y difíciles de imitar, y por
lo tanto es más propio hablar de un planteamiento que de un estilo de arquitectura
orgánica. Como obras maestras de la arquitectura orgánica podemos citar la
biblioteca de Viipuri (1930) y el pabellón finlandés en la Exposición de Nueva York
de 1939, ambos de Aalto; la ampliación del Ayuntamiento de Gotebor (1937) de E.
Asplund, y la casa de Taliesin West, en Arizona, de F. Lloyd Wright.
Principios de la arquitectura orgánica
Los principios básicos que guían este tipo de arquitectura son:
 Materiales naturales: Tanto en la estructura, como en el cuerpo y la fachada, los

materiales que se utilicen deben estar lo menos procesados posible. También
pueden ser reciclados, en este caso su origen puede ser nativo o industrial. El
objetivo de esto es que los materiales hayan demandado un bajo nivel de energía en
su fabricación, para así respetar las leyes de la naturaleza.
 Concepción espacial: La edificación debe estar en armonía con su lugar de destino,
por lo que en los diseños formales se aceptan cambios o modificaciones debido a:
1. Los materiales, que al ser naturales poseen distinta forma, dimensión o color.
2. El entorno y la realidad física. La intención es no deformar el hábitat y evitar ir
en contra del ambiente natural.
 Habitabilidad de la obra: Los sistemas de calefacción o ventilación deben ser de
bajo consumo energético. Idealmente, las fuentes deben ser naturales, usando
sistemas de energía solar o geotérmica, por ejemplo. Además, la aislación en muros,
ventanas y techos debe ser de buena calidad para evitar fugas de calor o problemas
de humedad.
Si bien está fuertemente ligada a la arquitectura funcional, logra acercar el arte

arquitectónico a un plano mucho más sentimental y consciente con el medio ambiente.
Siguiendo este propósito, reconoce los terrenos no como un fondo, sino como una extensión
de la obra a edificar.
Esta filosofía ha sido sin duda una gran influencia para el desarrollo de la arquitectura
sostenible, por lo que juega un papel importante en gran parte de nuestros proyectos. Sus
principios tienen una influencia importante en las decisiones relacionadas a los impactos en
la naturaleza, la conservación del hábitat natural y las soluciones que podemos aplicar para
causar el menor daño posible en el entorno.

URBANISMO MODERNO: 5
Movimiento Moderno ha sido la gran aportación del siglo xx a la historia de la arquitectura.

Desarrollado fundamentalmente en Europa durante los años veinte y treinta, el concepto
"moderno" de la arquitectura y la ciudad ha supuesto unos cambios tan trascendentales
como los que en su momento provocó el Renacimiento italiano. Las transformaciones
producidas por este movimiento también conocido como "funcionalismo", "racionalismo" o
"estilo internacional"- se hicieron patentes en esos tres aspectos básicos de la arquitectura
que son las famosas categorías vitruvianas: firmitas, utilitas, · venustas, entendidas
respectivamente como "técnica constructiva", "cometido funcional" y "composición formal".
En relación con la primera categoría arquitectura moderna aprovechó todas las
innovaciones del siglo xx en especial el uso del acero y el vidrio, desarrolló la técnica del
hormigón armado y se decantó por un sistema constructivo en el que la estructura portante
fuese independiente de las paredes de cerramiento. Propugnó asimismo el honesto de los
materiales, huyendo de revestimientos que ocultasen su apariencia natural. Con respecto
al cometido funcional de los edificios, el Movimiento Moderno buscó la regeneración de la
sociedad a través de la renovación de la arquitectura, y para ello se comprometió en
programas de amplio contenido social, especialmente barrios de vivienda obrera. e
ideología mayoritariamente progresista, los arquitectos modernos contribuyeron igualmente
a la mejora de las condiciones físicas e higiénicas tanto de los edificios en sí como de los
conjuntos urbanos. El cambio más llamativo se produjo, sin embargo, en lo relativo a la
composición formal. La arquitectura moderna, en paralelo con las vanguardias artísticas, se
opuso frontalmente al historicismo decimonónico, redactó el uso de la ornamentación
decididamente por los volúmenes nítidos, las superficies tersas y los espacios.
El Museo de Arte Moderno de Nueva York y los emigrados que huyeron del régimen nazi
llevaron su doctrina hasta los Estados Unidos antes de iniciarse en 1939 la Segunda Guerra
Mundial. Una vez superada la reconstrucción europea, la segunda posguerra supuso la
asimilación de la arquitectura moderna como el estilo propio del siglo xx. Esto trajo consigo
una banalización de sus principios ideológicos, técnicos y formales, que s e reflejó en
muchos edificios anodinos y en multitud de conjuntos urbanos sin carácter. Frente a esto,
los maestros modernos siguieron abriendo nuevos caminos creativos con obras singulares
de gran influencia, al tiempo que se afianzaban nuevas tendencias en favor de las formas
orgánicas y de la escala monumental.

Las dos primeras décadas del siglo xx fueron para la arquitectura una etapa de transición. 6
Los últimos residuos de la estética decimonónica y el decorativismo del art nouveau se
fueron abandonando progresivamente en favor de una mayor simplicidad formal y una
mayor racionalidad constructiva. En Europa, la crisis de la Primera Guerra Mundial provocó,
sin embargo, una explosión de fantasía creativa. La, evolución vienesa Tras su apoyo
explícito a los jóvenes de la Secesión, Otto Wagner siguió evolucionando en su estilo, y
durante la primera década del siglo construyó, ya con más de sesenta años, sus obras más
maduras. Combinando las ideas de simplificación compositiva, adecuación funcional y
honestidad constructiva expuestas en su libro con los principios esenciales del clasicismo
de su primera etapa, Wagner logró una síntesis que se revelaría fundamental para el futuro
desarrollo de la arquitectura. El mejor ejemplo construido de dicha síntesis es la
Postsparkasse, la de central de la Caja Postal de Ahorros, construida en Viena entre 1904
y 1906 [ 480, 481]. Con una planta simétrica y equilibrada, el exterior presenta unas
fachadas simples y desornamentadas, en las que destaca el revestimiento de-placas de
mármol sujetas con pernos de aluminio que se han dejado a la vista. En el interior, el espacio
más interesante es la sala de operaciones, cubierta por una cristalera continua y
aparentemente ingrávida, sostenida por una estructura metálica exterior sólo visible desde
el patio. Además de construir numerosos edificios singulares, Wagner continuó sus
investigaciones urbanas, que se plasmaron en su libro Die Grossstadt ("La ·gran ciudad"),
publicado en 1911, que incluía un plan de escala metropolitana para la ampliación de Viena
y un proyecto detallado para el nuevo distrito 22.
Otto Wagner, Caja Postal de Ahorros, Viena (l 904-1906). El espacio interior de la sala de operaciones presenta tres naves
cubiertas por bóvedas de vidrio, continuas, ligeras y traslúcidas, que dejan pasar una luz matizada y difusa.
LUDWIG MIES VAN DER ROHE:
(Aquisgrán, Alemania, 1886 - Chicago, 1969) Arquitecto alemán. En 1900 empezó a trabajar
en el taller de su padre, que era cantero. En 1905 se trasladó a Berlín para colaborar en el
estudio de Bruno Paul y, de 1908 a 1911, en el de Peter Behrens, donde conoció a Walter

Gropius y Le Corbusier, que son, junto con él mismo y el estadounidense Frank Lloyd 7
Wright, los mayores arquitectos del siglo XX.
Inicialmente se orientó hacia la arquitectura neoclásica, pero un viaje a los Países Bajos en
1912 le llevó a cambiar sus intereses, a raíz del descubrimiento de la obra del arquitecto y
urbanista neerlandés Hendrik Petrus Berlage. Tras el paréntesis de la Primera Guerra
Mundial, se adhirió a diversos movimientos de vanguardia (Novembergruppe, De Stijl) y
empezó a realizar proyectos revolucionarios, como el destinado a un edificio de oficinas de
la Friedrichstrasse de Berlín, constituido por dos torres de veinte pisos unidas por un núcleo
central para escaleras y ascensores.
Las consagraciones de Mies van der Rohe se produjo en 1929, cuando realizó el pabellón
de Alemania para la Exposición Internacional de Barcelona, considerado por muchos su
obra maestra y una de las obras arquitectónicas más influyentes del siglo XX. Su enorme
simplicidad y la continuidad de los espacios, que parecen no tener principio ni fin, son sus
cualidades más admiradas.
En la misma línea realizó posteriormente algunas otras obras, caracterizadas siempre, como
era connatural en él, por un uso avanzado de los nuevos materiales de construcción
(cemento armado, acero y vidrio) y por una gran simplicidad, que lleva a dejar las estructuras
desnudas y a dotarlas de formas casi lineales en las que se cifra la creación de belleza.
Tras dirigir la Bauhaus de 1930 a 1933, el ascenso al poder del nazismo en Alemania le
obligó a emigrar a Estados Unidos, donde fue nombrado director de la facultad de
arquitectura del Illinois Technology Institute de Chicago (1938), para el que proyectó un
nuevo campus que, una vez finalizado, extendió su fama por todo Estados Unidos. En lo
sucesivo le llovieron los encargos y trabajó fundamentalmente en la capital de Illinois, donde
recogió y llevó a sus últimas consecuencias los postulados de la escuela de Chicago.

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PabellóndeAlemaniaparalaExposición
Internacional de Barcelona (1929)
En 1958-1959 puso broche de oro a su carrera con el famosísimo Seagram Building de
Nueva York, del que se dice que es el rascacielos más hermoso en vidrio ahumado y
aluminio, y la Neue National galerie de Berlín (1962-1968), con un pesado techo de acero
que se apoya en pocas y delgadas columnas, con lo que adquieren todo el protagonismo
las paredes de vidrio. Con esta obra, Mies van der Rohe se mantuvo en la línea de oponer
el horizontalismo de sus obras arquitectónicas europeas al verticalismo predominante en las
estadounidenses.
Seagram Building, Nueva York

International Style: 9
Se conoce como International Style conjunto de arquitecturas que comparten las

características formales más puristas del Movimiento Moderno y, en menor medida, las
funcionalistas. El nombre, que triunfó en el mundo anglosajón como sinónimo de Movimiento
Moderno y que, como en sí mismo indica, lo consideró un estilo, proviene de una exposición
de arquitectura europea que tuvo lugar en el MOMA en 1932, organizada por Henry-
Russell Hitchcock y Philip Johnson. Sin embargo, las obras expuestas fueron escogidas por
su similitud formal, obviándose conscientemente aquéllas que, encuadradas también dentro
de las corrientes del Movimiento Moderno, se alejaban más de los cánones elegidos para
la exposición.
Se caracterizó, en lo formal, por su énfasis en la ortogonalidad, el empleo de superficies

lisas, pulidas, desprovistas de ornamento, con el aspecto visual de ligereza que permitía la
construcción en voladizo, por entonces novedoso. También se avino a una homogeneidad
de materiales, presididos por el hormigón armado, con el que se crearon amplios espacios
interiores con similitudes en varios edificios. Las características no formales ni materiales,
como el compromiso con el progreso y el sentido de la serialización como modo de poder
mejorar la vivienda de la clase baja, no se consideraron.
El Estilo Internacional fue el resultado de varios factores que tuvieron lugar en el mundo
occidental que la industrialización, la mecánica, la ingeniería y la ciencia de los materiales
estaban revolucionando.
En primer lugar, la incomodidad de algunos arquitectos con el eclecticismo y divergencia de

estilos arquitectónicos en boga a finales del siglo XIX, pues se tomaban detalles
ornamentales, características y elementos formales de los más diversos estilos y períodos,
sin obedecer en ningún momento a la relación entre la forma y la utilidad de las
edificaciones.
En segundo lugar, la industrialización acelerada de las sociedades europeas y

norteamericanas comenzó a crear la necesidad de nuevos tipos de edificaciones con usos
hasta entonces desconocidos; entre ellos, el edificio de oficinas, el bloque de apartamentos,
las nuevas fábricas, preparadas para albergar novedosas maquinarias y gran cantidad de
obreros.
El tercer y decisivo factor, los enormes avances técnicos en la ciencia de los materiales y la
construcción, que permitieron la invención del hormigón armado y los progresos en las
aleaciones de acero. Todo esto conllevaría nuevas posibilidades estructurales que harían
realidad edificios más altos, más resistentes, más espaciosos.
El Estilo Internacional fue impulsado por un pequeño grupo de destacados arquitectos, entre
ellos Walter Gropius, Ludwig Mies van der Rohe, Charles-Edouard Jeanneret - más
conocido como Le Corbusier-, J. J. P. Oud, Richard Neutra, Rudolf Schindler y Philip
Johnson.

Como testimonio más valorado del Estilo Internacional prevalece el Edificio Seagram,
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construido por el alemán Mies van der Rohe para la corporación de las bebidas alcohólicas.
Se ubica en Park Avenue, en Nueva York, donde Mies ideó una gran plaza urbana situada
entre el edificio y la alineación de las edificaciones de la avenida, permitiendo tener un punto
de observación inmejorable hacia la alta edificación que muestra su estructura de acero, y
tiene la sencilla forma de un prisma rectangular desprovisto de toda ornamentación.
Otros edificios representativos de la corriente serían la Villa Savoye de Le Corbusier, la

Glass House, o casa de vidrio, de Philip Johnson; la casa Schindler-Chase de Rudolf
Schindler; la sede de la escuela de la Bauhaus en Dessau, diseñada por Walter Gropius, y
los Lake Shore Drive Apartments de Ludwig Mies van der Rohe.
El Edificio Seagram se convertiría en el arquetipo del Estilo Internacional, que será

denostado por sus críticos, tildándolo como "una arquitectura de cajas de acero y vidrio". En
aquel momento, importantes arquitectos europeos que se establecieron en los EEUU
huyendo de la guerras mundiales que asolaban sus países, entre ellos Mies van der
Rohe y Walter Gropius colaboraron con profesionales y técnicos norteamericanos mientras
impulsaban los principios del Estilo Internacional. Principios que fueron aceptados dentro de
la sociedad norteamericana, organizada y progresista, con tanto éxito que el modelo de
edificio por ellos propuesto, sigue siendo el emblema del espíritu corporativo
estadounidense.

contexto arquitectónico en la ciudad de Los Ángeles, California, E.U. en 11
el periodo entre los años de 1920 y 1930:
Los Ángeles tiene muchos tipos diferentes de estilos arquitectónicos esparcidos por la
ciudad y ciudades satélites cercanas. Los Ángeles tiene una historia rica y diversa de obras
arquitectónicas, habiendo sido conocida en los círculos arquitectónicos profesionales como
un banco de pruebas para la arquitectura. Las casas de estudio de caso en particular
revolucionaron la arquitectura residencial.
A lo largo de los años, la hermosa y diversa ciudad de Los Ángeles ha albergado una
multitud de estilos arquitectónicos diferentes. Desde la influencia española centenaria hasta
la practicidad de mediados del siglo XX, la arquitectura de Los Ángeles es única, pero al
mismo tiempo ayuda a definir el estilo «americano». Los Ángeles es el hogar de algunos de
los mejores ejemplos de arquitectura histórica del país. Ya sea que esté buscando una
mansión victoriana o un palacio moderno para llamar suyo, no hay escasez de estilos
arquitectónicos en toda la ciudad.
Los Ángeles cuenta con una diversa variedad de arquitectura, diferentes estilos que ayudan
a darle a Los Ángeles y sus alrededores su apariencia y estética visual únicas. Algunos de
los diferentes tipos de estilos arquitectónicos en toda la ciudad y el área metropolitana son
el renacimiento de la misión, el renacimiento colonial español, el artesano, el provincial
francés normando, el castillo francés, el Tudor inglés, las bellas artes, el art deco y el
modernismo aerodinámico.
Los Ángeles se caracteriza a menudo por la presencia de edificios de poca altura, en

contraste con la ciudad de Nueva York. Los Ángeles se ha labrado su propia identidad
arquitectónica. Mire debajo de los rascacielos vidriosos y encontrará rascacielos Art Deco
en el centro de Los Ángeles, bungalows artesanales en Pasadena y fincas envidiosas a lo
largo de las colinas y las playas.
Los estilos arquitectónicos de Los Ángeles están estrechamente ligados a la historia y

evolución de la ciudad. En el momento de su fundación en 1850, Los Ángeles era poco más
que un puesto avanzado de pioneros sin ley con campamentos cerca del río Los Ángeles.
Los patrones de las calles de la ciudad generalmente siguen un plan de cuadrícula, con
longitudes de cuadras uniformes y caminos ocasionales que atraviesan las cuadras. Sin
embargo, esto se complica por el terreno accidentado, que ha requerido tener diferentes
cuadrículas para cada uno de los valles que cubre Los Ángeles.
A principios del siglo XX, Hollywood no era más que una tranquila comunidad agrícola llena
de granjas, chozas de adobe y naranjos. Eso estaba a punto de cambiar rápidamente. A
medida que se convirtió en un importante centro comercial en la costa oeste, los banqueros
e industriales construyeron grandes casas victorianas en el centro y en Angelino Heights
(posiblemente el primer suburbio de la ciudad, a solo unas cuadras del centro de la ciudad).
Pero, el estilo arquitectónico de las casas siguió siendo limitado.

La siguiente ola de construcción en Los Ángeles ocurrió durante la Segunda Guerra Mundial
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cuando miles de trabajadores se mudaron al área para trabajar con contratistas de defensa
(Boeing, Lockheed, Douglas, et al.) Como parte del esfuerzo de guerra. Por ejemplo, miles
de pequeñas casas unifamiliares se construyeron en menos de un año cerca del aeropuerto
de Santa Mónica para albergar a la fuerza laboral de 70,000 que fabricaron y ensamblaron
aviones allí.
Estilos arquitectónicos en los suburbios
Estilo,inglés,estilo,Tudor
Las casas de campo en un estilo tradicional inglés son muy buscadas. Los estilos de
cabañas a menudo incorporan diseños idiosincrásicos, habitaciones más acogedoras y
aleros de techo curvos a veces terminados con ladrillos o paja sintética. A veces se
presentan ventanas abatibles con cristales emplomados. Los propietarios a menudo
incorporan detalles del viejo mundo, como vidrieras, losas de piedra o ventanas geminadas.
Los arcos y las curvas añaden un interés geométrico a los exteriores de estas casas, que a
menudo revelan su estructura interior.
Las casas de estilo inglés también pueden incorporar elementos Tudor medievales, como
vigas estructurales expuestas recortadas en negro contra las paredes encaladas. Este fue
un aspecto típico en los hogares ingleses durante el reinado de los monarcas Tudor entre
1485 y 1560. Fue revivido como estilo en el Reino Unido en la segunda mitad del siglo XIX,
inspirado en el movimiento Arts. and Crafts. En el interior, los techos suelen tener vigas
interiores expuestas de estilo rústico. Estas casas pueden ser bastante altas con techos
inclinados y varios pisos. A menudo son de entramado de madera, con paneles de madera
en los niveles superiores y piedra o ladrillo en la parte inferior.
Estilo victoriano
El estilo victoriano abarca una amplia variedad de estilos. Los estilos predominantes que se
encuentran hoy en día en vecindarios como Angelino Heights o West Adams incluyen Queen
Anne, Eastlake y Folk, o alguna combinación de múltiples estilos.
Queen Anne: el más exuberante de todos los estilos victorianos, Queen Annes es asimétrico
y, a menudo, presenta torretas y torres, habitaciones redondas u octogonales, elaborados
trabajos de huso, revestimiento de escamas de pez y mampostería estampada.
Eastlake: Las estructuras de Eastlake son de uno a dos pisos, tienen techos inclinados con
frontones, ventanas rectangulares, soportes decorativos, revestimiento elaborado con
madera curvada y arcos de madera curvos sobre las entradas.
Folk: casas generalmente simétricas y relativamente sencillas para la clase trabajadora y

media, los folks victorianos se construyeron utilizando libros de planos publicados por
compañías de arquitectura. Sus características incluyen techos a dos aguas y porches
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delanteros adornados con molduras prefabricadas.
Estilo colonial americano

El estilo colonial estadounidense se basa en la arquitectura colonial británica que data desde
el siglo XVII hasta mediados del siglo XVIII. Aunque hay estilos colonial francés, colonial
holandesa y otros estilos coloniales inspirados en la arquitectura doméstica que prevalece
entre esas naciones, colonial americana se refiere al subconjunto basado en hogares
británicos del período anterior a la guerra civil.
El estilo se basa en las casas adosadas británicas, pero sustituye el revestimiento estrecho
de tablillas o la piedra por la construcción de ladrillo y mortero que puede encontrar
comúnmente en el Reino Unido. Concéntrese en la simetría, una escalera central
generalmente se encuentra detrás de la puerta de entrada y la distribución de las ventanas
es equilátera. Un techo a dos aguas o a cuatro aguas empinadas generalmente tiene tejas
de pizarra gris. A veces, los techos a dos aguas son lo suficientemente altos como para
contener un piso de ático con ventanas en los frontones.
Las ventanas suelen ser altas y rectangulares con varios paneles, y estas casas contienen
al menos dos pisos. Los detalles típicos incluyen columnas o frontones simples de estilo
griego o romano y chimeneas cuadradas. Debido a sus techos inclinados, la elevación
frontal de estas casas oculta los lados del edificio. Las casas coloniales estadounidenses
suelen ser de forma rectangular, pero los propietarios a menudo agregan extensiones a las
elevaciones laterales o traseras.
Estilo de renacimiento colonial español

Se convirtió en el estilo arquitectónico preeminente del sur de California a raíz de la
Exposición Panamá-California de 1915-1917. Para albergar la exposición de San Diego, los
arquitectos Bertram Goodhue y Carleton Winslow diseñaron un campus de edificios que
combinaban elementos de los estilos Mission Revival, mexicano, barroco español /
churrigueresco e islámico. Esta mezcla única fue un éxito rotundo, y pronto las casas con
techos de tejas rojas de tono bajo, patios, paredes de estuco blanco con esquinas
redondeadas, tejas pintadas, acentos de hierro forjado y ventanas y puertas arqueadas se
convirtieron en una vista omnipresente.
Español-morisco: los elementos característicos de este estilo incluyen arcos de herradura o

conopial, piedra ornamental y madera tallada con motivos geométricos o florales, y baldosas
decorativas, como se ve en la Casa Adamson de Malibú, los apartamentos Andalusia en
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West Hollywood y en el Auditorio Shrine.
Monterey Colonial Revival: una mezcla de estilos mexicano, colonial de Nueva Inglaterra y
español, las casas Monterey Revival son de dos pisos y cuentan con terrazas en el segundo
piso con barandas de madera, paredes de yeso o estuco grueso y persianas con persianas
(aunque a menudo son fijas)
Chateauesque / estilo francés de Normandía / estilo renacimiento francés

Basado libremente en la arquitectura de los castillos franceses del siglo XVI en el Valle del
Loira, el estilo chateauesque se volvió trés chic en Los Ángeles durante la década de 1920
gracias a su atractivo de fantasía, asociaciones aristocráticas y, por último, pero no menos
importante, los avances en las técnicas de revestimiento de chapas que se aproximaban el
aspecto de una costosa construcción de mampostería. Los rasgos de identificación incluyen
líneas de techo a cuatro aguas con pendiente pronunciada, agujas, pináculos, torretas,
frontones, chimeneas con forma, buhardillas y arcos redondos o góticos.

Rudolf Michael Schindler: 15
Rudolf Michael Schindler (Viena, Austria, 10 de septiembre de 1887 - Los Ángeles,
EE.UU., el 22 de agosto de 1953). Fue un arquitecto estadounidense de origen austríaco,
que trabajó principalmente en Los Ángeles a mediados del siglo XX al que se asocia a
menudo con los principios del Movimiento Moderno, ya que estudió y trabajó con varios de
los maestros de este estilo. Sin embargo, el uso que hizo de la complejidad espacial, los
materiales cálidos y los contrastes cromáticos, le alejan de la ortodoxia del estilo
internacional y dan un carácter original a sus obras. Su obra no tuvo mucha publicidad
durante su vida, pero a partir de los años 1980 se empezó a recuperar su legado.
Rudolf Michael Schindler nació en el seno de una familia vienesa de clase media. Su padre
era importador y manufacturero de madera y metal y su madre costurera. Inició sus estudios
de arquitectura en la Technische Hochschule de Viena en 1906, donde obtuvo el título de
arquitecto en 1911. Continuó su formación en la Akademie der Bildenden Künste de Viena,
profundamente influido por Otto Wagner y especialmente por el "Raumplan" de Adolf Loos,
arquitecto con el cual comenzó a trabajar en 1913. En 1911, conoció la obra de Frank Lloyd
Wright gracias al influyente Portafolio Wasmuth.
El papel de Schindler era continuar las operaciones americanas de Wright en su ausencia,
en su estudio de Oak Park. En 1919 Schindler se casó con Pauline Gibling (1893-1977), y
en 1920 por iniciativa propia se desplazó a Los Ángeles y tomó la dirección de las obras de
la Casa Barnsdall.
Inició su carrera como arquitecto independiente con la apertura de su propio despacho en
1921. De aquella época destaca la que algunos consideran su mejor obra, la casa King's
Road, conocida como casa Schindler terminada en 1922.
Por aquel entonces empezaron a surgir desavenencias entre Wright y Schindler, cada vez
más descontento con sus condiciones de trabajo. Schindler se tenía que encargar no solo
de su labor como arquitecto, sino también de los otros negocios de Wrigth, como el alquiler
de las casas de Oak Park. Además fue el responsable directo de varios proyectos realizados
en el estudio en ausencia de Wright, destacando la casa Hollyhock, de la que Schindler
realizó la mayor parte del diseño y supervisó su construcción. La cliente de aquella casa,
Aline Barnsdall, acabó convirtiéndose en clienta del propio Schindler, a quien encargaría
varios pequeños proyectos en Olive Hill', además de una espectacular casa transparente,
que sigue siendo uno de los más espectaculares proyectos no realizados del siglo XX.
En 1929, al objeto de validar su licencia como arquitecto en Los Ángeles, Schindler
mencionó su extensa labor en el diseño arquitectónico y estructural del Hotel Imperial de
Tokio, lo que Frank Lloyd Wright negó. El conflicto entre ambos se agravó cuando Schindler,
en la publicidad de unas conferencias junto con Richard Neutra, se presentó a sí mismo
como responsable del estudio de arquitectura de Wright durante sus dos años de ausencia.
Wright volvió a negar estas afirmaciones, lo que condujo finalmente a su separación en
1931. No volverían a reconciliarse hasta 1953, poco antes de la muerte de Schindler.
Los edificios tempranos de Schindler se caracterizan por el uso del hormigón desarrollando
en 1923 el denominado "Schindler Shelter", sistema de casas prefabricadas realizadas con
hormigón armado. Entre sus primeras edificaciones se encuentran el bloque de viviendas
para C.P. Lowes (1923), en el Eagle Rock de Los Ángeles, la casa para John Packard en

South Pasadena (1924) y la urbanización de Pueblo Ribera Court, en La Golla (1923-1925),
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realizada en hormigón y con cubierta decreciente. El juego de relaciones entre horizontales
y verticales, volumen y vacío, ya apreciables en estas primeras obras de Schindler,
simbolizan una composición americana paralela al Stijl.
En 1926 fundó, junto con Richard Neutra, el consorcio "Architecture Group sor Industry and
Commerce" (AGIP). La casa de vacaciones de Philip M. Lovell en la playa de Newport (1925-
1926), combinación de hormigón armado y cristal, constituyó el proyecto más importante
perteneciente a este período.
En los años siguientes llevó a cabo numerosas viviendas en Los Ángeles, como las casas
Oliver y Buck (1934), las casas colgantes de Ralph C. Walker (1935-1936), la casa de
Viktoria McAlmon (1935) y la casa para Henwar Rodakiewicz. El material de construcción
empleado en todas estas obras, sustituyendo el hormigón armado, fue la madera revocada,
el "Plaster Skin Designé", mucho más económico y acorde con la tradición americana de la
construcción en madera.
También llevó a cabo a lo largo de toda su carrera una activa participación en un gran
número de exposiciones contemporáneas, como la "Contemporany Creative Architecture of
California" de 1930 en Los Ángeles, además de una importante labor como escritor de
numerosos artículos de arquitectura. Especial interés muestra su tratado fundamental,
"Space Architecture", publicado en 1934 en Dune Forum y, en 1935, en Los Ángeles Times.
Obras:
Casa Schindler, West Hollywood, California (1921-1922)
Casa Lowe, Eagle Rock, California (1922-1923)

17
Casa de playa Lovell, Newport, al sur de Los Ángeles (1922-1926)
Casa John Cooper Packard, California (1924)
Casa How, Los Ángeles (1924-1925)
Apartamentos Pueblo Rivera, La Jolla, San Diego, California (1925)
Rancho de Carlton Park, Fallbrook, California (1925)

18
Casa Edmund Gibling, Los Angeles (1926)
Casa de verano de Ethel y Charles H. Wolfe, Isla Catalina, California (1928-1931)
Casa William Oliver, Los Ángeles (1933-1934)
Casa John J. Buck, Los Ángeles (1934)
Casa DeKeyser, Hollywood, Los Ángeles (1935)

19
Casa Kirkpatrick, Los Ángeles (1936)
Casa Ralph G. Walker, Los Ángeles (1936)
Casa Victoria McAlmon, Los Ángeles (1936)
Casa Martha Raye, Los Ángeles (1936)
Apartamentos Bubeshko, Los Ángeles (1938)

20
Casa Guy C. Wilson, Silver Lake (1939)
Apartamentos Pearl Mackey, Los Ángeles (1939-1940)
Casa Samuel Goodwin, Studio City, California (1940)
Apartamentos Falk, Silverlake (1940)
Casa Droste, Los Ángeles (1940)

21
Casa estudio Hilaire Hiler, Hollywood (1941)
Casa George and Rose L. Harris, Los Ángeles (1942)
Casa José Rodríguez, Glendale, California (1942)
Iglesia Baptista Bethlehem, Willowbrook (1944)
Casa Kallis, Los Ángeles (1946)

22
Casa Roxy Roth, Studio City, California (1946)
Casa Richard Lechner, Studio City, California (1948)
Richard Neutra:
Con una obra a la altura de los grandes del Movimiento Moderno,
Richard Neutra (1892-1970) fue el arquitecto que más contribuyó
a moldear el paisaje y el imaginario de Los Angeles como la meca
de un estilo de vida relajado, abierto y en contacto con la naturaleza con sus esplendorosas
residencias esparcidas por las colinas de la metrópoli californiana. Fue pionero en la
utilización de nuevos materiales en la arquitectura residencial, pero sobre todo destacó
en su estudio psicológico de las personas y de la relación entre arquitectura, interiorismo y
bienestar. Medio siglo después de que dejara de crearlas, sus casas de aspecto ligero, de
líneas rectilíneas y con espectaculares voladizos siguen fascinando y siendo objeto de
deseo.
Tras una breve etapa de colaboración en el estudio de Frank Lloyd Wright, Neutra se
trasladó a Los Angeles en 1925 y en 1926 abrió su propio estudio. Comenzó a diseñar
proyectos que incorporaban criterios novedosos, como la estructura de hormigón armado y
refuerzos metálicos en las ventanas. También diseñó viviendas prefabricadas que denominó
«One Plus Two» (uno más dos) y trabajó en un proyecto de ciudad de futuro.
En 1927 publicó su libro ¿Cómo construye América? que llamó la atención en el sector.
En 1929 recibió el encargo que le abriría las puertas del reconocimiento, el diseño de
la Casa de Salud Lovell. Este proyecto no solo destaca por ser el primero de Estados Unidos
en el que se empleó acero estructural en una residencia, sino porque sentó las bases de la
teoría del biorrealismo desarrollada por Neutra.
A partir de su contacto con el doctor Lovell, el arquitecto creó un corpus de ideas en el que
integraba diseño y medicina naturista aplicando terminología de la biología para explicar la
utilidad terapéutica de los entornos armoniosos. Esta teoría se traducía en el control del
23
espacio a través del diseño con el objetivo de generar sensaciones placenteras.
Con estos postulados, Richard Neutra desplegó a lo largo de las siguientes décadas, y
especialmente tras la Segunda Guerra Mundial, una arquitectura que ejemplificó el
nuevo American way of life en los acomodados suburbios residenciales del país a través de
elementos comunes como la terraza, la planta libre, los muros acristalados y la importancia
de la luz. Neutra fue uno de los creadores que más contribuyó a esa conexión entre interior
y exterior del espacio habitado sin la cual hoy es impensable una arquitectura amable con
las personas y con el entorno.
Casa de Salud Lovell, Los Angeles (1929)
Casa Kaufmann, Palm Springs (1947)
Casa Coveney, Filadelfia (1963)

Alvar Aalto: 24
Partiendo del funcionalismo, Aalto (1898-1976) evolucionó hacia la búsqueda de la calidez
y el acercamiento a la Naturaleza. Nunca pretendió ser “moderno”, solo crear espacios y
objetos que mejorasen la vida de las personas. Y sin embargo su legado se mantiene vivo
y emocionante como el primer día, especialmente a través de la firma Artek que fundó con
su mujer Aino Marsio.
Alvar Aalto nunca estuvo del todo convencido de que el movimiento moderno, fraguado en
Europa en las primeras décadas del siglo xx, evolucionase hacia lo que él consideraba
necesario: una arquitectura más humana. El funcionalismo convertido en pura expresión
formal no era, a su juicio, la razón de ser de la arquitectura. Como tampoco la arquitectura
de producción en serie absolutamente fría y deshumanizada que se extendía de forma
descontrolada por todo el territorio europeo.
Aalto creía en la estandarización, pero al mismo tiempo criticaba ferozmente las presiones
que oprimían el proceso creativo de cualquier obra; la tradición, los estilos o la normativa
son ejemplos de estas presiones. Criticaba que el “diseño uniforme” no era más que una
forma de resolver de una tacada todas y cada una de los miles de decisiones que cualquier
diseño plantea.
defendió la arquitectura moderna cuando el concepto del racionalismo ya languidecía.
Propuso una nueva era para la arquitectura donde esta proyectaría los métodos racionales
desde el ámbito técnico al terreno psicológico y humano. Hoy sabemos que no logró que
el conjunto de arquitectos relevantes de la época siguiese sus pasos. A pesar de ello su
fuerza, su coherencia y, sobre todo, sus obras de grandísima calidad le valieron la
consideración de maestro junto a figuras como Le Corbusier, Mies van der Rohe o Walter
Gropius.
Universidad de Jyväskylä (1951)
Jyväskylä University Building.

2. Casa de la Cultura (1955) 25
House of Culture.
3. Ayuntamiento de Säynätsalo (1949)
Säynätsalo Town Hall
4. Stephanuskirche (1968)
Stephanuskirche
5. Biblioteca de Viipuri (1935)
Viipuri Library

Philip Johnson: 26
Philip Johnson (Cleveland, 1906 – Connecticut, 2005) fue un gran impulsor de la arquitectura
de cristal y tuvo un gran protagonismo en la comprensión y la creación del skyline de las
nuevas zonas urbanas. Johnson estudió arquitectura en Harvard donde tuvo como profesor
a Walter Gropius y completó su formación con un máster en Historia de la Arquitectura en
esa universidad. Allí trabajó para Walter Gropius, arquitecto alemán exiliado que entonces
era una figura primordial del movimiento moderno. El libro International Style, Architecture
since 1922, escrito por Johnson en colaboración con el historiador Henry Russel Hitchcock,
le sirvió para introducir las ideas vanguardistas europeas en Estados Unidos y popularizó el
término international style, que a partir de entonces se aplicaría a un tipo de arquitectura
similar en estilo a la de los maestros de la Bauhaus.
Comenzó su trayectoria profesional dedicándose a muchas actividades. Fue crítico, autor,

historiador… hasta que aceptó el puesto de director del departamento de arquitectura del
Museo de Arte de Nueva York entre 1932 y 1934 y, más tarde, entre 1945 y 1954. Desde
este cargo se convirtió en uno de los árbitros del gusto con más poder de decisión en las
modas arquitectónicas. Así, durante la década de 1930, Johnson promulgó la labor de los
grandes arquitectos modernos como Le Corbusier, Walter Gropius y Mies van der Rohe (de
quien escribió la primera monografía).
Comenzó a proyectar edificios en 1942, caracterizándose por el empleo de materiales
lujosos. Una de sus obras más representativas es su propia casa en New Canaán,
Connecticut, conocida como la Glass House (1949). En este proyecto, que fue la base de
sus tesis doctorales, Johnson concibió la Glass House como un edificio cuya estructura
metálica, muy esbelta, no ocultara la visión. Todas las paredes son enteramente de vidrio,
de forma que la casa se hace transparente, permitiendo ver desde un lado lo que ocurre en
el otro, mirando a través del edificio.
Johnson organizó las primeras visitas arquitectónicas a Ludwig Mies van der Rohe y a Le
Corbusier cuando éstos viajaron a los Estados Unidos. Incluso le encargó a Mies el diseño
de su apartamento en Nueva York. Con Mies tuvo una estrecha relación y colaboró más
tarde con él en el diseño y la construcción del famoso edificio Seagram en Nueva York
(1958).
Johnson fue distinguido por el Instituto Americano de Arquitectos con la Medalla de Oro, y
en 1979 recibió la primera edición del Premio Pritzker, máximo galardón en arquitectura.
Uno de sus últimos diseños fue para una nueva escuela de Bellas Artes en el estado de
Pennsylvania. “Me gusta pensar que lo que hacemos en la tierra es embellecerla para que

las futuras generaciones puedan mirar las formas que les legamos y sientan la misma
27
emoción que yo siento al mirar el Partenón o la catedral de Chartres”, comentó al Financial
Times, en junio de 1989…
LOUIS KAHN:
Louis Kahn (1901-1974) construyó sin embargo una obra coherente y de gran peso
conceptual, basada en el espacio y la luz, sus temas principales. Su carácter místico le
llevó a personificar las formas y los materiales, en los que siempre reconoció alma y
voluntad. Suyos son hitos como la Asamblea Nacional de Dhaka en Bangladesh (1962) y
la Biblioteca de la Phillips Exeter Academy en New Hampshire (1965).
El estadounidense de origen estonio Louis Kahn (1901-1974) está considerado uno de los
grandes maestros de la arquitectura del siglo XX. Creó obras con una belleza arcaica y
una fuerza simbólica universales. Y su influencia también se hizo presente a través de su
actividad docente –primero en la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Yale de
1947 a 1957 y más tarde, hasta su muerte, como profesor de Arquitectura en la Escuela
de Diseño en la Universidad de Pensilvania– y divulgativa: muchos de sus ensayos, como
Order Is, Form and Being, Poetics y Silence and Light, se han convertido en clásicos de la
literatura arquitectónica.
Su estilo estuvo fuertemente marcado por las construcciones de la Antigüedad, con una
gran tendencia, como aquellas, a la intemporalidad y la monumentalidad. Sus
construcciones se muestran como lo que son, construcciones que no ocultan ni sus
materiales, ni su forma ni su peso. El definió su trabajo como la "construcción reflexiva de
espacios", una máxima que queda patente al comparar los interiores de sus edificios con
los exteriores, mucho menos dramáticos.
Para Kahn, el espacio era la conjunción entre estructura y luz, algo que explicaba de la
siguiente forma: “La elección de la estructura es sinónimo de la elección de la luz que da
forma a ese espacio. La luz artificial es solo un breve momento estático de la luz, es la luz
de la noche y nunca puede igualar a los matices creados por las horas del día y la maravilla
de las estaciones”. No menos importante para él fue la dimensión social de la arquitectura,
a partir de la cual derivó nuevas formas para edificios públicos.

OBRAS MAS IMPORTATES: 28
Kimbell Art Museum, Fort Worth (Texas), 1972
Salk Institute, La Jolla (California), 1965
Biblioteca de la Phillips Exeter Academy, New Hampshire, 1965.
Asamblea de Dhaka, Bangladesh, 1962.

LE CORBUSIER: 29
Le Corbusier nació el 6 de octubre de 1887 en La Chaux-de-Fonds al oeste de Suiza.
Su madre era una artista que impartía clases de música y tocaba el piano, mientras su
padre ejercía el oficio común de su localidad, la relojería.
El ejemplo de ambos sería decisiva en su formación intelectual, pues ** el llamado ‘padre
de la arquitectura moderna’ no cursó estudios académicos en esta disciplina**. Mientras
estudiaba grabado en la Escuela de Artes de La Chaux-de-Fonds, conoció a Charles
L'Eplattenier, un pintor multifacético y pionero del Art Nouveau en Suiza que fue su profesor
y le acercó a la arquitectura.
El estilo arquitectónico de Le Corbusier es parte del racionalismo . A lo largo de su

producción arquitectónica, el principio de mantener la sencillez, deshacerse de toda
ornamentación innecesaria y utilizar materiales prefabricados como el hormigón armado
da forma a uno de sus pilares teóricos, el funcionalismo.
Le Corbusier y el purismo francés
En 1918, Le Corbusier junto con su amigo y pintor Amédée Ozenfant publican ‘Más allá
del cubismo’, un manifiesto estético que propone al purismo como una nueva
vanguardia pictórica con alcances en todas las artes visuales y critica al cubismo desde
un punto de vista racionalista, al que pretende dotar de orden, geometría y proporción. Este
movimiento carece de gran relevancia, toda vez que el desarrollo del cubismo adquiere
formalidad de la mano principalmente de Picasso y Braque.
OBRAS:
Villa Savoye
Una de las obras más representativas del padre del modernismo fue construida en 1929
en los suburbios a las afueras de París. Con una fachada de vidrio curvo, espacio
interior y de planta libre, ventana longitudinal y una cubierta en la terraza, la Villa aplica
los 5 puntos de la nueva arquitectura que Le Corbusier propuso un par de años atrás.

Capilla de Notre-Dame du Hat en Ronchamp
30
Al término de la Segunda Guerra Mundial, Le Corbusier fue comisionado para levantar de
nueva cuenta una capilla al este de Francia. El plan constaba de paredes con ligeras
curvaturas que le dan una apariencia escultórica, pequeños orificios por donde la
luz entra directamente y la creación de una diferencia sustancial entre el interior y
exterior. El resultado fue uno de los edificios religiosos más destacados del siglo XX.
Pabellón Corbusier
También conocido como la Casa cultural Heidi Webe, se trata del último proyecto
diseñado por el arquitecto suizo. Con un techo prefabricado que da cobijo a un edificio
lleno de color y después de pasar por distintos proyectos fallidos de construcción,
actualmente es un museo dedicado a las obras, vida y legado de Le Corbusier.
Casa Curutchet
La única obra de Le Corbusier en Argentina fue terminada en 1955; sin embargo, el
arquitecto jamás viajó al país sudamericano para estar al tanto del proyecto. La escalera
de 180 grados al interior y la fachada que prácticamente desaparece ante una planta
libre con pilotis de hormigón es hoy Patrimonio de la Humanidad.
Conjunto habitacional de Marsellla

En 1947 y tras el fin de la Segunda Guerra Mundial, Le Corbusier contribuyó a volver a
poner de pie Europa y uno de sus proyectos de gran escala fue un conjunto
multiresidencial capaz de albergar más de mil 600 personas en Marsella. El edificio
adoptó los 5 principios de Le Corbusier para una nueva arquitectura y es un hito en la
historia de las unidades habitacionales.

31
Chandigarh
Esta ciudad ubicada al norte de la India es uno de los proyectos más ambiciosos que
jamás se han diseñado por un arquitecto o urbanista: en 1951, el primer ministro indio
Jawaharlal Nehru quería crear una ciudad cosmopolita cuyo estilo se desmarcara del
Imperio británico. El proyecto fue asignado a Le Corbusier, quien planificó la ciudad,
proyectó edificios públicos, parques y jardines con trazos cuadriculados divididos
en 60 sectores.
Villa Stein
Construida en 1927 bajo los principios para una nueva arquitectura del suizo, la Villa Stein
posee una fachada enteramente blanca y un uso continuo de la línea recta, que
expande el concepto de paseo al interior de los edficios y jardines, creando una
experiencia estética única durante su recorrido.

LUCIO ACOSTA: 32
Lúcio Costa, arquitecto brasileño de gran prestigio internacional. Precursor de la corriente
arquitectónica moderna en su país y seguidor de los postulados de Le Corbusier, junto al
que trabajó en algún proyecto.
Nació en Francia, en la localidad de Tolón, en el año 1902. Debido al cargo de almirante
que regentaba su padre y a las labores oficiales que debía llevar a cabo, Lúcio Costa pasó
sus primeros años en diferentes países europeos. De este modo estudió en escuelas de
Francia, Reino Unido y Suiza.
En 1935 se le encargó, junto a otros arquitectos de la época, entre los que se

encontraba Oscar Niemeyer, el proyecto del Ministerio de Educación y Sanidad. Este
trabajo, dirigido en primer lugar por Lúcio Costa y, posteriormente, por Niemeyer, se
terminó de construir en el año 1946. El edificio, que en la actualidad es el Palacio Gustavo
Capanema, respeta las cinco grandes ideas arquitectónica de Le Corbusier, quién
colaboró, esporádicamente, en esta obra.
A lo largo de su trayectoria profesional, Costa trabajó con Niemeyer en más de una
ocasión. Por ejemplo, en la elaboración del Pabellón de Brasil para la Exposición
Universal de Nueva York, haciendo viajar sus nombres más allá de las fronteras de su
país.
la obra más importante de Lúcio Costa ha sido la creación urbanística de la ciudad de
Brasilia. En el año 1956 se abrió un concurso popular para la elección de la futura
confección de esta ciudad y fue el proyecto presentado por Costa el seleccionado por el
jurado. La construcción de su obra no se finalizó hasta 1960 y seis años más tarde Brasilia
fue nombrada Patrimonio Cultural de la Humanidad.
Brasilia

Lúcio Costa, considerado el precursor de la arquitectura moderna y seguidor de los
33
postulados de Le Corbusier, fue miembro de la Fundación del Patrimonio Histórico y
Artístico Nacional desde su fundación en 1937. Esta asociación está vinculada con el
estudio y conservación de la arquitectura de su país.
Así, este arquitecto se ha hecho un hueco entre las grandes personalidades de su país. Y
actualmente sus edificios se levantan como auténticos monumentos representativos de su
época, siendo objeto de estudio para los futuros arquitectos brasileños.
OSCAR NIEMEYER:
Nacido en Río de Janeiro (Brasil) en 1907, el arquitecto Oscar Niemeyer es uno de los
pioneros de la arquitectura moderna internacional, además de diseñador.
En 1936 formó parte del equipo encargado de diseñar el edificio del Ministerio de
Educación y Sanidad de Río de Janeiro. Influido por el arquitecto Le Corbusier (francés de
origen suizo, protagonista del renacimiento arquitectónico internacional del siglo XX).
Niemeyer buscó la adaptación del edificio al medio ambiente.
En 1938 fue invitado por Lúcio Costa (pionero de la arquitectura modernista en Brasil), a
participar en el proyecto del Pabellón de Brasil, donde conoció al alcalde de la ciudad
Belo Horizonte, y futuro presidente, Juscelino Kubitschek. En esta invitación recibió el
encargo de la construcción de edificios alrededor del lago artificial de Pampulha.
Niemeyer diseña decenas de edificios, la residencia del Presidente, el Congreso
Nacional, la Catedral de Brasilia, el Palacio de Itamaraty, la sede del Supremo Tribunal
Federal, los edificios de los ministerios, la sede del Gobierno y el Palacio del Planalto.
Supremo Tribunal

34
Federal Ministerios
Instaló en los Campos Elíseos una oficina donde recibió los encargos de la Universidad de
Constantinopla; la Mezquita de Argel; la sede del Partido Comunista Francés; la sede de la
Editora Mondadorini en Italia y en Portugal el Pestana Casino Park.
Sede Editora Mondadori
Sede Partido Comunista Francés

JUAN OGORMAN: 35
O'Gorman nació en el barrio de Santa Catarina, Coyoacán, en la Ciudad de México. Fue
hijo del pintor irlandés Cecil Crawford O'Gorman y de Encarnación O'Gorman Moreno, y
hermano del historiador Edmundo O'Gorman. En los años veinte, estudió arquitectura en
la Academia de San Carlos y en la Facultad de Arquitectura de la Universidad Nacional
Autónoma de México. Además, tuvo una representación de sus estudios.
Se convirtió en un arquitecto destacado bajo la influencia de Le Corbusier y ayudó a

introducir a México la arquitectura funcionalista. En una etapa posterior, se percibe la
influencia de Frank Lloyd Wright y de su arquitectura orgánica. A lo largo de su carrera, fue
profesor en el Instituto Politécnico Nacional, donde creó la carrera de ingeniero arquitecto.
En su carrera como arquitecto, trabajó en grandes proyectos tales como el nuevo edificio
del Banco de México y diseñó/construyó 26 escuelas primarias en la Ciudad de México.
En Jardines del Pedregal de San Ángel, edificó, a principios de los años cincuenta, su
propia casa, una verdadera obra de arte que, lamentablemente, fue demolida
posteriormente. En la zona de San Ángel, O'Gorman diseñó y construyó en 1931–
1932 el Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo para ambos artistas.
Obras representativas:
 Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo
 Casa Cecil O'Gorman

 Biblioteca Central de la UNAM
36
 "Hidalgo Liberador" del auditorio "Benito Coquet" en el CIESS

 Biblioteca Pública Gertrudis Bocanegra, en Pátzcuaro, Michoacán. México. Mural "Historia de
Michoacán" (1942)
 Murales “Canto a la Patria”, “Independencia y Progreso”, y “Los Libertadores” en la Secretaría de
Comunicaciones y Transportes (Centro SCOP, 1954)
FELIX CANDELA:
Estudió arquitectura en la Escuela Superior de Madrid, donde se licenció en 1935, y en la

Academia de Bellas Artes de San Fernando. Siendo estudiante, obtiene conocimientos
básicos acerca de las estructuras lo que le acerca a la ingeniería estructural.
En 1936, recién terminada la carrera, obtiene una beca para estudiar en Alemania, pero al
desencadenarse la guerra civil, Candela se alistó en las fuerzas republicanas y es
nombrado capitán de ingenieros. El periodo español de la obra de Candela finaliza en
1939 cuando se exilia a México, después de la guerra civil.
Realizó una gran cantidad de proyectos, muy ambiciosos todos, sólo culminando algunos.
Entre todas sus obras destacan sus estructuras en forma de cascarón generadas a
partir de paraboloides hiperbólicos, una forma geométrica de una eficacia
extraordinaria que se ha convertido en el sello distintivo de su arquitectura y que le da
forma a el Laboratorio de Rayos Cósmicos en 1952 para la Ciudad Universitaria de
México, con su cubierta ondulada de hormigón; a la iglesia de La Milagrosa de 1953 en la
colonia Narvarte de la Ciudad de México; a el restaurante Los Manantiales de 1958 en
Xochimilco y a el Palacio de los Deportes para los Juegos Olímpicos de
México celebrados en 1968, un impresionante edificio proyectado junto con Enrique
Castañeda y Antonio Peyrí, cubierto por una gran cúpula picuda forrada en cobre.
Desde 1961, cuando se le confirió el premio Augusto Perret, se demandaba su presencia

en muchos países. En 1971, después de culminar el Proyecto del Palacio de los Deportes,
Candela se decidió a dejar México y trasladarse a Estados Unidos.
Candela experimentó una profunda transformación profesional y creativa, que lo alentó a

abandonar su trabajo de ingeniero y concentrarse cada vez más en la arquitectura. Se
instaló en Chicago y trabajó como profesor de tiempo completo en la Universidad de
Illinois, tarea que desempeñó hasta 1978.

OBRAS: 37
Estaciones de Metro de la Ciudad de México
El diseño de las estaciones San Lázaro, Candelaria y Merced de la Línea 1 del Sistema de
Transporte Colectivo de la Ciudad de México corrió a cargo de Candela, un proyecto
masivo que requería de accesos amplios con salidas a mercados y otros puntos focales de
la capital.
Las entradas hacia el subterráneo se levantan sobre pilares que sostienen techos
ondulados basados en la técnica arquitectónica del paraboloide. Al interior, la estructura
crea un techo alto que recibe luz naturalmente a través de rendijas y un tragaluz alargado
en la nave central, todo con el estilo futurista que caracterizó al arquitecto
Los Manantiales
Construido en 1958, este restaurante ubicado en Xochimilco fue una de las primeras
oportunidades de Félix Candela para experimentar con las estructuras que había
perfeccionado durante su carrera profesional.
El resultado final fue una “flor de ocho pétalos”, con cuatro paraboloides sobre una
planta octagonal que cubre una superficie de más de 900 metros cuadrados con
capacidad para más de mil comensales y vistas hacia los canales de Xochimilco.
Palacio de los Deportes
Construido con motivo de los Juegos Olímpicos de 1968, el Palacio de los Deportes fue
diseñado por Candela como un complejo futurista y con una rigidez geométrica que
presentaría a México como una nación desarrollada ante el concierto mundial.

Oceanogràfic València
38
El edificio principal del Oceanográfico de Valencia, el acuario más grande de
Europa inaugurado en 2003, fue la última obra proyectada por Félix Candela antes de su
muerte. Este santuario de la vida marina forma parte de la Ciudad de las Artes y las
Ciencias, un complejo arquitectónico y cultural con todas las características estructurales
de Candela.
El arquitecto español nacionalizado mexicano levantó una cubierta a partir de paraboloides

de hormigón con muros de vidrio tanto en el edificio de entrada como en el restaurante
subterráneo del acuario, un par de construcciones que lucen tan vigentes y
contemporáneas en la actualidad como en la época que fueron diseñadas.
Hotel Casino de la Selva
Félix Candela tomó el proyecto de remodelación de este mítico hotel tras una serie de
planos fallidos e inspirado en el proyecto previo del restaurante Los Manantiales de
Xochimilco, Candela construyó una planta pentagonal a partir de una bóveda de cinco
aristas para el área del casino.

LUIS BARRAGAN: 39
El arquitecto nacido en Jalisco fue quien encumbró la limpieza de trazos, la

transparencia, la continuidad visual entre el exterior y el interior, los colores y la omisión
de elementos superficiales al punto de hacer de su estilo una forma de arte.
Con su obra, Barragán logró una nueva forma de entender los espacios y la realidad.
Uno de los primeros pasos que dio el arquitecto nacido en Guadalajara, Jalisco, en
1902, fue el de romper con los accesorios figurativos y los falsos tradicionalismos, como
ornamentos, que se utilizaban aún entrada la primera mitad del siglo XX. La
arquitectura de Luis Barragán es la del balance entre la línea recta, los grandes
muros sin adornos y atemporal.
En su momento, él, y otros arquitectos de su generación como Ricardo Legorreta y

Antonio Atollini, cuestionaron la ausencia de estilo e identidad de estilos como
funcionalismo. Para ellos la arquitectura debería estar enfocada en su entorno social y
medioambiental.
Diversos especialistas han apuntado que Barragán retomó parte de a estética

mexicana en sus elementos más significativos como el muro, el juego entre vanos y
macizos; las texturas y el color, una de las particularidades más marcadas en su
obra.
Casa Luis Barragán
La construcción de la casa inició en 1947 y concluyó un año después. La idea fue crear
una fachada que pudiera pasar casi desapercibida en el exterior en el contexto del
barrio de Tacubaya. Desde el recibidor, todo visitante se da cuenta que se trata de un
espacio muy emocional, considerando que este es completamente amarillo, y le
siguen colores rosa mexicano y azul, y otros que alertan los sentidos para vivir la
experiencia a tope. La construcción se conserva intacta desde 1988, con todo y las
pertenecías del arquitecto, en el orden que él las tenía cuando habitaba el lugar.

Casa Gilardi
40
Fue el último proyecto del arquitecto, lo realizó cuando tenía 80 años. Su diseño fue
inspirado en la cultura mexicana y en Frida Kahlo y Diego Rivera. L a casa fue
diseñada en un terreno pequeño también del barrio de Tacubaya. Dos curiosidades,
en su interior se conservó una hermosa jacaranda y los colores que se utilizaron,
blanco, rojo y azu, fueron compuestos por el pintor Chucho Reyes.
Clubes Luis Barragán
Una de sus obras más representativas es la que Barragán realizó en el Fraccionamiento

Los Clubes en el municipio de Atizapán de Zaragoza en el Estado de México. Asociada
a la obra se encuentra la Cuadra San Cristóbal, un conjunto de caballerizas, y la
llamada Casa Egerstrom, pensada para la comunidad de caballistas, y la Fuente de
los Amantes. El conjunto fue concluido en 1969. Es un símbolo de la obra del arquitecto
por el uso de los volúmenes de muros, los planos, el uso del agua y el color.
Casa Franco
En 1929, luego de los viajes a Europa del arquitecto, se construyó esta villa ubicada
en Guadalajara es una de las que recibió más influencia del estilo morisco con el que
Barragán quedó sorprendido en el Viejo Continente. Se encuentra parcialmente
restaurada y hoy es sede de la Galería Travesía cuatro.

Capilla las Capuchinas
41
Fue un proyecto para l a ampliación de la Capilla y el Convento de las Capuchinas
Sacramentarias. Ubicado en la alcaldía de Tlalpan, se trata de una obra de colores
cálidos que ponen el acento en la luz que penetra por espacios peculiares.
Jardines del Pedregal
La colonia del sur de la ciudad de México fue creada en 1945 bajo el diseño de
diferentes arquitectos mexicanos, entre ellos Luis Barragán. Uno de los retos más
importantes a los que se enfrentaron sus creadores fue el de construir sobre una
superficie volcánica. Se trata de una zona de 5.1 kilómetros cuadrados plagado de
arquitectura moderna.
Casa Ortega
Se trata de una vivienda experimental en donde la premisa es el jardín. También

ubicada en Tacubaya, Barragán la diseñó antes de su casa-estudio. Es una
construcción monocromática que está construida en un área de más de tres mil
metros cuadrados.
Torres de Satélite
El conjunto escultórico es una obra conjunta entre Barragán y Mathias Goeritz. El

proyecto fue un encargo del arquitecto Mario Pani. Las torres son cinco prismas
triangulares que se convirtieron en un ícono urbano del Valle de México. También
participó el pintor Chucho Reyes.

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LA CONSOLIDACIÓN DE LA

LIZETH HANARA GUTIERREZ SANCHEZ

LIZETH HANARA GUTIERREZ SANCHEZ

Una vez completada su Casa Rietveld-Schroeder en Utrecht en 1924, trabajó en un

ARQUITECTURA SIGLO XX LIZETH HANARA GUTIERREZ SANCHEZ

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Principios de la arquitectura orgánica

Los principios básicos que guían este tipo de arquitectura son:

 Materiales naturales: Tanto en la estructura, como en el cuerpo y la fachada, los

Si bien está fuertemente ligada a la arquitectura funcional, logra acercar el arte

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Movimiento Moderno ha sido la gran aportación del siglo xx a la historia de la arquitectura.

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LUDWIG MIES VAN DER ROHE:

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Seagram Building, Nueva York

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Se conoce como International Style conjunto de arquitecturas que comparten las

Se caracterizó, en lo formal, por su énfasis en la ortogonalidad, el empleo de superficies

En primer lugar, la incomodidad de algunos arquitectos con el eclecticismo y divergencia de

En segundo lugar, la industrialización acelerada de las sociedades europeas y

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Otros edificios representativos de la corriente serían la Villa Savoye de Le Corbusier, la

El Edificio Seagram se convertiría en el arquetipo del Estilo Internacional, que será

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Los Ángeles se caracteriza a menudo por la presencia de edificios de poca altura, en

Los estilos arquitectónicos de Los Ángeles están estrechamente ligados a la historia y

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Estilos arquitectónicos en los suburbios

Folk: casas generalmente simétricas y relativamente sencillas para la clase trabajadora y

Estilo colonial americano

Estilo de renacimiento colonial español

Español-morisco: los elementos característicos de este estilo incluyen arcos de herradura o

Chateauesque / estilo francés de Normandía / estilo renacimiento francés

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Casa Schindler, West Hollywood, California (1921-1922)

Casa Lowe, Eagle Rock, California (1922-1923)

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Casa de playa Lovell, Newport, al sur de Los Ángeles (1922-1926)

Casa John Cooper Packard, California (1924)

Casa How, Los Ángeles (1924-1925)

Apartamentos Pueblo Rivera, La Jolla, San Diego, California (1925)

Rancho de Carlton Park, Fallbrook, California (1925)

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Casa Edmund Gibling, Los Angeles (1926)

Casa de verano de Ethel y Charles H. Wolfe, Isla Catalina, California (1928-1931)

Casa William Oliver, Los Ángeles (1933-1934)

Casa John J. Buck, Los Ángeles (1934)

Casa DeKeyser, Hollywood, Los Ángeles (1935)

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Casa Kirkpatrick, Los Ángeles (1936)

Casa Ralph G. Walker, Los Ángeles (1936)

Casa Victoria McAlmon, Los Ángeles (1936)

Casa Martha Raye, Los Ángeles (1936)

Apartamentos Bubeshko, Los Ángeles (1938)

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Casa Guy C. Wilson, Silver Lake (1939)

Apartamentos Pearl Mackey, Los Ángeles (1939-1940)

Casa Samuel Goodwin, Studio City, California (1940)

Apartamentos Falk, Silverlake (1940)