El enfoque del dibujo que se

presenta en este libro es el que he

utilizado durante varios años en
la enseñanza de clases de dibujo
natural y anatomía. Está dirigido
a estudiantes en una gran
variedad de disciplinas
(animación, arte de juegos,
diseño conceptual, cómics, GED,
etc.), por lo que hace todo lo
posible por mantener la
coherencia en el énfasis de
muchos fundamentos artísticos.
Además, el proceso de dibujo
presentado aquí puede tratarse
como aplicable a diferentes
proyectos artísticos. Por ejemplo,
el proceso de pensamiento
descrito puede ser una ayuda
para comprender la escultura, el
modelado, la pintura, etc. Pensar
fuera del tema inmediato del
dibujo y entrenar en el proceso
de pensamiento descrito le
ayudará a prepararse para una
serie de diferentes vías artísticas
que requieren lo mismo. conjunto
de habilidades básicas.

El enfoque que se cubre aquí se

refiere principalmente al uso de
la línea, el desarrollo de la forma
y el diseño simplificado de la
anatomía, lo básico para poder
inventar de manera convincente
una figura que existe en el
espacio. Si bien el contorno, el
sombreado y la expresión son
elementos importantes en este
proceso, no están a la vanguardia
de este método en particular.

A través de la enseñanza de esta materia durante un período de tiempo, he intentado reunir diferentes
elementos técnicos para producir un resultado consistente y beneficioso en el aprendizaje de los
estudiantes. Sin embargo (antes de que te vayas gritando), considero el enfoque descrito aquí como un
proceso de pensamiento / trabajo abierto y cambiante, destinado en algún momento a que el lector lo
personalice. Tengo la esperanza de que haya aspectos del proceso con los que no esté de acuerdo o que
considere que no son tan importantes. Después de internalizar la información, sugiero modificar el enfoque
 para reflejar más claramente sus ideas: como reorganizar capítulos, omitir algunos capítulos, ¡o incluso
agregar algo propio! Entonces, aprenda el método de dibujo que se describe aquí por lo que tiene que
ofrecer y lo que considero que son los elementos esenciales para dibujar la figura. Pero tenga en cuenta que
no se trata de un sistema de creencias ni de una afirmación absoluta; está destinado a ayudar a alguien a
comenzar. Después de aprender lo que pueda de él, hágalo suyo.

Al comenzar, tenga en cuenta que

cada capítulo se basa en el
siguiente.
Este enfoque también debe
aplicarse a sus dibujos a medida
que los realiza. Tenga disciplina en
su proceso de trabajo, comprenda
cómo un paso conduce al
siguiente, debería mejorar más
rápidamente.

Recuerde, un énfasis principal en este

libro no está en dibujar la figura, sino en
usar la figura como una excusa para
entrenarse en el uso de varios principios
formales en una miríada de aplicaciones
artísticas.
Mi objetivo es que este libro pueda ser un
recurso beneficioso no solo para dibujar la
figura, sino también una introducción a la
figura que facilite el conocimiento y las
habilidades técnicas que son aplicables a
muchas otras actividades.

Dibujo de gestos
 Comencemos señalando algunas cosas que el gesto no significará
en esta etapa de la descripción de una figura. No implica
necesariamente expresar su estado emocional más íntimo. Tampoco
implica un movimiento desordenado y excitado del medio de
dibujo sobre y alrededor de la página. En la primera sección del
libro, el gesto se presenta de una manera más intuitiva, con el fin de
enfatizar la exageración. Posteriormente, se habla del gesto como
una representación de la columna. En ambos casos, a lo largo del
libro, un "dibujo de gestos" se considera el marco de todo lo que
planeas lograr. Además, piensa en "gesto" de una manera muy
abierta. "Gesto" podría ser lo mismo que una armadura es a una
escultura, o que una plataforma puede ser a una animación o
modelo 3D desarrollado, etc.

En esta etapa inicial, la atención se centrará en comunicar una idea

a un espectador o audiencia. Para comunicar una idea de manera
efectiva, debes comenzar por destilar todo lo que se ve en solo las
cualidades esenciales de la figura / personaje que tienes delante (o
en tu imaginación). A través de este proceso de dibujo, el objetivo
es llamar la atención más allá del dibujo de la figura y centrar la
atención en la mecánica básica que permite que esa figura se
manifieste. Siguiendo este razonamiento, aumentará todo su
conjunto de habilidades artísticas, mientras aprende a organizar ese
conjunto de habilidades de una manera que pueda producir una
figura.
Este capítulo es el más importante para el desarrollo continuo del
libro y debería ser algo que se estudie continuamente. También
comienza el proceso de dibujo. Es importante entender que este
proceso de dibujo es uno para diseñar la figura desde la
imaginación (o la vida) con énfasis en el pensamiento estructural.
Mi esperanza es que siga siendo lo suficientemente genérico como
para permitir la adición de otras influencias, estilos, etc.

En esta etapa, su objetivo es limitar los medios artísticos necesarios

para construir un sentido concentrado de intención. Intente hacer
solo líneas que tengan un significado o que pueda explicar cómo
intencionales para el desarrollo de su dibujo.

Las 8 partes del cuerpo

Al desarrollar un dibujo de gestos, es importante tener en cuenta que

está describiendo las ocho partes del cuerpo.
 Estas ocho partes incluyen:

- cabeza
- Columna vertebral
- Brazos (2)

- Pelvis
- Caja torácica
- Piernas (2)

Los elementos esenciales que describirá utilizando estas ocho partes

incluyen un sentido de historia y composición. Darle a la pose un
"sentido de historia" significa comunicar un sentido único de
posicionamiento o actitud. Cada persona tiene una forma específica
de sostenerse cuando se mueve. Al exagerar la "historia", le da a su
espectador una imagen convincente para experimentar. Al crear un
dibujo de gestos, esto implica desarrollar las proporciones de su
figura y darle a su figura una sensación de equilibrio y peso.

Las líneas más importantes para mostrar una figura son la curva "C",
la recta (línea) y la curva "S". Estas líneas reaparecerán
continuamente a lo largo del libro. En este proceso de dibujo, nunca
utilizará ningún otro tipo de línea.
Al verificar la proporción de la figura, trate de evitar realizar
mediciones metódicas y de almacenamiento. En cambio, base las
proporciones en lo que parece correcto después de establecer la
figura de la cabeza a los pies. Si parece incorrecto, cámbielo: el
dibujo aún se encuentra en una etapa inicial cuando la corrección es
fácil. La desventaja de medir lentamente la figura es que endurece las
poses. Concéntrese en la actividad: la proporción se puede corregir
más adelante.

Lo más importante a tener en cuenta al dibujar la figura es que el humano es esencialmente un acto de
equilibrio.
 Esta ilustración es un diagrama de la figura desde
el lateral y desde el frente.
En la vista lateral, la cabeza está suspendida sobre
la caja torácica por el ángulo delantero del cuello.
El cuello y la cabeza, a su vez, están equilibrados
por la caja torácica que empuja en el ángulo
opuesto.
La pelvis se mueve en sentido opuesto a la
inclinación de la caja torácica y las piernas
estabilizan el cuerpo en forma de una "S" grande.
La vista lateral nos muestra que el esqueleto está
diseñado de una manera que equilibra
naturalmente la figura.

El diagrama de arriba a la derecha muestra cómo se equilibra la

figura entre formas duras y blandas. La cabeza, la caja torácica y
la pelvis son grandes áreas de hueso equilibradas entre las áreas
más blandas de músculo y carne.
En un capítulo posterior, estudiaremos los grupos de anatomía
activos y pasivos que crean esta forma y equilibrio.

SIMETRÍA Y ASIMETRÍA
Para mantener esta cualidad natural de la forma humana como una constante en nuestros dibujos, necesitamos un
uso de la línea que enfatice continuamente las ideas visuales de equilibrio y movimiento.
 Comenzando solo con una curva "C" o "S", el enfoque
principal es colocar uno de los vértices de la curva más
alto que el que sigue.

el uso asimétrico de la línea (que se muestra a la

izquierda) es el uso principal de la línea que se debe
enfatizar al desarrollar un dibujo de gestos. Al mantener
los puntos altos de las curvas ligeramente desplazados, el
ojo se ve obligado a moverse a través de ellos. Esto le
brinda la posibilidad de tener un gran control sobre dónde
va el ojo del espectador y qué tan rápido. Ésta es una
forma de abordar la composición en una etapa muy
temprana del dibujo.

Evite el uso de líneas (que se muestran a la derecha), que,

en lugar de reproducir las curvas entre sí, usa espejos o
paralelos. Este enfoque cierra el formulario visualmente y
no permite un flujo entre formularios. Además, el
diagrama de la derecha no enfatiza un sentido natural de
equilibrio y movimiento, que son cualidades primordiales
para describir la figura.

Para mantener los dos ejemplos separados, intente

recordar que las líneas asimétricas le dan al ojo del
espectador una experiencia similar a un pinball,
siempre dirigiendo la atención a una línea en otra
dirección. Las curvas simétricas endurecen esa
experiencia en una apariencia con forma de
muñeco de nieve; en general, no asociamos a los
muñecos de nieve con una gran cantidad de
movimiento excitado.

REPETICIÓN Y CALENDARIO

además de utilizar la asimetría, la segunda cualidad

de la curva utilizada es la de repetición. Cada vez
que una curva o forma similar se repite dos o más
veces, provoca un movimiento visual.
En el diagrama de la derecha, estudie cómo las tres
curvas "C" colocadas una al lado de la otra
comienzan a empujar el ojo de izquierda a derecha.
El uso de curvas asimétricas además de las curvas
repetidas les da a sus dibujos gestuales un sentido sólido
de composición, fluidez y sincronización.
En el diagrama, observe cómo las curvas repetidas hacen
que el ojo disminuya la velocidad a medida que se mueve
a través de las curvas asimétricas dominantes.

Dependiendo de las diferentes combinaciones de línea

utilizadas, se pueden desarrollar diferentes experiencias
visuales y velocidades.
Los movimientos visuales rápidos y lentos son una
cualidad muy importante en el diseño de la figura en la
etapa del gesto.

Intente ralentizar el ojo (enfatizando las líneas repetidas

para producir más movimiento de lado a lado) en áreas
más complejas (áreas de intersección: sección media,
hombros, caderas, rodilla, codo) y acelerándolo a lo largo
de las formas (como líneas asimétricas que crean un
empuje más rápido hacia abajo).

Al jugar una cosa contra otra, mantendrá sus diseños tan

atractivos y realistas como sea posible. Además, le
presenta al espectador una experiencia más cercana a lo
que realmente vemos: escaneamos a diferentes
velocidades, demorando más en algunas áreas y pasando
por alto rápidamente otras. Rara vez vemos todo lo que
tenemos ante nosotros a un ritmo constante y constante.
Analice los dibujos de estas páginas para ver las ideas discutidas hasta ahora. En este punto, las ocho partes del
cuerpo se indican en una actividad exagerada. Se resumen en relaciones utilizando la curva recta, "C" y la curva
"S". Las curvas se utilizan asimétricamente para jugar con un sentido dinámico de sincronización y equilibrio.

LÍNEAS DE ENVOLTURA
El último tipo de curva que se utiliza en un gesto es la línea de envoltura. En un boceto rápido, las líneas de ajuste
son curvas que se mueven a través y alrededor de una forma para indicar la perspectiva.

Cuando se utilizan líneas que

envuelven un formulario, la
decisión más importante que
se debe tomar es si el
formulario se aleja o se
acerca al espectador. Se
dibuja una línea de envoltura
en la parte superior y a través
del otro gesto para describir
la forma en que la forma se
mueve a través del espacio.
En este dibujo, observe cómo
a la parte inferior de las
piernas se les han dado dos
tipos diferentes de líneas de en este dibujo
envoltura para indicar la Observe cómo la parte
ubicación espacial separada inferior de las piernas ha
de cada pierna. recibido dos tipos
diferentes de líneas de
envoltura para indicar la
ubicación espacial
separada de cada pierna.

Después de usar líneas envolventes, el último paso para crear un dibujo de gestos es incluir las formas de la
cabeza, la caja torácica y la pelvis.
Al hacer esto, tenga en cuenta que incluir estas formas será una herramienta poderosa para mostrar la proporción,
el peso y el equilibrio. En este punto, mantenga la forma de la cabeza muy simple como una esfera. La caja
torácica debe mostrarse como una conservadora forma de huevo que está de pie, mientras que la pelvis es un óvalo
acostado de lado.
Consulte el diagrama al comienzo de este capítulo para ver una ilustración de las formas

Trate de pensar en las líneas

envolventes como bandas
elásticas o cuerdas atadas
alrededor de una forma. El
objetivo de este ejercicio es
nunca trazar una línea recta
a través de su dibujo. De
ahora en adelante, use solo
líneas que viajen alrededor
de una superficie
imaginada. Esto
desarrollará una breve
forma / perspectiva para
usted y para el espectador.

Al igual que en el diagrama de la derecha, todas

las líneas de envoltura son contornos
volumétricos o líneas que viajan a través de la
superficie de una forma de lado a lado. A medida
que una forma cambia de dirección
espacialmente, las líneas reflejarán ese cambio.
Sin embargo, tenga en cuenta que nunca
utilizará una línea recta. El uso de una línea
recta, en este punto, comenzará a convertirse
en una referencia a una forma y comenzará a
engordar sus dibujos.
LA ESPINA

Desarrollar el gesto implica considerar todo el movimiento y la relación de las ocho partes de la figura. La más
importante de estas partes es la columna.

La columna vertebral es responsable de la

organización y equilibrio de las tres masas principales
(cabeza, caja torácica y pelvis), así como de brazos y
piernas.

Esta sección describe cómo la columna vertebral

influye en la figura y cómo esa influencia se muestra
en un dibujo de gestos. Esta sección también explica
el diseño inicial de las tres masas principales en
función de la influencia de la columna.

Después de volverse más intuitivo con el uso de la

línea y la curva, considere esos mismos elementos
en una relación más concreta con los movimientos
de la columna.

Recuerde, el objetivo es organizar su marcaje

de una manera que comunique los diseños
naturales de la figura.
El siguiente diagrama muestra cuatro ilustraciones diferentes de la columna, desde una vista de tres cuartos hacia
atrás. La columna vertebral es principalmente una curva en “S” en diseño; la complejidad es que la “S” debe
pensarse dimensionalmente.
Los dos primeros dibujos de la
izquierda muestran el diseño de
la columna utilizando solo una
línea
El primer dibujo se realiza
utilizando solo líneas rectas, que
ilustra los cambios de dirección
en las tres áreas de la columna:
cervical (cuello), torácica (caja
torácica superior e inferior) y
lumbar (caja torácica inferior y
pelvis). Comenzando desde el
triángulo inferior, observe que la
sección lumbar de la columna se
mueve hacia adelante y lejos del
ojo del espectador. A
continuación, la dirección de la
columna cambia y se inclina en
la dirección opuesta. A medida
que avanza hacia la sección
torácica, la caja torácica cambia
nuevamente de dirección a
medida que se mueve hacia
arriba y hacia el cuello. La
sección torácica luego se mueve
hacia el área cervical de la
columna.
VISTA FRONTAL TRES CUARTOS
El segundo dibujo de la
izquierda muestra cómo una
curva "$" ilustra este
movimiento complejo en una
línea fluida simple
El primero de estos dos
(segundo dibujo de la derecha)
es similar al primer dibujo de la
izquierda con el elemento
añadido de perspectiva.
Observe que se están
produciendo los mismos
cambios direccionales
bidimensionales, pero ahora
incluya los cilindros
construidos en la parte superior
para aclarar la forma en que la
columna vertebral se desliza por
el espacio.
El último dibujo de la derecha
usa curvas en “S” para
representar un diseño más
fluido para la columna, usando
elipses para delinear los
cambios de perspectiva y
superficie.
El diagrama anterior muestra la columna vertebral como si se viera en una figura
desde una vista frontal de tres cuartos. Se han utilizado los mismos tipos de líneas que
en la primera ilustración: rectas, curvas, cilindros y una forma más orgánica. Compare
la vista frontal con la vista posterior de la página anterior. Observe que todos los
movimientos detallados en la vista posterior ahora están invertidos en esta vista
frontal.
En la siguiente ilustración, se han utilizado las mismas líneas para mostrar la
columna de perfil.
 Después de un poco de experiencia con el dibujo de gestos, comenzará a notar que los pasajes o áreas
de la figura se pueden manejar de una manera muy formulada. Por ejemplo, siempre se utilizan las
mismas líneas para expresar direccionalmente los movimientos de la columna. Los diagramas
anteriores se hicieron para ilustrar la importancia de tratar de ver con visión de rayos X en la columna
vertebral como punto de partida para explicar la figura. Además, las dos primeras figuras tienen las
líneas de gesto agregadas para mostrar la influencia de la columna en su posición y dirección (diseño).
Siempre intente comprender qué está haciendo la columna vertebral; casi todo en la figura se puede
explicar como consecuencia de ello.

Centro de gravedad

Después de desarrollar la pose de su figura como un dibujo de gestos, a

El objetivo de usar el centro de
continuación, dará una descripción más concreta de las masas principales: la
gravedad es forzar la conciencia de
cómo la figura se mantiene erguida,
mientras crea la capacidad de
exagerar posiciones.
Siguiendo las ideas de equilibrio,
puede diseñar una inclinación 2-D
cabeza, la caja torácica y la pelvis. Manipular el centro de gravedad de la
figura en una mansión exagerada es esencial para crear una pose interesante.
En la parte superior del gesto, agregue una esfera para la cabeza, una forma
de huevo para la caja torácica y una forma de huevo horizontal para la pelvis.

un error común al dibujar la figura es mantener estas formas equilibradas y

rectas (dibujo central). Observe que todas las formas de las masas principales
tienen una relación igual y equilibrada con el centro de gravedad (que se
muestra como una línea vertical).
Crear una pose dinámica implica crear una sensación de tensión con el centro
de gravedad de la figura. Así como nuestras líneas de gestos iniciales crean
una sensación de movimiento con un desequilibrio en la ubicación de la
línea, debes coquetear con la idea de desequilibrio al dibujar las formas de la
cabeza, la caja torácica y la pelvis.
A la izquierda y a la derecha, observe cómo las masas principales se mueven
alrededor del centro de gravedad sin alinearse sobre él. La última pose es la
más dramática en su distribución de las masas en relación con el centro de
gravedad.

Después de identificar el centro de gravedad, el

siguiente paso es colocar las tres masas
principales: la cabeza, la caja torácica y la pelvis.

Debido a que la cabeza es una forma más compleja

que se aborda en un capítulo posterior, por ahora
manténgala como una forma de esfera simple. Al
colocar las formas

de la caja
torácica y la
pelvis,
asegúrese de
que sean
compatibles
con la
columna y
el equilibrio del gesto.
Antes de describir la forma de la pelvis o la caja torácica,
busque la línea de su inclinación (posición 2-D /
inclinación). Una forma fácil de encontrarlo es buscar la
pierna que soporta el peso. Cuando la mayor parte del peso
se coloca en una pierna, generalmente hace que esta gran
área de hueso se eleve, dejando caer el otro lado. Dibuja
esta línea de inclinación y luego coloca la forma en la parte
superior. Las opciones para la pelvis y la caja torácica se
muestran en los diagramas de esta página.

En esta primera etapa del dibujo, use la forma de huevo, que luego puede usarse para desarrollar
formas más complejas.

Hay cientos de configuraciones diferentes para la creación de una pose, y cada una se rige por el
efecto deseado y el contexto de una historia determinada. El siguiente ejercicio le ayudará a crear
una sensación de acción inminente y es un ejercicio que generalmente les doy a los estudiantes
que están atrapados en posiciones rígidas y simétricas. Si bien este ejercicio no es la solución a
cómo se debe pensar en cada pose, es una herramienta para usar cuando se piensa en la mecánica
de la figura y cómo se pueden usar estas mecánicas.
Las poses rígidas y simétricas, aunque son buenas para una sugerencia de poder, fuerza y / o
inmovilidad, a menudo carecen de un sentido de lirismo y exageración. En un esfuerzo por
avanzar hacia estos atributos más dinámicos en una pose, les pido a mis alumnos que se
esfuercen por crear una cualidad de "a punto de ...", que es una pose o posición en su dibujo que
se encuentra en algún lugar en medio de la acción, -paso, etc. El efecto "a punto de ..." es un
compromiso en el interés o resultado suspendido de la figura. Las posiciones estables y
simétricas mantienen la acción en estasis; la acción no ha comenzado o ha terminado. Una
posición de "a punto de ..." atrae a los espectadores haciéndoles anticipar el resultado de la
acción, con suerte queriendo completar el resto de la historia.

La diferencia entre una pose estable y una en acción está determinada por cómo se distribuye y
equilibra el peso. Si bien este enfoque se puede utilizar para analizar la mayoría de las
posiciones, aquí se demuestra con la figura de pie. Teniendo en cuenta las notas anteriores sobre
el centro de gravedad, construya un triángulo entre los pies y el ombligo o la nariz. En poses que
son muy estables, el triángulo en su mayoría parece muy estable en la parte inferior. Observe que
en posiciones exageradas o posturas fuera de equilibrio, el triángulo se ve más irregular.
Cuando desarrolle una pose con estas preocupaciones en mente, use el mismo enfoque discutido
hasta ahora. Comience con la cabeza, trabajando las líneas de gesto hacia abajo a través de la
pierna que soporta el peso. Esta organización de líneas de la cabeza a la pierna debe estar en una
línea diagonal que, a juzgar por el centro de gravedad, parece desequilibrada. Al agregar la
segunda pierna / de apoyo, colóquela cerca de la línea de gravedad para completar la postura de
desequilibrio. Este simple pensamiento que se le da a la ubicación de una figura creará la
cualidad de "a punto de ...", involucrando al espectador en la anticipación del resultado potencial
de la narrativa del dibujo.