TECNICA DE STELLA ADLER:

. El Actor tiene que ser, en gran medida, un interpretador

de textos. La maldición del actor es que ha elegido una profesión
que requiere estudio interminable. Su tarea es saber en qué
consisten las CC políticas de la obra que le toca interpretar, a qué
clase social pertenece su personaje, en qué estilo está escrita la obra,
cuáles son las ideas universales que el autor quiere transmitir. Esto
significa que debe leer, pensar y observar, para que cuando ponga su
imaginación a funcionar, esta tenga el suficiente material y
combustible para hacer su trabajo.
. “La Actuación es comportamiento humano ensamblado de maneras
nuevas e interesantes.”
. Lo que ocurra en el escenario debe ser más preciso, más
intenso y más interesante que lo que ocurre fuera de él.
. Todo personaje moderno está en problemas. No sería parte de una
obra si no lo estuviera. El Actor está obligado a desarrollar y
entender sus personajes independientemente de lo que dicen.
El Actor está obligado a entender el texto tanto como ser capaz de
ejecutarlo. Una Obra Teatral no está en las líneas más que en un diez
por ciento. El trabajo está en la obra y sus CC. Hay que resistir la
tentación de ir de frente a los textos, que solo son una expresión final
de lo que está pasando.
. La primera parte del trabajo en un personaje, es mejor hacerla solo:
encontrar en la obra las grandes ideas que tratan de comunicarse,
el tema, la forma, el estilo. Aquello que es importante y aquello que
no lo es. Solo después de esto, puede pasarse a la segunda etapa, que
implica ya el ensayo, la lectura en voz alta (solo o en la mesa de
trabajo), la interacción con el compañero. Debes comunicar el valor
real de cada palabra que dices y cada movimiento que haces, pero
nunca de manera automática; debes dejar sitio para la improvisación
y la espontaneidad, que es la tercera parte.
. “¡Sal de ti! ¡Trata de alcanzar! Si no tienes nada más que hacer,
Mira de Verdad. Nunca metas tu voz, cuerpo o sentimiento; siempre
sácalos. HAZLO, no lo digas. La tendencia de una obra es siempre
hacia temas grandes. Acostúmbrate a usar tu energía, cuerpo y voz a
plenitud.”
. “La utilidad, por otro lado, de “mantener adentro”, usada
sabiamente. Actores como Marlon Brando, cuya ira estaba siete
octavos bajo la piel y no en la superficie, sabían que es mejor la ira
contra Dios que una ira débil y pasajera.”

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. “Grandes cosas se derivan del texto, pero no todo. El actor debe
pensar, tanto o más que el autor. La obra y las palabras proveen solo
las pistas. No debemos ir, como actores, a las palabras. Estas deben
ser el resultado de la acción. No hay que anteponer nunca las
palabras a la acción. Deja que la acción te lleve a la palabra.”
. El Parafraseo es una técnica que debemos aplicar en todos los
textos. Nos permite entender mejor las ideas y hacerlas más
nuestras. Poniendo el texto en nuestras propias palabras, creamos
una mejor relación con él. Si lo entendemos también con el corazón,
y no solo con el cerebro, podremos comunicarlo mejor a los demás,
al público.
. “En toda gran obra habrá al menos una idea que es universal. La
lucha del hombre contra Dios, la familia, su sociedad, la moral. Es la
responsabilidad del actor encontrar estas grandes ideas en el
conflicto de valores y en la época de la obra. Gran parte del trabajo
de análisis es encontrar Qué es lo que Quiere el Autor.”

* Adler se centró en las Circunstancias Dadas, Personaje,

Imaginación y Acciones Físicas. Es imposible hablar de una sin
referirse a las otras tres.

Circunstancias
. La manera de acercarse a las Circunstancias es el DONDE. El
LUGAR tiene un profundo impacto en nuestra conducta. Y todo lo
que ocurre, ocurre en algún lugar.
. Adler prioriza, en cuanto a CC, el LUGAR donde estás. País, ciudad,
época, lugar de la casa, decoración, etc. Debe haber gran detalle en
todo, y lo que no podamos detallar con vestuario y utilería, debemos
detallarlo o personalizarlo con la imaginación. El LUGAR debe
significar y tener valores por oposición. Por ejemplo, ¿estoy en la
cocina o en la sala?
. La relajación viene de qué tanto las circunstancias que rodean al
actor tienen realidad para él. Así, lo primero que debe preguntarse
es ¿Dónde estoy? Solo cuando ha respondido a esta pregunta con
cuidado y profundidad, está listo para trabajar. Esto lo librará de la
tensión. Y puesto que ya pertenece a ese mundo, puede recién
HACER. Una razón por la que muchos actores se sienten
incómodos en escena es porque no han trabajado en las
circunstancias. Empiezan con las palabras. Pero es el LUGAR el que
te dirá como actuar. Cuando te preocupa el público es que no estás
realmente absorbido por el mundo de la obra. ¡La obra no está en las
palabras, sino detrás de ellas! No anteponer nunca las palabras a la
acción. Deja que la acción te lleve a la palabra.
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. Los autores modernos te dan mucho más que palabras. Te dan
Circunstancias. Toda obra teatral está ubicada dentro de una
situación social. Si el actor no entiende esta situación social, estará
actuando a ciegas. El personaje debe obtenerse de una clara
comprensión del contexto social de la obra: toda persona vive en su
propia época, proviene de una situación económica específica, vive
en una atmósfera religiosa, etc. Todo ser humano es resultado de
una situación política. Lo primero que te salvará de tener “solo” las
palabras de la escena, es la Situación Social.
. Solo cuando no conocemos las CC es que nos vemos obligados a
actuar, a fingir. Pero debemos acostumbrarnos a “actuar” lo menos
posible. Cuando dejamos que las CC nos digan qué hacer, todo
tendrá una razón. Todo lo que pasa y todo lo que hacemos no sucede
en el vacío abstracto, sino en CC muy específicas. Si es un jardín,
¿qué jardín es? ¿Te comportarías igual en el jardín de la embajada
francesa o en el de tu casa? Hay que entender la diferencia entre
estar en una biblioteca, un jardín, un restaurante. ¿Cómo se
comporta uno en cada uno de estos lugares? Lo que hagas, lo harás
diferente dependiendo de donde estés.
. La importancia de encontrar, en la geografía del lugar donde ocurre
la obra, cosas grandes e inspiradoras, que nos comuniquen el
sentido y espíritu de la obra.
. La primera pregunta es, ¿Dónde estoy? ¿Una cocina? ¿Cómo es?
Las líneas que digo y las cosas que hago, ¿Dónde las digo y hago? Es
la palanca. Hay que desarrollar el lugar. Las CC inmediatas son el
lugar pequeño, el cuarto, etc. Las CC mayores son la geografía,
estación y clima, tiempo y país. La imaginación debe ayudarnos a
desarrollar lo más posible lo que no se menciona de las CC. El texto
no te dará siempre los detalles sobre clima, CC, vestuario, momento,
etc, que son determinantes de formas, acciones y conductas.

Personaje
. Un elemento esencial de este arte es el delinear las diferencias entre
las personas: el trabajo de personaje, o caracterización. Un pintor
italiano, un diplomático chino y un campesino ruso se comportan de
maneras distintas entre sí. Caminan, hablan, piensan y se ríen de
maneras diferentes. Su pasado, educación, maneras físicas, moral,
etc, son distintas. Es el trabajo del actor reproducir estas
características propias de sus profesiones y nacionalidades, y no solo
eso, también poder discernir las diferencias individuales entre, por
ejemplo, dos pintores italianos. Podremos empezar desde afuera,
pero debemos movernos hacia adentro. Hay que crear al
personaje.
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. El Actor está obligado a desarrollar y entender sus personajes
independientemente de lo que dicen.
. El primer paso hacia la Creación del Personaje, decía Adler, es el
profundo entendimiento de las CC de la obra. Luego, concentrarnos
en las CC del personaje. Su profesión, nivel de educación, clase
social, vida familiar, relaciones, etc. Ahondar en los temas capitales.
La biografía detallada del personaje, y el diseño (siempre dentro de
los límites del texto) de su pasado y los incidentes anteriores
inmediatos, deben ayudar a iluminar al personaje y su presente. El
actor no puede utilizar cualquier detalle imaginativo. El pasado del
personaje, construido por ambos, autor y actor, debe iluminar la
conducta subsecuente del personaje. El pasado te dará el
personaje. La creación de este pasado le corresponde en buena
medida al Actor.
. ¿Cómo piensa el personaje? Hay que aprender a determinar los
asuntos capitales que determinan como piensa el personaje, y las
acciones que revelan al personaje.
. De inmediato empieza a crear cada rasgo de tu personaje que lo
diferencia de ti: tu voz, tu forma de caminar, pensamiento. Para
empezar, no te atrevas a hablar como lo haces tú. Los personajes de
Ibsen, por ejemplo, tenían un inmenso amor y respeto por el habla.
. ¿Dónde está tu personaje? En lo que dices, en cómo te mueves, en
cómo te sientas y lo que haces con la silla. ¿En qué lugar de la mesa
se sienta Petra? Propón al director que debe sentarse cerca de los
libros de su padre. Propón acciones que se deriven de tu estudio del
personaje.
. Al leer una obra, selecciona aquellas frases que revelan tu
personaje, que son importantes para él, o que lo definen (las frases
capitales.) Personaliza, desarrolla, entiende y define tus Puntos de
Vista. Lidia con las CC a través de la acción. Encuentra los
sentimientos que experimenta tu personaje, y encuentra las acciones
que despierten en ti esos sentimientos.
. Un actor debe desarrollar su sentido de la Verdad, para que su
diseño y construcción de personaje no entre en el terreno de la
falsedad. El diseño de todo lo físico debe pasar por un exhaustivo
trabajo físico, hasta que se conviertan en nuestra “Segunda
Naturaleza.” Las formas de caminar, gestos, etc, tienen razones
físicas y culturales que debemos encontrar. Los adjetivos deben ser
reducidos a “controles”, esto es, acciones físicas (también
psicológicas) que delaten la forma de ser del personaje, en lugar de
indicarla. Estas acciones deben ser hechas de verdad, diseñadas y
complicadas para que delaten las características del personaje.
. Así como el actor debe entender a plenitud y profundidad la
diferencia entre tomar agua de un vaso de plástico y tomarla de una
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taza de porcelana, el actor no puede entrar a escena sin haber
estudiado a profundidad el Pasado de su personaje. Imaginar en
detalle los primeros años de su personaje, su historia familiar, su
educación, experiencia profesional y relaciones personales. Es lo
primero en lo que hay que trabajar al aceptar un personaje. El
pasado de un personaje justifica por qué haces lo que haces.
. Varios factores juegan un rol crucial en la caracterización. Pero hay
dos vitales: clase social y profesión. El actor debe ser capaz de
saber cuáles son sus ideas y valores, basados en su profesión. La
técnica para interpretar una profesión empieza por la
construcción de un pasado creíble en esa profesión, y mediante
la imaginación, determinar cómo llegaste a pertenecer a esa
profesión y quién eres hoy dentro de ella. Observar esa profesión en
la vida real es una gran ayuda. Tener en cuenta el vestuario y utilería
necesarias en ella. Esta profesión, y la ejecución de sus haceres,
marcará el ritmo de tu personaje y te alejará del tuyo. Esto requiere
el ensayo de lo que implica tu profesión, una y otra vez. Y
observemos a un profesional en ese trabajo en diversos lugares, un
bar, una biblioteca, una iglesia. Observemos como su profesión
afecta su conducta en instancias familiares o entre amigos.
. El vestuario no solo retrata una convención visual; es parte
fundamental de la conducta: una corona hace que un actor se
mantenga erecto, aún después de que se la quite. Siente la sensación
que el vestuario te da y recuérdala. Una falda larga ayuda a la mujer
a moverse con más elegancia y gracia.

Acciones Físicas
. “El Actor debe experimentar la Acción en las Circunstancias.”
Aunque siempre se trate de HACER algo HACIBLE, que delate
nuestro estado de ser, en lugar de querer indicar dicho estado.
Nuestras Acciones (físicas o psicológicas) deben ser elegidas
cuidadosamente para que ilustren, cuenten la historia, iluminen las
circunstancias, nos hablen del lugar, etc. El mundo de estos autores
no es el nuestro ni el del público. La Acción nos debe apoyar para
hacerlo nuestro.
. Nuestras Acciones deben ilustrar quiénes somos y cómo es nuestra
psicología, debe revelar de dónde venimos y hacia dónde vamos (un
ejercicio es proponer entradas y salidas de escena que contengan
información, a través de la Acción, sobre el lugar del que venimos, el
lugar al que venimos, y el lugar al que vamos después.) Los objetos
no bastan; debe haber acción, y que sea interesante y registre. De la
misma forma, la manera como el personaje se viste es vital, pero no
se compara con lo que el personaje Hace.
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. El actor tiene el deber tener una profunda relación con todos los
objetos en escena. Todos estos objetos deben influir en su acción.
Las actividades, lo cual incluye la forma en que el personaje
manipula los objetos, mantienen ocupado al actor y le hablan al
público del periodo histórico y del personaje. Los detalles y las
acciones físicas revelan a nuestros personajes y hacen avanzar la
obra.
. El actor debe analizar exhaustivamente las CC de la escena. Debe
crear el mundo que lo rodea, dando Valores por Oposición. Esto
se manifestará no solo en sus reacciones instintivas (al saber,
reaccionará) sino también en el pre diseño de una serie de
Acciones. Por ejemplo, cada objeto que traes a escena y que
manipulas en ella debe hablarnos del mundo en que vives y las CC.
Debes entender y personalizar cada objeto con el que trabajas.
Tratar a cada objeto con imaginación. Por ejemplo, la manera
como manipulas un libro debe hablarnos de ese libro. ¿Es una Biblia
o el volumen de una enciclopedia?
. Los obstáculos ayudan a la acción, sobre todo a la Acción Física.
El actor debe ponerlos allí, si es que no los hay. El elemento del
Obstáculo facilita el crecimiento de la acción. “Haz que haya cosas
que se opongan a tu acción; acostúmbrate a usar sorpresas creativas
en la acción; siembra accidentes planeados. Y complementa con
urgencia en tu acción.” El Actor debe complicar sus acciones, y
estas complicaciones deben tener efectos en él.
. Objetos Físicos y Controles: Todo lo físico debe ser practicado
hasta que se convierta en nuestra “segunda naturaleza” y podamos
olvidarnos de él. Movimientos, gestos, expresiones, dialectos,
defectos físicos, en fin, todos los controles físicos, deberán ser
incorporados antes de que podamos actuar. Ensayados
exhaustivamente, hasta que no sea necesario “actuarlos.”
. La concentración en el hacer de la acción disminuirá la distracción
y liberará la tensión y ansiedad propias del actor. “Pero ten
espontaneidad. Si algo te gusta, responde inmediatamente a eso.
Actuar es Hacer. Llénate de material (imágenes, sobre todo) pero
Particularízalo y Economízalo. No permitas que cosas
innecesarias debiliten tus imágenes. ¡No seas general!”
. “Siempre sé capaz de terminar lo que estés haciendo; conocer el
Final de una acción te dará la seguridad para hacerla. Cada vez
nueva, Hazla, no la repitas. Las cosas, en cada función, deben ser
hechas de verdad.”
. “¡Justifica todas tus acciones!”
. Una Acción es algo que Haces. El Como de la Acción está dictado
por las CC. Tocar una puerta es una Acción. Tocarla suave, fuerte o

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rápido depende de las CC. Las acciones ocurren en CC específicas, y
toman su forma de ellas.

Imaginación
. No hemos hablado de otra cosa. Todo debe ser más vívido,
emocional e interesante que en la vida real. “Hasta que un objeto
o un asunto no haya pasado por el tamiz de tu imaginación,
es mentira.” Esto tiene que ver con la Personalización, o la
generación de información. No basta la experiencia real de algo;
siempre la imaginación nos provee de significados y colores más
vívidos. Esto tiene que ver con lo que tenemos en nuestra mente y
nuestro corazón. Lo que imaginamos nosotros, significa para
nosotros. Es, casi siempre, un ejercicio de Asociación Libre: generar
información sobre algo, hacer que crezca nuestra memoria.
Debemos general información visceral sobre ese algo. “Haz que cada
rincón, que cada objeto sea significativo para ti.” Debemos tener un
punto de vista visceral sobre todas las cosas.
. Adler propone el pasar todos los asuntos del personaje por la
Imaginación y el Trabajo Físico. De la misma forma otros proponen
la Exploración Sensorial y mediante la Acción de todo lo físico en
escena, toda el mobiliario y la utilería. Es parte del proceso de “hacer
nuestro el lugar.”
. El detalle es vital. Hay que Personalizar todo. Crear y especificar
por OPOSICION. El nivel de detalle es importante. Cuanto más
detalle mejor. Todo es más real e interesante si diseñamos, al
mínimo detalle, un mundo visceral, específico y significativo
alrededor nuestro, con ayuda de nuestra Imaginación y
permaneciendo fiel a las CC de la obra.
. La Personalización de Stella Adler, implica pasar todos los
asuntos y todos los objetos en escena por el tamiz de la imaginación.
Recomendaba también el Trabajo Sensorial con Objetos y los
Ejercicios de Asociación Libre.
. Solo si no hemos preparado nuestro trabajo es que estaremos
nerviosos sobre el escenario, si por ejemplo, tomamos un objeto y es
solo eso, un objeto, y no algo que hayas pasado por tu imaginación,
que has personalizado, con el cuál tienes una relación. O si no has
trabajado en la escenografía y en el lugar con tu imaginación.