Introducción

La fotografía es una de las artes contemporáneas, que al igual que la pintura, la escultura o
la música pretenden ser una forma de expresión del artista para expresar emociones,
sentimientos y pensamientos. La idea de la fotografía surge como síntesis de dos
experiencias muy antiguas. La primera, es el descubrimiento de que algunas sustancias son
sensibles a la luz; la segunda fue el descubrimiento de la cámara oscura. El descubrimiento
de las sustancias fotosensibles se remonta a muchos años de antigüedad. El hombre observó
por ejemplo que, al retirar un objeto dejado durante algún tiempo sobre una hoja verde, ésta
conservaba la silueta del objeto.
La fotografía es una forma de expresión, que vemos constantemente en nuestros días.
Libros, revistas, periódicos, publicidad, cine, tratan de mostrarnos sus ideas, conceptos o
productos. Puede ser tan cruel y real como la imagen de un niño de Etiopia, o la guerra de
Irak, tierna como un atardecer, una flor, o una beba glamorosa como suelen ser las
imágenes que se usan para vendernos algún producto.
Los conceptos de la fotografía son fundamentales para cualquier usuario que se esté
iniciando en el mundo fotográfico. Independientemente de tus medios materiales, tener una
base sólida de las principales nociones básicas de la fotografía digital es clave para capturar
mejores imágenes y mejorar tu fotografía. Por esa razón, os traemos esta guía de fotografía
para poder iniciaros en los conceptos básicos de fotografía.
Exposición
La exposición es el principal concepto básico de fotografía.
Fotografiar consiste en capturar la luz, y la exposición se puede definir como la cantidad de
luz que capta tu cámara, con el objetivo de que se pueda apreciar todo el detalle en las luces
y las sombras.
A partir de este concepto, encontramos los fenómenos de sobrexposición (foto realizada
con poca luz entrante) o sobreexposición (foto con exceso de luz entrante). Aunque lo ideal
sería una exposición correcta para plasmar la cantidad adecuada de luz, los otros dos
fenómenos no implican una pérdida de calidad necesariamente, ya que se puede jugar con
estas características para crear imágenes de forma creativa.
Apertura
La apertura de diafragma es el primero de los conceptos básicos de fotografía que calibra la
exposición fotográfica.Como ejemplo, podemos tomar las pupilas de los ojos humanos:
cuanto más abiertas se encuentran, más luz percibimos, y cuanto más cerradas las tenemos,
menos cantidad de luz dejamos pasar.
Cuanto más abierta sea la apertura, más luz mostrará la imagen y cuanto más estrecha sea la
apertura, más oscura será.La apertura máxima y mínima de la lente se define mediante un
valor conocido como «F-stop». Cuanto mayor sea el número F-stop, más estrecha será la
apertura del diafragma y viceversa.
Velocidad de obturación
El segundo factor relacionado con la exposición es la velocidad de obturación, que se
define como el tiempo que el obturador de la cámara está abierto capturando luz. Una
velocidad de obturación más corta dará como resultado una imagen más oscura, por contra,
una velocidad de obturación más larga capturará una imagen con más luz.
ISO
El tercero de los conceptos básicos de fotografía relacionados con la exposición es el ISO.
Este funciona aumentando la información de luz capturada por el sensor de la cámara.
Cuanto mayor sea el ISO, más luz tendrá la imagen y cuanto menor sea el ISO, más oscura
será.
Además, tiene un importante efecto secundario conocido como ruido digital. A medida que
aumentes el ISO, tu imagen tendrá más luz pero también tendrá más ruido digital, que es un
elemento que afecta directamente a la calidad de la imagen.
Triángulo de exposición
Usar el triángulo de exposición es uno de los mejores conceptos básicos de fotografía para
principiantes, y una vez que lo entiendes, es muy fácil ponerlo en práctica.
Profundidad de campo
Uno de los conceptos básicos de fotografía digital es la profundidad de campo, definido
como el espacio en la imagen que está aceptablemente nítido y enfocado. Se puede decir
que hay poca profundidad de campo cuando una parte pequeña del encuadre está
aceptablemente nítida, mientras que hablamos de una gran profundidad de campo cuando
se considera que una gran parte de la escena está enfocada.
La profundidad de campo se ve afectada por varios factores:
Apertura: Cuanto mayor sea la apertura, menor será la profundidad de campo.
Distancia focal: Cuanto mayor sea la distancia focal, menor será la profundidad de campo.
Distancia de enfoque: Cuanto más cerca esté el sujeto de la lente, menor será la
profundidad de campo.
Tamaño del sensor: Cuanto menor sea el tamaño del sensor de la cámara, mayor será la
profundidad de campo (*usando la misma distancia focal).
Distancia focal
La distancia focal es una noción fotográfica vital que debes comprender para crear tus
imágenes y elegir los objetivos que necesitarás en tu equipo. Funciona clasificando cada
objetivo en milímetros desde el centro óptico de la lente hasta el sensor. Dependiendo de lo
corta o larga que sea la distancia focal, esto tendrá un impacto directo en el campo de visión
de tus imágenes y en otros aspectos como la profundidad de campo.
Las distancias focales más cortas, como las lentes gran angular, tendrán un ángulo de visión
amplio, mientras que las distancias focales más largas, como los teleobjetivos, tendrán un
ángulo de visión más estrecho. También puede distorsionar ángulos de visión amplios y
crear magnificación en ángulos de visión más estrechos.
Tamaño del sensor
El tamaño del sensor de la cámara es otro de los conceptos básicos de fotografía. No existe
un peor o mejor tamaño de sensor, sino diferentes tamaños de sensor para los
requerimientos que tengamos.
El tamaño que se utiliza como referencia en fotografía digital es el tamaño clásico de sensor
de 35 mm, también conocido como «Formato Completo» o «Full-Frame». Si el sensor es
más pequeño que este tamaño, se le llama “recortado”, y si es más grande, “formato
medio”.
Por ejemplo, una noción fotográfica básica en fotografía nocturna es usar un sensor con
píxeles más grandes, ya que estos capturan mejor la luz y disminuirán el ruido digital. Los
sensores más pequeños ofrecerán más alcance y mayor aumento para fotografiar sujetos
lejanos, como en fotografía de fauna.
En cámaras con sensores más grandes, la profundidad de campo será más pequeña. Un
ejemplo es la fotografía de retrato, donde los fotógrafos suelen disparar con sensores más
grandes para disminuir la profundidad de campo y conseguir un mayor efecto bokeh.
El Enfoque
El enfoque consiste en ajustar la lente para encontrar la máxima nitidez, contraste y
resolución a la hora de llevar a cabo cualquier fotografía
Hay dos formas de enfocar en fotografía digital:
Enfoque Manual: Usando tus manos para ajustar el anillo de enfoque hasta obtener el mejor
enfoque.
Enfoque automático («Autofocus»): Usando los motores internos de la cámara y el objetivo
para enfocar en un sujeto determinado.
El uso del enfoque manual o el autofocus dependerá del tipo de fotografía que hagas.
Siguiendo los ejemplos de otros apartados, en la fotografía nocturna es mejor usar el
enfoque manual, mientras que en otros géneros como fauna o deportes, el enfoque
automático es más rápido y facilitará las cosas.
En algunos géneros, como en fotografía de paisaje, puedes enfocar a una distancia
específica que te ayudará a lograr la máxima profundidad de campo (o nitidez aceptable).
Esta distancia se llama distancia hiperfocal y es uno de los mejores conceptos básicos de
fotografía para aprender y poner en práctica. Michael J. Langford se refiere a ella como “la
distancia que existe entre el objetivo y el punto más próximo de foco aceptablemente
nítido, cuando el objetivo está enfocando hacia el infinito. Cuando lo está para la distancia
hiperfocal, la profundidad de campo se extiende desde la mitad de esta distancia hasta el
infinito”.
Nitidez
La nitidez es uno de los conceptos básicos de fotografía más sencillos de entender. Es la
claridad con la que se capturan y procesan los detalles en una imagen. La nitidez se ve
influida por multitud factores, como la resolución del sensor, la lente e incluso algunos
fundamentos básicos de la fotografía que ya hemos visto, como la apertura, la velocidad de
obturación y el ISO.
La distancia de visualización es otro factor importante que afecta la nitidez. Por definición,
la percepción de nitidez aumenta a medida que aumenta la distancia de visualización de la
imagen. Un ejemplo de un buen producto con distancia de visualización son las vallas
publicitarias, pues tienen una resolución muy pequeña cuando se miran de cerca, y a su vez
son claramente visibles a distancias lejanas.
Configuración óptima básica para la cámara
Atendiendo a los conceptos básicos de fotografía que hemos ido desarrollando, esta es la
mejor configuración de cámara para aquella persona que quiera iniciarse en la fotografía
digital:
Apertura: f/1.8 – f/5.6 en condiciones de poca luz o para una profundidad de campo más
estrecha, y f/8 – f/16 para profundidad de campo más amplia
Velocidad de obturación: De 30 segundos a 1/4000 de segundo en función de la escena.
ISO: 100-3200 en cámaras de iniciación y 100-6400 en cámaras más avanzadas
Modo de cámara: Modo de cámara manual o modo de prioridad a la apertura
Modo de medición: Matriz/Multi/Evaluativa según tu modelo de cámara
Modo de enfoque: AF-S para sujetos estáticos y AF-C para sujetos en movimiento
Área de enfoque: Punto único para imágenes fijas y dinámica/zona para sujetos en
movimiento
Balance de blancos: WB automático
Formato de archivo: Archivo RAW (más JPEG si no vas a editar tus imágenes)
Modo de manejo: Disparo único para imágenes fijas y continuo para sujetos en movimiento
Reducción de ruido de larga exposición: Desactivado
Reducción de ruido de ISO alto: Apagado
Espacio de color: sRGB
Estabilización de imagen: Activada al disparar sin trípode y desactivada al disparar desde
un trípode
HDR/DRO: Desactivado
Modos de la cámara
Los modos de la cámara son los controles de la cámara que permiten al fotógrafo elegir
cómo ajustar los parámetros básicos de exposición de apertura, velocidad de obturación e
ISO. Estos son los principales modos en la mayoría de cámaras digitales:
Modo Automático Programado («Modo P»): Con este modo, la cámara establece
automáticamente la velocidad de obturación y la apertura
Modo de prioridad a la obturación («Modo Tv/S»): Tú ajustas la velocidad de obturación y
la cámara selecciona la apertura.
Modo de prioridad a la apertura («Modo Av/A»): Tú fijas la apertura y la cámara establece
la velocidad de obturación.
Modo de cámara manual («Modo M»): Tú seleccionas todos los ajustes principales en la
cámara.
Modos de medición
Los modos de medición son la forma en que tu cámara calcula la luz de la escena. En
fotografía, esto se puede hacer usando el exposímetro incorporado en la cámara o a través
de un dispositivo de mano.
Comprender cómo funciona la luz en la fotografía es uno de los conceptos básicos de
fotografía y es el primer paso para aprender las diferentes formas en que tu cámara puede
calcular la luz de la escena.
Los modos de medición básicos para calcular la luz son los siguientes en la mayoría de
cámaras digitales:
Medición múltiple/matricial: Este modo evalúa la luz de toda la escena dividiendo el
encuadre en diferentes zonas.
Medición ponderada al centro: Este modo utiliza el centro del encuadre para medir la luz de
la escena.
Medición puntual: Con este modo, la cámara utiliza un solo punto de enfoque para leer la
luz.
Modos y áreas de enfoque
Los modos de enfoque te ayudan a decidir si quieres que tu cámara bloquee el enfoque en
un sujeto u objeto o que siga ajustando el enfoque a medida que el sujeto se mueve por el
encuadre.
Los dos modos de enfoque principales son:
Modo de autoenfoque único (AF-S/AF one-shot): La cámara fija el enfoque en un sujeto y,
si el sujeto se mueve, tendrás que presionar el botón de enfoque nuevamente y repetir el
proceso. Ideal para imágenes fijas, paisaje, macro, astro, etc.
Modo de autoenfoque continuo (AF-C/AI-Servo): Después de enfocar, la cámara seguirá al
sujeto cuando éste se mueva dentro del encuadre. Ideal para acción, fauna, deportes y
sujetos dinámicos en general.
Pasando a las áreas de enfoque, estas te ayudarán a establecer dónde quieres que la cámara
busque el enfoque dentro de una escena.
Para hacer esto, tu cámara utiliza diferentes puntos de enfoque y tecnología. De forma
resumida, estas son las principales áreas de enfoque en fotografía:
Área de enfoque de punto único: Te permite seleccionar un solo punto de enfoque. Ideal
para paisajes y sujetos estáticos en general.
Área de enfoque dinámica: Si el sujeto se mueve, la cámara utilizará varios puntos de
enfoque para seguirlo. Ideal para fauna, deportes y sujetos dinámicos en general.
Área de enfoque automática: La cámara decide automáticamente los mejores puntos de
enfoque.
Balance de blancos
El balance de blancos es uno de los conceptos básicos de fotografía más sencillos. Es un
principio fotográfico cuya función es hacer que los colores de tu imagen se vean de forma
natural sin que se vean afectados por el color de la fuente de luz principal. El balance de
blancos está relacionado con la temperatura de color, que se mide en «Kelvin» o «K».
Cuanto mayor sea el número K, más frío será el color.
En tu cámara, tendrás varias opciones de balance de blancos:
Balance de blancos automático (AWB): La cámara ajusta automáticamente la mejor
configuración de balance de blancos.
Ajustes predeterminados (Balance de blancos semiautomático): La cámara incluye
diferentes modos predeterminados relacionados con diferentes temperaturas de color.
Ajuste manual (balance de blancos personalizado): Te permite ajustarlo manualmente bien
creando un balance de blancos personalizado o configurando un número Kelvin específico.
Composición
La composición es el lenguaje de la fotografía y, utilizando diferentes elementos y reglas de
composición, podrás capturar y dar forma a tu mensaje visual. Cuando compones tu
imagen, debes ordenar los elementos de la escena para que éstos sean atractivos para el
espectador y poder representar tu mensaje visual de la manera más armoniosa posible.
La composición se puede dividir en diferentes partes:
Reglas: Como la regla básica de los tercios, el triángulo dorado, la regla del espacio, la
espiral dorada, la regla de los impares, etc.
Elementos: Como líneas guía, curvas, formas geométricas, colores, etc.
Técnicas: Como simetría, equilibrio, repetición, patrones, escala, etc.
Todos estos fundamentos son conceptos básicos de fotografía que tienes que aprender si
quieres capturar las mejores imágenes posibles de acuerdo con tu visión y desatar el
profesional que llevas dentro.
El equipo fotográfico
El equipo básico de fotografía debería incluir los siguientes elementos:
Las cámaras digitales: Lo básico es una cámara digital, preferiblemente si se trata de una
cámara réflex o sin espejo con objetivos intercambiables.
Lentes/objetivos: Son tan importantes como las cámaras para capturar imágenes de calidad.
Las principales lentes se pueden dividir en una amplia gama, desde objetivos de ojo de pez
de 7-8 mm hasta superteleobjetivos de 600-800 mm.
El tipo de lente y la distancia focal dependerán completamente del tipo de fotografía que
quieras hacer. En la mayoría de situaciones, tus imágenes estarán en el rango de 14-400
mm. La luminosidad de la lente también es crucial. Los objetivos con una gran apertura,
como f/1.8 o f/2.8, suelen estar destinados a realizar retratos y fotografías con poca luz
como la fotografía nocturna.
Trípodes: Un trípode resistente será esencial en géneros de fotografía relacionados con la
estaticidad del sujeto u objeto.
Filtros fotográficos: Este tipo de filtros te permitirán crear largas exposiciones y lograr
efectos creativos en tus imágenes.
Hay muchos otros accesorios de equipo como mochilas fotográficas, tarjetas SD, baterías,
etc., y otros que podrías necesitar según tu fotografía, como cajas de luz profesionales,
flashes y luces externas, guantes de fotografía, etc.
Edición
Uno de los últimos conceptos básicos de fotografía consiste en la edición final y el
procesado de nuestras imágenes.
Los fundamentos básicos de la edición en fotografía tratan sobre lograr un equilibrio en la
exposición entre las luces y las sombras, enfocar la imagen, gestionar el color y, en general,
ajustar la imagen final.
Algunos fotógrafos también utilizan el post-procesado para crear efectos artísticos que
puedan representar su visión. Esto, por supuesto, depende de tu gusto personal, pero la
edición y el procesado son aspectos fundamentales de la fotografía que necesitas saber para
tener imágenes completas.
Para cualquier fotógrafo principiante que se inicie en fotografía, siempre es recomendable
consultar tutoriales de edición de fotógrafos profesionales, así como iniciarse en el manejo
de programas de edición con los que obtener resultados en pocos clicks.
Tips básicos para principiantes en fotografía
No podríamos terminar esta guía de conceptos básicos de fotografía sin algunos consejos de
cara a facilitaros la comprensión a la hora de entrar en este mundo:
1. Comprende cómo funciona la luz en fotografía.
2. Iníciate en la fotografía disparando en Raw
3. Prueba sin miedo el modo manual de la cámara
4. Aprende a sujetar la cámara correctamente
5. Sé consciente de la importancia de un trípode cuando te inicies en fotografía y la
imagen lo requiera
6. Tómate tu tiempo para estudiar las imágenes, hacer zoom y mejorar aspectos
erróneos
7. Estudia y analiza tantas fotografías profesionales como sea posible
8. Pide comentarios y crítica constructiva a otros fotógrafos
9. Lleva tu cámara contigo siempre que puedas
10. Céntrate en el proceso, no en los resultados. Pues estos llegarán.
Origen de la fotografía en Venezuela
Es en 1.840 que los Venezolanos a través del diario El Correo de Caracas se enteran del
descubrimiento de la fotografía. Según esa noticia los inventores fueron Daguerre y Talbot,
ya que, Louis Jacques Mandè Daguerre, se hace socio de Niepce creador original y logra
perfeccionar su invento. Inicialmente se conocerá con el nombre de Daguerrotipo, haciendo
honor a quien se supone su creador Louis Jacques Mandé Daguerre.
La fotografía ingresó lentamente a Venezuela. El Sr. Soñiz, natural de España a través de la
prensa de la época anuncia que introducirá en Venezuela el descubrimiento del siglo XIX.
Salvá, aparece de pronto como el segundo daguerrotipista del que se conoce en Venezuela.
Luego las máquinas de Salvá fueron adquiridas por Juan Vicente González, escritor y
periodista, quien comienza a ofrecer los servicios como Daguerrotipista a partir del 18 de
julio de 1842, colocando un aviso en la prensa.
Poco tiempo después otro anuncio ofrece los mismos servicios, indicando la misma
dirección pero esta vez firmado por José Antonio González, quien incorpora la oferta de
retratar a domicilio.
Fernando Le Bleux funda en 1843 la 1era academia de daguerrotipo de la que se tenga
conocimiento en Venezuela. Federico Lessmann primero como litógrafo y luego como
fotógrafo logra fotografiar la época pre-Gumancista. En 1861, los hermanos Celestino y
Gerónimo Martínez se dedican a la enseñanza de la fotografía en Caracas, trayendo sus
equipos desde Bogotá.

Fotografía Artística se llamaba el estudio fotográfico de los artistas de las artesplásticas

Martín Tovar y Tovar y José Antonio Salas.
El país a pesar de sus guerras y crisis económicas sigue en desarrollo, esto hace crecer el
comercio y este a su vez permite el nacimiento de nuevas clases sociales con posibilidades
de costear los servicios fotográficos. Comienzan pues a instalarse estudios de fotografía. Es
importante destacar que en principio las fotografías eran solicitadas por personas
adineradas y del mundo de la política, después se fue popularizando.
Un fotógrafo de apellido Manrique, tenía un registro fotográfico de militares, políticos y
gente del quehacer de la vida pública nacional. Fotografiarse con Manrique significaba
prestigio y status social.
Es en 1.872, que James Mudie Spence, inglés, realiza la primera exposición de fotografía
en la Exhibición de las Bellas Artes en el Café del Ávila en Caracas.Es en pleno Gobierno
Gumancista que surge un fotógrafo reconocido como una prominente figura: Enrique Avril.
Este se encarga de registrar no solo las actividades u obras del gobierno, sino que retrataba
la familia presidencial.
Es Avril, una especie de reportero grafico, ya que logra captar con su cámara imágenes
decadentes de la crisis política y económica que Venezuela atraviesa en la era Post
Gumancista. La primera publicación de un medio de comunicación impreso con fotografías
(gráficas) fue la de El Zuliano Ilustrado, en 1889.
Ya en el Gobierno del General Cipriano Castro hay un fotógrafo muy famoso de apellido
Toro quien era llamado afectuosamente Torito. Este fotógrafo vivía en la Pastora y
podemos señalarlo como el fotógrafo oficial tanto de Castro como de Juan Vicente Gómez.
Son muchas las anécdotas de Torito, entre ellas hay una que señala que era la única persona
que podía hacer quedarse tranquilo a general Gómez, cada vez que le tomaba una fotografía
le advertía “quédese quieto mi General” y Gómez respondía, “que broma la de Torito.”
Ya en la década de los años 1930 y 1940, se desarrolla el uso de la fotografía en Venezuela.
Alfredo Boulton trata de hacer arte con la fotografía exponiendo desnudos en el Ateneo de
Caracas. La Asociación Venezolana de Periodistas (AVP) es fundada en 1941.
El “fotoreporterismo” es protagonizado por reporteros gráficos como Emilio Ugueto,
Edmundo Pérez, Juan Avilán, José y Luís Noguera.
En 1950, Carlota Blanco Tovar, una de las iniciadoras de la fotografía en nuestro país,
dicta clases y talleres en el Ministerio de la Educación y luego en el Centro Audiovisual
Nacional y fue figura relevante en el Sindicato de Radio y Televisión.
En la actualidad, hay fotógrafos venezolanos reconocidos en el mundo tales como: Luis
Brito, Ray Escobar, Garrido, quienes con mucha experiencia y talento siguen aportando sus
esfuerzos para el conocimiento y desarrollo de la fotografía como arte y técnica.
Tan importante es la fotografía, que existen cátedras de la materia en distintas
universidades inclusive ya existiendo como carrera universitaria. La historia de la fotografía
representa un indicativo de la capacidad del hombre en la búsqueda del conocimiento, el
porqué de las cosas y todo aquello que signifique la posibilidad una vida mejor. No solo es
importante la fotografía desde el punto de vista estético, sino por su aporte al desarrollo y
crecimiento del hombre. La aplicación de la fotografía a los distintos campos del saber son
parte fundamental de lo que debemos reconocer.
[http://edgaralfredocardenaspalacios.blogspot.com/2011/08/brevehistoria-de-la-
fotografia.html]

El origen de la fotografía
comienza en el año 1839, con la difusión mundial del procedimiento del daguerrotipo,
desarrollado y perfeccionado por Daguerre, a partir de experiencias previas inéditas de
Niépce.
El "año cero" es 1839. Pero sus antecedentes arrancan con el descubrimiento de la cámara
oscura, y las investigaciones sobre el ennegrecimiento de las sales de plata.
La fotografía nace en Francia, en un momento de tránsito de la sociedad preindustrial a la
sociedad industrial, favorecida por las innovaciones técnicas de la época. También influye
en su nacimiento la Filosofía positivista, que establece que cada elemento de la Naturaleza
debe ser probado empíricamente. La Burguesía es la clase social dominante del momento,
que utiliza el retrato como instrumento de verificación y afirmación del ascenso social.
En 1816 Niépce obtiene una primera imagen negativa, imperfecta e inestable, con una
cámara oscura. En 1826, consigue su primera Heliografía, partiendo del betún de Judea o
Asfalto.Louis Daguerre se asocia con Niépce, para seguir las investigaciones. Pero en 1833
fallece Niépce, y Daguerre continúa en solitario hasta obtener un procedimiento fiable y
comercial. El daguerrotipo se presenta en 1839 en la Academia de Ciencias y Bellas Artes
de Francia.
Ese mismo año 1839 se divulga mundialmente el procedimiento del daguerrotipo. El
sistema consiste en la obtención de una imagen sobre una superficie de plata pulida. Para
economizar, normalmente las placas eran de cobre plateado, pues sólo era necesario
disponer de una cara plateada. La imagen se revelaba con vapores de Mercurio,
apareciendo en la cara plateada de la placa, que previamente se había sensibilizado con
vapores de Yodo. Pero era un procedimiento caro, y el equipo pesado, y precisaba de un
tiempo de exposición alto, de varios minutos, al principio. Además, los vapores de
mercurio eran realmente dañinos para la salud.
En 1840 William Henry Fox Talbot desarrolla un sistema negativo-positivo, en otro
procedimiento llamado Calotipo. Consistía en obtener un negativo de papel, que luego por
Contacto era Positivado sobre otra hoja de papel. El papel se humedecía en una solución
ácida de Nitrato de plata, antes y después de la exposición y antes de ser fijada. Supuso el
invento de la copia fotográfica, ya que un único negativo podía dar lugar a varios positivos.
En 1842 el astrónomo y químico inglés Sir John Frederick William Herschel introduce el
proceso llamado Cianotipia. También fue el primero en aplicar los términos "positivo" y
"negativo" a las imágenes fotográficas. En 1819, Herschel descubrió el poder solvente del
hiposulfito de sodio en torno a las sales de plata insolubles, estableciendo un precedente a
su utilización como un agente fijador en la fotografía. Informó a Talbot y Daguerre de su
descubrimiento en 1839 y que éste podía ser utilizado para fijar imágenes de un modo
permanente. Hizo el primer negativo de cristal a finales de 1839.
Para mejorar la nitidez de las imágenes, evitando las rugosidades del papel, en 1850
Blanquart Evrard emplea el Papel de albúmina. En estas copias a la albúmina, las fibras del
papel están recubiertas con una capa de albúmina de huevo. Luego este papel se
sensibilizaba en nitrato de plata.
En 1851 se presenta el nuevo procedimiento fotográfico del Colodión húmedo. El colodión
se vierte líquido sobre las placas de Vidrio, muy limpias. A continuación las placas se
sensibilizan en un tanque con nitrato de plata, y se cargan en los chasis. Permite la
obtención de imágenes negativas muy nítidas. Se llama "colodión húmedo" porque la placa
ha de permanecer húmeda durante todo el procedimiento de toma y revelado de las
imágenes. Esto suponía que los fotógrafos tenían que llevar consigo un laboratorio
fotográfico portátil, a fin de preparar la placa antes de la toma y proceder a revelarla
inmediatamente. Se generalizó así el uso de tiendas de campaña y carromatos reconvertidos
en laboratorios para los fotógrafos de viajes que trabajaban en el exterior.
A partir de 1855 es cuando realmente triunfa el colodión, siendo el procedimiento
mundialmente más usado hasta 1880. Entre los fotógrafos más importantes que trabajaron
en España, en este periodo, empleando los negativos de vidrio al colodión, hay que citar al
británico Charles Clifford, al francés J. Laurent, y al español José Martínez Sánchez.
En [[1871] nace el procedimiento de las placas secas al Gelatino-bromuro, que supone el
empleo de una placa de vidrio sobre la que se extiende una solución de bromuro, agua y
gelatina sensibilizada con nitrato de plata; que ya no necesita mantener húmeda la placa en
todo momento. Se rebaja el tiempo de exposición a un cuarto de segundo, lo que permite
posteriormente acercarse al concepto de Instantánea fotográfica. Pero las placas al gelatino-
bromuro solamente triunfaron después de 1880.
En 1888, George Eastman lanza la cámara Kódak. Su gran éxito comercial fue la
introducción en el mercado del carrete de película fotográfica, lo que provocó la progresiva
sustitución de las placas de vidrio.
En 1907 la fábrica Lumière comercializa laFotografía en color. Son diapositivas o
transparencias en vidrio, conocidas como Placas autocromas o Autochrome.
En 1931 se inventa el Flash electrónico, que se utiliza sobre todo cuando la luz existente no
es suficiente para tomar la fotografía con una exposición determinada. El flash es una
fuente de luz intensa y dura, que generalmente abarca poco espacio y es transportable.
En 1948 nace la Fotografía instantánea de Polaroid: una cámara que revelaba y positivaba
la imagen en tan solo 60 segundos.
Finalmente, en 1990, comienza la Digitalización del ámbito fotográfico: las imágenes son
capturadas por un sensor electrónico que dispone de múltiples unidades fotosensibles y
desde allí se archivan en otro elemento electrónico que constituye la memoria.
(https://www.ecured.cu/Fotograf%C3%ADa)

Alfabetidad visual
• Sentir y percibir la comunicación visual
• Lenguaje verbal y lenguaje visual
• Características de los mensajes visuales
• Teoría y leyes de la Gestalt Sentir y percibir la comunicación visual.
Se entiende por alfabetidad visual que todos los miembros de un grupo comparten el
significado asignado a un cuerpo común de información. La alfabetidad visual debe actuar
de alguna manera dentro de los mismos límites. No puede estar sometida a un control más
rígido que la comunicación verbal, ni tampoco a uno menor.
El alfabeto visual se refiere a como leer la imagen, es decir, son todos los elementos que
componen un objeto de comunicación visual, básicamente todo lo que nos rodea que sea o
tenga una imagen o algo que tenga diseño. Si bien nos damos cuenta en ambos términos
existe similitud y es que en ambos intervienen nuestros sentidos, pero percibir responde a
nuestra intuición y sentir es más bien una emoción. Estos dos elementos los utilizamos en la
comunicación visual, a esta nos referimos a todo lo que nuestros ojos pueden ver, imágenes
que como todo lo demás tienen un valor distinto según el contexto en el que están
insertadas dando informaciones diferentes.
Este tipo de comunicación que se nos transmite con un fin , podemos entender que puede
ser casual , es decir , que no tiene intención alguna de hacerse llamar la atención , es decir
son cosas que se nos atraviesan a diario y las captamos al momento y la procesamos
inmediatamente, así como también hay la comunicación visual intencional que es todo lo
contrario, va con la intención de ser recibida y lleva un significado directo en la intención
del emitente, todo esto por medio de un mensaje visual forman parte de todos los mensajes
que actúan sobre nuestros sentidos ; sonoros, térmicos, dinámicos, etc.
Sentir y percibir la comunicación visual Es esencial para un arquitecto conocer los
conceptos de la percepción de la forma y cómo influyen estos procesos al resultado de la
percepción debido a que es necesario para desarrollo de habilidades en la creación de
formas El sentir de define como experimentar sensaciones externas o internas a través de
los sentidos a veces de forma inconsciente , y el percibir es un proceso con el cual podemos
recibir, elaborar e interpretar información del entorno a través de los sentidos para
transformarlos en experiencias útiles. cerebro Respuesta Neuronas sensitivas Sentidos: *
Vista * Oído * Olfato * Tacto * gusto Medio ambiente Así como todos, estos también están
expuestos a interferencias u obstáculos dependiendo de cada receptor, y cada uno crea su
filtro para recibir el mensaje; SENSORIAL; un ciego no puede captar los mensajes visuales
como lo hace una persona que si cuenta con el sentido de la vista OPERATIVO : un niño
no logra interpretar lo que observa como lo haría una persona adulta CULTURAL; una
persona no puede captar el mensaje que quiere darse a entender si se encuentra en un país
que no es el suyo.
El lenguaje verbal la comunicación verbal la podemos realizar de dos formas: oral: que es a
través de signos orales y palabras habladas o escrita: por medio de la representación gráfica
de signos. Hay múltiples formas de comunicación oral, los gritos, silbidos, llantos y risas
que pueden expresar diferentes situaciones y son una de las formas más primarias de la
comunicación. La forma más evolucionada de comunicación oral es el lenguaje articulado,
los sonidos estructurados que dan lugar a las sílabas, palabras y oraciones con las que nos
comunicamos con los demás. El lenguaje Visual • Se expresa mediante imágenes • Las
imágenes son una representación de la realidad, no son la realidad
El lenguaje visual es un sistema de comunicación que utiliza las imágenes como medio de
expresión, es decir, emite mensajes La imagen y la iconicidad
• El grado de iconicidad es el grado de parecido de una imagen a la realidad
• Dependiendo del parecido se habla de iconicidad alta, media o baja. características de los
mensajes visuales
Es perfectamente comprensible la propensión a conectar la estructura verbal con la visual.
Una de las razones es natural. Los datos visuales presentan tres niveles distintivos e
individuales: el input visual que consiste en una miríada de sistemas de símbolos; el
material visual representacional que reconocemos en el entorno y que es posible reproducir
en el dibujo, la pintura, la escultura y el cine; y la infraestructura abstracta, o forma de todo
lo que vemos, ya sea natural o esté compuesto por efectos intencionados. Leyes de la
Gestalt tiene su origen en la psicología, se traducen en forma y trata de como las persona
perciben factores y se organizan; los elementos son claros y ordenados , así un elemento
capta la atención y los demás lo dirigen a otras zonas de interés Ley de proximidad: los
elementos que están próximos entre si se perciben como una unidad Ley de la similitud: los
elementos que parecen similares son percibidos como una unidad Ley de cierre: los
elementos son reconocidos incluso si están incompletos o no existen en su totalidad Ley de
la continuidad: los ojos siguen fácilmente elementos que siguen una línea Ley de figura: es
cuando una figura se resalta más que su fondo Ley simple: se destaca en este conjunto lo
más importante es la ley de simetría.
Los géneros fotográficos
Los géneros fotográficos son abordados desde varios puntos de vista: como evolución
natural de los géneros pictóricos, por la función que cumplen, como receptáculos que
recogen las necesidades expresivas del hombre. Los géneros están relacionados con los
temas representados pero el autor establece una hipótesis que fija los géneros, también, a la
forma de representación del espacio y del tiempo.
El uso de los géneros
Con el término "género" se designa a los diferentes temas tratados en las fotografías. El
principal uso del concepto de "género" sirve para disponerla ubicación de las imágenes y
facilitar su posterior localización en los archivos fotográficos. Las fotografías del mismo
tema se colocan, por tanto, jun-tas; esta proximidad, más que física, es el resultado de
compartir unas referencias.
Fotografía Conceptual
Existe un subtipo o subgénero de la fotografía artística llamado fotografía conceptual donde
la imagen es construida a partir de lo que el fotógrafo quiere comunicar: percepción del
mundo y de la vida, experiencias, valores, sensaciones y sentimientos al servicio de un
concepto o idea.
Es un estilo altamente artístico y elaborado ya que los elementos de expresión plástica se
codifican alrededor de una idea-concepto a través de su metaforización con el fin de
transmitir un mensaje. Para iniciarte en el mundo de la fotografía artística debes valerte
ante nada de tu cámara como herramienta y como el medio que desarrollará el concepto a
transmitir en cada imagen.
Esto te dará pleno dominio de la construcción del discurso que quieres comunicar y su
intencionalidad en cada gráfica, además de los valores compositivos y plásticos para
generar en el espectador la reacción buscada.
Fotografía en Blanco y Negro
También como subgéneros dentro de este tipo de fotografía se encuentra la Fotografía
Blanco y Negro. Su imagen es evocadora. Su expresión con tonos acromáticos (ausencia de
color) que va desde el blanco, pasando por escala de grises y llegando al negro, la hace
dramática. Se vale de las formas y volúmenes como elementos compositivos.
Fotografía Minimalista
Así mismo debemos mencionar la Fotografía Minimalista, un estilo de fotografía artística
en donde el leitmotiv es «menos es más». Su belleza radica en la simplicidad de las formas,
la limpieza y el poco recargamiento de la imagen.
Fotografía Abstracta
La abstracción de la forma parte de una concepción moderna que comenzó con el arte
cubista. Del arte figurativo se pasa poco a poco a la simplificación gráfica con la utilización
de formas geométricas, desembocando en lo que hoy conocemos como arte abstracto. Se
abandona las formas concretas asociadas a la realidad por formas que responde a la
intuición creativa del autor.
La captura de imágenes con una cámara fotográfica no escapa de ello y se alinea a esta
nueva tendencia. La fotografía abstracta es uno de los tipos de fotografía más interesantes
que existen, es aquella fotografía artística y conceptual que experimenta con la luz, el color,
la forma, la impresión textural, teniendo como resultado imágenes no realistas, sin apego a
formas naturales o concretas tal cual como la observamos en el mundo real.
Fotografía Estenopeica
La fotografía estenopeica, un tipo de fotografía artesanal muy interesante, poco conocida
pero que da como resultados imágenes altamente creativas. La cámara es totalmente
rudimentaria, casera, fabricada por el fotógrafo con materiales reutilizables como cajas de
zapatos, latas, chapas de metal entre otros.
Puede decirse que es una especie de fotografía experimental porque su resultado no es
controlable por el artista ya que está desprovista de lentes. Esa imprecisión y el solo valerse
de la intuición creativa del fotógrafo para realizar la toma da como resultados imágenes
altamente llamativas.
Fotografía de Retrato
El retrato es la técnica de captar la fisonomía humana en una fotografía. Pero no se limita
solo a la reproducción de su imagen perse, sino a hurgar en el alma de quien posa ante la
cámara desnudando su personalildad. Busca captar el sentimiento, el ánimo y el
temperamento del retratado y lo convierte en su centro de interés.
La fotografía de retrato tuvo su auge desde comienzos de la fotografía ya que fue ganando
popularidad, no solo por la verosimilitud con el modelo sino también por su bajo costo en
contraste con lo oneroso del retrato pictórico realizado por artistas.
Fotografía Documental
Si como fotógrafo tienes el interés de captar imágenes que hablen de la realidad, de
personajes comunes, contar su historia de manera gráfica, entonces la Fotografía
Documental es lo tuyo. Dentro de los tipos de fotografía, esta aborda la imagen como
testimonio visual de una realidad. Las condiciones de vida de personas, grupos sociales y
étnicos, e incluso se utiliza la fotografía como medio de denuncia para el despertar de la
conciencia colectiva sobre una realidad determinada.
La realidad es un documento que se capta de forma objetiva. Los aspectos formales de la
imagen y lo artístico es irrelevante o por lo menos pasa a un segundo plano. Narra los
acontecimientos tal cual como suceden, a veces con la crudeza que ciertos hechos expresan:
el caos de la guerra, la pobreza, la marginalidad, la jornada extenuante en las fábricas, la
infancia abandonada.
Fotoperiodismo
El fotoperiodismo es un tipo de fotografía documental o subgénero que registra
acontecimientos noticiosos. El que lo realiza se le llama reportero gráfico y capta la
inmediatez de un hecho sin importarle la trascendencia del mensaje. Solo busca registrar su
relevancia como hecho noticioso sin profundizar en causas ni consecuencias.
Fotografía Macro
La fotografía macro es aquella fotografía de detalle, engrandece y acerca en el encuadre el
motivo permitiendo apreciarlo en toda su magnitud. La Macrofotografía permite expresar y
engrandecer en todo su esplendor lo que es mínimo delante de nuestros ojos. Es la
fotografía grande de lo miniatura, amplía la apreciación del mundo pequeño que nos rodea.
Es unos de los géneros fotográficos y tipos de fotografía más llamativos porque acerca en el
encuadre imágenes de insectos, flores y objetos minúsculos. Este estilo de fotografía es
logrado mediante el objetivo macro que utilices que puede oscilar entre los 50 y 200mm y
que no pierde su calidad en el enfoque aun acercándote mucho a tu motivo.
También puedes valerte de un lente conversor que transforme tu objetivo normal en uno
macro resultando accesible pero no con la calidad esperada. Si la fotografía de lo miniatura
es lo que te apasiona, ármate de un objetivo macro y pon al alcance de todos los mundos
que no logramos apreciar a simple vista.
Fotografía Deportiva
Dentro de esta categoría también podemos considerar la Fotografía Deportiva la cual busca
registrar los mejores momentos de eventos deportivos y de las mejores jugadas
protagonizadas por los atletas, a meritando la agudeza del fotógrafo para capturar las
mejores imágenes con escenas en constante movimiento.
Fotografía Publicitaria o Comercial
La creatividad es un rasgo de la personalidad relacionado con la originalidad y la inventiva.
En el mundo de la publicidad se acuña el término creativo a la persona que gesta campañas
de publicidad para incentivar la compra de los consumidores.
La fotografía publicitaria desde tiempos atrás, ha estado al servicio de creativos y
publicistas para exponer en carteles, vallas, revistas y medios digitales, mensajes que
incentiven la compra de artículos, productos y servicios por el público consumidor.
Es un género que exige altas dosis de inventiva y originalidad en el mensaje para generar en
el público necesidades que impulsen su deseo de compra. Para ello deben promover
imágenes de impacto que vayen directamente a la psiquis del consumidor y que perdure en
el tiempo.
La fotografía publicitaria o comercial tiene fines bien específicos como es el aumento de las
ventas de los productos y bienes que promueve. En primera instancia es lo que mide su
éxito. Por ello su mensaje debe ser concreto. Se vale igualmente de la metáfora para
exponer la idea del producto, no con el fin de describirlo literalmente, sino que apela a los
sentimientos y necesidades del consumidor. Por ello la fotografía publicitaria resulta ser
una de las más creativas y elaboradas con complejas sesiones de edición para conseguir el
efecto esperado.
Fotografía de Moda
Es un subgénero de la Fotografía Publicitaria, sin embargo, ha cobrado gran relevancia en
los últimos años. Tanto, que se le trata como un aparte por lo especializado de la técnica
fotográfica que resulta promover, no solo prendas de vestir, sino todo lo que complementa
al modelo que lo luce: accesorios, biyutería, joyería, maquillaje, estilismo, calzado.
Su complejidad compositiva y artística amerita el trabajar las atmósferas lumínicas y el
claroscuro, para resaltar colores, volúmenes y texturas de cada una de las prendas a exhibir,
siendo el atuendo la que mayor destaca como centro de interés, ordenándose el resto como
complemento en la puesta en escena.
Si te interesa la Fotografía de Moda, recuerda que como parte de la Fotografía Publicitaria
debes manejarte con creatividad e inventiva. Trabajarás al servicio de diseñadores de ropa y
casas de modas bajo diferentes formas de mercadeo del producto: fotografías para
catálogos, revistas, vallas publicitarias, carteles, eventos y desfile de modas.
Fotografía Aérea
Este tipo de fotografía realiza captura amplias y periódicas de la superficie terrestre desde
aviones en movimiento. También se conoce la llamada fotografía orbital y se hace desde
satélites. Son imágenes que tienen una aplicabilidad en el campo de la cartografía, la
geografía, la geología, la metereología y en lo estratégico – militar.
La fotografía aérea permite estudiar el territorio y la topografía para proyectar a futuro,
intervenciones de la capa terrestre como tendidos eléctricos, perforaciones petroleras,
represas entre otras. Las fotografías aéreas con estos fines se observan con un aparato
llamado estereoscopio el cual permite apreciar la tridimensionalidad de la superficie, con
fotografías en serie puestas una al lado de la otra. Hoy día la tecnología ha avanzado tanto
que los drones se han incorporado para la captura de imágenes obteniendo vistas detalladas
de los sitios más recónditos.
Fotografía de Paisaje
Es uno de los tipos de fotografía más tradicionales. Desde que se inventó la fotografía
siempre se ha cultivado el interés por capturar la diversidad del paisaje natural. Saltos de
agua, selva, montañas, ríos, mares, desiertos y todo aquel monumento natural que con
extraordinaria belleza se despliega ante los ojos del fotógrafo sea aficionado o profesional.
Si quieres iniciarte en este género debes tener en cuenta primero que el cambio en el
posicionamiento de la luz natural incidirá en la apariencia del paisaje dependiendo la hora
del día. Además de necesitar un buen equipo de alta resolución y con teleobjetivos que
permitan realizar tomas muy abiertas para que se exprese el paisaje en todo su esplendor.
La fotografía y sus dimensiones: social, político y económico.
La imagen fotográfica juega un importante papel en la transmisión, conservación y
visualización de las actividades políticas, sociales, científicas o culturales de la humanidad,
de tal manera que se erige en verdadero documento social. Si los periódicos constituyen
una fuente histórica básica para la comprensión de los avatares de la humanidad durante los
últimos siglos, la fotografía, sea la de prensa, la profesional o, incluso, la fotografía de
aficionado, representa, con el cine y la televisión, la memoria visual de los siglos XIX y
XX y es un medio de representación y comunicación fundamental. Toda etapa por la cual
atraviesa la sociedad se va distinguiendo por una u otra forma, desde sus expresiones
artísticas, su carácter político, las maneras de pensar, hasta las formas de relacionarse. La
sociedad toma gustos, que los gustos se forman en función de las condiciones de vida de la
misma.
Estos gustos comenzaron con las inquietudes de la nobleza hacia los retratos, teniendo así
una sociedad productora de expresiones artísticas, que en gran medida nacen de sus
exigencias y de sus tradiciones, reflejándolas a su vez. La estructura dela sociedad tiende a
variar, dependiendo de sus modalidades y formas de vida.
La técnica y la manera de hacer arte se comenzó a transformar, los modos de expresión
hasta nuestros tiempos, desde el origen de la litografía en 1798. La invención de la
fotografía fue decisiva en esta evolución. En la época actual la fotografía se ha convertido
en un papel capital, se ha vuelto indispensable para la ciencia como para la industria, siendo
un punto de arranque para los medios de comunicación.
Desde su nacimiento la fotografía ha formado parte de la vida cotidiana, siendo uno de sus
rasgos característicos, la gran aceptación que tiene en todos los niveles sociales, ahí reside
su importancia política, por la gran capacidad de introducción. Su poder, el de reproducir la
realidad externa exactamente tal y como es. Pero también la fotografía posee la capacidad
de expresar deseos y las necesidades de interpretar acontecimientos. El hombre se siente
cada vez menos aludido y jugando un papel de pasivo, no participando en los
acontecimientos sociales, la publicación de la foto se remota a mas de 100 años de historia,
su primera publicación fue en los primeros decenios del siglo XIX.
La naturaleza, los retratos, los cuerpos desnudos, las guerras y conflictos sociales, las
catástrofes, los monumentos, el niño en su primera comunión, el arte, la actividad política,
la moda, los deportes, la publicidad, la ciencia, la historia, el último modelo de lavadora en
un catálogo comercial, la foto artística, la foto de satélite meteorológico, el mundo entero
está fotografiado por aficionados y profesionales que contribuyen con su aportación a llenar
nuestras vidas de imágenes, a fijar en dos dimensiones la realidad haciéndola memorizable,
clasificable, archivable, manipulable, transportable, transmisible, recortable o reproducible.
De esta manera se publica en periódicos, revistas, libros, carteles o en páginas web, y
también entra en fototecas, archivos, bancos de imágenes, colecciones, ficheros o álbumes.
No todas las fotografías se coleccionan o se conservan, pero muchas de ellas entran a
formar parte de esa memoria cultural que es necesario preservar.
Lo que se sitúa ante la cámara, una vez efectuado el disparo que abre el obturador y
realizados los procesos técnico que permitan obtener la fotografía, pasa a formar parte de
un sistema de organización de conocimiento e información y puede ser almacenado y
clasificado en esquemas que van, en palabras de Susan Sontag, “desde el orden toscamente
cronológico de las series de instantáneas familiares hasta las tenaces acumulaciones y
meticulosas catalogaciones necesarias para la utilización de la fotografía en predicciones
meteorológicas, astronomía, microbiología, geología, investigaciones policiales, educación,
diagnóstico médico, reconocimiento militar e historia del arte”.
La fotografía en la construcción de ideologías e identidades
La lucha por el reconocimiento identitario ha tenido una gran visibilidad a partir de los
movimientos sociales, culturales y ambientales que usan cada vez más los recursos de
imágenes para hacer valer sus intereses afirmativos.
A través del uso de las imágenes, grupos y comunidades han logrado propagar un
sentimiento de identidad social, cultural y política para el público en general. Eso
representa también, que la imagen ha tenido la función de fortalecer estética, política y
culturalmente lo que pertenece a la identidad que se pierde o se diluye en lo efímero de los
juegos de información de los espacios públicos mediáticos, en lo que hoy se llama de
sociedad de la información.
La construcción de las identidades a través de las imágenes y la reproducción de esas
identidades estéticamente elaboradas en los espacios públicos mediáticos (radio, televisión,
Internet, etc.) fue puesta en relieve por los estudios culturales y de cultura visual y en las
investigaciones sobre el uso de imágenes en las ciencias sociales. La construcción de
imágenes ha sido una forma de movilización de intereses determinada por patrones de
comportamientos que en un momento reproducen valores hegemónicos de la cultura de
masa, y en otro crean formas estéticas alternativas de propagación de valores culturales
locales.
Según Barthes, el proceso de representación de la imagen y los contenidos de su mensaje
tiene dos aspectos:
1-El primer aspecto, connotativo la imagen es portadora de una codificación alusiva a un
determinado saber cultural y a un determinado sistema simbólico; y el segundo, denotativo
en lo cual la imagen porta un cierto poder de representación de lo real (recorte de lo real).
En ese sentido, las representaciones sociales de la imagen tienen una relación dialéctica
entre realidad y sistema de interpretación que tendrá como síntesis su identificación, es
decir, la identidad de la imagen.
 Por ejemplo, en la producción documental video gráfica y fotográfica, de una determinada
cultura es posible ver los iconos simbólicos de significación de poder, reconocimiento,
representaciones sociales e ideologías que demarcan el conjunto simbólico de las
identidades en cuestión, en un determinado espacio social.
Por formaciones identitarias entendemos un proceso de sociabilidad que produce nuevos
modelos afirmativos de reconocimiento simbólico. Estas están presentes, por ejemplo, en
los movimientos sociales, culturales y de acción comunitaria y se hacen visibles en los
nuevos espacios públicos de la sociedad, a través de la comunicación verbal y no verbal.
Con base en esto, las imágenes pueden ganar fuerza política y, de esa manera,
representación ideológica.Los procesos pueden ganar fuerza política y, de esa manera,
representación ideológica.
El proceso de representación social de las imágenes, figurado con base en los conjuntos
simbólicos, y el proceso de interpretación semiológica, estructurado por la estética de la
comunicación no verbal, permiten contextualizar imageticamente las formaciones
identitarias a partir de la perspectiva de la valorización cultural a la que ésas están ancladas.
Las imágenes en términos investigativos posibilitan la disponibilidad de una
documentación visual de los registros culturales, componiendo datos de cuño cualitativo.
En ese sentido, las imágenes pueden presentar para el campo de las ciencias sociales,
elementos de representaciones de hechos sociales, de fenómenos comportamentales que se
reproducen en el mundo de la vida, como datos visuales de investigación social, política,
cultural e histórico. Como elemento de representación histórica, por ejemplo, se ha
utilizado el recurso de la imagen como instrumento de investigación y análisis de la
memoria visual.
La fotografía, como el vídeo documental, es una representación interpretativa de la
realidad, en el sentido de ser algo recortado por la percepción de la mirada.
2-La imagen cuando es difundida públicamente es una ventana abierta a través de la cual
podemos ver lugares y personas que no conoceríamos de otra manera. Ella nos
contextualiza, nos hace imaginar cómo sería estar en determinado ambiente vivenciando
experiencias. Interpretar las representaciones estéticas de las identidades y los contenidos
simbólicos contenidos en imágenes es una manera de clasificar y los contenidos simbólicos
contenidos en imágenes es una manera de clasificar y categorizar sociológicamente los
elementos identitarios respetando su sentido social y su contexto cultural. Eso es una forma
de se utilizar las imágenes como un modelo de pronunciamiento, una narrativa visual a
través da cual valores estéticos y documentales son representados y pasibles de
interpretación, es decir sean pasibles de una hermenéutica visual.
La fotografía en las artes visuales: La estética fotográfica
La fotografía, en tanto que experiencia creativa, responde a unas razones y emociones que
derivan de una percepción de la naturaleza (bella, fea, armoniosa, disonante) de la realidad;
de allí que sea preciso abordarla desde la estética.
Es la ciencia que trata de la belleza y de la teoría fundamental y filosófica del arte. La
Historia de la estética es una disciplina de las ciencias sociales que estudia la evolución de
las ideas estéticas a lo largo del tiempo.
La estética filosófica que se encarga de estudiar la manera cómo el razonamiento del ser
humano interpreta los estímulos sensoriales que recibe del mundo circundante. Se podría
decir, así como la lógica estudia el conocimiento racional, que la estética es la ciencia que
estudia el conocimiento sensible, el que adquirimos a través de los sentidos.
 Se basa en principios naturales de la apreciación de la belleza.
 Una labor altamente subjetiva no existe un estándar unánime para medir la
estética
 La estética fotográfica normalmente hace referencia a como las personas
muestran belleza en esta forma artística.
 El individuo promedio estará interesado en que una imagen sea placentera a la
vista
 El artista fotográfico buscará la composición de la imagen, el uso de colores y
luz, así como todo aquel significado creado por la imagen.
 Las imágenes con composiciones simplistas y puntos de interés bien
enfocados, suelen ser más agradables a la vista que las imágenes que tienes
demasiados elementos.
Actualmente la fotografía está considerada como un arte más, esto es, la cámara fotográfica
al igual que el pincel y el lienzo se ha convertido en una herramienta imprescindible para
que muchos artistas expresen sus emociones. Pero al igual que la mayoría del arte
contemporáneo en la fotografía la idea que se vende es incluso más importante que la
propia obra. Es decir, que la idea de la obra prevalece sobre sus aspectos formales.
 Conclusión
Una manera de plasmar la realidad es con una fotografía, bien dice el dicho que “una
imagen vale más que mil palabras” y puede que sea cierto, pero pienso que es subjetivo,
cada persona valora diferente la imagen y las palabras, ya que al momento de narrarnos
algo sin imágenes, nosotros imaginamos todo el espacio que nos están contando y lo
pensamos como se nos ocurra, en cambio sí nos presentan la fotografía estamos “limitados”
a ver solamente lo de ésa imagen.
La fotografía, así planteada, ha de ser un vehículo de comunicación. Para ello, para que sea
capaz de aportar cosas distintas, los tres participantes en la mesa redonda han insistido en
que se debe huir de la imagen convencional a la que se intenta en muchas ocasiones abocar
al fotógrafo. De ello, de la teledirección de la información gráfica en función de intereses
particulares se ha quejado Ignacio Gil: “muchas veces más que a informaciones vamos a
promociones donde intentan darte la información enlatada”. Ante ello, ha instado a ir con
una actitud “de saltarse la norma”.
Hay momentos inolvidables que con fotografías se vuelven a revivir, de esa manera pienso
que es muy importante la fotografía en la actualidad, además llevar un registro de la
historia. Actualmente se usa la fotografía digital, lo que hace que los derechos del fotógrafo
se vean afectados. Con una fotografía digital se pueden hacer miles y miles de copias y
nunca saber cuál es la original. Pero por otro lado está la parte buena, ya que muchos han
tenido el gusto por la fotografía y como es un poco más “fácil” tomar fotos con cámara
digital que análoga, se ha venido el boom de los celulares con cámara incluidas además de
precios bajos en cámaras digitales.