TEMA5

5 TEXTURA
1. TEXTURA: TIPOS.
1.1 Concepto de textura.
1.2 Tipos de textura en piezas vocales e
instrumentales.
- Textura monofónica.
- Textura homofónica.
- Textura polifónica o contrapuntística.
1.3 Evolución histórica de la textura.
2. LA TEXTURA EN LA INSTRUMENTACIÓN DE CANCIONES Y EN

LAS OBRAS MUSICALES.
2.1 Concepto de instrumentación.
2.2 Tipos de instrumentación.
2.3 La textura y la estética.
3 LA FORMA.
3.1 Concepto.
3.2 Elementos formales.
3.2.1 Cualidades objetivas y subjetivas.
3.2.2 Principios estructurales.
3.3 Formas características de cada época.
3.4 Los géneros y formas musicales.
4 ANÁLISIS FORMAL DE CANCIONES.

4.1 Análisis global.
4.2 El análisis en la Educación musical.
5. PRINCIPALES FORMAS MUSICALES.

5.1 Formas musicales en la historia.
5.2 Principales formas musicales para trabajar en el aula.
5.3 Metodología didáctica de las formas.
1. TEXTURA: TIPOS.

Es un concepto incorporado al lenguaje musical relativamente hace poco tiempo.
Textura es la manera de entretejer las voces o las distintas partes o líneas dentro de una
composición.
Es el entramado de líneas sonoras (melodía) que dan los instrumentos, la técnica con que
se orquesta una determinada obra.
1.2 Tipos de textura.
La textura puede ser: monofónica, homofónica y polifonía acordal y contrapuntística.
- Textura monofónica: el unísono.
Es una línea melódica sin ningún tipo de acompañamiento o armonía. Es la más sencilla.
No tiene problemas armónicos. Es la que se usa en exclusiva hasta el siglo IX en occidente,
simbolizada en el Gregoriano. Se puede representar así:
En Oriente la música China y la Indú son monofónicas, puesto que las melodías llevan
más bien un acompañamiento de percusión rítmica.
Un unísono supone tocar en todos los instrumentos las mismas notas a la vez. Como
virtud tiene una extraordinaria rotundidad y una gran definición de la línea melódica.
Esta textura es muy útil especialmente en los primeros momentos. Al hacer todos lo
mismo, es muy improbable que alguien llegue a perderse totalmente, siempre puede tomar a sus
compañeros como inmediata referencia para recuperar el sitio en el lugar musical que le
corresponde. El problema del unísono es que resulta monótono cuando se trabaja de forma
reiterativa. No presenta problemas en la audición.
- Textura homofónica: es aquella en la que se destaca una melodía sobre el

acompañamiento; se podría considerar como melodía más acompañamiento. Se representa así:
Es menos simple que la monofónica; se puede considerar como una monofonía
acompañada.
Es uno de los más habituales. El acompañamiento se hace a medida de la melodía que

tengamos para potenciarla y resaltarla. Esta textura la vamos a usar constantemente en clase.
Acompañando de un instrumento polifónico (piano o guitarra) a una melodía al unísono
introducimos este nuevo tipo de textura. El compositor piensa en una melodía principal que se
apoya en acordes. El acompañamiento nos da la base armónica.
Según Copland consiste en una línea melódica principal y un acompañamiento de

acordes.
+ Melodía secundaria: esta textura consta de tres elementos: una melodía principal, una
melodía secundaria y un acompañamiento. En ocasiones es difícil definir cual es la secundaria y
cual la principal. Lo importante es que una de las dos esté en un segundo plano.
En clase es una técnica poco usada aunque es un buen recurso para que aquellos
alumnos con poca seguridad se suelten en la ejecución vocal.
- Textura polifónica: música en la que se dejan oír simultáneamente varias partes

melódicas diferentes con una combinación. Sin embargo el término se emplea exclusivamente
cuando se quiere poner de relieve que estas partes concuerdan y son melódicamente
independientes.
En palabras de COPLAND es "la combinación de una melodía con otra u otras que
guarda siempre el valor e independencia de las respectivas líneas melódicas; es decir, cuando
dos o más líneas melódicas discurren al mismo tiempo, teniendo la misma importancia y cierta
independencia".
SCHAFER: "la textura producida por un diálogo de líneas se denomina contrapunto".
El origen del contrapunto procede del término latino "puntus contra punctum".
La textura polifónica requiere un oyente que posea la aptitud de poder escuchar y

distinguir distintas melodías cantadas por distintas voces o instrumentos (escuchar
horizontalmente). Siguiendo a COPLAND, mientras no se pueda oír de este modo toda la
música polifónica, no se escuchará como es debido.
Cuando generamos pocas líneas musicales (2 ó 3), se produce una textura clara que es
relativamente fácil percibir, pero cuando gereamos muchas líneas musicales (por ejemplo 8, o
más), se produce una textura densa, dificil de percibir.
Las audiciones de la música polifónica mantienen mejor nuestro interés y atención que
si se tratara de música y textura homofónica, puesto que siempre es posible encontrar algo
nuevo en su audición.
Existen dos tipos de polifonía:

- Acordal: varias melodías que suenan simultáneamente con el mismo ritmo pero a
distinta altura.
- Contrapuntística: ritmos y voces que no coinciden. Las voces o instrumentos entran

sucesivamente, normalmente en imitación. Se podría representar así:
Dentro del contrapunto hay varios tipos:
$ Contrapunto florido: que es la combinación del C.F. con sus distintas evoluciones.
Evolución propia de la polifonía (especies).
& con otra melodía con el mismo ritmo (1especie). Nota contra nota; a
una nota del C.F. se le opone una nota de la voz organalis.
& Otra melodía que lleva 2 ó 3 notas contra cada una del C.F. (2
especie).
& Otra melodía que lleva normalmente 4 ó 6 notas contra cada una
del C.F., depende del compás binario o ternario (3especie).
& Dos notas contra una pero sincopada (4especie).
& Una mezcla de los anteriores que es lo que se denomina
contrapunto florido (5especie).
$ Contrapunto combinado: práctica de varias combinaciones entre las especies de antes a

3 y 4 pentagramas o voces.
$ Contrapunto invertible: la voz superior y la inferior pueden cambiarse de lugar sin

quebrantar las reglas del contrapunto: doble (invertible a 2 voces), triple (invertible a 3)
cuádruple (invertible a 4), quíntuple (invertible a 5).
$ Contrapunto imitativo: consiste en volver a exponer el Tema (un pasaje más o menos
largo que acaba de ser expuesto por otra voz). Esta imitación puede ser: ocasional y sistemática
(canon, fuga...).
La presentación 1se llama antecedente, las siguientes consecuentes.
Esta puede ser también:

- Estricta: cuando el consecuente reproduce enteramente al antecedente sin
modificación.
- Libre: cuando no es constante o tiene arreglos de algún tipo.
La imitación suele hacerse al unísono a la 4o a la 5.

En una obra el sistema polifónico u homofónico se pueden combinar.
Para trabajar en clase tenemos un tipo de textura contrapuntística muy sencilla: los
cánones. El trabajo con ellos en clase será frecuente.
Hasta aproximadamente el primer milenio de la era cristiana, la música solo se

desarrolló formando monodía. Ésta tuvo existencia antes entonada por la voz humana que
ejecutada por instrumentos.
Había dos tipos de monodía: religiosa y profana, pero éstas solo variaban en la temática.
Hasta el s. IX-X, todo era monodía, pero el auge del Canto Gregoriano fue decayendo.
Los primeros intentos para salirse de las normas utilizadas van a ser a través de los
tropos:
Tropo: es una interpolación, un añadido de texto a un melisma largo del Canto

Gregoriano. Servía de recordatorio, para hacer más fácil el melisma. A cada nota de ese
melisma le correspondía una sílaba del nuevo texto. Los primeros tropos fueron textuales, luego
musicales y más tarde textuales y musicales.
Un caso especial de tropo va a ser la secuencia (última sílaba del Aleluya).
Las primeras realizaciones polifónicas, sobre los s. IX-X, fueron a partir del Cantus
Firmus, añadiendo otra voz sobre ésta.
Así aparecieron estas primeras formas polifónicas:
+ Organum paralelo: segunda voz añadida a la principal, es lo que se denomina voz

organalis. Doblando el Cantus Firmus una 8alta (el C.F. siempre es la voz de tenor), y la voz
organalis una 8baja (voz organalis es la de contralto), surgen las cuatro tesituras polifónicas.
Poco después, aproximadamente a finales del siglo XI, se introducen los movimientos oblicuos
y contrarios, realizándose las primeras y verdaderas obras contrapuntísticas (DISCANTUS).
+ Discantus u organum libre: Movimientos contrarios entre las voces.
+ Conductus: melodía principal inventada, ritmo procesional.
+ Motete: melodía, ritmos, textos, lenguas y carácter

distintos en cada voz.
+ Gymel: es una voz a distancia de 3descendente del tenor y el Fabordon (falso bordón)
es otra tercera más descendente, con la peculiaridad de que la última tercera era cantada por
contratenores que tenían un registro más agudo que el tenor; realmente sonaba una octava más
alta de lo que estaba escrito, por eso se habla de que se forma una sexta a partir del C.F.
En todos estos siglos predominaba la polifonía vocal sobre la instrumental, pero fue en
los s. XV-XVI, donde alcanzó su máximo esplendor: Renacimiento.
Esta es música polifónica normalmente contrapuntística, una concepción horizontal.

Todas las voces tienen la misma importancia.
La aparición de la polifonía no significó la desaparición de la monodía, pues ésta
pervivió tanto en piezas litúrgicas (corales), como en las folclóricas (canción estrófica).
La polifonía seguía desenvolviéndose a través de los modos gregorianos, considerados

de manera independiente para cada una de las voces conjuntadas. Pero el sistema ya empezaba a
deteriorarse en la tonalidad bimodal.
Mientras que la polifonía "a capella" ya había alcanzado bastante madurez, la música
instrumental o vocal instrumental estaba todavía en una primera fase.
En el Barroco (s. XVII), en general se impone el sistema armónico, es decir, la

tendencia vertical, por lo que las voces tienen una importancia diferente, hay una principal y las
demás le sirven de acompañamiento armónico: ésto es lo que se llama melodía acompañada,
homofonía o meloarmonía.
El acompañamiento es realizado por el bajo continuo o bajo cifrado.
Bajo cifrado: el compositor da toda la importancia a las voces extremas. La voz

superior es la que lleva la melodía. El acompañamiento se escribe mediante una serie de cifras
que indican al organista los acordes que puede ejecutar.
Preferencias de los compositores:

- Bach: contrapuntístico.
- Vivaldi: melodía acompañada.
- Haendel: contrapuntística.
En s. XVIII y parte del XIX, época del Clasicismo, sigue el estilo homofónico o vertical,
pero desaparece el bajo continuo, se abandonan las formas contrapuntísticas que se utilizan sólo
esporádicamente, especialmente en los desarrollos temáticos. Se hace una armonía transparente
a base de acordes sencillos. Los cambios armónicos relacionan gradualmente temas y secciones
en las formas más variadas (modulaciones). Las disonancias resuelven satisfactoriamente sin
dejar sensación de aspereza.
Sentido tonal muy transparente, sin marcado cromatismo en sus melodías, ni en sus
armonías.
En el Romanticismo (s.XIX), el estilo polifónico y contrapuntístico del s.XVI es

raramente utilizado y menos de forma rigurosa.
Una característica en la armonía es que el despliegue de los acordes se realice

exclusivamente con notas reales o intercalando entre ellas notas extrañas a su constitución. En
esto se basa sobre todo la escritura pianística.
La melodía es apasionada e intensa, pero las frases son menos regulares y cuadradas.
En el Nacionalismo (s. XIX-XX), lo más típico es recurrir al folclore para realizar las
nuevas composiciones. Esto lleva a la música a lenguajes nuevos a veces dado que este folclore
estaba muchas veces lejos de las leyes armónicas y melódicas del mundo occidental, como es el
caso de Rusia. Por la misma razón, esta música tendrá una especial riqueza melódica, que por
otra parte sigue utilizando características del Romanticismo.
En el s.XX (impresionismo) desaparecen las líneas melódicas, la melodía se convierte en

algo fragmentario, algo que evoca a lo esencial, lo que contribuye a crear una atmósfera sonora
imprecisa. Se rompe generalmente con la tonalidad tradicional. Normalmente se suprimen las
armonías tradicionales por otras no basadas en tonos mayores o menores, sino en escalas no
usuales como la pentatónica.
El sonido impresionista surge de sonidos independientes que pierden su personalidad y

al juntarse producen el efecto que se llama disolución impresionista.
En este siglo se vuelven a los ideales estéticos del s.XVIII resurgiendo el contrapunto o
la textura polifónica aunque con nuevos recursos armónicos.
2 LA TEXTURA EN LA INSTRUMENTACIÓN DE CANCIONES Y EN OBRAS

MUSICALES
SCHAFER hace una afirmación acerca de como llevar a cabo su instrumentación:

"Salvo que se deseen lograr efectos especiales, se preferirá siempre la limpieza en la música".
Exceptuando momentos o períodos concretos de la música (por ejemplo la polifonía

renacentista: PALESTRINA, VICTORIA, GUERRERO), en la mayoría de las obras musicales
suelen aparecer distintas clases de texturas, es decir, el compositor puede pasar sin transición de
una clase a otra.
Según COPLAND las texturas conllevan significados emocionales; una línea melódica
sin acompañamiento produce una impresión de libertad y expresión personal directa.
La música homofónica resulta, generalmente más atractiva, en su primera impresión,

que la música polifónica; debido a que la audición de la música polifónica requiere más
maduración y capacidad auditiva, al requerir un mayor esfuerzo intelectual para poder escuchar
de un modo más activo y seguir y discriminar las distintas líneas melódicas. Lo deseable es que
se utilicen las distintas texturas a fin de enriquecer las posibilidades de expresión.
En la Ed. Primaria, la textura a utilizar en el acompañamiento o instrumentación de

canciones deberá ser la homofónica, recurriendo a las formas más elementales y sencillas de
acompañamientos armónicos como son: el ostinato, el bordón y la nota pedal. La utilización
de una textura polifónica requiere un cierto dominio de los instrumentos musicales, puesto que
sus líneas melódicas son independientes; un cuarteto de flautas, po ejemplo, resulta precioso,
pero requiere un nivel más que aceptable de su dominio, que normalmente no se adquiere en la
escuela primaria. Se deberán emplear unas texturas transparentes y claras, eludiendo las densas
u opacas.
Instrumentación: la ciencia o el arte de preparar una obra o una concepción musical para
otro instrumento o conjunto de instrumentos.
Implica la utilización y combinación de los instrumentos dentro de una obra (o una
canción) teniendo en cuenta su color característico (timbre) y las posibilidades que ello nos
brinda.
En principio comenzaremos por la técnica del unísono, de manera que el alumno se

habitúe a la interpretación en grupo. Tan solo con las posibilidades de nuestro cuerpo como
instrumento de percusión podemos llegar a la realización de esta técnica. Solo es necesario que
toda la clase haga el mismo ritmo, así habremos llegado al unísono.
Antes de comenzar a interpretar canciones instrumentadas, es conveniente tocar una

introducción rítmica con instrumentos.
Una vez que se oçdomine el unísono pasaremos a la melodía acompañada. Esta textura
puede hacerse con el acompañamiento de un instrumento polifónico (guitarra o piano), o con el
acompañamiento de voces o de percusión.
Esta textura es una de las más ricas en cuanto a posibilidades y por ello, es una de las
que se tienen siempre más presentes a la hora de desarrollar algún tipo de ejecución vocal o
instrumental en el aula.
En Ed. Infantil la claridad y transparencia de la textura no puede acercar aún más a la

comprensión musical y a la expresividad. Las primeras texturas deben ser bajo ritmos muy
sencillos, de manera que con el unísono el niño sienta la seguridad de estar acompañado, y de
poder "engancharse a la melodía" si tuviera algún error.
El acompañamiento no podrá ser, en un principio, más que rítmico, o sea,

"monorrítmico"; esta monorritmia se reflejará en las figuras musicales más simples que, por su
uniformidad en la repetición, hacen factible el grupo orquestal, incluso con los más pequeños.
Es importante hacer un correcto reparto de las voces siempre que tratemos con el apoyo
de la interpretación instrumental, ya que por lo que respecta a la interpretación vocal estamos
supeditados a las voces que tengamos en el grupo, con lo cual tendremos que adaptar la textura
y hacerla "a medida" de las posibilidades con que contemos en clase.
- Instrumentación monofónica o monódica.

La más sencilla. Cualquier acompañamiento instrumental debe ser igual a la línea
melódica. El acompañamiento instrumental se convierte en una meras duplicación melódica
pudiendo ser realizado por cualquier instrumento.
- Instrumentación homofónica.
Debemos intentar conseguir un acompañamiento basado en la secuencia de acordes.
Los instrumentos más utilizados serán los de lámina en diferentes tesituras,

fundamentalmente alto, tenor y bajo.
Al utilizar instrumentos de percusión con sonido determinado, tales como xilófonos,

metalófonos o carillones, hemos de pensar que el niño no sabe manejar toda la gama de sonidos
de la escala diatónica. Por lo cual debemos limitar el ámbito tonal y fiscalizar de alguna manera
el número y la clase de sonidos que vamos a emplear.
Lo más lógico y elemental será practicar en el ámbito pentatónico que es más afín a la
mentalidad infantil y donde el niño y cualquier adulto se desenvolverá sin peligro alguno.
- Instrumentación contrapuntística.
Es la más compleja para la realización correcta, ya que debemos componer líneas
melódicas diferentes a la original, con un cierto carácter de independencia, pero conectadas
armónicamente entre sí.
Conviene que las distintas voces sean realizadas por instrumentos con un marcado
carácter melódico como puede ser un conjunto de flautas dulces o instrumentos de láminas con
un enfoque distinto al acordal.
El acompañamiento rítmico no lo tratamos en este punto ya que los desarrollos rítmicos

no son tenidos en cuenta a la hora de determinar la textura.
Estética: parte de la filosofía que estudia el valor de lo Bello y el mundo del arte.
Es la Filosofía del arte que favorece la comprensión de la obra artística y la capacidad

para apreciar la belleza.
"Ciencia que trata de la Belleza y de la teoría fundamental y filosófica del Arte"

(Diccionario de la RAE).
Cuando un compositor realiza una obra con determinada textura, es porque ha seguido
los dictados de las corrientes estéticas que en ese momento la están influyendo. Un compositor
se plantearía distintas texturas según su estado de ánimo, según la estética a seguir y según la
expresión final que quiera dar a la obra.
No hay una única textura para una obra, podemos cambiar la textura en base a nuestro
interés primordial. Siguiendo prioridades en nuestros intereses educativos y en los aspectos
estéticos que queramos tratar, podemos cambiar de textura y combinarlas.
3) LA FORMA
3.1 Concepto
FORMA Musical: manera de construir, o como está construida, una obra musical.
En líneas generales distinguimos entre formas simples (un solo movimiento o son
breves: Binarias, ternarias, rondó...) y complejas (varios movimientos y son extensas: suite,
sonata...)
"La forma es la manera como una obra se esfuerza por alcanzar la unidad. Cuanta mayor
diversidad de recursos pone en juego esta manera, más rica es la forma. Cuantos más diversos
elementos introducidos se coordinan en un todo homogéneo, más perfecta es la forma".
Hay formas que se podrían designar formas arquitectónicas, caracterizadas por su

estructura: así, el pasacalles vive de sus arreglos, el rondó de su corte musical. Otras más
complejas tienen muchas razones de ser: la sinfonía se explica a la vez por su estructura y por su
organización puramente orquestal.
Zamacois: "Una obra musical es un conjunto organizado de ideas musicales, a esa

organización se le llama forma". La forma musical se una obra es algo que decide el
compositor, de modo que puede crear una nueva adaptada a las posibilidades con que se han
creado a lo largo de la historia.
S.D.M.: "Es la manera de desarrollar el concepto de una composición conduciendo sus

características temáticas, rítmicas y armónicas, estéticamente al fin propuesto.
La forma es la justificación definitiva de la obra musical, la forma la hace comprensible.
3.2 Elementos formales
3.2.1 Cualidades objetiva y subjetivas.
El concepto de forma lleva implícito cualidades objetivas el ritmo, melodías, armonías,

texturas, etc..Además existe un condicionamiento subjetivo, cualidad que supone el intento de
hacer la obra musical comprensible al oyente; es la parte más interesante del análisis.
El Ritmo: Es el movimiento de la música. Ordenación sonora temporal. Elemento

primario en el hecho musical. Puede manifestarse sin ser parte integrante de la melodía y
aparecer en fragmentos de ritmo solo.
La melodía: Ordena el material sonoro teniendo en cuenta las diferentes frecuencias o

altura de los sonidos. Puede presentarse sin acompañamiento.
La armonía: Cuando 2 sonidos o más se producen de manera simultanea. Puede ser la

protagonista de forma parcial o continuada y total.
Existen además procedimientos para variar la melodía (T.2).
COPLAND: para crear y mantener la sensación de equilibrio en una composición

musical debe basarse estructuralmente en el principio de repetición.
El motivo de que la mayor parte de la produción musical recurre a este principio es el

hecho de lanaturaleza un tanto amorfa de la música, lo que obliga a utilizar recursos
organizativos estructurales.
Las composiciones musicales cuyas estructuras están basadas en el "principio de la

repetición" pueden dividirse en cinco categorías diferentes:
1.la repetición exacta.

2.La repetición por secciones.
3.La repetición por medio de la variación.
4. La repetición por medio del tratamiento fugado (esencialmente se basa en la
imitación).
5.La repetición por medio del desarrollo.
Exceptuando la 1categoría de las expuestas anteriormente, que resulta manifiestamente

simple, las demás categorías se dividen según las siguientes formas típicas:
A) Formas por repetición de secciones o simétricas:
* Formas Binarias: Por repetición de 2 o 3 secciones.

- A A (la 2sección puede limitarse a variar el mismo
material de la 1).
- A B (emplear diferente material temático).
La segunda A y la frase B, serán de carácter conclusivo.
Entre las composiciones que se amoldan a esta estructura destaca el tipo de canción
formado por "copla" (frase secundaria) y "estribillo (frase principal); ejemplo, los villancicos,
ciertas canciones de corro, etc.
La mayoría de las danzas de la Suite antigua de finales del s. XVII y la primera mitad
del s. XVIII, suelen llevar esta forma o similar. Ejemplos: la allemande, la courante, la
zarabanda, la giga, la gavota, la bourrée, etc...
* Formas ternarias: Por repetición de 2 o 3 secciones. Puede tener diferentes

ordenaciones.
- A A A las tres iguales pasando por una gama de variedades.
- La más usual es la cásica forma LIED o Canción. Su estructura es la siguiente:
A: exposición===> suspensivo o conclusivo.

B: contraste====> suspensivo o conclusivo.
A: reexposición=> conclusivo.
* Disposición libre: ABC, ABCA, ABACABA...

* Rondó: A B A C A D A... (A: tema principal, juguetón y alegre; B, C...temas
secundarios llamados aveces copla por su carácter cantable). En su origen era una danza
francesa cantada, en la cual una voz entonaba diversas colas, a cada una de las cuales el coro
contestaba con el "estribillo". El rondó de 5 partes suele ser la longitud más usual.
Es esta una forma especialmente indicada para la improvisación musical tanto rítmica
como melódica.
B) Repetición por variación: Varias secciones (Grandes formas de la música que

pueden comprender varias secciones). Tienen como fin principal la modificación interna o
externa de un tema que es presentado bajo diferentes aspectos.
- Bajo ostinato: Una breve frase (melódica o un simple diseño acompañante) es repetida
incesantemente en el bajo como idea fija, mientras las voces superiores siguen su curso normal.
- Passacaglia (Pasacalle): El bajo repite, no un diseño acompañante sino una melodía,
que a veces después de las primeras repeticiones para que se grabe, puede variar algo, aumentar
su climax y hasta ser trasladada incluso a voces superiores. Su práctica decayó en el s. XIX.
- La Chacona: Muy similar a la pasacaglia, pero el tema se escucha desde el comienzo

con armonías acompañantes, por lo que el tema del bajo no presenta la importancia exclusiva
que en el passacaglia. Ambas son de origen español.
- Tema con variaciones: Se puso de moda en el s. XVIII y principios del XIX. Es el más
importante y el más practicado de los anteriores tipos de variación. Consiste en modificar el
tema (original y copiado) en su armonía, ritmo, melodía, metro, tono y tejido contrapuntístico,
sin que pierda sus cacacterísticas esenciales. Es frecuente que al final vuelva a retomar el tema
en su forma original.
C) Formas imitativas: Son conocidas como formas fugadas. Dan la sensación de que las
voces se persiguen unas a otras al saltar el tema sucesivamente repetido o transformado de una a
otra voz. Son expertos de estas formas los compositores de los s. XV y XVI debido a los
múltiples procedimientos que utilizan:
 El tema al revés.
 Doblan o disminuyen los valores métricos del tema.
 El truco del cangrejo: empezar por la última nota hasta terminar en la primera
(canon cancrizante). J.S.Bach los consagraría posteriormente.
a) Canon: Es la técnica más elaborada de la imitación. Consiste en imitar en otra voz el

mismo diseño antes de que la anterior termine.
Podemos distinguir Canon abierto y Canon cerrado. Es abierto si están escritos tanto el
antecedente como el consecuente, y cerrado si sólo está escrito aquel.
Los utilizados en la Ed. Primaria son "Cánones cerrados", y nos indican con un ndonde
deben estar las distintas voces. Ej: "Debajo de un botón", "Fray Santiago (Frère Jacques)", etc...
b) Fuga: Tema principal acompañado de otro secundario que reaparece múltiples veces,
imitado y modificado según ciertas estructuras, culminando en el estrechamiento del mismo,
mediante canones y otros artificios mencionados antes.
c) Concerto grosso. Es una especie forma fugada instrumental , formada generalmente

por 3 o más tiempos, en el que se utilizan 2 grupos instrumentales, uno pequeño, llamado
corcertino, formado por cualquier combinación de instrumentos, a gusto del compositor , y otro
grupo grande, o tutti, entre los que se desarrolla un intercambio dialéctico.
d) Preludio de coral. Tomando como base las melodías corales que se cantaban en las
iglesias protestantes, los compositores llevaron a cabo una serie de variaciones, que de mayor a
menor dificultad eran de los siguientes tipos:
1.conservar intacta la melodía y dar mayor interés a la armonía acompañante.

2.Centrar el interés en el propio tema melódico, enriqueciéndolo y dotándolo de
gracia y floridez.
3.Consiste en desarrollar una especie de fuga alrededor de la melodía coral.
e) Motete y Madrigal. S. XV, XVI y XVII. Son composiciones corales que se cantan sin
acompañamiento.
f) Canción polifónica y coral protestante.
IV: Repetición por desarrollo:
- La sonata: Forma de 1tiempo: Exposición, Desarrollo y Reexposición.
Las demás categorías formales fundamentales son las que se basan en la no repetición,
y las llamadas formas libres: Fantasía, Poema sinfónico, Improvisación, Polonesa, Mazurca,
Nocturno, Impronta y Rapsodia.
** FORMAS MAYORES O COMPUESTAS (VARIOS MOVIMIENTOS)
A) Formas Instrumentales: Sonata, Concierto, Toccata, Preludio, Suite.

B) Formas vocales: Cantata, Misa, Pasión, Oratorio, Opera.
*** Tenemos además el tema, motivo y diseño. Los sonidos, al sucederse de forma
continua pero estructurada y por secciones, necesitan una denominación que nos haga posible el
análisis. Para distinguir estas secciones tenemos estas definiciones:
1. Tema: Fragmento con sentido completo y propio, constituye la base de una

composición y está sujeto a repeticiones y desarrollos de todo tipo por ser la sección más
importante de la obra. De un buen tema depende buena parte de las posibilidades de una obra.
2. Motivo: Es la cabeza del tema, su arranque. En un motivo tiene el tema su

característica más relevante en cuanto a intervalo característico o a ritmo definido.
3. Diseño: Es un dibujo uniforme y constante, que va a distinguir a la sección que

lotenga. No tiene ni mucho menos la definición de un tema, pero precisamente la vaquedad y el
esbozar las melodías es lo que caracteriza y da belleza al diseño.
Desarrollo temático: Hace que el tema sea "exprimido" hasta el límite de sus
posibilidades; para ésto se hace uso de la modulación, con la cual se intensifica la composición.
La tensión es un procedimiento muy buscado por los compositores de todas las épocas, ya que
una obra con tensión es una obra viva, llena de movimiento, de cambios, de color. Gracias a él
la música se va cargando de intensidad la obra, para volver a presentar el tema desde el
principio.
El resto de los elementos son posteriores o secundarios y toman de base a los primeros:
TEXTURA: Ordenación de los tres elementos primerios (ritmo, melodía y armonía). Textura
Contrapuntística o polifonía, Homofónica y Monódica.
La Orquestación (combinaciones tímbricas de las distintas voces) y la Heterofonía

(Polifonía en la que las otras voces van alrededor de la principal haciendo variaciones melódicas
de la principal) no son consideradas como texturas aunque sí deban nombrarse en este apartado.
3.3 Formas caracteristicas de cada época.
EDAD MEDIA
* Ars Anticua (s. XII-XIII): 2periodo del inicio de la Polifonía:

- Organum
- Discantus
- Motete
- Conductus
- Canon
* Ars Nova (s. XIV): 3er periodo del inicio de la Polifonía.

- Rondó
- Balada
- Virelai
- Caccia
- Danzas
- Pastoral
- Estampida
- Rota
- Letanía
- Madrigal
+ FORMAS DE LA MÚSICA VOCAL

* Género Profano
- Canción estrófica (con o sin estribillo)
- Chanson
- Laisse
- Retrouenge
- Chanson avec des refrains
- Rondeau
- Virelai
- Ballade.
* Formas que los diferentes credos religiosos utilizan

- Salmo
- Himno
- Secuencia
- Tropos
- Misa
- Letanía
- Antífona
- Responsorio
- Oficios
* Formas en cuanto al texto

- Himnica: Misma melodía con distintos versos.
- Estrofa de Cazón: A B A B C D (a veces se añade un último verso E).
RENACIMIENTO (S.XV Y XVI)
* Formas Religiosas.
- Motete (menor).
- Misa (Mayor).
* Formas profanas.
- Villancico (menor).
- Chansón (menor).
- Madrigal (menor).
- Opera (mayor).
* Formas Instrumentales.
- Variación.
- Fantasía.
- Música de danza: Pavana y Gallarda.- Suite.
- Composiciones derivadas de modelos vocales:
 Canzona: Deriva de la Chansón.
 Ricercare: Deriva del Motete.
BARROCO (S. XVII y 1mitad del s. XVIII)
* Formas vocales:
- Opera (profana)
- Oratorio (religiosa)
- Pasión (Religioso)
- Cantata (Profana y religiosa).
* Formas instrumentales:
- Fuga
- Suite
- Sonata
- Concerto grosso
- Preludio
CLASICISMO (segunda mitad del s. XVIII)
- Sonata clásica
- Sinfonía
- Concierto
- Serenata
- Tema con variaciones
ROMANTICISMO (s. XIX).
* Formas vocales
- Lied
- Opera
* Formas instrumentales
- Nocturno
- Imprompta
- Rapsodia
- Bagatela
- Estudio
- Poema sinfónico
- Polonesa
- Mazurca
3.4 Los géneros musicales y la forma musical.
Los géneros musicales son los que nos describen el contenido de la composición
musical; por ello, las distintas formas musicales se pueden encuadrar dentro de un género
musical determinado. Las distintas denominaciones de los géneros musicales les suelen
presentarse con términos antagónicos:
Música religiosa--Música Profana

Música vocal------Música Instrumental
Música culta------Música popular
Música pura-------Música dramática
Música de cámara--Música de concierto
De PEDRO realiza una clasificación atendiendo a un orden de tipo técnico: Música

vocal, instrumental o mixta. Son las siguientes:
Formas vocales: En este grupo se incluyen todas aquellas formas musicales que están escritas
para ser cantadas, ya sean de origen sagrado como profano, "a cappella" o con acompañamiento
instrumental. Este grupo se subdivide a su vez en dos:
a) Formas homófonas: De origen litúrgico y de origen folclórico.
b) Formas polifónicas o contrapuntísticas: Organum, Diafonía , Discanto, Conducto,

Gymel // Rondó polifónico, Canción polifónica , Madrigal, Motete, Villancico, Coral...
Formas instrumentales: Como es obvio, están escritas para ser interpretadas por instrumentos.
Entre las más importantes se deben destacar: Fuga, Sonata, Sinfonía, Concierto...// Preludio,
Nocturno, Impromptu, Invención, Estudio, Fantasía,Variación...
Formas mixtas:
a) Formas de la música escénica: Ópera, Zarzuela// Ballet.
b) Formas sinfónico-dramáticas: Cantata, Oratorio, Pasión// Poema sinfónico.
4) ANÁLISIS FORMAL DE LAS CANCIONES
SANUY y GONZALEZ: formas músico-elementales en la educación musical del niño.

El músico suele ver las cosas y las situaciones, en su conjunto, como unidad. Para él es
más natural comprender la unidad total de un lied que las distintas partes de que está compuesto.
No obstante, es necesario ir introduciendolo en el mundo formal de la música, en la
construcción sonora, en las distintas fases de un edificio musical.
La forma elemental es semejante a las grandes formas, con la única diferencia que ésta
es una continuación y consecuencia de desarrollar la primera, pero en definitiva, sus elementos
formales son los mismos. El motivo, el tema, la frase, el período, etc., se dan de la misma forma
en una versión elemental o en una versión desarrollada.
Una vez que hayamos practicado de muy distintas formas (rítmica, vocal, instrumental y
en movimiento) y los niños conozcan la extensión del compás, de la frase, etc., deberán darle
organización y coherencia a todos estos elementos, es decir la forma.
4.1 Análisis global
a) Hallar la Tonalidad.
b) La forma tendremos que ver las frases, temas, motivos etc... y lo que es
imprescindible, las cadencias.
c) Las modulaciones.
d) Analizar la textura.
4.2 El análisis en la Educación Musical
a) Ver cual es el objetivo que vamos a cubrir con una canción determinada.
b) Analizar la letra de la canción.
c) Análisis de la interválica. Una canción con una interválica demasiado dificil, con
saltos de intervalos disjuntos o con intervalos conjuntos pero cromáticos es inmediatamente
rechazada, a no ser que por alguna caracetrística especial en cuanto a su forma, ritmo o letra,
queramos conservarla, haciendo los cambios pertinentes para que los niños sean caàces de
entonarla sin dificultad.
d) En cuanto a la rítmica: Si una canción nos interesa especialmente, a pesar de tener un

ritmo demasiado dificil, sólo tenemos que hacer los cambios pertinentes para que esa canción
sea usada con toda confianza en clase.
e) Debemos saber si el ambito melódico de la canción es el adecuado para la tesitura de

las voces de nuestros alumnos. Si no es así, sólo tenemos que transportar la canción.
5 PRINCIPALES FORMAS MUSICALES.
A lo largo de la Historia se han dado formas musicales que han abarcado enormes
períodos de tiempo, como auténticas dominadoras de la música. esto se debe a corrientes
estéticas, sociales, políticas... de manera que cuando una determinada forma se establecía y
echaba raíces, era debido a una necesidad manifiesta de dicha forma por parte de la sociedad.
5.1 Formas musicales en la Historia.
FORMAS MEDIEVALES
LAS FORMAS GREGORIANAS: El canto llano gregoriano, codificado a finales del

siglo VI por el Papa Gregorio I, es a la vez que el resultado de la práctica milenaria, la del canto
monódico, y la plataforma donde va a edificarse, algunos siglos más tarde, el arte de la
polifonía. Esencialmente litúrgico, toma su punto de partida en los Salmos judaicos, y se
enriquece aportaciones de las tradiciones paganas siríacas, egipcias, romanas y griegas.
San ambrosio, según la tradición, propagó por todo Occidente la antífona en su labor de
depuración y organización del canto eclesiástico. San Gregorio consagra esta tradición en el
primero de sus libros, El Antifonario. El segundo, El Cantatorium, está destinado al canto solo
de los salmos por el diácono.
Las formas gregorianas se diferencian unas de otras más por su significación litúrgica
que por su configuración musical. Podemos clasificarlas en dos grandes categorías:
1.- Las formas recitativas: Son los cantos declamados recto tono, sobre una misma
nota, sobre la cual se apoyan todas las sílabas del texto, la cual está siempre enmarcada por
fórmulas melódicas muy cortas; la entonación (introductoria), la mediatio (suspensiva), y el
ponctum (conclusivo); a este tipo pertenecen las lesson, las oraciones y los prefacios y, de una
manera generalizada, las salmodias.
El recitativo es el género más simple. Consiste en el canto casi recitado por un solista u
oficiante de oraciones, lecciones, etc.
En la Misa son diferentes las partes pertenecientes a este género: la lección del antiguo
testamento, la colecta, el evangelio, la secreta, el prefacio, el canon, el pater, la postcomunión y
la bendición.
2.- Las formas melódicas: Domina la vocalización. La melodía arranca del grave, se
dilata subiendo al agudo y vuelve a concluir en la tónica. En el plano rítmico, este doble
movimiento se traduce en un arrebato seguido de un reposo. Las repeticiones de frases, con o
sin cambio de texto, son frecuentes.
Letanía: alternancia entre las invocaciones del solista y la respuesta de la congregación

o coro. También entre dos coros. Pertenecen a este género el Kyrie y el Agnus Dei.
Salmodia: entonación por parte del oficiante o solista de un verso del salmo sobre una
nota de recitación y una o dos cadencias; el coro responde en esta salmodia primitiva con alguna
respuesta simple como "alleluia", "Benedicimus dominu".
El salmo se realiza sobre una nota de recitación que corresponde a la dominante del
modo gregoriano. La entonación o initium se refiere a la fórmula de arranque melódico del
salmo y servía de unión entre la nota finalis de la antífona y la cuerda de recitación del salmo.
Antífona: respuesta a la salmodia primitiva. Con el tiempo la antífona precede y sigue

al salmo. Son melodías más elaboradas y su estructura en frases, semifrases e incisos es muy
variada. Normalmente en su ejecución suele existir una alternancia entre dos coros, uno realiza
la antífona y el otro el salmo. Pertenecen a este género el introito, el ofertorio y la comunión.
Responsorio: el estilo está más cerca del recitativo, mientras que la antífona tiene un
marcado carácter melódico.
Existen alternancia entre el responso cantado por el coro congregación y el versículo del
salmo cantado por el oficiante o solista. Corresponden a este género el gradual, el tracto y el
alleluia.
El Aleluya, que toma del Kyrie su forma ABA, comprende una gran vocalización
central (B) llamada jubilus. En el siglo IX su utilización se amplia a adaptar un texto a esta
vocalización a razón de una sílaba por nota. "Esta costumbre dará lugar en breve tiempo a la de
parafrasear los textos del oficio litúrgico por desarrollos, tambien cantados: los tropos".
Himnos: Cantos estróficos que al tomar un texto poético dividido en estrofas, la música
aplicada a ellos es idéntica. La estructura estrófica suele ser de cuatro versos. Forma parte del
Gloria y del Credo
EL ORGANUM (O Diafonía): Sobre el cantus firmus, frase del canto llano, expresada
en figuras iguales, se acaba insertando la voz del órgano, especie de contrapunto nota a nota que
evoluciona por 5o 4en un estricto paralelismo. Un tipo más evolucionado de diafonía es aquel
en que la voz del órgano, partiendo del unísono y avanzando hasta la cuarta inferior, se
mantiene a este intervalo en una serie de movimientos paralelo que cada inciso rompe para
hacer que las dos partes se reúnan de nuevo al unísono. Más tarde se añadió una 3voz, doblando
por 8el cantus firmus de lo que resultó una polifonía de 4y 5paralelas evolucionando según el
mismo ritmo, nota a nota.
A partir del siglo XII la voz de órgano es reemplazada por una voz llamada discantus,
sitúada encima del cantus firmus que pasando a la base, adopta el nombre de tenor y actúa con
cierta independencia de su movimiento opuesto, poniendo fin al paralelismo del organum y
dando lugar a encuentros y unísonos de 4,5y 8alternados.
En el s. XII apareció el organum libre: gran libertad de escritura y de expresión que da

lugar a una flexibilidad polifónica y movilidad que contrasta con la tirantez del organum
primitivo.
EL GYMEL: (polifonía inglesa, s.XIII); se diferencia del organum en que utiliza

intervalos armónicos no exactamente consonantes; la 4y la 5se sustituyen por la 3,que los
franceses tenían por disonantes. Una 3grave acompaña al cantus firmus, pero la tradición
requería que esta voz se cantara por 8;así, las 3se convirtieron en 6:falso bordón o falso bajo.
EL CONDUCTUS: S. XII y XIII. Pieza polifónica vocal escrita a la manera del
organum, pero en la que el tenor se halla libremente compuesto. A 2, 3 y 4 voces.
LA MISA: En la Edad Media la misa adopta dos aspectos opuestos; por una parte, la
misa gregoriana, estrictamente monódica; por otra parte, la misa polifónica, primero sólo por
fragmentos, unificada en el siglo XIV por Guillaume de Machaut.
FORMAS MONÓDICAS PROFANAS: influencia de la música eclesiástica -Canto
gregoriano y tropo. A partir del XI trovadores de todos los lugares componían música y textos,
improvisando un acompañamiento musical que suponemos apenas difería de la melodía.
* Estructura: 4 tipos principales según Th. Gérold: La canción sin estribillo, la canción
con estribillo diferente para cada estrofa, la canción con un estribillo que fluye de la melodía de
la estrofa y la canción con estructura fija.
1) Formas derivadas de la letanía: Forma expositiva en verso, cantándose cada uno sobre
la misma melodía.
- La chanson de geste o cantar de gesta: constante repetición de una fórmula melódica

con una cadencia final del verso, los cuales pueden ser irregulares (laisses); éstos confluyen con
un cambio de rima al final.
- Laisse estrófico: formación regular de incisoso en el cantar de gesta. A determinado

número de repeticiones de la melodía por verso con semiconclusión le sigue una última
repetición con conclusión definitiva.
- El retrouenque: es igual que el laisse estrófico pero con estribillo. Las estrofas son
cantadas por un solista y el estribillo por el público.
- La chanson avec des refrains: su característica es que acaba cada vez con un estribillo
distinto.
2) Formas que derivan de la secuencia: al igual que la secuencia sacra con sus versículos
dobles, cada dos versos tienen la misma rima y la misma melodía con semiconclusión y
conclusión definitiva; los pares de versos son de melodía desigual; denominaciones: lai, laich
(leich), descort, estampida (estampie) , siendo esta última instrumental.
EL LAI: aparición de unidades melódica repetidas de inmediato con nueva letra. En él

podemos encontrar repeticiones literales, la primera con final abierto y la segunda cerrado, así
como repeticiones con algún tipo de variacion ya sea melódica o rítmica.
3) Formas derivadas del Himno: se remonta a la forma del himno ambrosiano: 4 versos
con melodía de composición desarrollada abcd. si se repite el primer verso doble se origina:
a) Estrofa de cansó.
b) Cansó circular.
4) Formas derivadas del rondel (todas tienen estribillo):

a) LA BALADA: de los siglos XIV y XV, española o francesa, es una canción artística
acompañada. Origen: aires bailables que interpretaban en los s. XII y XIII los trovadores. A
finales del XV, da lugar a la canción polifónica y a los aires bailables instrumentales.
Estructura de la balada española: Una especie de refrán, la ripresa, cantada por un coro
al principio y al fin de la obra, una doble estrofa o piedi y un falso estribillo o refrán, la volta,
que sobre la música de la ripresa pone un texto diferente.
Estructura de las baladas francesas: el último verso hace el papel de estribillo y no hay
ripresa inicial.
b) El rondeau o virelai (virelé): Forma vocal. Especie de danza o de ronda cantada

donde alternan la voz solista en la estrofa y el coro para los refranes. De gran importancia en la
música polifónica (s. XIII). Los 8 versos del rondeau están repartidos según dos fórmulas
melódicas según el esquema a'b'a''b'ab; a veces, a y b se amplían a varios versos. El rondeau del
s.XV (virelai), está acompañado por instrumentos.
Es la forma de canción más extendida en francia en el Ars Nova. La roda, otra forma de
rondeau, adopta de la caccia florentina la escritura a 3 voces, de las cuales, dos son un canon. El
rondeau desapareció en los albores del XVI.
EL LAUDE: Está relacionada con la Ballada o el virelai.
EL MOTETE MEDIEVAL: deriva del organum melismático, al proveer a la voz

organalis de un texto propio. S. XIII. Sobre un cantus firmus litúrgico evolucionan 1, 2 o 3
voces cantando, cada una de ellas, a veces en lengua vulgar, un texto diferente, a razón de una
palabra por nota. En muchos casos termina por añadirse un refrán de rondeau en estilo cortes
(motete injertado). Por 1vez, las voces dejan de cantar nota a nota.
En el siglo XIV, el motete de tipo corriente necesita los instrumentos. Sólo la parte del
comienzo es cantada, así, la forma se enmarca dentro del cuadro de la liturgia. Los preludios,
interludios y postludio instrumentales hacen una aparición bastante breve.
ARS NOVA
Además de usar las formas anteriores, emplean:
EL CANON: Procedimiento de escritura del que los italianos del XIV hicieron una
forma, llamada fuga o caccia (caza). 2 o varias voces van entrando una tras otra en una misma
frase melódica. Imitación contrapuntística.
TIPOS:
A)CANONES SIMPLES: una sola melodía cantada por distintas voces que entran en
distintos momentos. Cada entrada se indica con un signo. Cuando la 1llega al asterisco empieza
la 2etc.
B)CANONES RESUELTOS: A 2 o 3 voces, pero no en todos los casos es así; puede

ocurrir que 2 voces tengan melodías propias.
De 5 voces, la soprano I y la II hacen canon y el tenor, bassus y alto llevan una melodía propia.
Muchas veces la segunda voz no se escribe, se indica mediante una frase. Si es al

Unísono: "Ad Unisonum"; a la 8:"In Diapason"; a la 5:"In Diapente"; a la 4:"In Diatesaron".
Había prefijos que se utilizaban para indicar si había que hacerlo por arriba (EPI-HIPER) o por
abajo (SUB-HIPO).
Las entradas en ellos fueron haciéndose cada vez más cortas, entradas a la corchea o a la
negra. Empezar a la vez pero con melodías diferentes;negras. Utilizan en ocasiones diferentes
claves. El texto se canta para atrás. Se hace la misma melodía, pero lo leas por donde lo leas
dice lo mismo. Canon del espejo: con la hoja al revés y por movimiento contrario y Canon del
cangrejo: Se debe leer para atrás, como los hebreos.
EL MADRIGAL FLORENTINO: finales del XIII. Canción a una voz acompañada por
instrumentos a los cuales se confían los interludios y postludios (ritornelo). Distintas estrofas
con igual música, y ritornelo final con cambio de compás. Estilo flexible, melodía más
ornamentada, texto fino y delicado.
LA CACCIA: a dos voces contrapuntísticas y una instruemntal que hace de bajo y no

entra en el entramado contrapuntístico.
RENACIMIENTO.
*** I MÚSICA RELIGIOSA ***

EL ANTHEM: Forma vocal inglesa, de la que el motete y la cantata son los
equivalentes latino y germano. S. XVI.
* Estructura: Se transformó y con los años fue equiparable a la del motete polifónico en
imitaciones; más tarde tomó parte de la forma cantata. La forma original era la de canto
alternado.
EL MOTETE: Vocal, esencialmente litúrgica, destinada para ilustrar un momento del
oficio. Del M. a capella derivarán otras formas: desde la misa (vocal) hasta el ricercar
(instrumental).
En el s.XVII el M. italiano evoluciona hacia un estilo monódico, donde las voces

solistas son sostenidas o por un bajo continuo o por la orquesta. A finales de siglo el motete,
como la cantata, se va llenando de recitativos, de arias, de dúos y de trios. De la misma forma
aparece el motete francés.
Estructura: el motete a capella, generalmente escrito a 4 o 5 voces, está condicionado

por un texto estraido del oficio. A cada frase o fragmento de frase que poseía un sentido
completo correspondía una frase melódica libremente compuesta, que cada una de las voces
entona a su vez en imitación contrapuntística (usoda por la polifonía de aquella época). Era el
mismo procedimiento que el de la misa. La unidad procede de la igualdad de las voces, ninguna
de ellas está subordinada a las otras.
El M. en duplex es el más frecuentemente escrito a 4 voces, compuesto de pequeñas

exposiciones de fuga en la que las voces entran de 2 en 2, el motivo principal va acompañado de
un anti-tema. Las respuestas están dispuestas en grupos de 3.
LA MISA: Es la más importante forma de la música sagrada. Forma compuesta: 5

partes distintas correspndientes a 5 oraciones cantadas del oratorio de la misa católica. En las
misas de los siglos XV y XVI los instruentos son requeridos a veces a fin de completar una
parte insuficientemente construida.
Estructura: el ordinario de la misa católica comprende 5 cantos principales: el Kyrie, el

Gloria, el Credo, el Sanctus (con su Benedictus) y el Agnus Dei. Algunas formas de misas:
1) Misa gregoriana: a una voz y a capella. Las partes están unidas por la elección de un
mismo modo.
2) Misa polifónica: (XVI) Imitación contrapuntística. Un único tema sacado del
repertorio gregoriano, del motete polifónico o de una canción profana. El plan de ésta lo
determina el texto. Un gran Nde misas son "Parodiadas": sus elementos proceden de un motete
anteriormente compuesto por el mismo autor. Otra forma: misa "Cantus Firmus", motivo
tomado del canto llano que va de una parte a otra o se repite en la misma voz, en figuras largas a
la manera de un tema coral.
3) Misa concertante: Se parece a la cantata aunque sin recitativos ni corales. Contiene
coros, arias y dúos.
*** II MÚSICA PROFANA ***
+ VOCAL
LA CANCIÓN POLIFÓNICA: Escuela francoflamenca del s. XVI. Fusión del aire
popular de la canción monódica y de la imitación de la expresión del motete contrapuntístico.
Destinado a ser cantado a capella. Número de voces: 3, 4, 5 y 6.
* Estructura: Frecuentemente adopta la del rondó, la del virelai y la de la balada

medieval de la cual procede, con la alternancia estrofa-estribillo. Otras formas: atribuye a cada
frase un esbozo melódico imitado por las distintas voces. Otra: sobre un texto diferente repiten
la 1o las dos primeras frases musicales evolucionando libremente al final de la pieza.
LA FROTTOLA: s. XV en Italia. Homofónica. El interés radica en la voz melódica.

Procede del madrigal florentino. Texto frecuentemente saturado de onomatopeyas. Escrita a 4
voces, nota a nota. Sólo la melodía superior es cantada, las otras son confiadas a instrumentos.
Texto estrófico; cada estrofa tiene 8 versos octosílabos. La música comprende dos frases
desplegadas sobre dos versos cada una, y la primera se puede escuchar tres veces (AAB). Fue
absorbida por el madrigal italiano y por la villanela.
LA VILLANELA O CANZONETTA: Forma vocal del s. XV. Se canta a varias voces,

pero su escritura y estructura son de lo más rudimentario. Homófona. Desapareció a lo largo del
XVI.
EL MADRIGAL: Estructuración en secciones que corresponden a las líneas del texto.

Técnica de imitación de un mismo motivo en las diferentes voces. Partes homófonas en otras
secciones. 4 voces. Composición desarrollada. Cambios tímbricos. Vivacidad rítmica en
compases cuadrados, de medida par. Agilidad melódica. La Armonía es sencilla.
EL MADRIGAL CLÁSICO:(1550-1580). Están escritas a 5 voces, a veces a 6. La

escritura es fundamentalmente polifónica, imitativa. Todas las voces son iguales en importancia
y pueden ser sustituídas por instrumentos.
VILLANCICO: Constituído por una serie de refranes en los cuales se manifiesta el

espíritu español de la variación, principalmente en lo que concierne a las partes del
acompañamiento modificadas contínuamente. Es habitual que existan dos versiones de un
mismo villancico: una para voz solista y otra para coro.
+ INSTRUMENTAL.
+ Composiciones derivadas de modelos vocales:
RICERCARE: pieza instrumental de estructura libre, que imita el motete vocal. Recurre
a la escritura contrapuntística de imitaciones. Se compone de varias partes (de 3 a 9), cada una
de las cuales juega con un motivo diferente. En España aparece con el nombre de Tientos.
LA CANZONE: Es en su origen (XVI en Italia) una transcripción para viento de obras

vocales y de canciones polifónicas francesas. Más tarde, polifonistas italianos compusieron
canzone originales adaptando a instrumentos el estilo vocal. Estilo imitativo.
* Estructura: Compuesta por episodios de estilo fugado encadenados unos a otros. A

veces las partes están claras porque adoptan alternativamente compases ternarios y cuaternarios
teniendo los fragmentos de compás ternario una especie de variación de los cuaternarios.
MÚSICA DE DANZA: baja danza o danza lenta: branles,pavana. Rápidas: branles,

padoanna, gallarda, saltarello, courante, allemande, gavota. (anexo I)
VARIACIONES: Se inicia con los compositores españoles de laúd y teclado de

principios del s. XVI: Diferencias. Consiste en exponer un cierto Nde veces un mismo tema,
bajo diversos aspectos melódicos, rítmicos y armónicamente diferentes.
BARROCO.
LA SUITE: Vocablo francés que significa continuación, serie, sucesión. Composición

instrumental que consta de varias piezas, más o menos independiente, ordenadas para ser
interpretadas seguidamente formando un todo.
Origen: combinaciones de danzas populares de la Edad Media y el Renacimiento. Al

principio eran sueltas, para en el s. XVII realizarse unidas.
Tiene estilo contrapuntístico con ornamentaciones, y las danzas se alternan de

movimientos rápidos y lentos. Cada una se divide en 2 partes, al hacer una pequeña modulación
para evitar la monotonía y vuelve al final al tono de partida. Tiene generalmente una estructura
binaria. La estructura global sería una gran cadencia perfecta I-V-I.
A veces, y al final del Barroco, las suites comenzaban con una introducción ( tocata,
fantasía, obertura o preludio) y concluían con una chacona, rondó o pasacalle. Suite barroca :
todas las danzas en la misma tonalidad y en distinto modo.
La suite en un principio aparece con otras denominaciones: ORDRE, en Francia;

PARTITA, en Alemania y SONATA en Italia. Después de Bach, declina su importancia y su
uso, permaneciendo
sólo el de SONATA, volviendo a reaparecer a mediados del s. XIX,
Pero ya con una concepción moderna, como composición orquestal integrada por una
serie de piezas de forma libre, en cuanto a estructura y estilo, pero relacionadas entre sí de algún
modo que justifique que sean interpretadas consecutivamente. Por ello, es necesario distinguir
entre "Suite Antigua" y "Suite Moderna". La Suite Moderna no se amolda a la forma clásica y
consiste en una agrupación libre de tiempos basados, generalmente, en un argumento literario.
Aunque existe gran variedad en el formato de la Suite, la estructura más generalizada, y

que puede ser considerada como predecesora de la SONATA de 4 tiempos, es la siguiente:
1Allemande: movimiento moderado.

2Courante: movimiento vivo.
3Zarabanda: movimiento lento.
4Giga: movimiento vivo.
Sucintamente definidas:
+ Allamande: Danza de origen alemán, compás cuaternario, generalmente 4/4, y tiempo

moderado (allegro moderado o sólo moderado). Presenta un característico comienzo anacrúsico.
+ Courante: Voz francesa, españolizada por "corriente, corrente y corranda", compás

ternario, generalmente en 3/4 y 3/2, aunque también en 3/8 y 6/4. Se utilizaron dos tipos de
courante: unas rápidas y otras lentas. Las primitivas eran de movimiento rápido.
+ Zarabanda: Danza de origen español, compás ternario, generalmente 3/4 y

movimiento pausado y carácter noble.
+ Giga: Danza de origen indeterminado, se la considera inglesa o italiana. Compás

ternario 3/8 o alguno de sus compuestos (9/8, 12/8). Su movimiento es muy vivo.
Otras danzas que solían igualmente utilizarse en la Suite, son las siguientes:
+ Minué: Danza francesa de origen cortesano. Lo bailaba la nobleza en los amplios

salones de los palacios, preferida en la corte de Luis XIV. Compás ternario, generalmente 3/4.
Su movimiento en sus orígenes era casi lento, en expresión de saludo, posteriormente se fue
aligerando.
+ Gavota: Danza de origen francés. Compás 2/2 y movimiento moderado.
+ Pavana: Danza muy antigua, de origen indeterminado (española o italiana), escrita en

compás binario o cuaternario, de movimiento lento, que servía de introducción a otra danza
rápida.
+ Gallarda: Danza francesa. Compás ternario. Fue absorbida o desplazada, por la

"Courante".
+ Otras Danzas que se utilizaron igualmente fueron: Siciliana, Passepied, Chacona y

Pasacalle, Musette, etc.
La SUITE antigua es una reunión de varios aires o danzas, 4 generalmente, distribuidos de la
siguiente forma:
Primer Aire: Suele ser una Allemande.

Segundo Aire: un Aria, una Zarabanda o una Siciliana.
Tercer Aire: la Gavota, el Minué, el Pasapié o la Bourré.
Cuatro Aire: es casi siempre una Giga.
FUGA: Es la más compleja composición polifónica de estilo horizontal,

contrapuntístico de un solo movimiento. De origen vocal, es una obra monotemática, en una
misma tonalidad, que emplea sistemáticamente la imitación. Alcanza su máximo auge con Bach
(s. XVIII). Tiene por base una melodía breve, llamada sujeto o tema, la cual es seguida o
imitada por las otras voces en estrecha sucesión, y que reaparece en toda la pieza, en todas las
voces.
Las características de sus elementos son las siguientes:
+ Sujeto: el tema propiamente ducho se suele denominar sujeto o motivo. Es una frase
melódica con sentido completo y con unas características interválicas y rítmicas bien definidas.
Se presenta en la tonalidad principal.
El sujeto puede ser modificado de acuerdo con las peculiaridades propias de la elaboración
contrapuntística de las siguientes formas: por aumentación, dando a sus sonidos mayor
duración; por disminución, lo contrario; por inversión, conservando los intervalos, se cambia su
dirección: los ascendentes en descendentes y viceversa; por retrogradación, leido de su final a su
principio; y por cualquiera de las combinaciones posibles de estas modificaciones.
+ Respuesta: Melodicamente guarda la misma fisonomía que el sujeto, sólo que es

presentada por otra voz, contestando a la que le expuso y en el tono de la dominante. Esta
transposición no suele ser exacta, sino que sufre una serie de cambios (mutaciones) para
conservar la unidad tonal.
+ Contrasujeto: Es una idea melódica de características distintas, sobre todo en el

aspecto rítmico, de las del sujeto. Jerarquicamente tiene menor importancia y su finalidad es
hacer resaltar al sujeto por contrastación.
Estructuralmente, en el esquema general de la fuga se pueden distinguir 3 secciones:

EXPOSICIÓN - DESARROLLO - REEXPOSICIÓN.
a) EXPOSICIÓN: Se lleva a cabo la presentación de todos los elementos temáticos:

Presentación del motivo o suejto en el tono principal, al término del cual y mientras esta voz
prosigue, hace su aparición en otra voz la Respuesta, es decir la imitación del motivo en el tono
de la Dominante. Una 3voz reproduce de nuevo el motivo en su forma original, mientras una 4
voz reproduce a su vez la respuesta en la tonalidad de la Dominante. El contrasujeto aparece a
continuación del sujeto y de la respuesta, simultaneamente a la imitación de éstos por parte de
las restantes voces.
b) DESARROLLO: Musicalmnete es la más interesante. Consiste en una serie de

reexposiciones abreviadas -motivo y contramotivo- en las cuatro tonalidades vecinas. Se lleva a
cabo una alternancia entre los llamados episodios o divertimentos con sucesivas presentaciones
del sujeto. El último episodio suele estar sonstruido sobre un pedal de Dominante que prepara la
entrada de los estrechos en la REEXPOSICIÓN.
c) REEXPOSICIÓN: La 3parte de la fuga es una reexposición en la tonalidad principal,

quedando el espacio de tiempo entre la iniciación del sujeto y su respuesta más estrecho-
stretto-; por este motivo algunos autores llaman a esta tercera sección ESTRECHOS. El número
de strettos (estrechos) que debe tener una fuga es potestativo, suele oscilar entre 2 y 5, que
suelen concluir con "una pedal" sobre la tónica.
EL CONCIERTO: Contraste o rivalidad de voces e instrumentos.
A partir de la 2mitad del s. XVIII se puede defimir como una composición dividida en
varios tiempos (normalmente, tres) y concebida para el lucimiento de uno o más instrumentos
solistas con los cuales colabora una oruqesta.
Cuando hablamos de Doble y Triple Concierto, nos estamos refiriendo a un concierto

en el que intervienen 2 ó 3 instrumentos solistas, respectivamente.
Se pueden distinguir, atendiendo a su estructura formal, 4 tipos de conciertos

cronológicamente: concerto grosso, preclásico, clásico y posclásico.
a) CONCIERTO VOCAL: Concierto da chiessa (Concerto da iglesia). Finales del XVI.
Obra vocal de inspiración religiosa con acompañamiento instrumental. El concierto de cámara
vocal apareció en la 1mitad del siglo XVII relacionándolo con la cantata.
b) CONCIERTO GROSSO: Es tanto un concierto de cámara (concerto da camera)

como de iglesia. La orquesta se divide en dos grupos: solistas o concertino y ripieno o grosso
(conjunto orquestal). Fue abandonado por la sinfonía concertante.
Su estructura formal era poco definida, oscilando entre la Fuga y la Suite, y su número
de tiempos era indeterminado. Su creación fue debida al italiano Arcángelo CORELLI (1653-
1713) y se generalizó durante la 2mitad del s. XVII y comienzos del XVIII.
Corelli dividía la orquesta en dos grupos: un pequeño grupo de instrumentos solistas

llamados concertino y un gran grupo llamado tutti.
El concertino consiste frecuentemente en dos violines y un bajo continuo (cello más

clavicembalo) procedentes estos de la sonata a trío. El tutti es una pequeña orquesta de cuerda
que posteriormente incluía alguna que otra vez instrumentos de viento Ambas partes contaban
con un contínuo propio, lo cual les permitía mantener una cierta independencia.
Corelli transfirió al concierto los dos tipos tradicionales de la música de cámara: la

sonata da chiesa y la sonata da cámara. De este modo estableció el concierto de Iglesia y el
concierto de cámara.
Torelli en principio concibió sus conciertos igual que Corelli, pero pronto estableció la
forma típica del concierto con tres movimientos bien diferenciados: allegro-adagio-allegro. De
esta forma se realza el tiempo allegro y los movimientos lentos se reducen a unos cuantos
acordes. Este esquema fomentó la evolución del concierto con solista.
- El primer tiempo suele constar de tres Solos, separados por tutti de orquesta. Poco
antes de terminar el último Solo es costumbre hacer un reposo o semicadencia, para dar lugar a
una Cadenza o Fermata, que antiguamente improvisaba el solista.
- El segundo tiempo es un lied en tres partes.
- El tercer tiempo, Final, es un Rondó, en el que la orquesta hace los Estribillos y el

solista los Cuplés.
c) CONCIERTO PARA SOLISTA: Apareció a principios del XVIII. El grupo de

solistas se reemplaza por un solo instrumento que "concierta" con la orquesta entera. No tiene
estructura propia. El Concierto vocal adopta la forma de la cantata. El concierto grosso se
estructura según el esquema de la sonata pre-clásica. En el concierto para solista, éste adopta un
segundo tema, la exposición está precedida por una especie de pre-exposición donde la orquesta
nos hace escuchar los principales temas antes de que el solista los enuncie. El desarrollo es para
que el solista muestre su virtuosismo.
LA OPERA:
Se denomina con el término de Ópera a toda obra escénica enteramente musicada en

que interviene el canto con palabras (ZAMACOIS).
Desde el punto de vista teórico se prsentan criterios encontrados respecto a si la opera es

teatro o música; incluso en algunos paises, algunas veces ha pesentado problemas
administrativos al sugir la duda de adscribirla al sector musical o dramático. Lo cierto es que se
produce, y debe ser así, una simbiosis entre Teatro, donde implica la escena, la luminotecnia, la
coreografía, el vestuario, etc, etc.; y a la vez, la melodía, al voz humana, la orquesta, etc., es
decir la Música.
Nace este género lírico hacia finales del s. XVI en Italia. Su etimología procede de la
palabra latina "opus" (en plural "opera"), que significa "obra".
La ópera, como cualquier obra dramática, se divide en actos, y cada uno de éstos está
constituido por varias escenas compuestas por una sucesión de acciones o relatos (unidades
menores del melodrama), constituidas por: recitativos, arias, romanzas, dúos, tríos, cuartetos,
coros, danza (ballet), etc.
El texto escrito donde se basa la ópera se denomina libreto. Éste puede tratar de temas
diversos: históricos, mitológicos, cómicos, amorosos, etc. Elementos musicales de la Ópera:
- Obertura: Es una introducción orquestal ejecutada con las luces del teatro apagadas y
el telón cerrado. En la obertura aparecen esbozados por la orquesta los principales temas
melódicos que posteriormente interpretaraán las voces. Una vez finalizada la obertur, se abre el
telón y comienza la trama.
- Interludio: Es un pasaje instrumental entre dos escenas o actos, y de menor extensión

que el preludio.
- Recitativo: Se refiere al pasaje en el cual se lleva a cabo la declamación melódico-

musical, en el cual un personaje canta narrando sucesos, y no xpresando sentimientos y
pensamientos como ocurre, por ejemplo, en el aria o en la romanza. Era acompañado,
generalmente, por el clavecín en las primeras óperas, sustituido después por un cuarteto de
cuerda y posteriormente por la misma orquesta. No está sujeto a ninguna obligación tonal,
modulando a vooluntad y finalizando en el tono que interese. Se pretende dar la menor
sensación posible de música y acercarse en lo posible a la naturalidad y espontaneidad del
lenguaje hablado.
Podemos distinguir dos tipos de recitativos, el llamado "seco" y el "expresivo". El 1,ya

en desuso, era llamado así porque la voz quedaba sola, casi libre en cuanto a medida, y estaba
sostenida únicamente por acordes, generalmente del clave. El 2, la declamación es sostenida
por la orquesta, debe ser medido, aunque conserve cierta flexibilidad. La participación de la
orquesta hace que el recitativo sea más vivo, intenso y rico, sin prescindir de su naturalidad.
- Aria: es un pasaje, generalmente largo, en el que uno de los personajes, acompañado

de la orquesta, canta un tema de naturaleza lírica y expresiva.
Se pueden distinguir: "Gran Aria", "Arieta" y "Arioso".
La "Gran Aria", es un aria extensa de tipo ternario reexpositivo (A-B-A). En la primera

parte, destinada por supuesto a poner de manifiesto el virtuosismovocal del cantante, se presenta
el tema del aria. La parte central (B), era más melódica y sencilla para el cantante, aunque de
mayor interés, y en la Reexposición, se introducían una serie de variantes que enriquecían el
tema expuesto anteriormente en la primera parte del aria.
La "Arieta" es un aria de poca extensión y simplicidad melódica, y el "Arioso",

igualmente de corta extensión, es una frase melódica sin estructura temática y de carácter
recitativo, que va tomando forma hasta convertirse en aria, si se desarrolla al final de un
recitativo.
- Romanza: Es una canto lírico-sentimental que tiene como sujeto el amor. Aunque no
tiene estructura determinada, no obstante suelen predominar las escritas en forma ternaria
reexpositiva (A-B-A) y las del tipo estrófica (canción por estrofas).
- Dúo, trío o terceto, cuarteto, etc.: Con esta denominación nos referimos a una pieza
musical en el que intervienen, en el caso de la ópera, un número determinado de personajes en
calidad de solistas vocales. Su actuación puede ser unas veces por separado, a modo de diálogo,
y otras simultánea, sea o no al unísono.
- Concertante: Se denomina así a una pieza, colocada casi siempre al final de un aco, en
la qie intervienen todos los componentes musicales: los personajes, el coro y la orquesta, y se
pretende conseguir un efecto apoteósico.
Diferentes tipos de óperas:
- Gran Ópera: Así denominada aquella que introduce un conjunto de elementos que
resultan más eficientes para despertar la atención y el entusiasmo del público; sería la
equivalente a las actuales superproducciones cinematográficas, que atraen por sus maravillosos
efectos especiales o por la gran cantidad de personas "extras" y fantásticos decorados utilizados.
Entre los elementos a destacar, podemos citar los siguientes:

 Argumento, casi siempre histórico.
 Abundante acción y movimiento escénico: desfiles, marchas, cortejos, etc.
 Gran "ballet", como componente imprescindible. Etc...
- Drama lírico o musical: Se debe principalmente a WAGNER, y en ella la música vive

y desarrolla el drama en completa identificación y fusión con la palabra y tema. Si establecemos
una diferencia entre "Drama lírico" y Ópera", encontramos que el primero busca, sobre todo, la
expresión; y la segunda no persigue ser tan profunda pero sí más asequible.
La concepción musical del Drama lírico se basa en el "Leitmotiv" (motivo conductor),

que dará unidad y coherencia a la ópera. Podríamos definirlo como una melodía o acordes
(motivo musical) que caracteriza y describe un paisaje, un estado anímico, o un personaje
concreto, de tal forma que cada vez que escuchemos dicha melodía o acordes nos evoque al
elemento caracterizado.
- Ópera bufa: se desarrolló durante la primera mitad del siglo XVII en Venecia, y
durante el siglo XVIII en Roma y en Nápoles. Era na obra corta. Su nombre procde,
probablemente, del papel grotesco del "bufón", encomendado con frecuencia a una voz grave.
Las características de este género operístico son: la gracia, ligereza, frivolidad y humor,
melodía popular espontánea, en vez de las pesadas arias dramáticas; también existe mayor
intervención del coro.
- Ópereta: Es una variedad menor de la ópera, de carácter ligero, temas divertidos y

alegres, con pasajes hablados. Tuvo mucha aceptación a finales del siglo pasado y a principios
del actual.
ORATORIO:
El Oratorio es una composición vocal-instrumental, con partes líricas y draméticas sobre

textos biblicos y religiosos, de carácter alegórico pero sin escenografía ni acción.
El término "Oratorio" tiene su origen en el hecho de que las primers composiciones de

este tipo, que llevarán dicho nombre, estaban scritas para la "Congragación del Oratorio",
fundada en Roma por San Felipe Neri. Por otra parte, su origen musical procede de la evolución
de las "Laudi Spirituali" y del Motete.
El primer Oratorio representado que se conserva es la "Reppresentatione di anima e di

corpo" de Emilio dei CAVALIERI, que se estrenó el año 1600, en Roma, durante la celebración
del ubileo Universal, concretamente en el Convento de Santa María en Vallicela.
En el desarrollo del Oratorio intervienen: un narrador o cronista de escena, que tiene

encomendada la función narrativa; voces solistas, personajes que cantando monodicamente
desarrollan la acción dramática y los momentos líricos; el coro, que comenta dicha acción
dramática con un fin edificante y moralista, y la orquesta.
PASIÓN:Originaria de Alemania, sufrió una evolución:

- Antes del s. XII se recitaba durante la Semana Santa.
- En el s. XII era un recitado en estilo salmódico recitado por tres clérigos (Pasión
Luterana).
- En el s. XV se interpreta en estilo de motete polifónico.
AIRE CORTESANO: (air de cour). Finales del s. XVI hasta mediados del XVII. Es un
arte vocal menor. Generalmente a una voz y no tiene la amplitud del aria. Acompañamiento: un
laud más tarde sustituido por el bajo continuo. Es de corte estrófico.
EL ARIOSSO: Es vocal. Especie de recitativo acompañado, de carácter melódico,

medido y expresivo "a modo de un aria". Se sustenta entre el recitativo puro y el aria. Finales
del XVII y principios del XVIII. Ritmo marcado y medido. La melodía evoluciona libremente
dentro del marco de las modulaciones que le impone la orquesta.
LA CANTATA: Escena lírica dividida en varias partes. Destinada a los conciertos o a

los oficios sagrados. No se representa. Dos tipos: Cantata de cámara (profana) y cantata de
iglesia. Pertenecen al arte vocal. Apareció a principios del XVII.
Originaria de Alemania, en su primera forma era alternancia de arias líricas y recitativos

sobre acompañamiento sencillo instrumental.
La palabra "cantata" en su origen se utilizaba para referirse a cualquer tipo de música

vocal, es decir, obra que debía cantarse. A partir del siglo XVII, cambió su significado y quedó
restringido para referirse a una pequeña escena cantada, y al igual que el Oratorio, destinado
solamente a su audición; de tal forma que algunos teóricos la han definido diciendo que "la
cantata no es más que un Oratorio más pequeño".
+ Cantata profana (concierto): antes que la religiosa y más que una historia a veces se
reducía a sola escena.
+ Cantata religiosa (Iglesia) que es posterior a la profana y procede del motete. Se

intercalaba a veces entre el Evangelio y el Sermón.
Reúne varias formas distintas. En su origen éstas eran el aria, el ariosso y el recitativo.
Después aparecieron el dúo, el trío y finalmente el coro y en muchas cantatas alemanas, la coral.
EL CORO: Pieza coral que no se ajusta a una forma determinada. Lo encontramos a

partir del s. XVII en la cantata, el oratorio y la ópera. No tiene ni estructura ni estilo bien
definidos. Raras veces está destinado a cantarse a capella.
LA CORAL: Principios del XVI hasta mediados del XVIII. Extendido en Alemania
desde la Reforma. Base de la liturgia luterana. Toma su origen del volkslied o canción popular
alemana, de formas populares no germanas y de algunos himnos gregorianos.
Su estructura: división de la melodía en períodos más o menos simétricos, generalmente

separados por intervenciones del órgano. Frecuentemente los dos primeros períodos dan lugar a
una repetición. Las primeras corales eran cantadas al unísono. En su carácter más medido, más
marcado y más tonal se diferencia del cantus firmus de origen gregoriano.
Doce tipos diferentes que encuentran su razón de ser en la técnica de la variación: La

coral contrapuntística, fugada, figurada, en canon, adornada, variada y la fantasía de la coral.
A estas estructuras, propias de la música de órgano, se añaden otros tipos más
específicamente vocales: La coral armonizada, parafraseada, parafraseada combinada con la
armonizada, el tema se superpone sobre una especie de fuga vocal y orquestal en doble coro y la
Coral en trío (en las cantatas).
LA SONATA PRE-CLÁSICA: El s.XVII es el de la sonata a tres o sonata a tría,

concebida para dos violines y un bajo continuo (viola de gamba o violoncello, doblado o no por
un instrumento de armonía, clavecín, órgano o laud, encargado de distribuir los papeles).
Esencialmente polifónica. La sonata para violín y bajo continuo tiende hacia un lenguaje más
monódico. La sonata estaba en un estado de experimentación. Estructura no definida, a veces
binaria y a veces ternaria (ABA) terminando la primera exposición de A en el tono relativo.
LA CHACONA: Danza antigua, de 3 tiempos y de origen español. A veces se

incorpora en la suite como pieza final. En el XVII y XVIII la asocian al rondó y en el XIX se
olvida esta forma.
* Estructura: Serie de exposiciones de un mismo tema. El motivo original es susceptible

de transformaciones que afectan a sus propios contornos, según el sistema de variación llamado
"amplificación temática".
LA FANTASÍA: Puede incluirse entre las formas derivadas de la sonata: en los s. XVI
y XVII, es una pieza contrapuntística dividida en varias partes, similar a la tocata y al ricercare.
En el XVII los ingleses la denominaban Fancy. A fines del s. XIX, esta forma musical cambia
de rumbo y nace la "fantasía de ópera", aplicándose a piezas formadas por piezas de ópera.
La fantasía no sigue fielmente ninguna de las formas tradicionales y es elaborada por el

compositor con absoluta libertad. Está basada en cuatro principios:
1)Presentación de los temas elegidos.
2)Reexposición alternada en el orden que quiera el compositor.
3)Equilibrio entre las distintas secciones.
4)Puesta de manifiesto de los contrastes citados.
El proceso tonal será tan repetido que se finalizará en el mismo tono que comenzó.
CLASICISMO
Perfeccionamiento de las formas mayores. Desaparecen formas instrumentales como la

suite, el concerto grosso, toccata, preludio, etc. La fuga se practica poco, así como la variación y
los oratorios.
Nace la sonata procedente de la Suite antigua y se recupera la Obertura introductoria de

las óperas y se aplica a la Sinfonía instrumental, dando así ligar a la Sinfonía Moderna.
El concerto grosso da lugar al concierto con solista que tiene forma de sonata con tres
movimientos. El papel de solista lo desempeña casi siempre el piano o el violín.
CONCIERTO PRECLÁSICO: Aunque ya llegó a tener una estructura formal bastante

definida, aún seguía influenciado por la fuga y la suite. Normalmente tenía tres tiempos: vivo-
lento-vivo. Bach y Vivaldi, entre otros, compusieron conciertos de este tipo.
CONCIERTO CLÁSICO: El concerto clásico para solista virtuoso acompañado de

orquesta vino a reemplazar a mediados del s. XVIII al concerto grosso de alternancia de un
grupos de solistas con el orquestal. El grupo orquestal del concerto grosso es ahora representado
por la orquesta sinfónica completa. los solistas más frecuentes son el violín y el piano, aunque
en general lo pueden ser todos especialmente los de viento.
MOZART adaptó la forma Sonata con algunas variantes de detalle para lograr que los
temas principales pudieran pasar del solista a la orquesta y viceversa.
La forma viene a ser la misma de la sonata clásica con la diferencia de que en vez de
cuatro movimientos aquí son tres (allegro-lento-rápido). En el primer movimiento utiliza
también el tipo "allegro de sonata", con las modificaciones que requiere el solista y orquesta:
doble exposición, una de las cuales es encomendada al solista y la otra a la orquesta, que es la
que suele abrir la pieza. Es característica del concierto una cadencia o largo reposo, colocada
hacia el final del primer movimiento (a veces también en el tercer movimiento), en donde el
solista, sin acompañamiento u muy libremente, resume el material temático precedente. Hasta
Beethoven esta cadencia solía ser improvisada por el intérprete.
CONCIERTO POSCLÁSICO: Tiende a suprimir la doble Exposición o sustituirla por

una repetición inmediata del Tema A y del Tema B, por lo que desde el punto de vista formal,
está más próximo a la estructura Sonata.
SINFONÍA:es una composición musical, escrita siempre para orquesta, compuesta por
varias partes (normalmente de 4 movimientos), y concebida según la forma de la sonata.
a) Como sinónimo de Obertura, en la primitiva ópera italiana, que en su máximo grado

de perfeccionamiento constaba de 3 tiempos o partes: rápido-lento-rápido (siglo XVII).
b) Como sinónimo de Sonata orquestal, que es la acepción que perdurará hasta nuestros
días (siglo XVIII).
A finales del s. XVI, se denominó sinfonía a los trozos instrumentales situados entre las
partes de una obra teatral.
La sinfonía es como una gran Sonata para orquesta, cuyo origen está en la obertura de la
Ópera que tenía tres movimientos. En el s. XVIII la sinfonía adopta el uso de 4 tiempos,
siguiendo el esquema general de la sonata:
1-Allegro.
2-Adagio o Andante.
3-Minuetto o Scherzo.
4-Allegro Finale o Rondó.
Es excepcional que rebasen este número, y más aún, que no lleguen a 3. Suele ser
puramente orquestal. Pero no faltan ejemplos de ampliación de su poder expresivo con el
empleo de instrumentos no habituales en la orquesta (piano u órgano).
LA SONATA CLÁSICA:
Etimológicamente, la Sonata era una pieza para ser "sonada" en un instrumento, casi
siempre polifónico, en oposición a "Cantata" que era una obra para ser "Cantada".
Primitivamente, en el siglo XVII, se escribieron sonatas en un solo tiempo. En la

segunda mitad de este siglo, algunos autores la utilizaron como sinónimo de SUITE, pero con la
diferencia fundamental de que la sonata estaba constituida por piezas de música pura. Se
utilizaron 2 tipos de sonatas: Sonata da cámara y sonata da chiesa o religiosa.
La mayoría de las sonatas han sido escritas para instrmentos de teclado sólo (clavecín,
órgano, piano) o acompañamiento de un instrumento melódico (violín, flauta, etc.).
La forma sonata es quizás la más importante de las formas musicales. La sinfonía

realmente es una sonata para gran Obertura que normalmente estaba compuesta por tres
tiempos y que al desgajarse de la ópera dio origen a la Sinfonía; el cuartteto, para cuatro
instrumentos con cierta independencia, generalmente de cuerda y el concierto, realizado para
instrumentos solistas y orquesta.
Consiste en una serie de 2, 3 o 4 tiempos, para un instrumento o dos como máximo,

enlazados, con un orden lógico tonal y con gran unidad de construcción y estilo.
La sonata clásica es diferente a la sonata barroca que era monotemática. La clásica es

bitemática y consta de 4 tiempos, aunque el 3es opcional:
+ 1 Tiempo: movimiento rápido (allegro); se divide en exposición, desarrollo y

reexposición.
Primer tiempo: Es el más importante de todos los tiempos de una sonata, cuya
estructura adopta la denominada "Forma sonata" donde se distinguen tres grandes secciones o
períodos: Exposición, desarrollo y reexposición.
A) Exposición: Consta fundamentalmente de dos temas musicales, que deben ser de

distinto carácter y contrastar entre sí; es decir , si el 1es rítmico, el 2será melódico; si el 1es
energico, el 2será suave, etc. Puede iniciarse con una breve introducción lenta, y finalizarse
con una pequeña Coda.
Su esquema general es el siguiente:
- Introducción modulante.
- Tema primero, en el tono principal.
- Puente de transición modulante (se presentan temas secundarios).
- Tema 2, en el tono de la Dominante si el tono principal está en modalidad Mayor, y en un
tono vecino - generalmente el del relativo mayor - si el tono está en menor.
- Pequeña Coda o Grupo Cadencial (reposo breve antes de continuar).
B) Desarrollo: Es el período de mayor posibilidad creativa, tomando los temas usados

anteriormente, tanto los principales como los secundarios, y ampliándolos, reduciendolos,
fragmentandolso, introduciendo algunos nuevos, etc., es decir, manipulandolos a capricho. A
todo ello se le denomina "Desarrollo modulante".
C) Reexposición: Consiste basicamente en la epetición de los dos temas principales
presentados en la Exposición pero llevando a cabo algunas modificaciones técnicas, como el
hecho de que el 2tema, pueda desarrollarse en el tono principal. Igualmente, en su conclusión
puede aparecr una breve Coda, o final musical a fin de dotarle de mayor rotundidez en su
finalización.
Su esquema general, es el siguiente:
- Tema 1en el tono principal.

- Transición modulante.
- Tema 2en el tono principal.
- Breve coda.
................................................................
cuadro de la página 127
...............................................................
Segundo tiempo: Este tiempo es el que admite mayor flexibilidad. Las formas utilizadas son
las siguientes:
a) La misma que en el allegro, con dos temas, en el cual se ha suprimido el desarrollo.
b) La forma de Lied, que es la más utilizada. Cada una de las secciones puede estar
constituida por el tema principal y otros subordinados o menos importantes. Entre las formas de
lied clasificadas, las más importantes son las siguientes:
- lied monotemático-bipartito (tipo suite).

- lied monotemático-tripartito (exposición-sección moduante-reexposición).
- lied desarollado (al lied anterior se le ha añadido una nueva sección modulante y una
nueva reexposición).
- lied sonata (estructura de sonata, con o sin desarrollo).
c) El rondó.
d) Un tema con variaciones.
Tercer tiempo: El tercer tiempo consiste en un minué propiamente dicho, en dos frases
repetidas a las que sigue un trío, también repetido, para volver al principio y escuchar la primera
parte sin epeticiones esta vez. Beethoven, sustituyó este minuetto por un "scherzo" en muschas
de sus sonatas.
A B C
Minué Trio minué
Cuarto tiempo: El cuarto tiempo o final suele ser un RONDÓ, que adopta en este caso la
forma sonata, por lo que se le denomina "rondó-sonata", con el siguiente esquema:
...........................................................
cuadro de la página 128
...........................................................
EL DIVERTIMENTO: Mediados del XVIII, época galante, reemplaza a la suite.

Especie de suite instrumental para instrumentos de viento, viento y cuerda, piano forte, etc.,
pero de carácter más libre: no hay obligatoriamente afinidades entre de estructura entre los
fragmentos. Escrito para un grupo de instrumentos solistas. Se diferencia de la sonata por su
hechura más simple aunque tiene mayor número de movimientos y el carácter danzable. Fue
absorbido por la música de cámara. Reaparece en el XX bajo una forma más condensada y un
aire más frívolo.
ROMANTICISMO.
EL LIED O LA CANCIÓN DE CONCIERTO: estructura basada en una división más

o menos simétrica en períodos y una íntima conexión entre texto y música. El más habitual es el
estricto para voz y piano y sin efectos vocales ampulosos. También existen los lieder para voz y
orquesta y aun para orquesta solo. Es el heredero culto del madrigal. Comienza en la 2mitad del
s. XVIII.
La forma vocal de un lied se trasladó a la música puramente instrumental para obras

cortas, conocidas "formas menores románticas" tales como improntus, romanzas sin palabras,
momentos musicales, bagatelas, que pueden sufrir modificaciones estructurales según el
pensamiento y necesidades del compositor para plasmarla.
La forma más simple del lied es la canción construída sobre un solo período musical que
se repite en variado contexto distinto. Puede ser también con "estribillo", por lo que la frase
musical siempre tiene idéntica música y letra, y el período que constituye las "estrofas" tendrá
también la misma música en todas las repeticiones pero con letra distinta. Son pues "formas
estróficas de canción" la primera, y " forma con estribillo" la segunda, "los madrigalistas"
denominaban "ritornello" al estribillo.
La forma musical puede ser binaria o ternaria, lo que supone dos o tres períodos o
secciones musicales y además el lied contínuo.
El lied contínuo es de forma libre, según el texto del poema. Debe comenzar por el tono
principal, modular a tonos afines y terminar en el tono principal haciendo referencia a algún
motivo o frase musical oída en el transcurso del lied.
Existen diversas formas de Lied.
- Lied estrófico, es la más sencilla y está formada por varias estrofas, para las que se
escribe la misma música, según el esquema a-a-a.
- Lied de 3 estrofas, aba la 1y la última tienen la misma música.
- Lied con forma igual que el rondó abaca.
ÓPERA ITALIANA: (S.XVIII). Virtuosismo vocal, menos acentuado que en épocas

anteriores. Superficialidad, sin llegar a una profundidad dramática. Mayor importancia del coro,
la orquesta lo acompaña.
ZARZUELA
Es un género típico y exclusivamente español, diferencia primordial entre zarzuela y

opereta.
Es una obra escénica de carácter popular y costumbrista (al menos a partir de

mediados del s. XVIII), en la que se alternan escenas habladas con cantadas.
Su nombre procede de las representaciones que el Cardenal Intante Don Fernando,

hermano de Felipe IV, deba acomienzos del siglo XVII en una finca próxima a Madrid, y que se
conocía con el nombre de la "zarzuela", probablemente por la abundancia de zarzas.
En la zarzuela hay que distinguir entre "zarzuela grande" y "genero chico". La

primera está constituida por tres o cuatro actos y tiene su fecha clave en el estreno de "Jugar con
fuego", en 1851, obra de BARBIERI. El segundo se denomina así porque cada una de las
pequeñas zarzuelas constaba de un solo acto.
El esplendor alcanzado por el "género chico" produjo el equívoco de utilizar a veces este
término como sinónimo de zarzuela, cuando realmente es una variedad dentro de ella. "Género
chico": característica especial es la brevedad; mientras que en la "zarzuela grande" hay temas
dramáticos y comedias de complicada acción, los libretos del "género chico" buscan más bien el
sainete, la pequeña escena de costumbres. Ejemplo del "género chico": "La Verbena de la
Paloma" (BRETÓN), "La Revoltosa" (CHAPÍ), " Agua, azucarillos y aguardiente" (CHUECA).
MÚSICA PROGRAMÁTICA: basada en una historia. A veces el compositor nos

muestra toda la historia de su composición, otras tan solo nos da el título con partes de ella.
POEMA SINFÓNICO: Es una forma romántica compuesta de instrumentos para

orquesta. Desarrolla de forma libre un asunto poético, dramático o descriptivo. También se
conoce como "música de programa", ya que es la orquesta la que tiene que sugerir el
"argumento o programa".
LA BALADA: La moderna aparece a finales del XVIII. Sólo tiene en común con la
medieval el que estén ambas inspiradas en un texto literario. Vocal en su origen. Es simple y
estrófica. Composición de canto con acompañamiento para piano u orquesta. Más tarde se
incorporan coros. Carácter épico y narrativo
PRELUDIO:Es una obra instrumental que sirve de introducción y se interpreta antes de

otra pieza de forma concreta, para una solemnidad u obra teatral. No todos están escritos para
preceder una obra determinada.
Preludio sinfónico: composición de consideradas proporciones, en la que el contenido
posee un sentido casi de prólogo tal vez como un comentario a "algo", que ha de suceder
después aunque este "algo" no se produzca.
El preludio de Ópera suele ser de corta dimensión y el material didáctico queda limitado
a la exposición de algunos temas que posteriormente serán utilizados para la composición de
toda la ópera.
La forma musical del preludio es de forma binaria o ternaria, o bien de obertura o

poema sinfónico. De todas formas, suele ser de menor trascendencia que la obertura, la fantasía
o poema sinfónico.
EL IMPROMPTU: Es una pequeña pieza instrumental de carácter medio improvisado.

Su estructura (no fija) adopta frecuentemente el esquema ABA. De moda en la música de piano
del XIX.
LA OBERTURA: Es una pieza sinfónica que sirve de introducción a una composición

de grandes dimensiones. Se emplea, generalmente, como pórtico de una ópera. La Obertura
puede ser a la italiana, a la francesa y a la alemana.
La Obertura a la italiana, es la primitiva. Consiste en un pequeño preludio en el que se

alteran unos compases en tiempo vivo y otros en tiempo moderado.
La obertura a la francesa, creada por Lully, adopta la división en tres partes: tiempo
vivo-tiempo moderado-tiempo vivo. O bien: tiempo moderado-tiempo vivo-tiempo moderado.
La obertura a la alemana, fué creada por Beethoven y adopta la forma Sonata,

construyéndose sobre temas de la obra, entrelazando los temas de la composición con una
unidad orgánica.
EL BALLET: Forma dramática para orquesta. La acción es presentada por pantomima

y danza. A veces interviene el canto. Hay ballet como obra autónoma y como forma intercalada
(en la opera para entretener).
* Estructura: Puede organizarse de acuerdo a dos fórmulas opuestas: a) Números de

ballet: Las danzas de las que se compone están caracterizadas y diferenciadas unas de otras. Los
ballet intercaladas se ciñen a este modelo. b) Moderno: Dividido en escenas encadenadas de
forma prácticamente continua.
EL ESTUDIO: No tiene estructura definida. Adapta su esquema a tipos distintos, forma

binaria, lied o, más raramente, rondó.Se sustenta sobre elementos musicales y de técnica
instrumental. Debe conceder igual importancia a la música y al virtuosismo. Origen: s. XV,
piezas pedagógicas para órgano. Dicho término fue aplicado por 1vez por Cramer y Clementi a
fines del XVIII.
LA MÚSICA DE CÁMARA: Los nombres de Trío, Cuarteto, Quinteto, Sexteto,

Septimino, Octeto, etc., se aplican a las composiciones escritas para 3, 4, 5, 6 ,7, 8 o más
instrumentos solistas diferentes. A todas estas composiciones se adapta la forma Sonata y
poseen la característica de que su interés e importancia se distribuye por igual en todos los
instrumentos que participan en la composición.
* La canción:
Pieza breve lírica con un texto en verso y una melodía sencilla y sin ningún tipo de
virtuosismo vocal. Hay una enorme variedad de canciones, tanto es así que resulta imposible
nombrarlas todas, pero por ejemplo están las canciones de gesta, las festivas, las patrióticas, etc.
Mención a parte merece la canción popular, pozo cultural de los pueblos, que a lo largo
de los años y de padres a hijos, han conservado como un auténtico tesoro su legado musical.
Estos tesoros se recopilan en colecciones llamadas cancioneros, y de ahí es posible ver la
enorme riqueza y variedad de la música popular, así como las características formales e
instrumentales.
Refiriéndonos solo a la canción encontramos:

A) Tipo PRIMARIO de forma A.
B) Tipo BINARIO de forma A-B.
C) LIED.
D) CANON.
E) RONDÓ.
A. Tipo PRIMARIO de forma A: Es la forma más elemental, el de la repetición exacta

(A-A-A-A). Estas simples repeticiones se encuentran en muchas canciones en las que una
misma música se repite para cantar un cierto número de estrofas consecutivas. Ejemplos: "El
cocherito leré", "Tengo una muñeca"...
B. Tipo BINARIO de forma A-B: Basado en el "principio de repetición", a una parte A le

continúa otra B, la melodía distinta. Igualmente tienen esta estructura todas aquellas canciones y
villancicos formados por un estribillo (frase principal) y copla o estrofa (frase secundaria).
C. LIED: Es la forma elemental más usada (ABA). A una parte llamada A, sigue una
distinta B, y vuelve a repetir la 1parte A. La forma LIED es el origen de la "Forma Sonata"
(exposición-desarrollo-reexposición). Ej: "Campanitas del lugar"...
D. CANON: Basa su estrutura formal en la imitación, a distinta distancia de compases y

a distinta altura de intervalos. Es una introducción para la comprensión del contrapunto.
Ejemplos de canciones: "Debajo un botón", "Kikirikí", "Fray Santiago"... La imitación supone
una de las bases de la educación musical.
E. RONDÓ: Se basa en el "principio de repetición", por lo que al repetirse varias veces

el tema del estribillo, alternando con otros, resulat fácilmente comprensible al niño. Estructura:
una parte A, estribillo, es repetida siempre después de cada una de las partes distintas, B o C a
las que denominaremos coplas.
+ Como recursos didácticos para la mejor comprensión de todas estas formas musicales,
podemos utilizar dibujos (líneas, figuras geométricas: triángulos y cuadrados), colores, etc.
** PRINCIPALES FORMAS MUSICALES
+ Formas simples: Formas binarias, Formas ternarias, rondó, Canon, fuga y Tema y
variaciones
+ Formas complejas: La suite, la sonata, la sinfonía y el Concierto.
+ El Oratorio y la Cantata.
+ La Ópera y la Zarzuela.
**************
* Orientaciones sobre las características de la Instrumentación en primaria.
1)En Primer Ciclo no se debe abusar del número de Instrumentos diferentes, más bien,
aunque todos los niños tengan uno, que haya poca variedad, preferiblemente indeterminados.
2) En tercer y cuarto nivel, se aumentarán progresivamente los instrumentos de placa,

no abusando de la variedad en cuanto a dar muchos y variados esquemas rítmicos o melódicos,
es muy apropiado el uso de la Pentatónica.
3)A partir de 4, se incorpora la flauta dulce y se complican las instrumentaciones, ya

con escalas diatónicas, y gran variedad de esquemas.
**************************
Tenemos además el tema, motivo y diseño. Los sonidos, al sucederse de forma continua
pero estructurada y por secciones, necesitan una denominación que nos haga posible el análisis.
Para distinguir estas secciones tenemos estas definiciones:

composición y está sujeto a repeticiones y desarrollos de todo tipo por ser la sección más
importante de la obra. De un buen tema depende buena parte de las posibilidades de una obra.


lotenga. No tiene ni mucho menos la definición de un tema, pero precisamente la vaquedad y el
esbozar las melodías es lo que caracteriza y da belleza al diseño.
posibilidades; para ésto se hace uso de la modulación, con la cual se intensifica la composición.
La tensión es un procedimiento muy buscado por los compositores de todas las épocas, ya que
una obra con tensión es una obra viva, llena de movimiento, de cambios, de color. Gracias a él
la música se va cargando de intensidad la obra, para volver a presentar el tema desde el
principio.
TEMA 5 TEXTURA
1. TEXTURA: TIPOS.
1.2 Tipos de textura en piezas vocales e
instrumentales.
- Textura monofónica.
- Textura homofónica.
- Textura polifónica o contrapuntística.
2. LA TEXTURA EN LA INSTRUMENTACIÓN DE CANCIONES Y EN

LAS OBRAS MUSICALES.
3 LA FORMA.
3.1 Concepto.
3.2 Elementos formales.
3.3 Los géneros y formas musicales.
4 ANÁLISIS FORMAL DE CANCIONES.

4.1 Análisis global.
4.2 El análisis en la Educación musical.
5. PRINCIPALES FORMAS MUSICALES.

5.1 Formas musicales en la historia.
5.2 Principales formas musicales para trabajar en el
aula.
5.3 Metodología didáctica de las formas.
¿¿¿¿¿¿¿¿¿¿¿?????????????? Complementar al anterior?
1. TEXTURA: TIPOS.
Textura es la manera de entretejer las voces o las distintas partes o líneas dentro de una
composición. Es el entramado de líneas sonoras (melodía) que dan los instrumentos, la técnica
con que se orquesta una determinada obra.
1.2 Tipos de textura.
La textura puede ser: monofónica, homofónica y polifonía acordal y contrapuntística.
- Textura monofónica: el unísono.
Es una línea melódica sin ningún tipo de acompañamiento o armonía. Es la más sencilla.
No tiene problemas armónicos. Es la que se usa en exclusiva hasta el siglo IX en occidente,
simbolizada en el Gregoriano. Se puede representar así:
Un unísono supone tocar en todos los instrumentos las mismas notas a la vez. Esta
textura es muy útil especialmente en los primeros momentos. Al hacer todos lo mismo, es muy
improbable que alguien llegue a perderse totalmente, siempre puede tomar a sus compañeros
como inmediata referencia para recuperar el sitio en el lugar musical que le corresponde. El
problema del unísono es que resulta monótono cuando se trabaja de forma reiterativa. No
presenta problemas en la audición.
- Textura homofónica: es aquella en la que se destaca una melodía sobre el

acompañamiento; se podría considerar como melodía más acompañamiento. Se representa así:
Es menos simple que la monofónica; se puede considerar como una monofonía
acompañada.
Es uno de los más habituales. El acompañamiento se hace a medida de la melodía que

tengamos para potenciarla y resaltarla. Esta textura la vamos a usar constantemente en clase.
Acompañando de un instrumento polifónico a una melodía al unísono introducimos este nuevo
tipo de textura. El acompañamiento nos da la base armónica.
+ Melodía secundaria: esta textura consta de tres elementos: una melodía principal, una
melodía secundaria y un acompañamiento. En ocasiones es difícil definir cual es la secundaria y
cual la principal. Lo importante es que una de las dos esté en un segundo plano.
- Textura polifónica: música en la que se dejan oír simultáneamente varias partes

melódicas diferentes con una combinación.
COPLAND: es "la combinación de una melodía con otra u otras que guarda siempre el
valor e independencia de las respectivas líneas melódicas; es decir, cuando dos o más líneas
melódicas discurren al mismo tiempo, teniendo la misma importancia y cierta independencia".
La textura polifónica requiere un oyente que posea la aptitud de poder escuchar y

distinguir distintas melodías cantadas por distintas voces o instrumentos (escuchar
horizontalmente).
Cuando generamos pocas líneas musicales (2 ó 3), se produce una textura clara que es
relativamente fácil percibir, pero cuando generamos muchas líneas musicales (por ejemplo 8, o
más), se produce una textura densa, difícil de percibir.
Las audiciones de la música polifónica mantienen mejor nuestro interés y atención que
si se tratara de música y textura homofónica, puesto que siempre es posible encontrar algo
nuevo en su audición.
Existen dos tipos de polifonía:
- Acordal: varias melodías que suenan simultáneamente con el mismo ritmo pero a
distinta altura.
- Contrapuntística: ritmos y voces que no coinciden. Las voces o instrumentos entran
sucesivamente, normalmente en imitación. Se podría representar así:
Dentro del contrapunto hay varios tipos:
$ Contrapunto florido: que es la combinación del C.F. con sus distintas evoluciones.
Evolución propia de la polifonía (especies).
& con otra melodía con el mismo ritmo (1ª especie).
& Otra melodía que lleva 2 ó 3 notas contra cada una del C.F. (2ª especie).
& Otra melodía que lleva normalmente 4 ó 6 notas contra cada una del C.F.,
depende del compás binario o ternario (3ª especie).
& Dos notas contra una pero sincopada (4ª especie).
& Una mezcla de los anteriores que es lo que se denomina contrapunto florido
(5ª especie).
$ Contrapunto combinado: práctica de varias combinaciones entre las especies de antes.
$ Contrapunto invertible: la voz superior y la inferior pueden cambiarse de lugar sin

quebrantar las reglas del contrapunto: doble (invertible a 2 voces), triple (invertible a 3)
cuádruple (invertible a 4), quíntuple (invertible a 5).
$ Contrapunto imitativo: consiste en volver a exponer el Tema. Esta imitación puede

ser: ocasional y sistemática (canon, fuga...).
Para trabajar en clase tenemos un tipo de textura contrapuntística muy sencilla: los
cánones. El trabajo con ellos en clase será frecuente.
Hasta el s. IX-X, todo era monodía, pero el auge del Canto Gregoriano fue decayendo.
Los primeros intentos para salirse de las normas utilizadas van a ser a través de los tropos:
interpolación, un añadido de texto a un melisma largo del Canto Gregoriano. Servía de
recordatorio, para hacer más fácil el melisma. Los primeros tropos fueron textuales, luego
musicales y más tarde textuales y musicales.
Las primeras realizaciones polifónicas, sobre los s. IX-X, fueron a partir del Cantus
Firmus, añadiendo otra voz sobre ésta. Así aparecieron estas primeras formas polifónicas:
- Organum paralelo.
- Discantus u organum libre: Movimientos contrarios entre las voces.
- Conductus: melodía principal inventada, ritmo procesional.
- Motete: melodía, ritmos, textos, lenguas y carácter distintos en cada voz.
- Gymel: es una voz a distancia de 3descendente del tenor y el Fabordon (falso
bordón) es otra tercera más descendente.
En todos estos siglos predominaba la polifonía vocal sobre la instrumental, pero fue en
los s. XV-XVI, donde alcanzó su máximo esplendor: Renacimiento.
Esta es música polifónica normalmente contrapuntística, una concepción horizontal.

Todas las voces tienen la misma importancia. La aparición de la polifonía no significó la
desaparición de la monodía.
La polifonía seguía desenvolviéndose a través de los modos gregorianos, pero el sistema

ya empezaba a deteriorarse en la tonalidad bimodal.
Mientras que la polifonía "a capella" ya había alcanzado bastante madurez, la música
instrumental o vocal instrumental estaba todavía en una primera fase.
En el Barroco (s. XVII), en general se impone el sistema armónico, es decir, la
tendencia vertical, por lo que las voces tienen una importancia diferente, hay una principal y las
demás le sirven de acompañamiento armónico: ésto es lo que se llama melodía acompañada,
homofonía o meloarmonía.
El acompañamiento es realizado por el bajo continuo con bajo cifrado.
Bajo cifrado: el compositor da toda la importancia a las voces extremas. La voz

superior es la que lleva la melodía. El acompañamiento se escribe mediante una serie de cifras
que indican al organista los acordes que puede ejecutar.
En s. XVIII y parte del XIX, época del Clasicismo, sigue el estilo homofónico o vertical,
pero desaparece el bajo continuo, se abandonan las formas contrapuntísticas que se utilizan sólo
esporádicamente, especialmente en los desarrollos temáticos. Se hace una armonía transparente
a base de acordes sencillos.
En el Romanticismo (s.XIX), el estilo polifónico y contrapuntístico del s.XVI es

raramente utilizado y menos de forma rigurosa.
Una característica en la armonía es que el despliegue de los acordes se realice

exclusivamente con notas reales o intercalando entre ellas notas extrañas a su constitución.
En el Nacionalismo (s. XIX-XX), lo más típico es recurrir al folclore para realizar las
nuevas composiciones. Esto lleva a la música a lenguajes nuevos Por la misma razón, esta
música tendrá una especial riqueza melódica, que por otra parte sigue utilizando características
del Romanticismo.
En el s.XX (impresionismo) desaparecen las líneas melódicas, la melodía se convierte en

algo fragmentario, algo que evoca a lo esencial, lo que contribuye a crear una atmósfera sonora
imprecisa. Se rompe generalmente con la tonalidad tradicional. Normalmente se suprimen las
armonías tradicionales por otras no basadas en tonos mayores o menores, sino en escalas no
usuales como la pentatónica.
El sonido impresionista surge de sonidos independientes que pierden su personalidad y

al juntarse producen el efecto que se llama disolución impresionista.
En este siglo se vuelven a los ideales estéticos del s.XVIII resurgiendo el contrapunto o
la textura polifónica aunque con nuevos recursos armónicos.
2 LA TEXTURA EN LA INSTRUMENTACIÓN DE CANCIONES Y EN OBRAS

MUSICALES
Exceptuando momentos o períodos concretos de la música, en la mayoría de las obras

musicales suelen aparecer distintas clases de texturas, es decir, el compositor puede pasar sin
transición de una clase a otra.
Según COPLAND las texturas conllevan significados emocionales; una línea melódica
sin acompañamiento produce una impresión de libertad y expresión personal directa. La música
homofónica resulta, generalmente más atractiva, en su primera impresión, que la música
polifónica; debido a que la audición de la música polifónica requiere más maduración y
capacidad auditiva, al requerir un mayor esfuerzo intelectual para poder escuchar de un modo
más activo y seguir y discriminar las distintas líneas melódicas. Lo deseable es que se utilicen
las distintas texturas a fin de enriquecer las posibilidades de expresión.
En la Ed. Primaria, la textura a utilizar en el acompañamiento o instrumentación de

canciones deberá ser la homofónica, recurriendo a las formas más elementales y sencillas de
acompañamientos armónicos como son: el ostinato, el bordón y la nota pedal. La utilización
de una textura polifónica requiere un cierto dominio de los instrumentos musicales, puesto que
sus líneas melódicas son independientes;
Instrumentación: la ciencia o el arte de preparar una obra o una concepción musical para
otro instrumento o conjunto de instrumentos. Implica la utilización y combinación de los
instrumentos dentro de una obra (o una canción) teniendo en cuenta su color característico
(timbre) y las posibilidades que ello nos brinda.
En principio comenzaremos por la técnica del unísono, de manera que el alumno se

habitúe a la interpretación en grupo. Tan solo con las posibilidades de nuestro cuerpo como
instrumento de percusión podemos llegar a la realización de esta técnica. Solo es necesario que
toda la clase haga el mismo ritmo, así habremos llegado al unísono.
Antes de comenzar a interpretar canciones instrumentadas, es conveniente tocar una

introducción rítmica con instrumentos.
Una vez que se domine el unísono pasaremos a la melodía acompañada. Esta textura
puede hacerse con el acompañamiento de un instrumento polifónico, o con el acompañamiento
de voces o de percusión. Esta textura es una de las más ricas en cuanto a posibilidades y por
ello, es una de las que se tienen siempre más presentes a la hora de desarrollar algún tipo de
ejecución vocal o instrumental en el aula.
En Ed. Infantil las primeras texturas deben ser bajo ritmos muy sencillos, de manera que
con el unísono el niño sienta la seguridad de estar acompañado, y de poder "engancharse a la
melodía" si tuviera algún error. El acompañamiento no podrá ser, en un principio, más que
rítmico, o sea, "monorrítmico".
Es importante hacer un correcto reparto de las voces siempre que tratemos con el apoyo
de la interpretación instrumental, ya que por lo que respecta a la interpretación vocal estamos
supeditados a las voces que tengamos en el grupo, con lo cual tendremos que adaptar la textura
y hacerla "a medida" de las posibilidades con que contemos en clase.
- Instrumentación monofónica o monódica.
La más sencilla. Cualquier acompañamiento instrumental debe ser igual a la línea

melódica. El acompañamiento instrumental se convierte en una meras duplicación melódica
pudiendo ser realizado por cualquier instrumento.
- Instrumentación homofónica.
Debemos intentar conseguir un acompañamiento basado en la secuencia de acordes. Los

instrumentos más utilizados serán los de lámina en diferentes tesituras, fundamentalmente alto,
tenor y bajo. Al utilizar instrumentos de percusión con sonido determinado, tales como
xilófonos, metalófonos o carillones, hemos de pensar que el niño no sabe manejar toda la gama
de sonidos de la escala diatónica. Por lo cual debemos limitar el ámbito tonal y fiscalizar de
alguna manera el número y la clase de sonidos que vamos a emplear. Lo más lógico y elemental
será practicar en el ámbito pentatónico que es más afín a la mentalidad infantil y donde el niño y
cualquier adulto se desenvolverá sin peligro alguno.
- Instrumentación contrapuntística.
Es la más compleja para la realización correcta, ya que debemos componer líneas

melódicas diferentes a la original, con un cierto carácter de independencia, pero conectadas
armónicamente entre sí.
Conviene que las distintas voces sean realizadas por instrumentos con un marcado
carácter melódico como puede ser un conjunto de flautas dulces o instrumentos de láminas con
un enfoque distinto al acordal.
El acompañamiento rítmico no lo tratamos en este punto ya que los desarrollos rítmicos

no son tenidos en cuenta a la hora de determinar la textura.
- Estética: parte de la filosofía que estudia el valor de lo Bello y el mundo del arte.
- "Ciencia que trata de la Belleza y de la teoría fundamental y filosófica del Arte"
(Diccionario de la RAE).
Cuando un compositor realiza una obra con determinada textura, es porque ha seguido
los dictados de las corrientes estéticas que en ese momento la están influyendo. Un compositor
se plantearía distintas texturas según su estado de ánimo, según la estética a seguir y según la
expresión final que quiera dar a la obra.
No hay una única textura para una obra, podemos cambiar la textura en base a nuestro
interés primordial. Siguiendo prioridades en nuestros intereses educativos y en los aspectos
estéticos que queramos tratar, podemos cambiar de textura y combinarlas.
3) LA FORMA
3.1 Concepto
FORMA Musical: manera de construir, o como está construida, una obra musical. En
líneas generales distinguimos entre formas simples (un solo movimiento o son breves: Binarias,
ternarias, rondó...) y complejas (varios movimientos y son extensas: suite, sonata...)
"La forma es la manera como una obra se esfuerza por alcanzar la unidad. Cuanta mayor
diversidad de recursos pone en juego esta manera, más rica es la forma. Cuantos más diversos
elementos introducidos se coordinan en un todo homogéneo, más perfecta es la forma".
3.2 Elementos formales
El concepto de forma lleva implícito cualidades objetivas el ritmo, melodías, armonías,

texturas, etc.. Además existe un condicionamiento subjetivo, cualidad que supone el intento de
hacer la obra musical comprensible al oyente; es la parte más interesante del análisis.
El Ritmo: Es el movimiento de la música. Ordenación sonora temporal. Elemento

primario en el hecho musical. Puede manifestarse sin ser parte integrante de la melodía y
aparecer en fragmentos de ritmo solo.
La melodía: Ordena el material sonoro teniendo en cuenta las diferentes frecuencias o

altura de los sonidos. Puede presentarse sin acompañamiento.
La armonía: Cuando 2 sonidos o más se producen de manera simultanea. Puede ser la

protagonista de forma parcial o continuada y total.
COPLAND: para crear y mantener la sensación de equilibrio en una composición

musical debe basarse estructuralmente en el principio de repetición.
El motivo de que la mayor parte de la producción musical recurre a este principio es el

hecho de la naturaleza un tanto amorfa de la música, lo que obliga a utilizar recursos
organizativos estructurales.
Las composiciones musicales cuyas estructuras están basadas en el "principio de la

repetición" pueden dividirse en cinco categorías diferentes:
1. La repetición exacta.
2. La repetición por secciones.
3. La repetición por medio de la variación.
4. La repetición por medio del tratamiento fugado (esencialmente se basa en la
imitación).
5. La repetición por medio del desarrollo.
Exceptuando la 1ª categoría de las expuestas anteriormente, que resulta manifiestamente

simple, las demás categorías se dividen según las siguientes formas típicas:
A) Formas por repetición de secciones o simétricas:
 Formas Binarias: Por repetición de 2 o 3 secciones.

- A A (la 2ª sección puede limitarse a variar el mismo material de la 1ª).
- A B (emplear diferente material temático).
La segunda A y la frase B, serán de carácter conclusivo.
Entre las composiciones que se amoldan a esta estructura destaca el tipo de canción
formado por "copla" (frase secundaria) y "estribillo (frase principal); [ej.: los villancicos]. La
mayoría de las danzas de la Suite antigua suelen llevar esta forma o similar.
 Formas ternarias: Por repetición de 2 o 3 secciones. Puede tener diferentes

ordenaciones.
- A A A las tres iguales pasando por una gama de variedades.

- La más usual es la clásica forma LIED o Canción. Su estructura es la siguiente:
A: exposición  suspensivo o conclusivo.

B: contraste  suspensivo o conclusivo.
A: reexposición  conclusivo.
 Disposición libre: ABC, ABCA, ABACABA...
 Rondó: A B A C A D A... (A: tema principal, juguetón y alegre; B,

C...temas secundarios llamados aveces copla por su carácter cantable). [estribillo]. El
rondó de 5 partes suele ser la longitud más usual. Es esta una forma especialmente
indicada para la improvisación musical tanto rítmica como melódica.
B) Repetición por variación: Varias sección. Tienen como fin principal la modificación
interna o externa de un tema que es presentado bajo diferentes aspectos.
- Bajo ostinato: Una breve frase (melódica o un simple diseño acompañante) es

repetida incesantemente en el bajo como idea fija, mientras las voces superiores
siguen su curso normal.
- Passacaglia (Pasacalle): El bajo repite, no un diseño acompañante sino una melodía.
- La Chacona: Muy similar a la pasacaglia, pero el tema se escucha desde el comienzo
con armonías acompañantes. Ambas son de origen español.
- Tema con variaciones: Se puso de moda en el s. XVIII y principios del XIX.
C) Formas imitativas: Son conocidas como formas fugadas. Dan la sensación de que las
voces se persiguen unas a otras al saltar el tema sucesivamente repetido o transformado de una a
otra voz.
- Canon: Es la técnica más elaborada de la imitación. Consiste en imitar en otra voz el

mismo diseño antes de que la anterior termine. Podemos distinguir Canon abierto y
Canon cerrado. Es abierto si están escritos tanto el antecedente como el
consecuente, y cerrado si sólo está escrito aquel. Los utilizados en la Ed. Primaria
son "Cánones cerrados", y nos indican con un nº donde deben estar las distintas
voces. Ej: "Debajo de un botón", "Fray Santiago (Frère Jacques)", etc.
- Fuga: Tema principal acompañado de otro secundario que reaparece múltiples veces,
imitado y modificado según ciertas estructuras, culminando en el estrechamiento del
mismo, mediante cánones y otros artificios.
- Concerto grosso. Es una especie forma fugada instrumental , formada generalmente
por 3 o más tiempos, en el que se utilizan 2 grupos instrumentales, uno pequeño,
llamado corcertino, y otro grande, o tutti, entre los que se desarrolla un intercambio
dialéctico.
- Preludio de coral. Tomando como base las melodías corales que se cantaban en las
iglesias protestantes, los compositores llevaron a cabo una serie de variaciones.
- Motete y Madrigal. S. XV, XVI y XVII. Son composiciones corales que se cantan
sin acompañamiento.
- Canción polifónica y coral protestante.
D) Repetición por desarrollo:
- La sonata: Forma de 1º tiempo: Exposición, Desarrollo y Reexposición.
 Las demás categorías formales fundamentales son las que se basan en la no

repetición, y las llamadas formas libres: Fantasía, Poema sinfónico, Improvisación, Polonesa,
Mazurca, Nocturno, Impronta y Rapsodia.
** FORMAS MAYORES O COMPUESTAS (VARIOS MOVIMIENTOS)
A) Formas Instrumentales: Sonata, Concierto, Toccata, Preludio, Suite.

B) Formas vocales: Cantata, Misa, Pasión, Oratorio, Opera.
*** Tenemos además el tema, motivo y diseño. Los sonidos, al sucederse de forma
continua pero estructurada y por secciones, necesitan una denominación que nos haga posible el
análisis. Para distinguir estas secciones tenemos estas definiciones:

composición y está sujeto a repeticiones y desarrollos de todo tipo.
lotenga. No tiene ni mucho menos la definición de un tema, pero precisamente la
vaquedad y el esbozar las melodías es lo que caracteriza y da belleza al diseño.
posibilidades; para esto se hace uso de la modulación, con la cual se intensifica la composición.
La tensión es un procedimiento muy buscado por los compositores de todas las épocas; gracias a
él la música se va cargando de intensidad la obra, para volver a presentar el tema desde el
principio.
3.3 Los géneros musicales y la forma musical.
Los géneros musicales son los que nos describen el contenido de la composición
musical. Las distintas denominaciones de los géneros musicales les suelen presentarse con
términos antagónicos:
Música religiosa--Música Profana

Música vocal------Música Instrumental
Música culta------Música popular
Música pura-------Música dramática
Música de cámara--Música de concierto
De PEDRO realiza una clasificación atendiendo a un orden de tipo técnico: Música

vocal, instrumental o mixta. Son las siguientes:
 Formas vocales: En este grupo se incluyen todas aquellas formas musicales que
están escritas para ser cantadas, ya sean de origen sagrado como profano, "a cappella" o con
acompañamiento instrumental. Este grupo se subdivide a su vez en dos:
a) Formas homófonas: De origen litúrgico y de origen folclórico.
b) Formas polifónicas o contrapuntísticas: Organum, Diafonía , Discanto, Conducto,

Gymel // Rondó polifónico, Canción polifónica , Madrigal, Motete, Villancico, Coral...
 Formas instrumentales: Como es obvio, están escritas para ser interpretadas por
instrumentos. Entre las más importantes se deben destacar: Fuga, Sonata, Sinfonía, Concierto...//
Preludio, Nocturno, Impromptu, Invención, Estudio, Fantasía, Variación...
 Formas mixtas:
a. Formas de la música escénica: Ópera, Zarzuela// Ballet.

b. Formas sinfónico-dramáticas: Cantata, Oratorio, Pasión// Poema sinfónico.
4) ANÁLISIS FORMAL DE LAS CANCIONES
SANUY y GONZALEZ: formas músico-elementales en la educación musical del niño.
El músico suele ver las cosas y las situaciones, en su conjunto, como unidad. Para él es
más natural comprender la unidad total de un lied que las distintas partes de que está compuesto.
No obstante, es necesario ir introduciéndolo en el mundo formal de la música, en la
construcción sonora, en las distintas fases de un edificio musical.
La forma elemental es semejante a las grandes formas, con la única diferencia que ésta
es una continuación y consecuencia de desarrollar la primera, pero en definitiva, sus elementos
formales son los mismos. El motivo, el tema, la frase, el período, etc., se dan de la misma forma
en una versión elemental o en una versión desarrollada.
Una vez que hayamos practicado de muy distintas formas (rítmica, vocal, instrumental y
en movimiento) y los niños conozcan la extensión del compás, de la frase, etc., deberán darle
organización y coherencia a todos estos elementos, es decir la forma.
4.1 Análisis global

a) Hallar la Tonalidad.
b) La forma tendremos que ver las frases, temas, motivos etc. y lo que es
imprescindible, las cadencias.
c) Las modulaciones.
d) Analizar la textura.
4.2 El análisis en la Educación Musical
a. Ver cual es el objetivo que vamos a cubrir con una canción determinada.
b. Analizar la letra de la canción.
c. Análisis de la interválica. Una canción con una interválica demasiado difícil, con
saltos de intervalos disjuntos o con intervalos conjuntos pero cromáticos es
inmediatamente rechazada, a no ser que por alguna característica especial queramos
conservarla, haciendo los cambios pertinentes para que los niños sean capaces de
entonarla sin dificultad.
d. En cuanto a la rítmica: Si una canción nos interesa especialmente, a pesar de tener
un ritmo demasiado difícil, sólo tenemos que hacer los cambios pertinentes para que
esa canción sea usada con toda confianza en clase.
e. Debemos saber si el ámbito melódico de la canción es el adecuado para la tesitura de
las voces de nuestros alumnos. Si no es así, sólo tenemos que transportar la canción.
5 PRINCIPALES FORMAS MUSICALES. [ANEXO  ESQUEMAS MAD SECUNDARIA.]
** PRINCIPALES FORMAS MUSICALES.

- Formas simples: Formas binarias, Formas ternarias, rondó, Canon, fuga y Tema y
variaciones.
- Formas complejas: La suite, la sonata, la sinfonía y el Concierto.
- El Oratorio y la Cantata.
- La Ópera y la Zarzuela.
* La canción:
Pieza breve lírica con un texto en verso y una melodía sencilla y sin ningún tipo de
virtuosismo vocal. Hay una enorme variedad de canciones, tanto es así que resulta imposible
nombrarlas todas, pero por ejemplo están las canciones de gesta, las festivas, las patrióticas, etc.
Mención a parte merece la canción popular, pozo cultural de los pueblos, que a lo largo
de los años y de padres a hijos, han conservado como un auténtico tesoro su legado musical.
Estos tesoros se recopilan en colecciones llamadas cancioneros, y de ahí es posible ver la
enorme riqueza y variedad de la música popular, así como las características formales e
instrumentales.
A. Tipo PRIMARIO de forma A: Es la forma más elemental, el de la repetición exacta

(A-A-A-A). Estas simples repeticiones se encuentran en muchas canciones en las que una
misma música se repite para cantar un cierto número de estrofas consecutivas. Ejemplos: "El
cocherito leré", "Tengo una muñeca"...
B. Tipo BINARIO de forma A-B: Basado en el "principio de repetición", a una parte A le
continúa otra B, la melodía distinta. Igualmente tienen esta estructura todas aquellas canciones y
villancicos formados por un estribillo (frase principal) y copla o estrofa (frase secundaria).
C. LIED: Es la forma elemental más usada (ABA). A una parte llamada A, sigue una
distinta B, y vuelve a repetir la 1parte A. La forma LIED es el origen de la "Forma Sonata"
(exposición-desarrollo-reexposición). Ej: "Campanitas del lugar"...
D. CANON: Basa su estructura formal en la imitación, a distinta distancia de compases y

a distinta altura de intervalos. Es una introducción para la comprensión del contrapunto.
Ejemplos de canciones: "Debajo un botón", "Fray Santiago"... La imitación supone una de las
bases de la educación musical.
E. RONDÓ: Se basa en el "principio de repetición", por lo que al repetirse varias veces

el tema del estribillo, alternando con otros, resulta fácilmente comprensible al niño. Estructura:
una parte A, estribillo, es repetida siempre después de cada una de las partes distintas, B o C a
las que denominaremos coplas.
+ Como recursos didácticos para la mejor comprensión de todas estas formas musicales,
podemos utilizar dibujos (líneas, figuras geométricas: triángulos y cuadrados), colores, etc.
PROGRAMACIÓN TEMA 5: LA TEXTURA Y LA FORMA.
1. Elementos básicos:
1.1 CENTRO: C.P. Josefina Pascual.
El centro consta de 19 unidades. Está ubicado en el casco antiguo de Cádiz, cerca del
Parque Genovés. El nivel socioeconómico es medio.
No se dispone de aula de música como tal, pero se puede utilizar el comedor

(retirando las mesas) o el aula ordinaria para dar las clases de música.
1.2 ALUMNOS:
Voy a trabajar en el segundo nivel del segundo ciclo, es decir, un cuarto de

Primaria. Este curso consta de 25 alumnos, y han trabajado la música desde primero de
primaria.
1.3 TEMPORALIDAD:
Se trata de una unidad didáctica que voy a trabajar durante cuatro sesiones de una hora
cada una, por lo que durará cuatro semanas.
1.4 VINCULACIÓN CON EL D.C.P:

La textura y la forma son contenidos conceptuales que aparecen tanto en el
bloque de "expresión vocal e instrumental" como en el bloque de "lenguaje musical" y
en el de Percepción.
Ambas son elementos musicales secundarios que surgen de la melodía y la armonía.
En esta unidad didáctica me voy a centrar en el trabajo de la forma musical a través de la

audición, la representación gráfica, el movimiento, la percusión corporal, la canción, la danza y
la instrumentación.
Tanto el M.E.C. como la Comunidad Autónoma Andaluza consideran el trabajo de la

forma un paso más hacia la profundización de conceptos musicales, y en consecuencia, un peso
más en el desarrollo de las atención para el reconocimiento de las formas.
2. OBJETIVO GLOBAL:
Trabajar las formas musicales lied, rondó y canon a través de distintos recursos
(audiciones, canciones,...) para que los niños los conozcan y reconozcan.
3. CONDICIONANTES:
3.1 Psicológicos:
El alumno a esta edad presenta las siguientes características:
a) Ámbito cognoscitivo:
- Consolidación del pensamiento lógico concreto.
- Desarrollo de la capacidad de síntesis y análisis.
- Avances significativos en las capacidades de expresión lingüística.
- Interés por ampliar sus conocimientos.
b) Ámbito afectivo:
- Relaciones más estables y grupos más homogéneos.
- Apreciación de actitudes sociales: regla, cooperación...
c) Ámbito psicomotor:
- Mayor capacidad de análisis sensorial.
- Grandes avances en el control motor grueso y fino.
- Mayor resistencia, flexibilidad, agilidad,etc.
3.2 Sociológicos:
El entorno suburbano permite contactos más frecuentes entre iguales y una mayor
independencia frente a los adultos.
También posibilita la continuación de estudios posteriores. Sin embargo, existen

problemas sociales, los estímulos culturales son menores y los modelos de conducta, en
ocasiones, son negativos.
4. CONEXIONES INTERDISCIPLINARES:
Esta unidad didáctica presenta conexiones interdisciplinares con las siguientes áreas:
- Ed. artística: dentro de este área se encuentran distintas formas de expresión: plástica,
musical y dramática.
Se podría interrelacionar con plástica si los alumnos construyen un material didáctico

que utilizarán en algunas actividades: rectángulos de cartulinas de distintos colores y tamaños en
las que no puede variar la altura.
- Ed. física: interrelacionamos con el área de educación física en las actividades en las
cuales se realizan movimientos por el espacio que suponen conceptos como:
coordinación, respeto del espacio disponible,...
5. CONEXIONES CON LOS TEMAS TRANSVERSALES:
Con las actividades propuestas en las que los alumnos se disponen por grupos se
trabajará la coeducación, intentando que se mezclen en cada grupo niños y niñas.
6. CONOCIMIENTOS PREVIOS:
Se parte de la base de que los alumnos han trabajado la música desde primero de
primaria, y que han adquirido los conocimientos necesarios para llevar a cabo esta unidad
didáctica:
- Saben reaccionar con sentido rítmico al escuchar una audición.

- Están acostumbrados a trabajar el movimiento, por lo que la coordinación en el
espacio, las distintas formas de moverse, los distintos tipos de corro, etc, las han
trabajado.
- Tienen facilidad para disponerse por grupos.
- Dominan la percusión corporal y su representación gráfica.
- Saben un repertorio de canciones infantiles.
- Han trabajado la instrumentación Orff.
- Han trabajado en canciones la forma canon.
- Lectoescritura musical.
- Fononimia.
7. PROCESO PROGRAMADOR:
7.1 Objetivos:
7.1.1. Generales:
1) Conocer la forma lied a partir de la audición y trabajar su representación gráfica a

través del movimiento.
2) Comprender el concepto de forma y describir otras nuevas a partir de la
representación gráfica.
3) Conocer la forma rondó a través de la danza.
4) Aplicar el conocimiento de las formas lied, canon, rondó, a los instrumentos Orff de
forma creativa y trabajando la improvisación.
5) Trabajar la forma canon a partir de una canción y a partir de un texto rítmico.
7.1.2. Específicos:
A) Audición:
Reconocer distintas partes en una audición para a partir de ahí descifrar su forma: lied,
rondó, canon a través del movimiento o de las representaciones gráficas (musicogramas).
B) Expresión vocal:
- Recordar canciones del repertorio conocido.

- Mejorar y perfeccionar el uso de la voz al cantar: vocalización, expresión.
- Trabajar la forma canon a través del canto con las canciones: "A la orilla del
agua" y "El pandero".
C) Expresión instrumental:
- Aplicar el conocimiento de las distintas formas a los instrumentos Orff.
D) Lenguaje musical:
- Conocer y comprender el concepto forma y distinguir distintos tipos de la

misma: canon, rondó y lied.
- Aplicar el conocimiento de la forma a la escritura musical de la percusión
corporal.
E) Movimiento y danza:
- Improvisar movimientos para distinguir las partes de una audición y así llegar a
conocer la forma.
- Aplicar el conocimiento de la forma al movimiento para clarificar distintos
tipos de forma: lied, canon, rondó.
- Trabajar la forma rondó a partir de una danza.
7.2 Contenidos:
A) Audición:
*Conceptos:
- Audiciones con forma lied.

- Audiciones con forma canon.
- Audiciones con forma rondó.
*Procedimientos:
- Reconocimiento auditivo de distintas formas mediante la escucha atenta

de composiciones musicales con formas: lied, canon y rondó.
*Actitudes:
- Sensibilidad en escuchar y conocer nuevas audiciones.

- Disfrute con la audición.
- Satisfacción por el reconocimiento de formas en audiciones musicales.
B) Expresión vocal:
*Conceptos:
- Canto en gran grupo a una voz.

- Canto con acompañamiento instrumental.
- Canon.
- Prosodia.
- Dicción y articulación.
*Procedimientos:
- Uso correcto de la voz: articulación, vocalización.

- Práctica de un repertorio vocal.
- Utilización de la prosodia.
*Actitudes:
- Valoración de la voz como instrumento de comunicación y expresión.

- Exigencia de la calidad propia de la producción vocal.
- Disfrute con el canto propio.
C) Expresión instrumental:
* Conceptos:
- El cuerpo como instrumento.

- Instrumentación Orff para el acompañamiento de una canción con forma:
canon. lied, rondó.
- Improvisación con instrumentos.
*Procedimientos:
- Utilización del cuerpo como instrumento de percusión.

- Acompañamiento instrumental de una canción.
- Coordinación para cantar y tocar un instrumento.
- Uso correcto de los instrumentos: postura corporal, manejo apropiado.
*Actitudes:
- Valoración del propio cuerpo como instrumento de expresión y comunicación.

- Exigencia de la calidad de la propia producción instrumental.
- Disfrute con la propia producción instrumental.
- Cuidado y responsabilización de los instrumentos de clase.
D) Lenguaje musical:
*Conceptos:
- Formas musicales y su representación gráfica: lied, canon y rondó.
*Procedimientos:
- Descubrimiento de formas musicales con cartulinas.

- Composición de esquemas rítmicos de percusión corporal con una forma
determinada: lied.
- Memorización e interpretación de formas: lied, rondó, canon.
*Actitudes:
- Disfrute con la representación gráfica de obras escuchadas: musicograma.
e) Movimiento y danza.
*Conceptos:
- Movimiento libre, expresivo, siguiendo pautas para captar las diferentes partes
de una audición.
- Danza colectiva para crear una forma rondó.
*Procedimientos:
- Creación de movimientos para las partes de una danza.

- Interpretación del movimiento adecuado al ritmo y al sentido musical.
- Situación del cuerpo en el espacio en grupos y con todos.
- Control de la postura corporal adecuada.
- Reconocimiento de los pasos, acento, compás, ritmo, etc... en una danza
colectiva.
*Actitudes:
- Valoración del propio cuerpo y conocimiento de sus posibilidades expresivas.

- Valoración y respeto de las producciones propias y de las de los compañeros
tanto en el trabajo individual como en el grupal.
- Disposición para coordinar la propia acción con la del grupo con fines
expresivos y estéticos.
- Espontaneidad de gestos y movimientos.
- Interés en la búsqueda de nuevas posibilidades como recursos expresivos.
7.3 METODOLOGÍA:
7.3.1 General:
En el material de apoyo para la Reforma (Cajas rojas), se recogen una serie de principios
que sirven para asegurar la coherencia vertical y horizontal entre las distintas áreas de Primaria.
Éstos son los siguientes:
a. Partir del nivel de desarrollo del alumno; considerando su momento de desarrollo

psicoevolutivo y los conocimientos previos que ha construído con anterioridad.
Por ello, en la unidad didáctica se han tenido en cuenta los condicionantes psicológicos y
los conocimientos previos con los que cuenta el alumno.
b. Favorecer la construcción de aprendizajes significativos, es decir, que permitan

establecer conexiones entre lo ya aprendido y lo que hay que aprender.
c. Favorecer el desarrollo de la actividad mental en el alumno. Esto se trabaja mucho

con la audición.
d. Organizar los contenidos en un enfoque globalizador, de forma que los contenidos de

música se relacionen. por ello, aunque se trabaja la forma fundamentalmente, la
abarcamos desde distintos bloques de educación musical. Además también se relaciona
con otras áreas.
e. Considerar la actividad lúdica como un recurso adecuado especialmente en esta etapa.

Por ello se realizan actividades a modo de juego, utilizando cartulinas,...que puedan
manipular.
f. Impulsar las relaciones entre iguales, para lo cual se trabajan actividades de grupo y de
coordinación con el grupo-clase.
g. Es imprescindible buscar el interés del niño para que atienda, mantenerlo motivado,
para lo cual se debe transmitir entusiasmo e interés por lo que se está realizando,
proponer actividades variadas y trabajar la creatividad. Por todo ello jugamos con el
elemento sorpresa y la repetición.
h. Debe conseguirse un ambiente adecuado en el que no quepan tensiones para que se

permita la espontaneidad y el gusto por la comunicación entre profesores y compañeros
con puestas en común..
7.3.2. Metodología específica:
Voy a trabajar la forma a través de distintos recursos, y para ello utilizaré las siguientes
metodologías específicas en distintas actividades:
- Imitación o trabajo en eco.

- Fononimia utilizando el pentagrama manual.
- Creación e improvisación a partir de unas pautas.
7.4 Actividades:
1ª sesión:
El profesor pone la audición "Danza rusa" de la suite del Cascanueces de Tchaikowsky,
con forma lied sin decir nada, y los niños se mueven libremente por el espacio escuchando
atentamente la audición.
Cuando termina se establece un diálogo entre profesor y los niños, en el que el profesor
pregunta qué distinguían e la audición, si era todo igual o se podían distinguir partes, si se repite
algo...
Después de esta puesta en común se vuelve a poner la misma audición prestando ahora
especial atención al aspecto comentado, para lo que el profesor proponen que se muevan
siempre del mismo modo y que cuando noten algún cambio en la audición, cambien el
movimiento.
Vuelven a poner en común sus impresiones, y sacan entre todos la forma de la audición:
ABA. El profesor comenta brevemente, de modo sencillo, qué es la forma y le dice que la forma
que han escuchado se llama lied.
Ahora, para que comprendan mejor el concepto forma y descubran otras nuevas,
recortan rectángulos de cartulina de distintos colores, y piensen como podrían representar la
forma lied en dichas cartulinas. Así entenderán que en la forma lied: "aparece algo, luego
cambia, y vuelve a aparecer lo mismo que al principio".
La siguiente cuestión será: Quépodríamos hacer para encontrar otras formas?, y lo que
harán será mover las cartulinas cambiándoles el orden, y así obtendrán por ejemplo:
Y, ¿ si unimos nuestras cartulinas con las de los compañeros?
Primero se harán por parejas, luego por tríos, y por último con grupos grandes, irán
combinando distintos colores obteniendo distintas formas y sabiendo que la cartulina de un
mismo color indica una parte igual a otra del mismo color, y una parte diferente a otra de
distinto color.
A continuación, por grupos, eligen una forma,, la que quieran, pero no con demasiadas
partes, la representan con cartulinas y mediante la utilización del cuerpo (percusión corporal,
movimiento, voz) y el espacio, deben crear una obra musical con dicha forma. El profesor va
pasando por los distintos grupos para orientar, pero los niños son los que crean (antes se deben
hacer propuestas a nivel global).
Después de esto, los distintos grupos representan sucesivamente su forma elegida, y

mientras que unos representan, los otros deben adivinar la forma que están haciendo sus
compañeros y mostrarla con cartulinas.
Para terminar la sesión se pondrá una música de relajación de fondo ("Vals de las flores"
de la suite del Cascanueces) y se comentará mediante una puesta en común que ha parecido la
clase.
2ª sesión:
Para comenzar recordamos una canción del año anterior : "Iban en coche", de
Montserrat Sanuy y la cantamos todos con el acompañamiento de guitarra del profesor.
Una vez cantada los niños cogen el material elaborado en la sesión anterior, y se les dice
que piensen que forma tiene la canción y la representen con cartulinas. Los niños descubrirán
que se trata de la forma lied: ABA que aprendieron la sesión pasada.
A continuación, el profesor propone a los niños que piensen y recuerden otras canciones
que han aprendido que tengan la misma forma, y las ponen en común.
Como ya está clara la forma lied y la tienen encima de la mesa con las cartulinas, ahora
el profesor propone que cada uno escriba un ritmo con dicha forma sobre las cartulinas; y luego
les pide que la muestren uno a uno con percusión corporal al resto de los compañeros.
Después de esto, escuchamos una danza con forma rondó, y pedimos a los niños que
realicen un musicograma con las cartulinas, es decir, que cuando distingan las partes de la
danza, a cada parte le pongan una cartulina, y las partes que se repitan deben tener el mismo
color.
Así descubrirán que hay una parte que se repite siempre y entre cada repetición se da
otra parte distinta. Se comenta que la forma oída y representada se denomina rondó, y a
continuación, el profesor enseña por imitación como se baila la parte A de la danza, que es la
que se va a ir repitiendo.
Cuando todos han aprendido la parte A, se colocan en cuatro grupos, y cada grupo
inventará unos movimientos para la danza en las restantes partes: B,C.
Cuando cada grupo tenga pensados sus movimiento, nos disponemos en círculo, se pone
la audición, bailamos todos la parte A, cuando suene la parte B, el primer grupo realiza los
movimientos y los demás lo imitan. Se repite A. Luego el segundo grupo protagoniza la parte C,
los demás lo imitan. Se repite A de nuevo.
Repetimos la audición para que ahora actúen como protagonistas los otros dos grupos.
Para terminar la clase hacemos una puesta en común recordando lo que hemos aprendido que
sirva al mismo tiempo de relajación.
+ Danza: Rondó de la 2Suite de J.S.Bach (ABACA).

->Corro hacia la derecha cruzando la pierna izquierda finalizando con palmas.
->Movimientos creados por un grupo y su imitación.
->Corro hacia la derecha cruzando la pierna izquierda y finalizando con palmas.
->Movimientos creados por otro grupo y su imitación.
->Corro hacia la derecha cruzando la pierna izquierda y finalizando con palmas.
3ª sesión.
Para empezar recordamos la canción "A la Orilla del agua", que ya conocen y la
practicamos primero a una voz y luego a canon a dos voces y luego a tres.
Así, recuerdan en qué consiste el canon, que ya conocían y les decimos que vamos a
trabajar la forma canon para que sean conscientes de ello.
A partir de ahí el profesor les enseña por imitación un texto con ritmo que irán
repitiendo por frases hasta que los aprendan.
El pandero si
el pandero no
que si que no
que suene con alegría.
El pandero si
el pandero no
que si que no
que si que lo toco yo.
A continuación se disponen de forma que vean al profesor, observamos los movimientos

que hace con dicho texto rítmico y lo imitan
El pandero si-> dos pasos hacia la derecha (laterales).

El pandero no-> dos pasos hacia la izquierda (laterales).
que si, que no,-> dos pasos hacia delante (al frente).
que suene con alegría-> dos pasos hacia detrás.
Cuando lo practican varias veces se disponen en filas; y todos hacen medio giro para ver
a los de la fila de enfrente, y así dispuestos hacen el texto rítmico con movimiento varias veces.
Cuando sale bien, empiezan las filas 1 y 3 con la primera voz del canon, y hacen la segunda voz
las filas 2 y 4. Lo repiten así y luego hacen el canon a cuatro voces, entrando por orden según la
fila.
Por último aprenden por imitación la melodía del texto, que la enseñará el profesor por
frases mediante la utilización de fononimia.
Hacemos ahora el canon cantado a distintas voces, al mismo tiempo que nos movemos
por el espacio.
A continuación, y para terminar la clase e irse relajando, se sientan los niños en su sitio y
se les pone distintas audiciones con distintas formas: lied, canon, rondó para que las reconozcan
auditivamente y las representen con cartulinas.
- Mazurca del lago de los cisnes de Tchaikowsky (Lied).

- Rondó alla turca de Mozart: Pequeña música nocturna.
- Marcha turca de Beethoven (rondó).
- Alleluya de Bach (canon).
- Banquete y Buenos días: canciones en canon.
4ª sesión:
Como ya conocen y distinguen las formas lied, rondó y canon, en esta sesión aplicamos
esto a los instrumentos Orff. Esta sesión será muy creativa, y trabajarán la improvisación con los
instrumentos.
En primer lugar, recordamos una instrumentación que ya conocen: "Samba le le";

repartimos los instrumentos, indicamos a los que tienen instrumentos el ritmo que deben hacer,
y practicamos la instrumentación de dicha canción.
Observamos que la canción tiene tres partes distintas. Qué podríamos hacer para
convertirla en una forma lied? Tocaríamos y cantaríamos la primera parte como la parte A del
Lied, en la parte B se hace una improvisación con los instrumentos que tienen y luego se repite
la parte A.
El niño que no tenga instrumento puede usar el cuerpo como instrumento con el ritmo
que le indique el profesor en la parte A y el ritmo improvisado en la parte B.
Si sale de los niños alguna propuesta interesante de la misma canción instrumentada con
forma lied, también la tocaríamos.
A continuación utilizaríamos la parte A como el estribillo del rondó, y compondremos

un rondó: ABACA en el que la parte A se mantiene con la misma instrumentación, y variamos
en B con improvisación del metal y en C con improvisación de la madera.
Por último, recordamos la canción instrumentada como la aprendimos en un principio, y

la repetimos en canon a tres voces, para lo cual dividimos la clase en tres grupos.
Nota: a continuación voy a mostrar la instrumentación, que recuerdo que ya sabían

hacer. incluyo introducción y coda, para que sea más claro para ellos, es mejor que solo hagan
las partes A,B,C, y que luego como he indicado hagan la misma canción con forma lied y con
forma canon. También muestro como sería el canon.
7.5 Recursos didácticos.
a) Materiales: Guitarra, Cinta con audiciones y casette, Cartulinas de colores y tijeras,

Instrumental Orff.
b) Personales: Profesor y alumnos.
c) Espaciales: Hay actividades que requerirán más espacio, en cuyo caso se retirarán las
mesas para buscarlo.
7.6 Agrupaciones:
Hay actividades individuales (construir un ritmo con forma Lied, escuchar atentamente
las audiciones para averiguar la forma, moverse por el espacio siguiendo una pauta...) que
realizarán todos los compañeros. También se trabajará en gran grupo cuando cantamos
canciones, realizamos danzas, etc, y en pequeño grupo cuando se crean partes de danza, se
buscan nuevas formas, se canta o se instrumenta a canon.
7.7 Evaluación:
+ Alumno.
a)Quéevaluar?
- La participación, el interés y la actitud.

- si comprenden y reconocen las distintas formas: rondó, lied, canon y las distinguen a
través de distintos recursos: canción, audición, instrumentación, representación con
cartulinas.
- La originalidad en la creación de movimientos e improvisaciones.
b)Cómo evaluar?
La evaluación se realizará por observación directa del alumno en clase cuando se están
realizando las actividades.
Fijar especial atención cuando utilizan las cartulinas para realizar musicogramas de
audiciones, para ver si reconocen las distintas formas.
c) Cuándo evaluar?
Durante el desarrollo de la clase y después de ésta recordando lo sucedido y anotándolo.
+ Profesor.
Se evaluará a sí mismo, tanto en su actuación como en el diseño de la unidad didáctica

mediante la reflexión: respuesta del grupo, conexión con el grupo con las actividades.

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5 TEXTURA

2. LA TEXTURA EN LA INSTRUMENTACIÓN DE CANCIONES Y EN

4 ANÁLISIS FORMAL DE CANCIONES.

5. PRINCIPALES FORMAS MUSICALES.

1.1 Concepto de textura.

1.2 Tipos de textura.

La textura puede ser: monofónica, homofónica y polifonía acordal y contrapuntística.

- Textura monofónica: el unísono.

- Textura homofónica: es aquella en la que se destaca una melodía sobre el

Es uno de los más habituales. El acompañamiento se hace a medida de la melodía que

Según Copland consiste en una línea melódica principal y un acompañamiento de

- Textura polifónica: música en la que se dejan oír simultáneamente varias partes

SCHAFER: "la textura producida por un diálogo de líneas se denomina contrapunto".

La textura polifónica requiere un oyente que posea la aptitud de poder escuchar y

Existen dos tipos de polifonía:

- Contrapuntística: ritmos y voces que no coinciden. Las voces o instrumentos entran

Dentro del contrapunto hay varios tipos:

Evolución propia de la polifonía (especies).

$ Contrapunto combinado: práctica de varias combinaciones entre las especies de antes a

$ Contrapunto invertible: la voz superior y la inferior pueden cambiarse de lugar sin

La presentación 1se llama antecedente, las siguientes consecuentes.

Esta puede ser también:

La imitación suele hacerse al unísono a la 4o a la 5.

Hasta aproximadamente el primer milenio de la era cristiana, la música solo se

Tropo: es una interpolación, un añadido de texto a un melisma largo del Canto

Un caso especial de tropo va a ser la secuencia (última sílaba del Aleluya).

Así aparecieron estas primeras formas polifónicas:

+ Organum paralelo: segunda voz añadida a la principal, es lo que se denomina voz

+ Discantus u organum libre: Movimientos contrarios entre las voces.

+ Conductus: melodía principal inventada, ritmo procesional.

+ Motete: melodía, ritmos, textos, lenguas y carácter

Esta es música polifónica normalmente contrapuntística, una concepción horizontal.

La polifonía seguía desenvolviéndose a través de los modos gregorianos, considerados

En el Barroco (s. XVII), en general se impone el sistema armónico, es decir, la

El acompañamiento es realizado por el bajo continuo o bajo cifrado.

Bajo cifrado: el compositor da toda la importancia a las voces extremas. La voz

Preferencias de los compositores:

En el Romanticismo (s.XIX), el estilo polifónico y contrapuntístico del s.XVI es

Una característica en la armonía es que el despliegue de los acordes se realice

En el s.XX (impresionismo) desaparecen las líneas melódicas, la melodía se convierte en

El sonido impresionista surge de sonidos independientes que pierden su personalidad y

2 LA TEXTURA EN LA INSTRUMENTACIÓN DE CANCIONES Y EN OBRAS

SCHAFER hace una afirmación acerca de como llevar a cabo su instrumentación:

Exceptuando momentos o períodos concretos de la música (por ejemplo la polifonía

La música homofónica resulta, generalmente más atractiva, en su primera impresión,

En la Ed. Primaria, la textura a utilizar en el acompañamiento o instrumentación de

2.1 Concepto de instrumentación.

2.2 Tipos de instrumentación.

En principio comenzaremos por la técnica del unísono, de manera que el alumno se

Antes de comenzar a interpretar canciones instrumentadas, es conveniente tocar una

En Ed. Infantil la claridad y transparencia de la textura no puede acercar aún más a la

El acompañamiento no podrá ser, en un principio, más que rítmico, o sea,

- Instrumentación monofónica o monódica.

Los instrumentos más utilizados serán los de lámina en diferentes tesituras,

Al utilizar instrumentos de percusión con sonido determinado, tales como xilófonos,

El acompañamiento rítmico no lo tratamos en este punto ya que los desarrollos rítmicos

2.3 La textura y la estética.

Es la Filosofía del arte que favorece la comprensión de la obra artística y la capacidad

"Ciencia que trata de la Belleza y de la teoría fundamental y filosófica del Arte"

Hay formas que se podrían designar formas arquitectónicas, caracterizadas por su

Zamacois: "Una obra musical es un conjunto organizado de ideas musicales, a esa

S.D.M.: "Es la manera de desarrollar el concepto de una composición conduciendo sus

La forma es la justificación definitiva de la obra musical, la forma la hace comprensible.

3.2 Elementos formales