GUIA DEL

PRODUCTOR MUSICAL
EN 60'
2021
ÍNDICE PÁGINA

1 . L A G R A N O P O R T U N I D A D 01

2 . L A O R Q U E S T A C I Ó N 02

3 . L A T E O R Í A M U S I C A L Q U E N E C E S I T A S 03

4 . T U S H E R R A M I E N T A S D E T R A B A J O 09

5 . A C E L E R A T U W O R K F L O W : P L A N T I L L A S 10

6 . P R O D U C C I Ó N M U S I C A L E N P R O F U N D I D A D 11

7 . P U E S T A A P U N T O : L A M E Z C L A 16

8 . P O R Ú L T I M O 18
1 . L A G R A N O P O R T U N I D A D

#AHORAONUNCA

Hoy en día, a pesar de la crisis covid, la industria musical no deja de crecer:

Las principales plataformas de streaming (Netflix, HBO, Amazon prime, etc)

suman más de 900 millones de usuarios, y siguen creciendo lanzando miles
y miles de series y películas cada año.
La 3ª actividad más realizada en internet es usar servicios de streaming
musical (Spotify, YouTube, Apple Music, etc)
El gaming ha aumentado un 20% sus ingresos sólo en 2020.
Etc, etc, etc.

Podría seguir y llenar hojas con datos reales que demuestran que nunca se ha
generado tanta cantidad de material audiovisual y a una velocidad tan rápida.
Simplemente los tiempos son diferentes, la tecnología ha permitido una nueva
realidad que antes no hubiéramos ni imaginado. Y lo importante de esto, es
que esa enorme cantidad de contenido cada vez mayor ha creado una gran
demanda que necesita de la producción musical. Y ahí entramos nosotros:
productores, compositores, artistas, etc. Nosotros ponemos la banda sonora a
la vida de la gente, y el aumento del consumo audiovisual hace que vivir de la
música sea una realidad, que vivir haciendo aquello que nos apasiona si sea
posible.
Si quieres formar parte de este nuevo estilo de vida, ten en cuenta los puntos
clave que vas a encontrar a continuación de aquellos que como yo, ya estamos
en el otro lado y puedas así reproducir los mismos o mejores resultados.

Me llamo Marc Jovani, soy compositor y productor musical en activo y he

trabajado en proyectos para Netflix, Amazon, Lionsgate, Syfy, FOX, etc. También
he trabajado para programas de televisión como Antena 3 (España), TF1
(Francia), Canale 5 (Italia), Lifetime (EEUU) entre otros. He sido profesor de la
Berklee School of Music online y soy director de la escuela Cinematic
Composing. Actualmente, vivo mi sueño en Los Ángeles (EEUU) junto a mi
esposa y mis hijos. Y todo esto te lo cuento para demostrarte que SÍ se puede
vivir de la música y que sé de lo que hablo ya que sigo activo en este mercado.
En estas hojas te voy a contar las claves que para mí han sido las más
importantes para hacerme un sitio en el sector, qué necesitas para ser
productor musical y algunos pilares de mi sistema de trabajo. Te adelanto que
vas a encontrar un regalo sorpresa en estas líneas con un alto valor, así que solo
te pido que te comprometas contigo mismo a terminarlo.

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2 . L A O R Q U E S T A C I Ó N

#LASCOSASCLARAS

“WTF??” (te estarás preguntando). Para conseguir maximizar tus oportunidades

necesitas entender el concepto de la orquestación, la madre de la música para
nosotros. Pero Marc, ¡yo quiero hacer punk! Tranquilo, antes es importante que
entiendas esto y sea franco contigo. La mayor parte de proyectos que generan
casi toda la cantidad de ingresos del mercado necesitan de ella, y por tanto, es
la que más oportunidades sólidas te ofrece para vivir de la música. Películas,
series, empresas de videojuegos, programas de televisión, publicidad, etc.
necesitan que domines este concepto. Dicho esto, también la encontramos en
los géneros musicales que escuchamos a menudo. ¿Qué sería de November
Rain de Guns N’ Roses sin la sección orquestal de violín, cello, viola, flauta, oboe
y percusión? O también la podemos encontrar presente en festivales de música
electrónica como Tomorrowland con el DJ Eric Pydz - Opus en 2019, y la verdad
es que pone los pelos de punta (puedes leer algún comentario para entender
su impacto en la gente).

Sin duda, hoy en día necesitas diferenciarte de los demás productores y la

orquestación hará que tu conocimiento musical sea mucho más amplio y
pueda servirte para cualquier proyecto. Por su variedad, cantidad de
instrumentos y diferentes rangos de frecuencias y timbres te permite expresar
tus ideas musicales de forma precisa, y podrás adaptar los conceptos para
cualquier otro proyecto que quieras crear. La orquestación puede que no sea el
único camino para producir pero si es el que más oportunidades ofrece y el
que va a conseguir que tu producción sea mucho más ancha y completa.

Puede que te estés preguntando, ¿Cómo voy a hacer maquetas orquestales si

no se teoría musical para componer, o si no se diferenciar un violín de una viola,
o si para hacer un proyecto con una guitarra, bajo, synths y drums ya tardo
unas horas?

Es normal que tengas estas dudas pero no te preocupes, confía en mí y sigue

leyendo. Lo primero que debemos abordar es la teoría musical que tanto
miedo puede dar al inicio. Te aseguro que en los próximos minutos vas a
aprender la teoría musical que necesitas para empezar a componer desde ya.

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 3 . L A T E O R Í A M U S I C A L Q U E N E C E S I T A S

#SINEXCUSAS

Mucha gente se abruma al pensar en ella porque tiene la creencia de que se

necesita haber ido a clases de música y solfeo desde niño para poder
entenderla, pero déjame demostrarte que estás completamente equivocado.
La educación tradicional siempre se ha centrado en enseñar una materia
general a un grupo amplio de gente, y ha tenido que abarcar mucho contenido
general porque no podía atender las necesidades de cada alumno. La magia
ocurre cuando enfocas un conocimiento general a algo específico, algo
concreto donde aplicar ese contenido, ya que se cumple la llamada Ley de
Pareto 80/20. Esta ley nos dice que el 80% de los resultados se consigue con el
20% de los esfuerzos, es decir, que si nos enfocamos en aprender la teoría
musical que vamos a necesitar para proyectos audiovisuales o música popular,
podemos aprender rápidamente lo que necesitamos para componer nuestras
obras.
Te pongo dos ejemplos para que lo veas claro: si alguien quiere aprender
fotografía en general, va a tener que aprender todo tipo de aspectos técnicos
para cada caso, pero si quieres hacer fotografía para bodas y enfocas todo el
contenido en esto, seguro que no vas a necesitar saber todo lo demás,
ahorrando así muchísimo tiempo. Lo mismo ocurre con una ingeniería, se
necesitan 4 años de formación universitaria, máster etc. para terminar
trabajando como técnico mayoritariamente, donde aplicas lo que podrías
haber aprendido en muy poco tiempo. Incluso en la mayoría de trabajos
aprendes como se hacen las cosas allí mismo y el procedimiento que utilizan,
dándote la sensación que podría aprenderlo cualquiera sin necesidad de toda
esa formación, y lo que es más importante, todo ese tiempo invertido.

No me confundas, no estoy en contra ni digo que no sirva para nada.

Lógicamente si tienes la suerte de empezar desde niño vas a tener más
conocimiento y eso está genial, pero quiero que entiendas que no es ningún
impedimento ni excusa para lograr tu sueño.

Así que voy a darte los conceptos que debes entender de la teoría musical y lo
más importante de cada uno. Después voy a dejarte un video en el que en 10
minutos repaso contigo estos conceptos y los encajamos para plasmar una
idea musical de tu cabeza al ordenador. ¿Estás listo? Estos son los conceptos,
ordenados de más básico a más avanzado, que debes saber de teoría musical:

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 3 . L A T E O R Í A M U S I C A L Q U E N E C E S I T A S

#SINEXCUSAS

12 NOTAS MUSICALES: Sí, solo existen 12 notas en la música que se repiten

en tonos más agudos o más graves, pero las mismas notas. La separación
entre cada una de estas 12 notas se llama semitono (sT) y entre dos notas se
llama tono (T). Lo podemos ver muy bien en el mástil de una guitarra, cada
espacio entre cejillas al pisar una cuerda es una nota, por lo que en los
primeros 12 trastes de una cuerda tenemos todas las notas. Los demás
trastes y cuerdas repiten estas notas en tonos más graves o más agudos.

ESCALAS: si elegimos entre estas 12 notas, unas más importantes y otras

menos importantes, creamos lo que se conoce como una escala. Por
ejemplo, si elegimos las notas 1-3-5-6-8-10-12 tenemos una escala. O dicho
de otro modo, si elegimos una separación entre notas de
T(1-3) | T(3-5) | sT(5-6) | T(6-8) | T(8-10) | T(10-12) | sT(12-1’) tenemos una escala.
Esta en particular se trata de la escala más importante de nuestra música,
conocida como escala mayor.

Esta es la razón de la configuración de las teclas del piano, dónde las teclas
blancas son las importantes y las negras las menos importantes para esta
escala. La nota sobre la que empezamos se llama DO y las otras blancas (más
importantes) también tienen nombre propio: DO-RE-MI-FA-SOL-LA-SI. Sin
embargo las teclas negras dependen de las otras. Se llamarán sostenidas de la
nota anterior o bemoles de la nota posterior, es decir la tecla negra entre DO y
RE se puede llamar DO sostenido (nota anterior) o RE bemol (nota posterior), y
así en todas.

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#SINEXCUSAS

Ahora ya entendemos que el piano tiene esa forma por ser configurado como
escala de DO mayor, mientras que la guitarra no da importancia y se ve todos
los trastes iguales.
Si en vez de empezar con el do, empezamos con el RE y aplicamos el mismo
patrón de separación (T-T-ST-T-T-T-ST) tendremos la escala mayor de RE. En
una guitarra no hay diferencia, pero en un piano tocaremos también teclas
negras para hacer esta escala por empezar en RE. Puedes ver cómo quedaría el
patrón de la escala mayor de cada nota en el piano en esta imagen:

Junto a las escala mayor, la otra más utilizada es la escala menor y son las dos
escalas que necesitamos para hacer el 99% de la música, aunque tenemos
muchas más como la escala pentatónica, blues, la doble armónica, etc.
La escala menor también está formada por 7 notas pero con el patrón:
T-sT-T-T-sT-T-T.
Ten en cuenta que como tenemos 12 notas, aplicando el patrón de la escala
mayor o menor, tenemos 12 escalas mayores y 12 escalas menores,
dependiendo de la nota en que empecemos. Nos centraremos en la de LA
menor ya que utiliza las teclas blancas del piano como la escala de DO mayor
pero empezando desde el LA.

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 3 . L A T E O R Í A M U S I C A L Q U E N E C E S I T A S

#SINEXCUSAS

Simplificando, una canción se compone sobre una escala, y utiliza las notas de
esta para los acordes y la melodía. Por lo tanto para hacer una canción,
elegimos una escala (mayor o menor casi siempre) y tocamos o cantamos una
melodía con las notas de esta escala, mientras acompañamos con acordes de
esta escala. En un momento veremos los acordes.

INTERVALOS: ya hemos visto las únicas 12 notas que existen en la música y

que depende de cómo las agrupemos formaremos escalas con distinta
sonoridad y que las más importantes son las mayores y menores,
especialmente nos centramos en la de DO mayor y LA menor porque son
las que utilizan las teclas blancas del piano.
Los intervalos son la distancia entre las notas según los semitonos que las
separan. Y es algo muy importante ya que si aprendemos a reconocer el
intervalo entre notas, sabremos plasmar nuestras ideas musicales más
rápido, y aprenderemos a ‘tocar de oído’.

Para esto hay que entrenar el oído y hay un truco muy bueno para aprender a
reconocer los intervalos. Se trata de tener una referencia conocida a cada
intervalo (películas, canciones, etc) A continuación os dejaré una tabla con los
intervalos, su nomenclatura y un ejemplo de referencia de cada intervalo.

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 3 . L A T E O R Í A M U S I C A L Q U E N E C E S I T A S

#SINEXCUSAS

Podéis buscar otros ejemplos del intervalo que queráis y escoger el que te sea
más familiar en Interval Song Chart Generator (earmaster.com).

Te recomiendo que practiques esto como ejercicio e intentes saber qué

intervalo hay entre la melodía que has pensado o que has escuchado según tus
referencias. Lo bueno es que puedes hacerlo en cualquier momento del día
estés donde estés. Te ayudará mucho a tu oído musical.

ACORDES: los acordes se producen cuando suenan más de una nota a la

vez y se clasifican según los intervalos de las notas que los forman, es decir,
la distancia entre las notas que forman el acorde. Primero vamos a ver los
más importantes: los acordes mayores y menores de tres notas (triadas).

Los acordes mayores se forman con: nota base + tercera mayor + quinta justa.
Los acordes menores con: nota base + tercera menor + quinta justa.

Simplemente elegimos una nota cualquiera y contando 4 tenemos la tercera

mayor (4 sT), y si contamos 3 más tenemos la quinta justa (7 sT) formando el
acorde mayor de la nota que estamos tocando.
Si en cambio elegimos una nota cualquiera y contamos 3, tenemos la tercera
menor (3 sT), y si contamos 4 más tenemos la quinta justa (7 st), formando un
acorde menor.
Recuerda esta fórmula: acorde mayor nota+4+3, acorde menor nota+3+4.

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 3 . L A T E O R Í A M U S I C A L Q U E N E C E S I T A S

#SINEXCUSAS

Hay muchísimos acordes más para conseguir distintas sonoridades. Se pueden

añadir a estos acordes la séptima menor o la séptima mayor para crear acordes
de séptima. También puedes cambiar la tercera mayor/menor por la segunda
mayor o la cuarta justa para acordes sus2 y sus4. Pero vamos a ver los acordes
mayores y menores en la escala mayor de DO y escala menor de LA para que se
vea mejor.

Si nos centramos en la escala DO mayor, nos olvidamos de las notas menos

importantes (teclas negras del piano) y tocamos junto con cada nota, su
tercera y quinta, dejando un tecla blanca entre notas, tenemos 7 acordes.

Vemos que tenemos 3 acordes mayores, 3 acordes menores y uno disminuido

que no se usa el 99% de las veces. Con estos acordes podemos ir acompañando
a la melodía contando una historia que tiene una sonoridad alegre al ser su
tónica un acorde mayor.
Para la escala de la menor se usan los mismos acordes pero va a sonar triste y
melancólico al tener como tónica en un acorde menor.

¿Cómo sé que acordes usar? En este vídeo te voy a enseñar cómo juntar estos
puntos de teoría musical y plasmar tu idea, sabiendo que acordes utilizar en
cada caso.

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 4 . T U S H E R R A M I E N T A S D E T R A B A J O

#HOMESTUDIO

Ya sabemos la gran oportunidad que existe, que la orquestación te abre

muchas puertas para conseguir vivir de ello y hemos repasado la teoría musical
para que empieces a componer desde ya.
Ahora vamos a conocer el equipo que necesitas para tener tu estudio, donde
vas a componer y crear tu música.

Gracias a la evolución de la tecnología, hoy en día podemos desde nuestro

home studio sonar de forma profesional sin tener que recurrir a grandes
estudios como se hacía antiguamente, y que muy poca gente podía permitirse.
Estas son tus herramientas de trabajo que necesitas para tu propio home
studio:

Computadora (PC): es fundamental tener un buen equipo para trabajar y

sin duda el que requiere mayor inversión. En este artículo te explico las
opciones que tienes según tus necesidades y el presupuesto que puedas
gastarte.

DAW (Pro Tools, Cubase, Ableton, etc): es un programa dedicado a la

grabación y edición de audio y sobre el que trabajaremos. Existen muchos
pero todos cumplen la misma función. Te recomiendo aprender los
comandos de teclado para acelerar tu workflow.

Librerías de sonido: te dan acceso a los instrumentos y sonidos que quieras

utilizar en tus creaciones. Se cargan a través de samplers como Kontakt o
VE Pro.

MIDI: son herramientas que agilizan tu trabajo y te permiten trabajar

cómodo. Te recomiendo como mínimo un teclado midi para tener un
workflow decente.

Monitores o auriculares: son las herramientas por las que vas a escuchar el
audio.

Okey, ya estamos enfrente de nuestro DAW listos para plasmar nuestra idea
musical o crear algo nuevo. Empezamos a configurar el equipo, elegir
instrumentos, elegir plugins… ERROR.

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 5 . A C E L E R A T U W O R K F L O W : P L A N T I L L A S

#GOWITHTHEFLOW

Si queremos ser productores musicales no podemos gastar tanta energía

configurando y preparando el equipo. Tenemos que ser eficientes para plasmar
muchas ideas y optimizar al máximo nuestra creatividad.

Y aquí te voy a desvelar el secreto de la mayoría de los compositores y que

supuso un punto de inflexión en mi workflow: LAS PLANTILLAS.

Una plantilla te permite en pocas palabras, sentarte enfrente de tu PC y dejar

fluir tu creatividad al instante, sin malgastar energías y atención en los
procesos técnicos de configuración y routing.
Se abren dentro de nuestro DAW, vienen configuradas y organizadas con los
instrumentos del estilo que vayas a componer, y listas para plasmar tus ideas
musicales de manera productiva. Te evitan el mal de cabeza de pensar que
quieres hacer, qué pistas deberían estar, qué configuración deberían tener…
para finalmente cuando lo tengas... no quede energía para tu inspiración.
No queremos que te sientes a componer y tengas la mente en blanco enfrente
de tu PC, sino que puedas plasmar rápidamente tus composiciones!

Además son esenciales para mantener el orden y tenerlo todo listo para la
mezcla y mastering que vendrán luego. Y aquí viene el regalo que te prometí,
voy a darte una de mis plantillas de orquestación que yo utilizo la mayoría de
las veces para empezar mis bocetos. Tiene un gran valor para mi pues tardé
mucho tiempo hasta descubrir la mejor plantilla que acelerara mi workflow.
OJO, está configurada con la librería de sonido Albion, unas de las que utilizo.
No viene con la librería de sonido obviamente pero aunque no la tengas,
puedes observar la estructura y su configuración para adaptarlo a tu
producción.

Las plantillas son una herramienta mágica que debes dominar y que dependen
de aquello que quieras crear y tus recursos de PC. Existen desde plantillas que
necesitan 3 computadoras con más de dos mil pistas (no quiere decir que
vayamos a utilizarlas todas), hasta plantillas más pequeñas con una
computadora y 400 pistas. Aunque mi sistema favorito es usar plantillas
modulares, una especie híbrida entres las dos anteriores. Si quieres saber más
sobre este concepto puedes consultar este artículo donde te lo explico en
detalle.

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 6 . P R O D U C C I Ó N M U S I C A L E N P R O F U N D I D A D

#DARCERAPULIRCERA

Muy bien, ya nos hemos sentado frente al DAW y hemos sabido plasmar una
idea musical rápidamente gracias a las plantillas. Ahora nos toca llevar nuestra
idea al siguiente nivel y tener una composición completa consiguiendo un
sonido de calidad. Esta fase de arreglos la llamamos 'arrangement', arreglos.

Aquí entramos de lleno en la fase de producción. Hay que poner especial

atención porque no vamos a poder corregirlo más tarde ni en la mezcla ni en el
mastering. Queremos acabar de completar nuestra composición y conseguir el
sonido deseado de cada pista para que suene con la mayor calidad. Para ello
debemos convertir nuestra idea musical en una obra completa, y te voy a dar
unos consejos para que consigas hacerlo correctamente y te sirvan de
inspiración:

NO agregar muchas pistas (aunque parezca que se vea más profesional):

cada pista debe tener un propósito, un porqué. Tenemos que saber cuál es
la pista o instrumento importante y qué le van a aportar las otras que
añadimos para complementar y conseguir el timbre deseado. Aquí no
importa las frecuencias, que explicaré y veremos más adelante en la
mezcla, si no conseguir el timbre sonoro que deseamos (más agresivo, más
suave, más cálido, etc). Hay mezclas de instrumentos que aunque tengan
un rango similar de frecuencias, se usan para conseguir ciertos sonidos, por
ejemplo, mezclar trompetas silenciadas con oboe, vientos de madera altos
y cuerdas en octavas, etc.

RECUERDA: agregar pistas sin ningún propósito solo hará que pierdas claridad,
en mis pistas orquestales rara vez hay más de 20-30 pistas al mismo tiempo.

Dirección: contar una historia, algo que lleve del punto A al punto B, que
haga sentir al oyente que progresamos de un punto a otro. Por ejemplo:
una progresión de acordes que va creando tensión a medida que avanza,
agregar/quitar instrumentos para variar la densidad sonora, etc

Movimiento: ayuda a mejorar la dirección y la da mayor acción. Por ejemplo:

patrones rítmicos, llamada/respuesta entre instrumentos, contrapunto, etc

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 6 . P R O D U C C I Ó N M U S I C A L E N P R O F U N D I D A D

#DARCERAPULIRCERA

Fondo: es el pegamento que une la obra para llenar vacíos y unir diferentes
ideas musicales, se nota cuando falta. Por ejemplo: un ritmo, melodía,
acordes, etc, que se repiten independientemente de lo que está sonando
pero encajando en todo momento con el resto de la obra.

Impulso: algo que aumenta la intensidad de un fragmento musical o hace

el cambio de sección más intenso para el oyente, es como ‘caramelo para
los oídos’. Por ejemplo: vientos de madera o metales que van creciendo
detrás de una melodía, percusiones como platillos, efectos, etc.

Bajos: cualquier cosa que agregue un bajo extra sólido, compacto y

controlado. Por ejemplo: sintetizadores, contrabajos, percusión sub-boom,
etc.

Teniendo en cuenta estos puntos y con un poco de conocimiento de armonía,

contrapuntos y ritmo, lograrás tener una composición acabada.
Si no dominas esta parte, no importa cuánto sepas de plugins y mezcla ya que
estos no van a arreglar una composición mediocre. Muchos principiantes
hacen cursos de mezcla y gastan mucho dinero en gran cantidad de plugins
sin darse cuenta de esto, así que tenlo cuenta.

Una vez tenemos todo esto, es hora de entrar en el análisis más técnico para
sonar profesional y con calidad. Para ello usamos el DAW y algunos plugins.
Mucha gente se vuelve loca y empieza a comprar y acumular plugins sin saber
su función, para terminar usando los que vienen por defecto con el propio
DAW. Mi recomendación es que conozcas primero los que lleva el propio DAW
y comprar conforme necesites algo nuevo y específico, muchas veces no
necesitarás más para empezar y sonar bien.

Por tanto, lo que debemos conseguir con estas herramientas para sonar
profesional, es crear claridad y equilibrio entre las pistas. Lo conseguimos con
las siguientes herramientas:

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 6 . P R O D U C C I Ó N M U S I C A L E N P R O F U N D I D A D

#DARCERAPULIRCERA

BALANCE: es lo fuerte o bajo que tengamos el volumen de cada pista para

que quede equilibrado con las demás. Simplemente tenemos que jugar
con los volúmenes de cada pista aunque en las plantillas podemos tener un
balance guardado.

En orquestación el balance es el concepto clave para conseguir un sonido

realista. Algunos errores comunes son tener vientos altos cuando
generalmente sonarían más bajos en una orquesta en vivo, o los metales
tocando fuerte pero escuchándolo más bajos de lo que sonarían en vivo.
En la música popular querremos los instrumentos más importantes por arriba
de los que lo acompañan según el estilo y queden compensados con la voz.

Una vez tenemos el volumen equilibrado queremos ubicarlos en el espacio con

el siguiente punto.

PANNING: el panning nos sirve para situar los distintos instrumentos en el

eje horizontal del espacio. La norma general es tener los bajos centrados y
tener un equilibrio entre el lado izquierdo y el derecho. En las plantillas
también podemos guardar un panning determinado para tener un mejor
punto de partida. En música orquestal paneamos según la disposición de
una orquesta real, como puedes ver en la imagen.

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 6 . P R O D U C C I Ó N M U S I C A L E N P R O F U N D I D A D

#DARCERAPULIRCERA

Algunas librerías vienen pre paneadas, pero es importante acentuarlo un poco

más, evitando los extremos. Con esto ya habremos mejorado notablemente la
claridad, pero podemos conseguir más precisión con una buena ecualización.

ECUALIZACIÓN: una vez balanceado y paneado correctamente, podemos ir

más allá y conseguir mayor precisión con la ecualización. El sonido se
transmite por ondas con distintas frecuencias según el sonido. Con la
ecualización podemos acceder al rango de frecuencias de cada pista y
modificarlo para conseguir mayor claridad entre otras. Al añadir pistas y
procesamientos suelen crearse frecuencias que no aportan nada y
empeoran la calidad del audio. Gracias a esta herramienta podemos
seleccionar el rango de frecuencias que queremos escuchar, y descartar las
frecuencias que no aportan nada.

También sirve para realzar frecuencias de cierto instrumento sobre los demás o
reducir las frecuencias donde hay mayor acumulación, pero no vamos a entrar
en profundidad. Simplemente quédate en que podemos conseguir mayor
claridad de forma muy precisa jugando con el rango de frecuencias.

Aunque en ciertos tipos de música una ecualización drástica puede utilizarse

para crear ciertos efectos deseados, en orquestación no queremos perder las
cualidades sonoras características que hacen que suene realista, por lo tanto,
tenemos que ir con cuidado de no pasarnos.

En la siguiente foto puedes ver un plugin de ecualización, dónde el espectro

gris es el rango de frecuencias que generan ese sonido y con la línea amarilla
recortamos las que no nos interesan.

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 6 . P R O D U C C I Ó N M U S I C A L E N P R O F U N D I D A D

#DARCERAPULIRCERA

REVERBERACIÓN: con la reverberación completamos la ubicación del

instrumento en el espacio. Si con el panning lo situamos en el eje horizontal
y con la ecualización y el balance lo situamos en su eje vertical, la
reverberación nos permite darle profundidad y con esto conseguir ubicar
cualquier instrumento en las 3 dimensiones del espacio. Es como el eco, la
cantidad de tiempo que se mantiene un sonido después de realizarlo.

Este también es un tema amplio pero quédate con estas reglas básicas que te
evitarán muchos problemas:

- Instrumentos agudos: puede tolerar mucha reverberación.

- Instrumentos de tono bajo: puede tolerar poca o ninguna reverb.
- Notas de sonido largo: pueden tolerar más reverb y más largas.
- Notas de sonido corto: puede tolerar menos reverb y más cortas.

Sin embargo, este procesamiento ocupa mucho CPU de nuestro ordenador y

no lo haremos en la fase de producción, sino que lo dejaremos para la mezcla
aunque me parecía interesante presentarlo aquí para cerrar la ubicación
espacial.

La mayor parte de estos ajustes técnicos para ganar claridad, vendrán

configurados en nuestra plantilla de producción por lo que simplemente
tendremos que ajustar según cada caso.

Una vez tengamos esta fase de producción completada pasaremos a la mezcla.

En esta agrupamos los instrumentos por familias, simplificando y reduciendo el
número de pistas. También exportamos el sonido a audio, por lo que dejan de
ser notas MIDI que ocupan gran cantidad de espacio de nuestro CPU. Todo esto
lo haremos rápidamente con una buena configuración de plantillas que lo
tenga todo listo para prepararlo para la mezcla.

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 7 . L A P U E S T A A P U N T O : L A M E Z C L A

#MIXING

El objetivo de la mezcla es potenciar lo que ya tenemos, así que no dejes cosas

para arreglar en esta fase. Al igual que en la fase de producción, dónde
habremos añadido cosas que no teníamos en la cabeza cuando empezamos a
plasmar la idea musical, en la mezcla tenemos otras herramientas para
mejorar nuestra obra y potenciar las emociones que queremos transmitir. Esta
fase suele hacerla una persona diferente a la anterior, para tener unos oídos
frescos que puedan corregir detalles que se han pasado por alto, por lo que si
lo haces tú solo te recomiendo descansar unas horas antes de ponerte a
mezclar. También repasaremos algunos procesos que hemos visto antes pero
con un punto de vista más general.

Para esta fase tendremos otra plantilla donde cargaremos los archivos de
producción exportados a audio, y vendrán incorporadas con las herramientas
que vamos a ver.

SATURACIÓN ANALÓGICA: no te asustes por el nombre. La realidad es que

al hacerlo todo digital en nuestro home studio, se pierden matices que
imprimen los estudios más famosos, gracias a elementos analógicos (señal
no digital) que dan un carácter deseado en la mezcla. Afortunadamente,
han sido emulados digitalmente y aunque no son iguales se acercan
bastante. Para eso usaremos la saturación analógica durante la mezcla que
aportará armónicos, y en definitiva un sonido más grueso a nuestra
producción.

REVERBERACIÓN: ya hemos explicado anteriormente lo que buscábamos y

porque lo hacíamos en la fase de mezcla. Solo apuntar que solemos utilizar
diferentes reverbs para distintos grupos de instrumentos para crear mayor
separación y claridad entre pistas.

ECUALIZACIÓN: ya habremos hecho la mayor parte en la fase anterior, pero

aquí podemos potenciar algún grupo en particular tras los ajustes de la
mezcla.

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 7 . L A P U E S T A A P U N T O : L A M E Z C L A

#MIXING

COMPRESIÓN: buscamos reducir la diferencia entre la parte más fuerte y

menos fuerte de una señal de audio. En la música popular (pop, rock, etc)
suele estar todo muy comprimido para tener una señal bastante estable en
el oyente. Sin embargo en orquestación, música clásica o jazz, tenemos
muy poca o ninguna ya que buscamos que haya un gran rango dinámico
para apreciar los distintos cambios de volumen entre secciones o las
propias líneas individuales y esto sería contraproducente. Por tano, en
maquetas orquestales sólo comprimo la percusión y algunos sintetizadores
percusivos.

AUTOMATIZACIÓN: automatizar el volumen, le aportará movimiento a la

música y sonará más realista al haber cambios como pasaría en vivo.
Podemos automatizar muchos parámetros, por ejemplo, la modulación
combinada con el volumen aumenta el realismo y la sensación de
movimiento.

Si quieres ver en profundidad cómo aplico estas herramientas a mis

producciones orquestales, puedes leer este artículo más avanzado con videos
inclusive.

Por último quedaría masterizar, usando herramientas como las que hemos
visto según el destino al que va dirigido nuestra obra, ya sea para un álbum,
para el cine, para videojuegos, etc
En un álbum por ejemplo masterizamos para que todas las canciones estén
equilibradas y tengan un nexo que las una.
No voy a profundizar en este tema porque no es el más importante para
empezar a crear tus canciones, y cuando domines las fases anteriores no te
resultará nada complejo.

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 8 . P O R Ú L T I M O

#CREATE

Hemos repasado el proceso general que debes seguir para empezar tu camino
como productor musical desde ya, y tendrás que pasar un tiempo aprendiendo
a dominar todo esto, pero cuando lo consigas estarás listo para monetizar tus
creaciones y poder vivir creando música.
Hoy en día, tienes un montón de plataformas que te permiten acceder a un
gran mercado y necesitarás aprender un poco de marketing, publicidad de
pago, una web, etc. Pero eso no es el tema de esta guía, aunque espero
ayudarte cuando llegue el momento.
Antes de ese momento en el que podrás hacer tus creaciones con sonido
profesional y dedicarte al sueño de tu vida, deberás aprender y tener muy clara
tu meta para no rendirte por el camino.

Lo importante con los que debes quedarte es que existe una gran oportunidad
que demanda a gente como tú si, deseas vivir de la música haciendo lo que te
apasiona. Sólo en España y Latinoamérica hay miles y miles de productoras
audiovisuales, discográficas, editoriales, sonido en directo, empresas de
videojuegos, televisión, etc que necesitan un sonido competitivo y de calidad
para sus proyectos.

Además hemos visto porque dominar la orquestación digital te multiplica las

oportunidades del éxito y porque es un valor diferencial que te hará ser un
productor de mayor calidad.

Te he contado mis pilares sobre los que se basan mi sistema de trabajo, que
son las plantillas, el arrangement y la mezcla. Y te he dado mi herramienta
mágica que me hace ser un productor competitivo y productivo con la plantilla
modular.

Me hubiera encantado que me dijeran esto cuando empezaba en esta

apasionante industria. Así que si esto ha resonado en ti y sientes que tienes
algo especial para aportar al mundo de la música y expresar aquello que las
palabras no permiten, estate atento a tu bandeja de entrada de tu email y
asegúrate de agregarme a tu lista de contactos porque tengo planeado otra
sorpresa que me hace mucha ilusión contarte y que puede suponer un antes y
después en tu carrera.

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#welovemusic