Vibráfono

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Vibes joelocke koeln2007.jpg

Archivo:Vibraphone Orchestra, early 1940s.ogv

Filmación de 1940 (xilófono, marimba y vibráfono).

El vibráfono, también llamado vibraphone en inglés o vibes, es un instrumento musical de la

familia de los idiófonos1.

Es un laminófono similar al xilófono, pero las láminas son de aluminio. Estas láminas son
percutidas con baquetas o mazos con cabeza de hilo, lana o nailon. El ejecutante dispone de
mazas de diferentes tamaños y materiales que le permiten obtener diferentes sonidos. Por
ejemplo, los tonos más dulces se obtienen usando mazas delgadas de cabeza blanda.

El vibráfono es un instrumento de sonido determinado pues permite obtener notas musicales

a una altura determinada. Incluso se pueden generar acordes, si se percuten simultáneamente
varias láminas usando dos o cuatro baquetas.

El instrumento moderno y estándar tiene tres octavas, aunque hay luthiers que fabrican
vibráfonos que alcanzan las cuatro octavas. Las láminas están ordenadas como en un piano,
con dos teclados: uno para las notas naturales y otro para las notas alteradas. Entre los dos
teclados se encuentra el mecanismo del pedal.

Debajo de cada lámina hay un resonador consistente en un tubo resonante de aluminio, fibra o
bronce que está afinado de acuerdo al tono de la lámina que se encuentra sobre el. La
afinación se establece mediante la colocación de un tapón en el extremo inferior de cada tubo.

El vibráfono debe su nombre a un mecanismo que proporciona un tremolo. Entre los tubos
resonadores y las láminas hay una serie de discos enlazados entre sí por un eje. Hay un disco
para cada tubo y el eje es accionado por un motor eléctrico. La rotación de los discos hace que
los tubos se abran y cierren parcialmente, varias veces por minuto, lo que provoca un efecto
de trémolo (una oscilación en el volumen sonoro) que es, en la mayoría de los casos, regulable
en velocidad.

Además de este mecanismo, el vibráfono posee un sistema de pedal con efectos similares al
del pedal de un piano. Entre los dos conjuntos de láminas hay una barra metálica cubierta con
fieltro que está sujeta a presión por uno o más resortes. El contacto de las láminas con el
fieltro hace que sus vibraciones se amortigüen rápidamente y su sonido resulte apagado, muy
corto. Cuando el pedal está presionado, la barra con el fieltro se separa de las láminas, por lo
que pueden vibrar libremente. La duración del sonido de una lámina con el pedal presionado
puede oscilar entre los 8 y los 20 segundos, dependiendo de la calidad del instrumento.

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Sonido del vibráfono

Índice

1 Historia

2 Fabricantes

3 Tesitura

4 Construcción

4.1 Láminas

4.2 Resonadores

4.3 Cojín amortiguador

4.4 Motor

4.5 Marco

4.6 Mazos

5 Técnica

5.1 Estilo de dos baquetas

5.2 Estilo de cuatro baquetas

6 Referencias

7 Enlaces externos

Historia

Es similar en apariencia al xilófono, a la marimba y al glockenspiel, aunque el vibráfono utiliza

aluminio en lugar de las láminas de madera de los dos primeros instrumentos. Cada lámina
está acoplada con un tubo resonador y con un motor que hace girar unas aspas montadas
sobre un eje común y que producen un efecto de vibrato o trémolo mientras giran. El
vibráfono también tiene un pedal de apagado similar al utilizado en los pianos. Cuando el
pedal está arriba, la vibración de las láminas se amortigua y el sonido de cada lámina se acorta;
con el pedal hacia abajo, la vibración se mantienen durante varios segundos.

El uso más frecuente de la mayoría de los vibráfonos es en la música jazz, donde a menudo
desempeña un papel destacado, y como un componente normal de la sección de percusión.
El primer instrumento musical llamado "vibráfono" fue comercializado por la Compañía
Manufacturera Leedy en Estados Unidos en 1921. Sin embargo, este instrumento difería en
detalles significativos del instrumento que ahora se llama vibráfono. El vibráfono Leedy
alcanzó gran popularidad después de haber sido utilizado en las grabaciones de "'Aloha Oe" y
"Gypsy Love Song" de Vaudeville .

Fue en la antigua sede de JC Deagan, Inc. en Chicago, donde Henry Schluter inventó el
vibráfono en su forma actual.

Esta popularidad llevó a JC Deagan, Inc. en 1927 a pedir a Henry Schluter que desarrollase un
instrumento similar. Sin embargo, Schluter no se limitó a copiar el diseño Leedy, sino que
introdujo varias mejoras importantes: hacer las láminas de aluminio en lugar de acero, y de un
tono básico de forma más "suave”, además de modificaciones en las dimensiones y en el
ajuste de las láminas para eliminar los armónicos disonantes que se producían en el diseño
Leedy (para mayor maduración del tono), así como la introducción de una barra de
amortiguador controlado por un pedal, lo que le permite ser ejecutado con más expresión. El
diseño Schluter era más popular que el diseño Leedy, y se ha convertido en la plantilla para
todos los vibráfonos de hoy.

Sin embargo, cuando Deagan comenzó a comercializar el instrumento Schluter, en 1928, lo

llamaron el vibraharp. Como su popularidad crecía, otros fabricantes comenzaron a producir
instrumentos basados en el diseño de Schluter, comercializado bajo una variedad de nombres,
incluyendo Leedy, que había comercializado su nuevo instrumento como el vibráfono tras
abandonar su antiguo diseño.

La confusión del nombre continua hasta el presente, pero con el tiempo se aceptó el término
vibráfono, significativamente más popular que vibraharp. En 1974, en el Directory of the D.C.
Federation of Musicians figuraban 39 vibrafonistas y 3 músicos de vibraharp. A partir de 2008,
el término vibraharp desapareció, excepto en usos anacrónicos. A menudo, en inglés, el
nombre vibráfono se acorta a "vibes”, utilizándose indistintamente ambos términos.

El propósito inicial del vibráfono fue el de incrementar gran arsenal de istrumentos de

percusión utilizados por las grandes orquestas. Este uso fue rápidamente abrumador a partir
de 1930, debido a su uso en el jazz. En la actualidad, sigue siendo fundamental, aunque no
exclusivamente, un instrumento de jazz.

La popularidad del vibráfono como instrumento de jazz en primer lugar se le puede adjudicar a
un hombre: Lionel Hampton. La historia, quizás apócrifa, es que "Hamp", por entonces
baterista, estaba tocando en los estudios de la NBC Radio, y ahí fue donde descubrió un
vibráfono que se mantenía a la mano para tocar el tema musical que identificaba a la cadena
NBC, el " NBC bells ". Después del concierto, dedicó una cantidad considerable de tiempo a
explorar el instrumento, y se enamoró de él.

Más tarde (16 de octubre de 1930), Hampton estaba grabando con Louis Armstrong y su
Sebastian New Cotton Club Orchestra, y en el estudio estaban considerando incorporar un
vibráfono. Hampton mostró a Armstrong lo que podía hacer, y decidió añadir su sonido a uno
de los temas que estaban programados para grabar: " Memories of You ", creando la conocida
primera grabación de jazz con el vibráfono.

Después de esto, Hampton decidió concentrarse en el vibráfono, uniéndose inicialmente al

Benny Goodman Quintet, y más tarde al frente de su propia big band, logrando una gran
popularidad.

Fabricantes

El primer fabricante de vibráfono en la configuración moderna fue JC Deagan, Inc., de Chicago,

Illinois , Estados Unidos, no obstante se llamaron vibraharps. Como el mercado para vibráfono
se consideró en primer lugar como un instrumento novedoso de vodevil y luego como un
instrumento de jazz, varios fabricantes intervinieron para cubrir la demanda. Estos incluyeron
la Leedy Manufacturing Company, de Indianápolis, Indiana , que conservó el nombre de su
producto, vibráfono, pero abandonó su diseño en favor de las innovaciones de Schluter, y la
Compañía Jenco, de Decatur, Illinois, que inicialmente comercializó sus instrumentos como
"vibrabells ".

Fuera de los Estados Unidos, la empresa Premier de Londres, Reino Unido, después de
experimentar con una variedad de instrumentos más estrechamente relacionados con el
glockenspiel, que fueron llamados variaciones de "harpaphone", optó por producir el modelo
del vibráfono que Schluter diseñó. Bergerault, de Ligueil, Francia también fabricó vibráfonos a
partir de la década de 1940.

A lo largo de los años 1930 y 1940, cada fabricante hacia sus modelos con sus diferentes
especialidades, pero el vibráfono Deagan fue el modelo preferido por muchos músicos de la
clase emergente de jazz profesionales. Deagan llegó a acuerdos de patrocinio con muchos de
los protagonistas, incluidos Lionel Hampton y Milt Jackson.

En 1948, la Compañía Musser fue fundada por Claire Omar Musser. Este era un consumado
músico de marimba y xilófono que salía frecuentemente de gira por Estados Unidos y Europa.
Él aplicó su experiencia y observaciones con los diseños actuales de los instrumentos de mazo
para su empresa homónima y el resultado fue una línea de instrumentos de alta calidad. Su
vibráfono resultó de una calidad comparable al vibráfono Musser Deagan y fue capaz de
obtener una participación en el mercado de gama alta.
La década de 1960 y 1970 vio una sacudida en el mercado de vibráfonos. Leedy Jenco dejó de
funcionar; Deagan fue comprado por la Corporación Yamaha . Aunque Yamaha aprovechó los
conocimientos de Deagan para mejorar sus propios diseños para el vibráfono, se suspendió el
uso del nombre y el legado de instrumentos Deagan, y a partir de 2008 ningún rastro de
Deagan es visible, a pesar de que Yamaha continúa utilizando el nombre Deagan para una línea
de campanas de orquesta y de carillones. La compañía Musser fue comprada por primera vez
por Ludwig Drums y, a continuación, a través de Ludwig, fue comprado por Conn-Selmer, Inc. A
diferencia de lo ocurrido con Deagan, la marca Musser y su línea de modelos fueron
mantenidos por las sociedades compradoras, y el vibráfono Musser sigue siendo el principal
vibráfono vigente en el mercado.

Este período también vio el surgimiento de nuevos fabricantes de vibráfonos. Empresas

notables incluyen: Instrumentos Musicales Adams de Ittervoort, Países Bajos, y Ross Mallet
Instruments, ahora propiedad de Júpiter Instruments de Austin, Texas , Estados Unidos.

A partir de 2008, el mercado del vibráfono es muy activo, considerando la naturaleza de la

especialidad del instrumento. Los principales fabricantes son Musser, Yamaha, Adams y Ross.
Bergerault, Premier, Studio 49 desde Gräfelfing , Alemania y el Saito Gakki Company de Japón
continúan en operación. Además de los productores en masa de vibráfonos, los fabricantes de
encargo, en particular vanderPlas percusión de los Países Bajos, también están activas.

Tesitura

El instrumento moderno estándar tiene un rango de tres octavas , desde el F por debajo de C
media (F3 a F6 en el campo de la notación científica ). Modelos grandes de tres y medio o
cuatro octavas, desde la C por debajo del Do central también se están volviendo más comunes
(C3 a F6 o C7). A diferencia de su primo, el xilófono, es un instrumento no transpositor,
generalmente escrito en tono de concierto. Sin embargo, a veces algunos compositores (por
ejemplo, Olivier Messiaen ) escribe las partes para que suenen una octava más alta. En la
década de 1930 varios fabricantes han hecho soprano-vibráfono con una extensión C4-C7, en
particular la Ludwig & Ludwig B110 modelo y el modelo Deagan 144. Deagan también, con un
modelo portátil que tenía un rango de 1 / 2 hasta 2 octavas, y resonadores de cartón .

Tesitura de un Vibrafono de 3 octavas.png

Construcción

Los principales componentes de un vibráfono son las láminas, los resonadores, cojín
amortiguador, el motor y un marco para mantener el conjunto. El vibráfono se toca
generalmente con los mazos o baquetas.

Láminas
Interior de un vibráfono mostrando el arco, las láminas, los resonadores, los discos, los
amortiguadores y las sujeciones de las láminas. Las láminas vueltas muestran muescas
empleadas para ajustar la afinación.

Las láminas están fabricadas de aluminio, que es la manera más obvia de distinguir un
vibráfono de los otros miembros de la familia de percusiones. Las diferentes aleaciones de
aluminio tienen características tonales ligeramente diferentes. Los fabricantes deben elegir su
aleación con cuidado, equilibrando las características tonales con la posibilidad de obtener un
suministro estable a largo plazo. Cada fabricante tiene su aleacción propia. Así, por ejemplo,
Musser ha utilizado la aleacción 2024-T4# de Alcoa.

El aluminio se adquiere en láminas largas de la anchura y espesor deseados y se corta en las

longitudes adecuadas. A continuación, se taladran agujeros a través de la anchura de las
láminas en los dos puntos llamados "nodales", que son los puntos de la lámina en vibración
que presentan úna amplitud de vibración nula o casi nula. Los puntos nodales están situados
cerca de los extremos de la lámina, a una distancia del 22,4% de cada uno de sus extremos.2

Vibráfonos con láminas graduadas (al frente) y sin graduación (al fondo).

Una vez que la lámina ha obtenido su forma básica, debe ser ajustada con precisión.
Normalmente, las dimensiones y tolerancias de la lámina del proceso de creación inicial se
establecen para crear una lámina ligeramente picante. Si la lámina es plana, su estructura
general puede ser echada planteadas por extraer materiales de los extremos de la lámina. Una
vez que esta lámina ligeramente se afila, los tonos individuales se puede ajustar más planos
mediante la eliminación de material procedente de lugares específicos de la lámina .

Los vibráfonos de calidad disponen láminas "graduadas". Es decir, las láminas inferiores son
más anchas que las láminas superiores, graduándose a través de una serie de medidas de
disminución de la anchura. Esto ayuda a equilibrar el volumen y la afinación de las láminas del
instrumento en toda la gama.

Las láminas pueden presentarse en una variedad de colores, generalmente plateadas o

doradas, aunque otros colores están disponibles, así como acabados en mate o con brillo,
creados por anodización de las láminas después de puestas a punto. El acabado de
presentación no tiene ningún efecto sobre el tono de las láminas, aunque algunos
profesionales sostienen lo contrario.

Resonadores

Obsérvese la diferencia existente entre los resonadores frontales de los dos vibráfonos. Esta
diferencia es puramente estética. En el vibráfono de Locke(a la derecha), los resonadores tan
solo tienen la longitud necesaria; la tapa de cada tubo está cerca de la parte inferior. En el
vibráfono de Hutcherson (a la izquierda), los resonadores en el extremo superior son mucho
más largos de lo necesario para producir un arco frontal como se ha visto en muchos
instrumentos (y la tapa está cerca de la parte superior de los tubos). Ambos instrumentos
incluyen tubos resonadores sin función y sin la correspondiente lámina por encima para evitar
un vacío de dientes.

Los resonadores son tubos de paredes delgadas, generalmente de aluminio, pero cualquier
material adecuado sirve. Están abiertos en un extremo y cerrado por el otro. Cada lámina está
emparejado con un resonador, cuyo diámetro es ligeramente mayor que el ancho de la
lámina , y cuya longitud es el cierre de un cuarto de la longitud de onda de la frecuencia
fundamental de la lámina . El resonador de A3 (de menor a la A en un vibráfono) es de
aproximadamente 15 pulgadas de largo. [4] Cuando la lámina y el resonador están bien en
sintonía uno con el otro, la vibración del aire por debajo de la lámina baja por el resonador y se
refleja en el cierre en la parte inferior, a continuación, vuelve de nuevo a la parte superior y se
refleja de vuelta por la barra, una y otra vez, creando una onda estacionaria mucho más fuerte
y amplifica la frecuencia fundamental. Los resonadores, además de elevar el extremo superior
del rango dinámico de vibráfono, también afectan el tono general del vibráfono, ya que
amplifican la fundamental, pero no los parciales superiores.

Si se observa la diferencia en los conjuntos de resonadores delante de los dos vibráfonos, la

diferencia es puramente cosmética. En el vibráfono de Locke, los resonadores son solo el largo
que necesitan ser. El vibráfono Hutcherson, los resonadores en el extremo superior son mucho
más largos de lo necesario para ser producir un arco frontal como se ve en muchos
instrumentos (y la tapa se encuentra cerca de la parte superior de los tubos). Ambos
instrumentos incluyen tubos resonadores no funcionales con ninguna lámina de arriba para
evitar que corresponde un aspecto desdentado.

Debe existir un equilibrio entre el efecto amplificador del resonador y la duración de las
vibración de la lámina. Básicamente, toda la energía de vibración en una lámina proviene del
golpe inicial que recibió del mazo. La duración de la percusión puede variar, tratándose de una
percusión fuerte pero muy breve o no tan fuerte pero más lenta. Esto no es un problema con
marimbas y xilófonos en los que la duración de las vibraciones de las láminas de madera es
corto; pero las láminas de vibráfono puede vibrar durante mucho tiempo después de ser
golpeadas, efecto muy deseable en muchas circunstancias. Por lo tanto los resonadores en un
vibráfono suelen ser sintonizado a estar ligeramente desviado de paso para crear un equilibrio
entre la sonoridad y el la duración del sonido. [6]

Otra diferencia en resonadores es la presencia de un disco giratorio en la parte superior de

cada resonador. Los discos para un grupo de resonadores acoplados a un solo eje son movidos
en conjunto por un motor eléctrico. Cuando los discos están abiertos (posición vertical) los
resonadores tienen una función completa. Cuando los discos están cerradas (en posición
horizontal) la columna de aire vibrante está bloqueado, lo que reduce el efecto de
amplificación. Como los discos giran, esto varía la amplitud del instrumento, creando un
efecto.

Algunos sostienen que llamar a este efecto vibrato es incorrecta, diciendo que el vibrato es
una variación en el tono, no de amplitud. El término correcto debería ser el trémolo, una
variación en la amplitud, y por lo tanto el vibráfono se denomina incorrectamente, sino que
debe ser llamado un tremolófono. Otros sostienen que el uso común de vibrato y trémolo es ni
de lejos tan preciso, incluso entre los músicos con experiencia que seguramente deben saberlo
mejor. Podría decirse que, como el instrumento no se llama un vibratofono, la metáfora de la
vibración no se estira demasiado de todos modos. Además, en este contexto, es la
consideración adicional de que las placas de rotación interfieren con los frentes de onda en los
tubos resonadores al causar variaciones del efecto doppler de paso. Esto puede ser observado
usando un osciloscopio.3

Cojín amortiguador

El cojín amortiguador es una franja de madera cubierta de felpa , al igual que en el piano, por
lo general alrededor de una pulgada de ancho y profundo, que corre por la mitad del
vibráfono. Se inserta en las bisagras en los extremos, y un pedal en el medio. Cuando el pedal
está para arriba, las almohadillas de amortiguación hacen contacto con las láminas y, cuando
se pisa el pedal, la barra de amortiguación se separa hacia abajo, permitiendo que las láminas
suenen libremente.

El cojín amortiguador es la fuente de muchos problemas de mantenimiento para los

vibráfonistas. La plataforma debe estar perfectamente nivelada, tanto de izquierda a derecha y
de adelante hacia atrás, para tomar contacto con todas las láminas de forma simultánea.
Cuando no está a nivel, algunas láminas dejarán de sonar antes de que otros, lo que dificulta la
articulación de manera limpia. Después de algunos años de uso, las láminas pueden hacer
muescas, comprimiendo el fieltro y causando a veces un zumbido por el leve contacto de la
almohadilla con las láminas. Además, cuando las láminas son golpeadas, mientras que el cojín
amortiguador está en contacto con ellas, la almohadilla puede transferir la fuerza del impacto
en el marco, sacudiendo todo lo que está suelto.

A principios de 1990, el vibrafonista John Mark Piper diseño un nuevo vibráfono Musser que,
entre otras innovaciones, incluyó un cojín amortiguador lleno de agua. Más tarde esa década,
el fabricante Nico van der Plas mejora en la idea mediante el uso de silicona en gel como el
relleno. Estas almohadillas eliminan la transferencia de impacto y proporcionar más
durabilidad. Muchos vibráfonos han sido adaptados con almohadillas de gel, aunque la gran
mayoría de los vibráfonos todavía utilizan amortiguadores.

Motor
Por lo general tienen un motor eléctrico y polea montada en un lado u otro para conducir los
discos de los resonadores. El uso de los motores es hacer girar las aspas que están en el
interior de los resonadores. En aquel entonces había poca o ninguna capacidad de ajuste de
velocidad. Cualquiera posible ajuste de velocidad se hace al mover la correa de transmisión
entre un pequeño número de poleas (normalmente tres) de diferentes diámetros.

Más tarde, los motores CA de velocidad variable se instalaron a petición con precios
razonables. Estos motores permiten el ajuste de la velocidad de rotación a través de un
potenciómetro montado en un panel de control cerca del motor. Por lo general las tasas de
rotación de apoyo son alrededor de 1 Hz hasta alrededor de una docena Hz. Estos motores
sigue siendo la solución preferida hasta la década de 1990, y hasta el día de hoy sigue siendo el
más utilizado.

Durante la década de 1990, algunos fabricantes comenzaron a usar motores servo controlado
por ordenador. Estos motores permiten velocidades de rotación tan lenta que se acercan a 0
Hz. El control de la computadora también permite que las operaciones que no son posibles con
un motor analógico, como la capacidad de sincronizar la rotación de los dos conjuntos
resonador y detener la rotación en un estado deseado (todos abiertos, cerrados, abiertos
todos los media, etc) .

Marco

El marco del vibráfono ofrece una serie de retos a los diseñadores. Debe ser lo suficientemente
resistente para soportar las fuerzas de torsión creada por el amortiguador / resorte / pedales y
los esfuerzos repetidos de transporte y de uso, sin dejar de ser lo suficientemente ligero para
un fácil transporte. Además, las láminas deben estar firmemente sujetas al chasis, pero no
rígidamente unidas a él. Cada lámina debe tener un poco de juego independiente para su
flexión al vibrar.

El marco del vibráfono consta de dos bloques de extremo, de metal, madera o una
combinación, unidos por los miembros de apoyo. Por lo general, los bloques de extremo son
aproximadamente del mismo tamaño que los dos bares que están en el mismo fin, por lo que
un bloque es significativamente más grande que el otro.

El motor está fijado a la estructura en un extremo. Las bisagras de la barra de amortiguador se

adjuntan en cada extremo, y la asamblea de primavera y el pedal suelen insertarse en el
medio. Dos bancos de tubos resonadores se establecen en las ranuras en el marco de modo
que se sitúan en el bar del amortiguador. Los resonadores no están bien adheridas al marco.
Los extremos de los ejes que la banda de los discos se sujeta a la unidad del motor a través de
una correa de transmisión similar a una junta tórica.
Una cama para las láminas se hace mediante la fijación de cuatro carriles de madera en espigas
en los bloques de extremo. Al igual que los resonadores, estos carriles no están firmemente
unidos a la estructura. Cada tren tiene una serie de pines con separadores de goma que
apoyará las láminas . Las láminas están dispuestas en dos grupos, y una cuerda suave se pasa a
través de los orificios nodal en las láminas de cada grupo. Las láminas se colocan entre las
patillas de apoyo, con el cable de conectar las clavijas. Los pines en los carriles exteriores
tienen forma de U, ganchos y la cuerda solo descansa en la curva. Los pines en su interior
tienen un gancho que sujeta el cable y tiene las láminas en su lugar contra la fuerza de la
almohadilla del amortiguador. Los dos extremos del cable se unen con un resorte en un
extremo para proporcionar la tensión y flexión. Las dos filas de láminas siguen la convención
de piano de teclas en blanco y negro, con la fila más cercana al jugador correspondiente a las
teclas blancas. Al igual que con el piano, las notas más bajas están a la izquierda del jugador. A
diferencia de la marimba y el xilófono, las dos filas de láminas se encuentran en el mismo
plano horizontal para que la barra del amortiguador entren en contacto con las dos filas, al
mismo tiempo. Marcos vienen en una variedad de estilos, desde funcional a ornamentado,
pero, a excepción de forma negativa a través de vibraciones y ruidos, que en realidad no
contribuyen a las cualidades tonales del vibráfono. Algunos marcos permiten la distancia entre
las láminas y los resonadores que deben ajustarse, para compensar las variaciones en la
temperatura del aire, presión y humedad que cambiar la velocidad del sonido y por lo tanto la
afinación de la lámina de sistema de caja de resonancia, pero esto es más común en las
marimbas de vibráfonos. Otros marcos permiten el ajuste de la altura de la cama bar. Es
común ver a los jugadores que no tienen esta capacidad inclinados sobre sus instrumentos,
mientras juegan en la altura reglamentaria de los marcos no ajustable suele ser demasiado
baja para los hombres de estatura mediana.

Mazos

Juego de mazos típicos para vibráfono.

Los mazos suelen consistir en un núcleo de pelota de goma envuelta en hilo o cordón y unido a
un palo delgado, más comúnmente hechos de bejuco o abedul (otras materias, como el nailon,
se utilizan algunas veces) son los adecuados para el vibráfono también en general, y para la
marimba.

Los mazos utilizados pueden tener un gran efecto sobre las características tonales del sonido
producido, que van desde un sonido metálico de golpe duro, a un sonido suave sin ataque
inicial. En consecuencia, una gran variedad de mazos está disponible, ofreciendo variaciones
en la dureza, tamaño, peso, longitud del eje y la flexibilidad.

Por lo general, los músicos deben llevar y usar una amplia gama de tipos de mazo para dar
cabida a las demandas cambiantes de los compositores que buscan sonidos particulares. Los
músicos de jazz, en cambio, escogen un mazo de propósito general del tipo único que funciona
bien en todos los rangos dinámicos. A menudo esta elección se convierte en uno de los
elementos que definen el estilo personal del músico. Muchos vibrafonistas de jazz alternan
mazos disponibles en el mercado para conseguir el tono que quieren.
Técnica

El mundo de los vibráfonistas pueden dividirse en aquellos que tocan con dos mazos, y los que
tocan con cuatro. En realidad, la división no es tan clara. Muchos músicos cambian entre dos,
tres y cuatro mazos en función de las exigencias de su situación musical actual. Por otra parte,
concentrándose en el número de mazos que un músico tiene significa perder las diferencias
más significativas entre los estilos de tocar dos y cuatro baquetas. A partir de 2008, estas
diferencias no son tan extensas como lo fueron cuando Gary Burton introdujo por primera vez
al mundo al estilo de 4 baquetas de la década de 1960, pero aún existen en gran medida.

Estilo de dos baquetas

El estilo de dos baquetas es tradicionalmente lineal, como tocando una trompeta, por ejemplo.
Los músicos de 2 baquetas suelen concentrarse en tocar una línea melódica única y dependen
de otros músicos para proveer acompañamiento. La interpretación de dos notas tocadas
simultáneamente se utiliza a veces, pero sobre todo como un refuerzo de la línea principal
melódica, similar al uso habitual de dobles cuerdas en un solo de violín. En los grupos de jazz,
dos baquetas son generalmente considerados parte de la "primera línea" con los trompetistas,
contribuyendo solos de su cuenta, pero que aportan muy poco en el camino de
acompañamiento de otros solistas. Músicos de Dos baquetas usan diversos agarres, y la más
común es un agarre con las palmas hacia abajo que es básicamente el mismo que el agarre
emparejado utilizados por percusionistas. Los mazos se llevan a cabo entre el pulgar y el dedo
índice de cada mano, con los otros tres dedos de cada mano presionando los ejes en las
palmas hacia abajo, hacia arriba. Se trata de utilizar una combinación de movimiento de la
muñeca y controlar con los dedos el mazo.

Otro agarre popular es similar al agarre de las baquetas de timbal. Los mazos son de nuevo
entre el pulgar y los dedos índice y controlar con los otros tres dedos, pero las palmas se llevan
a cabo en posición vertical, mirando hacia el interior, una hacia la otra. La mayor parte de la
acción viene de tiempos el control de los dedos la punta de los ejes.

El músico tiene que prestar mucha atención a la utilización del pedal con el fin de articular
limpiamente y evitar varias notas sonando sin querer, al mismo tiempo. Dado que las notas de
timbre para una fracción significativa de un segundo cuando se golpea con la almohadilla del
amortiguador, y láminas de llamada no deja de sonar inmediatamente cuando fue contactado
por la libreta, una técnica llamada “pedaleo retardado" es necesario. En esta técnica, el pedal
se presiona ligeramente después de que la nota suene, en breve lo suficiente después de tanto
que la nota continúa azotaron recientemente a sonar, pero el tiempo suficiente después de
tanto que la nota anterior ha dejado de sonar. Otra técnica es amortiguador "medio" de
pedaleo, donde se pise el pedal lo suficiente para eliminar la presión del resorte de las
láminas , pero no lo suficiente para que el teclado no pierda el contacto con las láminas. Esto
permite que las láminas suenen un poco más largo que con el teclado por completo y se puede
utilizar para hacer un rápido pasaje medio sonoro más legato sin pedalear cada nota.
Estilo de cuatro baquetas

El estilo de tocar cuatro baquetas es multi-lineal, como un piano. "Pensar como un pianista,
arreglador, orquestador y, el vibrafonista se acerca al instrumento como un piano y se centra
en una forma multi-lineal de tocar." En los grupos de jazz, vibrafonistas de cuatro a menudo se
consideran parte de la sección rítmica, por lo general en sustitución de piano o guitarra, y
proporcionar el acompañamiento de otros solistas, además de ser ellos solos. Por otra parte, el
estilo de cuatro baquetas ha dado lugar a un importante conjunto de solistas acompañantes.
Un ejemplo notable es el rendimiento de Gary Burton de "Chega de Saudade (No More Blues)"
de su álbum ganador del Grammy de 1971 "Alone at Last”.

Aunque algunos músicos hicieron uso de cuatro mazos, especialmente Red Norvo y, a veces
Lionel Hampton, el enfoque pianístico de cuatro baquetas es plenamente, y casi en su
totalidad creación de Gary Burton. Muchas de las técnicas fundamentales del estilo de cuatro
baquetas, como tocar multi-lineal y las técnicas avanzadas de amortiguación que se describen
a continuación, se aplican fácilmente a tocar con dos mazos y algunos músicos modernos de
dos baquetas se han adaptado estos dispositivos a su forma de tocar, acabando con las
diferencias entre los estilos modernos de dos y cuatro mazos.

El mango más popular de cuatro baquetas para vibráfono es la fuerza Burton, llamado así por
Gary Burton. Un mazo se coloca entre el pulgar y el dedo índice y el otro se sostiene entre los
dedos índice y medio. Los ejes cruzan en el centro de la palma y se extienden más allá de l
talón de la mano. Para intervalos de ancho, el pulgar se mueve a menudo entre los dos mazos
y el mazo en el interior se lleva a cabo en el hueco de los dedos. También popular es la fuerza
Stevens, nombrado para marimbista Leigh Howard Stevens. Muchas otras empuñaduras están
en uso, algunas variantes de las Burton o Stevens, otras creaciones idiosincrásicas de los
jugadores vibraciones individuales. Una variante común de las garras Burton coloca el mazo de
fuera entre los dedos corazón y anular, en vez de entre el índice y medio.

Muchos músicos adaptan el "agarre estándar" por los diversos grados para adaptarse a su
propia fisiología y expresión musical. Vibrafonistas de cuatro baquetas suelen tocar escalados
pasajes lineales muy similar a los vibrafonistas de dos baquetas, utilizando un mazo de cada
mano (fuera de la derecha y la izquierda en el interior para un mejor agarre, a lo Burton), a
excepción de los “cuatro baquetas”, que tienden a hacer mayor uso de golpes dobles, no solo
para evitar cruzar las manos, sino también para reducir al mínimo el movimiento entre las dos
filas de láminas . Por ejemplo, una escala ascendente E, podrían desempeñarse LRRLLRRL,
manteniendo la mano izquierda en las “notas negras” y la mano derecha sobre las "blancas".
Para pasajes lineales con saltos, los cuatro mazos se usan a menudo de forma secuencial. El
vibráfono se introduce en el jazz (sus principales intérpretes son Red Norvo, Lionel Hampton,
Milt Jackson, Gary Burton y Bobby Hutcherson) y, desde los Estados Unidos, pasó al París
bohemio, desde donde se extendió por toda Europa.
Una técnica ocasional en la llamada música contemporánea y en el jazz es el empleo de un
arco de violonchelo para hacer que las láminas produzcan sonidos tenidos.