HISTORIA DEL DISEÑO GRÁFICO II

U.D. 1. Las vanguardias artísticas y su influencia en el diseño gráfico

1. Vanguardias artísticas: concepto, causas de su desarrollo

Entre las últimas décadas del siglo XIX y las primeras del siglo XX, en casi todos los países con un
cierto grado de desarrollo industrial se puso de manifiesto un sentido del presente y un ansia de
romper con los estilos del pasado.

Vanguardias artísticas: concepto

 Estilos artísticos que aparecieron en la primera mitad del siglo XX

 Propuestas rupturistas radicales que suponen una auténtica revolución de las artes plástica.

 Los artistas abandonan la imitación de la naturaleza para centrase en el lenguaje de las

formas y los colores.

 Los estilos dejan de ser internacionales para ser característicos de un grupo de artistas.

Vanguardias artísticas: causas de su desarrollo

Para entender las razones por las que las vanguardias artísticas se desarrollaron, es necesario
echar la vista atrás, al siglo XIX.

Acontecimientos políticos que provocaron una reacción intelectual en contra de la sociedad de la

época

 la constitución de la Segunda y la Tercera República Francesa (1848 y 1871)

 la Primera Guerra Mundial (1914)

Empieza así el estereotipo de artista incomprendido, bohemio y comprometido con una serie de
valores contrarios a todo ese mundo convulso que provocaba situaciones miserables y
desafortunadas

Acontecimiento artístico: los Salones de París, unas muestras artísticas anuales de elevado
prestigio que contaba con un jurado tradicional y conservador, y de donde fueron rechazados la
mayoría de pintores impresionistas. Estos inauguraron, por iniciativa propia, los llamados Salón de
los Rechazados con la intención de que su trabajo, aunque no fuera aceptado en la muestra
principal, pudiera ser apreciado y valorado por el público.
Impresionismo (s. XIX)

Aunque algunos historiadores dejan fuera de la clasificación de vanguardias al Impresionismo, fue

el primer movimiento que se rebeló contra los gustos que imperaban en la época. En su caso, el
Impresionismo no buscaba el rechazo del público, sino que se olvidaba de la acogida que pudiera
tener su trabajo, en favor de una nueva manera de captar la realidad.

Pone toda su atención en captar el instante, la impresión. Es una pintura de aire libre que
requiere una pincelada rápida y directa, que permita resolver una obra en pocos minutos.

Es lo más parecido a la fotografía instantánea hecha pintura. Esa es la razón por la que las obras
impresionistas dieron la sensación, a final del siglo XIX, de ser obras inacabadas, imperfectas, y por
tanto, fueron despreciadas

2. Vanguardias artísticas (1ª ½ siglo XX)

El arte del siglo XX supone la ruptura con la tradición artística. Las vanguardias se desarrollaron
como una suma de opciones a través de una disparidad de tendencias entre 1900 y 1945.

Puede decirse que el único punto en común entre las distintas tendencias es su actitud de rechazo
a la tradición que empujó a los artistas a la experimentación que desencadenó nuevas
formulaciones plásticas:

 Fauvismo: consagración de la autonomía cromática

 Cubismo: redujo las formas a una suma de fragmentos
 Futurismo: exaltación maquinista
 Expresionismo: exaltación de lo subjetivo
 Dadaísmo: repulsa a la racionalidad
 Surrealismo: liberación de los instintos
 Neoplasticismo, suprematismo, constructivismo: geometrización de las formas

Fauvismo
El fauvismo fue un movimiento pictórico francés que se desarrolló entre 1904-1908
aproximadamente.

El movimiento surge a raíz del Salón de Otoño de 1905, cuando un grupo de artista se presenta a
concurso, y ante la incapacidad de clasificar sus obras por el uso de los colores y la forma salvaje
de pintar, son colocadas en un salón aparte y calificados de incoherentes.
El nombre fauvismo, surge del crítico de arte Louis Vauxcelles, que describe el trabajo de estos
artistas como “Donatello entre las fieras”. Fiera en francés es Fauve, de allí Fauvismo. Esta
denominación peyorativa agradó al grupo, que la adoptó de inmediato.

El fauvismo se caracteriza por

 Protagonismo del color. La pintura es para los fauvistas una superficie plana coloreada.
Este planteamiento supone renunciar a la búsqueda de la ilusión de la realidad.

 Aplicación violenta de los colores sobre la tela, rompiendo con la copia exacta de la
realidad, y prevaleciendo la visión subjetiva y estética del artista

 Uso de colores primarios en tonalidades chillonas y agresivas.

 Utilizan la técnica de la pincelada suelta y gruesos empastes.

Henri Matisse (1869-1954)

Armonía en Rojo (1908)

Los planos compositivos y la profundidad han sido supeditados al colorido.

Los elementos decorativos de la pared del fondo se repiten en primer plano y el uso
indiscriminado del rojo hace que se fundan por completo cada uno de los planos.

Las formas son planas y completamente bidimensionales, sin ningún tipo de modelado,
reforzando el carácter plano de la pintura

Para anular la ilusión de profundidad, trata con igual intensidad cromática y detalle todos los
elementos, tanto en primer plano como en segundo plano.

Los colores son puros y se utilizan sobre todo los primarios mientras que los secundarios se
utilizan para los pequeños detalles.

Construye así un interior abigarrado en los que los elementos no están jerarquizados
espacialmente.

En Retrato de raya verde (1905)

El rojo y el verde se contraponen a violetas y amarillos. No utiliza el negro, sino el verde para la
sombra

La colocación del mismo color en distintos planos espaciales (vestido, fondo del cuadro), anula la
virtualidad de la tercera dimensión en beneficio del carácter plano del cuadro.

Maurice de Vlaminck (1876- 1958)

Como temas elegirá casi exclusivamente los paisajes y las naturalezas muertas. Sus paisajes
dramáticos se inspiran directamente el colorido y la pincelada de Van Gogh.

Árboles rojos (1906).

Esta pintura representa muy bien el fauvismo en el uso de los colores planos y sobre todo de
colores puros como el verde, el azul y el rojo.

Hay un cierto respeto de los colores de los objetos representados (las hojas verdes, los techos
rojos, las sombras…), sin embargo, las formas de los árboles y de las casas están simplificadas,
todo aparece como sobre el mismo plano.

André Derain (1880-1954)

Muestra colores puros, a menudo aplicados sobre el lienzo directamente con el tubo, con
pequeños toques gruesos y cuadrados que daban a la superficie pictórica un aspecto de mosaico,
con pinceladas irregulares y despreocupación por la perspectiva.

Puente en Londres (1906)

Puente de Waterloo (1906)

Expresionismo

Simultáneamente al Fauvismo surgió en Alemania una tendencia basada también en la exaltación

del color, aunque con postulados formales e ideológicos diferentes.

Y es que con el Expresionismo alemán se introdujo una actitud que será muy repetida en el siglo
XX: la de afrontar el arte como una postura particular ante la vida, como una proyección de un
estado de ánimo.

Los expresionistas buscaron la distorsión de la realidad.

 recursos plásticos:
o alteración de figuras y objetos a través del tratamiento de la superficie
o aplicación violenta de la pintura.
o exageración del color, el dibujo y la proporción.
Hay una primacía de la “expresión subjetiva” frente a la objetividad del “impresionismo”.

Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938).

El miembro más activo, sus pinturas son todas imágenes de la soledad de la vida en la sociedad
del momento subrayadas por los trazos angulosos y los colores ácidos.

El tema de la ciudad ya lo había representado en Calle de Dresde (1908), pero en Berlín se

produce un cambio de estilo, con un endurecimiento del dibujo que rompe los contornos y
convierte a los transeúntes en formas alargadas y llenas de angulaciones.

El contraste ente Calle de Dresde y Una calle de Berlín (1913) ilustra el cambio entre su primera
época y su madurez artística.

En la obra berlinesa

 los cuerpos han perdido sus redondeces y los contornos han sido sustituidos por una línea
fragmentaria y quebrada

 el alargamiento de las figuras se potencia mediante un encuadre más cercano y el

formato vertical, que parece constreñirlos lateralmente, obligando a su estiramiento.

 el color deja de aplicarse en tintas planas y es aplicado en tramos direccionales que dan
una sensación de nerviosismo que aumenta la expresividad del dibujo.

Cinco mujeres en la calle (1913)

El grupo de mujeres, sin comunicación entre ellas, está compuesto por formas alargadas. Tanto en
los zapatos, en las plumas, en los cabellos como en las pieles, se acentúan las formas puntiagudas,
las líneas en zigzag.

Los rostros parecen tallas primitivas.

No hay perspectiva, no hay ningún otro indicio del entorno.

Emil Nolde (1867-1956)

Era el mayor de los miembros del grupo y su estilo ya estaba formado cuando se adhirió a él.

Su carácter individualista le impidió adaptarse al trabajo en común, pero su pintura plasma

perfectamente la elementalidad primordial que perseguían los miembros del grupo.

Danza alrededor del becerro de oro (1910), Bailarinas de las velas (1912)
Ambas pinturas constituyen ejemplos de una gran agresividad visual. El anhelo de hacer visible la
fuerza del instinto queda logrado en estos cuadros.

Las bailarinas son captadas en momentos de verdadero éxtasis liberador mediante un dibujo
simplificado en función de una expresividad que bordea lo grotesco y un colorido vivo y aplicado
con vehemencia que consiguen la verdadera representación de la danza como rito violento.

El motivo de las bailarinas representa una excepción en una obra donde el paisaje y las escenas
bíblicas son temas frecuentes.

Edvard Munch (1863-1944, sufrió muy joven la pérdida de sus seres queridos, y el espectro de la
muerte lo acompañaría durante toda su vida.

Por ello los temas más frecuentes en su obra fueron los relacionados con los sentimientos y las
tragedias humanas.

 la soledad: Melancolía (1891)

 la muerte: La cama del difunto(1895)

 el erotismo: El beso (1897)

 la angustia: El Grito (1893)

Rasgos de su estilo:
 Intensificación de la fuerza expresiva de la línea
 Reducción de las formas a su expresión más esquemática
 Empleo de los colores en agresivas bandas de color

Las formas y los colores intentan expresar el sentimiento del autor y no una verdad racional.

Kathë Kollwitz (1867-1945)

Artista gráfica que comienza con obras cercanas al realismo del siglo XIX

Ciclos gráficos

 La rebelión de los tejedores (1893-97)

 Guerra de los campesinos (1902-08).

A partir de su tercera serie: La guerra (1923), grabada en madera, se advierte un desplazamiento a

la órbita expresionista.
Kollwitz destacó con un estilo de líneas rotundas y contrastes entre el negro y el blanco muy
marcados.

Los temas se centran en los testimonios, no de las batallas heroicas, sino de los sacrificios
humanos, del dolor sin límites de los efectos de los conflictos bélicos en la población.

Así lo vemos en

El sacrificio (Das Opfer), donde una madre alza el cuerpo inocente de su hijo, que se inmolará en la
guerra

La Viuda (Die Witwe I), en la que una mujer del pueblo, embarazada, protege su vientre con una
manos fuertes, vigorosas

Monumento a Karl Liebknecht. Kollwitz crea esta imagen como respuesta al brutal asesinato de
Karl Liebnecht, líder comunista que lideró una revuelta contra el gobierno en 1919. Fue asesinado
por unidades paramilitares.

La composición de Kollwitz se basa en las tradicionales escenas del lamento por Cristo muerto, lo
que le da a Liebknecht el papel de mártir. La artista presta especial atención a la dignidad y el
drama de los seguidores de Liebknecht que habían puesto su esperanza en él.

Realiza también numerosos carteles antiguerra como abanderada pacifista y socialista resistiendo
el avance del nacionalsocialismo.

El Cubismo

 El cubismo inició una nueva tradición artística con un enfoque distinto, que terminó con
400 años de influencia renacentistas en el arte pictórico.

 Introduce un nuevo concepto de diseño independiente de la naturaleza.

 Se basa en la descomposición de objetos en formas geométricas, sin profundidad y los

simultáneos puntos de vista

Pablo Picasso (1881-1973).

Picasso acusó la influencia de:

 la pintura de Cézzane: valores constructivos del dibujo y una ordenación de los espacios.

 el arte ibérico: desproporciones anatómicas, que dan eficacia expresiva

  las mascaras negras: tratamiento de los rostros desde presupuestos distanciados del
naturalismo.

Estas influencias se pueden ver su primera gran obra: Las señoritas de Avignon (1907)

 tratamiento de los rostros.

o en las figuras centrales: influencia del arte ibérico primitivo, totalmente planos y
delimitados en negro. Los ojos son frontales y esquemáticos, la nariz se muestra
de perfil.

o las facciones de las mujeres de la derecha, las de mayor radicalidad

antinaturalista, evidencian su parentesco con las máscaras africanas.

 articulación de las mujeres con el fondo de cortinas que las envuelve tiene un claro
vínculo con las Bañistas de Cézzane.

Todas las mujeres poseen cuerpos esquemáticos y angulosos en los que confluyen diferentes
puntos de vista.

No hay sensación de volumen ni de espacio, el fondo se entremezcla con las figuras al quebrarse
en una diversidad de planos que se engarzan con los formados por los desnudos.

Su aportación al cubismo se puede ver en la evolución que se observa en obras como:

Mujer con peras (1909) los volúmenes están tallados en planos con método escultórico, dando a la
figura una corporeidad de carácter macizo que se impone a la descomposición del espacio.

Retrato de Ambroise Vollard (1909-10) el lienzo está ocupado por una tupida red de líneas que son
el resultado de la absoluta disección de las formas, pero que todavía revelan fielmente los rasgos
del personaje.

El hombre con clarinete (1911). Esta composición piramidal en abanico nos muestra un personaje
portando un instrumento musical, del que sólo podemos descifrar los signos básicos.

Aunque Picasso somete al personaje a una descomposición formal extrema que nos lleva a una
lectura abstracta, mantiene la colocación vertical de la figura.

Esta disposición nos hace suponer que se trata de un retrato, aunque sólo sean visibles algunos
rasgos individuales del personaje y del espacio en el que se encuentra.
En 1937 recibe el encargo de pintar un mural para el Pabellón Español de la Exposición Universal
de París que se celebraría en junio. El bombardeo de Guernica por la aviación alemana en abril de
ese año le proporcionó el tema. Realizó numeroso bocetos.

En el Guernica, Picasso refleja diversas influencias:

 clasicismo en la estructura piramidal y en la vertical que divide la composición.

 surrealismo aparece en el entramado onírico de la escena y la simbología de sus

elementos figurativos

 El expresionismo: en la deformación y el patetismo descarnado de las mujeres.

 El cubismo: en la fragmentación de los planos y la severidad cromática, conformada

exclusivamente por grises.

Todos los elementos contribuyen de una forma coherente a dotar de significación a unas formas
que se han erigido en una denuncia de los horrores de la guerra.

Fernand Lèger (1881-1955)

Se aleja del cubismo ortodoxo para dotarlo de un colorido propio y una temática orientada a la
iconografía de la máquina. Artefactos y robots, convertidos en cilindros y conos son el retrato
perfecto de esos primeros años del siglo XX, un mundo nuevo y deshumanizado.

Rasgos de su estilo:

 superficies planas de color

 los motivos urbanos
 la precisión angulosa de las formas mecánicas
 colores primarios
 estructuras abstractas de formas geométricas, pero nunca saliéndose del todo de lo
figurativo.
La partida de cartas (1917), Tres mujeres (1925)

El trabajo gráfico de Lèger para el libro El fin del mundo filmado por el ángel de Notre Dame (1919)
de Blaise Cendrars, puede considerarse dentro del cubismo.
Para las ilustraciones combina el negro, naranja, amarillo, rojo, azul.
La tipografía robusta le da un carácter mecánico.
La disposición agitada y la descomposición de formas tienen relación con el cubismo y el
futurismo.
Futurismo
Vanguardia que surge en Italia y que propugna demoler la tradición y sustituirla por los signos de
la nueva época.

Elaboraron una estética maquinista en la que el coche y la ciudad se convierten, por el dinamismo
que desprenden, en símbolo de la modernidad. La nueva estética futurista se expresa a través de
la representación del movimiento, el dinamismo, la velocidad.

La pintura futurista toma la articulación en planos del cubismo. Consiguen una disolución de
formas que representaba la luz y el movimiento. A diferencia del cubismo, los futuristas utilizan el
color.

El resultado final es una especie de cubismo dotado de vivacidad cromática y dinamismo, que
quiere representar los distintos estados de una figura en movimiento

La obsesión por representar el movimiento en estado puro llevo a muchos de los futuristas casi a
la abstracción, eliminando lo anecdótico para dejar protagonismo a la fuerza expresiva de las
líneas vectoriales. Alcanzan un gran nivel de abstracción.

Giacomo Balla (1871-1958): Dinamismo de un perro con correa, (1912), Automóvil, velocidad, luz
(1913)

Umberto Boccioni (1882-1916): Dinamismo de un ciclista (1913), Dinamismo de un jugador de

fútbol (1911)

Aportaciones al diseño gráfico y la imagen gráfica. Los futuristas italianos utilizan el valor visual
de la palabra escrita y convierten la escritura o la tipografía en formas visuales concretas y
expresivas con entidad pictórica, rechazando las normas establecidas sobre la armonía, y creando
“palabras en libertad”.

Características tipográficas:

 tipografías distintas
 tamaños y tipos que refuerzan el sonido
 empleo de onomatopeyas
Fortunato Depero, (1892 –1960)

Fue un artista constructor de todo un universo futurista, un artista polifacético, pintor, escultor,
dramaturgo y escenógrafo, escritor, poeta, ensayista, diseñador gráfico de publicidad comercial,
de pabellones de ferias, de libros, revisto y logotipos comerciales.
Inventó uno de los primeros libros de artista de la historia, el célebre libro "atornillado".

El "libro atornillado" de 1927, se llama así porque sus páginas-fichas están agujereadas y sujetas
por dos pernos industriales de aluminio.

 Lo bautizó como Depero Futurista

 Es un libro de artista con 240 páginas
 Incluye experimentación tipográfica, atrevidos diseños y las obras casi completas de
Depero en todos los medios.
 El libro fue un escaparate para el trabajo de Depero, completado entre 1913 y 1927.
Depero fue un adelantado de la mercadotecnia de uno mismo: “La autopromoción no es una
expresión vana, inútil o exagerada de la megalomanía. Es la irreprimible necesidad de dar a
conocer al público, y de forma rápida, las creaciones e ideas de cada uno”.

Diseño de marcas con carácter futurista:

Pirelli, logotipo diseñado en 1908. Imagen de claro estilo futurista: el desproporcionado

ensanchamiento de la letra inicial expresa la idea de elasticidad del producto.

Mercedes, logotipo diseñado en 1926 (Gotlieb Daimler). Gran capacidad de síntesis. La estrella
plateada de tres puntas rodeada de un círculo que simboliza la capacidad de sus motores para
emplearlos en tierra, mar y aire. Es un diseño con un concepto gráfico que inspirará a otras
marcas.

Michelín, logotipo diseñado en 1898 (hermanos Michelin y el caricaturista Marius Roussillon)

Diseñaron un icono diseñado a partir de una pila de neumáticos que ha acompañado a generación
tras generación de viajeros de todo el mundo: Bibendum, la mascota que representa la imagen
gráfica de la empresa.

Abstracción

Abstracción y Figuración

La abstracción fue el último paso para proporcionar una autonomía total a la pintura pues
excluye la representación del cuadro, el único elemento que permanecía todavía vinculado a la
tradición.

A partir de entonces el arte con representación pasó a llamarse figurativo al existir otro arte, el
abstracto, en el que la representación había sido desplazada por la combinación de líneas, formas
y colores desvinculadas de connotaciones temáticas.
Corrientes dentro de la abstracción: Neoplasticismo, Constructivismo.

Neoplasticismo

De Stijl (en holandés "El estilo"), también conocido como neoplasticismo.

 movimiento artístico holandés fundado en 1917

 es también el nombre de un diario que fue publicado por Theo van Doesburg con el
objetivo de propagar las teorías del grupo.
Neoplasticismo

 buscaba expresar un ideal utópico en la armonía espiritual y el orden

 defendían la abstracción pura y una reducción de lo esencial en la forma y el color
 simplifican sus composiciones visuales en direcciones verticales y horizontales
 utilizan sólo colores primarios junto con el negro y el blanco.
Piet Mondrian (1872-1944)

Para Mondrian, la belleza es paz espiritual y reposo, y éste es fruto del equilibrio entre fuerzas
opuestas.

A partir de estas premisas, llegará a la elección de un reducido vocabulario formado por parejas
de contrarios:

 el color y el no color

 la línea vertical y la horizontal.

El color se reduce para Mondrian en los tres básicos: rojo, amarillo y azul, que enfrenta a la
superficie blanca del lienzo y el negro del dibujo, los no colores.

La línea queda reducida a la retícula ortogonal, la relación antagónica entre ejes que forman una
estructura que sirve de apoyo al color.

Armado con este simple utillaje, Mondrian logra armonías plásticas que encarnan el equilibrio
absoluto.

Mondrian pasa por una etapa fauvista, tras la que llega a una etapa cubista, donde están las
raíces de su estructura.

La serie de árboles realizada por Mondrian entre los años 1909 y 1912 ilustra la transición desde
una pintura cercana al fauvismo hasta el rigor de la trama ortogonal autosuficiente.
En esos cuadros y los siguientes observamos la paulatina transformación de la estructura arbórea
en una red lineal abstracta dominada por ángulos rectos.

Planos de color en oval (1914), Composicion oval (1914)

Composición en color (1917), los rectángulos flotan libremente sobre la superficie blanca del
lienzo, pero la inevitable sugerencia de profundidad que provoca la yuxtaposición de colores de
diferente intensidad luminosa y la superposición de elementos geométricos, le determina a
abandonar este tipo de composiciones.

Es entonces cuando introduce la malla ortogonal continua que “amarra” los rectángulos y
establece una continuidad entre todos los elementos del cuadro, colocándolos en un solo plano: la
superficie del lienzo.

Tras unas composiciones como Tablero de damas (1919), Mondrian reduce los colores al rojo, azul
y amarillo y alrededor de 1920 alcanza su estilo definitivo que supone la total depuración del arte
de la representación del mundo natural, fin de la dependencia de los valores externos y de los
caprichos subjetivos del individuo.

Composición rojo, azul, amarillo, gris (1921) Composición A (1923)

Theo Van Doesburg (1833-1931)

Aplicó los principios de De Stijl a la arquitectura, la escultura y la tipografía.

Theo van Doesburg realizó una serie de cuatro obras, tituladas Vaca (1917), que ilustran en cuatro
pasos el proceso de abstracción que siguió de un dibujo realista a uno totalmente abstracto.

Aunque su estilo evolucionó siguiendo las teorías neoplasticistas, que defendían el uso de la línea
recta y de los colores primarios, en 1925 Van Doesburg introdujo la diagonal en sus
composiciones, lo que desencadenó la ruptura definitiva con Mondrian.

Composición V (1924)

Para la revista De Stilj, Van Doesburg diseñó un logotipo con letras construidas a partir de una red
abierta de cuadrados y rectángulos.

Introdujo el formato cuadrado para la revista y empezó a utilizar la combinación de tipos rojos y
negros equilibrados asimétricamente, algo que iba a ser muy común en la tipografía de
vanguardia de los años 20.
La abstracción rusa: el Constructivismo

El constructivismo es un movimiento artístico que se originó en Rusia tras la Revolución rusa de

1917

El concepto primordial era la utilidad del arte. La acción artística era una acción educativa que se
manifestaba en el campo de la arquitectura, la escultura, el diseño industrial y el gráfico a través
de la impresión, sobre todo en los periódicos y revistas.

Se inicia por un grupo de artistas que buscan en el arte una función social con la intención de
construir un nuevo estado, una nueva sociedad y haciendo uso de las nuevas tecnologías

Aportaciones al diseño gráfico. Desde 1920 hasta la actualidad el constructivismo ruso ha sido
muy utilizado como referente en el diseño gráfico, por sus principales características:

 funcionalidad
 uso de formas geométricas
 colores planos y elementales: el rojo como parte del diseño
 perspectivas arriesgadas (puntos de vista)
 empleo del fotomontaje
 tipografías muy diversas
Las enseñanzas de este nuevo arte se impartían en las escuelas de arte y diseño (en las
Vkhutemas) donde se hizo hincapié en la discusión política e ideológica en vez de la creación
artística. Sirvió como herramienta política, por lo que las intervenciones arquitectónicas y
artísticas en la calle se convirtieron en algo común.

Artistas representativos del diseño gráfico constructivista:

Estaban aliados con el régimen por lo que gozaban de extrema libertad. Cuando sube al poder
Stalin (1932) se rechazará esta estética geométrica y abstracta y se impondrá una estética
figurativa (Nuevo realismo).

Aleksander Rodchenko (1891-1959), fue de los artistas más polifacéticos del constructivismo
ruso, se intereso tanto por la pintura, el diseño, la fotografía e incluso el arte cinematográfico.

Alexander Rodchenko empleó la sobreimpresión y el fotomontaje, mezclando tipos gruesos de

imprenta con las formas fotográficas, revolucionando la ilustración.
Cartel para la oficina de publicidad estatal de Leningrado . Lengiz (1924, fotomontaje, 22 x 29 cm,
Museo Pushkin, Moscú). Este cartel publicitario de Alexander Ródchenko es uno de los iconos de
esta época.

 Lo realizó para la Imprenta Estatal de Leningrado, cuyo acrónimo es Lengiz (ленгиз), la

palabra que aparece repetida encima y debajo de la foto de la chica.
 Lo que está gritando a los cuatro vientos es “Libros de todas las ramas del conocimiento”
(книги по всем отраслям знания).
 El pañuelo que lleva en la cabeza nos indica que es una chica de la clase trabajadora, que
está animando a sus camaradas a que cultiven sus mentes.
 Utiliza una combinación de fotografía en blanco y negro, formas geométricas y colores
planos.
 Todo combinado con la tipografía adaptada a las formas.
Los artistas del constructivismo ruso dedicaron una especial atención al cartel, que sirvió como
arma publicitaria para la nueva Rusia surgida tras la Revolución.

Este sistema, al utilizar imágenes muy expresivas junto al texto, es fácil de comprender tanto para
aquellos que saben leer como para los analfabetos.

Son de especial interés sus diseños para las portadas de los libros de Vladimir Maiakovski y sus
aportaciones a la revista LEF donde se encuentran algunas de sus obras más conocidas.

La seriación (secuencia de trabajos independientes unificados por elementos comunes o por una
estructura fundamental fue aplicada al diseño gráfico por Rodchenko.

En su serie de diez portadas para los libros Miss Mend (de edición económica)

 Empleó un formato geométrico clásico, impreso en negro y un segundo color.

 El título, el segundo color y el fotomontaje cambiaban en cada edición, llevando una
exclusividad en cada libro.
 Los elementos estandarizados aportan unificación, consistencia y economía a la serie
completa.
El Lissitzky (1890-1941) fue otro de los protagonistas de la abstracción rusa.

Lissitzky fue diseñador gráfico. Transformó literalmente la tipografía con sus nociones sobre la
arquitectura del libro.
Lissitzky construía sus diseños al programar visualmente el objeto completo. La composición
tipográfica y las imágenes fotográficas eran empleadas como material de construcción para armar
páginas, portadas y carteles.

Edición de los poemas de Maiakovsky “Para la voz" (1922)

La composición tipográfica y las imágenes fotográficas eran empleadas como material de

construcción para armar páginas, portadas y carteles.

Las herramientas principales que empleó en sus diferentes carteles propagandísticos para atraer
la atención y permanecer en la memoria son:

 uso de las diagonales

 empleo del rojo y negro (colores de la Revolución) contrastados sobre fondo blanco
 formas geométricas sencillas y puras
Golpead a los blancos con la cuña roja, litografía, 1919
Con esta obra, El Lissitzky concretaría el ideal constructivista que tanta repercusión tendría en el
mundo del diseño.

El cartel es entendido como un objeto público concebido para la masividad por lo que El Lissitzky,
mediante el uso de elementos geométricos en lugar de elementos figurativos instaura un nuevo
lenguaje formal que permite que la recepción sea inmediata: el “ejército rojo” (los comunistas),
representado mediante una cuña roja, aparecen en guerra con el “ejército blanco” (conservadores
y monárquicos) representado por un círculo blanco.

Formas sólidas, rectas, geométricas. Tipografía sencilla. Valor semántico, expresivo, connotativo,
dándole valor de consigna.
Dadaísmo

El dadaísmo se caracteriza por

 la oposición radical a la tradición artística

 la total y absoluta libertad creativa
 busca la provocación al espectador.
Sus obras buscaban impactar o dejar perplejo al público con el objetivo de que éste reconsiderara
los valores estéticos establecidos.

El artista francés Marcel Duchamp expuso como obras de arte productos comerciales corrientes
—un secador de botellas y un urinario— a los que denominó ready-mades. Marcel Duchamp
representa la esencia del dadaísmo en sus ready mades, que conducen a la reflexión sobre que es
el arte. Los ready-mades son objetos existentes descontextualizados. (“La Fuente”)

La revolución tipográfica, el collage absurdo, el fotomontaje y el diseño de revistas especializadas

son las aportaciones del dadaísmo al diseño gráfico.

Los descubridores del fotomontaje fueron John Heartfield, George Grosz, Raoul Hausmann y
Hannah Höch.

Heartfield empleó el fotomontaje como una potente arma de propaganda, como vehículo ideal de
crítica y agitación.

La revolución tipográfica llega de la mano de Kurt Schwitters. Su estilo comenzó a tomar forma en
torno a 1920, cuando realizó sus primeros collages a partir de pequeños fragmentos de madera,
recortes de periódico, billetes de tranvía y otros materiales de «desecho», que se transfiguraban
en sus obras mediante la incorporación del color o la adición de palabras o frases. A estas
creaciones el artista las denominó Merz, por el fragmento de la palabra Kommerz que aparecía en
un recorte de periódico incluido en uno de sus collages del comienzo.

Esta misma palabra dio título a una revista que fundó en 1923 y se publicó hasta 1932. En ella,
Schwitters dedicó varios números al diseño publicitario y a la nueva tipografía.